Las Manifestaciones Artísticas de las Culturas Amerindias.

 Los Mayas: La cultura Maya fue una civilización antigua que vivió en la Península del Yucatán. Su periodo de florecimiento fue entre 300 AC y 950 AC. Construyeron ciudades inmensas mientras que Europa se encontraba todavía sin mucho desarrollo. La mayoría de sus templos fueron construidos con piedra y todavía son monumento que impresionan. Fue un pueblo que desapareció antes de la penetración de los españoles, hasta hoy no se conocen exactamente los motivos que los llevaron a abandonar sus ciudades. La cultura de los mayas es la más antigua de las grandes culturas americanas que se extendió por Guatemala y la península de Yucatán. Vida social. En el apogeo del periodo Clásico, el corazón de la zona maya fue el triángulo que tiene como límites aproximados a Palenque en Chiapas, Tikal en Guatemala y Copán en Honduras. Ahí prosperó una población numerosa que practicaba la agricultura quemando el bosque para aprovechar las húmedas tierras de origen volcánico. En esta zona se desarrollaron muchas ciudades-Estado, gobernadas por una fuerte autoridad sobre el resto de la sociedad como se aprecian en las representaciones pintadas y labradas en templos, tumbas y palacios. Algunos oficios que se realizan hoy en día en México, se desarrollaron en el Clásico, una mujer hilando, con una técnica que todavía se practica en muchas regiones de México. Los mayas crearon un avanzado sistema de escritura, el cual era utilizado para registrar las hazañas guerreras de los gobernantes, para anotar la cuenta del tiempo y otros propósitos religiosos. El movimiento de los cuerpos celestes y la medición del tiempo les interesaron muchísimo.

Los Mayas organizaron un calendario sorprendentemente preciso, el cual utilizaban no sólo para medir el tiempo, sino también para predecir las fechas que según sus creencias serían propicias o desdichadas para los hombres; para realizar sus cálculos, los astrónomos mayas utilizaban símbolos numéricos que representaban las unidades del 1 al 4 y grupos de 5 unidades. Daban un valor a las cifras según su posición y utilizaban el cero, lo que permitía calcular magnitudes muy grandes, el interés de los mayas en el tiempo se refleja en numerosas estelas labradas en grandes losas, que se colocaban verticalmente, para conmemoraban fechas especiales.  Los aztecas. Hacia finales del siglo XIII, los Aztecas fueron la última tribu del norte árido en arribar a Mesoamérica. Era un pueblo pobre y atrasado y fueron mal recibidos por los habitantes de los señoríos de origen tolteca ya establecidos en el Valle de México; vagaron durante años, sin poder establecerse ni en las peores tierras del Valle, hasta que en 1325, según cuenta la leyenda, encontraron en unos islotes abandonados la señal de que ahí deberían fundar su ciudad. Ya asentados, los aztecas estuvieron por varias décadas bajo el dominio del poderoso señorío de Azcapotzalco, al que servían como soldados a sueldo. Hacia 1430, los aztecas habían asimilado la cultura de los pueblos avanzados del Valle y se habían convertido en un eficiente poder militar; atacaron y derrotaron a Azcapotzalco y se transformaron en uno de los más fuertes señoríos de la región. Iniciaron así una sorprendente hazaña guerrera, que, en sólo 70 años, los haría dueños del más grande imperio que había existido en Mesoamérica

los médicos y los maestros verdaderamente sabios. la capital del imperio. La palabra Inca designa al propio dirigente. El Quechua fue el idioma oficial y hablado en la mayoría de las . el idioma inca. También eran muy respetados los artesanos notables. lo que en Quechua. las altas cumbres y los profundos valles fértiles de los Andes. entrecortada por ricos valles irrigados. pero esto no es correcto. La mayoría de las decenas de reinos pequeños mantenían su identidad. Otras personas que disfrutaban de privilegios eran los comerciantes de largas distancias. Un territorio de diversos terrenos y climas muy marcados. su poder no era absoluto porque debía rendir cuentas de sus actos ante quienes lo habían elegido. pero. palabra que en lengua náhuatl significa "el que habla". y las cumbres montañosas de la selva tropical al Este. Este jefe era tratado con reverencia y gobernaba hasta su muerte. que comprendía una larga banda desértica en la costa. aún cuando estaban ligados política y económicamente a los Incas.  Los Incas. miembros de una nobleza hereditaria y que desempeñaban los puestos más altos del gobierno.La Sociedad Azteca: Las diferencias de categoría social eran muy acentuadas entre los aztecas. Los nobles escogían dentro de su propio grupo a un jefe supremo a quien llamaban tlatoani. Los Incas llamaban a su territorio Tawantinsuyu. el ejército y el sacerdocio. significa Las Cuatro Partes. A veces es usado para designar a todos los pueblos incluidos en el Tawantinsuyu. quienes servían al gobierno como embajadores y espías. la cúspide de la sociedad era ocupada por los pipiltin. a diferencia de los reyes europeos. así como al pueblo del valle de Cuzco.

Formaban pequeños pueblos independientes entre sí. pero con un mayor desarrollo de aquellos grupos que se encontraban en el actual territorio de Colombia. Uno de esos pueblos.comunidades hasta la llegada de los Españoles. Los Chibchas colombianos en 1536. los cuales se desarrollaron en la Cordillera Oriental de Colombia. Debajo de él estaban los nobles a quienes se les controlaba la vida.  Los Chibchas. incluyendo "Sapa Inca". La cultura Chibcha abarca un grupo de pueblos que se desarrollaron desde Ecuador hasta Honduras constituyendo una macro familia. alcanzaron gran desarrollo de la orfebrería y de la industria manufacturera textil. A los emperadores Inca se les conocía con varios títulos. dependientes de la agricultura y en cuya actividad económica prevalecía el comercio a base del trueque. los Muiscas son los que en la generalidad son conocidos como Chibchas. Muchas veces se referían a él como El Inca. nobles que eran considerados sagrados. pero al menos 20 dialectos locales subsistieron en varias partes del imperio. al arribo de Gonzalo Jiménez de . Ocuparon desde Ecuador hasta Honduras. en Bogotá y en la Sierra de Santa Marta. "Capac Apu" y "Intip Cori". El emperador vivía allá y se conocía como "El Inca". Socialmente estaban divididos tomando en cuenta la actividad religiosa y guerrera a cuya cabeza estaban los jefes. Eran politeístas y además de la agricultura. Organización Social: Los Incas tenían un gobierno altamente organizado en Cuzco. Él era el gobernante de todo.

más allá de sus diferencias. peculiar y compleja.Quezada se encontraban divididos en pequeños pueblos que luchaban por su hegemonía. permiten ahora reconstruir el devenir de los pueblos acontecido en largos períodos de tiempo. antropológicas y antropolingüisticas. sus mitos. Este intercambio ha dado lugar a una serie de constantes en la concepción del mundo de los pueblos indígenas que se ponen de manifiesto . sus espacios. Es así que las investigaciones arqueológicas. Valorización de sus Aportes Técnicos y Artísticos a la Historia Latinoamericana. en el espacio tiempo Americano nos dicen: No debe sorprender que pueda haber una estructura mítica común. lingüística y culturalmente. de la cual nos interesa destacar en este trabajo lo siguiente: 1) Encontramos rasgos permanentes en el tratamiento de la relación seres humanos naturaleza en las diferentes culturas Amerindias. El estudio de las relaciones seres humanos-naturaleza. en regiones tan variadas y tan lejanas unas de otras. y han intercambiado en esos 400 siglos. geográfica. en períodos de tiempo extraordinariamente largos y su conocimiento del espacio tiempo americano construido en la muy larga duración. su tecnología. en un corpus de textos provenientes de las culturas indígenas de América nos sugiere la presencia de una cosmovisión amerindia. creencias y productos.000 años juntos. Los estudios sobre el mito. La razón de esta universalidad del mito en nuestro continente … es posible que se trate de una estructura universal que ha encontrado en el espacio americano un buen terreno. en el norte como en el sur. tal vez porque tenemos aquí grupos humanos que han vivido algunos más de 40. Ello nos permite reflexionar profundamente sobre el intercambio cultural producido entre los pueblos indígenas de América.

Presente en su versión colonial y neocolonial. que llegó y ha llegado de manera predominante a América y que se impone actualmente como cultura de dominación. en representaciones. valores. 2) Encontramos en el pensamiento Amerindio una relación seres humanos naturaleza definido por un respeto profundo que podemos caracterizar como una concepción sagrada de la naturaleza. lo sagrado posee valores inconmensurables. en oposición a la relación secular. se puede hablar de dos modos de ser en el mundo: Sagrada y profana. que rige de manera muy especial todas las relaciones seres humanos-naturaleza en esas culturas. Nada en la vida aborigen se explica sin que medie la concepción de lo sagrado. Sus dioses y espíritus como pertenecen al mundo de lo sagrado no están subordinados a la concreción o al hecho fenoménico de un cuerpo que en última instancia es mortal y perecible. en sistemas de pensamiento y en los conocimientos agroalimentarios.en las creaciones mítico-simbólicas en los diseños y dibujos artísticos presentes en cerámicas y tejidos. propios de la cultura Occidental. Profundizando en este tema. Su concepción de lo sagrado está . Así las lecturas de estudios antropológicos sobre las culturas indígenas de Venezuela y otras culturas Amerindias de América. el antropólogo Ronny Velásquez nos dice: Para las culturas indígenas. la presencia de una concepción sagrada de la naturaleza. es susceptible de revelarse como sacralidad cósmica…Así. la naturaleza en su totalidad. A este respecto Mircea Eliade sostiene: Para aquellos que tienen una experiencia religiosa. todo lo cual denominamos cosmovisión amerindia y pensamiento amerindio. y existe para su explicación un alcance basado en pensamientos abstractos. Sus espíritus están fundados en su propia mitología. nos permiten encontrar como constante. actitudes y prácticas sociales. utilitaria de la misma.

a lo eterno e inalcanzable y solo es posible acercarse a ese mundo a través de los rituales… Este sentimiento sobre lo divino y lo sagrado es inmanente a un Dios creador o a múltiples dioses creadores. Es conveniente a su vez referir algunas consideraciones sobre la concepción y percepción del espacio en el pensamiento indígena que nos aporta también el antropólogo Ronny Velásquez: En las culturas indígenas el espacio es múltiple posee además del nivel físico. a éste lo perciben. que da plena difusión e importancia al pensamiento publicado en Europa Occidental y -a partir del siglo XIX. no es lo privilegiado. la música y el arte. lo reconocen y forma parte de su hacer y saber. desde la invasión . y a través de la imaginación y se accede a esos niveles de percepción del espacio a través de los ritos Análisis de los Contextos Históricos desde lo Local hacia lo Universal Las culturas latinoamericanas han estado asociadas estereotípicamente con el folclor. Se privilegia lo divino y se conjuga con lo que define Rudolf Otto. otros niveles que son conocidos y percibidos por distintas vías.en los Estados Unidos. práctico-concreto. específicamente. por la vía de las percepciones n ordinarias.centrada en la transformación de la materia y ello se establece en base a lo divino. que poseen ya de por sí un valor inconmensurable. Este fenómeno responde a la distribución desigual del poder. como lo numinoso que es todopoderoso y fascinante. Si bien. Se debe considerar además que los aborígenes no viven sólo un mundo humano y dentro de los márgenes de lo perceptible en forma concreta. Sin embargo. pero pocas veces se incluye a sus pensadores en la historia de la filosofía occidental contemporánea. por la mediación de la representación míticosimbólica.

grupos sustanciales de pensadores promovieron una imagen de unidad cultural que inició decisivamente el "latinoamericanismo" o la "búsqueda" de la identidad latinoamericana.y Andrés Bello. Para fines del siglo XVIII. Los dos autores más reconocidos de esa época son el uruguayo José Enrique Rodó y el cubano José Martí. Brasil. Buenos Aires. quien propuso una visión de "lo americano" que reconciliara la herencia hispánica con la diferencia tropical. de Rodó. propuso un nítido programa de . A fines del siglo XIX. los criollos educados en varias universidades de México. Lima. como el Inca Garcilaso de la Vega y Guamán Poma de Ayala en Perú. Los nombres posiblemente más difundidos son los venezolanos Simón Rodríguez -cuyas ideas democráticas y pedagógicas eran proféticamente radicales. con la creciente influencia estadounidense en la región. que tendieron interesantes puentes entre la cosmovisión europea y la de algunas civilizaciones amerindias. hubo cronistas americanos. El libro Ariel (1900). En la época colonial (siglos XV-XVIII). Chile y Argentina.colonial. comenzaron a aplicar las ideas de la Ilustración francesa para reflexionar sobre los caminos colectivos que deberían implementarse en América. la filosofía estaba fundamentalmente dirigida por y hacia la formación religiosa. Más tarde. la producción académica de lo que hoy se llama América Latina ha tenido presencia y relativa influencia en la civilización Occidental. Caracas y Bogotá. Pero dentro de un marco que no se ha considerado rigurosamente filosófico. Los esfuerzos por organizar naciones independientes de España durante todo el siglo XIX estuvieron orientados según estas ideas. paralelamente a un proceso de modernización económica y social basada en la dependencia de un producto de exportación para el consumo europeo. los modelos evolucionistas y positivistas se cultivaron con gran intensidad en México. que buscaban establecer modelos de origen francés e inglés dentro de las condiciones geográficas y demográficas propias de los nuevos países.

 El aprovechamiento que ha hecho de sus recursos y los métodos utilizados   La actitud y pensamiento establecido en relación con la Naturaleza. la flora y los elementos físicos que le rodean. Característica de la cultura Amerindia La cultura Amerindia. De una manera más transformadora. sino el que sabe con qué elementos está hecho su país". Martí sintetizó en el ensayo "Nuestra América" (1891) los ideales de producir modelos basados en la experiencia propia de cada región y de generar una ciudadanía supranacional en Iberoamérica: "el buen gobernante en América no es el que sabe cómo se gobierna el alemán o el francés. con un tono fundamentalmente conservador. Sus características dejan en claro las enormes diferencias que existen con otras culturas.diferenciación educativa y cultural entre la América hispano-portuguesa en contraste con la anglosajona. Importancia y Características La cultura ecológica de los pueblos de Amerindia Las culturas Indias de América y las comunidades indígenas en general establecen interrelaciones muy especiales con su entorno. según Adalberto Ríos (Profesor de la UNAMMéxico) tiene características muy particulares:  El conocimiento que tiene de la fauna. La imperativa necesidad de conocer al pueblo de cada país y de desarrollar modelos humanistas basados en el análisis de las condiciones propias guió el trabajo de muchos pensadores latinoamericanos durante todo el siglo XX.. La importancia y la historia de las culturas indias de América .

una continuidad cultural ligada a sus orígenes. Es posible que el instrumento utilizado se destruyera en la acción de grabar y por eso no se puede encontrar hoy en día. . Para lograrlo. También conocidas como grabados rupestres. los ritos. estas manifestaciones fueron elaboradas al sustraer material de la superficie rocosa con instrumentos de una dureza superior. el respeto y reverencia a la Naturaleza. Los Petroglifos Americanos y Comparación con la Pintura Rupestre Universal ¿Qué es un petroglifo? Se conoce como petroglifo a una imagen que ha sido grabada en las superficies rocosas. el alimento. ha sido encontrar fragmentos de roca tallada (lascas) que podrían evidenciar que los instrumentos se realizaban en el mismo sitio y que no se trataba de objetos muy elaborados. pero no es frecuente hallar herramientas de este tipo que se puedan asociar con algún sitio rupestre. pues su vida útil era muy corta. con diversos grados. Las culturas indígenas actuales mantienen. hasta el siglo XV no tuvieron contacto alguno con civilizaciones externas y siempre mantuvieron contactos y relaciones de intercambio en su entorno e incluso dentro del continente. en cambio. Lo común.Estas civilizaciones son originarias y se fueron desarrollando de manera aislada a través de la historia. el trabajo. el antiguo ejecutor pudo utilizar punteros de piedra u otros elementos elaborados específicamente para tal fin. la rica vestimenta. el arte y la manera de entender la muerte. Uno de los valores básicos de estas culturas es la manera de entender la vida. a pesar de los diversos procesos de colonización.

cuadrados con divisiones interiores. Algunos petroglifos fueron hechos al picar la superficie con una roca más dura. Se puede distinguir una gran variedad de motivos. Es muy común encontrar pequeños hoyos oradados en las rocas (cúpulas) o líneas resultado del pulimento de alguna herramienta (afiladores). muchas veces entrelazados o superpuestos. a manera de pequeños puntos que no se distinguen sino a poca distancia. Los petroglifos pueden estar grabados muy superficialmente. etc. también se consideran en el estudio del arte rupestre. . cuadradas y circulares. pues son una importante fuente de datos acerca de la forma de vida de los antiguos habitantes de nuestro territorio ¿Qué es arte rupestre? Se conoce como arte rupestre a los rastros de actividad humana o imágenes que han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas. entre los cuales podemos destacar: espirales (circulares y cuadradas). a la manera del cincel y el martillo (percusión). aún podemos apreciar. mediante el golpeteo constante con otro instrumento auxiliar. hasta los que se conforman por surcos de varios centímetros de profundidad o los que presentan la excavación de amplias áreas planas. círculos concéntricos. La superficie también pudo ser frotada con un instrumento de piedra y finalmente pulida con la ayuda de arena y agua (abrasión). antropomorfos (2). muchos de ellos son obra humana y aunque para nosotros no parezcan representar algo. caras triangulares. hileras de puntos. meandros (3). se lograron plasmar formas que gracias a la permanencia de la roca. Otros fueron grabados al rayar con el filo de una roca tallada (rayado). Estos motivos se encuentran dispuestos y mezclados en complejas composiciones.Por medio de diversas técnicas.

Lo “rupestre” hace referencia al soporte en que se encuentra (del latín rupe: roca). Ésta es sólo una más de las formas como se ha intentado definir su significado. Antes del desarrollo de la escritura. Sin embargo.En su paso por el mundo. Su denominación como “arte” no significa que se trate de objetos artísticos en los términos y con las finalidades con que hoy los entendemos desde nuestra cultura occidental. piedras y paredes rocosas. pensamientos y creencias. etc. plantas u objetos. mediante la pintura y el grabado en piedras. las sociedades humanas posiblemente registraban ya. El Arte medieval: Es toda manifestación artística que se dio durante la edad media.. ya que estos fueron pilares fundamentales para el auge del gótico y romano. escenas de la vida cotidiana. pues la palabra “arte” implica darle un sentido que no necesariamente coincide con el que le dieron sus ejecutores. Expresadas de una manera muy sintética. el hombre ha dejado plasmadas en cuevas. signos y figuraciones geométricas. . una gran parte de sus vivencias. Quizás sea más indicado el término manifestaciones rupestres. hablar de estas dos corrientes sin mencionar al arte paleocristiano y bizantino no tiene sentido. el románico y el gótico. El Arte del Medievo y el Renacimiento. En casi cinco siglos de la plena y baja Edad Media se exhibo en el arte dos estilos claramente definidos. innumerables representaciones de animales. obras consideradas entre las más antiguas manifestaciones de su destreza y pensamiento. Estos movimientos artísticos tienen su nacimiento en Francia y paulatinamente se van extendiendo por todo el continente. estas manifestaciones son el reflejo de la capacidad intelectual de la humanidad para abstraer y representar su realidad.

Alonso Cano (16011667). también pintor. los barrocos Pedro Vicálvaro y Francisco Salzillo (hijo del napolitano Nicolás Salzillo. los escultores clasicistas italianos Leone Leoni y su hijo Pompeyo Leoni. Para muchos autores empieza en 1453 con la conquista turca de Constantinopla. su hija . Es un fenómeno muy complejo que impregnó todos los ámbitos yendo por tanto. que tabajaron para el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. pero la fecha tope es 1492. Según otros es un nuevo periodo que surge desde el descubrimiento de la imprenta. ya en el Manierismo hay que nombrar por supuesto el correlato de la ascética y la mística de la segunda mitad del siglo XVI: el gran Alonso Berruguete. e incluso se considera que no se produce hasta que Copérnico descubre el sistema heliocéntrico.El Renacimiento: Es uno de los grandes momentos de la historia universal que marcó el paso de mundo Medieval al mundo Moderno. Bartolomé Ordóñez (sillería del coro de la catedral de Barcelona) y Diego de Siloé (sepulcro de don Alonso de Fonseca y Acevedo en Convento de las Úrsulas de Salamanca. el gallego Gregorio Fernández (1576-1636) que trabajó en Valladolid. Pedro de Mena (1628-1688). Autores y obras más representativas en las artes plásticas Escultura: En lo tocante a escultura tenemos ya en el Prerrenacimiento y primeros años del XVI las figuras extranjeras que trabajaron en España: Domenico Fancelli. La primera generación de escultores españoles del Renacimiento estuvo compuesta por Vasco de la Zarza (trascoro de la catedral de Ávila). también llamado el Indaco. con el descubrimiento de América. que llegó a Murcia a trabajar en el siglo XVI-XVII y por tanto perteneciente a la Escuela castellana). Pietro Torrigiano y Jacopo Florentino. más allá de lo puramente artístico como ha querido verse. Pedro Roldán. Juan de Juni. Felipe Vigarny (retablo mayor de la catedral de Toledo).

formado en Italia. así como El Greco. el pintor Pedro y el escultor Alonso. Además. los temas mitológicos y profanos están ausentes. Al barroco pertenecen Diego Velázquez. pintor de alegorías políticas. de la Escuela andaluza.Luisa Roldán (la Roldana) y Juan de Mesa (1583-1627). los leonardescos Juan de Juanes y Fernando Yáñez de la Almedina. Juan Fernández de Navarrete. y en Córdoba Antonio del Castillo. pintor de complejas composiciones intelectualizadas que ahonda en el misterio de la cruda e intensa luz y la perspectiva aérea. Francisco Ribalta y José de Ribera. Se realizan retablos. donde era llamado «el Españoleto». los dos Herreras (el Viejo y el Mozo). Las figuras son aisladas: para iglesias. Hay que citar también a Juan Bautista Maíno. Luis de Morales «el Divino». Alonso Sánchez Coello. La temática tratada es casi exclusivamente religiosa y sólo en el ámbito de la Corte se da escultura monumental. «el Mudo». y a quien se le daban especialmente bien las tonalidades de la piel. a la primera fase corresponden los dos Berruguetes. los tenebristas caravaggiescos Francisco de Zurbarán. a la segunda Vicente Macip. principal exponente del Manierismo pictórico en Castilla. donde aparecen figuras exentas y en bajorrelieve. Vicente Carducho. Bernardo de Mora. su hijo José de Mora y Pedro Duque y Cornejo. Pedro Machuca. Pintura: En las artes plásticas destaca la pintura. el . gran pintor de frailes y bodegones. en Sevilla se oscila entre la dulzura de Bartolomé Esteban Murillo y el tenebrismo tétrico de Juan de Valdés Leal. Destaca con mucho la imaginería en madera de tradición hispana. Claudio Coello. Juan Carreño de Miranda. En estas obras se pierde la técnica del estofado y posteriormente se usará la policromía. José Risueño. conventos y para las procesiones de Semana Santa.

Luis Tristán. después. debido a su dominio del lenguaje clásico y sus logros . durante el de su hijo Felipe II. con la tradición gótica y la idiosincrasia local. Juan Bautista Martínez del Mazo. Juan Antonio Frías y Escalante. debido a las fachadas decoradas en exceso. y durante el siglo XVII domina el Barroco y Churrigueresco. El nuevo estilo se llama plateresco. Órdenes clásicas y motivos de candeleros (candelieri) se combinan con libertad en conjuntos simétricos. a veces proveniente de libros ilustrados y pinturas. Bartolomé González y Serrano. surge el Manierismo de Juan de Herrera. autor de El sueño del caballero. que añade al estilo del maestro elementos naturalistas. Arquitectura: En el siglo XVI se pasa del estilo plateresco del Renacimiento durante los Reyes Católicos al más plenamente renacentista durante el reinado de Carlos I. el paisajista Francisco Collantes. José Antolínez y otros muchos. uno de los escasos discípulos de El Greco. supuso un logro inesperado dentro del Renacimiento más avanzado de la época. Mateo Cerezo. el Palacio de Carlos V realizado por Pedro Machuca. Antonio Pereda.retratista Juan Pantoja de la Cruz. El palacio puede ser definido como una anticipación al manierismo. el Renacimiento comenzó unido a las formas góticas en las últimas décadas del siglo XV. creador del Estilo herreriano y del monumental Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. En este contexto. que reunió la influencia de la arquitectura del sur de Italia. El estilo comenzó a extenderse sobre todo a manos de arquitectos locales: es la razón de un estilo renacentista específicamente español. que recuerdan a los intrincados trabajos de los plateros. en Granada. Pedro Orrente. Eugenio Cajés. el cartujo Juan Sánchez Cotán. En España. famoso por sus místicos bodegones.

el siglo se cierra con arquitectos como Andrés de Vandelvira (Catedral de Jaén). en el que una adherencia excesiva al arte de la antigua Roma fue superado por el estilo extremadamente sobrio. Fue construido antes de las principales obras de Miguel Ángel y Palladio. Cuando las influencias barrocas italianas llegaron a España. algunos arquitectos adquirieron un gusto más sobrio. Rodrigo Gil de Hontañón y Gaspar de Vega. Aunque el plateresco es un término usado habitualmente para definir a la mayoría de la producción arquitectónica de finales del siglo XV y primera mitad del siglo XVI. la influencia gótica desaparece y la búsqueda de un clasicismo ortodoxo alcanzó niveles muy altos. las fachadas de la Catedral de Granada de Alonso Cano y la de Jaén de Eufrasio López de Rojas indican la facilidad de su interpretación a la manera barroca de los motivos tradicionales de las catedrales españolas. Según pasaban las décadas. Tan pronto como en 1667. La cumbre del Renacimiento español está representado por el Real Monasterio de El Escorial. el simbolismo de la escasa decoración y el preciso corte del granito establecieron la base para un estilo nuevo. Su influencia fue muy limitada y mal entendida. el herreriano. La influencia de los techos flamencos. . gradualmente sustituyeron en el gusto popular al sobrio gusto clasicista que había estado de moda desde el siglo XVI. realizado por Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera.estéticos rupturistas. Con un estilo más próximo al manierismo. como Diego de Siloé. Ejemplos de plateresco son las fachadas de la Universidad de Salamanca y del Hostal San Marcos de León. las formas platerescas se imponían en el panorama general.

como en la Cartuja de Granada. Los años 1760 a 1780 vieron un desplazamiento gradual del interés desde el movimiento retorcido y excesivo de la ornamentación hacia el equilibrio y la sobriedad del neoclásico. exagerado y casi caprichoso de decoración superficial. se estableció como elemento principal de la decoración ornamental. considerada la apoteosis del churrigueresco aplicado a espacios interiores. el diseño incluye el juego de techos y elementos decorativos con poca relación con la estructura y función. se rebelaron contra la sobriedad del clasicismo herreriano y promocionaron un estilo intrincado. en forma de cono o obelisco invertido. el barroco churrigueresco ofrece alguna de las combinaciones de luz y espacio más espectaculares. la columna churrigueresca o estípite. En medio siglo. desarrollada en Madrid a lo largo del siglo XVII (Plaza Mayor y Ayuntamiento de Madrid). 1719) y del Hospicio de San Fernando en Madrid (Pedro de Ribera. Entre 1720 y 1760. el arte español de la época busca agradar a los sentidos más que al intelecto. En este caso y en muchos otros. y el . La evolución del estilo pasó por tres fases. La familia Churriguera.El barroco local mantiene raíces en Herrera y en la construcción tradicional en ladrillo. En contraste al barroco de la Europa septentrional. Dos de las más espectaculares creaciones del barroco español son las fachadas de la Universidad de Valladolid (Diego Tomé. que se especializó en altares y retablos. cuya extravagancia curvilínea parece anunciar a Antonio Gaudí y el modernismo. conocido como churrigueresco. Entre 1680 y 1720. conocido como «orden suprema». 1722). sin embargo. los Churriguera popularizaron la mezcla de columna salomónica de Guarini y el orden compuesto. convirtieron a Salamanca en una ciudad churrigueresca ejemplar.

diseñada por el pintor y grabador Hipólito Rovira (1740-1744). Literatura: España produjo en su edad clásica algunas estéticas y géneros literarios característicos que fueron muy influyentes en el desarrollo ulterior de la Literatura Universal. caballeresco y . Los palacios reales de La Granja de San Ildefonso. El mejor representante del estilo fue el maestro español Ventura Rodríguez. El Palacio Real de Madrid y las construcciones del Paseo del Prado (Salón del Prado y Puerta de Alcalá) también en Madrid. y el de Aranjuez. donde escultura y arquitectura se integran para conseguir un efecto dramático de la luz. que de alguna manera muestra herencia de la ocupación musulmana. Fueron construidos en el sobrio barroco internacional. con notable influencia francesa (La Granja es conocido como el «Versalles español»). El rococó se introdujo en España por primera vez en la Catedral de Murcia. por los reyes borbones Felipe V y Carlos III.«transparente» de la Catedral de Toledo de Narciso Tomé. son buenos ejemplos de la integración de arquitectura y jardines del barroco. en su fachada occidental. pero con concepción espacial local. en 1733. merecen ser mencionados. responsable de la Santa Capilla de la Virgen del Pilar (1750) en el interior del templo de Nuestra Señora del Pilar en Zaragoza. fue fundamental el desarrollo de una realista y popularizante tal como se había venido fraguando durante toda la Edad Media peninsular como contrapartida crítica al excesivo. se destaca la exuberante decoración de la puerta del palacio del Marqués de Dos Aguas en Valencia. También en la zona levantina. a menudo confundido con el neoclásico. en Segovia. en Madrid. Entre las estéticas.

A esta tendencia anticlásica corresponde también la fórmula de la comedia nueva creada por Lope de Vega y divulgada a través de su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609): una explosión inigualable de creatividad dramática acompañó a Lope de Vega y sus discípulos. etcétera. . árabe y hebrea. Por otra parte. tiempo y lugar: todos los autores dramáticos de Europa acudieron luego al teatro clásico español del Siglo de Oro en busca de argumentos y como una rica almoneda y cantera de temas y estructuras modernas cuyo pulimento les ofrecerá obras de carácter clásico. de Mateo Alemán. etc. Estebanillo González). Luis Zapata. géneros dramáticos como el entremés y la novela cortesana introdujeron también la estética realista en los corrales de comedias. a causa de la presencia política del reino español en la península itálica durante largos siglos. leidísimas y traducidísimas en toda Europa. o la proteica novela polifónica moderna (Don Quijote de la Mancha).). que Cervantes definió como «escritura desatada».nobilizante idealismo del Renacimiento: se crean géneros tan naturalistas como el celestinesco (Tragicomedia de Calisto y Melibea de Fernando de Rojas. Guzmán de Alfarache. Antonio de Torquemada. que quebrantaron como él las unidades aristotélicas de acción. A esta vulgarización literaria corresponde una subsecuente vulgarización de los saberes humanísticos mediante los populares géneros de las misceláneas o silvas de varia lección. Muchos de estos temas provenían de la rica tradición medieval pluricultural. y cuyos autores más importantes son Pero Mexía. la novela picaresca (Lazarillo de Tormes anónimo. y aun la comedia de capa y espada tenía su representante popular en la figura del gracioso. del Romancero y de la impronta italianizante de la cultura española. Segunda Celestina de Feliciano de Silva.

el castellano vivo. nobiliaria y cortesana de signo Barroco que también hizo notables aportaciones estéticas. aportándole más flexibilidad expresiva y una nueva cantera de vocablos (cultismos). escribía Juan de Valdés. que la literatura del Renacimiento de hace cinco siglos es más legible que la lengua del Barroco de hace cuatro. en deliberada antítesis con el entremés. económica y social. la lengua más oscura. y solamente tengo cuidado en escoger las palabras que mejor indican lo que quiero decir». cuyo fin era elevar lo noble sobre lo vulgar. en un juego o un espectáculo y las producciones moralizantes y por extremo ingeniosas de un Francisco de Quevedo y un Baltasar Gracián distorsionan la lengua. que supone la vulgarización antipopular y esplendorosa de la Teología. La lengua literaria del Barroco se enrarece con las estéticas del Conceptismo y del Culteranismo. Resulta. intelectualizando el arte de la palabra. creador y en perpetua ebullición de Bernal Díaz del Castillo y Santa Teresa («sin afectación alguna escribo como hablo. de forma que se perfeccionan temas y fórmulas dramáticas ya usadas por otros autores anteriores. sin embargo. Al lenguaje claro y popular del siglo XVI. aun siendo cronológicamente más reciente. todavía sigue teniendo curso. correspondiendo a una época de crisis política. enigmática y cortesana del Barroco. El lúcido Calderón crea la fórmula del auto sacramental. aunque para no repetirse refinan sus fórmulas y estilizan cortesanamente lo que otros ya crearon. de lo que se hacía eco Garcilaso cuando decía «más a las veces son mejor oídos / el puro ingenio y lengua casi muda / testigos limpios de ánimo inocente / que la curiosidad del elocuente») sucederá. a los que imitan conscientemente. . pues. la literatura se transforma en una especie de escolástica.A esta corriente de realismo popularizador sucedió una reacción religiosa. pues estos autores todavía son deudores y admiradores de los autores del XVI. que.

el Quietismo de Miguel de Molinos. Antecedentes históricos La evolución del arte barroco. El ser humano siempre ha hecho arte y no como un lujo o algo superfluo. El arte es una necesidad social mediante la cual se expresan imágenes de la realidad física y del mundo psíquico del ser humano que interpreta la realidad a través de ideas y creencias. como se puede observar en monumentos tales como las pirámides egipcias ó el Guernica de Picasso. Reconocemos una obra de arte por su belleza estética que responde siempre a unos principios estéticos insertados en el contexto cultural. Santa Teresa de Jesús) y la Ascética (fray Luis de León. No hay sociedad o época histórica sin arte. dotado de una inteligencia superior. Las manifestaciones artísticas del Ser Humano: El arte existe desde que el ser humano. Desde el siglo XVI el conocimiento humano . San Juan de Ávila. El arte es un lenguaje universal con capacidad de sublimación que está por encima de las fronteras del espacio y del tiempo. San Juan Bautista de la Concepción. separándose de ella en un primer paso de civilización. poniéndola a su servicio. fray Luis de Granada). decide dominar la naturaleza que le rodea.A fines del siglo XVI se desarrolla notablemente la Mística (Juan de la Cruz. en todas sus formas. El Barroco. debe estudiarse dentro de su contexto histórico. para entrar en el siglo XVII en decadencia tras una última corriente innovadora.

la energía y la tensión. El activo comercio y colonización de América y otras zonas geográficas por parte de los países europeos fomentó la descripción de numerosos lugares y culturas exóticas. no fue completamente aceptada hasta después de 1600. en especial de Felipe III y Felipe IV. en el arte. Hacia 1530. exaltado. La Iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas más influyentes. desprovista de figuras humanas. Las monarquías absolutas de Francia y España promocionaron la creación de obras que. contribuyó a la formación de un arte emocional. y no de la Tierra como hasta entonces se creía. y la Contrarreforma. las investigaciones que Galileo realizó sobre los planetas justifican la precisión astronómica que presentan muchas pinturas de la época. La demostración de que la Tierra no era el centro del Universo coincide. el astrónomo polaco Copérnico maduró su teoría sobre el movimiento de los planetas alrededor del Sol. Fuertes contrastes de luces y sombras . Características del arte barroco Entre las características generales del arte barroco están su sentido del movimiento.del mundo se amplió constantemente. desconocidos hasta ese momento. su obra. y muchos descubrimientos científicos influyeron en el arte. lanzada a combatir la difusión del protestantismo. publicada en 1543. dramático y naturalista. con su grandiosidad y esplendor. con un claro sentido de propagación de la fe. con el triunfo de la pintura de género paisajístico. Los acontecimientos políticos también tuvieron influencia en el mundo del arte. La austeridad propugnada por el protestantismo en lugares como Holanda y el norte de Alemania explica la sencillez arquitectónica que caracteriza a esas regiones. reflejaran la majestad de Luis XIV y de la casa de Austria. La religión determinó muchas de las características del arte barroco.

las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada. martirios y apariciones milagrosas. Cedeño. Su prodigio técnico y su habitual maestría para ejecutar obras de grandes . naturalismo e impresionismo. Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis. Miranda. con su personalidad propia. el individualismo y el detalle del arte barroco manifestado en las representaciones realistas de la piel y las ropas hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros. Realismo. Las obras más importantes de Michelena son las que narran episodios de nuestra historia. La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas. nos dejo un profundo mensaje de carácter popular en su obra. romanticismo. esculturas y obras arquitectónicas. estudia a Bolívar. La intensidad e inmediatez. Como Tovar y Tovar. que sirvió para impulsar a las actividades plásticas. Páez. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores. Pedro Camejo En su obra se refleja la influencia de las escuelas europeas: neoclasicismo.  Arturo Michelena Nació en valencia el 16 de junio de 1863. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco. las pasiones y los temperamentos. magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. El Arte Colonial Venezolano. tanto en el renacimiento como en el barroco. Sucre. los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva.

Óleo sobre tela 65. donde interpreta un ambiente de miseria y se observa la influencia del realismo. Óleo sobre tela 90 x 71 cm El Ordeño (1892).8 cm Carlota Corday (1889). el dibujo es mucho mas libre4. Óleo sobre tela 197 x 224 cm La joven madre (1899). Óleo sobre tela 288.7 x 314.3 cm Mujer oriental (1889). Óleo sobre tela 78 x 98 cm La vara rota (1892). impregnada de frescura y corte romántico Obras de mayor relevancia de Arturo Michelena París 1886 . Óleo sobre tela 52 x 60 cm . (1888).2 x 65. 5 cm Venezuela 1890 .5 x 49. Óleo sobre tela 243. el color con tonalidades grises y su contenido patético y descriptivo. Óleo sobre tela 208 x 283.dimensiones hacen de Michelena el más notable de los pintores académicos de Latinoamérica Entre sus obras sobresalen: “la caridad”.1892 El panteón de los héroes (1898). (1890).4 x 104 cm Soldados árabes (1890). Óleo sobre tela 172 x 141. Óleo sobre tela 80. Óleo sobre tela 49. Óleo sobre tela 300 x 460 cm Paisaje de El Paraíso (1890). Óleo sobre tela 448 x659 cm Los Morochos (1892).3 cm Pentesilea (1891).7 cm Retrato ecuestre de Bolívar. “La joven madre”. 4 x 85 cm La caridad (1888). Óleo sobre tela 87.1898   Vuelvan caras. 8 x 231.4 cm Fantasía árabe (1889). Óleo sobre tela 305 x 211 cm El granizo de Reims (1889). Óleo sobre tela 135 x 168 cm              El niño enfermo (1886).

5 cm   La multiplicación de los panes (1897).1 x 89. Óleo sobre tela 240 x 126. Óleo sobre tela 180. Óleo sobre tela 120. Óleo sobre tela 346 x 253 cm     Monseñor Críspulo Uzcátegui (1897). Óleo sobre tela 26 x 34 cm El desván del anticuario (1893).6 cm       Lastenia Tello de Michelena (1890) Óleo sobre tela 135. Óleo sobre tela 69 x 53 cm Gladiolas con paisaje (1894). Óleo sobre tela 255 x 165 cm Josefina Blanco de Zuloaga (1897). Óleo sobre tela 101 x 61 cm Hipódromo de Sabana Grande (1896). Óleo sobre tela 84 x 109 cm El panteón de los héroes (1898). Óleo sobre tela 135 x 168 cm La última cena (1898). Óleo sobre tela 351 x 296 cm Cascada de Catuche (1896). Óleo sobre tela 227 x 152 cm Manuel Antonio Matos (1895). Óleo sobre tela 90 x 55 cm Miranda en la Carraca (1896). Conchita Núñez López Méndez de Montemayor (1890).1 x 92 cm Paisaje de San Bernardino (1893). Óleo sobre tela.5 cm  Retrato del Mariscal Antonio José de Sucre (1895) Óleo sobre tela 80 x 64 cm  El Libertador en traje de campaña (1895). Óleo sobre tela 340 x 450 cm . Óleo sobre tela 100 x 60 cm Flores de mayo y paisaje (1894). Óleo sobre tela 76 x 91 cm La Muerte de Sucre en Berruecos (1895). 80.2 x 175. Óleo sobre tela 197 x 245. Óleo sobre tela 480 x 358 cm Retrato ecuestre del general Joaquín Crespo (1897).2 x 112.2 cm Diana cazadora (1896). Óleo sobre tela 229 x150 cm La cascada de Gamboa (1896).5 cm        María Ibarra de Matos (1895).

aunque con el tiempo . Por esta razón acostumbraba ser rechazado socialmente. de combate. lucha. estos valores entraron en crisis. de pequeño con un grupo destacado del cuerpo mayoritario. Tomando literalmente mucho. que se sitúa por delante. el caso más curioso de esta etapa es el movimiento impresionista en la pintura y su convivencia con la.El Arte de las Vanguardias Artísticas del Siglo XX. etc. el término implica ante todo la idea de. la vanguardia artística se manifestó como una acción de grupo. El arte del Siglo XX se ve fuertemente influenciado por política y social del momento. Todo esto provoca un gran impacto en la sociedad y surgen movimientos artísticos como el futurismo. sino todo lo contrario. que había creado un sentimiento de confianza en el ser humano. Es una época de profundos y acelerados cambios. a unas situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. incluso con violencia. En efecto. La revolución industrial se convirtió en una gran influencia en el arte. una élite que se enfrentaba. la llegada del hombre a la luna. Luego de la Ilustración. un grupo reducido. el avión. donde el progreso científico y tecnológico deja avances impensados como el automóvil. la televisión. aquel entonces. lleno de horror y destrucción. nueva técnica de la fotografía (desde 1839 con las primeras imágenes creadas por Daguerre hasta principios del Siglo XX). Se pueden distinguir dos grandes movimientos en el siglo XX: Las vanguardias y luego el arte postmoderno. El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron su huella en el arte. Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable. La crisis europea y la crisis de la bolsa estadounidense en 1930 impactan en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta. la razón y la ciencia. brota de ella. como una forma de catarsis. que avanza en la droga. por ejemplo en el arte pop. Es un arte que no escapa a la realidad.

La vanguardia artística es una búsqueda de renovar. La palabra vanguardia con relación al arte apareció por primera vez en el primer cuarto del siglo XX. sobre todo a fines del siglo XX. Características de los movimientos de vanguardia Algo llamativo es el carácter contradictorio de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX. la marginación incluso. en ocasiones. y poco antes de la primera guerra mundial. y a la . implicaba un ansia transformadora de la sociedad. era aquella que junto a las innovaciones formales. Esto introduce otro aspecto en el concepto de vanguardia: la vinculación con actitudes sociales progresistas que. de qué modo ha evolucionado el uso del término en el terreno cultural. La incomprensión inicial. como han hecho algunos estudiosos (Nikos Hadjinikolaou. Entonces se aplicó ya a una tendencia concreta: Cubismo. en textos de los socialistas utópicos. Futurismo. llevó a la consideración de que la vanguardia más auténtica. Pero. No se trataba a la sazón de un grupo o de una tendencia artística en particular. Más adelante. en especial). justificarían a posteriori su papel anticipador del futuro. sino. y la posterior aceptación y amplia difusión. que. ruptura de preconceptos. es un hecho que pone de manifiesto una nueva situación del artista en la sociedad. que trataban de transformar la sociedad: la ciencia y la industria. Desde un principio estos serían los aspectos más definitorios del concepto de vanguardia. es interesante examinar. experimentar y/o distorsionar un sistema de representación artístico. Además. lógicamente. Implica innovación. el término vanguardia se utilizó en el vocabulario político. pasó a ser frecuente en la crítica artística. Para precisarla un poco más. una situación enraizada en la idea romántica del artista como genio incomprendido. la idea de vanguardia comporta una mayor complejidad. es que surgen como triunfo del proyecto cultural moderno (que plantea un rechazo al pasado y búsqueda de progreso).alcanzó reconocimiento y se asimilaron sus ideas.

sino también en el político.  Militancia artística La ruptura no se da solo en el plano estético. La vanguardia no reconoce arte sin acción transformadora. . aunque hoy en día podemos ver todavía algunos grupos que buscan expresar ideas o valores mediante su arte (por ejemplo el Eco-Art). Estos grupos tenían claras ideologías y muchos de ellos eran activos militantes políticos. Con el tiempo vanguardia y política se fueron distanciando. La constante búsqueda de lo nuevo y de ruptura con el pasado dio como resultado la renovación total del concepto de arte y sus límites.vez son una crítica al mismo proyecto modernista.  Ruptura con el pasado Hay un quiebre con el pasado y la tradición. Comienza un proceso de experimentación y se reemplaza el producto por el proceso como fin de la intención artística.  Revolución y extremismo Podemos considerar a estos movimientos como una revolución del arte porque produjeron cambios profundos en el lenguaje de las artes.

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