Pintura manierista 1

Pintura manierista
La pintura manierista es un estilo artístico que predominó en
Italia desde el final del Alto Renacimiento (ca. 1530) y duró hasta
alrededor del año 1580 en Italia, cuando comenzó a ser
reemplazado por un estilo más barroco, pero el manierismo
nórdico persistió hasta principios del siglo XVII por gran parte de
Europa[1] hacia el año 1610. Se inició en la Roma de los Papas
Julio II y León X, y se difundió por el resto de Italia y de Europa.

Características
El término «manierismo» proviene de maniera moderna (término
que profiere de la Vite de Vasari), en referencia a aquellas obras
que se decían realizadas a la manera de los grandes maestros del
Alto Renacimiento. La imitación de las obras de Leonardo, Rafael
y Miguel Ángel hace que se produzcan imágenes artificiosas. En
cierto sentido, la propia grandeza de esos maestras cerraba las vías
a la creatividad artística, y a las jóvenes generaciones no les
quedaba sino la imitación. Es un arte propio de la época de crisis,
tanto económica como espiritual en el medio de la Reforma
protestante; los diversos problemas se ven simbolizados en el Saco
de Roma en 1527. Los comitentes no son burgueses, sino los En la Virgen del cuello largo (1534-40) de
aristócratas, mecenas que deseaban complicadas alegorías cuyo Parmigianino, el manierismo se muestra en las
proporciones alargadas, poses muy estilizadas y falta
sentido no siempre es claro. Resultaba un estilo inadecuado para el
de una perspectiva clara.
tema religioso, por lo que en la Contrarreforma se optó por otras
formas más apropiadas.

No se intenta representar la realidad de manera naturalista, sino que se hace extraña, un poco deformada, como un
capricho. Los cuadros ya no transmiten el sereno orden y equilibrio del Alto Renacimiento sino que se inclinan por
representaciones anticlásicas, intrincadas y complicadas en cuanto a su sentido. Los modelos adoptan posturas
complicadas. Se las representa de manera desproporcionada, elásticas, alargadas. La perspectiva es infinita. El
manierismo resulta refinado y de difícil interpretación, debido tanto a su sofisticación intelectual como a las
cualidades artificiales de la representación. La luz no es natural sino fría y coloreada de manera antinatural, lo mismo
que los colores: son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas.
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Evolución

Manierismo temprano
Dependiendo del relato histórico, el manierismo se desarrolló entre
1510 y 1520 en Florencia,[2] Roma, o en ambas ciudades.[3]
Andrea del Sarto, que dominó la pintura florentina en el primer
tercio del siglo XVI, aunque tiene elementos del Cinquecento
como la composición piramidal o el esfumado leonardesco, tiene
ya características manieristas como el cierto misterio de sus
figuras y las difícil actitudes de las figuras representadas. Sus
alumnos Jacopo da Pontormo y Rosso Fiorentino se encuentran
entre los primeros puramente manieristas de Florencia; destacan
por sus formas alargadas, poses en equilibrio precario, una
perspectiva caída, ambientaciones irracionales y una iluminación
teatral. Pontormo ejemplifica el manierismo con figuras alargadas
y posturas formadas, en un ambiente misterioso; a él se debe una
obra muy representiva del manierismo, especialmente por sus
colores irracionales y su luz fría y poco natural: el Descendimiento
de Cristo, 1528.

En Roma trabajaba esos años Miguel Ángel, quien en alguna de

sus obras presenta rasgos que anticipan el manierismo, como los
diversos ignudi pintados en diferentes posiciones en el techo de la
Capilla Sixtina; se cree que algunos de ellos estuvieron influidos
Pontormo, Descendimiento de Cristo, 1528; Santa por el «Torso de Belvedere» y que influyó a otros pintores.
Felicità, Florencia.
Este período ha sido descrito tanto como una extensión natural del
arte de Andrea del Sarto, Miguel Ángel y Rafael, así como el declive de los logros clasicistas de esos mismos
artistas. En el pasado, las formas alargadas de este estilo y formas distorsionadas fueron interpretados como una
reacción a las composiciones idealizadas prevalentes en el Alto Renacimiento.[4]
También en Roma había otros pintores que seguían caminos estilísticos análogos a los de Rosso Fiorentino y
Pontormo: Parmigianino y Giulio Romano. Estos artistas habían madurado bajo la influencia del Alto Renacimiento
y su estilo ha sido caracterizado como una reacción o exagerada extensión de él. En lugar de estudiar directamente la
naturaleza, artistas más jóvenes comenzaron a estudiar esculturas helenísticas y pinturas de los antiguos maestros.
Por lo tanto este estilo a menudo se lo identifica como «anticlásico».[2] Sin embargo, en su época se consideró una
progresión natural a partir del Alto Renacimiento. La más temprana fase experimental del manierismo conocida por
sus formas anticlásicas duraron hasta alrededor de 1540 o 1550.[3] Marcia Hall, en su libro After Raphael, considera
que el principio del manierismo en Roma hay que situarlo en la muerte de Rafael (1520).

Parmigianino se formó en Parma, siguiendo a Correggio. Correggio tiene un estilo muy personal que consigue
notables efectos de ingravidez e ilusionismo que posteriormente fue muy imitado en el barroco. Alarga las formas de
manera desproporcionada, crea imágenes artificiales y refinadas. Estuvo en Roma entre 1524 y 1527, donde entró en
contacto con la obra de Miguel Ángel y Rafael, quienes le influirán decisivamente. Entre sus obras representativas se
encuentran los frescos que hizo en Parma como la Asunción de la Virgen, decoración al fresco en la Catedral de
Parma, imitada por las generaciones posteriores; igualmente realizó un cuadro emblemático de este estilo, la Virgen
del cuello largo (1534-1540) y finalmente puede mencionarse su extraño autorretrato, con la mano por delante y a
modo de representación en espejo convexo deformante.
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El segundo, Giulio Romano, fue el principal ayudante de Rafael. Por su parte, Giulio Romano pintó en el Vaticano
con Rafael y más tarde en Mantua, para Federico Gonzaga, donde realizó la Sala de Amor y Psique (1527-1531) que
hizo en el Palacio del Té

Alta maniera
El segundo período del manierismo se diferencia normalmente del anterior, llamada fase «anticlásica».
Los manieristas posteriores enfatizaron los conceptos intelectuales
y el virtuosismo artístico, rasgos que han llevado a críticos
posteriores a acusarlos de trabajar en un «estilo» (maniera) poco
natural y afectada. Los artistas de maniera consideraban a su
contemporáneo de mayor edad, Miguel Ángel, como su primer
ejemplo; el suyo era un arte de imitación al arte, más que de imitar
a la naturaleza. Freedberg considera que el aspecto
intelectualizante de este arte «amanerado» proviene de que el
artista espera que el público se de cuenta y comprenda sus
referencias visuales, la figura familiar en una ambientación poco
familiar rodeada de «comillas que no se ven, pero que se
sienten».[5] El artificio supremo proviene en el amor de este tipo
de pintor de malversar deliberadamente una cita, por ejemplo
Bronzino incluyendo la figura de una mujer detrás de la Venus de
Médici en una imagen religiosa que representa la resurrección de
Cristo. Agnolo Bronzino y Giorgio Vasari ejemplifican esta
tendencia del manierismo que dura desde alrededor del año 1530
Bronzino, Retrato de Bia de'Medici.
hasta 1580. Bronzino era discípulo de Pontormo y muestra
también esa luz fría de su maestro. Los retratos de Bronzino se
distinguen por una elegancia estática y atención meticulosa al detalle. Como resultado, se dice que los modelos de
Bronzino ponían un abismo de incomunicación entre el sujeto y el espectador, concentrándose en representar el
brillo y la textura de las ricas telas. Un ejemplo de su estilo es el Retrato de Lucrecia Panciatichi (1540). Vasari, lo
mismo que Daniele da Volterra realizaron obras a la manera de su maestro, Miguel Ángel, distorsionando
fuertemente las figuras.

Con base principalmente en los círculos cortesanos e intelectuales de toda Europa, el manierismo auna una elegancia
exagerada con una atención exquisita a la superficie y el detalle: figuras con piel de porcelana se reclinan en una luz
plana y atenuada, lanzando al espectador una mirada fría. El sujeto manierista raramente muestra un exceso de
emoción, y por esta razón son a menudo interpretados como fríos o distantes, y a menudo se les llama estilo
«estiloso» o la Maniera.[6]
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La obra de Alessandro Allori (1535 - 1607) Susana y los viejos usa

un erotismo artificial, como de cera, y un detalle propio de
bodegón conscientemente brillante, en una composición retorcida
y muy poblada. Se lleva el espectador tan cerca de los sujetos que
casi se puede sentir como un tercer viejo mirando lascivamente a
la escena de una Susana joven, aparentemente paralizada, que está
siendo acosada por dos depredadores libidinosos.

Alessandro Allori, Susana y los viejos.

Tintoretto, Última cena, 1592-1594.

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Difusión del manierismo

Los centros manieristas en Italia fueron Roma, Florencia y Mantua. La
pintura veneciana, en su «escuela» separada, siguió una vía
independiente, representada en la larga carrera de Tiziano. Se
caracteriza la escuela veneciana por su sensualidad y su cromatismo.
Giorgione inició el nuevo estilo, con algunas obras que se podrían
considerar manieristas por su artificiosidad y difícil interpretación,
como su famosa Tempestad.

El gran maestro de la pintura veneciana fue Tiziano, condiscípulo de

Giorgione. Realizó cuadros religiosos como la Asunción de la Virgen,
pero notables son también sus retratos como Carlos V a caballo en
Mühlberg. Paolo Veronés pintó escenas religiosas enmarcadas en
enormes arquitecturas clásicas que anticipan el barroco. Pero el único
Manierismo inglés: Henry Howard, conde de
Surrey, 1546, un inusual retrato manierista inglés, al que propiamente se puede llamar manierista, de todos los artista
obra de un pintor flamenco, atribuido a William venecianos, es Tintoretto, influido por el color de Tiziano y la tensión,
Scrots. las posturas difíciles de Miguel Ángel. Su obra La última cena
epitomiza el manierismo al situar a Jesús y la mesa fuera del centro de
la habitación. Otros artistas venecianos de la época son Palma el Viejo, Paris Bordone, Sebastiano del Piombo,
Lorenzo Lotto y Jacobo Bassano.

Una serie de artistas manieristas tempranos que habían trabajado en Roma durante los años 1520 huyeron de la
ciudad tras el Saco de Roma en 1527. Conforme se dispersaron por el continente en busca de empleo, su estilo se
expandió por toda Italia y Europa.[7] El resultado fue el primer estilo artístico internacional desde el gótico.[8]
El estilo se desvaneció en Italia después del año 1580, conforme una nueva generación de artistas, incluyendo a los
hermanos Carracci, Caravaggio y Cigoli, pusieron el énfasis en el naturalismo. Walter Friedlaender identifica este
período como «antimanierismo», del mismo modo que los primeros manieristas eran «anticlásicos» en su reacción
frente a la pintura del Alto Renacimiento.[9]
Fuera de Italia, sin embargo, el manierismo se prolongó durante el siglo XVII. En Francia, el manierismo fue
difundido por Rosso Fiorentino, quien fue allí a trabajar en la corte de Fontainebleau. Había sido compañero de
Pontormo en el estudio de Andrea del Sarto. Llevó el manierismo florentino a Fontainebleau en 1530, donde se
convirtió en uno de los fundadores de la llamada la Escuela de Fontainebleau. También en este palacio real francés
trabajó el boloñés Francesco Primaticcio. En la Galería de Francisco I del Palacio de Fontainebleau, Rosso pintó La
muerte de Adonis. La influencia de estos artistas italianos hizo nacer la primera Escuela de Fontainebleau, que fue
seguida por una segunda, con el flamenco Ambroise Dubois, Toussaint Dubreuil y Martin Fréminet.
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Otros importantes centros continentales incluyen la corte de Rodolfo II

en Praga (Bohemia), centro apasionante del Manierismo internacional.
Reunió artistas de diversas procedencias: Hans von Aachen, Josef
Heinz el Viejo, el flamenco Bartholomeus Spranger y el milanés
Giuseppe Arcimboldo, autor de representaciones fantasiosas a partir de
la acumulación de frutas, verduras, etc. A Josef Heinz se debe la Venus
dormida (h. 1600) del Kunsthistorisches Museum de Viena.

En Holanda destacan los pintores de Haarlem: Cornelis van Haarlem y

Hendrick Goltzius. Es un movimiento totalmente independiente del
llamado manierismo de Amberes, anterior e independiente del
manierismo italiano, representado por pintores como Jan de Beer o Jan Rosso Galería de Francisco I, Palacio de
Wellens de Cock. Pintores de la época fueron Pieter Aertsen y Joachim Fontainebleau, Francia

Beuckelaer, que realizaron, como los Bassano en Venecia, escenas

religiosas a modo de cuadros de género o bodegones. Pero más propiamente manieristas fueron Jan Sanders van
Hemessen, Martin van Heemskerck o Marinus van Reymerswale, que se vieron influidos por las representaciones
anatómicas de Miguel Ángel, pero realizadas de manera distorsionada y exagerada.

El manierismo como categoría estilística se aplica en menor medida cuando se habla de la pintura inglesa, pues se
prefieren categorías locales como isabelina o jacobea.[10] En Inglaterra trabajó el flamenco William Scrots
En España, pueden ser considerados manieristas, por el momento
en que trabajaron, Juan de Juanes, Alonso Sánchez Coello y su
seguidor Juan Pantoja de la Cruz, aunque se mantuvieron alejados
de las distorsiones italianas. Distintos son los casos de Luis de
Morales, entre la pintura manierista y la tradición hispanoflamenca
y, sobre todo, El Greco con obras como el Laoconte (1600) hoy en
la National Gallery de Washington. El Greco intentó expresar la
tensión religiosa con un exagerado manierismo. Tras la
representación realista de la forma humana y la maestría en la
perspectiva lograda en el Clasicismo del Alto Renacimiento,
algunos artistas empezaron a distorsionar deliberadamente las
proporciones en un espacio desarticulado e irracional para lograr
un efecto emocional y artístico. Hay aspectos en este sentido en la
obra del Greco, como los colores ácidos y discordantes, una
anatomía torturada y alargada, la perspectiva irracional, el
tratamiento de la luz en sus composiciones abarrotadas, que
encajan plenamente en la corriente manierista.

Referencias
• Apel, Willi. 1946–47. "The French Secular Music of the Late
Fourteenth Century". Acta Musicologica 18: 17–29.
• Briganti, Giuliano. 1962. Italian Mannerism, translated from El Greco, Bautismo de Cristo.
the Italian by Margaret Kunzle. London: Thames and Hudson;
Princeton: Van Nostrand; Leipzig: VEB Edition. (Publicada originariamente en Italiano como La maniera
italiana, La pittura italiana 10. Roma: Editori Riuniti, 1961).
• Cheney, Liana de Girolami (ed.). 2004. Readings in Italian Mannerism, 2.ª edición, con un prólgo de Craig Hugh
Smyth. Nueva York: Peter Lang. ISBN 0-8204-7063-5. (Edición previa, sin el prefacio de Smyth, Nueva York:
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Peter Lang, 1997. ISBN 0-8204-2483-8).

• Freedberg, Sidney J. 1971. Painting in Italy, 1500–1600, 1.ª edición. The Pelican History of Art. Harmondsworth
and Baltimore: Penguin Books. ISBN 0-14-056035-1
• Freedberg, Sidney J. 1993. Painting in Italy, 1500–1600, 3.ª edición, New Haven y Londres: Yale University
Press. ISBN 0-300-05586-2 e ISBN 0-300-05587-0
• Friedländer, Walter. 1965. Mannerism and Anti-Mannerism in Italian Painting. Nueva York: Schocken. LOC
578295 (1.ª edición, Nueva York: Columbia University Press, 1958.)
• Hall, Marcia B . 2001. "After Raphael: Painting in Central Italy in the Sixteenth Century" Cambridge University
Press. ISBN 0-521-48397-2.
• Pérez Sánchez, Alfonso Emilio: «La pintura del “Cinquecento”. El manierismo en Italia», en Historia del arte,
págs. 385-406, Madrid, © Ed. Anaya, 1986, ISBN 84-207-1408-9
• Shearman, John K. G. 1967. Mannerism. Style and Civilization. Harmondsworth: Penguin. Reed Londres y
Nueva York: Penguin, 1990. ISBN 0-14-013759-9
• Smyth, Craig Hugh. 1992. Mannerism and Maniera, con una introducción de Elizabeth Cropper. Vienna: IRSA.
ISBN 3-900731-33-0
• Summerson, John. 1983. Architecture in Britain 1530–1830, 7.ª edición revisada (3.ª integrada). The Pelican
History of Art. Harmondsworth y Nueva York: Penguin. ISBN 0-14-056003-3, ISBN 0-14-056103-X [Reed. con
correcciones, 1986; 8.ª edición, Harmondsworth y Nueva York: Penguin, 1991.]

Notas
[1] Freedberg 1971, 483.
[2] Friedländer 1965.
[3] Freedberg 1993, 175–77.
[4] Manfred Wundram, "Mannerism," Grove Art Online. Oxford University Press, [consultado el 23-4-2008].
[5] Sydney Freedberg, "Observations on the Painting of the Maniera," 1965. Reeditado en Cheney 2004, 116–23.
[6] Shearman 1967.
[7] Briganti 1961, 32-33
[8] Briganti 1961, 13.
[9] Friedländer 1957.
[10] Summerson 1983, 157–72.

• Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Mannerism de la Wikipedia en inglés, bajo licencia
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