MARZO 2018

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DOGS
UNA MUJER FANTÁSTICA
READY PLAYER ONE

26/03/2018
EL TIEMPO NO PASA
POR KOJI KABUTO

I N F I N I T Y W A R
10 AÑOS DE PELÍCULAS DE MARVEL: ¿CÓMO LLEGAMOS AQUÍ?
 6
64 AVENGERS: INFINITY WAR
10 años de películas de Marvel. ¿Cómo
llegamos aquí? ¿Qué personajes mueren?
¿Cuales toman sus lugares? Analizamos la
historia previa al hito de este universo
cinemático para ver qué nos depara el destino
con la cinta de superhéroes más ambiciosa de
toda la historia.

72 PACIFIC RIM: UPRISING

Toca conocer la nueva visión de esta
fantasía de robots contra monstruos y cuánto se
extrañará la regordeta manita de Del Toro.

8
80 MAZINGER Z: INFINITY
Tocaya del filme de arriba, Mazinger Z será
un verdadero paseo por la carretera de la
memoria. Sin duda, un nuevo acercamiento a la
leyenda: ¿con qué malvadas bestias mecánicas se
enfrentará esta vez?

8
86 UNA MUJER FANTÁSTICA
Una forma natural de integrar a la
comunidad transgénero es normalizando su
presencia, y esta producción es maravillosa
independientemente de ese detallito que, si
acaso, la hace un poco más extraordinaria.

92 READY PLAYER ONE

De una novela de ciencia ficción, Steven
Spielberg regresa con una producción como las
que hizo en los 80, pero con efectos de hoy.
Morimos por verla y, mientras, EMPIRE platicó
con Spielberg y el elenco de la película. Prepárate
a ir hacia el futuro para habitar en el pasado, todo
de la mano de quien nos conmovió con E.T. y
espantó con Jaws.

0
08 TOMB RAIDER
Las aventuras de Lara Croft reinventadas
para una heroína más ad hoc con estos tiempos.
Es prácticamente imposible evitar las
comparaciones entre la sutil belleza de Alicia
Vikander y la fiera fisicalidad de Angelina Jolie.
34 WINCHESTER
¿Y si todos los que murieron por arma de
fuego decidieran reclamarle al creador de dicho
128 MASTER PIECE: BACK TO
THE FUTURE
Justo una historia de viajar en el tiempo se volvió
artefacto? Y luego a esos fantasmas les da por la atemporal; ¿por qué este filme se convirtió en LA
albañilería y construyen una casa de pesadilla. cinta durante los 80?

14 THE NEW MUTANTS

¿A quién no le fascina un buen cómic de
terror? Estos muchachos no son X-Men, son tan
mal portados que matan y te provocarán
pesadillas con el descontrol de sus poderes
mutantes. Los adolescentes amenazados por
entes sobrenaturales quedaron atrás. A ver qué
pasa cuando el mal viene de adentro.
50 HASTA QUE LA BODA NOS SEPARE
Como si no supiéramos que a veces el principal
obstáculo del amor es el matrimonio, pero ¿quién le
138 HISTORIA DE UNA TOMA:
THE ARTIST
El director de la trama nos platica de dónde salió
huye a un buen bodorrio? la idea sobre una de sus escenas más icónicas.
56 JESSICA JONES 2
Esta temporada te mantendrá al filo del
asiento: conocerás cómo fue que Jessica obtuvo
142 SODERBERGH Y CÓMO LLEVAR A
CABO UN ROBO DE PELÍCULA
Revisa esta lista de pasos antes de cometer un
sus poderes y la verás madrear a más de uno. atraco y síguela al pie de la letra.

2 MARZO 2018
 CARTAEDITORIAL
se hizo viral en redes sociales EditorIAL Ventas
el vídeo de dos pequeños Editor in Chief Directora General de Ventas
José Alberto Sánchez Marielos Rodríguez
afroamericanos viendo emocionados
un poster de Black Pantherr gritando Coordinador Editorial ventasTBG@editorial.televisa.com.mx
emocionados: “¡Yo soy éste, yo soy César Hernández
aquel!”. La representación es Editora
importante y el mensaje mucho más. Anaid Ramírez Marketing
Las películas de cómics siguen Directora de Relaciones Públicas
Elmis Reyes
siendo bombazos de box office aunque ArtE
muchos críticos empiezan a acusar el Directora de Arte
Director de Talento
Isabel Cisneros
desgaste de estas historias, después de Gustavo Rincón
casi 10 años de dominar Hollywood. Traducciones
A mí no me lo parece. El ejemplo Ary Snyder
Televisa publishing
de estos niñitos adoptando héroes que international
los inspiren y que esos héroes sean los Corrección Director General
de mis cómics no tiene precio. Luis Antonio Torres L. Porfirio Sánchez Galindo
Si algo tienen los héroes de esas historias, es que te invitan a conocer
otros mundos. A alcanzar lo mejor que ofrece la humanidad. A entender Online VENTA DE SUSCRIPCIONES
Editora web 01 800 222 2000
que los errores cuestan y que es posible redimirse. El mundo nerd tiene
Giovanna Franzoni
grandes historias para contar. Como la de Koji Kabuto y Mazinger de la ATENCIÓN A SUSCRIPTORES
que también hablamos en Mazinger Z: Infinity, y los robots no acaban allí, Community manager 01 800 REVISTA
porque también tenemos Pacific Rim: Uprising, la franquicia salida de la Alberto González 01 800 738 4782
cabeza de Guillermo del Toro y que de la mano de John Boyega busca
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consolidar a jaegers y kaijus cómo íconos de la cultura pop actual.
Diego Urdaneta
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4 MARZO 2018
 P ON L E FA ST FO RWA R D A L CA L E N DA R I O

6 MARZO 2018
 EMPIRE se
reunió con el
equipo técnico de
Soldado en un muy
frío set de Nuevo
México el 8 de
diciembre de 2016.

Elevando
la apuesta
Nuevo director y un tono más oscuro para
la secuela de Sicario: Soldado.
POR ALEX GODFREY

ANTES DE QUE EN 2015 se estrenara Sicario, la película

A
sobre cárteles mexicanos, ya se hablaba de una secuela. El tema
comenzó como “a tres cuartas partes de la realización de la
primera”, cuenta el productor Edward McDonnell. “Nos
encantaron la historia y los personajes”, agrega sobre la original.
Estelarizada por Emily Blunt como una agente del FBI que
se ahoga en la turbia moralidad de las operaciones, el filme
gustó tanto a críticos como a la audiencia por la brutalidad, su
hermosa fotografía y su estructura poco convencional, lo cual
elevó en los rankings de la industria al director Denis Villeneuve
y al guionista Taylor Sheridan.
Sin embargo, al avanzar las pláticas, Villeneuve se involucró
en 2049. “Le hubiera gustado estar disponible. Incluso
hablamos de que regrese para la tercera, si la hay. Le apasiona.
Me dijo que habría vuelto a dirigir ésta sin parpadear, pero
sabíamos que iba a estar a la mitad de Blade Runnerr cuando el
guion comenzara a tomar forma”, afirma McDonnell.
Sheridan, quien fue aclamado por Hell or High Water y
Wind River, escribió Soldado unos meses después de que
finalizara la producción de Sicario, y el equipo encontró a un
nuevo director para que tomara las riendas: el italiano Stefano
Sollima, responsable de la serie de crimen Gomorrah y el thriller
de 2015 sobre mafia, Sburra.
“Ambas son historias sobresalientes acerca del crimen, lo
cual se traduce bien al mundo de Sicario”, comenta la
productora Erica Lee. De todos los directores con quienes se
reunieron, asegura, “Stefano fue quien más nos impresionó. No
sólo por su trabajo, sino por lo que nos dijo del material”.
El sicario del título de la primera cinta se refería a Alejandro
(Benicio del Toro). El soldado de la secuela es Matt, el oficial de
la CIA (Josh Brolin). Aunque Emily Blunt no regresa, el arco de
su personaje está completo. “Esta es la historia de Josh, pero
hay dos personajes centrales”, amplía Lee. “Alejandro siempre
será el corazón y el alma de las películas Sicario. Es nuestro
protagonista y, de alguna manera, el antagonista”.
Todos los involucrados insisten en que Soldado no es tanto
una secuela, sino una historia contenida en sí misma, aunque
con los mismos personajes. Mientras que Sicario lidiaba con el
tráfico de drogas, ésta lo hace con el tráfico humano y promete
ser más deprimente. “Es más oscura”, concluye Lee. “Es Sicario
con esteroides”. Ya nos emocionamos.

SOLDADO ESTRENA EN MÉXICO EL 29 DE JUNIO.

MARZO 2018 7
 20 de noviembre
de 2017, Londres,
Inglaterra.

CÓMO SER LARA CROFT

Rutinas de cinco horas en el gym son parte de lo que Alicia Vikander
tuvo que hacer para protagonizar Tomb Raider.

POR ÓSCAR URIEL

LA EXPERIENCIA DE HABER
L R vivido reactivar esta figura en el cine y me respondieron
e Londres como una actriz en busca de
en que se trataba de una aproximación por completo
oportunidades le proporcionó a Alicia Vikander
o distinta a las anteriores, basada sobre todo en la
aalgunos últiles apuntes para caracterizar a Lara versión del videojuego de 2013, el cual creo que
Croft en una versión mucho más realista
C tiene el récord de ser el más vendido del género y
y sombría que la de aquellas películas que surge porque la sociedad ha evolucionado.
protagonizadas por Angelina Jolie. Alicia podría
p Esta versión es principalmente un coming of age:
aadoptar un acento inglés verosímil con facilidad un relato sobre el origen de la leyenda.
aademás de entender los contratiempos que
cconlleva vivir en solitario en una gran urbe. ¿Recuerdas tu primer encuentro con el
Con ese pensamiento llega EMPIRE a su cita con
C personaje de Lara Croft?
lla ganadora del Oscar a Mejor actriz de reparto Tenía como ocho años y los hijos de unos amigos
(The Danish Girl).
l de mis papás tenían un PlayStation, y un día los
vi jugando con Lara Croft. ¡Era un videojuego
¿
¿Qué innovación brinda esta versión de con una mujer protagonista! Tenía un carácter
Tomb Raider?
T indómito, temerario, era una aventurera. Mi tipo
Angelina convirtió a Lara Croft en un ícono
A de personaje. El público desconoce totalmente
del cine de acción. Probablemente debido a estas
d que soy una adicta al cine de acción, en verdad.
ccintas he tenido la oportunidad de interpretar
aahora a este personaje. Cuando se me invitó al ¿Cómo fue tu régimen de entrenamiento
proyecto, hace aproximadamente dos años, justo
p para este proyecto?
ccuestioné a los productores sobre el motivo de Muy duro. De cuatro a cinco horas diarias de

8 MARZO 2018

Lara Croft (Vikander)
como toda una
exploradora / Alicia
resolviendo por su
cuenta las escenas
de acción / Jugando
un poco al tiro al
blanco / Cuando se
llevan el auto de
Croft al corralón.
gimnasio y sometida a una dieta muy rigurosa,
además de horas de montaje en las distintas
secuencias de acción. Tenía en particular una
escena complicada de naufragio, pero me topé
con mi compañero actor Daniel Wu, quien tiene
muy buena condición física, y juntos salimos
adelante del reto. Fue muy divertido.
¿Cuáles son las ventajas y desventajas de ser
la sucesora de Angelina Jolie?
Son dos aproximaciones muy distintas. Nuestra
historia va del génesis de Tomb Raider, el
proceso que experimentó Lara para convertirse
en la heroína que todos conocemos hoy. Creo que
por fin tuve la oportunidad de brindar una
apreciación personal al rol y esperemos que al
público le guste.
Al ser fan del videojuego y del personaje,
¿cómo podrías describir a Lara Croft?
Ella es una chica aguda e inteligente pero
también es muy joven, por lo que tiene un lado
vulnerable. La relación con su padre es muy
importante; sin embargo es casi inexistente,
pues Lara cree que su progenitor la abandonó
cuando tenía 13 años. Creo que nuestra versión
se acerca más a lo que vemos ahora en las cintas
protagonizadas por superhéroes, en las que nos
percatamos también de sus debilidades y puntos
frágiles. Nuestra versión de Lara Croft es vista
bajo esa lente.
Entonces, ¿podemos pensar que Lara es una
especie de superheroína?
Eso lo decidirá el público, no es una respuesta
que tenga que dar yo. Como mujer, creo que Lara
es una superheroína. Conozco a personas que
están a mi alrededor a quienes les podría dar ese
título. No poseen poderes sobrenaturales pero se
comportan como héroes en la cotidianeidad.
De acuerdo a reportes del rodaje, el equipo
de producción quedó muy impresionado con
tus habilidades físicas, prácticamente
realizaste todas las secuencias de acción.
A mí me apasionan las películas de aventuras y
acción. Crecí viendo a Harrison Ford en las
cintas de Indiana Jones, por lo que hacer Tomb
Raider representa mucho para mí. ¡Imagínate lo
que es para una chica que creció en Suecia
viendo estas cintas! El camino para participar en
producciones de habla inglesa ha sido algo
complicado, por lo que pienso disfrutar cada una
de estas experiencias al máximo.
TOMB RAIDER ESTRENA EL 16 DE MARZO.
UN FUTURO
BRILLANTE
OTRAS TRES PELÍCULAS BASADAS
EN VIDEOJUEGOS POR LAS QUE
ESTAMOS EMOCIONADOS:
Metal Gear Solid
POR QUÉ PUEDE FUNCIONAR
La dirige Jordan Vogt-Roberts, gran
fan de los videojuegos, y sabe cómo
empatar el espectáculo con una
buena historia (Kong: Skull Island).
Después de una década de
arranques en falso, éste podría ser el
acercamiento que Snake merece en
la pantalla grande.
Gears Of War
POR QUÉ PUEDE FUNCIONAR
Los juegos eran espectáculos de
acción, pero también tenían historias
humanas sobre lazos forjados entre
soldados. Como Saving Private
Ryan, sólo que con alienígenas
reptilianos. El guionista de las
secuelas de Avatar, Shane Salerno,
está a cargo de escribirla.
Portal
POR QUÉ PUEDE FUNCIONAR
J.J. Abrams produce el proyecto y
tendrá al mismo director de 10
Cloverfield Lane, Dan Trachtenberg,
quien antes hizo un corto basado en
el juego, así que domina el material.
MARZO 2018 9
 ELDEBATE
UN TEMA UNIVERSAL,
OPINIONES DIVIDIDAS.
¿GanaráGuillermo
delToroelOscar
ame ppor
TheShapeofWater?
Sí, todos amamos a este geniecillo panzón, pero si
somos estrictos... ¿se merece el Oscar? Veamos.
SÍ
ANAID RAMÍREZ,
EDITORA
AUNQUE NO CON SU trabajo más
brillante —no hay nada aún que supere a El
laberinto del Fauno, y que tire la primera piedra
quien esté libre de ese pensamiento—, esta será
la edición en que la Academia de Artes y Ciencias
Cinematográficas reconozca la calidad que tiene
Guillermo del Toro como director.
Además de que técnicamente no hay nada
que demerite a The Shape of Water, pues cada
pieza está perfectamente bien colocada
—corresponderá a otra categoría hablar nada
más de la historia que propone en el guion y su
originalidad—, hay una serie de pistas que
permiten vislumbrar al tapatío como el tercer
10 MARZO 2018
mexicano en conseguir un Oscar como Mejor
director —recuerda que lo preceden Alfonso
Cuarón por Gravity y Alejandro González
Iñárritu por Birdman y El renacido—.
De entrada, lleva la ventaja por tener ya el
visto bueno de otras organizaciones. Por
ejemplo, en su debut al mundo esta cinta le dio a
Del Toro el máximo galardón del Festival
Internacional de Cine de Venecia, el León de
Oro, y se convirtió así en el primer paisano en
conseguir dicho logro.
En definitiva no se pueden medir con la
misma cuchara los reconocimientos de los
festivales que los otorgados en el Dolby Theatre.
Sin embargo, los resultados de lo que va de la
famosa temporada de premios señalan por igual
al realizador de El orfanato como el próximo
ganador de la estatuilla dorada a Mejor director:
desde los Golden Globes —con todo y su
“detengan la música, he esperado 25 años por
esto” y “Porque soy mexicano”— hasta el
indicador casi definitivo de esa categoría: los
premios que entrega el famoso Directors Guild
of America.
Y si debemos regirnos por cuestiones de
agenda, también ésta marca como favorito a
Guillermo del Toro.
Aunque nadie niega que existen varios temas
que exhibir, como la libertad de expresión y los
acosos sexuales en la industria, las reformas
migratorias en Estados Unidos y el Tratado de
Libre Comercio de América del Norte —así como
sus efectos en la industria fílmica— son tópicos
todavía vigentes y necesarios de exponer en la
gran noche de los Oscar. Tal vez de esa forma
Donald Trump se meta muy en lo profundo esas
ganas de muro que tiene y admita que el jefe de
seguridad de un laboratorio del gobierno puede
ser más bad hombre que nadie.
Es por eso que ya veo a Guillermo del Toro
en el estrado; aventaremos las palomitas y hasta
algunos seguro darán la vuelta al Ángel para
celebrar el hecho. Y nos dará gusto porque, pese
a no estar ahí por una película mexicana e
independientemente de la nacionalidad del
cineasta, “El Gordo” ya merece ese premio por la
honestidad con la que trabaja y que sabe reflejar
en cada cinta.
 Guillermo del Toro
por fin recibe el
reconocimiento que
merece / El
talentoso elenco
de The Shape of
Water / Después de
su León de Oro, Su
Globo de Oro y su
DGA, igual ya el
Oscar es too much,
¿o no?

lado un posible galardón para el cineasta Oscar a LA película afroamericana el año pasado,

NO
JULIO CÉSAR
DURÁN,
COLABORADOR
NO ES NINGÚN SECRETO que la
Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas
norteamericana es sensiblera. Que se rige,
además de la búsqueda de la excelencia técnica,
por motivos y parámetros muchas veces dictados
por una agenda, sea mediática o incluso política.
Las oportunidades que tiene Guillermo del
Toro son quizá más bajas que las de Alfonso
Cuarón y Alejandro González Iñárritu en años
anteriores. La agenda mediática actual, que exige
corrección política además de poner los
reflectores sobre un problema de machismo,
acoso y misoginia en la industria cinematográfica
(claro, el chiste es exhibir y no resolver), dejan de
mexicano. Pero veamos cada caso para llegar, por
eliminación, al nombre de quien se llevará la
presea a Mejor director.
Las nominaciones para realizadores están,
como vemos, equilibradas, justo para tomar en
cuenta a todos.
Paul Thomas Anderson, con El hilo fantasma,
es el auteur oscareable a quien ya le toca un
premio y en definitiva sería el más merecido, pero
también es un hecho que el director no ha
terminado de encantar a la Academia.
Por otro lado se encuentra el consentido de
los grandes estudios, con la superproducción que
propone una apología estatal para el Brexit: el
Dunkirk de Christopher Nolan. Sin embargo, su
posible premio parecería aplaudir una cinta de
un nacionalismo no americano. Y obviamente no
van a condecorar esa postura.
Get Out es la sorpresa de thriller-comedia
que se nomina sólo para no dejar fuera a la
comunidad afroamericana, aunque Jordan Peele
es demasiado joven para ser premiado en esta
categoría —además de que ya le entregaron EL
es decir, Moonlight—.
El premio para Guillermo del Toro con La
forma del agua sería un caso inédito y, por lo
mismo, poco posible: tener como ganadores a
tres mexicanos directores en la misma década es
improbable (sobre todo porque la estatuilla para
America Latina, en este ánimo de repartir, sería
para la nominada a Mejor película extranjera,
Una mujer fantástica).
Así que el trofeo será para la debutante Greta
Gerwig y su Lady Bird, porque de esa forma los
miembros de la Academia se deslindarán de los
abusos que han cometido productores,
directores y actores, en especial después de los
últimos escándalos.
Lamentablemente el Oscar no se irá con Del
Toro, porque Hollywood necesita justificarse y
redimirse con un movimiento que pone al
descubierto una práctica por desgracia común en
la industria cinematográfica.
En caso de premiar a Gerwig, Hollywood
cumplirá la agenda y de esta manera indultará a
sus hombres.

MARZO 2018 11
12 MARZO 2018
 EMPIRE habló con
Josh Boone en un
hospital
psiquiátrico
abandonado a las
afueras de Boston.

Mutación
de planos
LOS NUEVOS Horror. Asesinato. Nada de
espándex. The New Mutants
MUTANTES cambia el molde de los
superhéroes.

POR TOM ELLEN

EN LOS PASADOS DOS AÑOS

hemos visto cambios sustanciales en el
ILLYANA tono del universo cinemático de X-Men
RASPUTIN / —piensa en la irreverencia de Deadpool y
MAGIK lo deprimente de Logan—. Pero la próxima
ANYA TAYLOR-JOY entrega de la serie, The New Mutants,
Hechicera parece reescribir la X-guía de reglas por
y hermana de completo.
Colossus —el “Fox quería algo muy alejado de las
mutante de metal típicas películas de X-Men”, explica el
que vimos por director Josh Boone. “Pero no puedo creer
última vez en que nos dejaran hacerla. La planteamos
Deadpool—. como si The Shining g se topa con One Flew
Over the Cuckoo’s Nest. Es muy…
diferente”. A pesar del logo de Marvel, The
New Mutants se vende como una película
N
de horror, más interesada en el terror
surreal que en los espándex.
“No hay disfraces”, asegura Boone.
“Ya eso la hace diferente”. Pero el origen
RAHNE de estos chicos —inadaptados en la
SINCLAIR / periferia del X-universo— no explorado
WOLFSBANE antes. “No pueden estar con los otros
MAISIE WILLIAMS chicos en la Mansión X. Están demasiado
Wolfsbane puede j
jodidos”.
mutar en loba, pero La Escuela Xavier para Jóvenes
también lucha con Dotados es otro mundo si la comparas con
su fe cristiana. la espeluznante institución de The New
M
Mutants . “Todos ellos han matado gente,
ya sea intencional o no”, agrega Boone con
una sonrisa.
Esta banda incluye a Anya Taylor-Joy,
de The Witch, y Charlie Heaton, de
Stranger Things. La trama es secreta pero
S
está basada un poco en la historia “Demon
SAM GUTHRIE/ Bear” de los 80, de Chris Claremont y Bill
CANNONBALL Sienkiewicz.
CHARLIE HEATON “Esta es quizá la película clasificación
Como el nombre B más difícil que haya hecho”, ríe Boone.
sugiere, Cannonball “Me refiero a que está al límite. El horror
es una bala es muy oscuro pero también tiene un
humana capaz de centro emocional. Si puedo atemorizarte y
lanzarse por los hacerte llorar, habré logrado mi meta”.
Marvel

aires.
THE NEW MUTANTS ESTRENA EL 11 DE ABRIL.

MARZO 2018 13
 ¿A dónde vas,
Jessica?
Jessica Jones está de
regreso con todo y sus
complejidades
y malos hábitos.
POR DAN JOLIN
SI CREÍAS QUE UNIRSE al
extraoficial superequipo The Defenders
podría limar las asperezas de Jessica
Jones (Krysten Ritter) hasta hacerla un
poquito más sociable, piénsatelo de
nuevo. La investigadora privada,
bebedora y superfuerte de Hell’s Kitchen
—con la puerta de su oficina
14 MARZO 2018
permanentemente rota— sigue tan cínica
y dañada como en la temporada inicial.
Ni siquiera es como que ya superó su
trauma de Kilgrave, pues el malévolo
manipulador mental (David Tennant)
sigue en la serie —aguas: vienen
spoilers—, a pesar de que Jessica le
rompió el cuello en el clímax de la
primera entrega. No es algo de lo que la
directora de la serie, Melissa Rosenberg,
se queje. “Lo amo”, dice sobre su Hombre
Púrpura. “Pero dejaré que su papel en
esta temporada sea un misterio”.
Rosenberg insiste: aunque el abuso y
el síndrome de estrés postraumático que
Jessica sufrió a manos de Kilgrave (o,
mejor dicho, sus neuronas) “son parte del
personaje y siempre serán parte de
nuestra serie, no son el centro de la nueva
Krysten Ritter con
David Tennant (alias
temporada”. Darville) y Janet
Rosenberg y Marvel/Netflix están McTeer en la
dejando abierto a la especulación cuál es temporada dos de
el foco de esta temporada. No se ha Jessica Jones.
confirmado ningún villano (aunque se
dice que podría ser la asesina Typhoid
Mary), y aunque se anunció que la actriz
nominada al Oscar Janet McTeer se unirá
al elenco, su papel se mantiene oculto.
Sin embargo, Rosenberg le dice a
EMPIRE: “Siempre estamos
profundizando en el personaje de Jessica,
y esta temporada le veremos más capas,
revelando más de las experiencias que le
han dado forma a su vida actual”.

Curiosamente, cita “thrillers oscuros
y dramas de personaje” como fuentes de
inspiración de sus guionistas, y “a veces
películas de horror y acción”. Sin
embargo, su fuente original sigue siendo,
claro, el cómic original Alias, de Brian
Michael Bendis y Michael Gaydos (“Los
fans definitivamente reconocerán
momentos de ahí”).
Considerando que Jessica no se
reformó luego de su primera experiencia
en un superequipo, suponemos que aún
le entra al alcohol. “Mientras haya bares
y clientes sucios”, culmina Rosenberg.
Nos lo imaginábamos.
JESSICA JONES ESTRENA EL 8 DE MARZO.
ELMAL
PORTADO DE
BILLHADER
Del regañado del salón a
protagonista de Barry, una
nueva serie de comedia.
POR MARIO P. SZÉKELY
ADVERTENCIA: NO HAGAS
enojar a Bill Hader. Cuando en 1997 tuvo
como uno de sus primeros trabajos ser
acomodador de un cine, un día lo
reprendió el gerente y la respuesta de
Hader fue contarle el final del éxito del
momento, Titanic, acción que lo llevó a
ser despedido al instante.
Y mientras la rebeldía de Bill no le
había llevado a buenos términos con sus
calificaciones de escuela, su visión filosa
de la vida y estilo desparpajado —similar
a su cabello nunca peinado— lo colocó
en el grupo selecto de comediantes de
Saturday Night Live, forjándose un
nombre por sí mismo entre 2005 y 2013,
consiguiendo así tres nominaciones al
Emmy.
Ahora HBO está pasando lista y
Harder se asoma tras la puerta, pero no lo
están invitando a sentarse en primera fila
para mantener su comportamiento
vigilado, sino que le ofrecen el estrado
para que con su ingenio nos ponga a
todos a reír en su nueva serie, Barry, a
estrenarse este fin de mes en la cadena
generadora de éxitos de la comedia como
Veep y Ballers.
Con capítulos de media hora de
duración, Barry cuenta la doble vida del
Bill Hader tratando de
aprenderse las
efemérides para la
ceremonia del lunes.
personaje de Harder, cuya profesión es la
de ser un matón a sueldo que se siente
insatisfecho con su vida y se instala en
Los Ángeles, donde se apasiona con la
idea de entrar a la comunidad de actores.
“No se cómo llegamos enteramente
al concepto de la doble vida de mi
personaje. Lo que recuerdo es que el
cocreador del programa (Alec Berg) y yo
nos sentamos a hablar de Barry, y me
dijo: ‘¿Por qué no interpretas a un asesino
a sueldo, tipo Hitman?’, y yo contesté:
‘Odio esa palabra de hitman, esos tipos
con corbata delgada que empuñan dos
pistolas’. Yo pensaba que Barry tenía que
ser un tipo real, como podría suceder con
un militar o policía retirado; pero luego,
no se cómo, llegamos al punto que
acordamos: ‘¡Hay que hacer que Barry
tome un curso de actuación!’”, recuerda
Hader, de 39 años, ciñendo sus ojos como
tratando de forzar su cerebro a expulsar
un recuerdo que no está.
No es secreto que parte del corazón
de Barry está fuera de las escenas que
involucran la violencia de ser asesino,
volviéndose las clases de actuación la
oportunidad para toparnos con las
contradicciones del personaje. Incluso el
deleite aumenta cuando descubrimos que
el profesor del arte histriónico es Henry
Winkler, el mismísimo “The Fonz” de la
serie setentera Happy Days, quien aquí
interpreta a Gene Cousineau.
“Más que enfocarnos al asunto de
que Barry pueda aprender a ser actor, lo
que nos interesa es abordar las clases de
actuación como si fueran un grupo de
terapia, donde mi personaje por fin se
siente aceptado y cree que puede
realizarse como persona, aun cuando a
todas leguas se nota que como actor es
muy, muy malo”, ríe Hader y nos
convence de ver su serie, que se alimenta
del humor negro y que él mismo
considera extraña. Palabra de su creador.
BARRY ESTRENA EN HBO EL 25 DE MARZO.
MARZO 2018 15
 Empleados
delmes
Con sus peculiares personajes,
Tiempo compartido ganó el Mejor
guion en el Festival de Sundance.
POR ANAID RAMÍREZ
DESPUÉS DE MOSTRAR en su ópera
prima el deambular de un muerto viviente en sus
noches por la Ciudad de México (Halley) y con
ella salir victorioso de festivales como el de
Sitges, muchos esperaban el siguiente trabajo del
director Sebastián Hofmann para descubrir si
continuaría por el mismo camino, en cuanto a
género y reconocimientos.
Con Tiempo compartido el director se aleja
del horror, pero permanece en el drama y todo
parece indicar que los premios tampoco faltarán:
su primera presentación a nivel mundial le dio,
por su guion, el Premio especial del jurado en
Sundance. La historia que en esta ocasión
presenta transcurre en un hotel donde dos
familias muy distintas descubren que están
hospedados en la misma villa por error —y
terror—. Aquí te presentamos los partícipes del
caos que estás por ver.
Gloria (Montserrat Marañón). En su
segunda actuación en cine, Marañón define a su
personaje como “una sobreviviente de una
catástrofe familiar; rompe mucho con el
estereotipo de una mujer en una situación así”. Su
función en la historia es mostrar cómo la gente
puede superar una crisis y de qué se agarra para
hacerlo; por esa situación, la actriz tuvo que “tocar
muchos botones, fueron emociones muy fuertes,
densas y profundas”, dice.
Andrés (Miguel Rodarte). Es esposo de Gloria
y uno de los personajes que llevan el hilo de esta
historia. Se trata de un padre de familia que
trabaja dentro de las instalaciones del complejo
vacacional: “Es la cara del hotel, lleva toda el área
de entretenimiento de los turistas. Por una
tragedia personal se ve obligado a seguir
16 MARZO 2018
trabajando en el lugar junto con su esposa”. Pese
a todo lo malo, “ella asciende y mi personaje
desciende”, afirma Rodarte.
Eva (Cassandra Ciangherotti).
La intérprete escarbó entre las vastas lecturas que
tiene la trama de Tiempo compartido para
presentar lo mejor de su personaje. “La capa que
más me gustó es la especie de paralelismo que
tiene mi papel con el que hace Montse, de que
muchas veces a los hombres les cuesta que las
mujeres ganen más dinero que ellos o que sean
emocionalmente más sólidas”, explica.
Abel (Andrés Almeida). Con esta figura te
encontrarás “una especie de antihéroe”, resume
Almeida. Abel es el vacacionista modelo, ése que
carga hasta con el traje de neopreno y usa Crocs,
“si se puede con calcetín, mejor”. Llega al lugar
donde ocurren los hechos porque está en plan de
descanso con su esposa e hijas, pero nace una
especie de rivalidad con Pedro y es ahí donde se
ponen interesantes las cosas: “Le hace un poco la
vida imposible al personaje de Luis Gerardo
Méndez, quien de alguna manera enamora a su
familia”, cuenta el actor.
Pedro (Luis Gerardo Méndez ). Esta vez no lo
verás como mirrey, sino como un padre obsesivo y
neurótico. Pedro y su familia se encuentran en ese
paraíso vacacional para desconectarse de todo
—“Él está tratando de salvar su matrimonio con
Eva”—; sin embargo, todo les empieza a salir muy
mal. De ahí que Luis Gerardo esté a punto de
perder la nariz en la foto que te presentamos.
TIEMPO COMPARTIDO ESTRENARÁ EN EL SEGUNDO
SEMESTRE DE 2018.
MARZO 2018 17
 WEDDING PLANNER
Santiago Limón asegura un
banquete de risas en Hasta que
la boda nos separe.
POR ANAID RAMÍREZ
PARECE QUE SANTIAGO LIMÓN
tiene todo bajo control para el festín con el que
celebrará su debut como director: desde una
locación de ensueño (Puerto Vallarta) hasta los
gags más inesperados están perfectamente
cuidados en Hasta que la boda nos separe, una
cinta acerca de dos novios que optan por
organizar dos bodas. El tráiler augura desastre
total para la pareja, pero no para el largometraje
gracias a que se siguió muy bien este checklist:
TODOS TENEMOS UN PASADO
Puedes esperar en el altar con la seguridad de
que nadie aparecerá para arruinar la fiesta. De
entrada, los antecedentes de este filme están a
miles de kilómetros de México, una cinta rusa
llamada Gorko! cuyos productores también son
los responsables de este remake. “Vieron que en
América Latina había esta oportunidad de
A carcajadas en la sala, pero quienes tendrán que
replicarla por la misma importancia que les
damos a las bodas”, platica Limón.
Gorko! tuvo gran éxito en su territorio, pero
para lograr ese impacto en nuestro país había
que hacer algunos cambios. “Imaginé hacer algo
diferente en México, no sólo armar una réplica
18 MARZO 2018
de la original, sino en realidad adaptarla;
mantener el formato y la premisa general pero
crear nuevos personajes y situaciones”, cuenta.
VÍBORA DE LA MAR
Lo que conservó la adaptación mexicana de la
versión rusa fue el formato casero, tal cual video
de boda, y la premisa de preparar dos fiestas, una
tradicional y la otra a la orilla del mar con un
concepto más moderno. Pero era necesario darle
el toque de las celebraciones de nuestro país.
“Justo en el momento en que estaba
haciendo el guion salió el video de una azafata a
la que le dan una lista de los pasajeros del vuelo,
pero eran puros albures, y adaptar eso a la boda
civil me parecía muy divertido y mexicano”.
También espera reírte de dinámicas tan
típicas de esas fiestas, como “todas esas
canciones de animalitos muy divertidas de las
bodas. Además, tenemos una particular forma de
salirnos de control en esos eventos”, agrega.
LOS NOVIOS
Por si no fuera suficiente la organización de una
fiesta, María y Daniel deciden armar dos... Sí, el
caos que desata esa absurda decisión promete
hacer efectivas las risas son los actores Diana
Bovio, con su rol de chica fresa que desde que vio
La sirenita sueña con su boda en la orilla el mar, y
Gustavo Egelhaaf, el galán de pocos recursos
pero noble corazón que está dispuesto a hacer
todo para complacer a su prometida.
Para darle la química de una pareja
promedio y exprimirle todo al formato casero,
para Limón eran necesarias “unas caras no tan
famosas, para que parezca un video de la vida
real, gente que en verdad está planeando su
enlace”. Por eso recurrió a Diana: “Me parece
una joya de actriz, divertidísima y con una forma
de entender la comedia muy particular y
natural”; y a Gustavo, quien hizo un gran casting
y de inmediato tuvo buena química con Bovio.
INVITADO DE HONOR
Cuando buscaban a una persona famosa que en
la cinta la jugara de persona famosa que es
invitada a la fiesta, la casa productora Lemon
Films sugirió a Santiago buscar a Adal Ramones.
“Desde el inicio Adal entendió perfecto de qué
iba la historia y cuál iba a ser su papel, y estaba
dispuesto a burlarse de sí mismo. Fue un gozo
armar diálogos con él porque iba con todo”.
LA CEREZA DEL PASTEL
En esta fiesta te encontrarás con un suegro
político, unas despedidas de solteros cliché,
vestidos pomposos y, sobre todo, la cereza del
pastel: “Tiene un sentido del humor que te
sorprende. Las risas son muy obvias pero los
chistes no. Hay muchos gags escondidos y el
público se puede reír de cosas diferentes en la
misma escena y de manera inesperada”, dice.
HASTA QUE LA BODA NOS SEPARE
ESTRENA EL 30 DE MARZO.
 TRAILER PARK
SENTADO EN UNA SILLA ACAPULCO
HAY UN HOMBRE VIENDO PASAR
TRÁILERS TODO EL DÍA. AQUÍ LOS
TRES MEJORES.
WESTWORLD 2
Por fin la continuación de la historia del
lugar más aventurero de la Tierra, donde
las atracciones se han apoderado del
lugar; sí, como en Los Simpsons.
TULLY
Otro guion de Diablo Cody, la que nos
regaló Juno y Young Adult, otra vez con la
camaleónica Charlize Theron como una
mamá de nuestros tiempos. Pobre.
VICTOR CROWLEY
No sé si los millennials lo entiendan, pero
a la Generación X todavía nos emocionan
las B-movies y si sale una que nos
mantenga entretenidos y ensangrentados,
la esperaremos hacha en mano.
SOUKA
Lo mejor del ánime
y la comedia nipona llega
a México en la quinta edición
de Konnichiwa Fest.
POR JESÚS CHAVARRÍA
KONNICHIWA FEST NO sólo ha logrado
complacer a los aficionados al anime desde
2014, también ha llamado la atención de
otros públicos, sobre todo de quienes buscan
entretenimiento al margen de los estándares
hollywoodenses. Para su sexta edición, el
festival tiene programados siete títulos,
incluyendo el inaugural y dos que servirán
para rendir homenaje a Masaaki Yuasa. Por
aquí te damos un vistazo a lo más destacado
de su programación.
MIXED DOUBLES (2017)
El particular sentido del humor asiático y un
escenario poco usual a fin de refrescar la
fórmula es lo que se aprecia en esta comedia
romántica pop dirigida por Jun’ichi Ishikawa.
Yui Aragaki interpreta a una joven que, luego
del traumático entrenamiento que tuvo de
niña dentro del ping pong, regresa al juego
para buscar revancha contra quien le rompió
el corazón. Aquellos de espíritu cursi no
podrán resistirla.
ASSASSINATION CLASSROOM 2:
GRADUATION DAY (2016)
La adaptación del manga homónimo presenta
al fin su secuela. La historia gira alrededor de
un grupo de estudiantes con la consigna de
asesinar a su profesor, un alienígena que
amenaza con hacer explotar la Tierra. Bajo la
dirección de Eiichirô Hasumi, la cinta dominó
en taquilla durante el fin de semana de su
estreno en Japón, y los fans de este lado del
charco seguro también la adorarán.
TEIICHI: BATTLE OF
SUPREME HIGH (2017)
En su afán de algún día convertirse en primer
ministro, un joven decide empezar por ser el
presidente del consejo estudiantil y hará todo
lo posible por conseguirlo. Una sátira que se
burla de todos los estereotipos, llevando el
retorcido juego de la política al contexto
preparatoriano. Basada en un manga de
Usamaru Furuya y dirigida por Akira Nagai, la
cinta resulta muy conveniente para los
tiempos electorales que ahora vivimos en
México, plagados de episodios que con
facilidad rayan en el absurdo.
LU OVER THE WALL (2017)
En un pueblo pesquero, un chico y su banda
graban un video en donde una sirena canta
con ellos, y al subirlo a internet se vuelve
viral. Así, la fantasía y lo místico en el mundo
de la tecnología y la cultura adolescente se
fusionan en esta animación de Masaaki
Yuasa. Premiada en eventos como el Mainichi
Film Awards y el festival internacional de
Annecy, es uno de los títulos imperdibles.
THE NIGHT IS SHORT, WALK
ON GIRL (2017)
Una borrachera juvenil y el deseo de
conquistar a una chica se convierten en un
viaje extravagante con gánsteres y hasta un
dios incluido. Premiada como Mejor película
en el Festival Internacional de Animación de
Ottawa, es ideal para encontrarse por primera
vez con la imaginería de Masaaki Yuasa.
KONNICHIWA FEST ARRANCARÁ PROYECCIONES
EL 20 DE MARZO Y ESTARÁ EN 30 SEDES A LO
LARGO DEL PAÍS.
MARZO 2018 19
 Pronósticos EMPIRE
para los Oscar 2018
Para la categoría de Mejor película, en la redacción de EMPIRE
no nos pusimos de acuerdo y cada quién apostó por la que
considera que tiene más oportunidad de ganar. Después de unos
jalones de playera y un ojito rasguñado, estos son los pronósticos:

ÓSCAR URIEL,, a Daniel Day-Lewis, uno de los mejores actores

COLUMNISTA Y CRÍTICO.
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Aunque mi favorita en la categoría es Call Me by
Your Name, el agridulce retrato que ofrece
Guadagnino sobre ese verano vital de nuestras
vidas, la película de Martin McDonagh ganará el
Oscar a mejor cinta del año por ser una
tragicomedia histérica llevada al límite,
con personajes que fácilmente podrían
catalogarse de antipáticos pero que al final
resultan en figuras por demás entrañables.
¿Qué apuesto? ¡Abstinencia sexual! ¡NAH! Just
kidding! Mmm... puede ser la abstinencia al
whisky (mi bebida favorita) por tres meses.
CÉSAR HERNÁNDEZ,
COORDINADOR EDITORIAL.
Phantom Thread
No sólo es porque tiene como protagonista
de todos los tiempos, sino que muestra al amor
tal cual es: egoísta y maldito. Paul Thomas
Anderson dirige con maestría a actores que dan
todo en una historia extraordinaria y con música
de Jonny Greenwood. ¿Cómo podría no ganar?
¿Qué apuesto? Si pierde, usaré corbata durante
toda una semana.
ANAID RAMÍREZ,
COEDITORA.
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Además de que ha sido de las más laureadas en la
temporada de premios, de los nueve
largometrajes nominados a la categoría
principal, me parece que el de McDonagh es el
más completo de todos: un guion que no deja de
crecer a lo largo del filme, actuaciones que dan
gran fuerza y propician personajes inolvidables,
interesantes juegos de cámara y una dirección

20 MARZO 2018

magistral —aún no descubrimos por qué Martin
no está nominado en esa sección junto con
Guillermo del Toro y Christopher Nolan—.
¿Qué apuesto? Si no resulta ganadora,
escucharé sin ninguna queja todas “Las
mañanitas” (que son muchas cada semana) que
se canten en la editorial durante un mes.
MARIO P. SZÉKELY,
COLUMINSTA Y CRÍTICO.
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Creo que va a ganar porque los montoneros de
los actores que forman el grupo más grande de la
Academia van a votar por ella, ya que tiene tres
actuaciones de calibre de Oscar. Y como un actor
“serio” (Michael Shannon) aún no entiende
lo que es actuar con anfibios, The Shape of Water
podría no ganar este premio.  trasfondo de inclusión y tolerancia. En el mismo
¿Qué apuesto? Si la cinta pierde, me voy a la
esquina, cual limosnero, con mi letrero de
“Reseña de película por comida”.
ISA CISNEROS,
DIRECTORA DE ARTE.
Call Me by Your Name
Es muy sabido que la Academia siempre escogerá
Todos a la espera
de saber si su
película le ganará
a las otras ocho
cintas en la edición
90 de los Premios
de la Academia.
como ganadora a Mejor película aquella que
cumpla con uno de los siguientes requisitos:
trate un problema de minorías, hable sobre
Estados Unidos o sea una crítica social. Creo que
Call Me by Your Name, además de ser un gran
filme, es el primero que trata el tema de la
homosexualidad como lo que es: algo común y
NORMAL en la sociedad.
¿Qué apuesto? Si pierdo en la predicción
prometo no quejarme de absolutamente nada
durante una semana completa.
ADRIÁN RUIZ,
COLABORADOR.
The Shape of Water
Pienso que reivindica el género fantástico con
una historia original, además de llevar un
género se arriesga a experimentar con el musical,
el drama y el romance; además de rendir
homenaje al cine mismo.
¿Qué apuesto? Si no gana, salgo a la calle en
bóxers y camino una cuadra así.
LA CEREMONIA 90 DE LOS PREMIOS OSCAR SE
REALIZARÁ EL 4 DE MARZO.
MARZO 2018 21
 EMPIRE APUESTA A LAS
FUTURAS ESTRELLAS HOY, EN CASH.

VICKY KRIEPS
POR JOHN NUGENT

¿Cómo fue tu primera audición para

phantom thread?
¡Creí que era una película de estudiantes de cine!
Paul Thomas Anderson, el director, vio una cinta
que hice llamada The Chambermaid Lynn, le gustó
y me pidió mandarle una grabación. Le pedí a un
amigo que me filmara con su teléfono. De verdad
pensé que había hecho todo mal. La iluminación
estaba mal, el sonido estaba mal y, como era un
teléfono, la voz de mi amigo era más fuerte que la
mía. Pero funcionó.

¿Cuál ha sido el momento más loco de tu

carrera hasta ahora?
Mi primer día de rodaje en esta producción. Había
estado con Daniel (Day-Lewis) sólo una vez antes
para leer el guion, pero no quiso ensayar conmigo,
así que mi primer encuentro en pantalla fue
básicamente mi primer encuentro real con él.

¿Quién sería tu director ideal?

¡Paul Thomas Anderson! Es difícil, porque soy muy
abierta a todo. Hay muchos directores jóvenes.

¿Cuál fue tu primer papel?

En la escuela hicimos un circo y yo era payaso. No
dejaba el escenario en, no sé, 10 minutos. Creo que
siempre sentí la necesidad de actuar, pero nunca
me atreví a ser actriz porque soy de Luxemburgo.
Allá, pensar en ser actriz es como ir a la Luna.

¿Quién te interpretaría en una biopic?

¿Quizá Daniel? Creo que lo haría. No uso tacones,
así que eso ayuda. Es lo suficientemente raro para
interpretar a una criatura extraña como yo.

¿Quién ganaría en una pelea: un pato del

tamaño de un caballo o cien caballos del
tamaño de un pato?
¡Nunca pelearían! Seguro se sentarían junto al
estanque. El pato tamaño caballo comería algas y
los otros, pasto.

PHANTOM THREAD AHORA EN CINES.

22 MARZO 2018
 La familia Reyes, más feliz
que en desfile del Día de
la Primavera.
MENINMEX
Marcianos vs mexicanos, una
invasión extraterrestre entre
flatulencias y albures.
POR ADRIÁN RUIZ
DESPUÉS DE LA SAGA de Huevocartoon,
cuyas dos entregas ocupan el octavo y undécimo
lugar de las cintas mexicanas más taquilleras de
todos los tiempos, los hermanos Gabriel y
Rodolfo Riva Palacio Alatriste regresan con la
animación Marcianos vs mexicanos.
HÉROES Y VILLANOS
Los integrantes de la familia Reyes son los
protagonistas de esta travesía intergaláctica y la
única esperanza para salvaguardar a la especie
humana de unos marcianos, los cuales lucen como
una combinación entre minions, los
extraterrestres de Toy Story y el ser gelatinoso de
Monsters vs Aliens.
La idea de estos seres era clara para Gabriel:
“Queríamos hacer gelatinas con relleno
cremosito”. En cuanto a los “héroes” de esta
cinta, los cineastas remarcaron que era “llevar
los estereotipos al extremo de la farsa. Es una
familia caótica y disfuncional; es muy a la
mexicana, siempre está unida y lista para
escucharte”, citó el director.
“Lleva todos los estereotipos del mexicano
en 17 personajes. En las pruebas que hicimos de
audiencia, todos tenían a alguien de su familia
similar a estas figuras. Es para reírse de lo que
somos como sociedad. Está hecha sin
pretensiones”, remarcó Rodolfo.
ALBUR, ARMA LETAL
A lo largo de la cinta, los chistes escatológicos y el
doble sentido desfilan de acuerdo a la invasión. Al
respecto, los hermanos son enfáticos.
“Cuando creamos Huevocartoon éramos
mucho más pelados y groseros. Al momento de
salir al cine tuvimos haters que se quejaron por
habernos vuelto clasificación ‘A’. Ahora hacemos
una cinta para los seguidores de Huevocartoon:
subida de tono, pensando más en los
adolescentes a partir de 13 años”, refirió Gabriel.
“No hicimos algo sólo para adultos porque
nadie iría a verla. Se rescató la irreverencia, se
metieron temas políticos, sátiras, clichés,
cachetada con guante blanco a los que podrían
ser los problemas del mexicano”, agregó Rodolfo.
VOCES DE MANDO
El Mirrey, el Talachas y el Poli son tres personajes
doblados por Rodolfo; sin embrago, en las voces
principales se recurre a talento conocido, como
Omar Chaparro, Martha Higareda, Adal Ramones
y Eduardo Manzano, “El Polivoz”, quienes
después de leer el guion acudieron sin dudarlo al
llamado de los Riva Palacio.
“Martha me dijo que se murió de risa, que no
era el tono que hacía, pero le gustó y aceptó. Adal
propuso improvisaciones y las dejamos. Fue una
construcción en conjunto. Originalmente, el
personaje de Eduardo Manzano, “El Polivoz”
decía muchas mentadas, pero nos dijo que no
decía groserías bajo ninguna circunstancia. Esos
cambios quedaron muy bien”, recordó Gabriel.
BAD HOMBRE
Como buena sátira, el primer mandatario de
Estados Unidos, Donald Trump, no podía
escaparse del escarnio en esta cinta animada.
“Cuando comenzamos la película era tiempo de
elecciones en EU. No creímos que iba a ganar.
Teníamos una escena en la que Donald nadaba en
el muro, estaba afuera y relegado, y se lo comían
los cocodrilos. Pero ganó la presidencia. No lo
podíamos dejar de lado, así que pusimos una
escena en la que construye un muro entre Marte y
la Tierra”, concluyó Gabriel. “Nos desquitamos un
poco, pero no tanto como queríamos”,
complementó Rodolfo.
MARCIANOS VS MEXICANOS ESTRENA EL 9 DE MARZO.
MARZO 2018 23
 El año más violento
El vigilante, de Diego Ross,
es una mirada distinta a los
atropellos en México.
POR ANAID RAMÍREZ
“MÉXICO CERRARÁ 2017 como
el año más violento en 20 años”, publicó
El País en diciembre pasado, luego de que
instancias oficiales dieran a conocer los
datos acumulados hasta el mes de
noviembre. Con 80 asesinatos al día,
según dicha publicación, el estreno de la
cinta de Diego Ros no se siente oportuno,
sino necesario.
Ubicado en la CDMX, El vigilante se
acerca a la jornada laboral de un
ciudadano común para mostrar la forma
en que la delincuencia le pisa los talones
a cada rato. El personaje que Ros elige es
Salvador (Leonardo Alonso), un guardia
de seguridad de una construcción que
observa cómo unos tipos dejan
abandonada una camioneta apenas a
24 MARZO 2018
unos metros de la obra. En su siguiente
turno padecerá las consecuencias de
haber presenciado, igual que su colega
Hugo (Ari Gallegos), los hechos.
No por este planteamiento debes
esperar una tragedia o una cinta de
crimen. “Lo que me interesaba hacer con
mi ópera prima era encontrar un tono
muy particular sobre lo que estaba
tratando de decir”, cuenta Ros. Al existir
ya varias películas que retrataban una de
las mayores dolencias de México, el
director quiso “buscarle un punto de
vista que yo no hubiera visto en el cine”,
por eso en esta historia te encontrarás
con una farsa.
Además de la camioneta abandonada
con muertito incluido, hay otras
circunstancias que obligan a Salvador a ir
en contra de sus principios, como una
bala perdida y un niño que huye de sus
padres. “Es un hombre que quiere hacer
las cosas bien. Es la típica persona que
encuentra un celular y lo regresa, el que
va en el metro y cede su asiento cuando
ve una señora”, define Alonso.
Ros parte de esas cualidades para
llevar a Salvador a aristas absurdas y a ti
“Esa noche yo no
andaba ahí” / Salvador
orillarte al filo de la risa. “Exploramos (Leonardo Alonso)
situaciones que eran a la vez violentas y pensando que ya no
cómicas, no en el sentido de ‘¡qué alcanza el último tren
chistoso!’, sino cómicas por el del metro / Hugo (Ari
planteamiento, que el personaje intente Gallegos) lee la nota
hacer lo mismo en más de una ocasión y roja / Los polis
la situación le explote en la cara”, señala. incómodos.
No creerás que en la bondad de
Salvador haya un mínimo de egoísmo
como para alterar sus declaraciones ante
los policías o convertirse en cómplice de
otros delitos. “La idea era más o menos
esa, que generemos conciencia de qué
estamos haciendo como sociedad. No me
refiero a convertirnos en el santo más
puro, pero sí debemos hacer algo para
que no nos alcance la violencia, para que
no te roben un celular y otros lo compren
robado”, concluye.
Así que no te sientas mal si la risa te
acompaña en los momentos más críticos
del filme.
EL VIGILANTE ESTRENA EL 30 DE MARZO.
 INICIA EL VIAJE
Te preparamos con tres títulos
que debes seguir en la edición 13
de Ambulante.

ASÍ COMO HAY iniciativas que invitan a tocar, jugar y

aprender; el cine documental que presenta Ambulante
incita a descubrir, compartir y transformar; mensaje que
llega tanto a adultos como a niños gracias a las diversas
secciones que conforman esta gira de documentales.
Para que sepas hacia dónde dirigirte para encontrar los
títulos que llevan las insignias del festival, EMPIRE
seleccionó tres producciones que te dejarán con el ojo
pelado, te darán ganas de mostrársela a un amigo y saldrás
de la proyección con mucho que reflexionar y modificar.

Ex Libris: The New York Public Library (2017)

Como parte de la retrospectiva a Frederick Wiseman,
documentalista estadounidense que en cinco décadas de
trayectoria lleva poco más de 40 títulos, se exhibirá Ex
Libris: The New York Public Library. Ganador del Premio
FIPRESCI en Venecia y el de Mejor documental en
Vancouver, el filme se centra en uno de los espacios de
conocimiento del mundo para mostrarte cómo se da el
intercambio cultural y promueve la creatividad intelectual.

Lilou (2016)
Dirigido por Rawan Rahim, este corto animado es un claro
ejemplo de que no se necesitan palabras para hacer llegar
un mensaje, así que es una gran opción para llevar a
pequeños que aún no leen con facilidad. La historia gira en
torno a Lilou, una niña que es tan curiosa y sensible como
tímida, pero esta última cualidad le resulta incomoda;
hasta que una mañana despierta con el poder de ver el
pasado de las personas y esto le ayuda a vencer sus
inseguridades. Con una animación bidimensional y
aspecto de acuarela, Rahim ofrece personajes
encantadores y los encontrarás en la sección Ambulantito,
en el Programa 1. Descubrimientos.

Rush Hour (2018)

Tras producir Presunto culpable e iniciarse como directora
con La revolución de los alcatraces, Luciana Kaplan da
razones para crear expectativas sobre Rush Hour. Como
parte de la sección Pulsos, que reúne lo más reciente de
los documentales mexicanos, la cinta es un compendio de
tres historias paralelas que evidencian los conflictos de
transporte y movilidad en tres urbes: Los Ángeles,
Estambul y la Ciudad de México. Los personajes se
preguntan si podrían cambiar de calidad de vida mientras
pierden tiempo en el tránsito.

AMBULANTE ESTARÁ DE GIRA DEL 8 DE MARZO AL 17 DE MAYO.

MARZO 2018 25
 LA AGENDA
LA OPINIÓN SOBRE LAS NOTICIAS
QUE SEGUIRÁS ESTE MES.
Netflix llegó para salvar
a Hollywood
¿A qué se debe el brillante
futuro para el streaming?
POR ALEX GODFREY
PARECÍAN TIEMPOS oscuros
para Bright. La fantasía de acción de Will
Smith recibió de Netflix un presupuesto
de 90 millones pero fue enviada al
matadero casi de inmediato debido a
críticas negativas aun antes de su
estreno (27 % en Rotten Tomatoes). El
director, David Ayer, fue el blanco
principal, pero Netflix, inseparable de la
historia, también fue culpado.
Guárdense las municiones. David
dijo que se fue con Netflix porque le
ofrecía más dinero y control creativo
(Warner Bros. y MGM pelearon por los
derechos, asegura Deadline). Si hubiera
ido con un estudio tradicional, Bright
habría sido muy diferente.
Quienes dicen que los sistemas de
entretenimiento caseros están
remplazando las visitas al cine critican a
Netflix, pero los directores la aman
porque “confían en el realizador”, contó
Ayer en el set de Brightt poco después de
Suicide Squad,d la cual describió como
“una experiencia muy ruda”.
La compañía le dio fondos a Martin
Scorsese para The Irishman, que estrena
el próximo año, con un presupuesto
26 MARZO 2018
NOTABLES
DE
NETFLIX
EN 2018
THE
POLKA
KING
(DISPONIBLE)
Jack Black
interpreta al
‘rey de la
polka en
Pensilvania’,
quien realiza un
fraude
las audiencias generales, según piramidal en
Hollywood Reporter. Eso apesta para este éxito de
Sundance.
Garland. “Hicimos la cinta para el cine”,
le dijo a Collider. Aunque confesó que APOSTLE
con Netflix no tienes “ese extraño fin de (FECHA POR
semana de estreno”: el horror de pocas CONFIRMAR)
entradas que provoca que las películas Gareth Evans
salgan prematuramente de cartelera. hace su debut
Eso ocurrió con Dredd,d que Garland en inglés con
escribió y produjo. Tenía dos secuelas en este thriller de
mente, pero la cinta ganó 35 mdd contra época de Dan
Stevens.
un presupuesto de 50, según Box Office
Mojo. Imagina un universo paralelo, MUTE
Entre choques culturales y criaturas tipo Totoro, donde Dredd hubiera sido realizada para (23 DE
Okja encantró a millones de usuarios de Netflix. Netflix y devorada instantáneamente FEBRERO)
por millones. Bright 2 recibió el Vo.Bo. Alexander
de entre 100 y 150 millones de dólares, días después del estreno de Bright. Skarsgård y
según Deadline. No era financiable “en la Sería una pena que a The Irishman Paul Rudd se
manera tradicional”, cuenta Robert De le nieguen también un estreno en cines. dirigen a un
Niro. De acuerdo con reportes de Pero ya no son esos auditorios. No Berlín del futuro
en el cuarto
IndieWire, a los estudios les pareció que vivimos en los 70, cuando los estudios se
filme del
la cinta era demasiado arriesgada como arriesgaban. En este clima precario, director
para soltarle lana. Sencillamente es poco Netflix es un caballero en armadura. Duncan Jones.
probable que hubiéramos visto The Como con Scorsese y The Irishman, a
Irishman como se planeó, con De Niro, Bong Joon-Ho lo dejaron realizar para OUTLAW
Pacino, Pesci y un montón de Netflix la maravillosa Okja tan extraña KING
rejuvenecimiento digital muy caro si no y oscura como quisiera. (FECHA POR
se hubiese involucrado Netflix. Para mí, la obsesión de la industria CONFIRMAR)
Es complicado. A Alex Garland le con los fines de semana de estreno ha David
Mackenzie (Hell
dieron una noticia de último momento: arruinado al cine, pero los tiempos han
or High Water)r
Annihilation, que sigue a su Ex Machina, cambiado y Netflix, que apoya a los es una obra
irá directo a Netflix en la mayoría de los realizadores sin interferir en sus épica sobre las
países semanas después de su estreno en proyectos, se lleva las ganancias. guerras de la
Estados Unidos. Un financiero dijo que independencia
el filme era “demasiado intelectual” para BRIGHT ESTÁ DISPONIBLE EN NETFLIX. de Escocia.
 ¡ALERTA,
SPOILERS!
IX preguntas
para el episodio IX
James Dyer sobre las nueve preguntas que J.J. Abrams
debe responder después de The Last Jedi.
1 __ ¿VOLVEREMOS A VER A
LUKE SKYWALKER?
Con su fuerza vital drenada por el esfuerzo
de proyectar su imagen al otro lado de la
galaxia para una última y espectacular
muestra de poder, Luke Skywalker está
muerto. Claro, la muerte no es barrera
para un Jedi, así que un Luke Fantasma de
la Fuerza podría ser el regreso de Mark
Hamill. Su muerte no es un final para la
saga Skywalker. Mientras el hijo de Leia
vviva, hay uno más.
2 __ ¿QUÉ PASA CON LEIA?
Kathleen Kennedy se ha rehusado a una
Carrie Fisher generada por computadora
(hasta ahora), así que seguramente el
destino de Leia será manejado fuera de la
pantalla. Leia podría morir, pero parece
más probable que su historia sólo diverja
de la narrativa principal, retirándose con
elegancia o dirigiendo misiones en otro
lado. Pasarle la estafeta a Poe Dameron al
final de The Last Jedi ya preparó el
escenario para esto.
3 __ ¿QUIÉN CONTINUARÁ CON
EL ENTRENAMIENTO DE REY?
Como la última Jedi, Rey no tiene a nadie
que le enseñe, pero se robó los textos
sagrados Jedi (los vimos un segundo a
La ya icónica escena matar a un Ren inconsciente y robar la
del regreso de la corona, el almirante Hux tiene un nuevo
espada láser de Luke jefe, uno a quien no le importa sofocar con
Skywalker. la Fuerza. ¿Se portará bien? ¿Tiene acaso
elección? Después de todo, no eligió su
bordo del Halcón Milenario al final). ¿Será vida: su vida lo eligió a él.
ese el equivalente Jedi de una universidad
abierta? 7 __ ¿PUEDE HABER
REDENCIÓN PARA KYLO REN?
4 __ ¿SIGUEN SIENDO ALGO Hay que darle el crédito a Johnson de que
LOS CABALLEROS DE REN? la respuesta a esto sea poco clara. Ya sea
Buena pregunta. Estuvieron a punto de que muera, sea redimido o viva en la
ser los guardias de Snoke, pero Johnson infamia, cualquiera de estas opciones se
pensó que eso complicaría las cosas. Ahora siente como una posibilidad orgánica
vamos por la tercera y todavía no nos los cuando lo dejamos en el Episodio VIII
topamos, así que Abrams deberá decidir si
embodegarlos sin mayor alusión o si 8 __ ¿QUÉ SIGNIFICA EL NIÑO
duplicar su papel y convertirlos en un CON LA ESCOBA?
aliado (o riesgo) significativo para Kylo La línea de sangre Skywalker no es
Ren en el último capítulo. especial, los midi-chlorians han sido
dejados de lado y la Fuerza se ha
5 __ ¿A DÓNDE VA LA expandido por toda la galaxia. Si la hija de
RESISTENCIA DESPUÉS chatarreros y un granjero pueden dominar
DE ESTO? las artes Jedi, es posible decir que una
Juzgando por el hecho de que ahora caben nueva generación de adeptos a la Fuerza
cómodamente en el Halcón, la Resistencia surgirá para repoblar la orden Jedi. O para
está en retirada. Sin embargo
go, después de fformar algo diferente por completo.
que la última muestra de Sk kywalker
reencendió la chispa, la galaxia se podría 9 __ ¿HAY MANERA DE QUE YO
unir y luchar, juntando a su
us aliados para CONSIGA TRABAJO EN OTRA
C
una última ofensiva. Comenzaríamos con EESTRELLA DE LA MUERTE?
los wookies. No, J.J., no la hay.
N
6 __ CON SNOKE MU
UERTO, ¿EN
UER STAR WARS EPISODE IX ESTRENA EL 19 DE
S
DÓNDE ENCAJA HU UX? DICIEMBRE DE 2019.
D
Después de perder su oportunidad de
MARZO 2018 27
28 MARZO 2018
 EMPIRE se
reunió con el
equipo de Todo mal
¡Aquí todo
en la Ciudad de
México el 10 de
enero de 2017.
salió de la
v&%7a!
Issa López diversifica la comedia
mezclándola con la acción en
Todo mal.

POR ANA LUCÍA ALTAMIRANO

¿QUÉ SENTISTE CUANDO, de niño,

fuiste al Museo de Antropología y te postraste a
Alguien encontró el ver el penacho de Moctezuma? ¿Qué sentiste
v
penacho de cuando te dijeron que ése no era el original y que
Moctezuma/ “Hoy no el “bueno” estaba en Viena? Seguro el
amanecí con ganas sentimiento de deslumbramiento se convirtió
de casarme” / El después en confusión al no saber porqué no
novio con sus best estaba aquí, si es más nuestro que nada, ¿no?
men / Ya no hay Algo parecido le ocurrió a la directora Issa
chelas en el refri. López, clavadísima en la Antropología (estudió
esa carrera) y a quien, cuando realizaba la cinta
Efectos secundarios (2005), le surgió la idea de
E
retomar ese sentimiento y convertirlo en una
comedia para divertirnos y claramente burlarnos
de nosotros mismos, así como de esa falsa o real
pertenencia. Así surgió Todo mal, l una cinta que
en un inicio se pensó para el teatro y cuyo guion
es colaboración de López y Gabriel Ripstein.
“Me pareció que nos podíamos reír hasta las
lágrimas de lo ridículo que es que estemos
obsesionados con que nos regresen un plumero,
cuyas plumas no son originales porque esas ya se
pudrieron; tal vez ni de Moctezuma fue y quizá
sea una capa ceremonial. Pero estamos clavados
con ‘es la corona de nuestro emperador’”, le
cuenta a EMPIRE la directora.
En esta historia participan Osvaldo
Benavides como Fernando, Alfonso Dosal como
Matías, Martín Altomaro como Dante y Marcela
Guirado como Viviana. Los cuatro dan vitalidad
a esta locura que va transformándose en cada
toma para entretener al público y mantenerlo
entre risas con una historia que conjuga el viaje
de tres amigos, una boda que se va en picada y el
penacho que se pasea en la cabeza de uno de ellos
para cobrar venganza por un corazón roto.
Una de las claves de este filme fueron los seis
meses de ensayo que los actores tuvieron antes
de llegar al set. “Este proceso se pareció al teatro
en el sentido de que está vivo”, resalta Benavides,
quien en la cinta hace un recorrido por la ciudad
con todo y penacho en la cabeza, como lo
muestra la foto principal. Y aunque el actor
sufrió un poco con este accesorio —“A la cuarta
ocasión (de ponérselo) ya era de ‘quítame esta
chingadera’”, recuerda Issa—, creemos que el
sacrificio complacerá al dios de la comedia.

TODO MAL ESTRENA EL 16 DE MARZO.

MARZO 2018 29
 “Estoy LA SELECCIÓN
DE

detonando lo SODERBERGH

Cada año,

que hago Soderbergh

publica una lista
de todo lo que
ha leído y visto.

normalmente” Aquí cinco de

esas cosas.

El director Steven Ocean’s 8

Soderbergh regresa a sus Ya ha realizado
raíces de bajo presupuesto once cortes del
con Unsane, una de terror relanzamiento
filmada con iPhones. femenino de
Ocean’s 11, el
POR JOHN NUGENT cual está
produciendo.

Fuckkkyouuu
CONSIDERANDO QUE ESTÁ Corto sobre viajar
retirado, Steven Soderbergh está más en el tiempo del
ocupado que nunca. El año pasado director Eddie
estrenó Logan Lucky, una película sobre Alcazar, con
un golpe criminal que fue aclamada por la soundtrack de
crítica. La que sigue es un thriller titulado Flying Lotus.
Unsane, con Claire Foy (de The Crown) y Soderbergh
grabada completamente en secreto con suelta algunos The Thick Of It
iPhones. secretos / Claire Diecinueve
Ahora que ya se reveló el secreto, el Foy cambió el episodios de la
director sigue sin mostrar todas sus palacio de sátira de A.
cartas para que no se conozcan Buckingham por Iannucci, al igual
demasiados detalles de la trama. “Es una el ala que 11 episodios
historia de alerta sobre leer las letras psiquiátrica. de la comedia
chiquitas”, dice crípticamente. Collider W1A de la BBC.
reportó que es una cinta de terror. ¿Es
una descripción certera? “Si eres mujer, I know Where
es de terror”, contesta. I’m Going!
Lo que sabemos es que Foy “Está diseñada para ser una De Powell &
interpreta el estelar, una “joven mujer experiencia muy visceral, y sentí que Pressburger.
que de pronto se encuentra internada en debía abrazar mi lado italiano y soltar el Soderbergh vio
un hospital psiquiátrico”, y es justo decir sueco”. Para prepararse vió varias este romance
que no se parece en nada a su majestad, la producciones independientes de terror británico de 1945
reina Isabel II. “Interpreta a una de bajo presupuesto, incluyendo junto con la
estadounidense bastante inestable quien, Repulsion, de Polanski, y Prevenge, el comedia To Be or
después de una experiencia emocional slayer de embarazo de Alice Lowe de Not To Be, de
traumática, se ha mudado a una ciudad tenía 15 años, habría tenido una carrera 2016. “Estaba viendo cosas que sentía que 1942.
nueva para tratar de reconstruir su vida. muy diferente. De verdad tienes que estaban por donde yo quería en términos
Creo que la gente estará tan sorprendida preguntarte cuánta más calidad de la historia o el acercamiento de la Astrophysics
como impresionada con su necesitas”. producción”, destaca. “Me interesaba ver For People In
transformación y el contraste extremo Las audiencias no deberían notar cómo resolvían sus problemas”. A Hurry
[con The Crown]”, señala Soderbergh. ninguna diferencia en la fidelidad de la Todo el proceso, admite, fue Uno de los libros
Para todos los involucrados, Unsane imagen, insiste Soderbergh (“¡Es captura liberador. “Parte de la diversión fue ser que incluyó fue
es una producción sorprendentemente en 4K!”, se maravilla como nerd). La capaz de literalmente hacer cosas en el este popular
pequeña. Habiendo comenzado su intención no fue nunca que fuera un set que nunca habría hecho. ¡Eso fue volumen de
carrera siendo adorado como artilugio que atrapara los encabezados; divertido! Nunca le pondría una lente tan divulgación
representante de las independientes de filmar con smartphones simplemente le cerca a nadie. Ser capaz de pensar: ‘Que científica de Neil
micropresupuesto con Sex, Lies, and permitió un cambio más rápido y crudo. se joda eso’. Estoy detonando cualquier deGrasse Tyson.
Videotape, Soderbergh dice que ha Unsane pasó del guion al final de la idea de lo que normalmente habría ¿Estará
buscado durante décadas hacer algo en producción en poco más de 10 meses, con hecho”. No esperes que comience a Soderbergh
este terreno. La mejor calidad en cámaras una filmación de sólo dos semanas y pensar en pensionarse pronto. planeando algo
de teléfonos inteligentes lo hizo realidad. cacho —lo que le vino muy bien al estado de ciencia
“Si hubiera tenido esta tecnología cuando psicológico del thriller—. UNSANE SE ESTRENA EL 23 DE MARZO. ficción?

30 MARZO 2018
 Plática de
elevador
TOM HANKS
Cuando haces una película,
¿extrañas trabajar en teatro?
Lo que amo del teatro es que,
aunque lo hayas hecho 86 veces, de
pronto estás en el escenario y
escuchas el diálogo que le has oído
a alguien decir durante meses y
piensas: “¿Dice eso aquí? ¡Nunca lo
había escuchado!”.
Tu última cinta, The Post, dura
menos de dos horas —mucho
menos que la mayoría de los
filmes de premios—.
Creo que la mejor película es la que
sientes como de 45 minutos. A
veces una de tres horas lo hace,
aunque algunas se sienten de
cuatro horas y media.
Es bien sabido que te encantan las
máquinas de escribir. ¿Fue la
película casi como una adicción?
Probé cada máquina de la
redacción. Me quedé con una de las
Royal Desktops. Me va a durar
mil años.
¿Cuál ha sido tu mejor audición?
Fue para una producción itinerante
de Grease. No canto pero fui a la
audición con una gripa terrible. Me
dijeron que volviera en dos días.
Dos días después seguía enfermo
así que me volvieron a posponer. En
la última audición estaba a la mitad
de “Alone at a Drive-In Movie” y me
dieron las gracias, pero lo veo así:
¡me pidieron regresar dos veces
para una audición en un musical
de Broadway!
THE POST
T YA ESTÁ EN CINES.
GAMBIT
Todo lo que hemos descubierto sobre el nuevo spin-off
mutante del universo X-Men.
1__ Originario de Nueva Orleans, Remy
Etienne LeBeau, alias Gambit, debutó en
cómics en 1990 como un mutante que
manipula la energía kinética para
convertir cartas de juego en armas
explosivas, y era personaje regular de la
serie animada de los 90.
2 __ Cuano filmaba X2, Bryan Singer filmó
una aparición de Gambit con el doble de
Hugh Jackman, James Bamford, en el
papel, pero después lo cortó. Estuvo a
punto de aparecer en X-Men: The Last
Stand,
d pero los guionistas Simon Kinberg
y Zak Penn decidieron que no podían
meterlo.
3 _ Su primera aparición cinemática
__
ocurrió en la poco gustada X-Men
Origins: Wolverine, interpretado por
Taylor Kitsch.
4 ___ Channing Tatum ha sido muy
paciente. Fue presentado como el nuevo
Gambit en 2014: “He amado a Gambit
desde hace mucho. Es simplemente muy
cool”, dice.
5 ___ Tendrá la vibra de una peli de robos,
considerando que Gambit formó parte
del gremio de ladrones antes de unirse a
los X-Men. “He visto muchas cintas de
robos para Gambit”, t confirma Tatum.
6 __ Lizzy Caplan está en pláticas para
interpretar un papel aún sin nombre.
Apostamos a que será Bella Donna
Boudreaux, compañera de juegos de
Gambit, mutante con poderes psíquicos.
7 ___ Así como Ryan Reynolds fue el motor
de Deadpool, l Tatum ha estado muy
involucrado en el proceso de desarrollo.
Está “determinado a que el personaje sea
perfecto”, apunta Simon Kinberg.
8 ___ Por el momento no hay director. Tres
directores han estado involucrados pero
se han ido —primero Rupert Wyatt, quien
se fue en 2015; después Doug Liman, que
salió en agosto de 2016; y por último,
Gore Verbinski, quien se despidió en
enero de 2018—.
9 __ A pesar de no tener director, hasta el
momento en que nos fuimos a imprenta
mantiene su fecha de estreno para
febrero de 2019.
10 ___ La filmación debería empezar en
marzo en Nueva Orleans, de acuerdo con
la oficina de rodajes de la ciudad, bajo el
título “Forevermore”. De seguro Tatum
siente que ha esperado “forever” —
eternamente— a que esto arranque.
DAN JOLIN
MARZO 2018 31
 ESTAR PRESENTE
La nueva serie de HBO provoca hablar de nuestro presente
y hacernos presentes justo en este preciso momento.
POR MARIO P. SZÉKELY
SON SÓLO UNOS PASOS los que el
personaje de Tim Robbins, Greg Bishop, tiene
que caminar para estar frente a su familia y sus
mejores amigos. Es su cumpleaños 60 y todos
esperan palabras de aliento y esperanza. Vestido
de negro, con su cabello plateado cortado como
un sobreviviente de la era hippie, observa hacia
su audiencia y dice: “¡Hemos perdido!”
Here and Now (HBO) es la serie que nos lleva
al estado físico y mental que tenemos tras la
irrupción de Donald J. Trump en la arena
política. En las manos del escritor Alan Ball
((Belleza Americana, Six Feet Under),
r seremos
testigos de la sacudida, depresión y urgencia de
volver a respirar en un mundo que todo liberal,
demócrata o no partidario del nuevo inquilino de
la Casa Blanca, está enfrentando.
“Deseo mucho que la gente sienta que Here
and Now les habla a ellos, porque creo que somos
muchos en Estados Unidos y el mundo que nos
32 MARZO 2018
decimos: ‘¡Un momento!, ¿qué sucedió? ¿Por qué
ahora el mundo se ha vuelto aterrador y no le
encontramos ningún sentido?’”, denuncia Ball,
quien al igual que Greg, recién cumplió seis
décadas de vida.
Quien ha seguido los pasos de Ball tendrá en
su memoria escenas que van desde una bolsa de
plástico flotando libremente en un callejón,
como metáfora de las fuerzas ocultas que
mueven nuestras vidas y el valor preciso de lo
cotidiano en Belleza Americana, hasta la
manifestación del mundo de los muertos en Six
Feet Under, desplegando más de una teoría
acerca de cómo nunca dejaremos esta Tierra.
En Here and Now Ball quiere que
continuemos filosofando, y como buen contador
de historias —tiene un Oscar, un Globo de Oro y
un Emmy en casa— utiliza un puñado de
personajes para hacernos partícipes de sus
conflictos, preguntas y discernimiento.

“Por ejemplo, Greg es filósofo y ha escrito un
libro sobre la importancia del presente. El título
del programa Here and Now es prácticamente
una idea budista, porque lo que se implica es que
lo único que existe es el aquí y el ahora. Todo lo
que nos ha ocurrido sucedió allá atrás.
“Muchos físicos creen que el tiempo lineal
es una mera ilusión y que todo está sucediendo
al mismo tiempo —lo que por cierto es un
concepto demasiado grande de asimilar y
comprender— ; pero lo que sí sé es que el aquí y
ahora es donde vivimos. Mi idea era explorar las
experiencias de cada individuo con la meta de
explorar un tema más grande”, explica Ball con
palabras que bien podrían caber en una clase de
universidad.
Esos individuos de quienes habla Ball
conforman una familia multicultural, cuando él
y su esposa Audrey (Holly Hunter) adoptaron a
Ramón (Daniel Zovatto) de Colombia, Ashley
(Jerrika Hinton) de Somalia y Duc (Raymond
Lee) de Vietnam, sumándose su hija biológica
Kristen (Sosie Bacon. ¡Sí!, la hija de Kevin
Bacon).
¿Es Here and Now el siguiente vistazo a la
familia del suburbio estadounidense con el
Gregg Bishop (Tim
Robbins) es filósofo
y, junto con su
esposa Audrey (Holly
Hunter), crearon una
familia multicultural
que procura
mantenerse
consciente en el
aquí y ahora.
mismo espíritu de “mira más cerca” que
abanderó Belleza americana en pantalla grande?
“Por completo. Es un ‘ve cerca’ lo que está
pasando y ‘ve cerca’ cómo la gente de distintas
procedencias experimentan las cosas de la vida
de manera diferente. Es un ‘abre los ojos’. 
“Desafortunadamente, creo que aún hay gente
en Estados Unidos que piensa que su forma de
experimentar la vida es la única y la universal de
los seres humanos”, advierte Ball, esbozando la
sonrisa del dramaturgo que sabe que tiene un
punto de vista interesante por compartir.
Con una temporada inicial de 10 episodios,
Here and Now es mucho más que distintas razas
e ideologías conviviendo, contando desde su
capítulo inicial con elementos que algunos
tacharán de sobrenaturales y otros como
alucinaciones bíblicas, pero que en la mirada de
Ball es un mero reflejo de cómo cada persona se
siente conectada con algo terrenal o con algo que
no podemos ver, inasible e inmaterial pero que
nos da la idea de lo infinitos que podemos ser…
por lo menos desde el presente que se abre hacia
el mañana.
POR HBO DEL 11 DE FEBRERO AL 15 DE ABRIL.
MARZO 2018 33
 Pulgares
en
acción
Ready Player One no es sólo
una gran aventura, sino que
marca el regreso de Steven
Spielberg al mundo de la
ciencia ficción.
POR ARY SNYDER
CON APENAS UN GUION en su
haber (Fanboys), Ernest Cline escribió su
primera novela: una obra de ciencia
ficción que se desarrolla en un distópico
2045, principalmente dentro de un vasto
universo de realidad virtual. Es un libro
lleno de referencias de la cultura pop
ochentera (¿recuerdas a Def Leppard,
WarGames y Zork?), la cultura gamer
y un detallado repaso por la historia
de los queridos videojuegos.
Cuando fue publicada, Cline anunció
que había escondido en el texto una clave
para encontrar un ‘huevo de pascua’,
y ofreció premiar a quien lo descubriera
primero con un DeLorean 81 que viaja en
el tiempo “a 60 segundos por minuto”,
como le dijo a la revista Wired.
Lo de la clave es importante porque,
en la trama de la novela, el creador de
OASIS —el metaverso de realidad virtual
al que todos entran no sólo para ‘vivir’
mediante sus avatares, sino para escapar
de lo insoportable de un mundo arrasado
por todo tipo de calamidades— esconde
en ese espacio las claves para descubrir un
easter egg y ofrece a quien lo logre
primero una riqueza siete veces mayor a
la que acumula hoy Carlos Slim y la
propiedad del mismísimo OASIS, lo que
terminaría con el dominio de la empresa
que lo controla (¿Facebook, Google? Algo
por el estilo).
El viaje del manuscrito a la pantalla
grande fue meteórico: en 2010, Random
House ganó la batalla para publicar la
novela; al día siguiente le vendió los
derechos cinematográficos a Warner
Bros. Pictures; en 2011 se publicó,
llegando a la lista de bestsellers del
New York Times; en 2012 ganó un par
de premios, pero sin duda su mayor
34 MARZO 2018
Una vida miserable recompensa fue que en 2015 Steven
fuera de Oasis / Ah, Spielberg anunció que produciría la
pero en Oasis tu ride película y además la dirigiría —su regreso
puede ser un D'Lorean. al mundo de la ciencia ficción desde
War of the Worlds, de 2005—.
El estreno de la versión
cinematográfica ocurrirá este año y eso,
en cualquier realidad, es velocidad luz
(y eso que Spielberg decidió dividirse
entre la posproducción de Ready Player
One para realizar The Post, debido a la
importancia del tema en un presente
distópico encabezado por Trump).
Pocos directores se mueven en
diferentes géneros con la soltura y
seguridad de Spielberg, pero sobre todo,
la historia de RPO está muy en su zona: un
adolescente huérfano —algo que ya
parece requisito para cualquier héroe
menor de edad— encuentra en OASIS
la primera clave que lo lleva a la siguiente,
en su búsqueda por el dichoso premio.
Cuando su nombre aparece en el
tablero de líderes, lo hace también en el
radar de quienes buscan impedir a toda
costa perder el control y propiedad de ese
universo, así que la historia se convierte
en una batalla a contrarreloj que se lucha
no nada más ganando en todo tipo de
videojuegos —algunos tan arcaicos como
Pac-Man (el premio: una moneda de 25
centavos)—, sino usando referencias de
los 80 (tip: desempolva tu conocimiento
de cosas como Monty Python and the Holy
Grail), hackeando y enfrentando
a Sorrento y los Sixers en esa realidad
alterna tan llena de vida, muerte, caos
y fantasía como la vida misma.
Como le dijo Spielberg a la
publicación USA Today: “Esta película
mostrará por qué es interesante no vivir
en el mundo real, pero también de lo que
te pierdes al no hacerlo”. No sé tú, pero yo
ya quiero vivir la realidad que creó
Spielberg con este material.
READY PLAYER ONE ESTRENA
EL 29 DE MARZO.
 ¿ACÓMO
ELLITRO
DE
LECHE?
MARTÍNALTOMARO
R
¿Le sale bien o mal el chocomilk al
protagonista de Todo mal?

POR CÉSAR HERNÁNDEZ

He tenido ensayos donde me sale todo
Imagina
n esto: los marcianos invaden
na mal. Partidos de futbol donde me sale

Tenemos que empezar por el inicio de

la Tierra
ra y para no acabar con la
humanidadda exigen ver un programa
d FAVS todo mal y pido el tiro libre 20 veces y el
penal y no meto ni uno. Creo que el
tu carrera: ¿cuántas veces has
soñado con tus escenas de cama con
Leticia Perdigón en Anoche soñé
triple conn las
l mejores películas de
Martín Altomaro;
tto
Está muy heavy.
¿cuáles serían?
a No puedo. ¿Y si no es
EMPIRE chiste es no clavarse en si te sale todo
mal, sino en saber cómo resolverlo.

contigo? cierto? —Recuerda

u que estamos en tus SOY TU FAN En una escala del uno al 10, ¿qué tan
Fíjate que no, ninguna. Me quedo más manos— Voy a decir
d Ambar, Libre de (2010) famoso te sientes?
con haber tenido la oportunidad de ser culpas y Todo mmal. Cuando Uno. Con que me conozcan mi mamá y
parte de una película así, porque no lo Altomaro mi hija, con eso tengo.
encarnó a ése
veía venir para nada. Honestamente no ¿Sabes cuánto cuesta un litro
que siempre
tenía en mis planes ser actor de cine, de leche? Si te correspondiera darle uno, ¿qué
mandas a la
así que por una extraña coincidencia No sé, ¿26 pesos? friendzone. final definitivo le darías a Soy tu fan?
hice casting, call back, ensayos, ensayos, ¡Esa es buena! Me gustaría que Charly
ensayos y me quedé en la película. ¿Has infringido la ley alguna vez? AMAR (Ana Claudia Talancón) y Nico por lo
Entonces todo el proceso fue como un Si (silencio mortal). —¿Puedes (2009) menos fueran amigos para toda la vida.
regalo y un sueño muy grande, por lo que contarnos?— Ahora mismo me crucé la Aquí te toca ver También que a los personajes de Juan
me quedo con todo eso, no nada más con calle y no lo hice en la esquina. a Martín Pablo Medina (Iñaki)y Johanna Murillo
Altomaro llegar
FOTO: COMBO MANAGEMENT/ MARTÍN ALTOMARO

las escenas con Lety.
¿Recuerdas con quién fue tu primer
beso actuado?
Fue con Patricia Aguirre, es quien
interpretaba a Chabelita en esa película
((Anoche soñé contigo).
¿Qué es algo que tú sabes hacer mejor
que nadie?
Hacer reír a mi hija.
¿Qué es lo peor que te has metido
a la boca?
Cualquier aparato de dentista.
—Jaywalking, claro que cuenta—. (Fernanda) terminaran juntos. Que el
al altar y
personaje de Maya Zapata (Rocío) fuera
teniendo una
¿Qué película has visto más veces en muy feliz y que Vanessa (Edwarda
pequeña crisis
tu vida? inicial y sexual Gurrola) y Julián (Osvaldo Benavides)...
Pulp Fiction y Reservoir Dogs. con su esposa. no, la neta no sé que les podría pasar a
ellos. Sí me gustaría que Charlie y Nico
¿Cuál ha sido el momento en que te ANOCHE tuvieran uno o dos hijos,
salió todo mal? SOÑÉ independientemente de si deciden estar
Tengo varios, ni siquiera vale la pena CONTIGO juntos o no.
mencionar uno en particular. Tiendo (1992)
El debut triunfal
a decir cosas que no debería decir en ese En una escala del uno a 10, ¿qué tan
de Altomaro.
momento, es una cosa recurrente. peludo es tu trasero?
¿A quién no
También he tenido días de llamado muy encantó con la Yo creo un dos.
malos en los que me sale todo mal. Y les interpretación
echo a perder cosas al resto de la gente. de Tito? TODO MAL ESTRENA EL 16 DE MARZO.

MARZO 2018 35
 EL AQUÍÍ Y AHORA DE LA BU ACA Y EL SILLÓN
Ó

+++++ EXCELENTE
++++ BUENA
+++ PASABLE
++ POBRE
+ TERRIBLE

36 MARZO 2018
CINE
I,TONYA
AHORAA EN CINES /
++++ 119 MINUTOS
DIRECTOR Craig Gillespie
ELENCO Margot Robbie, Mckenna Grace, Allison
Janney y Sebastian Stan
SINOPSIS LaVona Fay Golden (Janney) forza a su
talentosa hija Tonya Harding (Grace y después
Robbie) a patinar, y más adelante esta dupla
madre-hija poco convencional horroriza la
gentileza del deporte. Y cuando una patinadora
rival es atacada, Harding carga con la culpa.
EN ENERO DE 1994 Tonya Harding dejó de
ser famosa por el patinaje artístico y se volvió
infame después de un ataque contra su rival en la
pista, Nancy Kerrigan. Los medios
enloquecieron, algo que siguió a lo largo de los
Juegos Olímpicos de Invierno en Lillehammer,
donde ambas mujeres compitieron antes de que
a la deshonrada patinadora le prohibieran de por
vvida volver a participar en una justa mayor. Pero
el guion, matizado y un tanto gracioso de Craig
Gillespie, nos recuerda que aunque no está claro
qué tanto sabía o no, Harding no agredió a su
némesis en persona y su reputación como una
monstruo en el mundo del patinaje es bastante
injusta (eventualmente ella se declaró culpable
de conspiración para evitar ir a juicio).
En la película conocemos a Harding cuando
es niña (Mckenna Grace, de Gifted) d y su
dominante madre LaVona Fay Golden (Allison
Janney) la lleva al patinaje. La doña insiste en el
talento de su hija, intimidando a la entrenadora
local Diane Rawlinson (Julianne Nicholson) para
que la acepte. Pero motivar a su pequeña
involucra burlas crueles y olvidarse de cualquier
necesidad de Harding que no sea el patinaje —al
punto de sacarla de la escuela para que dependa
de su madre para su manutención—.
La niña se convierte en una competidora
formidable, pero eso la vuelve aislada, algo que
Golden cultiva y resiente. La relación que se te
muestra es abusiva en lo físico y en lo emocional,
con un trasfondo de pobreza que está a un
mundo de distancia de las típicas princesas del
hielo del patinaje artístico.
Como adolescente, Tonya —ahora Margot
Robbie— busca un escape en los brazos del
mecánico Jeff Gillooly (Sebastian Stan), el
epítome de lo cool ochentero —con sus parkas y
bigote de Freddie Mercury—, pero su relación
intermitente también es abusiva y dolorosa, con
Harding teniendo que evadir sus puños entre las
prácticas del deporte. Mientras tanto, su talento
es indiscutible, pero como estrella su ascenso es
lento debido a los jueces, quienes se fijan más en
su apariencia poco elegante que en su habilidad
para dar un triple giro con doble punta del pie. El
comentario de clase es claro: si Harding hubiera
provenido de un origen más adinerado, la
comunidad del patinaje artístico no la habría
rechazado de tal forma.
Robbie impresiona como una mujer que no
tuvo inicialmente ninguna elección sobre
patinar o no, pero que en el camino absorbió la
determinación de su madre para ganar. Es una
interpretación libre de vanidad con pelucas
horribles y una sonrisa más perturbadora que la
que usó como Harley Quinn en Suicide Squad.
Hay más pecados cometidos contra esta Harding
que los que ella realiza, pero también era
propensa a ataques de furia y elecciones de vida
terribles, así que no es una heroína fácil.
Sin embargo, Robbie tiene una igual en
Janney, siempre asegurando que actuó por amor.
Golden es flamboyante con su abrigo de pieles,
un pájaro en el hombro y una manguerita de
oxígeno cruzándole la cara después de una vida
de fumar, pero también pequeña, triste y
amargada luego de que sus predicciones de un
desastre se vuelven realidad. Hasta para los
estándares de Janney es una actuación
inolvidable (bien merecido Golden Globe). Y
Stan, por lo general relegado en papeles dañados,
hace un giro impresionante cuando se
transforma en salvador de Harding.
Si hay algo que criticar es que el filme a veces
se olvida de meterse bajo la piel de Tonya a causa
de los embellecimientos estilísticos y la
fascinación por el mundo de su increíble vida.
Gillespie adopta un acercamiento de narrador no
fiable enmarcado con entrevistas contradictorias
con una Harding, Golden y Gillooly mayores,
encontrando humor en sus desacuerdos. Y con
sus cortes breves, colores brillantes y soundtrack
rítmico puedes entender por qué ha sido
comparada con GoodFellas, pero es una cinta
menos estilizada, filmada bajo una horrible luz
fluorescente y en un dorado desgastado que le va
al permantente de Robbie. Además, el esfuerzo
de ponerle por computadora la cara de la actriz a
su doble patinadora no es parejo.
Sin embargo, te mantiene metido en una
historia que asume la complicidad de la
audiencia en el juicio de los medios a Harding
para forzarte a reconsiderar después. La
deportista fue una víctima que se rehusó a actuar
como tal, poniendo un frente superrudo ante el
mundo, así que la convertimos en villana sin que
importaran las consecuencias humanas... Al
menos hasta ahora. HELEN O’HARA
VEREDICTO Robbie y Janney aciertan en la
historia convincente y correctiva de una figura
incomprendida; una de las biopics más
oscuramente divertidas que verás jamás.
MARZO 2018 37
 CINE

THE FLORIDAPROJECT
ESTRENO 2 DE MARZO /
+++++ 141 MINUTOS

DIRECTOR Sean Baker

ELENCO Willem Dafoe, Brooklynn Prince
y Bria Vinaite

SINOPSIS Halley (Vinaite) y su pequeña hija

Moonee (Prince) viven la marginación de la clase
baja estadounidense. Halley es bailarina exótica
pero casi nunca tiene trabajo y Moonee pasa el
tiempo sin escuela creciendo salvaje entre las
casas abandonadas y el paraíso ficticio
apuntalado alrededor de Disney en Florida.

SEAN BAKER NOS HA mostrado que

cuenta con un estilo definido y sólido en donde la
anécdota no es más que una zona limítrofe para
las emociones. Así como en Starlet o en
Tangerine, la apacible miseria y la alegre
confrontación de la realidad envuelven con cada
hecho cotidiano un mensaje profundo.
Baker te habla a través de Moonee
(Brooklynn Prince, nominada en la categoría
Intérprete revelación en los Gotham Awards
2017) sobre la inocencia, de la sabiduría que vive
en la ignorancia y de cómo la contemplación de
la realidad es un ejercicio único de la voluntad de
cada quien. Moonee es feliz pero todo a su
alrededor se desmorona; no por un evento
catastrófico, sino porque una de las
características perennes del planeta es su
fragilidad. El mundo lleva desmoronándose
desde que es mundo, pero eso a los niños les
tiene (y por fortuna siempre les tendrá) sin
mayor cuidado.
En el mejor estilo de Baker, el reparto es de
desconocidos perfectamente elegidos para
colaborar en el tono único y extraordinario de su
narrativa. Sólo un nombre se destaca, y es el del
veterano Willem Dafoe, quien presta su adusta
presencia a Bobby, el administrador del motel
donde viven Halley y Moonee. Desde esa
posición el tipo observa, casi omnipresente,
cómo las vidas de su entorno se deshilvanan sin
que él pueda intervenir sin empeorar las cosas.
Justo esa es la maldición de Bobby, condenado a
mirar sin llegar a restituir jamás.
CÉSAR HERNÁNDEZ

VEREDICTO Seguramente veremos a The Florida

Project ganar aún más premios de los que ya
ha recolectado, principalmente el de lograr que
su audiencia crezca. Y la película lo merece por
esta historia que te llenará de ternura hacia el
vacío existencial de sus personajes. No la dejes
pasar, que la vida es corta.

38 MARZO 2018
MARZO 2018 39
 CINE
WINCHESTER
++ ESTRENO 9 DE MARZO /
99 MINUTOS
DIRECTORES Michael y Peter Spierig
ELENCO Helen Mirren, Sarah Snook
y Jason Clarke
SINOPSIS Heredera de la enorme fortuna
que acumuló su esposo, el creador de los
rifles Winchester, Sarah asegura que la
persiguen fantasmas. Con la finalidad de
esquivarlos, la mujer decide convertir su
mansión en un misterioso laberinto.
BIENVENIDO a la mansión
Winchester, una propiedad siempre en
construcción de siete pisos llenos de
pasillos laberínticos, puertas y ventanas
que muchas veces no dan a ningún lado,
chimeneas y habitaciones clausuradas.
Lo absurdo de esta construcción
encuentra razón en su dueña, Sarah
Winchester (Helen Mirren), quien
considera que ésa es la única forma en
que puede evitar a los espíritus de
quienes han muerto bajo el fuego del rifle
de repetición, cuya creación y venta
cimentaron la fortuna de su familia.
40 MARZO 2018
Pero la amenaza sobrenatural no es
lo único a lo que debe temer la
acaudalada mujer: ahora tiene que pasar
Sarah Winchester
(Helen Mirren) en
espera de un pan pa'l
Gracias a que las reglas sobre las que
se construye el relato y las líneas
argumentales son claras, la personalidad
por una evaluación médica que
determinará si aún tiene la lucidez
susto. "Y nadie
hace nadaaaa."
de la viuda y los episodios casi febriles del
médico son aprovechados para conectar
necesaria para continuar al frente de la con las inquietantes atmósferas que se
empresa que le heredaron. presentan, reforzando la parsimonia del
La historia que sirve como base para desarrollo que, salvo la última parte, se
esta producción, dirigida por Michael y mantiene firme y envolvente.
Peter Spierig (Predestination
( ), ocurrió en Es una lástima que los sobresaltos
la vida real en uno de los lugares más sean escasos y que el conflicto principal a
embrujados de los Estados Unidos, través del cual se unen los destinos de los
ubicado a las afueras de San Francisco. dos protagonistas nunca se perciba como
Inscrita en la tradición de los relatos una verdadera amenaza, y que el
de casas embrujadas, la cinta, que antecedente que empuja todo el asunto
conocerás en México como La maldición parezca un tanto débil en relación al de
de la casa Winchester, cumple con lo que las otras almas atormentadas.
dictan los lineamientos básicos del A pesar de eso, el misterio funciona y
subgénero, al otorgarle un peso igual juega bien con la incredulidad y la culpa,
tanto a la propiedad que sirve de además de que logran darle identidad al
escenario como a los personajes relato apoyándose en un sofisticado
principales: con el mismo cuidado que la diseño de producción que incluye un
oscareada Hellen Mirren delinea a la efectivo juego de contrastes de luz y
intrigante Sarah, se muestran los texturas. JESÚS CHAVARRÍA
escenarios por los que deambula.
A la narración hay que sumarle la VEREDICTO Horror para principiantes. Un
presencia de un tercer elemento, el envoltorio de lujo para un relato de
doctor Eric Price (Jason Clarke), fantasmas que llega con el eslogan
responsable de vigilar a la mujer y con “basada en una historia real”, en el que
ello determinar si es presa o no de la pesa más el misterio que los sustos.
locura; pero a la par de hacer su Aún así, las actuaciones convencen,
diagnóstico, carga y debe enfrentar a sus las referencias a la época son
propios demonios. interesantes y resulta entretenida.
MARCIANOS VS MEXICANOS
++
ESTRENO 9 DE MARZO / 90 MINUTOS
DIRECTOR Rodolfo y Gabriel Riva
Palacio Alatriste
VOCES Adal Ramones, Omar Chaparro
y Martha Higareda
DE LOS CREADORES DE
Huevocartoon, quienes en los dosmiles
se caracterizaron por un sentido del
humor transgresor y burdo; podría
decirse que regresan a sus cimientos
en este rubro.
La historia es acerca de una
invasión de marcianos a la Tierra:
todos los países han sido
conquistados, a excepción de México.
En un arranque por preservar a la
humanidad, y teniendo a los
norteamericanos de vecinos, la NASA
decide enviar a un puñado de
mexicanos como única esperanza para
salvar al planeta. ADRIÁN RUIZ
CRIMEN EN EL CAIRO
++++
ESTRENO 16 DE MARZO / 111 MINUTOS
DIRECTOR Tarik Saleh
ELENCO Fares Fares, Mari Malek
y Hania Amar
SEMANAS ANTES de la revolución de
Egipto, en 2011, en un hotel de lujo es
asesinada una mujer. Sólo hay una
testigo, Salwa (Mari Malek), pero al
comandante Noredin Mostafa (Fares
Fares) no le será nada sencillo dar con
ella ni encontrar al verdadero culpable,
y mucho menos conseguir justicia.
Con esta premisa, el director
sueco Tarik Saleh te lleva por un
thriller policiaco que refleja la
corrupción y la impunidad egipcia,
mientras te sumerge en ese mundo a
través del aprovechamiento del
espacio escénico y los juegos de
luces y sombras. Una cinta que te
atrapa fácilmente e impresiona con el
rumbo que toma, pese a las
motivaciones de los personajes
secundarios. AR
CINE
FILM STARS DON’T
DIE IN LIVERPOOL
+++ ESTRENO 16 DE MARZO
/ 105 MINUTOS
DIRECTOR Paul McGuigan
ELENCO Annette Bening, Jamie Bell
y Julie Walters
SINOPSIS Los años mozos de Gloria
Grahame (Bening) ya pasaron, pero eso
no le impide tener un tórrido romance con
un hombre varios años menor que ella,
Peter Turner (Bell). Esta es la historia de
amor y despedida de ese par de tórtolos.
IMAGÍNATE QUE A TUS 26 años,
mientras buscas una oportunidad para
demostrarle al mundo lo buen actor que
eres, terminas siendo vecino de una
Julianne Moore o un Hugh Grant y,
fortuitamente, también empiezas a salir
con la estrella de cine. Eso es lo que le
ocurrió a Peter Turner con Gloria
Grahame, y luego convirtió su historia en
un libro que se publicó en 1986, mismo
que sirvió como base para la película de la
que a continuación te platicaremos.
La cinta dirigida por Paul McGuigan
(Obsesión) arranca exaltando el glamour
de la actriz en cuestión; una serie de
inserts que te ofrecen detalle de lo que
Graham (Annette Bening) tiene sobre el
tocador de su camerino para
interrumpirlas con el desmayo de la
mujer y así marcar el comienzo del relato
que aquí compete.
Al llamar a su exnovio, Turner (Jamie
Bell), y pedirle que la lleve a Liverpool
para pasar ahí su convalecencia, los
recuerdos de la pareja empiezan a
florecer. Con un estético plano secuencia
para que apenas notes el cambio,
McGuigan te traslada del presente
emocional y físicamente doloroso al
Jamie Bell y
Annette Bening
pasado alegre y promisorio que vivieron
los dos enamorados.
Film Stars Don’t Die in Liverpool
romanceando
en el metro.
continúa con esos saltos temporales para
que contrastes la situación actual con los
primeros encantadores momentos
y también el comienzo del periodo de
decadencia, digamos que algo así como
500 Days of Summer, pero mostrando
una relación más intensa y con lapsos un
tanto más melosos que en el filme de
Marc Webb.
El meticuloso diseño de producción,
que te permite conocer un poco más de la
personalidad de los dos protagonistas y
sirven también para enfatizar las
diferencias entre ambos, le da
oportunidad a McGuigan de aprovechar
la duración de su filme para concentrarse
en el desarrollo de la historia, aunque no
se libra de escenas innecesarias.
Tanto Jamie Bell como Annete
Bening justifican con su trabajo la
nominación que cada uno recibió a los
BAFTA. Los dos te emocionan y
conmueven con su ejecución individual y
la química que logran en conjunto; sin
embargo, habrá momentos en los que el
tono de voz que la actriz eligió para este
rol te parezca un tanto exasperante.
Pon atención en las uñas del
personaje principal, pues el
departamento de maquillaje hizo su
aportación —no dudamos que por
instrucciones del director— para que
incluso en esos detalles se reflejara el
estado anímico y físico de Graham.
ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Para verla en pareja y si eres
de los que quieren ver historias de
amor emocionantes, pero condenadas
al fracaso. Puede que las últimas
escenas provoquen la salida de esa
lagrimita traicionera.
MARZO 2018 41
 CINE
VERANO 1993
++++ ESTRENO 16 DE
MARZO / 97 MINUTOS
DIRECTORA Carla Simón
ELENCO Laia Artigas, Paula Robles,
Bruna Cusí y David Verdaguer
SINOPSIS Ante el fallecimiento de su
madre, Frida (Artigas) tiene que mudarse
al campo, donde viven sus tíos y ahora
padres adoptivos. El verano, más que
diversión para la niña, será de adaptación
a su nuevo entorno.
LA OSCURIDAD YA ESTÁ Á sobre
los barrios de Barcelona, pero los niños
corren en la calle y juegan con luces de
bengala. Como se te advierte que es el
verano —el de 1993—, entiendes que
parezcan días de fiesta. Pero hay una
pequeña que no está en el mismo mood:
desde el interior de su departamento
y hasta cuando sale de su hogar para
42 MARZO 2018
subirse a un carro se le ve pensativa y con
trabajo responde a los cuestionamientos.
Con los diálogos iniciales, algunos
sutiles —los de los adultos— y otros muy
directos —sólo la honestidad de los
escuincles podrían dicirlos —, la cineasta
Carla Simón te revela el origen del
comportamiento de esa niña: Frida (Laia
Artigas) afronta sin lágrimas la pérdida
de su madre. Si la niña empaca todo
y sube al automóvil desde donde ve a sus
vecinos sonrientes despidiéndose de ella
es porque tiene que emprender una
nueva vida con la familia de su tío,
tal como la mamá dejó estipulado.
De esta forma, y retomando la
experiencia propia, Simón hace de su
ópera prima un ensayo sobre la pérdida
en la niñez, sin drama ni situaciones
chantajistas que te obliguen al llanto.
La directora catalana opta por mostrarte
un relato orgánico, inocente e inquieto
para recordarte más bien la sensación de
ser niño y, desde esa perspectiva, ahora sí,
conducirte por el proceso del duelo.
Las lecciones acerca de la pérdida
y la nostalgia corren a cuenta del
contorno del personaje principal; Frida
nunca llora, pero manifiesta su dolor
a través de desplantes, travesuras
y necesidad de llamar la atención.
Por otro lado, con ayuda del rol de su
hermana adoptiva y menor, Anna (Paula
Robles), se retrata el periodo de
adaptación y aceptación de lo nuevo,
además de enfatizar el rechazo.
Las situaciones que atraviesan
las dos niñas denotan todo lo que la
hermandad es en la infancia, desde la
complicidad a la hora de jugar hasta la
rivalidad que puede existir al momento
de procurar el cariño de los padres. Esto
lo encarnan a la perfección las dos
actrices principales, quienes pese a su
corta edad reflejan una espontaneidad
y química que te harán recordar tus
propios días de travesuras.
También el manejo de la lente en
Verano 1993 contribuye a la empatía que
entablas con la protagonista, pues el
cuadro se muestra siempre —excepto en
las tomas abiertas— detrás de la niña y en
un planteamiento que respeta la estatura
de Frida. Los movimientos de cámara se
perciben como los de un infante tratando
de ubicar su entorno. Por eso te sientes

Ana (Paula Robles) y
Frida (Laia Artigas)
planeando sus
próximas travesuras /
Las dos niñas se dejan
consentir por la abuela
/ Frida triunfante en los
hombros de su papá
adoptivo, Esteve
(David Verdaguer) /
Abrazos reconfortantes
después de la pérdida.
como un pequeño intruso en la historia.
A los que fueron niños en los 90, el
trabajo del diseño de producción y
decoración de set les permitirá
reencontrarse con viejos amigos, desde
caricaturas hasta juguetes. Si bien es un
trabajo destacable, se reduce a artificios
al observar las sugerencias no de
tiempo, sino emocionales: la presencia
de la figura materna, los deseos de que
ella vuelva, el desahogo inesperado o la
causa de la muerte de la mujer.
Simón consigue con todo esto no
sólo que el filme hablado en catalán
logre su estreno comercial y respete su
idioma original dentro y fuera de
España o las decenas de premios que ha
recibido: su mayor logro es hacer de lo
autobiográfico algo universal que
trastoca emociones con mucha
delicadeza y naturalidad, como para
que las lágrimas salgan por reacción y
no por obligación. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Necesario verla. Sin circo
ni maroma, Carla te reconecta con
emociones de tu infancia para
hablarte de un dolor nuevo e intenso.
EL VIGILANTE
++++
ESTRENO 30 DE MARZO / 75 MINUTOS
DIRECTOR Diego Ros
ELENCO Leonardo Alonso, Iván Cortés
y Ari Gallegos
“ESTAR EN EL LUGAR equivocado, en
el momento equivocado” sería una
frase que ilustra a la perfección el
primer largometraje del mexicano
Diego Ros, pero la lectura del filme va
más allá de esa premisa para hablarte
de una manera distinta acerca de la
violenta situación de nuestro país.
Sin muchas locaciones de fondo,
la cinta comienza con la travesía de un
hombre de su casa hacia su trabajo, y
ahí se mantiene hasta el último
segundo del relato. Así conoces a
Salvador (Leonardo Alonso), quien de
inmediato se muestra como una
persona recta, fiel seguidor de
protocolos, un hombre común y
trabajador como muchos otros.
Pareciera no haber más historia
de dicho personaje, pero el joven
director y guionista de esta película no
eligió cualquier momento para
presentarte a Chava: te acerca a él la
noche en que podría conocer a su hija
y cuando la rectitud que lo caracteriza
alcanza un punto cuestionable.
Previo a la jornada que ves en
pantalla, el velador y uno de sus
compañeros fueron testigos casuales
de un crimen, por lo que al día
siguiente ambos dan su declaración a
la policía. La contradicción de los
argumentos y la conciencia incansable
del protagonista provocan que éste
retrase un tanto su salida laboral y se
involucre en una serie de situaciones
delictivas, a veces como observador y
otras más como partícipe. Con esto, el
mejor largometraje del Festival
Internacional de Cine de Morelia de
2016 no le da a su rol principal una
drástica transformación, pero si
dualidades en su comportamiento.
Apoyado de una cámara que
apenas se mueve para acercamientos
y alejamientos, Ros construye un
relato incisivo para el protagonista y
exasperante para el espectador:
querrás entrar a la construcción y
sacar de ahí a Salvador antes de que
termine más embarrado. AR
VEREDICTO No defrauda. Es un filme
que, pese a no tener mayor acción,
te atrapará por la dualidad y lo
ordinario de su personaje central.
MARZO 2018 43
44 MARZO 2018
CINE
UNA UJER
FAN STICA
ESTRENO 2 DE MARZO
++++ / 104 MINUTOS
DIRECTOR Sebastián Lelio
ELENCO Daniela Vega, Francisco Reyes
y Luis Gnecco
SINOPSIS Marina Vidal (Vega), una chica
que trabaja como mesera y mantiene una
sólida relación con su novio, quien es
mucho mayor que ella, se ve sorprendida
tras el fallecimiento de su pareja. La joven
debe continuar su camino entre el duelo
y los reclamos de terceros.
LA ÚNICA SOBREVIVIENTE
iberoamericana de las nominaciones a los
premios Oscar en la categoría de Mejor
película extranjera, y el largometraje de
ficción ganador de la pasada entrega de
los Fénix, tiene suficientes cualidades
como para que a ti también te parezca
fantástica, comenzando por su historia.
Ubicada en la capital chilena en
tiempos actuales, la premisa parece
sencilla: una mujer que, luego de la
muerte de su novio, se encuentra en
proceso de duelo y deambula por la
ciudad. Pero la historia llega a otros
fondos gracias la pluma de Gonzalo Maza
y Sebastián Lelio, quien es también el
director de la cinta.
Las vivencias de su protagonista,
Marina (Daniela Vega), una mujer
transgénero que tuvo como pareja a un
hombre divorciado, permiten hablar
acerca de los estigmas, la violencia y la
discriminación a los que está expuesta la
comunidad trans, en Chile y en otros
países latinoamericanos; esto sin dejar a
un lado el sentimiento de pérdida por el
que transita la joven.
Justamente el personaje central del
filme es otro de los factores que te
atrapará. Si bien atraviesa por varios
obstáculos y es víctima de ellos, física y
vverbalmente —“Cuando te veo, no sé lo
que veo… una quimera”, le reprocha uno
de los roles secundarios—, nunca
percibes a Marina como una mártir.
Contrario a eso, la chica afronta con
seguridad e inteligencia los reproches e
insultos, como si estuviera —por
desgracia— acostumbrada a toparse con
ellos. Se indigna pero sabe cómo
defenderse. No se permite llorar, ni si
quiera la muerte de su pareja, Orlando
(Francisco Reyes). Incluso prefiere salir a
la feria antes que tirarse en la cama para
vivir su duelo.
El vínculo amoroso de la pareja
estelar aparece en pantalla como algo
inquebrantable. Resulta evidente que no
hubo una promesa religiosa o civil, pero
Orlando aparece, y desaparece, dispuesto
a acompañar a su novia en los momentos
más complejos.
Daniela Vega es otro elemento que da
brillo a esta joya chilena. Creada en
especial para ella —se respetó incluso la
vocación de la intérprete, cantante de
ópera, para crear al personaje—, la actriz
da fuerza y credibilidad a Marina con
cada paso, diálogo y mirada que se retrata
cuadro por cuadro. El trabajo entre el
realizador y su actriz principal permiten
que Marina te contagie de sus sonrisas y
también te estremezca con su furia,
tristeza y dolor.
Lelio, por su parte, hace de su quinto
filme su mejor pieza hasta la fecha y
reafirma, luego de Gloria, su capacidad
para construir sólidos y liberadores
personajes femeninos. Además, pareciera
que el director chileno quiso permear
esta cinta con ecos de sus anteriores
trabajos: verás una escena que te hará
recordar al mencionado filme que
protagonizó Paulina García y otra a La
sagrada familia.
Asimismo, Una mujer fantástica
marca la tercera colaboración de Lelio
con el fotógrafo francés Benjamín
Echazarreta, quien logra composiciones
muy estéticas y supera más niveles que
en Mario Bros. cuando hace de los
espejos sus aliados. Al jugar con los
reflejos y sugerir un significado de estos
en la vida de la protagonista, sumado a los
temas de su soundtrack —algunos de
ellos interpretados por la propia
Daniela—, hay momentos que deambulan
entre lo onírico y lo poético.
Sumado a eso, la cámara de Lelio
parece retarte constantemente con
medium close ups a duelos de miradas
entre tú y los personajes para aumentar
la efectividad de las interpretaciones. Es
por esto que disfrutarás desde el festejo
de cumpleaños hasta el golpe más bajo
que recibe Marina Vidal. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Una cinta que consigue la
insignia de fantástica por cómo está
contada y la fuerza de su personaje
principal. Vela si quieres encontrarte
con una película que te sorprenda y te
haga reír, pero también te conmueva y
te empuje a la reflexión.
MARZO 2018 45

CINE
EARLY MAN
+++ AHORA EN CINES /
89 MINUTOS
DIRECTOR Nick Park
VOCES Eddie Redmayne, Tom Hiddleston
y Maisie Williams
SINOPSIS Después de ser desterrados por
la fuerza de Lord Nooth (Hiddleston), una
tribu de cavernícolas de la Edad de Piedra
hace una apuesta para recuperar sus
tierras perdidas. Dug (Redmayne) y el
resto de su clan deberán jugársela en un
partido de futbol mientras se adaptan a la
Edad de Bronce.
RELATIVAMENTE PROLÍFICO
alguna vez (para un hombre cuyos
actores sólo se mueven unos milímetros
al día), el trabajo como director de Nick
Park se ha vuelto más lento a lo largo de
la última década —antes de Early Man,
el corto A Matter of Loaf and Death, de
2008 para la BBC, fue la última vez que le
gritó “¡acción!” a un elenco de figuras de
plasticina—, así que su regreso carga
consigo el peso de la expectativa que sólo
una larga ausencia puede provocar.
Un breve prólogo cuenta cómo se
extinguieron los dinosaurios: el
meteorito pega, los dinos mueren, los
humanos sobreviven (sí, olvídate de que
aparecimos 60 millones de años después:
aquí existían en la misma época) y
descubren que el meteorito ahora tiene
un tamaño ideal para patearlo por ahí, así
que el futbol es inventado usando pieles
de animales en las porterías.
Luego viene un salto hacia el futuro,
a la Edad de Bronce y a una tribu de
cazadores que vive en los bosques del
cráter del meteorito (también olvídate de
que esa roca espacial cayó en lo que es
hoy la península de Yucatán), la cual es
atacada por una civilización más
avanzada y liderada por Lord Nooth
46 MARZO 2018
CREANDO AL HOMBRE
Nick Park habla de las influencias que
usó para Early Man, su cinta de
deportes del hombre de las cavernas
Ray Harryhausen
“Una de las cosas que hizo que quisiera ser
realizador fue ver One Million Years B.C. cuando era
niño. Estaba obsesionado con los dinosaurios. A los
dos dinos del principo los llamamos Ray y Harry
como tributo a Ray Harryhausen”.
(Hiddleston), quien desea establecer una
mina en esa región rica en minerales. No
dispuesto a aceptar su destierro a las
malas tierras vecinas, el joven idealista
Dug (Redmayne) reta a un partido al Real
Bronzio, el mejor equipo de futbol de
Nooth. Si ganan, la tribu recupera sus
tierras. Si pierden, trabajarán en las
minas por el resto de su vida. Sólo que
hay un problemita: la tribu de Dug nunca
ha jugado el balompié. los picapiedra
Este tema —los no favoritos “Hay una rasuradora de escarabajo y estacas de
entrenando para enfrentar a un rival muy cocodrilo. También queríamos poner en algún lugar
superior— es clásico de las películas de del pueblo un póster que dijera: ‘Find Love! Carbon
deportes y ha sido minado a lo largo de la Dating (‘¡Encuentra el amor! Prueba de carbono’”. Sí,
historia como drama (Hoosiers, Rocky) y lo sabemos, en español no tiene chiste).
como comedia (Cool Runnings, Space
Jam). Los deportes y épocas pueden
cambiar, al igual que los finales, pero el
ritmo de las cintas es el mismo, y Early
Man (El cavernícola, en español) no es
diferente en ese sentido.
Park toma el camino de la comedia y,
si no fuera porque ocurre en la Edad de
Bronce, se perdonaría que con frecuencia
sientas que estás viendo una comedia de
los 90: el elenco está lleno de clásicos de
la comedia británica, como Mark Películas de deportes
Williams y Johnny Vegas. También hay “Vi tantas como pude —Mighty Ducks, Slap Shot,
una broma recurrente sobre el doble The Longest Yard—. Me sentí muy inspirado por
significado de la palabra “tackle” Miracle, con Kurt Russell, cuando da un espectáculo
(enfrentar). Tiene momentos de puro del equipo ruso. Esa escena me dio escalofríos, así
genio (incluyendo la escena de un pato, que quería una de ese estilo”.
que podría ser el mejor chiste en
pantalla), y lleva el uso de los animales en
Los Picapiedra a conclusiones más
oscuras —un cruce de cebra es, de hecho,
una cebra muerta—.
Aunque Early Man tiene altas y bajas
es muy divertida, pero no tan adorable
como Wallace and Gromit ni tan
inspiradora como Chicken Run. Es una
distracción entretenida, pero no el
regreso triunfante que esperábamos de
Nick Park. JONATHAN PILE Die Hard
“La parte donde Dug, Goona y Hognob saltan de una
VEREDICTO Muy divertida al reimaginar ventana y Dug agarra el papel de baño está
la Edad de Bronce, y aunque no llega inspirada en Die Hard, donde Willis salta del techo
al nivel de lo mejor de Aardman, sigue con una manguera. Traté de incluir esa broma en The
siendo una buena opción de Curse of the Were-Rabbit, pero no hubo forma”.
entretenimiento familiar.

CINE
BASADAEN
HECHOS REALES
+++ ESTRENO 16 DE MARZO
/ 100 MINUTOS
DIRECTOR Roman Polanski
ELENCO Emmanuelle Seigner, Eva Green
y Vincent Pérez
SINOPSIS Una reconocida escritora se
encuentra en la gloria ante la aceptación
de su más reciente novela. Temerosa de
que su siguiente publicación no tenga el
mismo efecto y al encontrarse en medio
de un terrible bloqueo, se deja guiar por
una obsesiva fan.
¿CREÍAS QUE ERAS BUENO en
los duelos de miradas? Eva Green, en el
personaje de Elle —lo que vendría siendo
simplemente “ella” en francés— , te dice
quítate que ahí te voy desde las tomas
iniciales de Basada en hechos reales.
La nueva película de Roman Polanski
(D’après une histoire vraie, su título
original) arranca en una firma de libros,
con una fila de sujetos acercándose, uno
a uno y de forma invasiva, a una cámara
subjetiva que toma la perspectiva de la
célebre escritora Delphine Dayrieux
(Emmanuelle Seigner). La insistencia
y los comentarios de los lectores
funcionan para conducirte al hartazgo,
hasta que aparece a cuadro Green con
una actitud más desafiante que de asedio.
Luego de un encuentro en apariencia
fortuito y de unas charlas de café, Elle,
quien se gana la vida como escritora
fantasma, entra como una especie de
consejera en la vida de Delphine, cuyo
bloqueo de escritora la tiene más que
preocupada. Esa pequeña ranura le es
suficiente al personaje de Green para
abrirse las puertas de par en par, pues
penetra sin frenos en la intimidad de la
escritora y ésta, paulatinamente y casi sin
Eva Green en
home office con
darse cuenta, cede todo el control a su
nueva amiga.
Con la misma ingenuidad de la
Emmanuelle
Seigner.
protagonista, cuando menos imaginas tu
atención ya está por completo concedida
al relato de Polanski. El cineasta mueve
una y otra vez las piezas de su historia
para divertirse con tu percepción y lo
logra por medio del juego de las
dualidades: la juventud y la madurez, la
inexperiencia y la maestría, la ficción
y la realidad, lo dañino y lo constructivo.
Por su parte, Seigner te convence de
la crisis profesional de su Delphine no
sólo por el aspecto descuidado —cortesía
del departamento de maquillaje y
vestuario—, sino también por la actitud
insegura y despistada que transmite
tanto con su andar como con su mirada,
que se exalta en los acercamientos del
fotógrafo Pawel Edelman (El pianista).
Encarnando las cualidades opuestas,
Green da una fuerza perversa al
personaje que Delphine de Vigan creó
para su novela (2015) y que le da título
a esta cinta, cuya adaptación corrió por
cuenta de Polanski y Olivier Assayas
(Personal Shopper).
Si bien la química entre las dos
actrices principales es crucial para
el relato y logra su cometido, Basada
en hechos reales tiene algunos puntos
flacos, como la inmediata y “sólida”
vinculación entre las dos.
No dudamos que disfrutarás los
momentos intensos de esta dupla
y la forma en la que se retrata el choque
generacional y de las nuevas tecnologías:
pon mucha atención en cómo se plasma
la rivalidad entre la escritora y la página
en blanco, y la forma en que, al fin,
se resuelve dicho conflicto. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Un filme que debes ver por
la forma en que se maneja el misterio,
las puertas que deja abiertas y sus
confusos giros de tuerca.
12 STRONG
+++
ESTRENO 9 DE MARZO / 130 MINUTOS
DIRECTORNicolai Fuglsig
ELENCOChris Hemsworth, Michael
Shannon y Michael Peña
BASADA EN EL LIBRO de Doug
Stanton sobre la misión secreta de los
llamados “soldados a caballo”, 12
Strong presenta a Mitch Nelson (Chris
Hemsworth): un talentoso capitán
destinado a un escritorio que, tras la
caída del World Trade Center, solicita
ser enviado a Afganistán.
Los tranquilos detalles de la vida
“en el campo” y los personajes están
dibujados vívidamente, y la alianza
tensa e incómoda de Nelson con un
general del ejército afgano (Navid
Negahban) es interpretada con
habilidad. Hemsworth es una
presencia capaz e imponente, pero
cualquier atisbo del filme es dejado de
lado por una celebración bipartidista y
rítmica de estadounidenses
derrotando a villanos inequívocos. JF
DEL OTRO LADO DE LA ESPERANZA
++++
ESTRENO 9 DE MARZO / 100 MINUTOS
DIRECTOR Aki Kaurismäki
ELENCO Simon Al-Bazoon, Sherwan
Haji y Sakari Kuosmanen
MAZDAK (AL-BAZOON) huye de Alepo
y pide refugio político en Finlandia,
pues en teoría a ese lugar también
llegó su hermana, el único miembro de
su familia que le sobrevive. Mientras se
resuelve su caso encuentra trabajo con
Waldemar (Kuosmanen), un hombre
mayor recién divorciado y ahora dueño
de un restaurante.
Kaurismäki (The Havre) retoma el
desplazamiento forzado en esta
película y, aunque sus personajes
llevan a cuestas un pasado delicado,
el cineasta te aligera esa carga a
través de una comedia inteligente y
llevando al absurdo algunos
momentos, casi a un punto surreal. Un
ensayo acerca de la humanidad y la
migración que vas a disfrutar. AR
MARZO 2018 47
 CINE

LALIBERTADDELDIABLO
AHORA EN CINES /
++++ 74 MINUTOS

DIRECTOR Everardo González

SINOPSIS Quisiéramos que fuera ficción pero no.

Este documental explora el miedo, la psicosis
y el sufrimiento de quienes padecen la violencia
en México a partir de testimonios de personas
que viven con sus secuelas y también
de aquellos que causan dolor.

SIEMPRE ES DE RECONOCERSE
cuando un creativo alcanza la madurez y claridad
suficiente como para, con certeza, regresar
a los principios básicos, poder reinterpretarlos
y, de paso, dotarles de cierta frescura, por más
sangriento que sea el propósito.
Eso es justo lo que hace el galardonado
Everardo González, responsable de estupendas
cintas como Ladrones viejos y Cuates de
Australia, quien sin duda es uno de los máximos
referentes del cine documental mexicano a nivel
internacional, y con toda la alevosía y ventaja
que su experiencia le permite, aquí toma la
entrevista como principal recurso para hilvanar
un despiadado retrato de la terrible realidad de
nuestro país, ésa en la que por más que traten de
ocultarlo, los secuestros y las ejecuciones se
hacen evidentes todos los días.
De esta forma, en La libertad del diablo la
cámara fija se convierte en el afilado bisturí que
con un fondo simple, cual si de mesa de
operaciones se tratara, va haciendo incisiones y
deja expuestos discursos —que van de madres y
familiares de desaparecidos a los mismísimos
sicarios— en donde se asoman los sentimientos
de víctimas y victimarios.
Es cierto: el uso de las máscaras que desde
el cartel mismo incomodan, no deja de ser un
efectismo —para nada es gratuito que algunos
de los participantes las traigan mal puestas—,
pero es un artificio que funciona y le concedes.
Este elemento estético es una trampa despiadada
y burda que enrarece las visiones y unifica en
cierto modo a los protagonistas, convirtiéndolos
en encarnaciones de sus dolores y sus vicios,
pero con ello enfatiza, sobre todo, que se trata
de seres humanos, con todo lo que esto implica.
JESÚS CHAVARRÍA

VEREDICTO De esas películas que te enganchan

al cine documental. Una producción que va
más allá de un testimonio sobre la violencia,
usando la simpleza como anzuelo para luego
revelar la complejidad de algo que sabemos
que está ahí, pero a veces no queremos ver.

48 MARZO 2018
MARZO 2018 49
 Juliette (Ana Girardot)
comiéndose la
mercancía / Jean (Pio
Marmaï) feliz con su
hermana porque ya no
están castigados / “El
que saque la vara más
pequeña, pierde” /
"Esta de champú no la
tires Mirrey".

50 MARZO 2018
CINE

ELVIÑEDO QUE
NOS UNE
+++ ESTRENO 9 DE MARZO /
113 MINUTOS

DIRECTOR Cédric Klapisch

ELENCO Pio Marmaï, Ana Girardot y François Civil

SINOPSIS Después de una década de viajar por el

mundo, Jean (Marmaï) regresa al viñedo de su
familia para encontrarse con la muerte de su
padre, limar asperezas con sus dos hermanos y
con el pasado.

EL DIRECTOR DE El albergue español y Mi

vida es un rompecabezas, Cédric Klapisch, te
muestra ahora una crisis familiar que buscará
remover tus emociones a partir de un conflicto
universal: las espinosas relaciones que muchas
vveces acompañan el vínculo padre-hijo.
Para darle identidad a su filme de entre
vvarias cintas que fusionan los líos filiales y el vino
—como la comedia Saint Amour (Benoît
Delépine y Gustave Kervern) y el drama Tu seras
mon fils (Gilles Legrand)—, Klapisch concede la
responsabilidad de narrador a su protagonista,
Jean (Pio Marmaï). Es el propio joven quien te
explica los motivos por los que dejó su casa en
Borgoña y eligió conocer otros países. Tras 10
años de buscar —literal— su lugar en el mundo,
regresa a su pueblo natal ante el grave estado de
salud de su viejo. A esto se añade la voluble
relación de Jean con sus dos hermanos: Juliette
(Ana Girardot) y Jérémie (François Civil).
Klapisch ofrece un armado de recuerdos
sutilmente integrados al metraje, de riñas que a
vveces caen en la exageración y de los paisajes que
ofrecen los campos de Borgoña a lo largo del año.
Sin embargo, por la insistencia de mostrar los
ciclos de los viñedos, el filme parece reiterativo a
la hora de mostrar los problemas de Jean y no
profundiza realmente en él.
Aunque el cineasta conmueve con las
resoluciones que le da a sus personajes, no ofrece
ninguna sorpresa y seguro vislumbras el
desenlace desde el primer cuarto de la cinta.
Quizás el mayor logro de Klapisch en esta
cinta es su manejo del tiempo y la forma en la
que juega con él —a veces salta al pasado en la
misma secuencia, otras más ofrece instantes
futuros con transiciones muy estéticas —,
además de las tomas abiertas, casi aéreas, que
presumen los campos franceses. ANAID RAMÍREZ

V
VEREDICTO Si estabas esperando la película
ideal para ir al cine con tus hermanos, aquí
hay una opción. Además, seguro querrán ir
por una copa de vino después de la función.

MARZO 2018 51
 CINE
HASTAQUE LA
BODANOS SEPARE
+++ ESTRENO 30 DE MARZO
/ 85 MINUTOS
DIRECTOR Santiago Limón
ELENCO Diana Bovio, Gustavo Egelhaaf
y Héctor Holten
SINOPSIS Una pareja de novios planea la
boda de sus sueños a la orilla del mar,
pero su escaso presupuesto y las
influencias del padre de la chica (un
político como tantos) los destina a una
boda a la antigua y muy caótica.
UNA BODA EN LA PLAYA
A con el
mejor camarógrafo de la bahía, el DJ de
moda, unas cuantas antorchas
incrustadas en la arena, las entradas más
espectaculares para los novios, invitados
VIP y un atardecer de fondo es con lo que
sueñan María (Diana Bovio) y Daniel
(Gustavo Egelhaaf ) para celebrar su
matrimonio, en especial ella —“Cuando
tenía cinco años vi por primera vez La
sirenita. Quería que mi boda fuera así”,
confiesa la chica—.
52 MARZO 2018
Al ser ella una niña rica y él un hijo
de pescadores de bajos recursos —algo así
Los felices novios
lucharán contra viento
como si Renata y Ulises, de Amar te duele,
hubieran logrado su objetivo—, los
enamorados deben atenerse a lo que el
y marea (y padrastro)
para alcanzar su
boda soñada.
padrastro de María les tiene preparado.
Como buen político, el señor aprovecha
sus contactos (algunos de muy dudoso
oficio) para dar a los novios todo lo que él
cree que necesitan: una fiesta a la antigua,
con figuras de globos, una animadora que
acaba de enviudar y a un invitado de
honor, Adal Ramones. La joven pareja
decide “revelarse” y endeudarse para
tener, a como dé lugar, la boda que desean
en realidad, aunque eso signifique tener
dos fiestas.
Ya imaginarás que esto se va a
descontrolaaaar, y Santiago Limón quiere
convertirte en testigo de eso al filmar su
cinta con un aspecto de cámara casera y
desde un ángulo subjetivo; es decir, como
si estuvieras grabando todas las
peripecias de los futuros esposos. Como
no en todas las escenas este uso del lente
tiene sentido, el cineasta se apoya de las
nuevas tecnologías —utiliza drones y lo
que parecen teléfonos celulares— para
darle coherencia a su relato y no perderle
la pista a sus personajes.
Este aspecto amateur no se refleja en
la calidad de la imagen ni en la
producción, pero sí es un aviso de que no
debes tomarte muy en serio lo que estás
por ver, sólo así podrás disfrutar del tono
exagerado y absurdo que tiene esta
película basada en Gorko!, una cinta rusa
que en 2013 estrenó Zhora Kryzhovnikov.
Entendido esto, las risas y carcajadas
seguro acudirán a ti cada que veas cómo
Limón se burla de los clichés de las
bodas: desde las despedidas de soltero,
pasando por la selección del vestido y del
anillo hasta los bailes del mandilón y los
discursos “emotivos”.
El arranque del filme apunta para un
camino agradable; sin embargo, al igual
que la aventura de sus protagonistas,
Hasta que la boda nos separe concluye de
manera desordenada. La última parte de
la trama está saturada de resoluciones
fáciles y que no corresponden al
planteamiento de los personajes
principales y secundarios, además de que
desgasta algunos chistes que terminan
provocando el efecto contrario, ya lo
comprobarás cuando se haga referencia a
Steven Spielberg. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Pagar tu entrada a esta
película garantizará risas, siempre y
cuando estés dispuesto a tomarte a la
ligera lo que estás por ver. Una opción
para liberarte del estrés de la semana,
más si es provocado por la planeación
de una boda.
TODO MAL
+++
ESTRENO 16 DE MARZO / 134 MINUTOS
DIRECTORA Issa López
ELENCO Osvaldo Benavides, Martín
Altomaro y Alfonso Dosal
SINOPSIS Para sacar provecho de su
rol como diplomático, Fernando
(Benavides) está decidido a recuperar
el penacho de Moctezuma, pero las
cosas se salen de control y, además
de regresarlo a México, recorre con él
la CDMX.
TODAVÍA NO EMPIEZA la acción y ya
hay algo que hace ruido y nos quiere
romper en una carcajada: el penacho
de Moctezuma en todo su esplendor y
la noticia de que sí, el original está en
Viena. Ese es el inicio para saber que
algo no anda bien y que la burla estará
a la orden del día en la nueva película
de Issa López (Vuelven), quien con
esta comedia de acción te invita a
formar parte de la vertiginosa aventura
de un grupo de amigos.
Fernando (Osvaldo Benavides)
encabeza un proyecto para traer de
vuelta el tesoro nacional a su patria,
mientras se enfrenta a su boda con
Viviana (Marcela Guirado) y a las
peculiaridades de sus primos, Matías
(Alfonso Dosal) —un exintegrante de
una boyband y rockanrolero fallido—
y Dante (Martín Altomaro) —tesista
eterno que vive en el clóset de su
mamá—. Al ser abandonado en el
altar, Fernando busca venganza y
explicación a toda costa, iniciando
una jornada campal en donde se
topará con rockeros como Masiosare
(Sebastián Zurita) y delincuentes de
todas las tallas.
Así se completa un inverosímil
cuadro de persecuciones, peleas y
borracheras contadas con un extenso
vocabulario de malas palabras que
te permitirá reírte de un lenguaje sin
tapujos. Igualmente disfrutarás de
elaborados planos secuencia y la
compaginación de los actores que no
tienen mayor pretensión que divertirse
y divertir. ALA
VEREDICTO Para dominguear con una
comedia bien realizada; tanto por
sus manejos de cámara e
iluminación como por su absurdo
pero divertido planteamiento.
CINE
HOSTILES
++++ AHORA EN CINES /
133 MINUTOS
DIRECTOR Scott Cooper
ELENCO Christian Bale, Rosamund Pike
y Wes Studi
SINOPSIS Nuevo México, 1892. El capitán
del ejército Joe Blocker (Bale) tiene la
orden de trasladar al moribundo jefe
nativo americano (Studi) y a su familia a
su hogar, en Montana. Es una travesía
llena de peligros, no sólo del exterior,
también del interior de la misión.
EN LOS PRIMEROS minutos del
western de Scott Cooper, un hombre es
baleado y despellejado antes de que le
disparen y maten a sus tres hijos. Todo
frente a su madre, Rosalie Quaid
(Rosamund Pike). Después, las cosas no
mejoran para Rosalie, pero tampoco para
la audiencia.
La familia Quaid es asesinada por
nativos americanos con caras pintadas
como de pesadilla. Pero apenas minutos
después, vemos a nativos americanos
siendo víctimas de soldados
estadounidenses capitaneados por Joe
Blocker (Bale), un hombre que compara a
sus presas con “hormigas”. Y se supone
que él es el héroe de esta sombría
historia. ¡Tómala!
Después de enfrentar el género
gángster en Black Mass, Cooper se movió
al territorio potencialmente más mítico
de su país y el momento más
representativo: el clímax de las llamadas
Guerras Indias y el desvanecimiento de la
frontera estadounidense falsamente
idealizada. De muchas maneras se siente
como una actualización de The Outlaw
Josey Wales, de Clint Eastwood, excepto
que este western es de la perspectiva
moderna de #BlackLivesMatter, Trump y
también los asesinatos en masa en
Alguien que le
advierta a
Rosamud Pike que
Vietnam y Watergate.
Walker no es un forajido, o al menos
“pa'tras, ni para
agarrar vuelo”.
sus crímenes los cometió sirviendo a su
país, uno que lo obliga ahora a acompañar
al líder de su peor enemigo, el jefe
cheyenne Halcón Amarillo (Studi) hasta
su hogar en Wyoming. Usa su odio como
armadura, algo que lo ha mantenido vivo
hasta ahora, y para él, Halcón Amarillo
no es sino un “asesino”, y su hijo, hija,
nuera y nieto son “sangre de bastardos y
perras”. La misión es una cachetada por
parte de los mismos superiores que en el
pasado lo deshumanizaron —o al menos
lo dejaron con lo que ahora llamaríamos
síndrome de estrés postraumático—.
Pero como es un “buen” soldado, Blocker
acepta la misión y luego, como en el filme
clásico de Eastwood, los peligros del viaje
hacen que estos soldados y nativos
americanos se unan hasta convertirse en
una mezcla de familia sustituta, formada
entre la atrocidad e impulsada sólo por el
instinto crudo de supervivencia.
A pesar de la violencia y dureza,
visualmente Hostiles es sin duda la mejor
película de Cooper gracias a que el
cinefotógrafo Masanobu Takayanagi se
deleita con los paisajes salvajes que
sedujeron a tantos directores de
fotografía antes de él. La belleza de los
fondos va en aumento, cambiando de
zonas tormentosas de matorrales a
montañas hermosas y celestiales
conforme progresa el viaje y la
humanidad regresa a Blocker. La manera
en que Bale maneja esa transformación
resulta en una de las interpretaciones
más fuertes de su carrera. DAN JOLIN
VEREDICTO Un western finamente
realizado que no teme mostrar los
horrores de esa violenta época e incluye
una extraordinaria actuación de Bale.
MARZO 2018 53
 CINE
THELMA
+++ ESTRENO 30 DE MARZO
/ 116 MINUTOS
DIRECTOR Joachim Trier
ELENCO Eili Harboe, Kaya Wilkins
y Henrik Rafaelsen
SINOPSIS Thelma (Harboe), una chica
sobreprotegida y apegada a las creencias
religiosas de su familia, entra en conflicto
cuando descubre que le gustan las
mujeres. En su intento por reprimir sus
deseos comienza a experimentar eventos
sobrenaturales y peligrosos.
¿HAS ESCUCHADO el dicho:
“Cuidado con lo que deseas porque se
puede hacer realidad”? Bueno, digamos
que ésa es una de las moralejas que te
deja el filme de Joachim Trier.
El cineasta danés mezcla misterio,
drama, fantasía y romance para contarte
54 MARZO 2018
la historia de Thelma (Eili Harboe), una
adolescente que enfrenta sus primeros
días de vida universitaria y su despertar
sexual. Por si las hormonas no causaran
ya suficientes líos, la protagonista entra
en conflicto debido al choque de sus
creencias religiosas —viene de una
familia cristiana ortodoxa que no la deja
ni a sol ni a sombra— y sus preferencias
sexuales, pues descubre que le gustan las
chicas cuando conoce a Anja (Kaya
Wilkins), por lo que intenta reprimir sus
verdaderos deseos.
Aunque seguro no es la única persona
en el mundo que se encuentra en tal
dilema, lo que hace peculiar al personaje
central de Thelma es que, al tener una
mente poderosa, la opresión de sus
emociones desencadena una serie de
eventos que ni la ciencia ni la justicia
primermundista de Oslo pueden resolver.
Trier no sólo te deja el rol de
espectador ante esta situación. Al darte
siempre la perspectiva de la joven y al no
saber ésta lo que ocurre con su vida, el
cineasta hábilmente te convierte en
cómplice de su protagonista; descubres
con ella la causa de todo lo extraño que le
ocurre a partir de su primer amor y
también te invita a guardar los secretos
“I once had a girl,
Or should I say she
once had me,
de lo que bebe, con quién sale y algunos
problemas de salud para que ello no
She showed me her
room,
llegue a sus padres. Isn't it good Norwegian
Ante la desobediencia y sigilo que wood?”.
guarda hacia con sus progenitores,
además del momento en que conoces a
Thelma y el yugo que carga, es fácil
relacionarla con la ópera prima de Julia
Ducournau, Voraz. Pero también los
temores que surgen en la joven al
descubrir su homosexualidad, sumado a
la disparidad social y de creencias con la
chica en cuestión, tal vez te harán
recordar al papel de Adèle Exarchopoulos
en La vida de Adèle.
De esta cinta disfrutarás el trabajo
fotográfico de Jakob Ihre, quien dota de
gran belleza tanto las tomas abiertas,
mostrándote postales noruegas de
ensueño, como las secuencias que buscan
acercarte al más mínimo detalle, incluso
un cabello sobre la almohada. Tanto las
imágenes como el silencio —evita entrar
con nachos a la sala— son herramientas

de las que se vale el realizador para crear
tensión en su relato y lo consigue la
mayoría del tiempo.
Pero Trier no pidió con mucho fervor
que le saliera fusionar lo sobrenatural
con la ciencia. Hacia las últimas partes,
las explicaciones médicas sobrepasan el
tono y pueden provocarte una que otra
risita; en lugar de aliar los dos polos,
como Paco Plaza lo hizo en La posesión de
Verónica, aquí cada uno tira para su lado
y le restan fuerza al argumento.
Pese a que esto le resta varios puntos
a la película, el viaje y la transformación
de Thelma se hace disfrutable gracias a la
cautelosa pero precisa actuación de
Harboe; no dudes que en próximos años
te toparás con ella en la pantalla varias
veces. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Si deseas una película que te
envuelva en su atmósfera y en su
protagonista, Thelma te permitirá
satisfacer esa inquietud. Trier sabe
manejar la tensión entre el temor y los
impulsos, y además te convierte en un
silencioso aliado de su protagonista.
MEXICANOS
DE BRONCE
++++ ESTRENO 16 DE
MARZO / 100 MINUTOS
DIRECTOR Julio Fernández Talamantes
SINOPSIS Dentro del Reclusorio Preventivo
Varonil Oriente de la CDMX, tres internos
muestran cómo utilizan el rap para
desahogar, comprender y expresar el
dolor que ha marcado su vida, su pasado
y su presente.
“¡VAMOS A HACER MÚSICA!”,
exclama Bullet, recluso que ha ingresado
en dos ocasiones a la cárcel, donde no
sólo conoció a varios compañeros, sino el
rap que le dio la oportunidad de expresar
sus sentimientos y vacíos mientras
purgaba su condena. Asimismo conoces a
Hones y a Rocky, con quienes creó el
MPC, agrupación en la que trabajan para
dar rienda suelta a una de las
oportunidades en la que encuentran
expresión.
Con imágenes que parecieran
sacadas de videos de raperos famosos, en
las que los tatuajes, los pantalones
amplios, las cadenas y los tenis no faltan,
arranca el documental de Julio
Fernández Talamantes, haciéndote
escurrir por una larga pared blanca que
rompe con el cielo, inalcanzable como la
libertad a la que aspiran estos presos y la
rebeldía de su pasado.
Dividido en tres episodios, el trabajo
documental que formó parte del Festival
Internacional de Cine de Morelia en 2016
te revela, poco a poco, los detalles de este
trío de personajes y su vida en el encierro.
De esta forma se te presentan los
recuerdos de las pandillas y las drogas
mientras eres testigo de cómo su vacío se
transforma en canciones de ritmo
vertiginoso y potente, dirigido, como
ellos mismos dicen, “a la calle, no a la
radio ni a la televisión”.
Con saltos temporales descubres los
avances de la agrupación: los integrantes
transforman apuntes de un cuaderno en
la grabación de un disco dentro de la
misma cárcel, luego aparece la
colaboración con Héctor Guerra y su
Pachamama Crew para el tema de la
defensa de Wirikuta, que justamente
encabezó el Wirikuta Fest en 2012.
El recorrido por cada una de las
biografías de los jóvenes es testimonio de
una búsqueda de cambio para ellos
mismos, pero también para la familia y la
sociedad. Los ves enfrentarse al castigo
del dolor infringido a los seres queridos y
el aprendizaje no permanece nada más
entre aquellos que están tras las rejas:
también alcanza para quienes los
extrañan, lamentan o esperan.
El retrato se despide con
escalofriantes cifras acerca de la
reclusión, la edad de los presos, sus
antecedentes y, por desgracia, sobre una
visión del futuro en la que parece no
respirarse paz del todo. ANA LUCIA
ALTAMIRANO
VEREDICTO. En el top de este mes.
Desgarrador y, al mismo tiempo,
conmovedor testimonio de la vida
en la cárcel. Ves el poder del arte
como expresión pero también haces
una revisión del comportamiento
de una sociedad que cría a sus hijos,
los enfrenta, encierra, libera y mantiene
sin tener una solución adecuada
a sus problemas de fondo.
MARZO 2018 55
56 MARZO 2018
tv & streaming

JESSICAJONES 2
ESTRENO 8 DE MARZO
++++ POR NETFLIX

CREADORA
A Melissa Rosenberg
ELENCO Krysten Ritter, Rachael Taylor,
Carrie-Anne Moss, Eka Darville, Janet
McTeer y J.R. Ramirez.
CAPÍTULOS VISTOS 5

SINOPSIS Jessica aún no se recupera de lo

que vivió con Kilgrave y padece la culpa
de haberlo matado. Trish obliga a Jessica
a indagar en su pasado a través de un
caso que desatará el infierno.

SIN DUDA, EN ESTA

TEMPORADA es en la que verás más
facetas de Jessica, a quien la culpa y
frustración han vuelto vulnerable, igual
que el alcohol y la soledad la tienen más
irritable que nunca. Trish (Rachael
Taylor) la obliga a estudiar su pasado
para encontrar qué sucedió con ella en 20
días perdidos de su expediente, desde el
día que murió con toda su familia hasta
que hubo un registro de su milagrosa
recuperación.
No sólo descubren que la forzuda
detective fue víctima de un experimento
científico, sino que no está sola: muchos
otros fueron objeto de experimentos y no
todos salieron tan bien librados como
ella. Y además hay algunos monstruos
sueltos por ahí.
La realización es impecable y
podemos ver a Jessica haciendo un
esfuerzo por tratar mejor a Malcom (Eka
Darville), en vez de correrlo diario y
tratarlo como basura. También reconoce
que necesita a Trish y que debe llevarse
bien con el súper de su edificio
y con su pequeño hijo, que además es
admirador de la heroína. CÉSAR
HERNÁNDEZ

VEREDICTO Es una gran secuela porque a

fin de cuentas falta conocer bien a bien
cómo obtuvo Jessica sus superpoderes.
Se detalla la personalidad de personajes
como Malcom y Trish en lo malo y en lo
bueno. Está llena de acción, pero hay
momentos que te conmueven y en los
que puedes apreciar el sufrimiento de la
Defender en todo su esplendor. Celebra
el día de la mujer con un maratón de JJ.

MARZO 2018 57
 tv & streaming

B: THE BEGINNING
++ ESTRENO 2 DE MARZO
POR NETFLIX

EPISODIOS VISTOS 11 / 25 minutos

CREADOR Kazuto Nakazawa
VOCES Hiroaki Hirata, Yuki Kaji y Asami Seto

SINOPSIS En un mundo impulsado por tecnología

avanzada descubres la nación de Cremona,
donde el crimen y la acción tienen lugar. En ese
mismo sitio conoces al protagonista, Koku, a un
legendario investigador de nombre Keith y una
organización criminal.

ERA DE ESPERARSE QUE al ser el

primer anime original de Netflix, recurrieran a un
grupo de creativos no sólo de probado talento y
considerados como “cool” por los fans, sino que
contaran con una proyección fuerte más allá del
mercado al que este tipo de propuestas pertenece.
Es por ello que los elegidos como responsables de
hacer realidad B: The Beginning son Wit Studio y
Production I.G., que cuentan como principal
antecedente haber realizado la secuencia
animada de Kill Bill Vol. I, de Quentin Tarantino.
De entrada hay que reconocer que en lo que
se refiere a la propuesta visual y la estructura
general, la nueva carta de Netflix resulta de la
mejor manera. El escenario es claro y la situación
es muy atractiva: en una ciudad tecnológica, las
fuerzas especiales de policía tienen que investigar
a un maniaco conocido como Killer B, mientras
una misteriosa organización criminal comienza a
mover sus piezas y seres con capacidades
extraordinarias se hacen presentes.
Dirigida por Kazuto Nakazawa, quien
participó en títulos como Samurai Champloo, la
serie comienza a tambor batiente, ofreciendo
secuencias de violencia explícita en donde se
contraponen los congelamientos con acciones
trepidantes y puntos de vista imposibles,
develando parte de la retorcida patología de los
personajes. Las consabidas dosis de humor sirven
para equilibrar lo que se plantea como un thriller
de implicaciones místicas, con una trama
compleja que va de lo intimista a lo espectacular.
Sin embargo, conforme el asunto avanza, sus
pretensiones de mostrarse indescifrable se
convierten en su principal enemigo. Las líneas
argumentales parecen no ir a ningún lado y los
personajes, pese a lo expresivo del diseño, tardan
mucho en dimensionarse y, por lo mismo, en
conectar con el espectador. JESÚS CHAVARRÍA

VEREDICTO Una serie que no te decepciona

visualmente, además de mostrar un cuidadoso
y estilizado concepto. Pero el desarrollo es
irregular y mucho antes de terminar los 12
episodios todo comienza a lucir artificioso.

58 MARZO 2018
En esta investigación
hay que marcar los
árboles para señalar el
camino de regreso / El
Bob Ross del anime /
Como cuando te
avientas un maratón
en Netflix.

MARZO 2018 59

gadgets
GALAXYA8YA8+
Sin pretexto para ver películas
y series en tu smartphone
y además, selfies mejores
que las de una estrella de cine.
YA TENEMOS EN MÉXICO los modelos
Galaxy A8 y A8+, que no sólo rockean con un
nuevo diseño de película, sino que traen dos
cámaras frontales y separadas que alternas para
que tu carita luzca como la de una verdadera
estrella, gracias a que puedes salir con el fondo
difuminado o perfectamente nítido y brillante
con su función avanzada Live Focus. Eso además
de su cámara trasera de 16 megapíxeles.
Hasta en la noche sales increíble sin
importar que haya poca luz, además personalizas
tus fotos con stickers y todo tipo de gráficos;
hasta tus tacos salen monos con la función de
Food Mode.
Aviéntate a dirigir tu primer corto grabado
con tu Galaxy: con la nueva tecnología
de estabilización digital de imagen parece
que grabas con dolly, aunque sea una escena
de acción con mucho movimiento. También crea
bellísimos timelapses con la función Hyperlapse.
Ni modo que no veas la nueva película en
streaming o que no te quedes picado con una
serie o videojuego: con los nuevos dispositivos
Galaxy A8 te olvidas del tránsito mientras te
enfocas en la plenitud de la experiencia de lo
que vives en pantalla. Emociónate con
visualizaciones envolventes e ininterrumpidas.
Ya no es nomás un smartphone, es un verdadero
60 MARZO 2018
centro de entretenimiento con calidad
cinematográfica gracias a su pantalla Infinity
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recomendaciones de EMPIRE más allá de los
bordes de tu nuevo terminal.
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muchísimo su nueva tecnología Samsung Pay,
para que no vuelvas a recibir un billete falso
o una moneda de chocolate. Paga todo con tu
teléfono sin necesidad de efectivo: tus Blu-ray,
tus DVD y tus soundtracks incluso si se te olvidó
el monedero en la casa. ¿Qué esperas?
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Se te acaban los pretextos para
no tener un cine en casa.
CUANDO UTILIZAS EL PROYECTOR
en tu casa apenas alcanzas a distinguir entre el
contorno de una silueta y el fondo, y quizás eso es
una de las 13 reasons why te detienes cuando
piensas en reservar un espacio de tu hogar para
una sala de cine personal.
Sí: para tener una imagen digna de tus ojos
influye la iluminación del espacio y lo que te
funcione como mampara, pero también la
calidad del tu cácaro personal. Para esto último,
la solución radica en hacerte con un proyector de
la más alta resolución, y el Optoma UHD65 4K es
un proyector que te permitirá disfrutar de cintas
en la mejor resolución posible para tu hogar.
El nuevo dispositivo de Optoma cuenta con
una tecnología de procesamiento rápido de video
para mostrar hasta 8.3 millones de píxeles en un
cuadro. Gracias a estas cualidades, este modelo
puede proyectar imágenes de hasta 3.5 m y esto
permite que su UHD pueda apreciarse hasta a 3.1
m de distancia.
Asimismo, cuenta con tecnología
PureMotion, con la cual mejora
considerablemente la proyección al eliminar
estática, el desenfoque de movimiento y el
estremecimiento por oscilación.
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GENERATIONS
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DURANTE LOS ÚLTIMOS años Marvel
buscó renovar sus títulos mediante
una fórmula que en la década de 1950
dio frutos a DC Comics: en lugar de
crear nuevos personajes, renovar a
sus héroes con nuevos portadores de
los trajes y poderes, buscando llevar
frescura al lector joven y tradición al
maduro simultáneamente.
Así vimos desfilar versiones más
jóvenes, y en algunos casos de
distintos géneros y razas, de algunos
de los principales soportes de la
editorial.
Generations reúne dos versiones
de Hulk, Phoenix, Wolverine, Thor,
Hawkeye, Iron Man, Mar-Vell / Captain
Marvel, Captain Marvel / Ms. Marvel,
Spider-Man y Captain America en la
antesala de la renovación de Marvel
conocida como Legacy. JSJ
IZOMBIEVOLUME 1
++++
SALE EN MARZO
CON IZOMBIE te adentras en la
historia que inspiró a la serie
homónima de TV. Con una premisa
que se antoja de inicio apenas alejada
de la mitología más difundida sobre
los zombis, poco a poco adquiere un
camino propio.
Me explico: la sepulturera Gwen
es una zombi que debe alimentarse de
cerebros para mantener la cordura y
evitar volverse una criatura como las
que deambulan en The Walking Dead,
pero al ingerirlos también adquiere los
recuerdos del muerto en cuestión. Por
ello deberá resolver los asuntos que
los llevaron a la muerte.
Al conocer a personajes como la
fantasma Ellie o Scott, el hombre-
perro que se transforma en terrier con
la luna, iZombie se aleja del policiaco
para regalarnos un cuento gótico y
actual con toques retro. JSJ
cómics
LAGUERRA
INFINITAEN CÓMIC
+++++ SALE EN FEBRERO,
MARZO Y ABRIL
SINOPSIS: Entérate del plan editorial de
Marvel Comics México para acompañar el
estreno de la nueva película Avengers:
Infinity War.
EN EL PAPEL, el Universo Marvel
inició cósmico. Su banderazo de salida
fue el viaje espacial emprendido en plena
Guerra Fría por el grupo de aventureros
presentados en Fantastic Four #1 (1961).
Las amenazas de otro mundo se
volvieron frecuentes en las páginas
editadas por la Casa de las Ideas, todas
ellas para resaltar la valentía e ingenio de
la raza humana a pesar de su desventaja
tecnológica. Vinieron así creaciones
como Galactus, Silver Surfer, los kree, los
skrull, los shi’ar o Guardians of the
Galaxy, e incluso la segunda generación
de X-Men debe parte de su mejor
mitología a las criaturas del espacio
exterior, con sagas como Dark Phoenix.
Pero hablando de cantidad, las más
influyentes aventuras cósmicas de
Marvel tienen el sello de Jim Starlin, el
prolífico escritor que engrandeció a
personajes poco relevantes, como Adam
Warlock y Captain Marvel (Mar-Vell), al
tiempo que introdujo a una serie de
héroes y villanos ahora fundamentales en
los cómics y el cine, entre ellos Gamora y
su obra maestra, Thanos, el demente
genocida proveniente de Titán, una de las
lunas de Saturno, autoproclamado
campeón de La Muerte y su eterno
enamorado.
Creado como un homenaje a
Darkseid —personaje que Jack Kirby legó
Así como no hay
como ir al cine
a DC Comics—, durante los siguientes 20
años a partir de su lanzamiento, en torno
a Thanos se fueron narrando algunas de
acompañado de tu
revista EMPIRE,
no hay como
las historias más recordadas de Marvel,
presentando también armamentos tan
escudriñar las
viñetas originales
sencillos en su diseño visual como mientras disfrutas
complejos conceptualmente. la película.
Armas tan poderosas que el primer
asombro que causan es su sencillez: el
Cubo Cósmico, las Gemas del Infinito o el
Guantelete del Infinito sólo alcanzan
credibilidad en un contexto en el cual se
entienden como representación de lo que
se encuentra más allá del entendimiento
humano, y el trabajo de Starlin y de otros
escritores y dibujantes supo narrar estas
batallas cósmico-metafísicas de la mejor
manera posible.
Ahora, cuando por fin llega al
Universo Cinematográfico de Marvel
toda esta riqueza narrativa con el
próximo estreno de Avengers: Infinity
War, durante los meses de febrero, marzo
y abril Marvel Comics México pondrá en
circulación una serie de nueve libros de
gran formato que incluye algunas de las
obras fundamentales para entender el
impulso cósmico detrás de Infinity War,
agrupadas bajo los títulos Avengers versus
Thanos, Silver Surfer: el renacimiento de
Thanos, Infinity Gauntlet, Infinity
Gauntlet: las consecuencias, Infinity War,
Infinity War: las consecuencias, Infinity
Volumen I, Infinity Volumen II y Thanos
regresa. JORGE SALVADOR JURADO
VEREDICTO: Avengers: Infinity Warr te
dará el pretexto perfecto para hacer
tuya una colección bien armada con las
hazañas principales de Thanos.
MARZO 2018 61
 WHAT’S THE MATRIX?
Aquí es donde le ponemos título
alternativo y clasificamos todo lo
que verás en cartelera este mes.

sorprendente
A WRINKLE IN TIME
Y sin D’Lorean EL OTRO LADO
VERANO 1993
DE LA ESPERANZA
Con música de Magneto BASADA EN HECHOS Donde no hay migra
REALES
No falta la fan encimosa
THELMA
Sin Louise

MEXICANOS DE LA LIBERTAD
BRONCE DEL DIABLO
DOBLE AMANTE, El rap de la cárcel Peor que una de terror
AMANTE DOBLE
Amor a la francesa JESSICA JONES
EL VIÑEDO Como mi ex:
QUE NOS UNE UNA MUJER permanentemente
El vino nunca divide FANTÁSTICA encabronada
Que no necesita
LOS HUÉRFANOS superpoderes
No tienen madre THE FLORIDA
PROJECT
O The Florida Twist
EARLY MAN LADY MACBETH
La edad de plasti Abrázame fuerte,
palomera

clavada
TODO MAL EL VIGILANTE Lady Macbeth
Y nada bien Y no es Batman

HASTA QUE LA BODA

NOS SEPARE HOSTILES
Y hasta que el divorcio Y no son de Villa Coapa B: THE BEGINNING
nos una Cereal killer

READY PLAYER ONE

PETER RABBIT La evolución
¿Qué Pedro, Peter? de las maquinitas
FILM STARS DON’T DIE
IN LIVERPOOL
40 y 20 W
WINCHESTER LOS OJOS DEL MAR
Los albañiles
L Siempre están llorosos
fantasmas,
¿también son
¿
FATHER FIGURES albureros?
Si ni su mamá sabe I, TONYA
Déjenla ganar, TAMARA Y LA A
12 STRONG está loquita CATARINA
RED SPARROW
Se va a caballo
ba ¿De dónde salió
Gorrioncillo pecho
la catarina?
SHERLOCK GNOMES amarillo
Gnomolestar please CRIMEN EN EL CAIRO
Baila como egipcio
TUYA, MÍA, TE
LA APUESTO PACIFIC RIM 2
MARCIANOS VS Tirititite TOMB RAIDER Más monstruos
MEXICANOS
Tratando de llenar la que en la CTM
Que aterricen en Tlalne, MATRIMONIO
blusa de Angelina
a ver cómo les va POR ACCIDENTE
¿Cuál no lo es?
predecible

62 MARZO 2018
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64 MARZO 2018
 POQUITO
NTES DEL

H I C I M O S M E M O R I A ( TA N TA Q U E N O S S A N G R Ó L A N A R I Z , C O M O A E L E V E N )
PA R A R E C O R DA R LO S P R I M E R O S 1 0 A Ñ O S D E L U N I V E R S O C I N E M ÁT I C O D E
M A RV E L . ¿ L I STO PA R A E L E X A M E N F I N A L?
POR JESÚS CHAVARRÍA Y GIOBANY ARÉVALO RUIZ

MARZO 2018 65
 UN TIEMPO en que los intentos
de llevar a los personajes de Marvel al
cine se perdían en los lugares más
recónditos de la serie B. Los estantes
de los hoy extintos videoclubes lucían en formato Beta y VHS
producciones ínfimas como Capitán América, de 1990 —que
entre sus protagonistas tuvo a la italiana almodovariana
Francesca Neri—, en la que el nacionalismo más rancio se
hacía presente a través de un Capi algo ñoño y luchando
hombro con hombro con el mismísimo presidente de Estados
Unidos. O The Punisher, de 1989, en donde Dolph Lundgren
(Rocky IV, 1985) encabezó el elenco de una versión bastante
convincente y sin duda la más rescatable hasta la llegada de la
reciente serie de Netflix, y el acertado cortometraje previo
titulado Dirty Laundry, protagonizado por Thomas Jane en
2012, luego de la desastrosa versión de 2004.
Así fue el panorama durante prácticamente todo lo que
fue el siglo pasado, en donde nada más las cintas del vigilante
de Ciudad Gótica y algunas del hijo de Kriptón eran tomadas
en serio.
Pero el momento de Marvel estaba por llegar. Apoyándose
sólo en las producciones algo discretas pero bien logradas que
adaptaron en 1998 las andanzas de Blade, a través de New También estuvieron, por supuesto, directores de propuesta los que hicieron
Line Cinema, comenzaron a gestarse lo que serían los las cintas de Sam Raimi (The Evil Dead, en verdad rentables las franquicias de
cimientos del actual boom que esta compañía vive en la 1981). El director entendió perfecto la Marvel. Los mismos que, de paso,
pantalla grande. Y no, no hablamos de la primera entrega de esencia del célebre Spider-Man y dirigió lograron que el público considerara como
Iron Man. Nos referimos a unos años antes, a la época en que en 2002 una estupenda primera entrega ofertas de entretenimiento de calidad y
el mundo de las viñetas sabía de los estragos de la crisis y con Tobey Maguire como protagonista, hasta interesantes a los superhéroes, más
cedió los derechos sobre varios de sus personajes para que los además de una secuela (2004) allá de los dos personajes ya mencionados
grandes estudios, por primera vez, apostaran de verdad por considerada —y con argumentos muy del universo DC, que parecían ser los
ellos y los convirtieran en protagonistas de sólidos— como una de las mejores cintas únicos dueños de tal categoría.
superproducciones que, por si fuera poco, tuvieron en el de superhéroes entregadas hasta la fecha. Pero el dinero tenía mucho que decir
centro de mando a directores de propuesta. Lástima que las terceras partes al respecto, y Avi Arad (responsable de la
fueran terribles, tanto para el arácnido división fílmica de Marvel) no estaba del

ANTES DEL BIG BANG

Cuando Bryan Singer (The Usual
Suspects, 1995) retomó a los X-Men,
los contextualizó con sobriedad y sorprendió a todos al darles
un tratamiento respetuoso a principios de este siglo. Por su
parte, Ang Lee (Comer, beber, amar; 1994) hizo lo propio con la
un tanto incomprendida Hulk de 2003, pues aunque es cierto
que el diseño del monstruo por momentos era muy artificioso,
el filme estelarizado por Eric Bana planteaba un interesante
discurso acerca del pecado de los padres y retomaba con
acierto el lenguaje de las viñetas.
como para los mutantes, amén de lo
fallidas que resultaron las dos
superproducciones con las que 20th
Century Fox llevó a la pantalla grande a
los Fantastic Four (2005 y 2007).
Verdaderos clásicos de los cómics
desperdiciados que recién fueron
transgredidos en un ridículo reboot
perpetrado por Josh Trank, realizador
algo sobrevalorado que venía de hacer
Chronicle (2012). Sin embargo, cuando
nadie estaba convencido, fueron los
todo satisfecho con las ganancias
obtenidas de estas licencias, por lo que
junto a Kevin Feige, su segundo al mando,
decidieron tomar los superseres de los
cuales todavía tenían control y hacer sus
propios filmes; con esto sentenció el
futuro del espectáculo en la pantalla
grande. De esta firma nació el Universo
Cinemático de Marvel (o MCU, por sus
siglas en inglés).
Entonces apareció Jon Favreau
(Made, 2001), quien más allá de cualquier

66 MARZO 2018
Hulk, Blade, Iron riesgo es un artesano fílmico eficaz, y
Man y Wolverine cumplió con una muy efectiva
en sus primeras ilustración de la primera aventura del
batallas en la legendario Iron Man. Al contar con
pantalla grande. Robert Downey Jr., actor que con todo el
carisma y madurez del mundo supo
aprovechar el cinismo encantador del
personaje para hacerlo suyo, marcó la
pauta sobre la que habría de transitar el
plan maestro posterior de Marvel para
apoderarse por completo del cine de la
actualidad.
Pese a ser muy criticada por los fans
más radicales de DC Comics, que veían
cómo les tomaban la delantera de forma
hasta ahora definitiva a Superman y
compañía, la fórmula se basa en
estandarización de los conceptos a
través del espectáculo y con el humor
como uno de los principales
ingredientes. Además, claro está, de la
interconexión entre las distintas sagas,
que es clave y se ha convertido en parte
del atractivo.
PRIMER IMPACTO
La fase uno había comenzado, y mientras
el universo X-Men mantenía la
continuidad a través de los fallidos
spin-offs protagonizados por el más
famoso de los mutantes —el mismísimo
Wolverine—, Marvel creó sus propios
estudios, dependiendo sólo de otras
compañías para su distribución, algo que
tampoco duraría mucho, pues ahora lo
hacen ellos mismos.
Así, en 2008 llegó The Incredible
Hulk de Louis Leterrier (Clash of the
Titans, 2010), con un diseño mejor
logrado del monstruo y un villano
interpretado por Tim Roth, pero con una
trama intrascendente en donde lo más
memorable fue el cameo de Stan Lee.
MARZO 2018 67
 Después vino la secuela de Iron Man, que apenas cumplió
como entretenimiento pero, eso sí, consolidó a Downey y su
Tony Stark en la cumbre de popularidad. También la irregular
Thor de Kenneth Branagh (Frankenstein de Mary Shelley,
1994), que fue una de las últimas que contaron con un director
propositivo en los controles. Además de Captain America: The
First Avenger de Joe Johnston (Jumanji, 1995), la más
equilibrada de las que integraron esta nueva etapa. Todas
taquilleras, aunque ninguna realmente brillante.
Sin embargo, eso no le importó a los espectadores que
seguían enganchados con la promesa de que era el camino
para la llegada de un blockbuster en donde se reunirían todos
los superhéroes como parte de la versión fílmica de un equipo
legendario en el mundo de las viñetas.
Con su primera aparición en el celuloide, a diferencia de
sus predecesoras —sin contar las primeras de Iron Man y la
del Cap—, The Avengers no decepcionó y se convirtió en el
claro ejemplo de lo que toda superproducción quiere ser. Joss
Whedon (Serenity, 1995) entregó una aventura espectacular,
con una estructura clara, un desarrollo muy dinámico y
efectos especiales en la dosis necesaria, lo mismo que el
humor; gracias a esta combinación le dio a cada uno de los
personajes su tiempo y espacio.
Millones de dólares en taquilla fueron la prueba
irrefutable de la contundencia del primer golpe de MCU que
tuvo una resonancia aún más poderosa y que muy pocos
hubieran imaginado, una que desembocó en la compra de
todo lo que era de la marca —cómics, películas y similares—
por la omnipotente Disney.
La compañía del ratón podría considerarse dueña de la
infancia de muchos de nosotros si tomamos en cuenta que,
además de las propias, posee las creaciones de Jim Henson,
por supuesto Star Wars y FOX, su más reciente adquisición. El
reinado de Marvel en el cine había comenzado.

SEGUNDO GOLPE
La fase dos del MCU podría decirse
que fue más de transición y de una
disimulada guerra. Mientras 20th Century Fox volvía a la
carga y lograba reavivar la franquicia mutante gracias a dos
excelentes producciones (X-Men First Class, de Matthew
Vaughn, 2012, y X-Men Days of Future Past, de Bryan Singer,
2014), Marvel olvidaba con su voracidad que en los malos
tiempos los estudios que compraron sus licencias fueron
quienes le ayudaron a mantenerse a flote, y se empeñaron en
recuperarlas. Esa fue la causa de la cancelación de la serie
regular en cómic de Fantastic Four, pues no querían hacerle
promoción a quienes no querían devolverles lo que era suyo. concretaron, y con mucha fortuna, el que basadas en el universo de superhéroes al
Con este contexto, la carrera para llegar al segundo punto sin duda fue su primer gran riesgo. James que pertenecen. Esto junto con el Captain
culminante del plan maestro comenzaba. Y por cierto fue Gunn (Slither, 2006) supo retomar y darle America: Winter Soldier de los hermanos
decepcionante. Avengers: Age of Ultron, también de Joss congruencia al concepto de un grupo de Anthony y Joe Russo, un sofisticado
Whedon, no fue más que un conglomerado de fuegos parias espaciales con habilidades thriller político que llegaría meses
artificiales con un argumento incongruente y en donde extraordinarias —entre ellos un árbol que después. Y claro, no podemos dejar de
desperdiciaron al villano, el temible Ultron. En ella además sólo sabe repetir su propio nombre y un mencionar que también llegaron las
hicieron evidente su mezquindad al presentar una versión de mapache parlante y belicoso—, que hasta fallidas pero siempre taquilleras Thor:
Quicksilver, personaje cuya licencia compartían con Fox ese momento eran prácticamente The Dark World de Alan Taylor (Kill the
—compañía que también lo estaba utilizando en su propia desconocidos más allá de las viñetas. Poor, 2003), Iron Man 3 de Shane Black
saga—, sólo para matarlo. En 2014 los Guardianes de la Galaxia (Kiss Kiss, Bang Bang; 2005) y la
Lo bueno es que en el camino para llegar a dicha película se convirtieron en los protagonistas de la simpática Ant-Man de Peyton Reed (Yes
sembraron las semillas de nuevas franquicias, pero sobre todo que, sin duda, es una de las mejores cintas Man, 2008).

68 MARZO 2018

EXPANSIÓN AL INFINITO
Pero si el cierre de la anterior fase había
sido algo decepcionante en cuanto a
argumento y desarrollo, el inicio de la
tercera comenzó a tambor batiente. Los
hermanos Russo demostraron que no se
equivocaron al elegirlos para este reto y
elaboraron una película que tenía todo: al
Los héroes en
acción en Infinity
War / Ant-Man
está en el hoyo /
Zoe Saldana y
Chris Pratt
atendiendo las
órdenes del
director / Doctor
Strange con un
extraño enemigo.
principio, las escenas de acción de
superhéroes mejor logradas hasta el
momento —presentando puntos de vista
casi imposibles en los que siempre se
apreciaba lo que sucedía y lejos de la
saturación visual—, luego secuencias al
estilo de los cómics clásicos —dígase la
batalla en el aeropuerto— y, por si fuera
poco, un drama consistente y revelador
con escenas de humor como contraste.
Aunque eso no fue todo: además
marcó el primer crossover entre licencias
de los estudios. Como a Columbia
Pictures no le redituó Spider-Man como esperaba, tampoco
había sido un fracaso en taquilla, así que dieron su brazo a
torcer y permitieron que el personaje apareciera en Captain
America: Civil War de 2016. Y así Marvel se salió con la suya.
Sí, la producción tuvo muy poco del cómic del que tomó el
nombre, pero la trama fue más que adecuada para el universo
cinematográfico que habían planteado hasta ese momento. Y
los fans la adoraron.
Con esto también quedó claro que el momento de hacer
relevo estaba cerca y tendría que darse camino al crossover
fílmico más grande de todos. Así, a la par de otras franquicias
que continuaron su camino (como Guardians of the Galaxy
que, a pesar de que diluyó el rasgo subversivo que la
distinguía, tuvo una segunda entrega llena de momentos
entrañables y divertidos), llegaron dos nuevas propuestas de
superhéroes para reclamar el protagonismo.
La primera fue Dr. Strange, de Scott Derrickson (El
exorcismo de Emily Rose, 2005), donde el Hechicero Supremo
fue encarnado por un más que convincente Benedict
Cumberbatch, quien supo retomar el matiz de sabiduría del
personaje original y dotarlo de un divertido cinismo al estilo
Iron Man. La segunda fue el Black Panther de Ryan Coogler
(Creed, 2015), que ya contando con la presentación previa en
Captain America: Civil War fue colocada al centro de una
interesante trama de intrigas políticas con aire tribal.
Ambas cintas, aclamadas por el público y avaladas por la
crítica, se distinguen porque, sin alejarse de los estándares
establecidos poseen un universo propio y bien definido entre
lo místico y lo tecnológico. Ello aunado al rescate del Dios del
Trueno al que unieron a Hulk —cuya franquicia tampoco
terminaba de convencer a nadie—, y lo llevaron al campo de la
comedia en Thor: Ragnarok, de Taika Waititi (What We do in
the Shadows, 2014), haciendo que por fin funcionaran más allá
de la taquilla. Pasos firmes de la también llamada Casa de las
Ideas para seguir ampliando su universo y manteniendo su
principal estrategia: tomarse su tiempo.
MARZO 2018 69
 De esta manera, sin que aún se noten
síntomas de que el boom del cine de
superhéroes vaya a la baja, el camino
hacia lo que será uno de los momentos
culminantes de la fase tres del MCU y su
punto más alto sigue viento en popa. Y es
que es difícil imaginar siquiera que pueda
haber un evento más importante que la
reunión de tantas franquicias y
personajes en una sola película, como
ocurrirá en Infinity War.
Quizá sólo podría ser superado por un
crossover entre universos, dígase con DC,
por ejemplo. Si ya sucedió en las
historietas —chequen lo que fue en los 90
las sagas DC vs. Marvel/Marvel vs. DC y el
subsecuente Amalgam—, tenemos
permitido soñar un poco.
Pero mientras, aunque no todas han
sido precisamente buenas, los fans adoran
sus cintas y varias de ellas tienen los
bastantes aciertos para satisfacer a la
crítica... y la taquilla no deja de responder;
razones por las que podemos decir que a
una década de haber iniciado todo, Marvel
sigue siendo el rey.

70 MARZO 2018
 A DÓNDE
TENEMOS QUE IRÁN
ABRE LA PUERTA A MÚLTIPLES
POSIBILIDADES.
POR JESÚS CHAVARRÍA

POR GIOBANY ARÉVALO RUIZ

CON EL ESTRENO DE Avengers: Infinity War, el

Universo Cinemático Marvel (UCM) cumple su primera
década. Y aunque Robert Downey Jr. (Tony Stark/Iron Man) y
Groot han sido el corazón de la franquicia, el verdadero héroe
detrás del éxito no puede ser otro más que Kevin Feige.
¿Cuál es el secreto del presidente de Marvel Studios?
¿Cómo ha logrado una taquilla combinada de más de 13 mil CAPTAIN AMERICA
millones de dólares a nivel mundial en las películas que ha Steve Rogers se niega a ser esbirro del gobierno y
participado? Al parecer es algo muy obvio: ser fiel al ADN de eligen a otro en su lugar, tipo el USA Agent de los
los personajes creados por Stan Lee hace más de 50 años por cómics. Rogers abriría con Thor barberías hípsters
medio de la cercana asesoría de un grupo de expertos y en la Tierra y Asgard.
fanboys, entre ellos Joe Quesada, director creativo de Marvel,
y el multipremiado escritor Brian Michael Bendis (quien
ahora, por cierto, ya trabaja para DC Comics). Ah… y pensar a
largo plazo. Muy a largo plazo.
Cuando en 2007 fue nombrado mandamás de la división
cinematográfica de la Casa de las Ideas, Feige tenía muy claro
lo que deseaba hacer: utilizar de la mejor manera posible los
personajes que aún pertenecían a Marvel (recuerden que en el
año 2000, a punto de la banca rota, la editora de cómics con
base en Nueva York vendió los derechos fílmicos de Spider- IRON MAN
Man, X-Men y Cuatro Fantásticos, entre otros, a productoras El adiós de Stark abre la puerta a una de las líneas
como Fox) y dedicarles uno o varios filmes a cada uno con el argumentales más interesantes del personaje: Iron
fin de crear awareness y, despú úes, h
hacer crossovers entre t ellos.
ll H
Heart, una chica
h genio de
d raza negra toma la l
¿Acaso es la misma fórmula qu ue se ha utilizado en los cómics armadura.
El segundo durante años? La pregunta se responde sola.
Spider-Man El primero que abrió la puuerta a la nueva era de
británico, el de superhéroes de Feige fue Iron Man (2008),
( ), y tras el éxito de
Tom Holland, ha 585 millones en taquilla global se dió por inaugurada la
sido del agrado primera fase del UCM, la cual ya va en su tercera parte con el
del público / El estreno de Avengers: Infinity War, la gran ópera espacial que
rey de Marvel, enfrentará al titán loco, Thanos, contra todos los héroes
Kevin Feige y (tanto terrestres como espaciales) del Universo Marvel.
todos sus Hoy, con Spider-Man (Tom Holland) parcialmente de
súbditos / Surge vuelta al UCM y con la noticia de que Walt Disney Studios BLACK WIDOW
una pasión (actuales dueños de Marvel) adquirió 20th Century Fox por Al fin podría contarnos acerca de su pasado. Tiene
consuensada 52.4 mil millones de dólares, las posibilidades de un todo el potencial para sacar un libro o abrir un canal
entre Vision y enfrentamiento entre los Avengers y los X-Men es casi un en YouTube para subir tutoriales de defensa
Scarlet Witch / hecho, así como la integración vertical de los Cuatro personal y espionaje.
Hulk se enamora Fantásticos, el cómic de Marvel que prácticamente inició la
de Black Widow, mitología marvelita que conocemos a la fecha y que ha sido
como todos. castigada de forma terrible con cuatro de las peores versiones
fílmicas de toda la historia.
Todo suena muy bien, ¿cierto? El futuro es brillante para
Marvel, ¿verdad? Sin embargo hay un pequeño detalle: el
contrato de Kevin Feige con Marvel Studios vence este mes de
abril, así que aunque ya estén planeados los filmes hasta 2020,
veremos en quién ha recaído la verdadera magia de los héroes
más poderosos de la Tierra. VISION
El androide se casaría con Wanda e inician una vida
AVENGERS: INFINITY WAR ESTRENA EL 27 DE ABRIL. en familia, incluso tienen dos hijos.

MARZO 2018 71
72
ADECUANDO EL
NUEVO DIRECTOR. NUEVA ESTRELLA. ¿PUEDE LA SECUELA PACIFIC RIM UPRISING , ENTRE
MARZO 2018
MECANOIDES CONTRA MONSTRUOS, LLEGARLE A LA ORIGINAL DE DEL TORO? POR IAN FREER

MARZO 2018 73

I NNV
NVENID
VEEENNIDDDOO AAL
SSHATTERD
SH
HATTE
ATTTERRDOM OMEE
EMPI E CAMINA por el escenario
EMPIRE
más ggrand
n e en los Fox Studios,
S Australia,
l retraso. Del Toro había desarrollado
previammennte ocupado por Alien:
Covenant. Sabemos que estamos allí
porque: a) el equipo técnico es
superamable, y b) muchoss trraen playeras
de Hacksaw Ridge. Estamo os visitando
v el
cuartel general del Cuerpo dee Defensa
Pan Pacífico, la fuerza internacional
establecida para salvar al mundo de
monstruos gigantes, los kaiju,
enfrentándolos
d con robots ennorme
rmes, los
jaegers. Es el día 52 de 90 de Pa
Pacific Rim
Uprising, la secuela de la carta de amor de
2013 de Guillermo del Toro a las
tradiciones ja
japonesas de ciencia ficción,
carnicería global y personajes con
nombres ridículos. Uprising busca
adoptar la visión de Del Toro, pero
también encontrar algo diferente: colores
nuevos y más accesibles.
Pacific Rim puede ser una cinta
media de Guillermo (¿o está entre tus
primeras tres del director?), pero si le
preguntas a cualquiera, en Uprising
notarás que no hay sino amor por ella.
Sin embargo, también hay la sensación
de que, a pesar de haber ganado más de
400 millones de dólares a nivel mundial,
la pureza de los robots golpeamonstruos
no alcanzó la cifra que la idea merecía.
“Pensé que necesitábamos hacer una
película más cercana con la que las
audiencias pudieran identificarse mejor”,
dice el productor Cale Boyter. “También
me gusta pensar que es más
aspiracional”.
Por eso, Uprising (levantamiento)
será más amplia... ¿pero será mejor?
74 MARZO 2018
EL DIRECTOR
PARA HACER QUE sea más
“cercana” y “aspiracional”, Legendary
buscó a Steven S. DeKnight, director de
las series Spartacus, de Starz, y la
ttemporada 1 de Daredevil, de Netflix.
DeKnight h
D había estado desarrollando
para su debut como director un pequeño
thriller psicológico con la productora de
Pacific Rim, Mary Parent. Cuando eso se
cayó, Parent le mencionó una secuela de
Pacific Rim. DeKnight estaba intimidado
pero emocionado.
“De chico siempre fui fan de los tipos
en un disfraz. Estaba en mi zona. Robots
gigantes lu
gig uchando
h do contra monstruos
gigantes: ¿ccómo o podría no gustarme?”,
nos confía.
DeKnighth tenía que recibir la
bendición de Guillermo del Toro, así que
usó la reunión para visitar Bleak House,
el museo de memorabilia del cine y cosas
geek que Del Toro tiene en Los Ángeles
hoy en día.
Antes de eso, Uprising tuvo un
tres guiones pero decidió meter reversa
y realizar The Shape of Water.
Haciendo uso de sus raíces
televisivas, DeKnight armó un cuarto de
escritores, eligió las mejores partes de los
guiones y armó la historia en tres
semanas.
En ese punto, la trama se centraba en
el héroe de la primera película, Raleigh
Becket, interpretado por Charlie
Hunnam. DeKnight entregó el guion y
todos enloquecieron.
“Y al día siguiente fue anunciado que
Charlie iba a hacer el remake de Papillon
y las fechas entraban en conflicto, así que
desafortunadamente tuvo que salirse del
proyecto y entonces lo transformamos
para que el hijo de Stacker Pentecost
fuera el personaje principal”. LA ESTRELLA
Por si ya se te olvidó, Stacker
Pentecost, interpretado por Idris Elba,
era el director del Cuerpo de Defensa Pan UNA VEZ QUE SE TOMÓ la
Pacífico que dio grandes discursos sobre decisión de centrar la historia en el hijo
evitar el apocalipsis y sacrificó su vida de Pentecost, sólo quedaba una opción.
enfrentando a los kaiju Slattern y “John Boyega tiene un encanto y habilidad
Scunner. Diez años después, su hijo Jake naturales”, confía Boyter. “No podría
podrá tener sus agallas, pero no su haber nadie mejor”. Boyega es admirador
colorido nombre de pila. de los manga y anime. Idris Elba en Pacific
El director Steven S. “Hablamos mucho al respecto. Rim “de inmediato hizo que me interesara
DeKnight prepara el Quería que fuera más normal, menos más”, cuenta. “Soy un gran fan de Idris, en
siguiente mega- heroíco. Un tipo común que tiene un especial por The Wire”.
alboroto con la estrella, padre legendario difícil de igualar”, El concepto del hijo de Stacker fue
John Boyega / Boyega señala DeKnight. que nunca estableció una relación con su
con las coestrellas ¿Quizá Stacker (apilador) no era su padre —“La gente olvida que Stacker era
Scott Eastwood y nombre real, sino un apodo? “Puede ser”, medio odioso”, ríe Boyega— provocando
Jing Tian. sugiere discretamente DeKnight. “Tal vez que Pentecost Jr. dejara el programa de
se llame Jerry Pentecost”. jaegers, y también decepcionando a su
 “LE PUSE UN POCO DE ESA RUDEZA AL
PAPEL. LOS KAIJU NO PODRÍAN CON EL
SUR DE LONDRES”.
JOHN BOYEGA
mejor amigo y piloto, Nathan Lambert
(Scott Eastwood), quien ahora entrena a
una nueva generación de pilotos de
jaegers. Jake comenzó a ganarse la vida
vendiendo partes robadas de jaeger en el
mercado negro de un San Diego
devastado. Su camino de regreso al
Shatterdome, los jaegers y la redención
comienza cuando conoce a la adolescente
Amara (Cailee Spaeny), quien construyó
con piezas de desecho su propio jaeger de
1.2 m de alto, Scrapper. Una costa
apocalíptica del Pacífico podría parecer a
un millón de kilómetros del lugar donde
creció Boyega, en Londres, Inglaterra,
pero asegura que logró hacer que el papel
fuera personal.
“Steve me da la libertad de reescribir
mis diálogos, darles mi toque”, nos dice.
“Creo que Jake es un chico del sur de
Londres, y como yo soy de allí, le puse un
poco de esa rudeza al papel. Los kaiju no
podrían con el sur de Londres”.
La iniciación de Boyega en Pacific
Rim Uprising fue igual de “ruda”.
Después de The Force Awakens estaba
realizando sesiones para presentar su
compañía, UpperRoom Productions. Una
de esas reuniones fue con Mary Parent,
quien de casualidad ofreció mostrarle a
Boyega algo del arte conceptual de Pacific
Rim Uprising.
“Abrió la puerta y me vi a mí mismo
en arte conceptual dando una patada en
el traje de manejo”, ríe el actor. “Fue una
trampa. Me dijeron: ‘Esta es la oferta.
Queremos subir a tu empresa a bordo y
que tengas algo de aportación creativa’”.
¿Artes marciales? ¿Hombres de
metal enormes? Boyega se subió.
MARZO 2018 75
 “UN DÍA DE TRABAJO
INVENTANDO
NOMBRES PARA
ROBOTS GIGANTESCOS
NO ES UN MAL DÍA”.
STEVEN S. DEKNIGHT
LOS JAEGERS
LOS JAEGERS SON LOS
ROBOTS de 200 toneladas y 80 m de
alto controlados por dos pilotos que se
sincronizan neuronalmente mediante un
proceso llamado drifting para controlar
de esa manera la maquinaria demoledora
de kaijus.
En 2030 el programa jaeger ya
recibió un upgrade y una nueva
nomenclatura exótica. Están Gypsy
Avenger —Gypsy Danger 2.0— , Bracer
Phoenix, Sabre Athena, November Ajax,
Titan Redeemer, Guardian Bravo y Valor
Omega.
“Pasamos todo el día sudando con los
nombres”, ríe DeKinght. “Creo que
76 MARZO 2018
rechazamos Battle Witch (Bruja de
batalla), que sigue gustándome. Era como
una sopa de letras, un tipo de poesía. Un
día de trabajo inventando nombres para
robots gigantescos no es un mal día”.
Sin embargo no son sólo formas de
señalar la diferencia. Es una crítica a la
primera película, donde en los
enfrentamientos con los kaiju con
frecuencia era difícil saber cuál jaeger era
cuál. Además, ahora los jaegers tienen
patrones de color más brillantes y
distintivos, y sus interiores también
fueron mejorados.
“Cuando ves la primera película,
estas máquinas hacen cosa maravillosas
pero no te involucras en lo que Raleigh
hace”, recuerda Boyter. “Ahora verás un
holograma de lo que enfrentan en el
mundo justo frente a ellos, así que
cuando los golpeen, verás el puño venir
hacia el conn-pod. Es una manera de
integrar tanto lo que pasa fuera como
dentro de los jaegers”.
EL COMBATE
UNA DE LAS PRIMERAS cosas
que Boyega hizo como productor del
filme fue traer a su coordinador de vuelo
de Force Awakens, Liang Yang, para
mejorar la previsualización, para hacer la
acción menos coreografiada y más libre.
También tomó notas del maestro
mismo. “Hubo un momento en que
El jaeger Obsidian pensamos que necesitábamos
Fury en su brillante incrementar la desesperación”, recuerda
esplendor. Boyega. “A Guillermo se le ocurrió un

gran momento en el que Gypsy agarra un
tren bala y se lo lanza a un kaiju”.
Cada jaeger tiene armas insignia: una
oscilación de gravedad que puede
derribar edificios (Gypsy Avenger), un
mazo retráctil (Titan Redeemer), espadas
samuráis que forman una megaespada
(Saber Athena).
“El estilo de pelea es algo enorme
para mí”, afirma Boyega. “Los cadetes son
unos chicos, así que no siempre los robots
hacen lo que deberían. Es como conducir
tu primer auto. El auto es genial, el
problema eres tú”.
En el set vemos a tres cadetes
—Amara, Vik (Ivanna Sakhno) y Jinhai
ROBOTS VS
RANDOM
(Wesley Wong)— preparándose paaraa
despegar en el conn-pod de Bracer
Phoenix en un cardán operado
manualmente. Vestidos con cascoss y
trajes, y con movimientos coreogr grafiados,s
los tres parecen una banda electróni nicca
francesa de principios del año 2000.
El viaje de Amara para convertirse en
NO SÓ
N CON
N TRUOS PELEA AN
piloto de jaeger surge de la idea de hacer
LO OBOT Y NOO SÓ
ÓLLO EN EL
que Uprising g sea más accesible. “Siempre
p
CINE; MÁS PLEITOS DE
D HO LATA:
ATA:
creí que Pacific Rim debió conectar con n los
niños, pero no había nada en el ADN de la l
original que les hablara a ellos”, considera
Boyter. “Amara es una chica que llega al
programa y dice: ‘¡Voy a manejar uno de
estos partemadres!’. Está emocionada y
motivada, y es divertido verlo. A eso me
refiero con aspiracional”.
“Siento que muchas de las películas
que me gustaban cuando era pequeño no
tenían chicos en ellas, así que hay un
equilibrio sutil”, admite. “No sólo quieres
tener a un chico ahí porque sí, la historia
se presta para eso: un grupo de cadetes ZOMBIES VS ROBOTS
T
que nunca han peleado en una batalla Escrito por Chris Ryall y hermosamente
tienen que salvar al mundo”. diseñado e ilustrado por Ashley Wood,
Y de lo que nos protegen se convirtió presenta un futuro, más allá de que la
en algo más formidable. humanidad pierde la batalla contra los
zombies y sólo quedan los robots para
combatirlos. También hay amazonas.
EL KAIJU
COMO SUS CONTRAPARTES,
los kaiju también se han vuelto más
brillantes, literal y figurativamente. Los
nuevos tienen líneas bioluminescentes
para ayudarnos a distinguirlos en los
enfrentamientos.
“La primera película se desarrolla
sobre todo en la noche”, analiza el
supervisor de efectos visuales, Peter
Chiang. “Obviamente los colores suaves MONKEY VS. ROBOT
en la original funcionaron porque tenías James Kochalka escribe e ilustra esta
más reflejos de las luces de las calles. historia en la que robots desalmados
Ahora el 90 por ciento de las secuencias salidos de una fábrica enmedio de la selva
de acción ocurren de día”. pretenden acabar con una manada de
DeKnight está tan fascinado con las changuitos, ¿quién ganará? Lea el libro.
criaturas que, si la franquicia continúa, la
siguiente cinta podría meterse más en su
trasfondo. “Hay un plan para el idioma e
historia de los kaiju”, dice. “Mi meta es
siempre tener un mundo que sea
expandido, como en Star Wars”.
También se habla de que más allá de
Pacific Rim 3, los jaegers y kaiju podrían
cruzar a otros monstruos del universo
Legendary, como King Kong y Godzilla,
un prospecto que hace que el fan de los
hombres en disfraz enloquezca. “Me
Nathan Lambert encantaría que eso sucediera”, termina
(Eastwood) huye / Un DeKnight maravillado. Crucemos los YOSHIMI BATTLES THE PINK ROBOTS
día tremendo para dedos, pero veamos primero si pueden Álbum conceptual de la banda The
los pilotos cadete caminar antes de correr. Flaming Lips que habla a través de sus
Suresh (Karan Brar) y canciones precisamente de la batalla entre
cadete Ilya (Levi PACIFIC RIM: UPRISING ESTRENA la pequeña karateca Yoshimi contra robots
Meaden). EL 23 DE MARZO. rosados.
MARZO 2018 77
78 MARZO 2018
MARZO 2018 79
80 MARZO 2018
 REVISAMOS LA HISTORIA DEL MÁXIMO REPRESENTANTE DEL GÉNERO
MECHA A 45 AÑOS DE SU LANZAMIENTO Y ANTE EL ESTRENO DE SU
PELÍCULA CONMEMORATIVA, MAZINGER Z: INFINITY .
POR JULIO CÉSAR DURÁN

MARZO 2018 81
 L OTOÑO JAPONÉS DE 1972 vio nacer
a un heroico coloso gracias a la versión semanal
del Shōnen Jump (publicación culpable de
clásicos de la talla de Dragon Ball, Saint Seiya,
Slam Dunk o Samurái X). La explosiva
imaginación de Kiyoshi “Gō” Nagai creó una
historieta que sentaría las bases para toda obra
posterior que se dedicara a la robótica, sobre
todo las de maquinarias antropomorfas de gran
tamaño: Mazinger Z.
Mazinger Z es, en la cultura popular del siglo
XX, el padre de todos los robots pilotados por
personajes humanos y es uno de los pioneros del
género mecha; ha sido tan influyente que
Animage —legendaria revista que publicó
Nausicaä… (1982-1994)— colocó a la versión
televisiva en el número 11 de los 100 mejores
animes de todos los tiempos, incluso por encima
de Akira (1988), Ghost in the Shell (1995) y por lo
menos cinco largometrajes de Hayao Miyazaki.
Como uno de los padres fundadores del
género, la más célebre creación de Gō Nagai
ofreció por vez primera muchos de los elementos
que se repetirían infinidad de ocasiones tanto en
las historietas orientales como occidentales, y de
igual manera con animaciones originales para
cine y televisión. Desde que Mazinger y Koji por otro, las tradiciones del país, combinadas con
Kabuto aparecieron en tinta y papel, las reglas toda plataforma pop, ya tenían bajo control las
para la simbiosis entre una persona y un robot pesadillas que trajo consigo la Segunda Guerra
quedaron selladas para siempre. Mundial (Godzilla, 1954).
Para inicios de los 70, Gō Nagai, quien
decidió convertirse en mangaka gracias a la obra
planos de Osamu Tezuka, ya tenía publicadas algunas de
sus obras y había recibido la oportunidad de la
originales
Japón experimentaba el mejor momento de su
editorial Shueisha, responsable de Shōnen Jump,
para continuar como historietista. Sus primeros
milagro económico en la década de 1970. Con las mangas incluían un tono ácido para ser ediciones
ocupaciones occidentales de la posguerra en infantiles, todos ellos fueron una mezcla de
proceso de olvidarse, un crecimiento monetario comedia, algunos casos con temáticas para
importante y una población en su mayoría joven, adultos —de considerable contenido erótico— y
la tierra del sol naciente estaba ávida de elementos sobrenaturales; estos últimos se
entretenimiento y emociones. Por un lado, la volverían una constante a lo largo de su obra.
cultura nipona ya había asimilado los elementos Con Harenchi Gakuen (1968-1972), La
norteamericanos en su música, cine y literatura; familia Abashiri (1969-1973) y Mao Dante (1971),

82 MARZO 2018
 entre otros, Nagai consiguió una reputación
importante en el mundo del manga. Sin embargo,
la apertura cultural de la época le ofreció una
buena oportunidad de incluir tanto violencia
explícita como una serie de motivos sexuales sin
problema. En muchos de los casos, el humor
subido de tono y la inclusión de personajes
sexualmente diversos en sus primeras
publicaciones reflejaban los tabúes que la
sociedad nipona estaba rompiendo durante el
llamado “milagro japonés”.
Con este arranque, Gō Nagai se propuso
escribir y dibujar su propia serie de ciencia
ficción protagonizada por un robot. Con Astroboy
(1952-1968) y Ironman 28 (1956-1966) como
referentes, el artista oriundo de Wajima
comenzó a trabajar en una idea inédita hasta el
momento: una máquina colosal que fuera
tripulada desde su interior para vencer kaijus. De
esta manera, tomando prestada la imagen del
autómata gigante de la obra de Yokoyama y parte
del ímpetu cientificista del clásico llamado “dios
del manga”, nació Mazinger Z.
Con el particular estilo que el mangaka ya se
había formado, Mazinger Z conjugó una serie de
aventuras un tanto ingenuas con un tono más
maduro, en ocasiones violento, además de una
premisa interesante: la unión del protagonista
humano con el personaje robótico estaría más
allá de sólo ser un piloto: ambos establecerían
una conexión de personalidades e incluso
emocional, no obstante que el segundo sea sólo
una máquina. Así, este par tendría que enfrentar
a las bestias mecánicas (kikaijus) enviadas al
Japón por el Dr. Infierno para conquistar al
mundo entero.
La ciencia ficción vertida en tecnología
vanguardista, con héroes jóvenes en primer
plano, fueron la representación que Gō Nagai
hace de una época en la que una generación puso
Nuestro héroe / Su sus intenciones en múltiples manifestaciones de
piloto, Koji / Dos la cultura pop. De la misma forma, Mazinger Z
científicos locos. nació como el reflejo de una sociedad que ya no
abrigaba la idea de ser una “nación vencida”.

Mazinger Z
Para hablar de los mechas, se trate de un otaku
experto o no, Mazinger Z es un referente
obligado. Tanto la historieta como la serie
animada colocaron sus funciones y dispositivos
como características esenciales en cualquier
máquina antropomórfica posterior; pero el robot
manejado por el joven e irreverente Koji Kabuto
no es un autómata cualquiera: posee toda una
historia que lo hace un defensor invencible.
En la historia escrita por Nagai, los procesos
científicos que trajeron a la vida a Mazinger
fueron retomados de una antigua tecnología
perdida en el tiempo que desarrolló una
civilización de tintes prehelénicos. El hallazgo de
esta cultura y de sus avances técnicos la llevó a
cabo un equipo científico internacional en el mar
Egeo, dirigido por el Dr. Infierno (originalmente
Dr. Hell) y donde participó el Dr. Jūzō Kabuto,
abuelo de Koji y Shiro. La tecnología específica
consistía en unos gigantescos autómatas
fabricados para la defensa y la guerra.

MARZO 2018 83
 + VILLANOS
EN
EMPIRE.COM.MX

ESTOS KIKAIJUS PUSIERON CONTRA

L A S C U E R DA S A M A Z I N G E R Z Y
JUNTOS DIERON LEGENDARIAS
BATALL AS PARA L A TV:

Robot Muerte &

Doble-Bestia Son los
primeros enemigos a los que
se enfrentó el inexperto Koji a
bordo de Mazinger, pero los
vence con los rayos fotónicos.
Velos en los episodios: “El
nacimiento de un robot
milagroso” y “Detengan al
ejército de Ashler”.

Demonio 3 Suele ser

Barón Ashler quien dirige los
ataques, pero aquí es el Dr.
Infierno quien dicta las
órdenes a esta bestia que
puede desensamblarse y
ensamblarse a placer.
Velo en el episodio:
“La bestia Demonio 3”.

Bicong 09 Se trata de
un pequeño prototipo
robótico creado por un niño. El Dr. Infierno está
Posee una gran fuerza que que revienta de
incrementa cuando el Barón coraje / Lisa llegará a
Ashler le dispara un “rayo crear un triángulo
agigantador”, lo que pone en amoroso en Infinity.
aprietos a Mazinger.
Velo en el episodio:
“El monstruo robot Bicong”.

Minerva X
Originalmente la pareja de
combate de Mazinger y
considerada como su versión
femenina. Es construida por el
enemigo pero las cosas no
resultan como se esperaban.
Velo en el episodio:
“Minerva X: El robot
misterioso”.
Cruz infernal X9
Tras la pérdida del Barón
Ashler y el Vizconde Cerdo, el
Dr. Infierno inicia el ataque
final. Por su lado, el Conde
Brocken logra separar a Koji
de Mazinger Z piloteando un
kikaiju de apariencia nazi,
estrategia que estuvo a punto
de matar al joven Kabuto. Velo
en el episodio: “La batalla de
la isla del Infierno”.
El Dr. Infierno usa dicho conocimiento para
crear a sus bestias mecánicas y así conquistar al
mundo, pero su colega usará el mismo hallazgo
como base para su robot perfecto. Utilizando el
japonio, elemento químico de reciente
descubrimiento que sólo se halla en las faldas del
Monte Fuji, el Dr. Kabuto creó la Ultraaleación Z
(material prácticamente indestructible) y
además, gracias a la fisión del japonio, se puede
obtener la poderosa energía fotónica. Ambos
avances permiten la creación de una maquinaria
capaz de frustrar los planes del Dr. Infierno.
Con una altura de 18 metros y 20 toneladas
de peso, el robot del Dr. Kabuto está revestido de
Ultraaleación Z —de ahí su nombre—. Alcanza
hasta los 360 km por hora si va por tierra, y tres
veces la velocidad del sonido cuando va por aire.
Además contiene toda una serie de dispositivos
especiales para su labor:
PUÑOS. Mazinger posee la estructura física
convencional de un humano, pero cada parte
tiene preparadas sorpresas para el enemigo.
En el caso de los puños y antebrazos, no sólo
sirven para el combate cuerpo a cuerpo, pues
también pueden ser lanzados como proyectiles,
mismos que regresan a su lugar tras golpear al
enemigo. Incluso sus dedos han llegado, también,
a lanzar sus propios proyectiles.
BRAZOS. De la misma manera que la estructura
total del robot, los brazos poseen una increíble
fuerza, pero tienen la particularidad de
articularse para girar por completo sobre su eje,
como un veloz molino. Además, la articulación
de los codos también tiene la habilidad de lanzar
misiles al rival.

84 MARZO 2018

PIERNAS. Con ellas Mazinger Z alcanza grandes
velocidades en carrera para emparejarse a
algunos enemigos que lo superan volando (antes
de que consiguiera sus alas). También tenían la
habilidad de elevar verticalmente al robot con
una función de cohete.
TORSO. La parte central del colosal robot tiene
sus secretos: cuando es necesario es capaz de
lanzar misiles alojados en su caja torácica.
PECHO. Las aletas pectorales de color rojo de
Mazinger concentran, al activarse, una gran
cantidad de energía fotónica que es lanzada
como un infalible rayo destructivo.
BOCA. La especie de reja que la máquina tiene en
el mentón cubre unas poderosas turbinas cuya
fuerza se asemeja al de un devastador huracán.
OJOS. Aquí también se concentra una fuente de
energía fotónica, no tan fuertes como el haz del
pecho, pero los rayos provenientes de la vista sí
son más precisos.
En plena batalla:
Mazinger Z no está
en la mejor posición.
PLANEADOR. La cabeza de Mazinger Z es el
centro de control de toda la maquinaria, sin
embargo no puede pilotarse sin que el planeador
se ajuste en él. Esta aeronave, tripulada por Koji
Kabuto, es la interfaz con la que se vincula con el
robot. Posee dos turbinas articulables que le
permiten volar (después modificadas con
cohetes direccionales), una cúpula transparente
que otorga una inmejorable visión del terreno y
un conjunto de armamento propio (rayos,
misiles y lanzador de humo). El dispositivo
contiene todos los controles necesarios para que
Mazinger entre en combate, aunque en diversos
episodios se sugiere que, en ocasiones, existe una
conexión mental o sensorial entre el robot y su
piloto, donde el primero recibe órdenes sin
ningún mecanismo o se adelanta a las
necesidades de Koji.
RETROPROPULSOR. En un principio, Mazinger
no podía volar, pero la superioridad de ciertas
bestias mecánicas del Dr. Infierno obligaron al
equipo del Dr. Yumi a cubrir esa necesidad. El
sistema que permite surcar el cielo consiste en
alas fabricadas con Ultraaleación Z acopladas
por cohetes que se ajustan al torso del robot,
permitiéndole no sólo elevarse, sino planear y
maniobrar a gran velocidad en el aire.
Legado
La influencia de Mazinger Z en los mechas es
innegable. Su lanzamiento no sólo dio pie a una
franquicia con secuelas (Gran Mazinger,
Grendizer), nuevas versiones (God Mazinger,
Mazinger, Mazinger Z: Edición Impacto) y spin
offs (Mazinkaiser), sino que también marcó
pautas para múltiples creaciones japonesas e
internacionales que hoy son clásicos.
Por un lado, desató el boom de los vehículos
gigantes a partir de los 70, encontrando sus
puntos comerciales más altos con las franquicias
televisivas Macross (1982-1984) y Transformers
(1984-1987). Por el otro, la dinámica de piloto
dentro del robot (a la manera de un
exoesqueleto) se recuperó en la llamada Serie
Gundam (1979) de Yoshiyuki Tomino, así como
en Voltron, “reensamblaje” norteamericano de
dos animes de la Toei Animation.
La premisa de usar un vehículo para derrotar
monstruos gigantes fue moneda de uso común
en Super Sentai (versión original de Power
Rangers). El planeador de Mazinger Z se vio
homenajeado en Titanes del Pacífico (Guillermo
del Toro), donde los tripulantes se sincronizan
en la cabeza del robot para después acoplarse al
resto de la maquinaria.
La simbiosis entre personaje humano y
robótico se llevó al límite en dos animes, Neon
Genesis Evangelion (1995), de Hideaki Anno
(quien ha declarado abiertamente la inspiración
de Mazinger), y La visión de Escaflowne (1996) de
Shōji Kawamori; en ambas la conexión con la
máquina es tal que el robot parece tener
personalidad; asimismo tienen la capacidad de
sentir las emociones del piloto y éste sufre los
ataques de la misma forma que la máquina,
características ya anunciadas en la creación de
Nagai. Por otro lado, tanto en el anime de Anno
como el manga de Gō Nagai, el motivo que
dispara el drama mecha se ubica en el pasado de
la humanidad.
golpe al futuro
En este 2018, ya con 45 años cumplidos,
Mazinger Z regresa, aunque a la pantalla grande,
en un filme dirigido por Junji Shimizu y escrito
por Takahiro Ozawa, con la aprobación y
supervisión de Gō Nagai.
En palabras de los creadores de la película, la
adaptación promete mantenerse en absoluto fiel
al manga. No obstante, tanto el realizador como
los artistas, Takayuki Yanase (diseñador
mecánico), Hiroya Iijima (diseñador de
personajes) y Makoto Ujiie (director de arte),
han anunciado que sí seguirán la continuidad de
la serie televisiva y conservarán el espíritu
original, pero incluyendo interesantes
novedades: la actualización del universo de
Mazinger; un emotivo triángulo entre Koji,
Sayaka y un nuevo personaje, Lisa; mucho mayor
detalle con todos los ingenios robóticos y el
cuidado de los efectos físicos de una maquinaria
de gran proporción; así como madurez en la
personalidad de los protagonistas, sólo por darte
algunos avances.
En el largometraje Mazinger Z (2017) nos
encontraremos 10 años después de que el Dr.
Infierno, el Barón Ashler y el Conde Brocken
fueran vencidos con sus bestias mecánicas
gracias a Koji Kabuto y a la aparición de último
minuto de Tetsuya Tsurugi (piloto del Gran
Mazinger). Ahora Sayaka Yumi es la directora del
Instituto de Estudios Fotónicos, Koji ha seguido
los pasos de su padre y abuelo como científico, y
la paz mundial sólo se verá perturbada por el
descubrimiento de una nueva forma de vida en el
Monte Fuji. Así arrancará una aventura más para
el padre de todos los mechas quien sin duda, con
sus avances de ciencia ficción, volverá a marcar
la dirección para todo robot (mecánico o
biológico) por venir.
MAZINGER Z: INFINITY ESTRENA EL 2 DE MARZO.
MARZO 2018 85
86 MARZO 2018
LA ÚNICA REPRESENTANTE DE
IBEROAMÉRICA EN LOS PREMIOS
OSCAR, UNA MUJER FANTÁSTICA ,
TIENE UNA PROTAGONISTA Y UN
CREW MARAVILLOSO. EMPIRE
TE PRESENTA LOS DE TALLES DE
ESTA PELÍCULA DEL CHILENO
SEBASTIÁN LELIO.
POR ANAID RAMÍREZ

MARZO 2018 87
 de noviembre y EMPIRE

na
mu er antástic

erminan o e acomo arse a usa a ra as tipo marinero que viste,

no sin antes darle un sorbo a su café, la santiaguiña centra la charla en el
personaje que el director Sebasti n Lelio cre para ella.

MUJER MARAVILLA
l viaje fant stico comenz cuando el cineasta la telefone para pedirle que
se reunieran. Se tomaron un café Lelio le platicó sus planes de hacer un
elícula, “pero nunca me ima iné que él la estaba escribiendo para que yo
la protagonizara”, cuenta acerca de las conversaciones que tuvieron a lo
lar o de un año y medio, aproximadamente. Por esta razón fue una sorpres
otal cuando Ve a leyó por primera vez el uion
Estaba en mi casa, en echas cercanas a las estas de Navidad y Fin de
Año. Ya llev bamos m s de un año conversando y de pronto me dice: ‘Te v
e ar a o a casa’. Era un paquete con e uion”, recuer a. En cuanto o
brió se dispuso a leerlo y lo primero que hizo al terminarlo fue llamarle
Sebasti n a Alemania, donde se encontraba en ese momento. “Le pregunt :
‘¿Te volviste completamente loco?’. Y su respuesta fue: ‘No, esto
otalmente se uro de que tú puedes sostener al personaje, y si tú me dices
ue s , vamos y la armamos juntos’”.
es que el personaje que Lelio le ofreci a Vega tiene algunas
similitudes con la actriz: es una mujer trans énero y que practica el canto
lírico, por hacer mención de al unas cualidades. Pese a estas concordancias,
aniela confiesa que es el trabajo m s complejo que ha tenido en su

a isit
La dificultad, cuenta la int rprete, comenz desde el trabajo de
reproducci n: “Aprend a bailar salsa, manejar autos, volar con arn s,
acer coreo rafías y un sinfín de cosas que no tenía idea de cómo se hacían;
ncluso aprend a cantar dos arias nuevas de pera porque, aunque soy
antante de l rica, las ue seleccionaron ara la cinta nunca las hab
ractica o”, p atica
La comple idad persistió durante las filmaciones, a lo comprobarás
uando veas el filme —“Hay varias escenas m s que no se quedaron en el
orte final pero tambi n significaron much simo trabajo”—; sin embargo
so no impidió que Daniela disfrutara de su se unda participación en cine.
“El trabajo se convirti en un proceso ozoso y volver a a trabajar con
Sebasti n Lelio otras 50 millones de veces”, ex resa la chilena sonriendo.
El uion anador del Oso de Plata en la edici n 67 del Festival
Internacional de Cine de Berlín ira en torno a Marina (Ve a) y los días
osteriores al fallecimiento ines erado de su novio Orlando (Francisco
eyes). Seguro te preguntar s qu puede haber de extraordinario en es

MARZ 201
 premisa,
¿no valdría más presentar la historia de la pareja para entender el
sufrimiento de la joven?
Pero Sebastián Lelio no tiene la más mínima intensión de presentarte
un filme romántico; prefiere más bien el drama... aunque no el sustentado
por las lágrimas o porque su heroína se tire al suelo. El tono de Una mujer
fantástica se basa, especialmente, en cuestiones de género e inclusión: al
ser una mujer trans que mantuvo una relación con un hombre mayor y
divorciado, el duelo por la pérdida se ve abrumado por los estigmas, mismos
que provocan rechazo, violencia y señalamientos por parte de la justicia.
Ante
te este panorama era necesario trabajar, además de las cuestiones
físicas y mater eriales, el abanico de emociones que pudiera atravesar Marina
durante su luto y la confrontación social. Asimismo era indispensable que
este ensamble de sensaciones
s fuera orgánico para ofrecer un personaje
auténtico. Lelio y V Vega lo consiguieron.
“Las emocioness se van construyendo pegaditas una de la otra para que
tengan esa naturalid dad de parecer diluidas, como cuando te maquillas y
um bra en el ojo”, explica la intérprete acerca de la técnica
que
ue a lograr ese efecto. “Cuando buscas naturalidad ante un
rellato fan ás por ícula que no necesariamente es realista,
la a n sa por d diferentes capas, y para p que queden pegaditas de
manera na a d n de lo fantástico, hayy que difuminar eso como lo
mane
ce un pin nto
P dio de este jerr c graron ar las emociones. “No ves
e ommo d
m de carr on d T Tom & Jerry, tod do vaa de manera e m mucho
”, in
nterr
te pe g ma inssspiració ón p
ó pa ter er in n frase con
u en eel via gan
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La agillid nación se ddice
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ntribu uyen la u a con llaa erci ees las viven ncias
cias
i de Marina.
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a tores vameen t ron o s la actriz destaca que
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Daniela Vega
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aass e dó a a forma en queq consigguió
r m i nes Marina e valieron ga, además á
ntt de , el p m ejor actriz en el Palm Springs
Internati
nationon Film F . Adem
demá no tard daron en soltar rumores de que
la Acad
Academia dee Artes y Ciee cias Ci Cinemmatográficas también la tomaría en
cuenta para compartirmpart categoría con Sally lly HHawkins y Meryl Streep, aunque
después de todo Una mujer fantástica sólo competirá por la título de Mejor
película extranjera.

TEMISCIRA
La serie de eventos que presencia y sufre Marina podrían derrumbar
emocionalmente a cualquiera. Pero la protagonista de este filme parece
tener una fuerza no humana para soportar el viento en contra —literal, y lo
verás en una escena casi poética— sin derramar lágrimas y guardando
siempre la compostura, incluso ante la violencia.
Sin embargo, el personaje de Vega no es descendiente de alguna deidad
griega. Es una ciudadana común de Santiago y es en los barrios de la capital
chilena donde Marina ha forjado su carácter, al menos así lo refleja la cinta
y eso resalta la posición de la urbe dentro de la historia.
“Fue un trabajo superinteresante porque primero había que mirar a
Santiago como una ciudad y buscar los lugares que reflejaran este mundo
de Marina”, indica la directora de producción, Estefanía Larraín, a quien

MARZO 2018 89
 Reina del show /
Esta es Marina /
El último beso /
La llamada del
destino.

90 MARZO 2018
 Vess a la d elo recorrr nd la u d ar t r,
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nder la i nes ju l la qu see v da o c lal
intenció r al fu eral ar se n
recorrid vari táculos por afronta
afr tar ar.
“Progresiv
resiv
e mente,
m M
Mari
arina la pasaa ccada veezz peo
pe y un
u pococ llos esp
pacios
tenían que responder d a esto”, amplía Larraín. Por eso todo comienza en un
entorno acogedor para la protagonista, en un bar para festejar su
cumpleaños y en el hogar donde vive con su novio. “El departamento tenía
que ser un lugar muy acogedor, tenía que tener historia. Es decir, era el
departamento de Orlando y luego invita a Marina a vivir con él, entonces la
intención era que ella se sintiera parte de ese lugar y no como una invitada
que llega y que no es acogida. Por eso imaginamos que a Orlando le
pudieran gustar las plantas y tuviera un perro, que hubiera conexiones
entre los dos personajes para hacer este espacio más amable y más
habitable”, agrega.
Pero así como hay escalas complicadas en ese recorrido urbano, existe
una liberadora —quizá dos— para la joven, como un club nocturno donde
se entrega a la pista con sus mejores pasos de baile y brilla pese a la crisis. Si
eres seguidor del cine de Lelio, este momento te hará recordar una de las
secuencias finales de Gloria.
“Creo que nuestra película tiene mucho de otros trabajos de Sebastián.
No sé si quiso ponerlo por algún motivo particular, pero uno puede
entenderlo así”, reflexiona Daniela Vega. Sin embargo, quien aclara todo es
Estefanía Larraín: “Es mera coincidencia”, dice rompiendo la ilusión de
EMPIRE de algún vínculo entre ambos títulos.
“Ese lugar (el antro) es muy importante porque es donde Marina hace
catarsis. A eso me refería con construir los lugares o buscar una ciudad
mucho más sutil para ella, más concurrida. Porque no se siente como parte
de ese lugar, la sacaron de la burbuja tan feliz donde estaba y la ciudad no le
permite vivir tranquila”. Pese a que no son unas calles muy afables para el
personaje principal, “creo que muestra un muy bonito Santiago”, destaca
felizmente Vega, mostrándose orgullosa de su lugar de origen.

LELIO: ¿UN PROFESOR MARSTON?

El hombre que delineó los trazos de Marina es Sebastián Lelio, uno de los
cineastas chilenos más sobresalientes de la actualidad, junto con Pablo
Larraín (Neruda
( ) y Andrés Wood (Violeta se fue a los cielos).
s Originario de
Santiago, el director llamó la atención de la industria desde su primer
largometraje, La sagrada familia, en 2005. Le siguieron Navidad y El año
del tigre, pero sin duda la consolidación la consiguió por completo con su
cuarto título, Gloria.
“Es un filme impresionante, de una gran calidad artística y técnica,
poética, es una maravilla de película”, comparte Daniela Vega, quien
confiesa sentir una profunda admiración por Paulina García, protagonista
de dicha historia.
Por eso, Vega no dudó en sumarse al quinto largometraje de Lelio.
“Acepté porque para mí es uno de los más admirados directores”, recuerda
la actriz. Pero también influyó la conexión que hubo entre ella y el
realizador cuando se reunieron la primera vez: “Pasó como cuando conoces
a una persona y dices: ‘Qué bien me cayó, tengo ganas de confiar en ella’”.
Más valió confiar. Una mujer fantástica ha puesto bajo la mira a la
intérprete y a Lelio le ha permitido cosechar premios en América y Europa,
como la presea a Mejor película latinoamericana que le asignó el Festival de
San Sebastián.
Aunque el verdadero reconocimiento llegará cuando le toque ponerse
al tú por tú con los jueces reales, el público. Pero como es “un genio de la
p a un artista; una persona hipersensible, hiperhumana e
hiperccon
o ada”, como lo define Vega, no dudamos que conectarás y te
rá r el mismo lado de la balanza al que apostaron los jurados más
i tees los certámenes de cine.

UNA MUJER FANTÁSTICA ESTRENA EL 2 DE MARZO.

MARZO 2018 91
 READY PLAYER ONE
ES LA MÁS RECIENTE
ENTREGA DE STEVEN
SPIELBERG
Y SU RETORNO
AL GÉNERO QUE
MÁS DOMINA: EL
ENTRETENIMIENTO PURO.
POR ÓSCAR URIEL

92 MARZO 2018
MARZO 2018 93
 UNA DISTOPIA CERCANA. Un millonario que hereda un
desafío para sus seguidores. Un relato repleto de referencias de la
década de los 80. Suena a una efectiva mezcla de componentes para

Videogames are the producir un ameno filme de aventuras.

Steven Spielberg pensó lo mismo cuando decidió que la novela de
Ernest Cline sería la base de su próxima cinta. Una producción que

only thing that make

requería también de un nutrido grupo de jóvenes intérpretes.
“El secreto para originar un buen trabajo como actor en una
película con las características de Ready Player One es simplemente
utilizar tu imaginación. Cuando leí el libreto por primera vez pensé:

life bearable"
‘¿Cómo harán para crear estas atmósferas?’. Una vez que llegas al set te
muestran ilustraciones pero ¡créeme!, siempre te quedas corto cuando
trabajas en una obra dirigida por Steven Spielberg”, cuenta en
entrevista a EMPIRE Lena Waithe, quien personifica en la historia a
-ERNEST CLINE Aech, una de las principales rivales a vencer en la búsqueda del premio
mayor, conocido como easter egg, en esa realidad nombrada OASIS.

94 MARZO 2018
 Como dato curioso Lena es considerada
también una de las jóvenes actrices
y escritoras más creativas en cine
y televisión en este momento.
El avatar de Wade EL SÓLO APELLIDO
(Tye Sheridan) / SPIELBERG puede atraer
Los visores de al más exclusivo talento
realidad virtual no laborando en la industria
te dan visión de del cine, ahora imaginen
rayos X / Tampoco a los miles de jóvenes nóveles
te protegen de las queriendo formar parte
pedradas / de una película con las
¿Epidemia zombi? características de una
producción del tamaño
de Ready Player One.
“Estaba haciendo una
película en Montreal cuando leí el guion.
Te voy a ser honesto: en un principio,
al igual que Lena, no comprendí del todo
la manera en que se iba a rodar esta
historia, no entendía la implicación
del motion caption, por lo que siempre
me preguntaba cómo van a lograr todo
esto. ¿En serio van a cerrar las calles
de Nueva York para rodar la carrera en
OASIS? Conocía perfecto el libro, pues
soy un apasionado de todo lo que tenga
que ver con la realidad virtual, así que
la idea de que Spielberg realizara una
cinta sobre esto me llamó mucho
la atención”, agrega Tye Sheridan.
Sheridan personifica a Wade Watts,
el jovencito protagonista de la aventura
distópica y actor que se enfrentó a una
pugna entre miles de contendientes para
obtener el anhelado rol en la cinta, algo
similar a lo que enfrenta Wade en el
relato base de la película.
“Envié mi audición pero mi agente
me advirtió que habría escasa o casi nula
oportunidad de que yo me quedara con
el personaje. Entendí su aviso, por lo que
pensé que lo mejor que me podría pasar
era ver Ready Player One en el cine y
disfrutarla como cualquier espectador,
pero al poco tiempo mi representante por
fin me llamó para pedirme otra grabación
en donde ampliara la magnitud de mi
actuación, que la hiciera más retórica.
Así lo hice y después me invitaron a
Los Ángeles para que leyera con Olivia
(Cooke), quien ya estaba contratada.
Les marqué a mis papás y les anuncié que
audicionaría para una película de Steven
Spielberg. Nada más por este proceso
valdría la pena la experiencia de Ready
Player One. Días después me confirmaron
que interpretaría el personaje de Wade”,
recuerda Sheridan, a quien también
veremos de nueva cuenta como Cyclops
en X-Men: Dark Phoenixx este otoño.
QUIZÁ LA ACTRIZ más conocida
de la cuadrilla juvenil era Olivia Cooke,
quien fue la primera del grupo en ser
elegida. Originaria de Inglaterra, Cooke
ganó popularidad gracias a su
intervención en Me and Earl and the
Dying Girl,l dirigida por Alfonso
Gomez-Rejon, y que se convirtió en uno
de los éxitos inesperados de 2015.
Cooke también tuvo una participación
memorable en el serial televisivo
Bates Motel; sin embargo nada la habría
preparado para ser la protagonista de una
producción dirigida por Steven Spielberg.
“Lo que aprendí al hacer Ready
Player One fue a ser paciente y estar lista
para interpretar el personaje en todo
momento. Cuando laboras en una
película independiente tienes un plan
de trabajo muy apretado, por lo que las
escenas se realizan de acuerdo a un
estricto calendario. Pero en una cinta
con las características de ésta puedes
estar trabajando en cinco unidades
distintas a la vez: tienes que estar todo
el tiempo alerta”, recuerda.
Y aunque fue la primera actriz
confirmada, también pasó por un proceso
de casting “peculiar”, como la propia
intérprete lo define. “Primero fui
convocada a tener una entrevista con
Steven Spielberg, al siguiente día tuve
una serie de pruebas con distintos chicos
y luego volé a Nueva York para hacer lo
mismo. Tres días después me avisarían
que el personaje de Samantha era mío”,
expone Cooke.
Por último, Waithe resumió la
experiencia de colaborar con colegas
relativamente novatos bajo las órdenes
de Spielberg: “Lo increíble de todo esto es
que Steven provee de una atmósfera
confortable para trabajar a pesar de la
dimensión de la producción. Es un
gigante que nunca te hace sentir
pequeño”, concluye la actriz.
UNA LEYENDA QUE
CONTINÚA
REINVENTÁNDOSE.
De principio, Steven Spielberg realizaría
Ready Player One antes que The Post; sin
embargo la urgencia manifiesta de éste
último proyecto le obligó a posponer el
desarrollo de la adaptación de la
aclamada novela de Ernest Cline durante
unos meses.
MARZO 2018 95
 “Estábamos en proceso de
preproducción. Prácticamente listos
para iniciar rodaje; sin embargo, un día
llegaron Tom Hanks, Meryl Streep y un
grupo de productores para platicarme
todo sobre The Post. Consideramos que
teníamos que hacer esa película primero,
pues el panorama político lo dictaba de
esa manera. Hablé con los involucrados El libro analógico
en Ready Player One y juntos que inspiró a esta
determinamos que postergaríamos sólo historia sobre
unos meses la realización. Hubo un gran realidad virtual / La
sentido de comunidad”, le confiesa sangre siempre
Spielberg a EMPIRE al hablar sobre será real / Otro
su apretada agenda de trabajo. avatar guapo /
¡Fuego! / El avatar
UNA DE LAS estrena vehículo.
CARACTERÍSTICAS ineludibles
a las que te enfrentas a la hora
de entrevistar a Spielberg es su carácter
honesto y directo al responder cada uno
de los cuestionamientos. Esta ocasión
no fue la excepción.
“Encontré en Ready Player One
un relato fascinante. Es una cinta
de aventuras que se aproxima a una
temática que me cautiva, la realidad
virtual, además de ser una historia
repleta de referencias a la década
de los 80”, amplía el realizador sobre
los motivos que lo llevaron a reimaginar
el bestseller de Cline como un gran filme
con estas dimensiones. “Y bueno, también están
“Muchos piensan que pasé la década Ben Mendelsohn, como un estupendo
de los 80 trabajando. Y tienen razón. villano, y Mark Rylance, con quien
Sin embargo, soy un hombre demasiado trabajaría en todas mis películas.
curioso, voy constantemente al cine Ahora estoy en un punto en mi
y veo televisión todo el tiempo, por lo carrera donde lo que más disfruto
que siempre estuve al pendiente de lo es dirigir en el set. Antes, el proceso que
que los demás hacían. No me costó más me gustaba era el de edición,
ningún trabajo poder enfrentarme el entrar a la habitación de montaje
a esas alusiones de la época” añade. en compañía de mi editor y armar la cinta
Spielberg cree también que en cuestión; aunque algo me ha sucedido
la realidad virtual como medio en los últimos años. Tal vez tenga que ver
de esparcimiento tiene que evolucionar con la noción de la relajación,
un tanto, pues al tener la opción que disfruto mucho todo el trabajo
de una banda de 360 grados es difícil en el set”, reflexiona.
que el espectador pueda seguir el punto Antes de terminar la entrevista,
de vista sugerido por el director; aunque Spielberg confesó que se encuentra listo
considera posible que en un futuro para iniciar rodaje de la quinta película
cercano se puedan hacer ficciones de Indiana Jones para, casi de inmediato,
con este procedimiento. emprender la realización de una nueva
“A pesar de la temática, versión de West Side Story.
Ready Player One es una clásica
cinta de entretenimiento. Es el sueño
de un chico con escasa oportunidad
de convertir en realidad sus anhelos.
Disfruté enorme trabajar con jóvenes, READY PLAYER ONE ESTARÁ EN CINES A
creo que todos son muy talentosos. PARTIR DEL 29 DE MARZO.

96 MARZO 2018
MARZO 2018 97
98 MARZO 2018
 ESPECIAL DE ANIVERSARIO

n crimen
RESERVOIR DOGS NO H A PER DIDO NI
U N POCO DE SU AGUDEZA. ESTA ES L A
HISTOR I A COMPLETA TR AS EL DEBUT
DE QUENTIN TA R A NTINO, CONTA DO
POR QUIENES ESTU VIERON A HÍ.
ENTREVISTAS NICK DE SEMLYEN, CHRIS HEWITT, DAMON WISE

MARZO 2018 99
Michael Madsen no
siente nervios como
Mr. Pink / La escena
clásica con los
Perros de Reserva a
todo color /
Relajándose en la
oficina Joe Cabot
(Lawrence Tierney)
y Nice Guy Eddie
(Chris Penn) /
Quentin Tarantino
como Mr. Brown.

Lawrence Bender (productor): Conocí a Quentin en una fiesta de verano.
Después nos topamos en la fila para la proyección en 3D de House of Wax.
Ya había escrito un guion llamado True Romance y me dijo: “Después voy a
hacer uno sobre un robo de joyas”.
Roger Avary (amigo de Tarantino/coguionista de Pulp Fiction):
Quentin y yo estábamos tratando de realizar True Romance, con él
dirigiendo y yo produciendo, pero nos topamos con puros obstáculos. Un
día, mientras caminábamos por la Miracle Mile de Los Ángeles, dijimos que
sería más fácil y barato hacer cortos, y que si conseguíamos a tres
realizadores y cada uno hacíamos un corto neo-noir de gánsteres,
podríamos juntarlos en una película de antología.
Escribí un guion sobre un boxeador que se niega a perder una pelea y
Quentin escribió uno acerca de un policía encubierto. De su guion surgió
Reservoir Dogs.
Bender: Quentin escribió todo en tres semanas y cuando lo leí no daba
crédito. Era alucinante. El plan era filmar en blanco y negro con 16 mm. Yo
iba a interpretar a Nice Guy Eddie y la haríamos con 50,000 dólares, pero le
dije que me dejara tratar de conseguir más dinero. Me respondió: “Ya lo
intenté y estoy harto de ello. No voy a esperar años para hacer esta
película”. Le pedí que me diera dos meses. Tuve unas reuniones muy locas,
como una donde un tipo me dijo que lo harían si su novia interpretaba a Mr.
Blonde. Depués un amigo me presentó a Monte Hellman.
Monte Hellman (productor ejecutivo): Me pidieron dirigir Reservoir
Dogs y se organizó una reunión en una heladería de Hollywood Boulevard.
Quentin empezó diciendo que él quería dirigir el filme. Para cuando
terminamos nuestros sundaes, Tarantino ya me había conquistado y accedí
SPREAD ANTERIOR: LINDA R. CHEN
a ayudarlo.
David Wasco (diseñador de producción): Monte es un director icónico
que había realizado algunas de nuestras cintas favoritas, como Two-Lane
Blacktop. Que se hiciera a un lado para dejar que Quentin dirigiera fue muy
amable de su parte.
Ronnie Yeskel (directora de casting): Cuando me dieron el guion y
comenzamos el casting, los agentes no me respondían. Después el guion
llegó a la calle y los actores comenzaron a leerlo y se volvió una locura.
Tim Roth (Mr. Orange): Cuando vine a Estados Unidos me conseguí un
agente, y uno de los guiones que me dejó fue Reservoir Dogs. Alguien había
escrito en la portada: “Échale un vistazo a Pink y Blonde”. No sabía qué
significaba eso. Pero en cuanto lo abrías sabías que no necesitabas esperar
al final para ver cómo terminaba tu personaje. Esto era algo especial.
Yeskel: Nos divertimos mucho audicionando, porque Quentin había
trabajado en una tienda de videos. Si tenías algo de cinemático, él lo sabía
y te lo sacaba. La única vez que pude engañarlo
fue cuando traje gente del teatro. Pero fue un
proceso maravilloso. Todo mundo vino a mi
oficina en 20th Century Fox... y me refiero a que
vino (George) Clooney.
Quentin había visto algo que George y yo
habíamos hecho y se llamaba Red Surf, era sobre
dos detectives en jet skis. A Quentin le encantó,
por supuesto.
Michael Madsen (Mr. Blonde): Hice un filme
llamado Kill me Again con Val Kilmer. Y hay una
secuencia donde tengo a un tipo amarrado a una
silla y lo golpeo con un bat. Recuerdo que
Quentin me contó que la vio y por eso me
consideró para el personaje de Mr. Blonde, pero
después me confesó: “¡Nunca he visto esa jodida
película!”.
Bender: Hacia el final del casting volamos de
madrugada a Nueva York para ver actores allá. Yo
interpretaba al policía, así que cualquiera que
viniera me golpeaba. Es Nueva York, son actores
de método, así que todos traían un arma o un
cuchillo. Me decían que no me preocupara, que
no tenían balas. Y luego llegó Steve Buscemi.
Yeskel: Quentin quería interpretar a Mr. Pink.
Pero no lo dejamos.
Steve Buscemi (Mr. Pink): Sé que Quentin
escribió el personaje para él mismo. Mr. Pink
parecía como un tipo que tenía su manera de
hacer las cosas. Tenía ideas definidas en la
cabeza: “No doy propinas. No me gusta el rosa.
Soy un profesional”. Cuando leí el guion por
primera vez, de verdad creí que lo había escrito
alguien como Eddie Bunker, quien terminó en la
cinta como Mr. Blue. Él era real: un exconvicto
que realizó algunos robos cuando era joven.
Pensé que lo había hecho alguien de cuarenta y
tantos, un exconvicto que sí había sido parte de
esa vida.
Roth: La primera vez que nos juntamos todos
fue para una cena en la casa de playa que rentaba
Harvey Keitel. Recuerdo que Eddie Bunker miró
a Lawrence Tierney de arriba a abajo. Después le
pregunté a Eddie por qué había hecho eso. Me
dijo: “Sólo trataba de ver si yo le había puesto
alguna de esas cicatrices en la cabeza”. Habían
tenido un par de encontronazos en el pasado.
Bender: Estábamos a punto de inicar el proceso
de preproducción y luego Quentin recibió una
llamada de Sundance para decirle que lo habían
aceptado en el Filmaker Lab. Yo mantuve el
fuerte mientras él se fue para allá.
Fue grandioso porque Terry Gilliam y otras
personas extraordinarias fueron sus mentores.
Para cuando volvió, a un buen amigo nuestro lo
despidieron de una cinta que estaba dirigiendo.
Sólo podíamos pensar en eso. Quentin
compartió: “Si puedo hacer esto y nadie me
despide, sé que haré una buena película”.
MARZO 2018 101
 Andrzej Sekula (director de fotografía):
Conocí a Quentin a las tres de la mañana. Volaba
a Polonia, me dirigía hacia allá para el funeral de
mi padre, y me dio un aventón al aeropuerto. Era
un auto muy pequeño. Él apenas cabía porque es
de buen tamaño y tuvimos que quitar papeles
para meternos. Nadie sabía quién era yo.
Acababa de terminar la escuela de cine. Cuando
les pregunté por qué me contrataron me dijeron
que fue porque propuse filmar con película ISO
50, lo cual era inusual porque todos querían usar
películas rápidas y cámaras en mano. El 50 es
muy, muy lento y por lo general usado sólo para
escenas brillantes de día. Pero a Quentin le gustó
por lo atrevido.
Wasco: Hizo que la cinta fuera tan colorida, casi
como un cómic.
Bender: La película requiere una cantidad
enorme de luz. Así que en cada set teníamos
luces masivas que iluminaban por las ventanas.
Todo era megacaliente pero se veía alucinante.
Betsy Heimann (diseñadora de vestuario):
Quentin me mostró muchas películas, sobre todo
cosas francesas de gánsteres. Una de ellas era un
drama en un juzgado y todos los criminales
estaban sentados vistiendo trajes. Eso me dio la
idea de que los Perros de Reserva querían
anonimato, y cualquiera que saliera de la cárcel
podía ir a una tienda de segunda mano y
comprarse un traje negro. Yo sólo tenía 10 mil
dólares para trabajar, así que fue una suerte que
Harvey Keitel consiguiera su propio traje de
Agnès B, una diseñadora francesa que era
fanática de los filmes.
Roth: Veía el traje de Harvey y le dije: “¿Qué
demonios? Ese es un buen traje”. Cuando
comencé sólo tenía uno muy malo para las
ceremonias de premiación. A la mitad del rodaje
Harvey me compró mi primer traje decente
porque es un caballero.
Wasco: Quentin estaba muy preocupado por los
detalles menores. Quería notas a mano sobre las
puertas, chistes para sus amigos de la tienda de
videos en la que trabajaba. Creo que una decía:
“Aguas con la cabeza, Tony”. También ordenó el
póster del Silver Surferr del cuarto de Mr. Orange.
Bender: Quentin estaba tan cansado de los
preparativos que no podía esperar a empezar la
filmación. El primer día, de camino a la locación,
desayunamos en un lugar de hamburguesas. Así
empezó todo.
Sekula: Los primeros tres días del rodaje fueron
la escena de la cena. Eran como 17 páginas de
diálogo, sólo cabezas parlanchinas. Tuvimos una
102 MARZO 2018
El Mentor
Terry Gilliam, alias Nice Guy Terry,
sobre su papel en la génesis de
Reservoir Dogs.
“El Instituto Sundance da a los
jóvenes la oportunidad de realizar una
escena de la película en la que
trabajan y llevan a profesionales
—algo que aparentemente pensaron
que yo era— para darles
retroalimentación. Así que yo estaba
allí (en el June Film Lab de 1991) con
Stanley Donen, el director de Singin’ in
the Rain, y Volker Schlöndorff,
realizador de The Tin Drum. Quentin
ya había filmado un demo: era muy
ambicioso lo que trataba de hacer. Y
también me soprendió el guion. Desde
ese momento pensé que su manera
de escribir era increíble.
“Quentin llevaba allí una semana
con otro grupo de profesionales que
le habían echado mierda y estaba
muy deprimido —no diré nombres,
aunque uno de ellos era un director
británico bien conocido—. Pero yo
estaba muy entusiasmado, así que
me dio crédito y nos hicimos amigos.
No fue como que le enseñara nada,
sólo hablamos sobre algunas de mis
experiencias y mi actitud de no
aceptar compromisos y pelear y creer
en uno mismo.
“Me pareció que la película final
te dejaba sin aliento. No había tenido
contacto con él en años, pero cuando
nos juntamos me encantó su energía.
Pensé que era un obsesivo, que
estaba decidido, que era gracioso y
que con un guion como ese, algo iba
a suceder. Quizá sólo reconocí el
mismo tipo de energía que yo tenía. Si
eres así de determinado y talentoso,
llegarás lejos. Y luego nos borró a
todos del planeta”.
 larga reunión para hablar sobre cómo acomodar la cámara. Recuerdo
proponer una toma que fuera dando vuelta y se enfocara en una persona a
la vez. Quentin le dio un nombre chistoso: “pay de manzana”, porque es
redondo y lo filmaríamos en pedazos.
Roth: Fue difícil y tomó mucho tiempo, pero fue genial. Hablaban de cosas
que no estaban relacionadas directamente con la trama, pero sí con el
personaje.
Sekula: La única persona que supo lo que teníamos durante unos días fui
Explicando el plan
yo. Los demás estaban tensos. Al final del tercer día llegó la hora de ver las
maestro / Tim Roth
tomas diarias y fue la primera vez que me preocupé mucho. Cuando
en su tierna juventud /
intentaba hablar con alguien en el estacionamiento, se alejaban. Nadie
Esos muchachos no
quería hablar conmigo. Pensé que estaban cansados. Después en el cine
se sabían llevar bien /
Un policía entre
nadie se sentó cerca de mí. Mi asistente me preguntó si nos iban a despedir.
bandidos.
Cuando comenzó la proyección el cambio de humor fue extraordinario. Se
veía bien. La actuación era buena, los colores eran buenos y todo
funcionaba. Nos tomamos un whiskey.
Buscemi: Quentin era muy específico sobre lo que hacía la cámara.
Recuerdo que una toma en particular era un movimiento vertical y lento
sobre Mr. White, donde escuchas a Mr. Pink hablando fuera de cámara. El
productor, el supervisor de guion y el director de arte decían: “¿Por qué no
cubres la parte de Mr. Pink en la escena para que la tengas en el cuarto de
edición?”. Quentin respondió: “No, nunca la usaré. No quiero perder
tiempo filmándola”. Yo pensé: “Wow, este tipo está dirigiendo por primera
vez y ya está muy seguro de lo que hace”.
Wasco: Nada fue filmado en un estudio. La mayor parte del dinero fue
gastado en la bodega: era una calle bulliciosa en la zona Highland Park, en
Los Ángeles, así que construímos una pared a prueba de ruido de la altura
del edificio. La pintamos de verde porque es el color opuesto al rojo sangre.
Sekula: Era un lugar triste. Era una funeraria usada para embalsamar con
químicos y estaba por ser demolida. No fue fácil filmar allí durante tres
semanas: terminabas emocionalmente agotado.
Kirk Baltz (Marvin Nash): Estaba en medio de la nada y no había mucho
qué hacer. Un día le pedí a Michael que me pusiera en la cajuela de su auto.
Me llevó hasta su Cadillac amarillo, a un lado de los demás tipos que
estaban fumando, y les dijo: “Miren esto”. Después me metí en la cajuela y
él condujo durante unos 20 minutos. Fue un gran paseo.
Bender: Alguien del vecindario nos reportó porque habían visto a los
actores sacando a un tipo de la cajuela. Cuando los policías llegaron, Harvey
Keitel y Michael Madsen estaban recargados en la bodega sin camisa.
Buscemi: La policía llegó a la locación y la checó. Alguien había reportado
que algo pasaba, pero éramos nosotros ensayando.
Wasco: Para la escena con los créditos iniciales hicimos que los tipos
caminaran frente a una pared de ladrillos terracota. Era el muro del
costado de un boliche.
Roth: Yo nunca supe bien qué ocurría. Sólo caminábamos. Quentin
contaba chistes. Cuando escucho que empieza a rodar la cámara lenta, lo
que trato de no hacer es actuar en cámara lenta. Es una cosa psicológica
muy rara.
Heimann: Es una imagen icónica: todos paseando en sus trajes. Claro que
podrías haber hecho que sostuvieran un globo rojo y, al hacerlos caminar
por la calle, todos habrían querido un globo rojo.
Sekula: La hicimos como si fuera una película de
fiestas, no una violenta. Como si al Pato Donald
le pasara una aplanadora encima o algo.
Robert Kurtzman (artista de maquillaje de
efectos especiales): Calculo que usamos 40
litros del rojo favorito de Quentin, hecho con
jarabe de maple. Créeme: era sangriento.
Bender: En las películas exorcizas tus demonios
en un ambiente controlado. Quentin no es una
persona violenta, pero usa una paleta de colores
violentos en la pantalla.
Roth: Acostado en un charco de sangre me quejé,
porque eso es lo que hacemos los actores. Era
difícil levantarte del piso y te quedabas pegado
en las sillas si te sentabas, pero al final del día te
limpiaban con una manguera y te echabas una
cerveza.
Baltz: Supongo que estuve en esa silla una
semana, con Michael cortándome la oreja. Me
pusieron una falsa sobre la verdadera, había un
tubo en mi espalda hasta la herida y un tipo
detras de mí bombeando para que salpicara la
sangre.
Kurtzman: Para lo de la oreja básicamente hice
lo que en Phantasm II. No fue difícil. Sólo
necesitaba que fuera realista.
Madsen: Mr. Blonde hablándole a la oreja
cortada no estaba en el guion. Lo hice en el
momento porque estaba nervioso. Sólo hubo una
parte con la que tuve problema. Cuando
ensayábamos la escena, Kirk comenzó a gritar:
“¡No me quemes, soy padre, tengo hijos!”. Dije:
“¿Sabes qué, Quentin? He interpretado villanos y
seré un mal tipo, pero tengo que pintar una raya
en algún lugar. Si comienza a decir que tiene
hijos no hay manera de que vaya a soltar el
Zippo”. Al final, no tuve que hacerlo.
Roth: La mujer a quien le dispara Mr. Orange era
mi entrenadora de dialecto, Suzanne. Le conté:
“Por favor, yo quiero matarla”. Y Quentin
respondió: “¡Con gusto!”. Nazis de dialecto, los
llamo yo.
MARZO 2018 103

Karyn Rachtman (supervisora de música): La productora Stacey Sher
me dijo: “Quentin ya tiene a una supervisora, pero ella le dice que no puede
usar canciones de los 70 y la canción que en definitiva debe tener es ‘Stuck
in the Middle with You', de Stealers Wheel”. Fui a reunirme con él y
supongo que yo era muy arrogante en esa época porque le dije que no se
preocupara, que se la conseguiría.
Baltz: Hubo un día en el que volvía a casa y esa canción estaba en la radio.
Me sacó de onda.
Rachtman: Tuve largas conversaciones con Joe Egan, que no quería
licenciar la canción. Era un tipo muy religioso y básicamente le estábamos
pidiendo que nos diera su mayor éxito sin pagarle y para una escena en la
104 MARZO 2018
que a un tipo le cortan la oreja. Tuve que rogarle
hasta conseguirla. Harry Nilsson fue más fácil
—sugerí ‘Coconut’ para los créditos finales— y
vino a ver la cinta una noche. Al final se levantó y
gritó: “¡El crimen no paga!”. Jugando a
Steven Wright (la voz de DJ K-Billy): Mi encajuelar al amigo
amiga Sally Menke editaba ese filme y me / Un poquito furioso
propuso cuando estaban cortándolo. Estuve en el / Córtalas para
estudio unas dos horas diciendo las líneas de DJ siempre / El último
K-Billy una y otra vez. Recuerdo atorarme con hombre de pie / Un
una palabra, así que repetimos todo varias veces, bulto de sangre.
pero Quentin eligió justo el corte donde me
había bloqueado. Siempre me pareció que eso era
interesante.
Rachtman: Terminamos consiguiendo todas las
canciones que queríamos, y el disco las pagó.
Desde crear la estación K-Billy’s Super Sounds of
the ‘70’s en el filme hasta la manera en que usaba
las canciones, Quentin era jodidamente
fenomenal. Fue una gran lección de menos es
más porque no había música todo el tiempo.
Cada canción tenía su por qué.
 El famoso Fan
Ben Wheatley, alias Mr. Wheat,
director de Free Fire, habla de
cómo lo sorprendió el debut de
Quentin Tarantino.
“Reservoir Dogs me llegó en el
momento perfecto. Y cuando pienso
en lo que estaba viendo en esa
época, me hace sentido. Acababa de
echarme todas las películas de John
Woo, como The Killer y Hard Boiled;
Violent Cop, de Takeshi Kitano; hasta
Jean-Luc Godard. Y había influencias
poco conocidas como Straight Time,
una neonoir con conexión a Eddie
Bunker, y Charley Varrick, una cinta
maravillosa de crimen sobre
profesionales. Entendía todas las
referencias y todo parecía juntarse en
este filme.
“Me enteré de ella cuando la vi en
la portada de Sight & Sound y
comencé a seguirla durante un año
hasta que se estrenó. Finalmente la vi
en el Odeon, en Brighton, donde
estudiaba. La taquillera tenía un
parche de Reservoir Dogs y le
pregunté si me lo daría y lo hizo. La
película no me decepcionó. Hay una
dureza y crueldad en sus
producciones que otros directores de
esa época no tenían, y hay algo en las
actuaciones que es sólido y creíble,
aunque sea un mundo ligeramente
alterado. Me la creí por completo.
“Solíamos escuchar mucho el
álbum y era lo bastante bueno como
para sentir ansiedad por Pulp Fiction.
Fue aterrador. Sin embargo, creo que
Dogs es mi favorita de sus películas.
Quizá porque fue la primera y, de
cierta forma, la más pura”.
Roth: Hicimos el circuito de festivales y
gradualmente veías como iba tomando impulso.
Cannes, España… Comenzó a capturar la
imaginación de la gente. La película iba y venía,
pero se les quedaba en la mente.
Baltz: La primera vez que la vi fue en el estreno
de Nueva York. En mi gran escena muchos se
tapaban los ojos con las manos, pero vi cómo los
dedos se entreabrían.
Heimann: No me había dado cuenta de que sería
tan divertida. Eso es parte del genio de Quentin
—a pesar de la sangre, hay humor—.
Wright: Cuando la película se estrenó hice una
presentación stand-up en Londres. Después
estaba en un bar y un tipo se me acercó y
comenzó a decirme cosas locas. Puse cara de
“¿qué demonios?”, pero la chica con quien yo
estaba me dijo que estaba diciéndome diálogos
de la película. ¡Y yo creí que estaba loco!
Bender: He conocido a mucha gente que la vio
cuando era adolescente y le inspiró. Es una gran
ópera prima. Es como una tragedia griega.
Sekula: La gente todavía me pregunta quién le
disparó a Nice Guy Eddie. No sé la respuesta. Es
lo mismo con Pulp Fiction. Me dicen: “Es oro” o
“es un alma”. Yo les digo: “No, es lo que el de la
iluminación puso ahí”.
Rachtman: Hice muchas pistas sonoras
después. Trabajé con Baz Luhrmann en Romeo +
Juliet y Moulin Rouge, y también hice Clueless,
Reality Bites y Boogie Nights. Obtuve todos esos
filmes por Quentin.
Buscemi: Reservoir Dogs todavía sale a relucir
de las maneras más inesperadas y sutiles. Mandé
hacer algunas cosas en casa de mi mamá y el
contratista me hizo firmar algo y no tenía un
marcador amarillo sino uno rosa. Pude darme
cuenta de que le dio pena usarlo. Obviamente no
dije nada, no insinué nada. Sólo yo entendí y sé
por qué fue.
MARZO 2018 105
 Ambición café
“En esos días, Quentin estaba eufórico por poder hacer lo que tanto
quería. Volaba en adrenalina. No sólo estaba haciendo una película, sino
saliendo en ella. Todos sabíamos, tanto en Reservoir Dogs como en Pulp
Fiction, que en realidad era un actor terrible. Pero a él no le importaba.
Sabíamos que apestaba, él sabía que todos lo notábamos y de todos
modos quiso hacerla”.

106 MARZO 2018

 LINDA R. CHEN, CINEM ATÓGR A FA DE L A U NIDA D,
FOTOGR A FIÓ A TODOS Y NOS COMPA RTE EN
EXCLUSIVA IM ÁGENES CÁ NDIDAS Y R ECUER DOS DEL
SET DE RESERVOIR DOGS.

POR NICK DE SEMLYEN FOTOGRAFÍAS LINDA R. CHEN

Jugar
con armas
“Parece que Tim Roth se
encontraba tan aburrido que
estaba a punto de
suicidarse. Puedes ver al
encargado de los props tras
él buscando algo. Después
en la toma, cuando estaba
en la bodega cubierto en
sangre falsa, todos se iban
a comer y él se quedaba y
gritaba: ‘¡Maldita sea!
¡Sáquenme de aquí!’. Luego
se desabotonaba la camisa
y caminaba diciéndole a
cualquier mujer que se
encontrara: ‘Sí, ya sé que
tengo el cuerpo de un chico
de 12 bien desarrollado’”.

Modales en la mesa
“Para la escena del desayuno, que fue filmada al
principio, Lawrence Tierney no pudo recordar sus
diálogos, o quizá se equivocó porque quería
hacerle la vida difícil a Quentin —supongo que lo
consideraba un pelagatos—. Eventualmente
Quentin lo llamó y le dijo que lo iba a golpear si
no lo hacía bien. Lawrence lo empujó, hubo
gritos. Quentin vovió a amenazarlo y lo llamó
jodido gordo. Al final, Harvey Keitel tuvo que salir
de personaje para calmarlos”.

MARZO 2018 107


Festín de sangre
“Muchas de mis fotos no fueron publicadas
porque eran muy sangrientas. Pero aun con
las escenas finales, la experiencia de
tomarlas fue emocionante y divertida, y me
dio lástima el tipo que interpretó al policía.
Atado con los brazos atras, cubierto de
sangre y gasolina falsa, es el héroe no
mencionado de la película”.
108 MARZO 2018
Magic Mike
“Este es Michael Madsen con el
productor ejecutivo, Richard
Gladstein. Su camisa tenía que ser
navajeada un poco para que los
pequeños explosivos salieran y no
implotaran en su cuerpo. Michael, a
quien le encantaba coquetear, me
apuntaba con su pistola de utilería.
Básicamente estaban aburridos.
Son niñitos y están aburridos. Con
una película de ensamble, en
especial una con puros tipos, todos
tratan de superar a los demás,
todos quieren atención porque son
actores. Y Michael era el ganador,
sin duda”.
Enfrentamiento despechugado
“Ese es Lawrence en shorts y se ve ridículo porque hacía mucho calor.
Los actores querían esperar hasta el último segundo para ponerse su
vestuario. Y quizá su ropa se estaba apelmazando. Harvey no se
quitaba la suya porque es un actor de método. Sólo puede entrar al
personaje cuando se pone la ropa y zapatos del personaje”.
 Mentalidad
de jauría
“Este es uno de los
pocos momentos en
que todos están
juntos. Y el hecho de
que estén fuera, no
dentro del set, lo hace
sentir como agrupar
gatitos —no perros—.
Tuve una experiencia
similar con The Usual
Suspects, en la sala
de identificación, con
todos esos tipos
haciendo burradas.
En Reservoir Dogs
todos se daban
cuerda —como no
El humilde Harvey estábamos grabando
sonido, las cosas
“Creo que a Quentin le encantaba Harvey. Harvey es un terminaron siendo
tipo derecho, no le gusta presumir. Su hija, Stella, quien muy estúpidas—. Yo
tenía seis años en esa época, se sentaba callada en el diría que Tim era el
set y miraba. Le tomé algunas fotos y cuando Harvey más pícaro. Era su
las recibió al final me llamó para agradecérmelo, algo humor británico y su
que ninguna estrella hace. Pero como es tan de tamaño, porque los
método, no quiere a nadie que no esté en la película en perros más chicos
su línea de visión. Recuerdo que tenía que esconderme son siempre los que
detrás de cosas cuando realizaba sus escenas”. dan más lata”.

MARZO 2018 109

 DESPUÉS DE RESERVOIR DOGS, MICH A EL M A DSEN SE
CON VIRTIÓ EN EL ACTOR DE R ESPA LDO DE TA R A NTINO. ESTA
A MISTA D COMENZÓ CON U NA OR EJA CORTA DA.
POR DAMON WISE
“ESTO ES ALGO QUE TIENES que ver,
¿ok?”. Michael Madsen saca su iPad. “Este es
Charles Bronson en un jodido comercial de 1976
para perfume, ¿ok? Tienes que ver esto. Es
increíble. Es muy divertido”, nos dice riendo. En
la pantalla una imagen medio borrosa cobra vida.
Bronson mira a un pianista de bar con corbata de
moño, pasa por el típico conserje del Bronx y
entra en un taxi que lo lleva a su departamento
de soltero. Solo en su espacio, la estrella de Death
Wish se arranca la camisa y la lanza al aire (no la
vemos caer) y liberalmente se echa cantidades
ridículas de una loción japonesa para después de
afeitarse, llamada poco atractivamente Mandom.
“Mira lo rápido que va”, señala Madsen. “Ahí
está. ¡Mira a ese cabrón! ¡Mira a ese cabrón!”.
Aunque cumplió 60 este año, el tipo duro de
la pantalla se ve más joven y amable en vivo. Su
voz, aunque ruda, es más suave de lo que
110 MARZO 2018
esperarías, al igual que su cara, que sugiere cómo
el tiempo podría haber sido más gentil con
Mickey Rourke. Además es modesto y le dedica
la entrevista a alguien más. “¿Recuerdas cuando
Budd sacó su espada?”, pregunta refiriéndose al
asesino samurái que interpretó en Kill Bill Vol. 1
y Vol. 2, también de Quentin Tarantino. “En la
espada decía: ‘Para mi hermano Budd, el único
hombre a quien amé’. Bueno, debería haber una
que diga: ‘De mí para Quentin, el único hombre a
quien amé’. Quiero que quede por escrito”.
Este amor se remonta a 1991, cuando
Madsen recibió el guion de la primera película de
Tarantino, Reservoir Dogs, la historia de unos
gánsteres con nombres en clave de color que se
esconden en una bodega después de que un
asalto a una joyería resulta muy sangriento.
Harvey Keitel ya había aceptado y Madsen
quería trabajar de nuevo con él después de haber
MARZO 2018 111
 filmado Thelma & Louise el año previo, donde
interpretó al novio músico de Louise, Jimmy,
cuyas pocas escenas con el detective Hal
Slocumb (Keitel) fueron cortadas de la película.
Sus agentes, sin embargo, no estaban tan
entusiasmados. “Me dijeron que nadie conocía a
Quentin, que no tenía dinero y que debería
rechazarlo”, recuerda Madsen. “Y yo les comenté
que no iba a rechazarlo y que los despediría a
todos. Que se podían ir todos al demonio porque
Harvey Keitel es Mr. White y yo voy a filmar con
Harvey Keitel”.
Aunque le habían ofrecido el papel del
psicótico Mr. White, Madsen tenía uno distinto
en mente. “Yo quería ser Mr. Pink porque él tenía
muchas más escenas con Harvey. E insistí en
ello, ingenuamente”, recuerda. Al fin lo llamaron
para leer con Tarantino y Keitel en 20th Century
Fox, en Los Ángeles. “Fue cuando conocí a
Quentin. Estaba de pie y Harvey sentado con los
pies descalzos por alguna razón. Y Quentin me
comentó: ‘Ok, veamos qué puedes hacer’. Yo
había memorizado todo lo de Mr. Pink, ¿ok? Al
terminar, Quentin me miró y dijo: ‘La cosa es que
no eres Mr. Pink, sino Mr. Blonde. Y si no eres
Mr. Blonde no estarás en la película’”.
Madsen mueve la cabeza. “Acepté el rol a
regañadientes”, confiesa, “el cual literalmente
me dio una carrera en la industria del cine. He
hecho como 200 filmes, y los únicos de los que
todos quieren hablar son de los que hice con
Quentin, sobre todo Dogs”.
DESDE ENTONCES, MADSEN ha
estado en todo el mundo, algo que todavía lo
sorprende. “Soy un chico de clase trabajadora de
Chicago”, cuenta. “Fui mecánico de autos,
¿sabes? Mi padre era bombero y quería que yo
también lo fuera. O policía”.
Su primera gran oportunidad llegó cuando
acompañó a un amigo que audicionó para la
película WarGames (de 1983), de John Badham,
pero Madsen fue pescado por el agente de
casting. “Me preguntó si había pensado en ser
actor y le dije que no, que me gustaban
Humphrey Bogart y Robert Mitchum y entendía
lo que hacían. Me dijo que si iba a Los Ángeles o
Nueva York podría trabajar como actor. Le
respondí que tenía como 400 dólares en mi
cuenta, así que la posibilidad de que eso
ocurriera era inexistente”.
Sin embargo, Madsen le dio un número de
contacto —su hermana menor, Virginia (“Quien,
tú sabes, fue nominada por Sideways”) había
actuado un poco—, así que Michael escribió los
detalles del agente de ella. “Y como una semana
después, mi hermana (quien había hecho teatro
durante toda la prepa, cantaba telegramas y
tomaba lecciones de voz, con pósters de Marilyn
Monroe en su cuarto mientras yo robaba autos y
hacía cosas malas), me preguntó si había
112 MARZO 2018
conocido a alguien de cine en Los Ángeles. Le
confesé que sí y me contó que su agente quería
hablar conmigo”.
El trabajo involucraba una pequeña escena
al principio de la cinta. Madsen interpretó a un
soldado en un depósito de misiles; él y su amigo
tenían que girar una llave de manera simultánea
para lanzar un misil balístico, pero su compañero
se echa para atrás. Le ofrecieron pagar el vuelo a
Los Ángeles, hospedarlo en un buen hotel y
pagarle 900 dólares por todo. Madsen estaba
encantado. “¡Qué demonios! ¡No lo podía creer!”.
DESPUÉS DE WARGAMES, a Madsen se
le abrió un mundo nuevo. “No quería volver a
Chicago”, gruñe. “De ninguna jodida manera. Así
que compré un periódico y busqué trabajos
porque sabía que podía conseguir uno en
cualquier gasolinería del planeta, y solicitaban a
un encargado en Beverly Hills. Así que al
segundo día de llegar a California fui allí, pedí el
trabajo y me contrataron”.
Madsen continuó despachando gasolina
hasta que le ofrecieron el rol de Jimmy en
Thelma & Louise. “Le dije a mi jefe que iba a
hacerla y me respondió: ‘¿Por qué no nos dijiste
que eras actor cuando te contratamos? Maldita
sea, te necesitamos aquí, así que decídete. La
posibilidad de que lo logres es una en un millón.
Están todas esas estúpidas series de tele para las
que has pedido permiso, ¿y ahora quieres hacer
una película?’. Le dije que sí y entonces me
despidió”.
Thelma & Louise le cambió la vida, pero
Madsen será recordado por sus colaboraciones
con Tarantino. Y aunque no participó en Pulp
The Hateful Eight /
Con Quentin
Tarantino / En Kill
Bill con David
Carradine / En
reservoir Dogs.

Fiction, casi lo hizo —como Vincent Vega, la
parte que fue de John Travolta—. “Escribió a
Vincent para mí”, revela Madsen. “Se supone que
yo estaría en Pulp Fiction, pero lo que pasó es
que… prométeme que vas a escribir esto, para
que quede récord”.
Para resumir una historia que terminó
siendo demasiado larga, a Madsen le habían
ofrecido un papel al lado de Kevin Costner en
Wyatt Earp como uno de los hermanos de Earp,
de los Earp de toda la vida, y cuando llegó Pulp
Fiction, los productores no le permitieron
tomarse el tiempo para hacerlo. “No me dejaron
usar tiempo de los ensayos. Podría haber hecho
ambas películas”.
Pero así ocurrió. “Si Wyatt Earp hubiera
resultado enorme en los Oscar, seguro me
habrían considerado un genio por no realizar la
de gánsteres. Pero de haberla filmado, ¿qué
hubiera pasado con John Travolta? Porque en
esa época estaba en una serie de películas de
bebés que hablan. Estaba terminado, ¿sabes a lo
qué me refiero?”.
Madsen tuvo esta conversación con
Tarantino en Cannes en 2014. “Íbamos
manejando y me preguntó: ‘¿Y si tú hubieras sido
Vincent?’. Dije que lo había pensado muchas
veces, y me respondió: ‘Michael, la cosa es que
habría sido una película diferente’. Le contesté:
‘Sí, pero, Quentin, honestamente, ¿habría sido lo
que fue sin Travolta? ¿No fue el hecho de que
saliera de la oscuridad parte de todo?’.
Originalmente seríamos Larry Fishburne y yo.
Larry lo rechazó y por eso fue para Sam Jackson.
Pero yo no pude hacerla porque estaba bajo
contrato para Wyatt Earp, y todos esos años es
esto, esto que se queda allí…”.
¿Lo lamenta? Niega con la cabeza. “No
lamento no haber hecho Pulp Fiction. Pero sí
participar en Wyatt Earp porque no puedo decir
nada bueno sobre ella. Es larga, estúpida y
aburrida. Es otro horrible y gigantesco close-up
“Hay algo muy
individualista en cada
uno de los filmes
de Quentin y siento que
yo he estado en sus
mejores obras”
de Kevin Costner que dura tres malditas horas.
La única razón por la que la hice es porque quería
caminar por la calle hasta el OK Corral. De haber
sabido que el filme iba a ser tan estúpido hubiera
tomado un maldito taxi”.
En lugar de habitar en sus tiempos más
difíciles y rumiar sus malas decisiones, Madsen
prefiere pensar en los buenos tiempos, incluso
perdonando a Tarantino por no darle el papel de
Calvin J. Candie en Django Unchained (“La
mejor parte de la película”), que se quedó
Leonardo DiCaprio.
“Hay algo muy individualista en cada uno de
los filmes de Quentin, y siento que yo tuve la
fortuna de estar en sus mejores obras. Kill Bill es
ridículamente grandiosa. Es mejor de lo que le
dan crédito. Pero ya sabes, Dogs fue su primera y
participar en ella es genial, y a lo largo del tiempo
crece y crece y crece”.
“Es una bendición maravillosa”, termina con
una sonrisa.
MARZO 2018 113
 PHANTOM THREAD SERÁ EL CANTO DE CISNE DE
DANIEL DAY-LEWIS. CINCO REALIZADORES REFLEXIONAN
SOBRE L A LEYENDA Y CADA UNO DE SUS PLUMAJES.
ENTREVISTAS ALEX GODFREY

114 MARZO 2018

MARZO 2018 115
 STEPHEN FREARS
DIRECTOR, MY BEAUTIFUL
LAUNDRETTE (1985)

A pesar de sus papeles estelares en el

teatro, en pantalla Day-Lewis sólo
había realizado un par de partes
pequeñas antes de llamar la atención de
Stephen Frears. Después de reunirse
con el director, y determinado a
conseguir el papel de Johnny, el truhán
gay de gran corazón en un drama sobre
clases y comunidades que se
desarrollaba en Londres, Day-Lewis le
escribió una carta amenazadora (que el
actor describe como “suficientemente
vil”) diciendo que le rompería las
piernas si no le daba el papel.
“La primera vez que lo conocí fue en
1983, cuando originalmente iba a realizar
Prick up Your Ears. No había visto su
trabajo. Vino a verme y tenía acento del
sur de Londres. Le dije: ‘Eres hijo de un
poeta laureado, ¿por qué hablas así?’. Me
respondió: ‘En la secundaria aprendí a
pasar desapercibido’.
“Para My Beautiful Laundrette
teníamos a cuatro actores en la lista
corta: Gary Oldman, Ken Branagh, Tim
Roth y Dan. Y las chicas señalaron: ‘Elige
a Dan. Está hasta arriba de la lista’. La
búsqueda por el otro chico, Omar, fue
mucho más difícil. Dije que tenía que
elegirlos el mismo día. Sabía que me
quedaría con Dan, pero lo hice esperar.
Fue entonces cuando escribió esa carta
mencionando que me rompería las
piernas o me sacaría un cuchillo. No lo
tomé en serio ni un momento. Me hizo
reír. Quería el trabajo, bien por él. Pero
no fue eso lo que le consiguió el papel,
sino que yo ya había tomado esa decisión.
“Solía cuidar de Gordon Warnecke
[Omar] y eran maravillosos. Fue la gran
oportunidad para Dan y una también
inconcebible para Gordon, así que era
muy amable con Gordon. Solían venir a
mi casa y ver Badlands. Creo que también Después de terminar My Beautiful
solían ir a ver partidos de futbol. Laundrette, Day-Lewis se fue a trabajar
“Después vi A Room With a View y le como el bufón de clase alta Cecil Vyse
dije a alguien: ‘No sabía que Dan pudiera en la adaptación de Merchant Ivory de
hacer cosas como ésta’, y me la novela de E.M. Forster. Fue un golpe
respondieron: ‘No, no entiendes: tú fuiste doble extraordinario.
el original; elegirlo como Johnny fue lo “Cuando Daniel llegó a la entrevista
que originó todo’. Por lo general la gente todavía estaba en el rodaje de My
se dejaba llevar por su aristocrático perfil Beautiful Laundrette y su cabello era
y lo ponían a interpretar a tipos de clase rubio con luces rosas. No sabía quién era,
alta y yo había hecho lo contrario, pero de inmediato supe que lo quería en
completamente ignorante de lo que él la película. Se fue con el papel en la mano.
había hecho en el pasado. Nadie me dijo Ni siquiera leyó, yo sólo lo supe; tuve la
que fuera a ser una gran estrella, pero sensación de que sería perfecto. Él no
vaya que era bueno”. vivía su papel fuera de cámara, no había

116 MARZO 2018

y me encantaban las cosas que hacía con
el diálogo —de verdad que sobresalió en
ello, sin duda es eso lo que hace su
actuación tan interesante—. Convirtió en
pequeñas maravillas todas las cosas que
parecen ridículas en página como las
escribió Forster. En la ventana observa a
Lucy llegando y por como se asoma,
hablando medio en italiano y medio en
inglés, es simplemente maravilloso. Y
alejar a la abeja cuando tiene una taza de
té en la mano es algo maravilloso que
también hace.
“Y después, claro, cuando Lucy lo
rechaza al final, su soberbia desaparece
y hay una persona más humilde sentada
en las escaleras amarrándose las agujetas.
Eso le gusta mucho a la gente: cómo un
momento es un snob insufrible y
sabelotodo y al siguiente es un joven que
ha sido rechazado por una chica que no
quiso casarse con él, cuánto de eso lo
afecta, de qué manera y cómo es que el
actor lo expresa.
“Las películas se estrenaron el
mismo día en Nueva York y fue
interesante cómo se escribió de Daniel al
respecto. Fue casi como si los críticos y
periodistas no pudieran comprender
cómo el mismo actor desconocido podía
interpretar dos papeles tan diferentes y
hasta verse tan distinto en ambos. Tomó
a Nueva York por sorpresa.
“Después, cuando estábamos
terminando The Remains of the Day,
tenía planes de hacer Richard III en cinta
y quería que Daniel interpretara a
Richard, pero el proyecto nunca despegó.
Deseaba que Kenneth Branagh
interpretara a Bolingbroke y Emma
Thompson a la reina. Daniel habría sido
mi Richard. Recuerdo habérselo dicho
después, y a Kenneth Branagh, a quien no
le gustó —él quería interpretar a
Richard—. Pero nunca ocurrió”.
Haciendo historia PHILIP KAUFMAN
con Gordon DIRECTOR Y COGUIONISTA, THE
Warnecke en My UNBEARABLE LIGHTNESS OF BEING (1988)
Beautiful
Laundrette (1985) / En la adaptación de Kaufman de la
Cambiando de novela homónima de Milan Kundera,
ritmo como el Day-Lewis incendió la pantalla como el
conservador Cecil neurocirujano checo Tomas, quien
en A Room With a vibra positivamente con el sexo.
View (1985) / Con “Nunca había visto a Daniel en una
su coestrella, película. Yo estaba con el productor Saul
Helena Bonham Zaentz en Londres, preparando el filme.
Carter, como Lucy Entrevistamos a varios actores para el
Honeychurch / papel de Tomas y no encontrábamos al
Haciendo arder la correcto. Estábamos por irnos a Suecia,
pantalla con eran como las 7 de la mañana. Prendí la
Juliette Binoche / televisión y ahí estaba este joven delgado
Junto a Lena Olin y calvo siendo entrevistado por una obra París. A mí no me agradaba eso porque
en The Unbearable sobre los poetas rusos futuristas —él una vez vi cómo un auto casi lo arrolla.
Lightness of Being interpretaba a Mayakovsky—. Entre más “Se mantuvo en personaje todo el
(1988). hablaba Daniel más me encantaba —lo tiempo y era muy intenso. Cenábamos y a
sagaz, listo y pensativo que era—. Llamé a veces no decía nada. Podías interpretarlo
nuestro director de casting y en dos horas como que estaba siendo temperamental o
estaba en nuestra suite del hotel. crítico, pero respeté que fuera habitado
Conversamos y su manera de pensar fue por el personaje. Fue un filme muy díficil
obvia: reflexiona cada momento. De para él. Tuvo que trabajar duro para
inmediato pensé que sería perfecto para esculpir al personaje, quien era de cierto
el papel. Fuimos a cenar en París con modo un ángel filosófico en la Tierra. Creo
Milan Kundera y Daniel digirió la mirada que quedó mostrado un poco de la mirada
de Kundera para incorporarla a la que compartió con Kundera en la cena.
película. Después de esa cena fuimos al “Es un tipo muy masculino, pero tiene
departamento de Kundera. Daniel y yo una percepción muy femenina de las cosas.
reíamos y nos retábamos a subir Creo que por eso las mujeres sienten algo
corriendo las escaleras. Yo estaba en muy con él. Hay una delicadeza que quizás él
buena condición física, pero no sé en qué niegue, pero sus percepciones no son las
condición estaba Daniel que me persiguió mismas del típico cerebro de macho que
cuatro o cinco pisos hasta que casi me da suelen tener los hombres. ¿Sabes que una
un infarto… Y allí estaba yo, tirado afuera vez fue a Florencia e hizo zapatos durante
del departamento de Kundera tratando un año? Quizá sea feliz quedándose en
de recuperar el aliento, y Daniel estaba casa. Yo espero con ansias tener unos
como si nada. Él solía correr al trabajo en zapatos Daniel Day-Lewis o algo así”.
MARZO 2018 117
 KENNETH LONERGAN
COGUIONISTA, GANGS OF NEW YORK
(2002)
Para entrar en la mente del
amenazante líder de pandilla Bill ‘El
Carnicero’ en la película de Martin
Scorsese Gangs of New York, Day-Lewis
aprendió cómo cortar cadáveres, lanzar
cuchillos con una puntería mortal y, en
general, aterrorizar a todo mundo.
“Absolutamente amé trabajar con él. Fue
muy amable conmigo. Venía y me visitaba
en mi oficina con su bigote, vestuario y
acento de Nueva York. Era muy gentil y
amable. Y si no le gustaba algo, se ponía
muy serio y preocupado, y decía: ‘Esta
parte va a ser difícil’. Y si sí le gustaba
algo, te lo decía. Hubo un pequeño
discurso que escribí donde él describe
cómo se sacó el ojo, mientras está
sentado envuelto con una bandera
estadounidense. Y vino a mi oficina y me
dijo: ‘Esto es poesía, Kenny’. Nunca soñé
con escribir poesía y no sé si eso lo era,
pero que Daniel Day-Lewis me dijera que
mi diálogo era poesía fue genial. Es uno
de los mejores cumplidos que he recibido.
“En Gangs of New York era él mismo
los fines de semana —y hubo un par de
eventos en fin de semana a los que llegó
vestido con su traje de tweed y acento
inglés. Pero en el set siempre estaba en
modo Bill ‘El Carnicero’, y decía que era
la primera vez que hacía eso. No quería ir
a casa con sus dos hijos pequeños y ser
ahí este horrible asesino del Nueva York
del siglo XIX.
118 MARZO 2018
“Todos lo llamaban Bill. Yo lo PAUL THOMAS Junto a Leonardo
llamaba Daniel y no le importaba. Me ANDERSON DiCaprio en la
parecía absurdo llamarlo Bill. Pero no DIRECTOR Y GUIONISTA épica Gangs of
creo que fuera como la gente imagina. THERE WILL BE BLOOD (2007) New York (2002) /
Llegaba al set y Marty lo llamaba Bill, Y PHANTOM THREAD (2017) En su primera
aunque nunca sentí que yo no conociera a colaboración con
Daniel Day-Lewis. A muchos actores les La interpretación de Day-Lewis como Paul Thomas
cuesta trabajo entrar en personaje una Daniel Plainview en la saga petrolera Anderson, There
vez que comienza a rodar la cámara, así There Will be Blood,
d de Paul Thomas Will be Blood (2007)
que se quedan en el papel o siguen Anderson, para la que el actor pasó dos / En su segunda
hablando con el acento a lo largo de todo años estudiando la era y aprendiendo cinta de PTA,
el día. De hecho conversé bastante de sobre minería, es una de las más Phantom Thread /
esto con él, bebiendo unos tragos en extraordinarias del cine. Para la última Con Vicky Krieps /
Nueva York, y comenzó a hablar de My película de Anderson, la sublime, Con Gina McKee
Left Foot. Me dijo que entonces pasó surreal y romántica obra Phantom (de pie) y Lesley
mucho tiempo en el hospital con gente Thread,
d el director lo involucró desde el Manville (sentada).
que tenía parálisis cerebral y sentía que principio, inspirándose en el diseñador
sería faltarles al respeto dejar la silla de de moda de los 50, Cristóbal Balenciaga
ruedas cuando estaba en el set. También —y Day-Lewis preparándose para
me reveló algo muy interesante, y lo hizo interpretar al demandante Reynolds
con una carcajada: ‘Quizá no sea muy Woodcock—.
imaginativo porque en serio tengo que “My Beautiful Laundrette se estrenó el
ser muy literal. De verdad tengo que ser mismo año que A Room With a View. Vi
justamente esa persona tanto tiempo ambas y no sabía que era el mismo actor.
como pueda, porque es difícil para mí Aun a esa edad era un cinéfilo muy
imaginarlo’”. clavado, pero eso me superaba.

Se estrenó My Left Foot y no tenía idea de
que era la misma persona. Finalmente
me di cuenta de lo que sucedía frente a mí
cuando vi In the Name of the Father. Fue
como: ‘Ok, así que es la misma persona.
Bien, así que en la historia del mundo, ese
tipo es el mejor’. Era sorprendente para
mí. Y desde entonces estoy obsesionado.
No puede hacer nada mal, en mi opinión.
“Me cuesta trabajo elegir una
interpretación como mi favorita. Bill ‘El
Carnicero’ está cerca del primer lugar.
Hasta la locura y oscuridad en todo eso,
creo que me da esta sensación de alegría
por Daniel. Sé que suena peculiar, pero
ver a alguien amar tanto el trabajo que
hace y disfrutarlo por completo…
“Nos hemos mantenido en contacto
desde There Will be Blood, y la idea de
Phantom Thread llegó mano a mano con
querer trabajar con él de nuevo. Fue hacia
finales de 2014; era el momento y sentí
que se nos iba el avión en términos de
tratar de reunirnos y planear algo. Tenía
ideas vagas sin Daniel, pero cuando la
historia comenzó a reformularse y se
volvió clara, lo involucré. El lado práctico
del asunto es que mientras yo investigaba
y aprendía de cosas de las que no sé nada,
él hacía lo mismo. Compartíamos
después información y descubríamos
cosas juntos.
¿Hasta qué punto se involucró en el
diseño y confección de prendas? ¿Qué
piensas? ¡Es Daniel Day-Lewis! Aprendió
a coser y hacer vestidos como Balenciaga.
Estoy exagerando, como te dirá él: estos
diseñadores empezaban como aprendices
y seguían siendo aprendices durante 10 o
15 años.
Daniel será el primero en admitir que
ser aprendiz dos años no es aprender a
coser durante dos años, pero es lo más
cercano en términos de un tiempo
razonable para entender a lo que se
enfrentan estos diseñadores y el mundo
que habitan. Comenzando sólo con una
aguja e hilo y aprender cómo hacer todo
desde el principio fue lo primero que
realizó. Tuvimos un gran tutor, Mark
Happel, quien le enseñó a Daniel lo
básico. Cortar, coser y esas cosas que
Daniel, claro, siendo Daniel, fue
extraordinario haciendo. Tiene una
habilidad particular e impresionante con
las manos, así que lo entendió muy
rápido. Será muy humilde al respecto y
casi tímido, pero yo no, porque es de
verdad sorprendente lo bueno que es.
“El tipo con quien pasé cuatro meses
fue Reynolds Woodcock. La realidad del
mundo es que Daniel también es un
hombre que se sube al auto, se va a su
casa cada noche y tiene que poner un pie
delante del otro.
Pero fuera de eso, el tiempo dedicado
a trabajar en el arte de hacer creer en un
día es el reto y lo mejor de cuatro meses
de trabajo. Así que entiendes todo lo que
ello implica.
¿Fue más fácil lidiar con él que con
Daniel Plainview? No lo sé, ambos son
truculentos. Aunque cuando Plainview
estaba de malas tenías que cuidarte
porque podría matarte. Siempre existía
ese riesgo. Nunca sentí el peligro de que
Reynolds Woodcock pudiera asesinarme
mientras dormía.
“El retiro será una pena. Espero que
lo reconsidere, aunque si ésta resulta ser
su última cinta, creo que es una buena. A
espero que reconsidere la idea”.
PHANTOM THREAD SE ESTRENA EL
23 DE FEBRERO.
MARZO 2018 119
 ALERTA:
SPOILERS

R E P I T E T US E S C E N A S FAVO R I TA S H A STA Q U E R E N U N C I E N L O S ACTO R E S

120 MARZO 2018

 LA GUÍA
DE EMPIRE
PARA VER
EN CASA

KKINGSMAN:
T
THEGOLDEN
C
CIRCLE
El guionista y director Matthew
Vaughn suelta los secretos de su
secuela de espías.

POR CHRIS HEWITT

00:01:54
LET’S GO CRAZY __ Kingsman: The Golden
Circle comienza con una pelea dentro de un taxi:
el superespía Eggsy (Taron Egerton) lucha contra
su némesis Charlie (Edward Holcroft) al ritmo de
“Let’s go Crazy”, de Prince. “Originalmente la
planeamos con el playlist de canciones culpables
de Eggsy”, dice Vaughn. Pero un cambio de
opinión nos trajo a Prince. “Tiene tres secciones
muy diferentes”.

MARZO 2018 121

 00:09:25
PROHIBAN ESTA SUCIEDAD
ENFERMA ___ Desde la primera cinta, Vaughn
está decidido a hacer de Eggsy el anti-Bond, y no
hay nada más anti-Bond que meterse de lleno en
una cloaca. “Esa es la diferencia de tono en
Kingsman. Eggsy hace cosas fuera de lo normal”.
Descuiden, fans de Egerton: la popó era falsa. “Si
hubiera podido cubrir a Taron con mierda de
verdad, ¡lo habría hecho!”, cuenta el director.
00:25:36
BYE, BYE, ROXY ___ Las cosas empeoran
pronto cuando Poppy desata la guerra contra
Kingsman, arrasando con toda la organización,
incluyendo a Roxy —algo que los fans odiaron—.
“Ahora estamos escribiendo Kingsman 3 y
pensando si Roxy debería estar en ella”, admite
Vaughn. “¿Se metió en una casa de seguridad
que nadie conocía?”.
00:52:58
DI NO A LAS DROGAS __
_ “En un inicio
había una muerte terrible por las drogas”, señala
Vaughn de la escena donde ves los síntomas de
los químicos que Poppy suelta en el mundo. En el
filme es algo cómico. Pero no se pensó así antes.
“Teníamos una muerte en la que los ventrículos
del corazón se desgarraban y la sangre se te iba
al estómago. Pero esto no es un filme de cosas
oscuras, así que se nos ocurrió algo visual”.
122 MARZO 2018
00:15:15
CARNE MOLIDA ___ El sicario (Keith Allen)
tiene una pronta salida cuando alimentan con él a
la máquina para moler carne de la villana Poppy
(Julianne Moore) —un tributo de Vaugh a una
escena similar en el filme ochentero de acción
The Exterminator—. Dato divertido: Vaughn dice
que a Allen le gustó tanto el set de Poppy Land,
que evitó su destrucción y lo reconstruyó en su
jardín. “Me mandó una foto. ¡Se llevó todo!”.
00:37:10
¿EL NO-MUERTO? ___ El gran giro del filme
es cuando Harry Hart (Colin Firth), quien según
estaba muerto, aparece de nuevo sorprendiendo
a Eggsy y Merlin (Mark Strong), y Vaughn hubiera
querido que también a la audiencia. “No revelar
que Colin estaba en la película, es lo que debimos
haber hecho. Todos se hubieran caído de la
butaca”. Incluso en las hojas de llamados, Firth
era nombrado Benjamin Braddock.
01:46:15
AHORA ME VES... ___ El sacrificio de Merlin
es el punto emocional más alto del filme. Sin
embargo, Vaughn filmó escenas en las que
sobrevive gracias a ropa interior a prueba de
bombas, y vuelve. Pero la secuencia no sobrevivió
la primera prueba de pantalla. “Era una escena
divertida, pero la audiencia estaba tan alterada
por la muerte de Merlin que sentían que les
habíamos hecho trampa”, revela Vaughn.
00:22:03
EL SABIHONDO ___ En la cena con los padres
de su novia Tilde —el rey y la reina de Suecia—,
Eggsy los deslumbra con sus conocimientos (que
le sopla Roxy, una Kingsman). “Quería usar eso
de que James Bond sabe TODO. En mi primer
intento para esa escena sólo escribía: ‘Dato
interesante de Eggsy, dato interesante de Eggsy’.
Jane (Goldman, coguionista) es mejor que yo para
eso y sabe más”.
00:42:02
VIERNES CASUAL CON ELTON JOHN
___ Entre lo mejor del filme está el cameo lleno de
palabrotas de Sir Elton John, el prisionero de
Poppy. Su traje es un tributo al que usó en The
Muppet Show w (1978). “Cuando se lo puso la
primera vez, el equipo técnico ya sabía qué
vendría. Y llegó frente a 30 tipos rudos, se detuvo,
sonrió y dijo: ‘Lo sé, parezco una puta’. Y siguió
caminando. Eso vale oro”, recuerda Vaughn.
02:09:20
TRAJEADO Y REINICIADO ___ La película
termina con el espía estadounidense Agente
Tequila (Channing Tatum) vistiendo un traje de
Kingsman. “Es un guiño al futuro”, termina Vaugh.
“Tequila nunca será un Kingsman, pero los
Kingsmen necesitaban darle algo de elegancia”.
KINGSMAN: THE GOLDEN CIRCLE ESTÁ DISPONIBLE EN
DVD, BLU-RAY Y DESCARGA.
 BUENA TARDE | MALA TARDE
JARED HARRIS
MOMENTO
Ver a Daniel Day-Lewis caminar por un enorme campo en el set de Lincoln.
No estaba viendo al actor, ¡sino a Abraham Lincoln en persona! Tú dices:
"Maldita sea, Abraham Lincoln viene hacia mí". Eso fue increíble.
ENCUEN
La gente siempre ha sido muy amable conmigo.
Uno de los momentos más divertidos fue en el
estreno de The Crown (en el cual Harris interpretó
al rey Jorge VI) el año pasado. Firmé algo para
alguien y cuando terminó la convivencia, ¡hizo
una reverencia!
AUDICIÓN
Mad Men. Era una escena del primer episodio que hice en la temporada 3,
donde ofrezco un trabajo a Pete y Ken. Después de hacerlo, Matthew Weiner
(creador de la serie) dice: "No creo que sea una buena idea que tus jefes te
hayan dicho que ofrezcas el mismo trabajo a dos personas". Lo entendí e
inventé un personaje en los siguientes 20 segundos. Y algo sucedió.
LOCACIÓN
Pasé tres meses en África
filmando To the Ends of the
Earth. Era KwaZulu-Natal.
No es frecuente ver letreros
que digan: "Ten cuidado con
los cocodrilos" o "Ten
cuidado con los
hipopótamos porque te
comerán".
VESTUARIO
Mad Men nuevamente. Lo que Janie Bryant haría junto
con el diseñador de producción, en cuanto a la forma
en que ella concebía a cada uno de los personajes, fue
increíble. Los colores de los trajes eran tan específicos
en términos de la paleta de colores, en relación con el
fondo y el set en el que te encontraras.
POR CHRIS HEWITT
El estreno de Lost in Space. Me di cuenta de que habían decidido doblar la
mitad de mi actuación con la voz de otra persona. Me quedé pensando: "Yo
no dije esa línea". ¿Recibí una explicación? Nadie te explica nada nunca.
ON FANS
Creo que no he tenido uno malo. Siempre me
conmueve que la gente haya respondido a mi
trabajo y si quieren tomarse un momento para
hablar y lograr que firmes algo, estoy ansioso por
hacerlo. Eso es parte del intercambio que uno
está esperando.
Audicioné para el Hamlet de Zeffirelli. La parte que busco no tiene líneas,
pero creo que si hago un buen trabajo puedo competir por el papel de
Horacio. Un tipo saca un portapapeles y dice: "Jason Isaacs, lee a Laertes.
James Purefoy, lee a Laertes. Jared Harris, lee a Horacio, aunque no puede
ser elegido para esa parte". Fue un desfile interminable de humillación.
Pasé un mes filmando Lush,
con Laura Linney y
Campbell Scott, y entré en
una habitación de hotel en
Baton Rouge, abrí las
ventanas y había,
literalmente, una pared de
ladrillos. Todo fue cuesta
abajo desde allí.
Hice un trabajo en el que, en el primer día, no tenía
vestuario. Todo lo que había para mí era una camisa. Y
yo era el personaje principal. Fue bastante extraordinario.
Tuvieron que filmarme de la cintura para arriba.
ALLIED ESTARÁ DISPONIBLE EL 3 DE ABRIL EN DVD,
BLU-RAY Y DESCARGA.
MARZO 2018 123
 OBRA MAESTRA EMPIRE
BACKTOTHE FUTURE
EMPIRE viajó al pasado
para conocer el origen del
Doc y su DeLorean.
POR SEB PATRICK
PARA CONTAR LA HISTORIA
de Back to the Future, debemos regresar
primero al pasado. Vio la vida en 1975,
cuando Robert Zemeckis y Bob Gale
peloteaban ideas para una película
que se llamaría Professor Brown Visits
the Future, sobre viajar en el tiempo,
y que estaba inspirada en la Feria
Mundial. Pero encontró su corazón en
1980, cuando Gale, viendo el álbum
escolar de preparatoria de su padre, se
preguntó si él habría sido su amigo de
haber vivido en la misma época.
“Cuando eras pequeño, ¿tus papás te
contaron lo que hacían ellos de niños?”,
reflexionó después Zemeckis. “¿Caminar
124 MARZO 2018
18 km a la escuela en la nieve? ¿No sería
muy interesante volver y ver si de verdad
caminaban en esas tormentas?”.
Pero tomó otros cinco años para que
el guion pasara del concepto a la pantalla,
un proceso que se consolidó por su
propio mérito (desde cambiar el medio
para viajar en el tiempo, de un
refrigerador a un auto, hasta los rechazos
del guion por Columbia y Disney, por no
ser lo bastante obscena o familiar,
respectivamente). Pero esos cinco años
fueron cruciales para darle forma a Back
to the Future, convirtiéndola de una idea
ingeniosa a una pieza hilvanada de puro
arte cinemático a la perfección.
No es que el camino para completar
la cinta no tuviera también sus
obstáculos, incluso después de que
Universal tomara el guion de Columbia
a cambio de los derechos para convertir
Big Trouble en parodia de su propia
Double Indemnity. Eric Stoltz fue
contratado para interpretar a Marty
McFly porque la primera opción, Doc convenciendo a
Michael J. Fox, no estaba disponible Marty McFly de que
debido a su compromiso con la comedia viajar en el tiempo es
televisiva Family Ties, pero cinco una buena idea.
semanas después de iniciar el rodaje
aumentó la preocupación porque el tono
dramático de Stoltz no checaba con
la sensibilidad cómica de los demás,
y se tomó la decisión de decirle adiós
y ajustar la agenda de la película a la
disponibilidad limitada de Fox.
Fue una decisión que le provocó a
Zemeckis mucha ansiedad —y le costó a
la producción tiempo y dinero— pero sin
duda fue la mejor idea de todas. En las
manos de cualquier otro hubiera sido
muy fácil que Marty resultara un
presumido o alguien tipo Ferris Bueller,
pero el encanto natural de Fox y su
química perfecta con Christopher Lloyd
(el innigualable Doc) venden sin ninguna
duda al personaje y su extraña amistad
con un científico que es cuatro veces
mayor que él.

Back to the Future es una pieza
de realización cinematográfica
sorprendente, con cada diálogo
y momento visual actuando al servicio
ya sea del personaje o de la trama. Una
secuencia inicial sin palabras te dice todo
lo que necesitas saber sobre Doc Brown,
Marty y su relación, mientras que ciertas
repeticiones de diálogo cierran la brecha
entre el pasado y el presente.
Cuando George McFly explica sus
razones para no querer mostrarle a nadie
sus historias de ciencia ficción,
un discurso que le escuchamos casi
palabra por palabra a Marty sobre
su banda de rock 30 años después, puede
ser uno de esos momentos obvios, pero
es uno hermoso y que resuena. Cuando
la Lorraine adolescente es mostrada
como depredadora sexual en contraste
con su versión mayor y mucho más
puritana, no es hipocresía, es sólo una
muestra de que es parte de la naturaleza
humana reescribir nuestros recuerdos
propios cuando nuestra perspectiva del
mundo se transforma.
Es una cosa, claro, hacer un filme
que es técnicamente perfecto, pero es
otra hacerlo atrayendo también la
apreciación de las masas. Las historias
de la respuesta y recepción de Back to
the Future son tan legendarias como su
realización: como la ovación de pie que
recibió en la función de prueba, durante
la última toma del DeLorean volador
(y a Universal su calificación más alta en
ese tipo de proyecciones), y cómo
Ronald Reagan exigió que la película
fuera detenida y regresada cuando se
hace mención a su nombre (algo que
citó después en su siguiente informe
presidencial).
Se convirtió en un fenómeno
cultural instantáneo, uno de los filmes
de género más amados de una década
que tuvo muchísimas producciones
de ciencia ficción muy amadas.
Quizá sea su secuela —que no fue
planeada originalmente por los
realizadores, a pesar de un final que
parecería sugerirlo— la que resuena
más en esta época, con su divertida
visión de un 2016 que está ahora en
nuestro pasado y una predicción
aterradora de Donald Trump.
De hecho, hay quienes tal vez no
recuerden que la primera película
nunca viaja de hecho a su propio
“futuro”, pero es el tema universal en su
Después de todo, centro el que hace que la original
McFly no fue una perdure mucho más que como sólo
gallina y se atrevió a una cinta sobre la nostalgia de los 50
subirse al experimento y que trascienda sus adornos (por
de Doc. demás icónicos).
Considerando que ha pasado más
tiempo entre el estreno de la película
y nuestros días que el tiempo en que
Marty viaja al pasado, el reflejo de esa
época, 1955, parece positivamente
prehistórico; pero no necesitas clavarte
en ese aspecto particular para
comprender lo que la trama dice sobre
cómo el pasado le da forma al presente
y cómo la gente que ahora admiramos
alguna vez fue joven y estaba tan
confundida como nosotros.
Para ser un filme que trata sobre
el tiempo, lo que realmente define a
Back to the Future es que su atractivo
resulta atemporal.
BACK TO THE FUTURE ESTÁ DISPONIBLE EN
DVD, BLU-RAY Y DESCARGA.
DIEZ REGLAS DE
EMPIRE PARA
MUJERES EN EL
CINE
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
La celebración del Día Internacional
de la Mujer es una grande para
EMPIRE, y la mujer es alguien que se
ha mostrado parcial o equivocada-
mente frágil y complicada en el cine.
Aquí algunos clichés.
1. Una mujer profesionista a sólo
puede ser profesionista cuando se
enfoca en su carrera y renuncia a la
familia y al amor.
2. Depende de la trama de la
película, pero la mujer debe renunciar a
uno de sus sueños para ser feliz.
3. A pesar de ser una persona
preparada, inteligente y exitosa, sólo
entiende las grandes lecciones de la
vida hasta que se queda sola.
4. Igual, por superinteligente que
sea, siempre va a confundir la belleza
con la delgadez al grado de conflicto.
5. Al parecer, los hijitos resultan
un lastre para el amor y/o la carrera
profesional. En el cine no hay
relaciones buenas entre madre e hijos.
6. Contrario a la vida real, en la
que con la boda empieza una nueva
etapa, en las películas las bodas parecen
el fin único de la existencia.
7. Otra cosa que las mujeres en el
cine no tienen cuando están en la cima,
es amigas.
8. Existe otra dicotomía en el
cine del carácter femenino: las niñas
con respuestas inteligentes y
comportamientos libres, al crecer, se
aislan y vuelven raras por lo mismo.
9. La mujer se presenta como una
personalidad borde en la que, si
perdona, es estúpida, pero si procura
ser justa... es mala como la chingada.
10. Por años, los papeles
femeninos fueron escritos para agradar
a los hombres; el problema es que las
mujeres cayeron en esa trampa. Por
más que me duela decirlo, la vida no es
como en las películas.
MARZO 2018 125
 MIRÓN DE OFICIO
LECCIONES DE GUIONISMO
CON JURASSIC PARK
Steven Spielberg tal vez no
sería el cineasta que es hoy
sin una pequeña ayuda de
sus guionistas.
POR DANIEL KRAUZE
¿QUÉ HACE QUE STEVEN
Spielberg sea un director extraordinario?
Algunos dirán que es su capacidad para
deslumbrar, deslizándose de una escena a
otra sin tropiezos, con un dinamismo que
reúne un manejo de cámaras económico
pero elegante, una edición siempre fluida
y un reparto en el que rarísima vez hay un
actor que desentone. Estos elementos,
126 MARZO 2018
aunados a su habilidad para narrar en
distintas claves, tonos y géneros, sin duda
comprueban su oficio. Ignoro cuál sea su
proceso de preproducción, pero añadiría
que sus filmes tienden a ser estupendos
porque sabe elegir el guion y el guionista
adecuado para cada proyecto. Pocos
ejemplos más claros de esto que Jurassic
Park, quizá la mejor cinta de acción de los
años 90.
En una encuesta realizada hace poco,
donde la revista New York entrevistó a 40
guionistas para elegir a sus 100 mejores
colegas vivos o muertos, una omisión
saltó a la vista: no estaba David Koepp, el
escritor detrás de Spider-Man, Mission:
Impossible, War of the Worlds y las
primeras dos entregas de Jurassic Park.
La primera es una auténtica cátedra de
guionismo. Basta repasarla para ver cómo
Koepp hace uso de todo tipo de recursos
para delinear a los personajes, establecer
Un dinosaurio el conflicto, plantear un objetivo y, por
atropellado en la último, detonar el caos que se apodera de
jungla de la isla cuando los dinosaurios escapan.
Jurassic Park. Lo primero que debemos aprenderle
a Koepp es su manejo de la transición
enganchada, cuyo uso concatena un
momento con otro a través de una
imagen, un sonido o un diálogo y permite
que la película avance sin parecer
episódica. Vamos al principio, cuando el
abogado Donald Gennaro (Martin
Ferrero) llega a una mina de ámbar en
República Dominicana, donde conoce a
Juanito (Miguel Sandoval), un
arqueólogo. La conversación nos
presenta el plan de John Hammond
(Richard Attenborough), el director de
Jurassic Park: llevar paleontólogos y
científicos a su parque de diversiones
para que lo aprueben y así conseguir el
visto bueno de sus inversionistas. Al final
de la escena, Gennaro le dice a Juanito

que la meta es llevar a Alan Grant (Sam
Neill). La respuesta del arqueólogo
—“Nunca sacarás a Grant de Montana; él
es como yo: un excavador”— nos lleva
directo a... una excavación, en Montana,
donde Grant y Ellie Sattler (Laura Dern)
acaban de descubrir el esqueleto de un
velociraptor.
Koepp probablemente intuía que el
prólogo, previo al recorrido por el parque,
era largo. Sabía, me imagino, que debía
imprimirle cierta velocidad a lo que nos
va presentando, y su herramienta para
lograrlo es, de nuevo, la transición
enganchada. Después del primer
encuentro con los brontosaurios, un
anonadado Grant le pregunta a
Hammond cómo logró clonarlos. El
diálogo de Grant —“Te lo mostraré”—
engarza esa secuencia con la siguiente,
donde Hammond le muestra al
paleontólogo (y al espectador) cómo
clonó a los animales extintos. Esta larga
secuencia, retacada de información,
culmina con el nacimiento de un
dinosaurio. Un alarmado Grant pregunta
qué especie tiene entre manos y el doctor
Henry Wu (BD Wong) le contesta: “Es un
velociraptor”. Corte a: la jaula de los
velociraptors, donde los invitados
observan asqueados cómo se alimentan
dichos carnívoros. Aquí, Koepp vuelve a
utilizar una transición enganchada (¡una
más!). “¿Quién tiene hambre?”, les
pregunta Hammond a sus invitados,
quienes apenas pueden contener la
náusea. Corte a: todos se reúnen para
comer un pescado que, tras lo que vieron,
no se les antoja en absoluto. Esta
secuencia también brinda sólo
información, así que Koepp nos vuelve a
impulsar hacia afuera con el mismo
recurso para presentarnos a los nietos de
Hammond (Ariana Richards y Joseph
Mazzello) e iniciar el recorrido. Seis
secuencias que, por estar enganchadas, se
van como agua.
Los nietos de Hammond forman
parte esencial del crecimiento de Grant
como personaje. En la excavación en
Montana vimos cómo el paleontólogo no
dudó en espantar, con crueldad, a un niño
que osó burlarse de la apariencia del
velociraptor. Sabemos, pues, que los
niños no le gustan; mientras que a Ellie,
su pareja en potencia, sí le agradan.
Jurassic Park traza la transformación de
Grant de científico frío a hombre de
familia. A diferencia de sus imitadores
(Trevorrow, Abrams, et al.), Spielberg
sabe que una trama de acción sin un
personaje que madura o cambia puede
resultar plana. Si no me creen, observen
su cine de acción y vean cómo las
peripecias siempre están acompañadas
de un crecimiento por parte del
protagonista o una búsqueda atada a algo
Todos ante la vital: Indiana Jones debe aprender a
expectativa del valorar más a Marion o a su padre que a
omelet más los objetos que busca; el jefe Brody sale a
exótico del mundo. matar un tiburón para defender a su
familia; Tom Cruise, en War of the
Worlds, quiere salvar a sus hijos. Koepp
entiende el peso de las motivaciones y
eso también lo hace un escritor
excepcional.
Además de recurrir a objetivos
internos y transiciones enganchadas y
esbozar a sus personajes con eficacia,
Koepp siembra información que luego
cobra mucha relevancia. Una secuencia
afuera del perímetro del dilofosaurio
parece innecesaria. Los visitantes van
en el coche, esperando a que salga el
animal, mientras obtienen información
pregrabada sobre las características de
la criatura en cuestión, pero cuando
Dennis Nedry (Wayne Knight),
extraviado en el parque, se enfrenta a un
dinosaurio desconocido, nosotros ya
estamos un paso adelante de él: sabemos
que un dilofosaurio venenoso está por
atacarlo y eso genera una carga de
tensión en el espectador. Esta siembra
de datos se encuentra por todos lados
—la velocidad a la que puede correr un
T-Rex, la forma en que los velociraptors
cazan...—, no sólo dándole sofisticación
al entramado de la historia, sino
poniéndonos en la incómoda posición
de saber o presentir más de lo que los
personajes saben o presienten ante su
inevitable futuro.
A menudo se habla de los prodigios
visuales de Jurassic Park, pero no se
habla lo bastante de la efectividad de su
guion. Para entender el genio de Steven
Spielberg hay que observar más allá de
las imágenes. Sus películas muchas
veces no tienen paralelo porque los
guiones de los que parten son, en sí
mismos, extraordinarios.
MARZO 2018 127
 EL CRÍTICO EMPIRE
BASADA EN HECHOS REALES
ROMAN POLANSKI
Cuando las mujeres son tan
amigas a veces se vuelve
sospechoso.
POR ÓSCAR URIEL
OBSESIÓN. Seguro que Roman
Polanski no es ajeno a este sentimiento.
El polémico auteur mismo ha estimulado
a lo largo de estos años una legión de
fervientes seguidores que veneran su
filmografía. Bueno, pues ahora la lealtad
de esos seguidores se pondrá a prueba
otra vez cuando llegue a cartelera su
última producción, Basada en hechos
reales, que aborda la relación enfermiza
que puede surgir entre un fanático y su
ídolo.
Emmanuelle Seigner interpreta a
Delphine, una exitosa autora cuyo libro
sobre su madre se ha convertido en un
128 MARZO 2018
verdadero suceso literario. Eva Green es
una mujer que se hace llamar nada más L.
y quien manifiesta su devoción por la
obra de Delphine. Poco a poco este
enigmático personaje teje una red de
seducción en la que su objetivo es ganar
la confianza y crédito de Delphine. L.
empieza a obtener la credibilidad de
Delphine hasta que, practicamente, la fan
pasa todo el tiempo con la protagonista.
Este thriller, el cual tuvimos oportunidad
de ver en la pasada edición del Festival de
Cine de Cannes como última función del
evento, nos remite sin duda a filmes con
la misma premisa, como Misery, de Rob
Reiner, y por supuesto Single White
Female, de Barbet Schroeder, pero
aderezada con la típica atmósfera erótica
vista en anteriores trabajos de Polanski.
Esta sería la única razón para pasar
por alto la carencia de sentido común de
las protagonistas o incluso la existencia
de trillados lugares comunes (un
accidente en las escaleras provoca que
Delphine se rompa un pierna y que L.
vea una oportunidad para velar por el
bienestar de la escritora). Los personajes
son inescrutables y sensuales, hay una Una amistad de esas
evidente atracción entre las muy raritas que hay.
protagonistas y una lucha de poder da
inicio; sin embargo la anécdota es por
demás estúpida y la interpretación del
personaje de Seigner resulta demasiado
impasible como para que el espectador se
vea inmerso en la batalla de caracteres en
la que intenta convertirse esta historia.
Es sólo bienvenida la siempre enigmática
presencia de Green lo que salva la
producción de ser un total fiasco.
En los últimos años hemos sido
testigos del análisis que Polanski hace de
distintas coyunturas por demás teatrales;
tal es el caso de títulos como Un dios
salvaje y La Venus de las pieles. En esta
cinta hay indicios de repetir la
circunstancia al colocar a los dos
personajes centrales en un lugar
claustrofóbico determinado, sin embargo
no alcanza al menos los resultados
medianos de las dos anteriores. Por un
momento nos cuestionamos si el abuso
de lugares comunes en la trama tiene que
 ¿Cre
eías te
tener
sufic
iciente
tes
referennciass del
cine y TV?
POR CÉSAR HER
RNÁNDEZ
Z

M urr
Bill e laa y,
el gurú d ia
comed
DESDE
SDE EL E INICIO DE SU
CARRERA, Bill ll Murray
Mu fue
considerado como un
comediante con un talento muy
especial. Su personaje fue siempre uno y podemos
pod ver lo que hace ce e
en los
sarcástico y nihilista. Una especie de filmes; su pers
ersonaje siempre aporta ta un
una
antihéroe. Su presencia en el cine se certeza de la locura que lo mantiene ya
hizo aislada, p pero su mística se a un nivel espiritual superior; ell Do Don
solidificó por completo. Johnston d de Broken Flowers o el Steve
En lo que podríamos llamar la Zissou de Life Aquatic son entes
mitad de su carrera y d de su u vida
vida, la “superhumanos”,
p no porque tengan
persona se volvió más atractiva que superpoderes, sino porque que visten su
los personajes, aunque estos daban humanidad por fuera. Todos sus
mayor fama a la leyenda. papeles son así porqueque todas
toda lasl
Theodore Melfi contó en un artículo historias necesitan explorar esa parte
historia
ver con la intención de proveer a la su viacrucis para contratar tratar a Bill Murray de nosotros que sólo Murray ay tiene
tiene.
historia de un macabro sentido del para su película
p lí St. Vincent: según Ya de este llado, en la vida real, Bill ill
humor (nada extraño en una producción escribió el director —y está Murray tiene un papel más impo mportante
de Polanski), pero el sentido socarrón comprobadobado por mucha gente, incluso como ícono de la vida a y lla belleza: un
tampoco se devela del todo. Vaya, nos el mismo actor—, Murray no tiene sujeto va saliend
endo una vez de una a
encontramos con una producción agente ni teléfono. Sólo existe un tiendaadde hamburguesas en Nueva
demasiado tibia como para siquiera número 01-800 que alguien que lo Y
York, se cruza conon B
Bill Murray y éste le
considerarse, pese a que el argumento va conoce te pasó. Ahí hay una roba un par de papitas a la fr francesa.
de los distintos procesos creativos y de contestadora en la que deja dejas tu “No
No te
t va a creer nadie” e , le dice. El actor
a
los obstáculos en el desarrollo de ideas, mensaje y tu númer mero. se coló un día en ununa boda y cel elebró,
temas que, sin duda vistos desde la lente Si tienes
nes suerte, como Melfi,Melfi meses comió y bailó ó con
c los novio ios, además
de Polanski, pueden derivar en sugestivas desp
espués recibirás una na llamada
ll del de que dio un discurso so conmovedor or que
situaciones. Basada en hechos reales no propio Murray ay pi
pidiéndote que le envíes termi
minó con: “No o se casen ahora ra.
es, en absoluto, el caso. Es un título un guion
guion. Melfi ya había enviado uno C
Compren un
n boleto
b para viaja jar juntos
mediocre en la filmografía del autor. que Murray perdió. Entonces lo citó en alrededo
dor del mundo y, cu uando vuel elvan,
¿Sucedió todo en la mente de Delphine? California y condujo con él toda la si aú
aún quieren estar junt ntos para
¿Se trata de una ocurrencia metacine? noche platicando de la pelícu cula, pues el siempre, cásense”. E Ese Bill Murray
M que
Por desgracia, la secuencia anticlimática otro guion que le mandó dó no lo ha vist
isto se apareció un dí día en la Casa
Ca Blanca
final, la cual pretende levantar un debate porque ya no está á en
e donde esta staba para dar un didiscurso acerca
ac de los
en la audiencia, llega demasiado tarde antes. Murray y dice que sí,, que
q hará la Cubs de Chicago,
Ch su equipo favoriito y
como para estimular interés. Para cinta y no volverás a s saber de él hasta que ese e año ganónó la Serie Mundi dial, o
entonces, el público se encuentra simple el día
ía de la filmaci ación. Cuando ya tus nos mostró
m all G
Ghostbuster con on lágrim mas
y abiertamente aburrido. o
oraciones se e agotaron y sólo esperas en los ojoss y vuelto loco; ese e Bill cre eo
que de v verdad aparezca. Esa ética que a veeces nos enseña m más de la a vida
labo
boral sin duda mantiene a Bill relajad ado que el
e que aparece en la las pantal allas.

MARZO 2018 129

 HISTORIA
DE UNA
TOMA

THE ARTIST
EN TU INFANCIA, seguro alguna vez fantaseaste con una
guitarra eléctrica que en realidad era una escoba. Algo parecido
ocurre con la famosa escena del traje que cobra vida en la
multipremiada The Artist (Michel Hazanavicius), en la que el
director francés retoma estos recuerdos infantiles para darle un
espíritu especial a su filme, que de por sí emula la fantasía de un
cine que permanece en el recuerdo por su escala de grises y su
mudez.
“Esta escena viene de una cinta llamada 7th Heaven (Frank
Borzage), mezclada con muchas otras cosas diferentes, como
imágenes de cuando eres niño e imaginas que besas a alguien”,
recuerda el cineasta en una plática con EMPIRE.
“Quería hacer esa secuencia en una sola toma. No quería
cortarla, así que obviamente todo estaba planeado. Pero ella
(Bérénice Bejo) le aportó muchas cosas, como el carisma y el
encanto, porque yo le propuse las partes, digamos mecánicas, y
ella le brindó todo lo mágico a la secuencia, haciéndola muy
lírica. De alguna manera la llenó de cierta ligereza, diversión y
ese toque sensual y pop. Fue la combinación perfecta”, agrega.
Asimismo, el realizador no olvida cómo buscó crear un
ambiente en donde los actores en verdad se metieran
en el sentido de la película. La música fue vital para
eso: dejó que el sonido envolviera a todos y así hubo
interpretaciones más naturales.
“Usualmente trabajas en silencio y sólo dicen las
Datos clavados
líneas de manera muy mecánica pero, en especial
cuando hacíamos tomas muy largas, tener la música le 1_
agregó ese sentimiento, y ahora siempre pongo música Hazanavicius puso
en el set”, aseguró. música del compositor
Así ves a Peppy Miller (Bejo) acercándose al argentino Alberto
perchero del que pende un traje, el cual toca con Ginastera en el set
sutileza e imagina al hombre que portaría esas telas y para envolver al elenco
sus manos, que la abrazan mezclando realidad y en la atmósfera que
fantasía. Después, el ya consolidado actor George deseaba.
Valentin (Jean Dujardin) aparece y se dirige a la
histrión en ciernes para aconsejar: “Si quieres ser una 2_
actriz debes tener algo que nadie más tenga”, para Como en el cine
luego pintarle un lunar cerca de la boca, dándole a ella silente aún no se
ese toque característico de los años 20. empleaban los
“En esa frase se encierra un poco del significado de acercamientos de
la película: lo que implica ser un actor. Algunas veces cámara, Hazanavicius
veo cintas y pienso que hay gente que quiere probar no hizo uso de ellos en
que son como otros, pero en realidad lo importante es The Artist.
mostrar que tienes algo que sólo tú puedes dar, incluso
una marca de belleza, como en este caso se representa 3_
por un lunar”, explica Hazanavicius. Uggie, el Jack Russell
The Artist rompió paradigmas en Hollywood Terrier que aparece en
cuando en 2012 ganó cinco premios Oscar, incluyendo The Artist, se convirtió
Mejor película, a pesar de ser una cinta muda y en por esta cinta en el
blanco y negro en una era dominada por los efectos undécimo perro en
especiales y la búsqueda por lo “espectacular”. ganar el Dog Palm del
Festival de Cannes.
THE ARTIST ESTÁ DISPONIBLE EN DVD Y BLU-RAY.

130 MARZO 2018

MARZO 2018 131
 Gótico
Victoriano
El primero de los Elseworlds del superhéroe más
importante del mundo sobrevive a la animación con
honores. ¿Es Gotham by Gaslight la luz al final del túnel
de DC y Warner Bros.?
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
EN 1989, en la misma década en que
Batman revivió a manos de Frank Miller
gracias a la saga The Dark Knight Returns,
Brian Augustyn y el legendario Mike
Mignola crearon A Tale of The Batman,
Gotham by Gaslight.
A partir de una premisa no muy
complicada se desarrolló una trama lo
suficientemente oscura para ser digna de
sacar de contexto al Hombre Murciélago
y para conseguir de inmediato el status
de clásico.
Era la primera vez que se exploraba
un camino alternativo para el héroe y es
que, sin duda, muchos de los que leyeron
From Helll de Alan Moore, imaginaron
F imprimiendo una estética retro para el
que sólo Batman podría enfrentarse al
mismísimo Jack el Destripador y que si el
detective hubiera sido convocado por
Scotland Yard, sin duda hubiera resuelto
el misterio que sigue oculto hasta
nuestros días.
Así qué, ¿por qué no? Si el Caballero
de la Noche no va a Londres, Jack el
Destripador puede visitar Ciudad Gótica,
y aquí viene uno de los principales
atractivos de esta historia: trasladar
el universo de Batman hasta la época
vvictoriana.
El encapuchado siempre se ha valido
de la tecnología para resolver crímenes,
y sin duda su equipo tiende a ser de lo
más futurista, no habiendo límites
económicos incluso para desarrollar
nuevos artefactos que lo ayuden a luchar
contra el mal.
Pero en la época en que Ciudad
Gótica era pobremente iluminada por
lámparas de gas, no había gadgets que
acompañaran a Batman en sus andanzas,
132 MARZO 2018
no había Batimóvil y su pistola de gancho
era rudimentaria y mecánica, sin
sobreexplotar la estética steampunk para
no perder de vista los valores del
encapotado durante su paso por la
revolución industrial.
Obviamente, el cielo oscurecido por
la niebla y el humo de las chimeneas era
surcado por los zepelines del Gotham
Police Department como en las
evocadoras imágenes de la Animated
Series.
Ya tenemos una historia en la que
Batman luciría en todo su esplendor, y
Mike Mignola no se quedó atrás
héroe, cuyo disfraz luce solapas,
botonadura, botas de montar y la
máscara nota un trabajo más
rudimentario en la piel. Asimismo, los
peinados y las patillas son perfectamente
congruentes con las que se observaban
en el siglo XIX, del mismo modo los
personajes y villanos recibieron una
adaptación para aparecer al lado de
Batman en su sombría aventura de una La excitante
época por demás notable. Poison Ivy de la
Aunque sabemos que los fans nunca animación / Los
estamos contentos con nada, tres Robin,
las adaptaciones a animación que se han valiosa adición a
hecho de las más famosas novelas gráficas la animación / De
de Batman nos han dejado con las enmascarado a
expectativas desinfladas; el caso más enmascarado, ni
importante quizá sea el del mismísimo modo que
Dark Knight Returns, que fue adaptada en Batman no tuerza
dos películas que no emocionaron ni al Destripador.
tantito.
Sin embargo, cuando surgió la
adaptación de Gotham by Gaslightt todo
fue nuevo: dirigida por Sam Liu,
 la animación no es que sea fiel al material
gráfico, sino que es perfectamente
representativa de su escencia; no es
Mignola pero está Mignola todo el
tiempo. Las licencias que la animación se
toma con respecto al texto original son
para dar ritmo al desarrollo de la historia
que, en definitiva, parece novela
policiaca; y a nosotros que casi no nos
fascina ver al mejor detective del mundo
resolviendo casos con todo en contra.
Esta adaptación no baja el tono por
ser “caricatura”, y vemos toda la crudeza
La imagen que desata los acontecimientos violentos
promocional de que hacen que Gotham by Gaslight
Gotham by Gaslight destaque porque a fin de cuentas es la
muestra a Batman al historia del más grande y misterioso
lado de Selina Kyle, asesino serial contra el más grande y
su aliada en la misterioso detective.
batalla contra Jack La animación es perfecta, los trazos
the Ripper / Batman deliberadamente angulosos muestran las
el espadachín / manos de los personajes como armas
Bellísima y oportuna punzantes y los lineales rostros muestran
viñeta de Mignola / el terror, la maldad y la determinación
La adaptación a que Bruce Greenwood y Jennifer
animación proyecta Carpenter imprimen a las voces de sus
mucho de lo que la personajes, Batman y Selina Kyle,
obra original respectivamente.
significa. Estos actores también imprimen el
tono de las actuaciones a su alrededor;
Greenwood no es glorioso como Kevin
Conroy, pero muestra justamente ese
lado más inquisitivo e introspectivo de
un Batman del siglo XIX, mientras la
provocadora Selina Kyle es, en cierto
modo, quien impulsa la acción,
demostrando que ninguna época es
buena para la sumisión si eres una mujer
gato al servicio de la justicia.
Al ser Gotham by Gaslightt el primer
Elseworld creado y siendo su versión
animada tan afortunada, podemos pensar
que el rumbo que toman las adaptaciones
puede empezar a enderezarse y que muy
pronto veremos otro Elseworld para
rendirnos ante él.

GOTHAM BY GASLIGHT A LA VENTA EN COPIA

DIGITAL, ESTRENO EN BLU-RAY Y DVD EL
16 DE MARZO.

MARZO 2018 133

 TOP 10 EMPIRE
Hecho en México
y con intuición femenina
Para conmemorar el Día
Internacional de la Mujer,
pero para verlas todo el año.
POR ANAID RAMÍREZ
LA MISMA LUNA, 2007
Al ser ella quien lo cuidaba, la muerte de su
abuela motiva a Carlos (Adrián Alonso) a
cruzar la frontera a como dé lugar para
reencontrarse con su madre, Rosario (Kate
del Castillo), quien vive indocumentada en
Estados Unidos. Si bien es un tanto
palomera y el dramatismo está a la orden
en cada cuadro, esta ficción tocó varias
emociones y le permitió a Patricia Riggen
tener un debut de ensueño —ese año
superó, al igual que Arráncame la vida y
Rudo y Cursi, los 100 mdp en taquilla—.
R su peso, un triángulo amoroso y lo que
INTIMIDADES DE
SHAKESPEARE Y VÍCTOR
HUGO, 2008
La abuela de Yulene Olaizola, directora de
este documental, era dueña de una casa de
huéspedes en la colonia Anzures. Cuando
la cineasta tenía apenas 10 años conoció a
uno de los inquilinos, Jorge Riosse, un tipo
134 MARZO 2018
que tocaba la guitarra y pintaba cuadros.
La abuela lo define por eso como “un
genio”, pero también admite que tenía
comportamientos extraños y sospechaba
que en realidad se trataba de un asesino.
Este confesionario familiar le valió a
Olaizola el premio a la Mejor ópera prima
en los Ariel de 2009.
PARAÍSO, 2013
La romcom de este conteo va por cuenta de
Mariana Chenillo. Carmen (Daniela
Rincón) y Alfredo (Andrés Almeida)
forman un joven matrimonio de gorditos
felices que dejan su casa en Satélite para
mudarse a un departamento en el
entonces DF. Además de tener que
adaptarse a su nuevo espacio, a los
trabajos y estrés de la urbe, la pareja se
enfrenta por primera vez a problemas por
parece el fin de su felicidad.
NO QUIERO DORMIR SOLA, 2012
Un relato cimentado en dos personajes
femeninos sutilmente delineados, pero
que adquieren gran fuerza por quienes los
interpretan. Amanda (Mariana Gajá) es
una chica que no puede conciliar el sueño
si pasa sola la noche y por eso busca
Una maravillosa amantes ocasionales, hasta que se ve
película producto obligada a cuidar a su abuela (Adriana
del ingenio de una Roel), una actriz retirada y alcohólica. El
mujer extraordinaria: reencuentro atropellado de ambas y la
Los Insólitos Peces forma en que lidian con sus diferencias le
Gato. permitió a Natalia Beristáin ganar el
premio a Mejor largometraje en el FICM.
VUELVEN, 2017
Issa López exploró los peligros a los que
están expuestos los niños huérfanos por la
violencia, a partir de la fantasía y el horror.
Así conoces a una bandita que vive en la
calle liderada por El Shine (Juan Ramón
López) y a su nueva integrante, Estrella
(Paola Lara), quien a sus 10 años lidia con
el asesinato de su madre y la extraña
forma en la que se cumplen sus deseos.
Stephen King y Guillermo del Toro fueron
algunos de los másters del género que le
dieron “like” a la película.
DANZÓN, 1991
El tercer largometraje de María Novaro y
uno de los mejores protagónicos de María
Rojo (Julia). La historia es la de una mujer
de 40 años y madre soltera cuya pasión es
el danzón, y lleva varios años
compartiendo bailes con Carmelo (Daniel
Rergis). Cuando éste desaparece, Julia
viaja a Veracruz, lugar que le cambiará
la vida para siempre.
LA CASA MÁS GRANDE
DEL MUNDO, 2015
Ganadora del Premio especial del
jurado en Huelva y nominada al Oso de
Cristal en Berlín, esta cinta retrata la
travesía de una niña maya, Rocío
(Gloria López), que se enfrenta al
mayor de sus retos hasta ese momento:
encargarse sola de su rebaño de ovejas.
La nueva aventura de la pequeña es
también un desfile de emociones que
López encarna muy bien gracias al
trabajo en dirección que realizaron en
conjunto la mexicana Lucía Carreras y
la guatemalteca Ana V. Bojórquez.
EL COMETA, 1999
Dirigida por Marisa Sistach y José Buil,
el filme está enmarcado en el paso del
cometa Halley, los meses predecesores
al inicio de la Revolución Mexicana y
los primeros tours del cinematógrafo en
México. El padre de Valentina (Ana
Claudia Talancón) es asesinado por
conspirar en contra de Porfirio Díaz,
por lo que la adolescente debe
encontrar la manera de llevar dinero
hacia Texas, donde se encuentra
Francisco I. Madero, para financiar la
rebelión. La chica encuentra en un circo
la forma de llegar a su destino sin saber
que de esa forma conocerá también a su
primer amor, Víctor (Diego Luna).
TEMPESTAD, 2016
De nuevo un documental. Esta vez
prepárate para ver un relato crudo y
doloroso, pero que disfrutarás por lo
bien contado que está. La cineasta
Tatiana Huezo entrelaza dos casos de
mujeres que han sido víctimas de la
violencia y de la corrupción en México.
Por un lado encontrarás a Miriam, una
mujer encarcelada por un crimen que
no cometió, y por el otro a Adela, quien
ha buscado por más de una década a su
hija desaparecida.
LOS INSÓLITOS
PECES GATO, 2013
A partir de una vivencia personal,
Claudia Sainte-Luce armó este relato
con la capacidad de conmover hasta a
los corazones de piedra. La historia
presenta a Claudia (Ximena Ayala), una
joven solitaria que llega a la familia de
Martha (Lisa Owen) en el punto más
incómodo pero el más oportuno: la
mujer tiene VIH y está por dejar
huérfanos a sus cuatro hijos. Sin notarlo,
Claudia se convierte en la confidente y
fuerza de cada miembro, y poco a poco
pasa a formar parte del clan.
Fernando Rivera Calderón El cine o la vida
LA GARGANTA MECÁNICA
LLEGARÁ EL DÍA EN QUE las futuras de fotografías de “celebridades” posando
generaciones tendrán claro que la en ese lugar como si fuera un jodido
tradición mexicana del Día de Muertos diorama de Disneylandia, cuando en
viene de la película Coco y de una escena de realidad se trata de una reserva natural.
acción en un viejo filme de James Bond. Me pasó algo similar en el desierto de
Sabrán, porque así lo dirán los libros, que la Wadi Rum, en el Reino Hachemita de
Ciudad de México fue declarada “pérdida Jordania. Dicho desierto es famoso en
total” en Guerra Mundial Z durante la Occidente porque ahí fue donde se filmó
invasión zombi y que los mayas se Lawrence de Arabia, por lo que el guía nos
extinguieron en una película de Mel puso la película en el camión
Gibson. Que Eugenio Derbez mientras nos adentrábamos en el
era el prototipo del “macho MI área. En realidad ahí ocurrió la
mexicano” y que la autora RECOMENDACIÓN rebelión árabe ante el
de “Las dos Fridas” era Pequeña gran vida Imperio Otomano y mucho
Salma Hayek con bigote. (Downsizing, 2017). Si te más que eso. Si bien ver esa
El impacto del cine gustaba ver al Chapulín cinta en el punto donde fue
para contar historias y Colorado bajo los efectos filmada es una experiencia
apropiarse de ellas quizá de la “Chiquitolina”, no que supera mirarla en
termine arrancando de tajo te la puedes perder.  “Panavisión”, nada se
la raíz de las historias mismas. compara con el desierto mismo.
Muchos de los cuentos clásicos de la No por nada también en ese desierto
literatura infantil se le adjudican a Disney se filmaron Misión a Marte, Planeta Rojo
y no a Perrault ni a Carlo Collodi, pero el y The Martian. Pero ese lugar fue alguna
mismo Perrault o Bram Stocker (en el caso vez parte del Mar Rojo y estuvo habitado
de Drácula) también recogieron viejas desde la prehistoria por distintas tribus
historias orales para convertirlas en libros y dioses, y hay petroglifos y montañas
a la venta. Los autores originales se asombrosas que transforman para siempre
volvieron del dominio público y los a quienes lo visitan.
“ganones” fueron los últimos que llevaron Hay escritores que se sienten más
la obra a “Derechos de Autor” asegurando orgullosos de lo que han leído que de lo que
que era de ellos. han vivido. Hay personas que viven a través
Hace poco más de una década fui a de sus series o filmes favoritos. Me
Nanciyaga, un lugar cerca de Catemaco, compadezco un poco de ellos… y de mí,
Veracruz, donde hay especies vegetales a veces. Si el cine o las series tienen el éxito
y animales extraordinarias. Sin embargo, que poseen es porque se parecen a la vida,
los guías y turistas sólo se excitaban cuando pero no son la vida. En teoría, la vida
recordaban que en ese sitio fue donde Mel tendría que ser mejor. El mundo no es un
Gibson grabó varias escenas de Apocalypto. espacio de memorabilia ni el lugar donde
Me dio penita ajena que a nadie le se filmaron nuestras historias favoritas. Es
interesara nada que no tuviera que ver con mucho más que eso. Todavía.
el mundo del cine. Al final había una galería Afortunadamente.
MARZO 2018 135
 Pez fuera
del agua
La estrella Michael Palin nos
habla del improbable héroe Ken
Pile en A Fish Called Wanda.

POR CHRIS HEWITT

MICHAEL PALIN TIENE dos premios

BAFTA en exhibición en la oficina de su casa, en
Londres. Bueno, “ligeramente escondidos”, dice
el ex-Python. Uno marca un Fellowship de la
Academia que le fue otorgado en 2013 por su
trabajo en televisión. El otro es testamento de la
que tal vez haya sido su mejor interpretación:
como el tartamudo enamorado Ken Pile en la
comedia clásica de John Cleese, A Fish Called
Wanda, por la que ganó como Mejor actor de
reparto en 1989. “No estoy seguro de cuál es el de
Wanda. Creo que el que necesita una pulida”,
revela. Con la película a punto de cumplir 30, nos
contó cómo fue su acercamiento para interpretar
al alma secreta de la película.

EL PRINCIPIO
“John y yo nos reuníamos regularmente entre
otros trabajos”, dice Palin sobre el guionista y
estrella de Wanda, y compañero con los Python.
El dúo acababa de terminar Monty Python’s The
Meaning of Life cuando Cleese, por casualidad,
mencionó que escribía una comedia (entonces
llamada Un pecesito dorado llamado Wanda).
“Quería un personaje que tartamudeara. Sabía
que mi padre tartamudeaba y John, con su gusto
por la investigación, sintió que debería hablarme
de cómo debía ser el tartamudeo para que lo
hiciera bien. Me dijo que escribiría el papel y que
yo era la persona obvia para interpretarlo”,
recuerda Palin. LA APARIENCIA
Trabajar de cerca con Hazel Pethig, quien había
EL TARTAMUDEO sido el diseñador de vestuario de los Python
El padre de Palin, Edward, quien murió en 1977, desde el principio, desarrolló la apariencia
tartamudeaba mucho, pero Palin gentilmente distintiva de Ken, desde los pantalones
niega haber interpretado a Ken como un tipo de ligeramente apretados y cortos hasta su
tributo. “No lo creo”, reflexiona. “No sé si sorprendente permanente. “Hicimos algunas
hubiera aceptado la parte si mi padre hubiera pruebas en las que me ricé el cabello. Cada vez
seguido con vida, para ser honesto. Siempre he salía vapor de mi cabeza y mi cabello se quemaba.
pensado sobre esto y creo que habría sido difícil Así que fui con un estilista que me hizo un
para mí”. Palin aceptó el trabajo con una permantente espantoso. Creo que le dio un
condición: que el tartamudeo de Ken no infarto a John, pero después lo hizo reír”. La
definiera por completo al personaje. “Hay una decisión de Palin significó que tuvo que andar así
fiereza y fuerza en Ken que lo hace más que el en la vida real durante las ocho semanas de
centro de las bromas. No quería que lo fuera”. filmación. “Mi matrimonio casi se va al caño”.

136 MARZO 2018

 EL BESO
“Una forma placentera de actuar” es como Palin
describe la escena donde Ken es besado por
Wanda (Jamie Lee Curtis) en su diario bestseller
El matón mezquino Halfway to Hollywood. “Fue el mejor beso de mi
Ken Pile (Palin) tiene carrera en el cine, ¡pero no hay mucha
una pasión por las competencia!”, recuerda riendo. La escena se
piscinas / repitió dos veces, una vez al principio de la
Preparándose para filmación y otra al final, en repeticiones de
ese beso con la tomas, aunque Palin insiste que no tuvo nada que
estafadora Wanda ver con él. “No creo que tuviera tanta influencia”.
Geschwitz (Jamie Lee La idea de que el beso libera a Ken, quien
Curtis) / La locura se brevemente pierde su tartamudeo después, fue
desata cuando Ken de Curtis. “Es muy inteligente”, señala Palin de
intenta matar a Eileen su coestrella. “Fue una escena muy buena en la
Coady / El novio de que te das cuenta de que en el fondo, este hombre
Wanda, Otto (Kevin sólo quiere amor”.
Kline) y su típica
tortura / A Wanda, EL INTERROGATORIO
Ken y Otto se les une La escena clave de Ken lo muestra sufriendo a
el abogado Archie manos de Otto (Kevin Kline), quien lo tortura
Leach —el guionista para sacarle información (“¡Es una astilla en tu
de Wanda, John nariz!”), mientras se come al amado pecesito
Cleese—. mascota de Ken. Si parece que Palin estaba
incómodo es porque lo estaba. “Estuvo bien
porque sabía que tenía mucho potencial cómico”,
dice. “Hay un momento en el que Kevin mete
una manzana en mi boca y eso no estaba en el
guion, así que apenas podía respirar, pero la
gente se moría de risa”. Las astillas en la nariz
tampoco ayudaron. “Trata de meterte papas a la
francesa en la nariz y mantenerlas allí durante
tres horas. No se puede”. Las soluciones
propuestas —astillas con puntas redondeadas y
mucha Vaselina— le rasgaron la mucosa interior
a Palin.

LO QUE SIGUIÓ
Mientras que el tartamudeo de Ken provocó
cierta crítica, en general fue aceptado dentro de
la comunidad tartamuda y tuvo un beneficio
adicional: “Me involucré con un grupo de gente
que estaba tratando de crear un lugar de terapia
para niños tartamudos”, agrega Palin. Eso
eventualmente se convirtió en The Michael Palin
Centre for Stammering Children, cuya sede sigue
estando en Londres. “Eso fue un resultado muy
bueno de todo esto y creo que mi padre habría
estado orgulloso de mí”.
A FISH CALLED WANDA ESTÁ DISPONIBLE EN DVD
Y BLU-RAY.

Nuestra humilde opinión:

EL “Con un toque de comedia
VEREDICTO DE romántica y maravillosas
interpretaciones cómicas,
este podría ser el mejor
A FISH momento para el
CALLED ex-Python”.
WANDA Extras notables:
+++++ Comentario de Cleese,
CERT PG entrevistas con el elenco,
documental de 1988.

MARZO 2018 137

 Cómo cometer el
atraco perfecto
El director de Logan Lucky,
Steven Soderbergh, nos
habla de los mejores tips
para un buen crimen.
POR JOHN NUGENT
COMO DIRECTOR DE Ocean’s
Eleven, Ocean’s Twelve y Ocean’s
Thirteen, lo que Steven Soderbergh no
sepa sobre realizar un golpe en pantalla
tal vez no valga la pena saberlo.
Y cuando salió del retiro este año,
después de cuatro, fue para Logan Lucky,
otra película de robo, aunque a un mundo
de distancia del refinamiento de las
cintas Ocean.
Comienza con un plan
Cada filme necesita un plan —que
idealmente debería ser un guion preciso
con una premisa fuerte—. En el caso de
Logan Lucky, es de la guionista
L lo posible o al menos expresar algún
138 MARZO 2018
desconocida Rebecca Blunt (tan
desconocida, de hecho, que surgió el
rumor de que no existe. Soderbergh lo ha
negado). “Necesitas una premisa central
que debe ser lo bastante sustancial como
para cargar con los atributos narrativos y,
con suerte, una buena cantidad de
personajes”, señala Soderbergh. Así
ocurre en Logan Lucky, que comienza
con la historia de dos hermanos
asaltando una carrera Nascar.
El tono
En Logan Lucky y la trilogía Ocean el
tono es enfáticamente travieso. “Las
describiría como comedias, aunque
Logan se desarrolla más en un ambiente
del mundo real que las películas de
Ocean, que siempre he considerado
fantasías”, comenta Steven.
Ponle atención a la logística
El robo debe tener sentido hasta cierto
punto. “Tiene que vivir en algún lugar de
deseo cumplido por parte de la audiencia. Steven Soderbergh
Requiere suficientes cambios en el motor con Adam Driver
para crear giros y reversas, y evitar que el (izquierda) y Daniel
público las adivine”, agrega. Las fallas Craig (derecha) en el
lógicas en el asalto suelen ser captadas set de Lucky Logan.
por las audiencias en las proyecciones de
prueba, y Soderbergh con frecuencia se
sorprende por lo que no les gusta. Pero ha
descubierto que el humor puede suavizar
el golpe lógico. “Si puedes esconder tu
parche narrativo con un chiste o a través
de una serie de bromas, es mucho más
probable que la gente se lo trague”.
Junta a tu equipo
Tener a un colorido grupo de
desadaptados es casi inevitable para un
buen golpe, ya sea Joe Bang —un Daniel
Craig rubio oxígenado— en Logan Lucky
o Basher Tarr —Don Cheadle con un
acento flamboyante— en las
producciones de Ocean. “El género se
presta para la creación de una gran
variedad de personajes”, explica.
“Usualmente tienes que involucrar a
varios especialistas. La gente que tiene
una habilidad atípica para hacer cierta
cosa suele ser muy rara... o al menos no
ser alguien común”. Pero después de
trabajar con el equipo cada vez mayor de
Danny Ocean, Soderbergh tiene un
consejo más: mantén pequeña a la banda,
por tu propio bien. “No es divertido
planear escenas con 11 personas en ellas.
De verdad que no”, suspira al recordar
esos episodios.
Espera lo inesperado
En Logan Lucky, los hermanos Logan
(Channing Tatum y Adam Driver)
establecen una lista de reglas para el robo
que planean. Dos de ellas son “espera lo
inesperado” y “lo malo pasa”,
que son tan ciertas que pueden ser
aplicadas con total facilidad a la
realización de una cinta. “Si sientes
resistencia debes preguntarte qué
elemento no está bien. Tienes que
analizar cada elemento de manera
individual”, amplía el director.
Ocean’s Eleven (de Dile a los demás sólo lo que
2001), estelarizada por necesiten saber
Brad Pitt como Rusty “Siempre hay un robo dentro de un
Ryan y George robo”, ríe Soderbergh, y es cierto. En
Clooney como Danny Logan Lucky hay un giro final que le es
Ocean / En el bar: Joe mostrado a la audiencia poco a poco: “La
Bang (Craig) con manera en que das la información es muy
Clyde Logan (Driver) importante; un acercamiento a la trama
en Logan Lucky. que tratas de crear, donde la audiencia
siempre está persiguiéndola un poco,
pero sienten que pueden alcanzarla. Y
claro, una vez que creen que lo hicieron,
es cuando das un giro y se dan cuenta de
que algo más estaba ocurriendo”, dice.
Mantén la música al frente
Una constante de Soderbergh para sus
trabajos es el ex DJ David Holmes, quien
musicalizó la trilogía Ocean y Logan con
su sello de jazz trip-hoppy. “David es una
parte crítica en estas producciones”,
considera Steven. “La música está
siempre al frente, con frecuencia hay
secuencias extendidas en las que no hay
nada más sino música”.
No te preocupes por la toma:
pon los ojos en el botín
El modelo de Soderbergh fue brincarse
por completo el sistema de los estudios,
manejando la distribución con su propia
marca y mercadeándola sobre todo a los
fans de NASCAR, que apreciarían la
locación en Carolina del Norte.
La idea era que él y sus colaboradores,
Channing Tatum y los demás, no tuvieran
que compartir ganancias con los
contadores de los estudios. Sin embargo,
a pesar de las críticas favorables, la
película luchó en taquilla. “El modelo
funcionó justo como debía hacerlo”,
concluye. “Sí, si eres un estudio el
resultado no es bueno, pero no somos un
estudio: teníamos un modelo diferente,
así que el resultado fue bueno... no el que
hubiera querido, pero bueno...”.
Sólo toma el dinero y huye.
LOGAN LUCKY ESTÁ DISPONIBLE EN DVD,
BLU-RAY Y DESCARGA.
MARZO 2018 139
 LA ÚLTIMA ESCENA
ETERNALSUNSHINEOF
THESPOTLESS MIND
Hay finales que van contigo y te siguen. Aquí se
revisan finales que se quedan para siempre.
POR ANAID RAMÍREZ
pues superan aun
sus errores”, le dice la asistente Mary (Kirsten Dunst) al Dr. Mierzwiak
(Tom Wilkinson) para impresionarlo, sin saber ella que meses antes ya
había logrado su objetivo pero todo eso se borró de su memoria.
Te explicamos —¿o recordamos?—: el doc tiene una clínica cuya
especialidad es eliminar de la mente de las personas aquello que parece
imposible dejar atrás y sólo provoca daño, oséase a los ex. Y justo luego de
un sugerente y tórrido romance, la joven y el médico están frente a frente
para atender a uno de los pacientes de su clínica —y protagonista de esta
historia del inventivo Michel Gondry—: Joel Barish (Jim Carrey).
Para el momento que aquí te describimos ya pasó poco más de una hora
del filme y sabes a la perfección en dónde estás parado: Joel, al saber que su
exnovia Clementine (Kate Winslet) —no se te ocurra hacer un chiste sobre
su nombre— se sometió a un proceso para borrar todos los recuerdos que
ella tenía de su relación, decide hacerle segunda. De ahí que las frases que
140 MARZO 2018
en ese instante recita Mary resulten de gran significado para lo que está
ocurriendo y lo que pasará hacia las últimas escenas de la película ganadora
al Mejor guion original en los premios Oscar de 2005.
Luego, en pleno proceso de reset, que ocurre en la madrugada mientras
el paciente duerme, Joel quiere suspenderlo todo para salvar sus memorias
con Clementine. Su inconsciente —o la versión más consciente del
personaje—, hace de todo con tal de mantener en su mente a la chica de
cabellos multicolor, como esconderla en su infancia o en el más remoto
recuerdo de una temprana humillación.
El laberíntico recorrido que hace el protagonista con el recuerdo de
“Tangerine”, como le dice a Clementine, muestra lo mejor y lo peor de la
pareja. Esto funciona para que te quede clarísimo que ya eran infelices,
pero también vincularte con gran fuerza a los dos personajes. Por eso te
duele profundamente cuando Joel despierta sin la más mínima idea de lo
que alguna vez vivió.
 Pero entonces aparece el Eterno resplandor de una mente sin recuerdos:
ya “curado”, el personaje de Carrey se revela a su rutina y deja ir el tren que
lo llevaría al trabajo para tomar otro con destino a la playa donde conoció a
la mujer que interpreta Winslet, y casualmente vuelven a toparse. Ya viste
esa escena en el prólogo de la cinta, pero ahora tiene más peso y podrás
descubrir más de lo que pasó después de ese encuentro.
Ambos personajes se vinculan de nuevo y, cuando empieza a haber
destellos de un romance, los dos descubren juntos que se sometieron a un
proceso de olvido. Escuchan grabaciones en las que cada uno se entera de
esos rasgos de su personalidad que ya no toleraba al otro.
Al instante se rompe el encanto —“Fue un placer conocerte y el resto”,
suelta ella—.
Tal vez eso les ayudaría a ahorrarse inestabilidades otros dos años
—“Cuánto tiempo perdido con alguien”, se escucha a sí mismo Joel en un
cassette grabado—.
O tal vez harán caso omiso de las advertencias que ellos mismos
registraron en las cintas —“Me aburriré y me sentiré atrapada, porque eso
es lo que me pasa”, argumenta ella—.
¿Pero qué hay de malo en eso? —“Ok”, dicen los dos—.
Así que en la última vez que observas a Clementine y Joel juntos, están
regodeándose de felicidad en una playa nevada —tal vez a forma de
despedida o quizá como un nuevo comienzo— mientras escuchas
“Everybody’s Gotta Learn Sometime” en voz de Beck.
Entonces cobra más sentido la segunda cita (de Alexander Pope) que
menciona Mary para coquetear con su examante: “¡Cuan dichosa es la
suerte de una virgen! El mundo olvida, el mundo olvidado. Eterno
resplandor de una mente sin recuerdos. Cada orador que se acepta y cada
deseo que se renuncia”.
ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND ESTÁ A LA VENTA EN DVD Y BLU-RAY.
MARZO 2018 141
 SOBREDOSIS
DE TV
Películas de
Heath Ledger
Una escritora. Un escritor.
Seis filmes al hilo.
Ora por ellos.
POR HAYLEY CAMPBELL Y CÉSAR HERNÁNDEZ
ILUSTRACIÓN WANT SOME STUDIO
ES DIFÍCIL DE CREER PERO hann
pasado 10 años desde que Heath Ledger no os dejó
su imagen,
g , alejándose
j en una ppatrulla de laa
policía de Ciudad Gótica. Con la cabeza por fuera
de la ventanilla como un perro que no da
concesiones acerca de su libertad. Con un
documental sobre el gran actor australiano
en el horizonte parece el momento perfecto
para ver las cintas que lo hicieron una estrella
tan indeleble en un lapso tan breve.
1:15 PM _ 10 THINGS I HATE
ABOUT YOU
Es imposible no empezar por aquí, así como
hubiera sido imposible comenzar por The Dark
K
Knight . Recuerdo, ya grandecito, conmoverme
por esta historia de amor tan afín a mí, una de
seres extraños como yo (yeah, ya quisiera yo).
Creo que eso es lo que hizo a la película tan
accesible. El personaje de Heath, de 19 años en
ese entonces, con su pelo horrible y esa cara de
delicuente juvenil, contra Julia Stiles que,
aunque bella, como que se desarrolló raro.
El chiste es que aquí cada uno aportó lo que sería
después y, obvio, bien pensado de Gil Junger
al poner a Ledger como un rebelde desaliñado y
seductor. Lo hizo brillante.
3 PM _ A KNIGHT’S TALE
En algún lugar entre el trasero desnudo de Paul
Bettany y Mark Addy haciéndose una túnica con
una cortina se me ocurrió que el carisma de
142 MARZO 2018
Ledger consiguió que a todos les gusten sus
filmes malos. ¡Este es uno! ¡Y es muy largo!
Otra vez Ledger construye un personaje a partir
de la desesperación. Otra vez un papel que
miente y usurpa para valer ante sí mismo.
Siento que hay un pequeño Joker en cada Heath.
6 PM _ NED KELLY
A Knight’s Tale rompió la barrera de las dos
horas, lo que indujo a una siesta a manera de
intemedio. Heath es un foragido, casi obligado a
serlo, en un dramononón australiano que parece
película de Pedro Infante con todo lo que sufre la
familia de Kelly y su banda de maleantes, hasta
tuvieron que matar a su caballo para comérselo.
Ya le gustó a Heath que lo ninguneen y lo
obliguen a hacer cosas que no quería, como
comerse a su caballo.
8:15 PM _ BROKEBACK MOUNTAIN
No he pagado por los videos de MasterClass que
todo mundo trata de vendernos, pero Kevin
Spacey diría que una buena actuación es sólo
murmurar, en cuyo caso Ledger es
extraordinario. Intento encontrar los subtítulos
pero Amazon Video no tiene. Incluso sin
escuchar lo que sea que esté diciendo, esta es una
de las producciones más románticas sobre tener
sexo con alguien porque está helando fuera.
Y eso precisamente es lo que me daba miedo de
la película: terminar justificando lo que el frío
provoca en nombre del amor.
10:45 PM _ THE DARK KNIGHT
Nadie imaginaria que The Joker besó hombres
en la cumbre de una montaña. Seguro lo
visualizas de joven cantando “I Can't Take my
Eyes off You” a una jovencita en desarrollo, pero
la forma en que Ledger construyó al Joker no fue
invento suyo: estaba en los cómics de Batman
pero nadie se atrevió a llegar ahí, nadie como él
logró exprimir la viñeta para sacar su propia
locura. Gracias a él, Jared Leto pudo hacerse el
loco sin demeritar al actor; pero a Ledger, como
a Jason Todd, lo mato el Joker.
1:45 AM _ I AM HEATH LEDGER
La única vez que me pregunté si me llevaría con
Heath Ledger fue cuando en este documental su
amigo de infancia cuenta que el lugar favorito de
Ledger era Burning Man, el peor lugar de la
Tierra. Aparte de eso, creo que habríamos sido
amigos. “¿Siente la gente su propia mortalidad?”,
pregunta uno. “Si alguien lo hizo, fue Heath”. Son
las 3 am y yo la siento. La siento ahora mismo.
I AM HEATH LEDGER ESTÁ DISPONIBLE EN
DVD Y BLU-RAY.
 Te lo dice un experto
Cada mes le pedimos a una
autoridad en su ramo sus tres
más grandes recomendaciones
para que tú no te gastes.
JUANFRA GONZÁLEZ
DIRECTOR EDITORIAL DE RUNNER’S
WORLD Y SPORT LIFE.
TODO EL QUE HAYA terminado una
carrera de 10 km sabe que el running es
superación y motivación. Por ello, estas tres
películas no muestran oros olímpicos, sino
historias que sólo unos pocos podrían vivir.
100 METROS (2016)
Esta producción española se basa en la
historia real de Ramón Arroyo, quien fue
diagnosticado con esclerosis múltiple. Su
médico le dice que llegará el día en que no
camine ni 100 metros: culmina el Ironman.
MCFARLAND (2015)
Después de un intento fallido como
entrenador de futbol americano, Jim White
debe aceptar el trabajo de profesor en una
escuela de hispanos, a quienes introducirá
al mundo de las carreras a campo traviesa.
CHARIOTS OF FIRE (1981)
Este clásico cuenta la historia de cómo
Harold Abrahams y Eric Lidell se abren
camino hacia los Juegos Olímpicos de
1924, empujados cada uno por sus
propias motivaciones personales.
MIS
ENTREVISTAS
ZOE SALDANA
Mario P. Székely recuerda sus
mejores charlas con directores
y actores de cine.
POR MARIO P. SZÉKELY
POCAS Y NADIE COMO Zoe Saldana,
quien ha participado en más de una franquicia
que se alimenta de la cultura pop, como Star
Trek y Guardianes de la Galaxia, sin olvidarnos
de la ahora en construcción Avatar, de James
Cameron. Su presencia en pantalla está tan
llena de gracia y poder en cuerpo y mirada, que
en automático la convierten en una verdadera
amazona espacial.
La primera lección que me dio Zoe es la
obligada para quien la conoce. La “e” de su
nombre tiene acento tácito y como buenos
latinos debemos recordarlo, pues en tierras
anglosajonas suelen enredarse con la
pronunciación. “Sólo por favor no me digan
‘Zo’ porque creo que les falta una sílaba para
terminar”, dice sonriendo y sin ánimo de
molestar la nacida en Nueva Jersey, cuyo
padre era dominicano y su madre,
puertorriqueña.
La segunda lección que obtuve es que Zoe,
desde pequeña, amaba la ciencia ficción. Su
madre puso en sus manos el libro de Frank
Herbert, Dunas, y cuando la adolescente volteó
a ver Alien, con Sigourney Weaver, soñaba con
ser como la guerrera que cazaba a estos
monstruos espaciales.
En su vida, la fuerza venía de su mamá,
quien jalaba las riendas de su familia tras la
muerte temprana de su marido en un accidente
de auto, cuando Saldana tenía nueve años. 
“Mi mamá amaba al personaje de la Oficial
Uhura, del Enterprise, en la teleserie original
de Star Trek (1966), y cuando Steven Spielberg
me invitó a personificar una ‘trekkie’ en La
terminal (2004), mi mami fue la primera en
darme unos DVD para que me informara bien
del personaje”, me reveló Saldana con orgullo
y entusiasmo, dos palabras que son
combustible en esta mujer que, siempre que
puede, habla español y promueve a los latinos.
En Avatar, Saldana es la voz de la misma
naturaleza, alienígena aun para el hombre que
quiere conquistarla, y sensual y materna para
quien se atreve a verla de cerca.
“Le debo a mis años de ballet siendo niña
y jovencita que pueda ahora deslizarme y
combatir en las películas de acción. Recuerdo
que lo que me inspiraba cuando estaba
creciendo era ver roles femeninos activos en
vez de sólo los emocionales. Para mí no es
natural una mujer sólo pasiva, alguien que nada
más responde a las acciones de otra persona,
porque yo no soy así. Entre más creces te das
cuenta de que la gente joven ve lo que haces,
escucha lo que dices. Tengo una sobrina y es
muy importante para mí que ella entienda que
puede hacer y lograr lo que se propone si lleva
su mente en ello”, aseguró en ese entonces Zoe,
sin problemas para comunicar sus emociones.
Ahora, casada y madre de tres hijos —unos
gemelos incluidos—, parece mentira que Zoe
comenzó a tomar vuelo hacia su carrera de
artista cuando de niña se buscaba en la
televisión y no encontraba a alguien similar en
tono de piel. Después Saldana definiría para sí
que más allá del color, lo importante es el
espíritu humano que enfunda a cada uno, desde
el ama de casa hasta la alienígena de tez verde
que decide pelearse con su hermana por quién
pilotará la nave de regreso a casa.
MARZO 2018 143
 EL TRAJE AZUL DE AUSTIN
“Mike quería que la audiencia pudiera
ver cualquier escena y saber de
inmediato que se trata de Austin Powers.
Esperábamos que la gente se vistiera
como Austin Powers en Halloween (y lo
hicieron). Eso nos retroalimentó mucho
sobre su estilo, sus lentes, dientes y
Ahora que Austin Powers cumple 20 años, cabello. Fue la lección más importante
la diseñadora de vestuario Deena Appel que aprendí de Mike. Sin embargo, él
nos muestra su libro de bocetos. hubiera estado feliz vistiendo el mismo
traje azul en las tres películas. Yo pensé
POR CHRIS LAVERTYI que como hombre de misterio
internacional debería tener un
guardarropas extenso, pero al repetir el
traje azul de vez en cuando y de
EL PRINCIPIO DEL GUION para Austin Powers: película en película, manteniendo la
International Man of Mystery muestra que, incluso al inicio, el misma silueta pero cambiando la
creador Mike Myers era un hombre que sabía lo que quería —y tela, creamos un personaje
eso era que su espía fachodélico vistiera el tipo de ropa que le identificable al momento.
daría de comer a las tiendas de Carnaby Street—. Dice: Estaba de compras en
“Comenzamos con un par de BOTAS BEATLE y pantalones de Melrose Avenue y me
terciopelo con botones caminando por la calle con un ritmo tipo topé con un ‘símbolo
Saturday Night Fever. Hay un paneo para mostrar a Austin masculino’ en una
Powers, International Man of Mystery”. cadena con una
Desde el principio, la ropa de Austin Powers hizo al hombre, esfera plateada e hice
y aunque Myers tenía una idea en mente, la diseñadora de que rellenaran los
vestuario Deena Appel fue la encargada de realizarla e ir más hoyos —un toque fálico,
allá. Ahora, mientras que Austin —el personaje y el filme— algo que le gustaría a
cumple 20, Appel nos mostró en exclusiva su cuaderno de Austin—. La forma del traje
bocetos de la cinta original de 1997. fue el resultado de estudiar

144 MARZO 2018

 a George Harrison en esa época. Harrison
fue mi mayor influencia para Austin. MODELOS DE
Tenía una manera formal de vestir co
on CARNABY STREET
mucho estilo y sentido del humor”. “Desde el princip pio implanté un código
muy estricto paraa colorear el mundo de
EL TRAJE ROJO DE AUSTIN Austin y mantenerlo vívido pero no
“Cuando leí el guion por primera vez,, me doloroso de ver. E Elegí colores muy
inspiró. Investigué mucho incluso antes gráficos y claros, patrones con alto
de que me dieran el trabajo. Mike Myyers contraste y evité tonos más neutros. Mike
había trabajado en el personaje como o estaba canalizando la sesión fotográfica
homenaje a su padre y su amor por la de Blow-Up (1966 6) y yo quería que los
época. En el guion había descrito a Au ustin tres modelos quee Austin fotografiara
en traje de terciopelo y camisa con olanes, resultaran tan escandalosos como fuera
y un traje de Blofeld, de James Bond, para posible. Fue un reto emocionante y las
el Dr. Evil. Ese fue el punto inicial. ideas me fluían con libertad. Diseñé más
Todo el guion estaba descrito de 12 trajes divertidos, tontos, extremos y
en colores vívidos con Austin más avant-garde, y tuvimos que quedarnos
psicodélico y el mundo del Dr. Evil con nuestros tress favoritos.
con acentos rojos y amarillos. Cuando El traje de juego de gato se me ocurrió
me reuní con el director Jay Roach por mientras me daban un masaje. Estaba
primera vez, le expresé mi confusión n trabajando como loca y exhausta, así que
y preocupación de que hubiera tanto o finalmente logré relajarme una noche y
color a lo largo del filme, y sugerí quee el las ideas surgieroon. El vestido de plumas
COLLECTION CHRISTOPHEL

Austin (Mike
mundo del Dr. Evil fuera completamente fue el más sencillo de todos: construir una
Myers) en su típico
monocromático para contrastar con la forma, cubrirla co on plumas y completarlo
traje azul. George
explosión de color de Austin —de esaa con una jaula parra pájaros, con todo y un
Harrison, de The
forma, cada vez que estuvieras en el ave cantante en eel peinado de la modelo.
Beatles, fue la
universo del Dr. Evil, ansiarías por co olor y Al final, me encan ntó la idea de un vestido
musa sartorial de
viceversa. A Jay le gustó la idea y así fue de plástico por coompleto impráctico con
Deena Appel.
como ambos mundos fueron dividido os bandas estratégiccamente ubicadas
desde ese momento”. rodeando el cuerp po de una mujer.

MARZO 2018 145

 Mi padre, quien era constructor, me
ayudó a realizar ese vestido en un negocio
local de Lucite/Plexiglas”.
DR. EVIL
“El Dr. Evil fue escrito como homenaje a
Blofeld. Quería que se sintiera como de
periodo y no chocara con la silueta de
Austin, así que pensé en el collar Nehru y
el frente de tapeta oculta (que elimina los
botones). Además, el color debía ser gris
para cumplir con nuestra estricta paleta
monocromática.
“Adaptar la idea del traje fue fácil,
pero confeccionarlo fue una pesadilla.
Teníamos que cambiar por completo la
silueta de Mike para ayudar con la ilusión
de que ambos hombres eran
interpretados por personas diferentes.
Eso significó ponerle a Mike una panza
de barril que hicimos con un traje
interior acolchonado. Puesto que el traje
requería cubrirlo hasta la garganta, hacer
esa forma redonda con gabardina fue un
gran reto. Si te fijas bien, agregué un
bolsillo vertical al frente para que Mike
146 MARZO 2018
lo usara como refereencia a Napoleón. Le
encantó la idea pero nunca lo usó, así que
lo eliminé después d
de la primera cinta”.
LAS FEMBOTS
“Las Fembots, conceptualmente, fueron
inspiradas por el filme italiano Danger:
Diabolik (1968), que estrenó al mismo
tiempo que Barbarella. En ese momento
había algo en el aire que fue influenciado
por Paco Rabanne, quien tuvo que ver
con Barbarella. Toda la sci-fi de la época
se inserta en la estética de los 60”.
Los pequeños ojales circulares de la
parte alta de las Fembots fueron una
manera de disfrazar los cañones de las
pistolas en los acercamientos. En las de
una de las actrices había un sujetador que
permitía que salieran chispas y un poco
de humo para completar el efecto.
“También tenía la idea de que cuando
el Dr. Evil creó las Fembots, no le salieron
bien las manos, por eso hacía que usaran
guantes. Eso no se menciona en el guion
o la película; fue una idea que quise seguir
mientras desarrollaba su look”.
 AUSTIN COORDINADO
“Austin siempre usa las mismas botas
Chelsea. Son vintage en la primera
película, pero pedí que las hicieran de
nuevo para las secuelas. Siempre utilicé
la misma silueta estilizada para Austinn,
pero los pantalones a rayas, sus camisas
con puntos y sus pañoletas me dieron la
oportunidad de añadirle más a su estilo”.

LOS TRAJES PLATEADOS DE

AUSTIN Y VANESSA
“Estos trajes son de un personaje
conceptual que no está en el guion y yo
propuse. En Dr. No (1962), el villano h
hace
que sus prisioneros se cambien de rop pa.
Bond termina con una chaqueta Nehrru y
Ursula Andress con un brocado chino que
era popular en los 60. Me encantó la iddea
de que Dr. Evil no pudiera enfrentar a
Austin y Vanessa en su ropa normal, así
a
que hacía que se vistieran con algo máás
apropiado para él antes de ser escoltados
ante su presencia. Con ese concepto en
mente, fue fabuloso diseñar la
combinación plateada de piel más
Austin vistiendo su llamativa y sexy para ambos. La
espectacular traje inspiración del Dr. Evil también proviiene
plateado de Dr. de los 60, así que eso nos daba una pista
Evil, frente a las las sobre la vestimenta de sus prisioneros”.
Fembots
inspiradas en AUSTIN POWERS: INTERNATIONAL MAN OF
Barbarella. MYSTERY ESTÁ DISPONIBLE EN DVD Y BLU-RAY.

MARZO 201 8 147

 1¿Cuáles son las últimas palabras de Jaime
Lannister antes de empujar a Bran de la
torre en Game of Thrones?
“Ah, eso es fácil: ‘Las cosas que hacemos por
MOVIE amor’. Hazlas todas así de fáciles”.
Correcto
MASTERMIND
2 En The Other Woman, ¿qué le echa Kate a
los smoothies de Mark y qué efecto tiene?
“Les pone hormonas femeninas y sus pezones se
inflaman. Todavía tengo esos pezones en mi casa
de verano. Me probé varios en el cuarto de
maquillaje y estos fueron los elegidos por todas

NIKOLAJ COSTER-WALDAU las chicas”.

Correcto

¿Se sentará en nuestro trono de juegos?

3 En Gods of Egypt, ¿qué ojo pierde Horus?
“Tengo un 50 por ciento de oportunidades de
atinarle. Lo recupera… Diría que es el izquierdo”.
Correcto

POR OLLY RICHARDS

4 En Headhunters, ¿de qué artista asegura
Clas haber heredado una pintura?
“Fue robada por los nazis. Dijo que era un…
¿Rembrandt? No, ¿es otro artista con ‘R’? No sé”.
No. La respuesta correcta es Rubens.

148 MARZO 2018


5 ¿Cómo es acreditado tu personaje en
Kingdom of Heaven?
“Bueno, hay dos versiones diferentes. En la
original fue el sheriff del pueblo, pero grabé
como el sobrino del personaje de Liam Neeson,
cuyo nombre no recuerdo. Estábamos filmando y
Robert Pugh, quien interpretaba a mi padre, me
dijo: ‘Entiendes que todas estas escenas serán
cortadas, ¿cierto?’. Le dije que esperaba que no
y me respondió que lo serían, y tuvo razón.
Así que pasé de ser familiar de Liam Neeson
a ser sólo el sheriff del pueblo”.
Correcto.
6 En Wimbledon interpretaste a Dieter
Prohl. ¿En qué ronda el personaje de Paul
Bettany te elimina del torneo?
“Esa es una muy buena pregunta. Diría que esos
dos amigos se toparon en los cuartos de final o la
ronda anterior. Diré que los cuartos de final. Hay
un momento en el que caminamos hacia una
multitud y un niño llega corriendo porque pensó
que éramos tenistas de verdad. Le firmé algo
como Björn Borg. Estaba encantado”.
La respuesta correcta es en la tercera ronda.
Con base en los resultados taquille-
ros al cierre de esta edición, EMPIRE
RESULTADO FINAL
5.5
7 ¿Cuál es el nombre de la estación espacial
en Oblivion?
“Uy, definitivamente no sé”.
La respuesta correcta es Tet.
8 ¿En qué año estrenó tu primera película,
Nightwatch?
“1994. ¿Cómo podría olvidar eso?”.
Correcto.
9 Tu personaje en Enigma es conocido por el
apodo Puck. ¿Cuál es su nombre real?
“Recuerdo que su apellido es Pukowski. Su
primer nombre… mierda. ¿Es Jonas? ”.
Medio punto. La respuesta es Jozef
Pukowski.
10 ¿Cuál de los dragones de Daenerys casi
mata a Jaime en el episodio “The Spoils
of War” en Game of Thrones?
“¿Fue Rhaegal? (Le decimos la respuesta)
¿Drogon? ¡Es un nombre flojo para un dragón!
George R.R. Martin es impresionante con los
nombres. En esa serie los nombres son ridículos.
La respuesta correcta es Drogon.
EL PODIUM
asigna medallas de oro, plata y
bronce a las cintas que viste en
meses pasados.
1º THE SHAPE OF
WATER
224.19 MILLONES DE PESOS
EN MÉXICO.
67.48 MILLONES DE DÓLARES EN
TODO EL MUNDO.
En nuestro país hubo derroche de amor
y de boletos por la nueva película de
Guillermo del Toro, tanto que en su
sexta semana de exhibición seguía en
el box office nacional y en el segundo
lugar. “El hecho de que a la audiencia
en mi país le haya gustado significa
el mundo entero para mí”, dijo el tapatío
ante el promisorio debut que tuvo en
México su cinta.
2º THE GREATEST
SHOWMAN
226.98 MILLONES DE PESOS
EN MÉXICO.
295.65 MILLONES DE DÓLARES EN
TODO EL MUNDO.
Pese a que las críticas no favorecieron
a la empalagosa biopic de P.T. Barnum,
el público mexicano y de otros países
se volcó a las salas para disfrutar de
este musical, cuya canción original “This
is me” está nominada al Oscar. El filme
estuvo más de seis semanas en la
cartelera mexicana y tuvo incluso
funciones de sing along —karaoke en el
cine, pues—.
3º UNA MUJER SIN
FILTRO
100.4 MILLONES DE PESOS
EN MÉXICO.
SIN ESTRENO FUERA DE MÉXICO.
Sólo estrenó en nuestro territorio, pero
la cantidad de asistentes que convocó
la hace merecedora de la medalla de
bronce de este podium. Si bien muchos
estaban un tanto preocupados de lo
que resultaría esta adaptación a la
mexicana de una película originalmente
chilena, los resultados económicos
respaldan que fue, en ese sentido, una
buena decisión.
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ANAID RAMÍREZ

Disponible en DVD
La reina de Versalles

¿DE QUÉ VA?

SE PARECE A

PONLE PAUSA
hadas, pero con hechos reales.

PELÍCULA O SERIE
EEDITORS’ CHOICE

A Cenicienta o cualquier otro cuento de

checa la pintura que aparece en los 18’15’’.

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mansión, pero una crisis amenaza con la ruina.

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Un matrimonio multimillonario construye su nueva

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¿POR QUÉ LA RECOMIENDO?

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Por el cambio de rumbo que toma la historia original del

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documental y el tono tragicómico que domina la cineasta.

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EL ESTILO DE UN DIRECTOR
AARON SORKIN diálogo (a veces hay más de dos) de los
actores que van recorriendo los pasillos
Distintas cintas, épocas de donde quiera que se encuentren,
y géneros de un director seguidos por una cámara que no puede
en busca de su magia. cortar en ningún momento. En otras
palabras: si alguien se equivoca, está en
POR SUSANA MOSCATEL serios problemas. Pero qué gozosas son
esas escenas para los que nada más las
observamos.
Sorkin, como muchos de los grandes,
MOLLY'S GAME fue propuesta para
M se hizo en el teatro (A
( Few Good Men,
Mejor guion adaptado en las mucho antes del “You can´t handle the
nominaciones a los próximos Oscar, pero truth!” de un enfurecido Jack Nicholson,
no para Mejor dirección. Quizá no era el tuvo más de 500 funciones en Broadway).
resultado esperado por Aaron Sorkin, Su paso por la televisión ha dejado
quien por primera vez dio el salto de clásicos que tal vez en su momento no
dominar la página en blanco a la silla de fueron apreciados, como Sports Night
director. (por el que peleó y peleó con Disney para
Muchos actores se han quejado, que, como Chespirito decía, “no pusieran
aunque la mayoría lo goza, del hecho de risas grabadas por respeto al público”).
que al interpretar un personaje escrito The West Wing hoy en día suena
por el autor de A Few Good Men o The como una utopía. Siempre acusado
American Presidentt no hay manera ni
A de ser idealista hasta el pecado, Sorkin
autorización para cambiar una sola sílaba tenía una serie de grandes personajes
de lo que está en la página. Y con el pasar con defectos serios, pero extraordinarias
de los años ni siquiera los directores o intenciones que empezaban por el
productores se atreverían. presidente Bartlett —interpretado por
Con Sorkin existe la teoría de que Martin Sheen—. Hoy en día… ni para qué
siempre ha dirigido desde la página, y es acabar esa frase, ¿verdad?
algo que se puede ver prácticamente en En la televisión el escritor tiene
todos sus trabajos. Su “walk and talk” es mucho más poder que el director, pero en
ya un clásico y también un reto actoral el cine ése nunca ha sido el caso, así que
que sólo los grandes pueden superar. podemos entender por qué el escritor
Consiste, sin variación, en un complejo, más director de todos decidió irse
largo y siempre muy divertido e intenso también al otro lado con Molly´s Game.
Fue un año de mucha competencia y Aaron Sorkin y Jessica
probablemente por eso no se habla tanto Chastain en el set de
del extraordinario trabajo que hizo Molly's Game.
dirigiendo su propio texto, siguiendo su
propio ritmo sin nunca perder el control.
Cumpliendo con una de las cosas que más
me gusta decir de todos los trabajos de
Aaron Sorkin: “Con sólo escuchar 15
segundos de diálogo sabemos quién lo
escribió”. Eso lo platicamos con todo el
elenco de la cinta que por fin le dio su
Oscar, The Social Network, y todos
coincidían en ello.
Hace unos cuantos años, después de
haberlo entrevistado para su magnífica
serie The Newsroom, en donde nos decía
que actuaba frente al espejo cada uno de
los personajes que escribía, nos lo
encontramos en la fiesta de los Emmy
solito y de buenas.
Era la segunda temporada de la serie
y nadie sabía que pasaría con la tercera.
Le pregunté si seguiría narrando la vida
de los periodistas desde adentro de una
redacción. Con las crisis de poder, los
compromisos comerciales y políticos y
las buenas intenciones pervertidas, todas
expuestas; respondió: “Me encantaría, lo
estoy pensando. Pero si no siento que
puedo hacer algo superior a lo que ya
entregué, mejor me voy a lo que sigue.
O a dormir un rato, no sé”. Obvio no era
cierto; lo de dormir, porque lo otro lo
cumplió a cabalidad, cerrando con pocos
capítulos en la tercera temporada.
MARZO 2018 151
 MIS FAVORITAS
EMPIRE le pide cada mes a una figura del cine,
la sociedad o la cultura que enliste sus cinco movies
favoritas. Algunos aplican la presidencial y no
las recuerdan; otros las tienen muy presentes.

ELEGIDAS POR
De ahí, EMPIRE emite un diagnóstico de la salud
cinematográfica del pacientito.

MÓNICA HUARTE
POR ANAID RAMÍREZ

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acerca d z , e ll a re DIRIGIDA
IGI POR Stephen Frears
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D Por si había dudas de lo que
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energía : “¡ M a d re de Dio ¿ n o LOST IN TRANSLATION
T (2003) Frears podía
día hacer, este título se encargó de
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ser unas “Porque me gustan n las historias de desecharlas. El cineasta inglés recrea Francia
sí! Van a imposibilidades”. en el siglo XVIII pa
para mostrar una historia de
?”.
importa DIRIGIDA POR Sofía of Copp
Coppola venganza, seducc
ve ció
ón y perversión.
EMPIRE
MPIRE DICE Protagonizada
o da por Bill Murray
ySScarlett Johansson,
o aquí te encuent ntra
as con
el retrato de una de
e esas relaciones
destinadas al fracaso
acaso,
s pepero que regenera a
los involucrados.
lucrado

AMÉLIE (2001)
“Te da esperanza y crees en el amor
nuevamente”.
DIRIGIDA POR Jean-Pierre Jeunet LA PIANISTE (2001)
01
EMPIRE DICE El romance que vistió a París “Por Isabelle Huppert,
e ¡me fascina!”.
de tonos verdes y rojos, y el filme parteaguas DIRIGIDA POR Mic chael Haneke
en la carrera de la joven de ojos pispiretos, EMPIRE DICE Título que recibió tres
Audrey Tautou. Es fácil empatizar con Amélie premios en el festival de Cannes, uno de ellos
Poulain, la chica que siempre ayuda a quien se otorgó a su protagonista, Isabelle Huppert.
lo necesita y te conquistó con su peculiar La actriz da vida a una mujer dedicada a la
búsqueda del amor. música y que está bajo presión siempre a
causa de su madre, y encuentra una salida a
través de visitas a sexshops, cines porno y el
idilio que mantiene con uno de sus alumnos.
PÁRPADOS
ÁRPADOS AZULES
ULE
LE (2007)
“¡Simplementte me encanta!”.
DIRIGIDA APPOR Ernesto Contreras
EMPIRERE DICE
D Una cinta no apta para los
corazones
azo rotos. La ópera prima de Contreras
ofrece un acercamiento distinto a los
of
romances comerciales gracias a sus opacos
personajes, que brillan por las actuaciones de
Cecilia Suárez y Enrique Arreola.
DIAGNÓSTICO Sí prefiere
los romances, pero no cualquier
cosa. Mónica selecciona historias
que tienen algo distinto y que son
peculiares por la forma en que se
cuentan. Quizá por su profesión,
le gustan cintas con actuaciones
magistrales o que marcan la carrera
de quien las protagoniza.

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