Las Manifestaciones Artísticas de las Culturas Amerindias.

 Los Mayas: La cultura Maya fue una civilización antigua que vivió en la Península del Yucatán. Su periodo de florecimiento fue entre 300 AC y 950 AC. Construyeron ciudades inmensas mientras que Europa se encontraba todavía sin mucho desarrollo. La mayoría de sus templos fueron construidos con piedra y todavía son monumento que impresionan. Fue un pueblo que desapareció antes de la penetración de los españoles, hasta hoy no se conocen exactamente los motivos que los llevaron a abandonar sus ciudades. La cultura de los mayas es la más antigua de las grandes culturas americanas que se extendió por Guatemala y la península de Yucatán. Vida social. En el apogeo del periodo Clásico, el corazón de la zona maya fue el triángulo que tiene como límites aproximados a Palenque en Chiapas, Tikal en Guatemala y Copán en Honduras. Ahí prosperó una población numerosa que practicaba la agricultura quemando el bosque para aprovechar las húmedas tierras de origen volcánico. En esta zona se desarrollaron muchas ciudades-Estado, gobernadas por una fuerte autoridad sobre el resto de la sociedad como se aprecian en las representaciones pintadas y labradas en templos, tumbas y palacios. Algunos oficios que se realizan hoy en día en México, se desarrollaron en el Clásico, una mujer hilando, con una técnica que todavía se practica en muchas regiones de México. Los mayas crearon un avanzado sistema de escritura, el cual era utilizado para registrar las hazañas guerreras de los gobernantes, para anotar la cuenta del tiempo y otros propósitos religiosos. El movimiento de los cuerpos celestes y la medición del tiempo les interesaron muchísimo.

Los Mayas organizaron un calendario sorprendentemente preciso, el cual utilizaban no sólo para medir el tiempo, sino también para predecir las fechas que según sus creencias serían propicias o desdichadas para los hombres; para realizar sus cálculos, los astrónomos mayas utilizaban símbolos numéricos que representaban las unidades del 1 al 4 y grupos de 5 unidades. Daban un valor a las cifras según su posición y utilizaban el cero, lo que permitía calcular magnitudes muy grandes, el interés de los mayas en el tiempo se refleja en numerosas estelas labradas en grandes losas, que se colocaban verticalmente, para conmemoraban fechas especiales.  Los aztecas. Hacia finales del siglo XIII, los Aztecas fueron la última tribu del norte árido en arribar a Mesoamérica. Era un pueblo pobre y atrasado y fueron mal recibidos por los habitantes de los señoríos de origen tolteca ya establecidos en el Valle de México; vagaron durante años, sin poder establecerse ni en las peores tierras del Valle, hasta que en 1325, según cuenta la leyenda, encontraron en unos islotes abandonados la señal de que ahí deberían fundar su ciudad. Ya asentados, los aztecas estuvieron por varias décadas bajo el dominio del poderoso señorío de Azcapotzalco, al que servían como soldados a sueldo. Hacia 1430, los aztecas habían asimilado la cultura de los pueblos avanzados del Valle y se habían convertido en un eficiente poder militar; atacaron y derrotaron a Azcapotzalco y se transformaron en uno de los más fuertes señoríos de la región. Iniciaron así una sorprendente hazaña guerrera, que, en sólo 70 años, los haría dueños del más grande imperio que había existido en Mesoamérica

Otras personas que disfrutaban de privilegios eran los comerciantes de largas distancias.  Los Incas. Los nobles escogían dentro de su propio grupo a un jefe supremo a quien llamaban tlatoani. El Quechua fue el idioma oficial y hablado en la mayoría de las . y las cumbres montañosas de la selva tropical al Este. que comprendía una larga banda desértica en la costa. el idioma inca. la capital del imperio. los médicos y los maestros verdaderamente sabios. Los Incas llamaban a su territorio Tawantinsuyu. También eran muy respetados los artesanos notables. a diferencia de los reyes europeos. el ejército y el sacerdocio. palabra que en lengua náhuatl significa "el que habla". miembros de una nobleza hereditaria y que desempeñaban los puestos más altos del gobierno. Este jefe era tratado con reverencia y gobernaba hasta su muerte. las altas cumbres y los profundos valles fértiles de los Andes.La Sociedad Azteca: Las diferencias de categoría social eran muy acentuadas entre los aztecas. quienes servían al gobierno como embajadores y espías. significa Las Cuatro Partes. aún cuando estaban ligados política y económicamente a los Incas. A veces es usado para designar a todos los pueblos incluidos en el Tawantinsuyu. La mayoría de las decenas de reinos pequeños mantenían su identidad. entrecortada por ricos valles irrigados. así como al pueblo del valle de Cuzco. Un territorio de diversos terrenos y climas muy marcados. pero esto no es correcto. la cúspide de la sociedad era ocupada por los pipiltin. pero. lo que en Quechua. su poder no era absoluto porque debía rendir cuentas de sus actos ante quienes lo habían elegido. La palabra Inca designa al propio dirigente.

comunidades hasta la llegada de los Españoles. Muchas veces se referían a él como El Inca. Debajo de él estaban los nobles a quienes se les controlaba la vida. A los emperadores Inca se les conocía con varios títulos. Los Chibchas colombianos en 1536. "Capac Apu" y "Intip Cori". Uno de esos pueblos. Él era el gobernante de todo. pero al menos 20 dialectos locales subsistieron en varias partes del imperio. dependientes de la agricultura y en cuya actividad económica prevalecía el comercio a base del trueque.  Los Chibchas. los cuales se desarrollaron en la Cordillera Oriental de Colombia. Socialmente estaban divididos tomando en cuenta la actividad religiosa y guerrera a cuya cabeza estaban los jefes. Eran politeístas y además de la agricultura. Organización Social: Los Incas tenían un gobierno altamente organizado en Cuzco. nobles que eran considerados sagrados. en Bogotá y en la Sierra de Santa Marta. La cultura Chibcha abarca un grupo de pueblos que se desarrollaron desde Ecuador hasta Honduras constituyendo una macro familia. pero con un mayor desarrollo de aquellos grupos que se encontraban en el actual territorio de Colombia. al arribo de Gonzalo Jiménez de . El emperador vivía allá y se conocía como "El Inca". Formaban pequeños pueblos independientes entre sí. alcanzaron gran desarrollo de la orfebrería y de la industria manufacturera textil. Ocuparon desde Ecuador hasta Honduras. los Muiscas son los que en la generalidad son conocidos como Chibchas. incluyendo "Sapa Inca".

geográfica. lingüística y culturalmente. Este intercambio ha dado lugar a una serie de constantes en la concepción del mundo de los pueblos indígenas que se ponen de manifiesto . Es así que las investigaciones arqueológicas.Quezada se encontraban divididos en pequeños pueblos que luchaban por su hegemonía. permiten ahora reconstruir el devenir de los pueblos acontecido en largos períodos de tiempo.000 años juntos. tal vez porque tenemos aquí grupos humanos que han vivido algunos más de 40. en el norte como en el sur. antropológicas y antropolingüisticas. más allá de sus diferencias. su tecnología. Los estudios sobre el mito. sus espacios. Ello nos permite reflexionar profundamente sobre el intercambio cultural producido entre los pueblos indígenas de América. Valorización de sus Aportes Técnicos y Artísticos a la Historia Latinoamericana. de la cual nos interesa destacar en este trabajo lo siguiente: 1) Encontramos rasgos permanentes en el tratamiento de la relación seres humanos naturaleza en las diferentes culturas Amerindias. creencias y productos. sus mitos. en regiones tan variadas y tan lejanas unas de otras. El estudio de las relaciones seres humanos-naturaleza. en un corpus de textos provenientes de las culturas indígenas de América nos sugiere la presencia de una cosmovisión amerindia. y han intercambiado en esos 400 siglos. en períodos de tiempo extraordinariamente largos y su conocimiento del espacio tiempo americano construido en la muy larga duración. en el espacio tiempo Americano nos dicen: No debe sorprender que pueda haber una estructura mítica común. La razón de esta universalidad del mito en nuestro continente … es posible que se trate de una estructura universal que ha encontrado en el espacio americano un buen terreno. peculiar y compleja.

el antropólogo Ronny Velásquez nos dice: Para las culturas indígenas.en las creaciones mítico-simbólicas en los diseños y dibujos artísticos presentes en cerámicas y tejidos. actitudes y prácticas sociales. se puede hablar de dos modos de ser en el mundo: Sagrada y profana. la naturaleza en su totalidad. Nada en la vida aborigen se explica sin que medie la concepción de lo sagrado. y existe para su explicación un alcance basado en pensamientos abstractos. en oposición a la relación secular. 2) Encontramos en el pensamiento Amerindio una relación seres humanos naturaleza definido por un respeto profundo que podemos caracterizar como una concepción sagrada de la naturaleza. que llegó y ha llegado de manera predominante a América y que se impone actualmente como cultura de dominación. todo lo cual denominamos cosmovisión amerindia y pensamiento amerindio. en sistemas de pensamiento y en los conocimientos agroalimentarios. es susceptible de revelarse como sacralidad cósmica…Así. en representaciones. propios de la cultura Occidental. Presente en su versión colonial y neocolonial. Sus espíritus están fundados en su propia mitología. nos permiten encontrar como constante. lo sagrado posee valores inconmensurables. Su concepción de lo sagrado está . Así las lecturas de estudios antropológicos sobre las culturas indígenas de Venezuela y otras culturas Amerindias de América. Profundizando en este tema. utilitaria de la misma. valores. Sus dioses y espíritus como pertenecen al mundo de lo sagrado no están subordinados a la concreción o al hecho fenoménico de un cuerpo que en última instancia es mortal y perecible. A este respecto Mircea Eliade sostiene: Para aquellos que tienen una experiencia religiosa. que rige de manera muy especial todas las relaciones seres humanos-naturaleza en esas culturas. la presencia de una concepción sagrada de la naturaleza.

la música y el arte. pero pocas veces se incluye a sus pensadores en la historia de la filosofía occidental contemporánea. y a través de la imaginación y se accede a esos niveles de percepción del espacio a través de los ritos Análisis de los Contextos Históricos desde lo Local hacia lo Universal Las culturas latinoamericanas han estado asociadas estereotípicamente con el folclor. no es lo privilegiado. lo reconocen y forma parte de su hacer y saber. específicamente. Se privilegia lo divino y se conjuga con lo que define Rudolf Otto. a lo eterno e inalcanzable y solo es posible acercarse a ese mundo a través de los rituales… Este sentimiento sobre lo divino y lo sagrado es inmanente a un Dios creador o a múltiples dioses creadores. desde la invasión . que da plena difusión e importancia al pensamiento publicado en Europa Occidental y -a partir del siglo XIX. otros niveles que son conocidos y percibidos por distintas vías.en los Estados Unidos. como lo numinoso que es todopoderoso y fascinante. Es conveniente a su vez referir algunas consideraciones sobre la concepción y percepción del espacio en el pensamiento indígena que nos aporta también el antropólogo Ronny Velásquez: En las culturas indígenas el espacio es múltiple posee además del nivel físico. práctico-concreto. a éste lo perciben. Se debe considerar además que los aborígenes no viven sólo un mundo humano y dentro de los márgenes de lo perceptible en forma concreta. Este fenómeno responde a la distribución desigual del poder.centrada en la transformación de la materia y ello se establece en base a lo divino. que poseen ya de por sí un valor inconmensurable. Si bien. por la mediación de la representación míticosimbólica. Sin embargo. por la vía de las percepciones n ordinarias.

que tendieron interesantes puentes entre la cosmovisión europea y la de algunas civilizaciones amerindias. Más tarde. la filosofía estaba fundamentalmente dirigida por y hacia la formación religiosa. Los esfuerzos por organizar naciones independientes de España durante todo el siglo XIX estuvieron orientados según estas ideas. Caracas y Bogotá. como el Inca Garcilaso de la Vega y Guamán Poma de Ayala en Perú. propuso un nítido programa de . que buscaban establecer modelos de origen francés e inglés dentro de las condiciones geográficas y demográficas propias de los nuevos países. Lima. Brasil. grupos sustanciales de pensadores promovieron una imagen de unidad cultural que inició decisivamente el "latinoamericanismo" o la "búsqueda" de la identidad latinoamericana. comenzaron a aplicar las ideas de la Ilustración francesa para reflexionar sobre los caminos colectivos que deberían implementarse en América. Pero dentro de un marco que no se ha considerado rigurosamente filosófico. los criollos educados en varias universidades de México. Chile y Argentina. quien propuso una visión de "lo americano" que reconciliara la herencia hispánica con la diferencia tropical. En la época colonial (siglos XV-XVIII). paralelamente a un proceso de modernización económica y social basada en la dependencia de un producto de exportación para el consumo europeo.colonial. hubo cronistas americanos. Para fines del siglo XVIII. Buenos Aires.y Andrés Bello. El libro Ariel (1900). A fines del siglo XIX. los modelos evolucionistas y positivistas se cultivaron con gran intensidad en México. de Rodó. Los dos autores más reconocidos de esa época son el uruguayo José Enrique Rodó y el cubano José Martí. Los nombres posiblemente más difundidos son los venezolanos Simón Rodríguez -cuyas ideas democráticas y pedagógicas eran proféticamente radicales. la producción académica de lo que hoy se llama América Latina ha tenido presencia y relativa influencia en la civilización Occidental. con la creciente influencia estadounidense en la región.

con un tono fundamentalmente conservador. Importancia y Características La cultura ecológica de los pueblos de Amerindia Las culturas Indias de América y las comunidades indígenas en general establecen interrelaciones muy especiales con su entorno. la flora y los elementos físicos que le rodean. según Adalberto Ríos (Profesor de la UNAMMéxico) tiene características muy particulares:  El conocimiento que tiene de la fauna. Martí sintetizó en el ensayo "Nuestra América" (1891) los ideales de producir modelos basados en la experiencia propia de cada región y de generar una ciudadanía supranacional en Iberoamérica: "el buen gobernante en América no es el que sabe cómo se gobierna el alemán o el francés. Sus características dejan en claro las enormes diferencias que existen con otras culturas. La imperativa necesidad de conocer al pueblo de cada país y de desarrollar modelos humanistas basados en el análisis de las condiciones propias guió el trabajo de muchos pensadores latinoamericanos durante todo el siglo XX. De una manera más transformadora.diferenciación educativa y cultural entre la América hispano-portuguesa en contraste con la anglosajona. sino el que sabe con qué elementos está hecho su país". La importancia y la historia de las culturas indias de América .  El aprovechamiento que ha hecho de sus recursos y los métodos utilizados   La actitud y pensamiento establecido en relación con la Naturaleza. Característica de la cultura Amerindia La cultura Amerindia..

la rica vestimenta. una continuidad cultural ligada a sus orígenes. Uno de los valores básicos de estas culturas es la manera de entender la vida. el alimento. También conocidas como grabados rupestres. Es posible que el instrumento utilizado se destruyera en la acción de grabar y por eso no se puede encontrar hoy en día. ha sido encontrar fragmentos de roca tallada (lascas) que podrían evidenciar que los instrumentos se realizaban en el mismo sitio y que no se trataba de objetos muy elaborados. Para lograrlo. Los Petroglifos Americanos y Comparación con la Pintura Rupestre Universal ¿Qué es un petroglifo? Se conoce como petroglifo a una imagen que ha sido grabada en las superficies rocosas. en cambio. a pesar de los diversos procesos de colonización. pero no es frecuente hallar herramientas de este tipo que se puedan asociar con algún sitio rupestre. el respeto y reverencia a la Naturaleza. el trabajo. el arte y la manera de entender la muerte. los ritos. con diversos grados. el antiguo ejecutor pudo utilizar punteros de piedra u otros elementos elaborados específicamente para tal fin. .Estas civilizaciones son originarias y se fueron desarrollando de manera aislada a través de la historia. pues su vida útil era muy corta. hasta el siglo XV no tuvieron contacto alguno con civilizaciones externas y siempre mantuvieron contactos y relaciones de intercambio en su entorno e incluso dentro del continente. Las culturas indígenas actuales mantienen. Lo común. estas manifestaciones fueron elaboradas al sustraer material de la superficie rocosa con instrumentos de una dureza superior.

La superficie también pudo ser frotada con un instrumento de piedra y finalmente pulida con la ayuda de arena y agua (abrasión). se lograron plasmar formas que gracias a la permanencia de la roca.Por medio de diversas técnicas. pues son una importante fuente de datos acerca de la forma de vida de los antiguos habitantes de nuestro territorio ¿Qué es arte rupestre? Se conoce como arte rupestre a los rastros de actividad humana o imágenes que han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas. caras triangulares. también se consideran en el estudio del arte rupestre. antropomorfos (2). . mediante el golpeteo constante con otro instrumento auxiliar. Los petroglifos pueden estar grabados muy superficialmente. muchas veces entrelazados o superpuestos. muchos de ellos son obra humana y aunque para nosotros no parezcan representar algo. círculos concéntricos. hasta los que se conforman por surcos de varios centímetros de profundidad o los que presentan la excavación de amplias áreas planas. entre los cuales podemos destacar: espirales (circulares y cuadradas). Se puede distinguir una gran variedad de motivos. hileras de puntos. meandros (3). a la manera del cincel y el martillo (percusión). Estos motivos se encuentran dispuestos y mezclados en complejas composiciones. aún podemos apreciar. cuadradas y circulares. Algunos petroglifos fueron hechos al picar la superficie con una roca más dura. Otros fueron grabados al rayar con el filo de una roca tallada (rayado). a manera de pequeños puntos que no se distinguen sino a poca distancia. cuadrados con divisiones interiores. Es muy común encontrar pequeños hoyos oradados en las rocas (cúpulas) o líneas resultado del pulimento de alguna herramienta (afiladores). etc.

ya que estos fueron pilares fundamentales para el auge del gótico y romano.. innumerables representaciones de animales. En casi cinco siglos de la plena y baja Edad Media se exhibo en el arte dos estilos claramente definidos. etc. hablar de estas dos corrientes sin mencionar al arte paleocristiano y bizantino no tiene sentido. Lo “rupestre” hace referencia al soporte en que se encuentra (del latín rupe: roca). signos y figuraciones geométricas. Expresadas de una manera muy sintética. las sociedades humanas posiblemente registraban ya. piedras y paredes rocosas. mediante la pintura y el grabado en piedras. Sin embargo. El Arte medieval: Es toda manifestación artística que se dio durante la edad media. . escenas de la vida cotidiana. el hombre ha dejado plasmadas en cuevas. obras consideradas entre las más antiguas manifestaciones de su destreza y pensamiento. estas manifestaciones son el reflejo de la capacidad intelectual de la humanidad para abstraer y representar su realidad. Quizás sea más indicado el término manifestaciones rupestres. el románico y el gótico. una gran parte de sus vivencias. plantas u objetos. El Arte del Medievo y el Renacimiento. Antes del desarrollo de la escritura. pues la palabra “arte” implica darle un sentido que no necesariamente coincide con el que le dieron sus ejecutores. Su denominación como “arte” no significa que se trate de objetos artísticos en los términos y con las finalidades con que hoy los entendemos desde nuestra cultura occidental. pensamientos y creencias. Estos movimientos artísticos tienen su nacimiento en Francia y paulatinamente se van extendiendo por todo el continente. Ésta es sólo una más de las formas como se ha intentado definir su significado.En su paso por el mundo.

Pedro de Mena (1628-1688). el gallego Gregorio Fernández (1576-1636) que trabajó en Valladolid. Felipe Vigarny (retablo mayor de la catedral de Toledo). Autores y obras más representativas en las artes plásticas Escultura: En lo tocante a escultura tenemos ya en el Prerrenacimiento y primeros años del XVI las figuras extranjeras que trabajaron en España: Domenico Fancelli.El Renacimiento: Es uno de los grandes momentos de la historia universal que marcó el paso de mundo Medieval al mundo Moderno. pero la fecha tope es 1492. los escultores clasicistas italianos Leone Leoni y su hijo Pompeyo Leoni. Es un fenómeno muy complejo que impregnó todos los ámbitos yendo por tanto. Para muchos autores empieza en 1453 con la conquista turca de Constantinopla. también pintor. Según otros es un nuevo periodo que surge desde el descubrimiento de la imprenta. también llamado el Indaco. Alonso Cano (16011667). La primera generación de escultores españoles del Renacimiento estuvo compuesta por Vasco de la Zarza (trascoro de la catedral de Ávila). Pietro Torrigiano y Jacopo Florentino. con el descubrimiento de América. Pedro Roldán. e incluso se considera que no se produce hasta que Copérnico descubre el sistema heliocéntrico. los barrocos Pedro Vicálvaro y Francisco Salzillo (hijo del napolitano Nicolás Salzillo. Juan de Juni. su hija . Bartolomé Ordóñez (sillería del coro de la catedral de Barcelona) y Diego de Siloé (sepulcro de don Alonso de Fonseca y Acevedo en Convento de las Úrsulas de Salamanca. que tabajaron para el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. más allá de lo puramente artístico como ha querido verse. que llegó a Murcia a trabajar en el siglo XVI-XVII y por tanto perteneciente a la Escuela castellana). ya en el Manierismo hay que nombrar por supuesto el correlato de la ascética y la mística de la segunda mitad del siglo XVI: el gran Alonso Berruguete.

el . Luis de Morales «el Divino». y a quien se le daban especialmente bien las tonalidades de la piel. Además. el pintor Pedro y el escultor Alonso. los temas mitológicos y profanos están ausentes. Alonso Sánchez Coello. Las figuras son aisladas: para iglesias. Juan Fernández de Navarrete. gran pintor de frailes y bodegones. Pintura: En las artes plásticas destaca la pintura. formado en Italia. a la primera fase corresponden los dos Berruguetes. Bernardo de Mora. Pedro Machuca. pintor de alegorías políticas. José Risueño. pintor de complejas composiciones intelectualizadas que ahonda en el misterio de la cruda e intensa luz y la perspectiva aérea. Se realizan retablos. Francisco Ribalta y José de Ribera.Luisa Roldán (la Roldana) y Juan de Mesa (1583-1627). «el Mudo». así como El Greco. Juan Carreño de Miranda. los dos Herreras (el Viejo y el Mozo). La temática tratada es casi exclusivamente religiosa y sólo en el ámbito de la Corte se da escultura monumental. Claudio Coello. de la Escuela andaluza. donde aparecen figuras exentas y en bajorrelieve. a la segunda Vicente Macip. Vicente Carducho. conventos y para las procesiones de Semana Santa. su hijo José de Mora y Pedro Duque y Cornejo. principal exponente del Manierismo pictórico en Castilla. y en Córdoba Antonio del Castillo. en Sevilla se oscila entre la dulzura de Bartolomé Esteban Murillo y el tenebrismo tétrico de Juan de Valdés Leal. los leonardescos Juan de Juanes y Fernando Yáñez de la Almedina. Hay que citar también a Juan Bautista Maíno. los tenebristas caravaggiescos Francisco de Zurbarán. En estas obras se pierde la técnica del estofado y posteriormente se usará la policromía. Destaca con mucho la imaginería en madera de tradición hispana. donde era llamado «el Españoleto». Al barroco pertenecen Diego Velázquez.

Antonio Pereda. el cartujo Juan Sánchez Cotán. con la tradición gótica y la idiosincrasia local. Pedro Orrente. que añade al estilo del maestro elementos naturalistas. Órdenes clásicas y motivos de candeleros (candelieri) se combinan con libertad en conjuntos simétricos. autor de El sueño del caballero. Mateo Cerezo. a veces proveniente de libros ilustrados y pinturas. el paisajista Francisco Collantes. supuso un logro inesperado dentro del Renacimiento más avanzado de la época. que reunió la influencia de la arquitectura del sur de Italia. en Granada. surge el Manierismo de Juan de Herrera. después. uno de los escasos discípulos de El Greco. José Antolínez y otros muchos. que recuerdan a los intrincados trabajos de los plateros.retratista Juan Pantoja de la Cruz. famoso por sus místicos bodegones. Arquitectura: En el siglo XVI se pasa del estilo plateresco del Renacimiento durante los Reyes Católicos al más plenamente renacentista durante el reinado de Carlos I. En España. debido a su dominio del lenguaje clásico y sus logros . creador del Estilo herreriano y del monumental Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. El estilo comenzó a extenderse sobre todo a manos de arquitectos locales: es la razón de un estilo renacentista específicamente español. Juan Antonio Frías y Escalante. Juan Bautista Martínez del Mazo. Eugenio Cajés. El palacio puede ser definido como una anticipación al manierismo. y durante el siglo XVII domina el Barroco y Churrigueresco. el Renacimiento comenzó unido a las formas góticas en las últimas décadas del siglo XV. Luis Tristán. el Palacio de Carlos V realizado por Pedro Machuca. durante el de su hijo Felipe II. En este contexto. debido a las fachadas decoradas en exceso. Bartolomé González y Serrano. El nuevo estilo se llama plateresco.

estéticos rupturistas. Rodrigo Gil de Hontañón y Gaspar de Vega. el simbolismo de la escasa decoración y el preciso corte del granito establecieron la base para un estilo nuevo. gradualmente sustituyeron en el gusto popular al sobrio gusto clasicista que había estado de moda desde el siglo XVI. en el que una adherencia excesiva al arte de la antigua Roma fue superado por el estilo extremadamente sobrio. la influencia gótica desaparece y la búsqueda de un clasicismo ortodoxo alcanzó niveles muy altos. Según pasaban las décadas. las fachadas de la Catedral de Granada de Alonso Cano y la de Jaén de Eufrasio López de Rojas indican la facilidad de su interpretación a la manera barroca de los motivos tradicionales de las catedrales españolas. el herreriano. . realizado por Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera. Cuando las influencias barrocas italianas llegaron a España. Fue construido antes de las principales obras de Miguel Ángel y Palladio. La influencia de los techos flamencos. Ejemplos de plateresco son las fachadas de la Universidad de Salamanca y del Hostal San Marcos de León. Su influencia fue muy limitada y mal entendida. La cumbre del Renacimiento español está representado por el Real Monasterio de El Escorial. Aunque el plateresco es un término usado habitualmente para definir a la mayoría de la producción arquitectónica de finales del siglo XV y primera mitad del siglo XVI. como Diego de Siloé. las formas platerescas se imponían en el panorama general. Tan pronto como en 1667. Con un estilo más próximo al manierismo. el siglo se cierra con arquitectos como Andrés de Vandelvira (Catedral de Jaén). algunos arquitectos adquirieron un gusto más sobrio.

conocido como churrigueresco. Los años 1760 a 1780 vieron un desplazamiento gradual del interés desde el movimiento retorcido y excesivo de la ornamentación hacia el equilibrio y la sobriedad del neoclásico. conocido como «orden suprema».El barroco local mantiene raíces en Herrera y en la construcción tradicional en ladrillo. y el . se estableció como elemento principal de la decoración ornamental. En este caso y en muchos otros. cuya extravagancia curvilínea parece anunciar a Antonio Gaudí y el modernismo. La familia Churriguera. sin embargo. que se especializó en altares y retablos. Entre 1720 y 1760. como en la Cartuja de Granada. en forma de cono o obelisco invertido. En medio siglo. convirtieron a Salamanca en una ciudad churrigueresca ejemplar. exagerado y casi caprichoso de decoración superficial. el diseño incluye el juego de techos y elementos decorativos con poca relación con la estructura y función. el barroco churrigueresco ofrece alguna de las combinaciones de luz y espacio más espectaculares. Dos de las más espectaculares creaciones del barroco español son las fachadas de la Universidad de Valladolid (Diego Tomé. 1719) y del Hospicio de San Fernando en Madrid (Pedro de Ribera. 1722). La evolución del estilo pasó por tres fases. los Churriguera popularizaron la mezcla de columna salomónica de Guarini y el orden compuesto. el arte español de la época busca agradar a los sentidos más que al intelecto. desarrollada en Madrid a lo largo del siglo XVII (Plaza Mayor y Ayuntamiento de Madrid). considerada la apoteosis del churrigueresco aplicado a espacios interiores. Entre 1680 y 1720. En contraste al barroco de la Europa septentrional. se rebelaron contra la sobriedad del clasicismo herreriano y promocionaron un estilo intrincado. la columna churrigueresca o estípite.

Literatura: España produjo en su edad clásica algunas estéticas y géneros literarios característicos que fueron muy influyentes en el desarrollo ulterior de la Literatura Universal. se destaca la exuberante decoración de la puerta del palacio del Marqués de Dos Aguas en Valencia. diseñada por el pintor y grabador Hipólito Rovira (1740-1744). responsable de la Santa Capilla de la Virgen del Pilar (1750) en el interior del templo de Nuestra Señora del Pilar en Zaragoza. y el de Aranjuez. fue fundamental el desarrollo de una realista y popularizante tal como se había venido fraguando durante toda la Edad Media peninsular como contrapartida crítica al excesivo. son buenos ejemplos de la integración de arquitectura y jardines del barroco. en Segovia. caballeresco y . También en la zona levantina. pero con concepción espacial local. Entre las estéticas. merecen ser mencionados. en Madrid. Fueron construidos en el sobrio barroco internacional. El mejor representante del estilo fue el maestro español Ventura Rodríguez. a menudo confundido con el neoclásico. en 1733. en su fachada occidental. El rococó se introdujo en España por primera vez en la Catedral de Murcia. por los reyes borbones Felipe V y Carlos III. El Palacio Real de Madrid y las construcciones del Paseo del Prado (Salón del Prado y Puerta de Alcalá) también en Madrid. con notable influencia francesa (La Granja es conocido como el «Versalles español»). donde escultura y arquitectura se integran para conseguir un efecto dramático de la luz. Los palacios reales de La Granja de San Ildefonso.«transparente» de la Catedral de Toledo de Narciso Tomé. que de alguna manera muestra herencia de la ocupación musulmana.

A esta tendencia anticlásica corresponde también la fórmula de la comedia nueva creada por Lope de Vega y divulgada a través de su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609): una explosión inigualable de creatividad dramática acompañó a Lope de Vega y sus discípulos. etc. y cuyos autores más importantes son Pero Mexía. tiempo y lugar: todos los autores dramáticos de Europa acudieron luego al teatro clásico español del Siglo de Oro en busca de argumentos y como una rica almoneda y cantera de temas y estructuras modernas cuyo pulimento les ofrecerá obras de carácter clásico. Muchos de estos temas provenían de la rica tradición medieval pluricultural. Segunda Celestina de Feliciano de Silva. de Mateo Alemán. árabe y hebrea. géneros dramáticos como el entremés y la novela cortesana introdujeron también la estética realista en los corrales de comedias. Estebanillo González). la novela picaresca (Lazarillo de Tormes anónimo. del Romancero y de la impronta italianizante de la cultura española. A esta vulgarización literaria corresponde una subsecuente vulgarización de los saberes humanísticos mediante los populares géneros de las misceláneas o silvas de varia lección. o la proteica novela polifónica moderna (Don Quijote de la Mancha). Luis Zapata. Antonio de Torquemada. a causa de la presencia política del reino español en la península itálica durante largos siglos. . y aun la comedia de capa y espada tenía su representante popular en la figura del gracioso.).nobilizante idealismo del Renacimiento: se crean géneros tan naturalistas como el celestinesco (Tragicomedia de Calisto y Melibea de Fernando de Rojas. leidísimas y traducidísimas en toda Europa. Guzmán de Alfarache. que Cervantes definió como «escritura desatada». que quebrantaron como él las unidades aristotélicas de acción. Por otra parte. etcétera.

en un juego o un espectáculo y las producciones moralizantes y por extremo ingeniosas de un Francisco de Quevedo y un Baltasar Gracián distorsionan la lengua. pues estos autores todavía son deudores y admiradores de los autores del XVI. en deliberada antítesis con el entremés. la lengua más oscura. enigmática y cortesana del Barroco. que la literatura del Renacimiento de hace cinco siglos es más legible que la lengua del Barroco de hace cuatro. que supone la vulgarización antipopular y esplendorosa de la Teología. cuyo fin era elevar lo noble sobre lo vulgar. . intelectualizando el arte de la palabra.A esta corriente de realismo popularizador sucedió una reacción religiosa. el castellano vivo. Al lenguaje claro y popular del siglo XVI. escribía Juan de Valdés. a los que imitan conscientemente. creador y en perpetua ebullición de Bernal Díaz del Castillo y Santa Teresa («sin afectación alguna escribo como hablo. la literatura se transforma en una especie de escolástica. El lúcido Calderón crea la fórmula del auto sacramental. todavía sigue teniendo curso. que. aportándole más flexibilidad expresiva y una nueva cantera de vocablos (cultismos). nobiliaria y cortesana de signo Barroco que también hizo notables aportaciones estéticas. Resulta. y solamente tengo cuidado en escoger las palabras que mejor indican lo que quiero decir». aunque para no repetirse refinan sus fórmulas y estilizan cortesanamente lo que otros ya crearon. aun siendo cronológicamente más reciente. de forma que se perfeccionan temas y fórmulas dramáticas ya usadas por otros autores anteriores. La lengua literaria del Barroco se enrarece con las estéticas del Conceptismo y del Culteranismo. pues. de lo que se hacía eco Garcilaso cuando decía «más a las veces son mejor oídos / el puro ingenio y lengua casi muda / testigos limpios de ánimo inocente / que la curiosidad del elocuente») sucederá. económica y social. sin embargo. correspondiendo a una época de crisis política.

dotado de una inteligencia superior.A fines del siglo XVI se desarrolla notablemente la Mística (Juan de la Cruz. para entrar en el siglo XVII en decadencia tras una última corriente innovadora. Desde el siglo XVI el conocimiento humano . El arte es un lenguaje universal con capacidad de sublimación que está por encima de las fronteras del espacio y del tiempo. el Quietismo de Miguel de Molinos. No hay sociedad o época histórica sin arte. El ser humano siempre ha hecho arte y no como un lujo o algo superfluo. El arte es una necesidad social mediante la cual se expresan imágenes de la realidad física y del mundo psíquico del ser humano que interpreta la realidad a través de ideas y creencias. Reconocemos una obra de arte por su belleza estética que responde siempre a unos principios estéticos insertados en el contexto cultural. Santa Teresa de Jesús) y la Ascética (fray Luis de León. debe estudiarse dentro de su contexto histórico. San Juan de Ávila. separándose de ella en un primer paso de civilización. como se puede observar en monumentos tales como las pirámides egipcias ó el Guernica de Picasso. decide dominar la naturaleza que le rodea. Las manifestaciones artísticas del Ser Humano: El arte existe desde que el ser humano. Antecedentes históricos La evolución del arte barroco. El Barroco. San Juan Bautista de la Concepción. poniéndola a su servicio. en todas sus formas. fray Luis de Granada).

La religión determinó muchas de las características del arte barroco. con su grandiosidad y esplendor. y la Contrarreforma. las investigaciones que Galileo realizó sobre los planetas justifican la precisión astronómica que presentan muchas pinturas de la época. en especial de Felipe III y Felipe IV. La demostración de que la Tierra no era el centro del Universo coincide. La austeridad propugnada por el protestantismo en lugares como Holanda y el norte de Alemania explica la sencillez arquitectónica que caracteriza a esas regiones. dramático y naturalista. reflejaran la majestad de Luis XIV y de la casa de Austria. en el arte. El activo comercio y colonización de América y otras zonas geográficas por parte de los países europeos fomentó la descripción de numerosos lugares y culturas exóticas.del mundo se amplió constantemente. y muchos descubrimientos científicos influyeron en el arte. su obra. desconocidos hasta ese momento. Características del arte barroco Entre las características generales del arte barroco están su sentido del movimiento. Fuertes contrastes de luces y sombras . Las monarquías absolutas de Francia y España promocionaron la creación de obras que. contribuyó a la formación de un arte emocional. con un claro sentido de propagación de la fe. publicada en 1543. y no de la Tierra como hasta entonces se creía. Los acontecimientos políticos también tuvieron influencia en el mundo del arte. el astrónomo polaco Copérnico maduró su teoría sobre el movimiento de los planetas alrededor del Sol. lanzada a combatir la difusión del protestantismo. La Iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas más influyentes. Hacia 1530. exaltado. no fue completamente aceptada hasta después de 1600. desprovista de figuras humanas. la energía y la tensión. con el triunfo de la pintura de género paisajístico.

Miranda. El Arte Colonial Venezolano. Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis. los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva. Sucre. esculturas y obras arquitectónicas. con su personalidad propia. nos dejo un profundo mensaje de carácter popular en su obra. Como Tovar y Tovar. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores. el individualismo y el detalle del arte barroco manifestado en las representaciones realistas de la piel y las ropas hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental. martirios y apariciones milagrosas. Realismo. tanto en el renacimiento como en el barroco. magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. Páez. Las obras más importantes de Michelena son las que narran episodios de nuestra historia. Su prodigio técnico y su habitual maestría para ejecutar obras de grandes . naturalismo e impresionismo. las pasiones y los temperamentos.  Arturo Michelena Nació en valencia el 16 de junio de 1863. que sirvió para impulsar a las actividades plásticas. Cedeño. las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada. Pedro Camejo En su obra se refleja la influencia de las escuelas europeas: neoclasicismo. La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas. estudia a Bolívar. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco.realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros. romanticismo. La intensidad e inmediatez.

Óleo sobre tela 78 x 98 cm La vara rota (1892).2 x 65. Óleo sobre tela 87. Óleo sobre tela 288. Óleo sobre tela 448 x659 cm Los Morochos (1892). Óleo sobre tela 80. Óleo sobre tela 49. 5 cm Venezuela 1890 . Óleo sobre tela 243.7 cm Retrato ecuestre de Bolívar. Óleo sobre tela 172 x 141. Óleo sobre tela 300 x 460 cm Paisaje de El Paraíso (1890).8 cm Carlota Corday (1889).1898   Vuelvan caras.3 cm Pentesilea (1891). 4 x 85 cm La caridad (1888). el color con tonalidades grises y su contenido patético y descriptivo.1892 El panteón de los héroes (1898). impregnada de frescura y corte romántico Obras de mayor relevancia de Arturo Michelena París 1886 .dimensiones hacen de Michelena el más notable de los pintores académicos de Latinoamérica Entre sus obras sobresalen: “la caridad”. “La joven madre”.5 x 49. (1888). 8 x 231. Óleo sobre tela 305 x 211 cm El granizo de Reims (1889). (1890). Óleo sobre tela 208 x 283.4 x 104 cm Soldados árabes (1890). Óleo sobre tela 65. Óleo sobre tela 197 x 224 cm La joven madre (1899).4 cm Fantasía árabe (1889). Óleo sobre tela 135 x 168 cm              El niño enfermo (1886). donde interpreta un ambiente de miseria y se observa la influencia del realismo. el dibujo es mucho mas libre4. Óleo sobre tela 52 x 60 cm . Óleo sobre tela 90 x 71 cm El Ordeño (1892).7 x 314.3 cm Mujer oriental (1889).

Óleo sobre tela 240 x 126. Óleo sobre tela 255 x 165 cm Josefina Blanco de Zuloaga (1897). Óleo sobre tela 101 x 61 cm Hipódromo de Sabana Grande (1896). Óleo sobre tela 100 x 60 cm Flores de mayo y paisaje (1894). Óleo sobre tela. Óleo sobre tela 120. Óleo sobre tela 90 x 55 cm Miranda en la Carraca (1896). Óleo sobre tela 351 x 296 cm Cascada de Catuche (1896).5 cm  Retrato del Mariscal Antonio José de Sucre (1895) Óleo sobre tela 80 x 64 cm  El Libertador en traje de campaña (1895).5 cm   La multiplicación de los panes (1897).2 cm Diana cazadora (1896). Óleo sobre tela 346 x 253 cm     Monseñor Críspulo Uzcátegui (1897). Conchita Núñez López Méndez de Montemayor (1890). Óleo sobre tela 180.2 x 112. Óleo sobre tela 84 x 109 cm El panteón de los héroes (1898). Óleo sobre tela 26 x 34 cm El desván del anticuario (1893). Óleo sobre tela 135 x 168 cm La última cena (1898).1 x 89. Óleo sobre tela 69 x 53 cm Gladiolas con paisaje (1894). Óleo sobre tela 227 x 152 cm Manuel Antonio Matos (1895). Óleo sobre tela 197 x 245.5 cm        María Ibarra de Matos (1895).6 cm       Lastenia Tello de Michelena (1890) Óleo sobre tela 135. Óleo sobre tela 340 x 450 cm .1 x 92 cm Paisaje de San Bernardino (1893). Óleo sobre tela 76 x 91 cm La Muerte de Sucre en Berruecos (1895).2 x 175. 80. Óleo sobre tela 229 x150 cm La cascada de Gamboa (1896). Óleo sobre tela 480 x 358 cm Retrato ecuestre del general Joaquín Crespo (1897).

la vanguardia artística se manifestó como una acción de grupo. Se pueden distinguir dos grandes movimientos en el siglo XX: Las vanguardias y luego el arte postmoderno. aunque con el tiempo . de pequeño con un grupo destacado del cuerpo mayoritario.El Arte de las Vanguardias Artísticas del Siglo XX. incluso con violencia. el caso más curioso de esta etapa es el movimiento impresionista en la pintura y su convivencia con la. Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable. El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron su huella en el arte. lleno de horror y destrucción. el término implica ante todo la idea de. por ejemplo en el arte pop. Por esta razón acostumbraba ser rechazado socialmente. estos valores entraron en crisis. la llegada del hombre a la luna. aquel entonces. Luego de la Ilustración. a unas situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. El arte del Siglo XX se ve fuertemente influenciado por política y social del momento. lucha. la razón y la ciencia. En efecto. la televisión. que se sitúa por delante. una élite que se enfrentaba. Es una época de profundos y acelerados cambios. Tomando literalmente mucho. el avión. de combate. como una forma de catarsis. Es un arte que no escapa a la realidad. que avanza en la droga. etc. Todo esto provoca un gran impacto en la sociedad y surgen movimientos artísticos como el futurismo. sino todo lo contrario. nueva técnica de la fotografía (desde 1839 con las primeras imágenes creadas por Daguerre hasta principios del Siglo XX). La crisis europea y la crisis de la bolsa estadounidense en 1930 impactan en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta. que había creado un sentimiento de confianza en el ser humano. brota de ella. donde el progreso científico y tecnológico deja avances impensados como el automóvil. La revolución industrial se convirtió en una gran influencia en el arte. un grupo reducido.

La palabra vanguardia con relación al arte apareció por primera vez en el primer cuarto del siglo XX. que. el término vanguardia se utilizó en el vocabulario político. que trataban de transformar la sociedad: la ciencia y la industria. experimentar y/o distorsionar un sistema de representación artístico. La incomprensión inicial. Además. ruptura de preconceptos. implicaba un ansia transformadora de la sociedad. en especial). es que surgen como triunfo del proyecto cultural moderno (que plantea un rechazo al pasado y búsqueda de progreso). la idea de vanguardia comporta una mayor complejidad. La vanguardia artística es una búsqueda de renovar. y poco antes de la primera guerra mundial. Características de los movimientos de vanguardia Algo llamativo es el carácter contradictorio de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX. Implica innovación. sobre todo a fines del siglo XX. como han hecho algunos estudiosos (Nikos Hadjinikolaou. Entonces se aplicó ya a una tendencia concreta: Cubismo. de qué modo ha evolucionado el uso del término en el terreno cultural. sino. una situación enraizada en la idea romántica del artista como genio incomprendido. y a la . pasó a ser frecuente en la crítica artística.alcanzó reconocimiento y se asimilaron sus ideas. y la posterior aceptación y amplia difusión. Pero. No se trataba a la sazón de un grupo o de una tendencia artística en particular. lógicamente. en ocasiones. es un hecho que pone de manifiesto una nueva situación del artista en la sociedad. Para precisarla un poco más. Más adelante. justificarían a posteriori su papel anticipador del futuro. era aquella que junto a las innovaciones formales. es interesante examinar. en textos de los socialistas utópicos. Esto introduce otro aspecto en el concepto de vanguardia: la vinculación con actitudes sociales progresistas que. llevó a la consideración de que la vanguardia más auténtica. Futurismo. Desde un principio estos serían los aspectos más definitorios del concepto de vanguardia. la marginación incluso.

.  Ruptura con el pasado Hay un quiebre con el pasado y la tradición.vez son una crítica al mismo proyecto modernista. La constante búsqueda de lo nuevo y de ruptura con el pasado dio como resultado la renovación total del concepto de arte y sus límites. aunque hoy en día podemos ver todavía algunos grupos que buscan expresar ideas o valores mediante su arte (por ejemplo el Eco-Art).  Militancia artística La ruptura no se da solo en el plano estético. Comienza un proceso de experimentación y se reemplaza el producto por el proceso como fin de la intención artística. sino también en el político. Con el tiempo vanguardia y política se fueron distanciando. Estos grupos tenían claras ideologías y muchos de ellos eran activos militantes políticos.  Revolución y extremismo Podemos considerar a estos movimientos como una revolución del arte porque produjeron cambios profundos en el lenguaje de las artes. La vanguardia no reconoce arte sin acción transformadora.

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