Las Manifestaciones Artísticas de las Culturas Amerindias.

 Los Mayas: La cultura Maya fue una civilización antigua que vivió en la Península del Yucatán. Su periodo de florecimiento fue entre 300 AC y 950 AC. Construyeron ciudades inmensas mientras que Europa se encontraba todavía sin mucho desarrollo. La mayoría de sus templos fueron construidos con piedra y todavía son monumento que impresionan. Fue un pueblo que desapareció antes de la penetración de los españoles, hasta hoy no se conocen exactamente los motivos que los llevaron a abandonar sus ciudades. La cultura de los mayas es la más antigua de las grandes culturas americanas que se extendió por Guatemala y la península de Yucatán. Vida social. En el apogeo del periodo Clásico, el corazón de la zona maya fue el triángulo que tiene como límites aproximados a Palenque en Chiapas, Tikal en Guatemala y Copán en Honduras. Ahí prosperó una población numerosa que practicaba la agricultura quemando el bosque para aprovechar las húmedas tierras de origen volcánico. En esta zona se desarrollaron muchas ciudades-Estado, gobernadas por una fuerte autoridad sobre el resto de la sociedad como se aprecian en las representaciones pintadas y labradas en templos, tumbas y palacios. Algunos oficios que se realizan hoy en día en México, se desarrollaron en el Clásico, una mujer hilando, con una técnica que todavía se practica en muchas regiones de México. Los mayas crearon un avanzado sistema de escritura, el cual era utilizado para registrar las hazañas guerreras de los gobernantes, para anotar la cuenta del tiempo y otros propósitos religiosos. El movimiento de los cuerpos celestes y la medición del tiempo les interesaron muchísimo.

Los Mayas organizaron un calendario sorprendentemente preciso, el cual utilizaban no sólo para medir el tiempo, sino también para predecir las fechas que según sus creencias serían propicias o desdichadas para los hombres; para realizar sus cálculos, los astrónomos mayas utilizaban símbolos numéricos que representaban las unidades del 1 al 4 y grupos de 5 unidades. Daban un valor a las cifras según su posición y utilizaban el cero, lo que permitía calcular magnitudes muy grandes, el interés de los mayas en el tiempo se refleja en numerosas estelas labradas en grandes losas, que se colocaban verticalmente, para conmemoraban fechas especiales.  Los aztecas. Hacia finales del siglo XIII, los Aztecas fueron la última tribu del norte árido en arribar a Mesoamérica. Era un pueblo pobre y atrasado y fueron mal recibidos por los habitantes de los señoríos de origen tolteca ya establecidos en el Valle de México; vagaron durante años, sin poder establecerse ni en las peores tierras del Valle, hasta que en 1325, según cuenta la leyenda, encontraron en unos islotes abandonados la señal de que ahí deberían fundar su ciudad. Ya asentados, los aztecas estuvieron por varias décadas bajo el dominio del poderoso señorío de Azcapotzalco, al que servían como soldados a sueldo. Hacia 1430, los aztecas habían asimilado la cultura de los pueblos avanzados del Valle y se habían convertido en un eficiente poder militar; atacaron y derrotaron a Azcapotzalco y se transformaron en uno de los más fuertes señoríos de la región. Iniciaron así una sorprendente hazaña guerrera, que, en sólo 70 años, los haría dueños del más grande imperio que había existido en Mesoamérica

miembros de una nobleza hereditaria y que desempeñaban los puestos más altos del gobierno. Este jefe era tratado con reverencia y gobernaba hasta su muerte. Los Incas llamaban a su territorio Tawantinsuyu. pero esto no es correcto. A veces es usado para designar a todos los pueblos incluidos en el Tawantinsuyu. las altas cumbres y los profundos valles fértiles de los Andes. Un territorio de diversos terrenos y climas muy marcados. La mayoría de las decenas de reinos pequeños mantenían su identidad. quienes servían al gobierno como embajadores y espías. La palabra Inca designa al propio dirigente. pero. entrecortada por ricos valles irrigados. Otras personas que disfrutaban de privilegios eran los comerciantes de largas distancias. Los nobles escogían dentro de su propio grupo a un jefe supremo a quien llamaban tlatoani. que comprendía una larga banda desértica en la costa. el ejército y el sacerdocio. la capital del imperio. así como al pueblo del valle de Cuzco. significa Las Cuatro Partes. También eran muy respetados los artesanos notables.La Sociedad Azteca: Las diferencias de categoría social eran muy acentuadas entre los aztecas. y las cumbres montañosas de la selva tropical al Este. aún cuando estaban ligados política y económicamente a los Incas. los médicos y los maestros verdaderamente sabios. el idioma inca. palabra que en lengua náhuatl significa "el que habla". su poder no era absoluto porque debía rendir cuentas de sus actos ante quienes lo habían elegido. El Quechua fue el idioma oficial y hablado en la mayoría de las . la cúspide de la sociedad era ocupada por los pipiltin. lo que en Quechua.  Los Incas. a diferencia de los reyes europeos.

Ocuparon desde Ecuador hasta Honduras. Él era el gobernante de todo. Formaban pequeños pueblos independientes entre sí. alcanzaron gran desarrollo de la orfebrería y de la industria manufacturera textil. La cultura Chibcha abarca un grupo de pueblos que se desarrollaron desde Ecuador hasta Honduras constituyendo una macro familia. Socialmente estaban divididos tomando en cuenta la actividad religiosa y guerrera a cuya cabeza estaban los jefes. pero al menos 20 dialectos locales subsistieron en varias partes del imperio. en Bogotá y en la Sierra de Santa Marta. incluyendo "Sapa Inca". pero con un mayor desarrollo de aquellos grupos que se encontraban en el actual territorio de Colombia. Los Chibchas colombianos en 1536. Muchas veces se referían a él como El Inca. Eran politeístas y además de la agricultura. Organización Social: Los Incas tenían un gobierno altamente organizado en Cuzco. Uno de esos pueblos. dependientes de la agricultura y en cuya actividad económica prevalecía el comercio a base del trueque. al arribo de Gonzalo Jiménez de .  Los Chibchas. El emperador vivía allá y se conocía como "El Inca". Debajo de él estaban los nobles a quienes se les controlaba la vida. nobles que eran considerados sagrados.comunidades hasta la llegada de los Españoles. "Capac Apu" y "Intip Cori". A los emperadores Inca se les conocía con varios títulos. los cuales se desarrollaron en la Cordillera Oriental de Colombia. los Muiscas son los que en la generalidad son conocidos como Chibchas.

permiten ahora reconstruir el devenir de los pueblos acontecido en largos períodos de tiempo. geográfica. creencias y productos. más allá de sus diferencias. peculiar y compleja. su tecnología. en el espacio tiempo Americano nos dicen: No debe sorprender que pueda haber una estructura mítica común. de la cual nos interesa destacar en este trabajo lo siguiente: 1) Encontramos rasgos permanentes en el tratamiento de la relación seres humanos naturaleza en las diferentes culturas Amerindias. Los estudios sobre el mito. Este intercambio ha dado lugar a una serie de constantes en la concepción del mundo de los pueblos indígenas que se ponen de manifiesto .000 años juntos. y han intercambiado en esos 400 siglos. en el norte como en el sur. en regiones tan variadas y tan lejanas unas de otras. Ello nos permite reflexionar profundamente sobre el intercambio cultural producido entre los pueblos indígenas de América. Es así que las investigaciones arqueológicas. tal vez porque tenemos aquí grupos humanos que han vivido algunos más de 40.Quezada se encontraban divididos en pequeños pueblos que luchaban por su hegemonía. en un corpus de textos provenientes de las culturas indígenas de América nos sugiere la presencia de una cosmovisión amerindia. La razón de esta universalidad del mito en nuestro continente … es posible que se trate de una estructura universal que ha encontrado en el espacio americano un buen terreno. El estudio de las relaciones seres humanos-naturaleza. antropológicas y antropolingüisticas. sus mitos. Valorización de sus Aportes Técnicos y Artísticos a la Historia Latinoamericana. en períodos de tiempo extraordinariamente largos y su conocimiento del espacio tiempo americano construido en la muy larga duración. lingüística y culturalmente. sus espacios.

es susceptible de revelarse como sacralidad cósmica…Así. se puede hablar de dos modos de ser en el mundo: Sagrada y profana. que rige de manera muy especial todas las relaciones seres humanos-naturaleza en esas culturas. Su concepción de lo sagrado está . en sistemas de pensamiento y en los conocimientos agroalimentarios. Nada en la vida aborigen se explica sin que medie la concepción de lo sagrado. Sus espíritus están fundados en su propia mitología. que llegó y ha llegado de manera predominante a América y que se impone actualmente como cultura de dominación. A este respecto Mircea Eliade sostiene: Para aquellos que tienen una experiencia religiosa. la naturaleza en su totalidad. en oposición a la relación secular. la presencia de una concepción sagrada de la naturaleza. nos permiten encontrar como constante. propios de la cultura Occidental. utilitaria de la misma.en las creaciones mítico-simbólicas en los diseños y dibujos artísticos presentes en cerámicas y tejidos. y existe para su explicación un alcance basado en pensamientos abstractos. Así las lecturas de estudios antropológicos sobre las culturas indígenas de Venezuela y otras culturas Amerindias de América. en representaciones. Sus dioses y espíritus como pertenecen al mundo de lo sagrado no están subordinados a la concreción o al hecho fenoménico de un cuerpo que en última instancia es mortal y perecible. todo lo cual denominamos cosmovisión amerindia y pensamiento amerindio. actitudes y prácticas sociales. lo sagrado posee valores inconmensurables. Presente en su versión colonial y neocolonial. 2) Encontramos en el pensamiento Amerindio una relación seres humanos naturaleza definido por un respeto profundo que podemos caracterizar como una concepción sagrada de la naturaleza. el antropólogo Ronny Velásquez nos dice: Para las culturas indígenas. Profundizando en este tema. valores.

por la mediación de la representación míticosimbólica. Se privilegia lo divino y se conjuga con lo que define Rudolf Otto. como lo numinoso que es todopoderoso y fascinante. por la vía de las percepciones n ordinarias. otros niveles que son conocidos y percibidos por distintas vías. práctico-concreto. y a través de la imaginación y se accede a esos niveles de percepción del espacio a través de los ritos Análisis de los Contextos Históricos desde lo Local hacia lo Universal Las culturas latinoamericanas han estado asociadas estereotípicamente con el folclor. Este fenómeno responde a la distribución desigual del poder. que da plena difusión e importancia al pensamiento publicado en Europa Occidental y -a partir del siglo XIX. pero pocas veces se incluye a sus pensadores en la historia de la filosofía occidental contemporánea. la música y el arte. específicamente. Sin embargo. que poseen ya de por sí un valor inconmensurable. a éste lo perciben. a lo eterno e inalcanzable y solo es posible acercarse a ese mundo a través de los rituales… Este sentimiento sobre lo divino y lo sagrado es inmanente a un Dios creador o a múltiples dioses creadores. Es conveniente a su vez referir algunas consideraciones sobre la concepción y percepción del espacio en el pensamiento indígena que nos aporta también el antropólogo Ronny Velásquez: En las culturas indígenas el espacio es múltiple posee además del nivel físico.en los Estados Unidos. Se debe considerar además que los aborígenes no viven sólo un mundo humano y dentro de los márgenes de lo perceptible en forma concreta. desde la invasión . lo reconocen y forma parte de su hacer y saber. no es lo privilegiado. Si bien.centrada en la transformación de la materia y ello se establece en base a lo divino.

colonial. quien propuso una visión de "lo americano" que reconciliara la herencia hispánica con la diferencia tropical. la producción académica de lo que hoy se llama América Latina ha tenido presencia y relativa influencia en la civilización Occidental. Los nombres posiblemente más difundidos son los venezolanos Simón Rodríguez -cuyas ideas democráticas y pedagógicas eran proféticamente radicales. de Rodó. la filosofía estaba fundamentalmente dirigida por y hacia la formación religiosa. Chile y Argentina. Caracas y Bogotá. Lima. comenzaron a aplicar las ideas de la Ilustración francesa para reflexionar sobre los caminos colectivos que deberían implementarse en América. Para fines del siglo XVIII. Brasil. El libro Ariel (1900).y Andrés Bello. los modelos evolucionistas y positivistas se cultivaron con gran intensidad en México. En la época colonial (siglos XV-XVIII). que buscaban establecer modelos de origen francés e inglés dentro de las condiciones geográficas y demográficas propias de los nuevos países. Pero dentro de un marco que no se ha considerado rigurosamente filosófico. propuso un nítido programa de . Los esfuerzos por organizar naciones independientes de España durante todo el siglo XIX estuvieron orientados según estas ideas. grupos sustanciales de pensadores promovieron una imagen de unidad cultural que inició decisivamente el "latinoamericanismo" o la "búsqueda" de la identidad latinoamericana. Buenos Aires. Los dos autores más reconocidos de esa época son el uruguayo José Enrique Rodó y el cubano José Martí. hubo cronistas americanos. Más tarde. paralelamente a un proceso de modernización económica y social basada en la dependencia de un producto de exportación para el consumo europeo. que tendieron interesantes puentes entre la cosmovisión europea y la de algunas civilizaciones amerindias. como el Inca Garcilaso de la Vega y Guamán Poma de Ayala en Perú. con la creciente influencia estadounidense en la región. los criollos educados en varias universidades de México. A fines del siglo XIX.

según Adalberto Ríos (Profesor de la UNAMMéxico) tiene características muy particulares:  El conocimiento que tiene de la fauna.diferenciación educativa y cultural entre la América hispano-portuguesa en contraste con la anglosajona. La importancia y la historia de las culturas indias de América . De una manera más transformadora. Sus características dejan en claro las enormes diferencias que existen con otras culturas.  El aprovechamiento que ha hecho de sus recursos y los métodos utilizados   La actitud y pensamiento establecido en relación con la Naturaleza.. Importancia y Características La cultura ecológica de los pueblos de Amerindia Las culturas Indias de América y las comunidades indígenas en general establecen interrelaciones muy especiales con su entorno. sino el que sabe con qué elementos está hecho su país". La imperativa necesidad de conocer al pueblo de cada país y de desarrollar modelos humanistas basados en el análisis de las condiciones propias guió el trabajo de muchos pensadores latinoamericanos durante todo el siglo XX. con un tono fundamentalmente conservador. Característica de la cultura Amerindia La cultura Amerindia. la flora y los elementos físicos que le rodean. Martí sintetizó en el ensayo "Nuestra América" (1891) los ideales de producir modelos basados en la experiencia propia de cada región y de generar una ciudadanía supranacional en Iberoamérica: "el buen gobernante en América no es el que sabe cómo se gobierna el alemán o el francés.

Las culturas indígenas actuales mantienen. a pesar de los diversos procesos de colonización. ha sido encontrar fragmentos de roca tallada (lascas) que podrían evidenciar que los instrumentos se realizaban en el mismo sitio y que no se trataba de objetos muy elaborados. la rica vestimenta. pero no es frecuente hallar herramientas de este tipo que se puedan asociar con algún sitio rupestre. en cambio. el arte y la manera de entender la muerte. con diversos grados. el respeto y reverencia a la Naturaleza. Uno de los valores básicos de estas culturas es la manera de entender la vida. el trabajo. pues su vida útil era muy corta. hasta el siglo XV no tuvieron contacto alguno con civilizaciones externas y siempre mantuvieron contactos y relaciones de intercambio en su entorno e incluso dentro del continente. Los Petroglifos Americanos y Comparación con la Pintura Rupestre Universal ¿Qué es un petroglifo? Se conoce como petroglifo a una imagen que ha sido grabada en las superficies rocosas. . Para lograrlo.Estas civilizaciones son originarias y se fueron desarrollando de manera aislada a través de la historia. Es posible que el instrumento utilizado se destruyera en la acción de grabar y por eso no se puede encontrar hoy en día. estas manifestaciones fueron elaboradas al sustraer material de la superficie rocosa con instrumentos de una dureza superior. Lo común. una continuidad cultural ligada a sus orígenes. También conocidas como grabados rupestres. el antiguo ejecutor pudo utilizar punteros de piedra u otros elementos elaborados específicamente para tal fin. el alimento. los ritos.

a manera de pequeños puntos que no se distinguen sino a poca distancia. Los petroglifos pueden estar grabados muy superficialmente. a la manera del cincel y el martillo (percusión). Algunos petroglifos fueron hechos al picar la superficie con una roca más dura. círculos concéntricos. cuadrados con divisiones interiores. muchas veces entrelazados o superpuestos. meandros (3). Se puede distinguir una gran variedad de motivos. aún podemos apreciar. cuadradas y circulares. Es muy común encontrar pequeños hoyos oradados en las rocas (cúpulas) o líneas resultado del pulimento de alguna herramienta (afiladores).Por medio de diversas técnicas. pues son una importante fuente de datos acerca de la forma de vida de los antiguos habitantes de nuestro territorio ¿Qué es arte rupestre? Se conoce como arte rupestre a los rastros de actividad humana o imágenes que han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas. entre los cuales podemos destacar: espirales (circulares y cuadradas). muchos de ellos son obra humana y aunque para nosotros no parezcan representar algo. etc. . también se consideran en el estudio del arte rupestre. se lograron plasmar formas que gracias a la permanencia de la roca. hileras de puntos. Otros fueron grabados al rayar con el filo de una roca tallada (rayado). antropomorfos (2). La superficie también pudo ser frotada con un instrumento de piedra y finalmente pulida con la ayuda de arena y agua (abrasión). mediante el golpeteo constante con otro instrumento auxiliar. Estos motivos se encuentran dispuestos y mezclados en complejas composiciones. hasta los que se conforman por surcos de varios centímetros de profundidad o los que presentan la excavación de amplias áreas planas. caras triangulares.

El Arte del Medievo y el Renacimiento. pues la palabra “arte” implica darle un sentido que no necesariamente coincide con el que le dieron sus ejecutores. Ésta es sólo una más de las formas como se ha intentado definir su significado.. escenas de la vida cotidiana. Su denominación como “arte” no significa que se trate de objetos artísticos en los términos y con las finalidades con que hoy los entendemos desde nuestra cultura occidental. Lo “rupestre” hace referencia al soporte en que se encuentra (del latín rupe: roca). Antes del desarrollo de la escritura. el románico y el gótico. las sociedades humanas posiblemente registraban ya. . estas manifestaciones son el reflejo de la capacidad intelectual de la humanidad para abstraer y representar su realidad. obras consideradas entre las más antiguas manifestaciones de su destreza y pensamiento. plantas u objetos. signos y figuraciones geométricas. Estos movimientos artísticos tienen su nacimiento en Francia y paulatinamente se van extendiendo por todo el continente. hablar de estas dos corrientes sin mencionar al arte paleocristiano y bizantino no tiene sentido. pensamientos y creencias. innumerables representaciones de animales. En casi cinco siglos de la plena y baja Edad Media se exhibo en el arte dos estilos claramente definidos. una gran parte de sus vivencias. Expresadas de una manera muy sintética. Quizás sea más indicado el término manifestaciones rupestres. el hombre ha dejado plasmadas en cuevas.En su paso por el mundo. Sin embargo. mediante la pintura y el grabado en piedras. El Arte medieval: Es toda manifestación artística que se dio durante la edad media. ya que estos fueron pilares fundamentales para el auge del gótico y romano. piedras y paredes rocosas. etc.

e incluso se considera que no se produce hasta que Copérnico descubre el sistema heliocéntrico. que llegó a Murcia a trabajar en el siglo XVI-XVII y por tanto perteneciente a la Escuela castellana). su hija . Para muchos autores empieza en 1453 con la conquista turca de Constantinopla. los barrocos Pedro Vicálvaro y Francisco Salzillo (hijo del napolitano Nicolás Salzillo. Pedro Roldán. pero la fecha tope es 1492. Alonso Cano (16011667). también pintor. Juan de Juni. con el descubrimiento de América.El Renacimiento: Es uno de los grandes momentos de la historia universal que marcó el paso de mundo Medieval al mundo Moderno. Felipe Vigarny (retablo mayor de la catedral de Toledo). los escultores clasicistas italianos Leone Leoni y su hijo Pompeyo Leoni. La primera generación de escultores españoles del Renacimiento estuvo compuesta por Vasco de la Zarza (trascoro de la catedral de Ávila). ya en el Manierismo hay que nombrar por supuesto el correlato de la ascética y la mística de la segunda mitad del siglo XVI: el gran Alonso Berruguete. Bartolomé Ordóñez (sillería del coro de la catedral de Barcelona) y Diego de Siloé (sepulcro de don Alonso de Fonseca y Acevedo en Convento de las Úrsulas de Salamanca. también llamado el Indaco. el gallego Gregorio Fernández (1576-1636) que trabajó en Valladolid. Autores y obras más representativas en las artes plásticas Escultura: En lo tocante a escultura tenemos ya en el Prerrenacimiento y primeros años del XVI las figuras extranjeras que trabajaron en España: Domenico Fancelli. más allá de lo puramente artístico como ha querido verse. que tabajaron para el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. Pietro Torrigiano y Jacopo Florentino. Según otros es un nuevo periodo que surge desde el descubrimiento de la imprenta. Es un fenómeno muy complejo que impregnó todos los ámbitos yendo por tanto. Pedro de Mena (1628-1688).

los dos Herreras (el Viejo y el Mozo). Claudio Coello. así como El Greco. de la Escuela andaluza. Francisco Ribalta y José de Ribera. y a quien se le daban especialmente bien las tonalidades de la piel. Alonso Sánchez Coello. Hay que citar también a Juan Bautista Maíno. Se realizan retablos. «el Mudo». Además. pintor de alegorías políticas. a la primera fase corresponden los dos Berruguetes. a la segunda Vicente Macip. en Sevilla se oscila entre la dulzura de Bartolomé Esteban Murillo y el tenebrismo tétrico de Juan de Valdés Leal.Luisa Roldán (la Roldana) y Juan de Mesa (1583-1627). y en Córdoba Antonio del Castillo. el pintor Pedro y el escultor Alonso. donde aparecen figuras exentas y en bajorrelieve. su hijo José de Mora y Pedro Duque y Cornejo. José Risueño. principal exponente del Manierismo pictórico en Castilla. Bernardo de Mora. gran pintor de frailes y bodegones. Vicente Carducho. conventos y para las procesiones de Semana Santa. La temática tratada es casi exclusivamente religiosa y sólo en el ámbito de la Corte se da escultura monumental. formado en Italia. pintor de complejas composiciones intelectualizadas que ahonda en el misterio de la cruda e intensa luz y la perspectiva aérea. los leonardescos Juan de Juanes y Fernando Yáñez de la Almedina. Juan Carreño de Miranda. el . Juan Fernández de Navarrete. Pintura: En las artes plásticas destaca la pintura. Destaca con mucho la imaginería en madera de tradición hispana. Pedro Machuca. En estas obras se pierde la técnica del estofado y posteriormente se usará la policromía. donde era llamado «el Españoleto». Las figuras son aisladas: para iglesias. los tenebristas caravaggiescos Francisco de Zurbarán. los temas mitológicos y profanos están ausentes. Al barroco pertenecen Diego Velázquez. Luis de Morales «el Divino».

el cartujo Juan Sánchez Cotán. El palacio puede ser definido como una anticipación al manierismo. Antonio Pereda. Mateo Cerezo. Juan Antonio Frías y Escalante. después. el Palacio de Carlos V realizado por Pedro Machuca. En este contexto. En España. que recuerdan a los intrincados trabajos de los plateros. creador del Estilo herreriano y del monumental Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. el paisajista Francisco Collantes. Pedro Orrente. con la tradición gótica y la idiosincrasia local. Órdenes clásicas y motivos de candeleros (candelieri) se combinan con libertad en conjuntos simétricos. uno de los escasos discípulos de El Greco. Bartolomé González y Serrano. El estilo comenzó a extenderse sobre todo a manos de arquitectos locales: es la razón de un estilo renacentista específicamente español.retratista Juan Pantoja de la Cruz. durante el de su hijo Felipe II. el Renacimiento comenzó unido a las formas góticas en las últimas décadas del siglo XV. en Granada. Luis Tristán. Arquitectura: En el siglo XVI se pasa del estilo plateresco del Renacimiento durante los Reyes Católicos al más plenamente renacentista durante el reinado de Carlos I. y durante el siglo XVII domina el Barroco y Churrigueresco. famoso por sus místicos bodegones. a veces proveniente de libros ilustrados y pinturas. debido a su dominio del lenguaje clásico y sus logros . que añade al estilo del maestro elementos naturalistas. debido a las fachadas decoradas en exceso. supuso un logro inesperado dentro del Renacimiento más avanzado de la época. Eugenio Cajés. autor de El sueño del caballero. que reunió la influencia de la arquitectura del sur de Italia. Juan Bautista Martínez del Mazo. José Antolínez y otros muchos. El nuevo estilo se llama plateresco. surge el Manierismo de Juan de Herrera.

Tan pronto como en 1667. el herreriano. el siglo se cierra con arquitectos como Andrés de Vandelvira (Catedral de Jaén). las fachadas de la Catedral de Granada de Alonso Cano y la de Jaén de Eufrasio López de Rojas indican la facilidad de su interpretación a la manera barroca de los motivos tradicionales de las catedrales españolas. las formas platerescas se imponían en el panorama general. gradualmente sustituyeron en el gusto popular al sobrio gusto clasicista que había estado de moda desde el siglo XVI. como Diego de Siloé. Cuando las influencias barrocas italianas llegaron a España. Rodrigo Gil de Hontañón y Gaspar de Vega.estéticos rupturistas. Su influencia fue muy limitada y mal entendida. realizado por Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera. La cumbre del Renacimiento español está representado por el Real Monasterio de El Escorial. Aunque el plateresco es un término usado habitualmente para definir a la mayoría de la producción arquitectónica de finales del siglo XV y primera mitad del siglo XVI. Según pasaban las décadas. Con un estilo más próximo al manierismo. la influencia gótica desaparece y la búsqueda de un clasicismo ortodoxo alcanzó niveles muy altos. Ejemplos de plateresco son las fachadas de la Universidad de Salamanca y del Hostal San Marcos de León. . algunos arquitectos adquirieron un gusto más sobrio. el simbolismo de la escasa decoración y el preciso corte del granito establecieron la base para un estilo nuevo. en el que una adherencia excesiva al arte de la antigua Roma fue superado por el estilo extremadamente sobrio. La influencia de los techos flamencos. Fue construido antes de las principales obras de Miguel Ángel y Palladio.

En medio siglo. 1722). La familia Churriguera. considerada la apoteosis del churrigueresco aplicado a espacios interiores. Los años 1760 a 1780 vieron un desplazamiento gradual del interés desde el movimiento retorcido y excesivo de la ornamentación hacia el equilibrio y la sobriedad del neoclásico. 1719) y del Hospicio de San Fernando en Madrid (Pedro de Ribera.El barroco local mantiene raíces en Herrera y en la construcción tradicional en ladrillo. En contraste al barroco de la Europa septentrional. exagerado y casi caprichoso de decoración superficial. conocido como «orden suprema». se estableció como elemento principal de la decoración ornamental. convirtieron a Salamanca en una ciudad churrigueresca ejemplar. la columna churrigueresca o estípite. como en la Cartuja de Granada. y el . Dos de las más espectaculares creaciones del barroco español son las fachadas de la Universidad de Valladolid (Diego Tomé. que se especializó en altares y retablos. el diseño incluye el juego de techos y elementos decorativos con poca relación con la estructura y función. En este caso y en muchos otros. La evolución del estilo pasó por tres fases. desarrollada en Madrid a lo largo del siglo XVII (Plaza Mayor y Ayuntamiento de Madrid). se rebelaron contra la sobriedad del clasicismo herreriano y promocionaron un estilo intrincado. el barroco churrigueresco ofrece alguna de las combinaciones de luz y espacio más espectaculares. conocido como churrigueresco. el arte español de la época busca agradar a los sentidos más que al intelecto. Entre 1720 y 1760. en forma de cono o obelisco invertido. cuya extravagancia curvilínea parece anunciar a Antonio Gaudí y el modernismo. sin embargo. los Churriguera popularizaron la mezcla de columna salomónica de Guarini y el orden compuesto. Entre 1680 y 1720.

Entre las estéticas. se destaca la exuberante decoración de la puerta del palacio del Marqués de Dos Aguas en Valencia. merecen ser mencionados. en Madrid. diseñada por el pintor y grabador Hipólito Rovira (1740-1744). El Palacio Real de Madrid y las construcciones del Paseo del Prado (Salón del Prado y Puerta de Alcalá) también en Madrid. Los palacios reales de La Granja de San Ildefonso. El mejor representante del estilo fue el maestro español Ventura Rodríguez. El rococó se introdujo en España por primera vez en la Catedral de Murcia. por los reyes borbones Felipe V y Carlos III. fue fundamental el desarrollo de una realista y popularizante tal como se había venido fraguando durante toda la Edad Media peninsular como contrapartida crítica al excesivo. donde escultura y arquitectura se integran para conseguir un efecto dramático de la luz.«transparente» de la Catedral de Toledo de Narciso Tomé. responsable de la Santa Capilla de la Virgen del Pilar (1750) en el interior del templo de Nuestra Señora del Pilar en Zaragoza. en 1733. pero con concepción espacial local. También en la zona levantina. con notable influencia francesa (La Granja es conocido como el «Versalles español»). en Segovia. y el de Aranjuez. en su fachada occidental. a menudo confundido con el neoclásico. caballeresco y . Literatura: España produjo en su edad clásica algunas estéticas y géneros literarios característicos que fueron muy influyentes en el desarrollo ulterior de la Literatura Universal. que de alguna manera muestra herencia de la ocupación musulmana. Fueron construidos en el sobrio barroco internacional. son buenos ejemplos de la integración de arquitectura y jardines del barroco.

Guzmán de Alfarache. del Romancero y de la impronta italianizante de la cultura española. Antonio de Torquemada. tiempo y lugar: todos los autores dramáticos de Europa acudieron luego al teatro clásico español del Siglo de Oro en busca de argumentos y como una rica almoneda y cantera de temas y estructuras modernas cuyo pulimento les ofrecerá obras de carácter clásico.). y aun la comedia de capa y espada tenía su representante popular en la figura del gracioso. que quebrantaron como él las unidades aristotélicas de acción. A esta vulgarización literaria corresponde una subsecuente vulgarización de los saberes humanísticos mediante los populares géneros de las misceláneas o silvas de varia lección. etcétera. árabe y hebrea. a causa de la presencia política del reino español en la península itálica durante largos siglos. y cuyos autores más importantes son Pero Mexía. que Cervantes definió como «escritura desatada».nobilizante idealismo del Renacimiento: se crean géneros tan naturalistas como el celestinesco (Tragicomedia de Calisto y Melibea de Fernando de Rojas. Estebanillo González). A esta tendencia anticlásica corresponde también la fórmula de la comedia nueva creada por Lope de Vega y divulgada a través de su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609): una explosión inigualable de creatividad dramática acompañó a Lope de Vega y sus discípulos. géneros dramáticos como el entremés y la novela cortesana introdujeron también la estética realista en los corrales de comedias. Segunda Celestina de Feliciano de Silva. leidísimas y traducidísimas en toda Europa. . etc. Luis Zapata. la novela picaresca (Lazarillo de Tormes anónimo. Muchos de estos temas provenían de la rica tradición medieval pluricultural. de Mateo Alemán. Por otra parte. o la proteica novela polifónica moderna (Don Quijote de la Mancha).

pues estos autores todavía son deudores y admiradores de los autores del XVI. el castellano vivo. a los que imitan conscientemente. de lo que se hacía eco Garcilaso cuando decía «más a las veces son mejor oídos / el puro ingenio y lengua casi muda / testigos limpios de ánimo inocente / que la curiosidad del elocuente») sucederá. cuyo fin era elevar lo noble sobre lo vulgar. aunque para no repetirse refinan sus fórmulas y estilizan cortesanamente lo que otros ya crearon. El lúcido Calderón crea la fórmula del auto sacramental. aun siendo cronológicamente más reciente. en un juego o un espectáculo y las producciones moralizantes y por extremo ingeniosas de un Francisco de Quevedo y un Baltasar Gracián distorsionan la lengua. intelectualizando el arte de la palabra. la literatura se transforma en una especie de escolástica. Resulta. . todavía sigue teniendo curso. de forma que se perfeccionan temas y fórmulas dramáticas ya usadas por otros autores anteriores. nobiliaria y cortesana de signo Barroco que también hizo notables aportaciones estéticas. la lengua más oscura. escribía Juan de Valdés. que la literatura del Renacimiento de hace cinco siglos es más legible que la lengua del Barroco de hace cuatro. que supone la vulgarización antipopular y esplendorosa de la Teología. económica y social. correspondiendo a una época de crisis política. en deliberada antítesis con el entremés.A esta corriente de realismo popularizador sucedió una reacción religiosa. sin embargo. enigmática y cortesana del Barroco. creador y en perpetua ebullición de Bernal Díaz del Castillo y Santa Teresa («sin afectación alguna escribo como hablo. La lengua literaria del Barroco se enrarece con las estéticas del Conceptismo y del Culteranismo. que. aportándole más flexibilidad expresiva y una nueva cantera de vocablos (cultismos). pues. Al lenguaje claro y popular del siglo XVI. y solamente tengo cuidado en escoger las palabras que mejor indican lo que quiero decir».

Las manifestaciones artísticas del Ser Humano: El arte existe desde que el ser humano. dotado de una inteligencia superior. poniéndola a su servicio. como se puede observar en monumentos tales como las pirámides egipcias ó el Guernica de Picasso. decide dominar la naturaleza que le rodea. Antecedentes históricos La evolución del arte barroco. Reconocemos una obra de arte por su belleza estética que responde siempre a unos principios estéticos insertados en el contexto cultural. No hay sociedad o época histórica sin arte. El arte es una necesidad social mediante la cual se expresan imágenes de la realidad física y del mundo psíquico del ser humano que interpreta la realidad a través de ideas y creencias. en todas sus formas. Desde el siglo XVI el conocimiento humano . Santa Teresa de Jesús) y la Ascética (fray Luis de León. El ser humano siempre ha hecho arte y no como un lujo o algo superfluo.A fines del siglo XVI se desarrolla notablemente la Mística (Juan de la Cruz. para entrar en el siglo XVII en decadencia tras una última corriente innovadora. El Barroco. El arte es un lenguaje universal con capacidad de sublimación que está por encima de las fronteras del espacio y del tiempo. debe estudiarse dentro de su contexto histórico. San Juan Bautista de la Concepción. San Juan de Ávila. el Quietismo de Miguel de Molinos. separándose de ella en un primer paso de civilización. fray Luis de Granada).

dramático y naturalista. contribuyó a la formación de un arte emocional. Las monarquías absolutas de Francia y España promocionaron la creación de obras que. La Iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas más influyentes. las investigaciones que Galileo realizó sobre los planetas justifican la precisión astronómica que presentan muchas pinturas de la época. La demostración de que la Tierra no era el centro del Universo coincide. reflejaran la majestad de Luis XIV y de la casa de Austria. su obra. con su grandiosidad y esplendor. Los acontecimientos políticos también tuvieron influencia en el mundo del arte. con un claro sentido de propagación de la fe. desconocidos hasta ese momento. con el triunfo de la pintura de género paisajístico. no fue completamente aceptada hasta después de 1600. El activo comercio y colonización de América y otras zonas geográficas por parte de los países europeos fomentó la descripción de numerosos lugares y culturas exóticas. publicada en 1543. y la Contrarreforma.del mundo se amplió constantemente. Fuertes contrastes de luces y sombras . y muchos descubrimientos científicos influyeron en el arte. exaltado. Características del arte barroco Entre las características generales del arte barroco están su sentido del movimiento. Hacia 1530. la energía y la tensión. desprovista de figuras humanas. La religión determinó muchas de las características del arte barroco. en especial de Felipe III y Felipe IV. La austeridad propugnada por el protestantismo en lugares como Holanda y el norte de Alemania explica la sencillez arquitectónica que caracteriza a esas regiones. lanzada a combatir la difusión del protestantismo. el astrónomo polaco Copérnico maduró su teoría sobre el movimiento de los planetas alrededor del Sol. y no de la Tierra como hasta entonces se creía. en el arte.

El Arte Colonial Venezolano. Miranda. nos dejo un profundo mensaje de carácter popular en su obra. Las obras más importantes de Michelena son las que narran episodios de nuestra historia. Páez. martirios y apariciones milagrosas. con su personalidad propia. Cedeño. tanto en el renacimiento como en el barroco. naturalismo e impresionismo. estudia a Bolívar. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco.realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros. La intensidad e inmediatez. el individualismo y el detalle del arte barroco manifestado en las representaciones realistas de la piel y las ropas hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental. magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis. las pasiones y los temperamentos. que sirvió para impulsar a las actividades plásticas. las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada. los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva. Sucre. Como Tovar y Tovar. Realismo. romanticismo. La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas.  Arturo Michelena Nació en valencia el 16 de junio de 1863. Pedro Camejo En su obra se refleja la influencia de las escuelas europeas: neoclasicismo. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores. Su prodigio técnico y su habitual maestría para ejecutar obras de grandes . esculturas y obras arquitectónicas.

3 cm Pentesilea (1891). Óleo sobre tela 448 x659 cm Los Morochos (1892).7 x 314. donde interpreta un ambiente de miseria y se observa la influencia del realismo. 8 x 231.1898   Vuelvan caras. Óleo sobre tela 243. “La joven madre”.2 x 65. el dibujo es mucho mas libre4. Óleo sobre tela 78 x 98 cm La vara rota (1892). Óleo sobre tela 65.dimensiones hacen de Michelena el más notable de los pintores académicos de Latinoamérica Entre sus obras sobresalen: “la caridad”. Óleo sobre tela 80.3 cm Mujer oriental (1889). Óleo sobre tela 288. Óleo sobre tela 208 x 283. Óleo sobre tela 52 x 60 cm . Óleo sobre tela 49. Óleo sobre tela 172 x 141.7 cm Retrato ecuestre de Bolívar. impregnada de frescura y corte romántico Obras de mayor relevancia de Arturo Michelena París 1886 . el color con tonalidades grises y su contenido patético y descriptivo.4 x 104 cm Soldados árabes (1890). Óleo sobre tela 87.5 x 49. Óleo sobre tela 90 x 71 cm El Ordeño (1892). Óleo sobre tela 135 x 168 cm              El niño enfermo (1886).8 cm Carlota Corday (1889). 5 cm Venezuela 1890 . 4 x 85 cm La caridad (1888). (1888). Óleo sobre tela 300 x 460 cm Paisaje de El Paraíso (1890). Óleo sobre tela 305 x 211 cm El granizo de Reims (1889).1892 El panteón de los héroes (1898). (1890). Óleo sobre tela 197 x 224 cm La joven madre (1899).4 cm Fantasía árabe (1889).

Óleo sobre tela 100 x 60 cm Flores de mayo y paisaje (1894). Óleo sobre tela 229 x150 cm La cascada de Gamboa (1896). Óleo sobre tela 69 x 53 cm Gladiolas con paisaje (1894). Óleo sobre tela 351 x 296 cm Cascada de Catuche (1896).5 cm  Retrato del Mariscal Antonio José de Sucre (1895) Óleo sobre tela 80 x 64 cm  El Libertador en traje de campaña (1895). Óleo sobre tela. Óleo sobre tela 120. Óleo sobre tela 255 x 165 cm Josefina Blanco de Zuloaga (1897).5 cm        María Ibarra de Matos (1895). Óleo sobre tela 340 x 450 cm .2 x 175.2 x 112. Óleo sobre tela 135 x 168 cm La última cena (1898). Óleo sobre tela 197 x 245. Óleo sobre tela 346 x 253 cm     Monseñor Críspulo Uzcátegui (1897). Óleo sobre tela 227 x 152 cm Manuel Antonio Matos (1895). Óleo sobre tela 84 x 109 cm El panteón de los héroes (1898). Óleo sobre tela 101 x 61 cm Hipódromo de Sabana Grande (1896).5 cm   La multiplicación de los panes (1897). Óleo sobre tela 76 x 91 cm La Muerte de Sucre en Berruecos (1895). Óleo sobre tela 26 x 34 cm El desván del anticuario (1893). Óleo sobre tela 180.6 cm       Lastenia Tello de Michelena (1890) Óleo sobre tela 135.1 x 89. Óleo sobre tela 90 x 55 cm Miranda en la Carraca (1896). 80. Óleo sobre tela 240 x 126. Conchita Núñez López Méndez de Montemayor (1890). Óleo sobre tela 480 x 358 cm Retrato ecuestre del general Joaquín Crespo (1897).2 cm Diana cazadora (1896).1 x 92 cm Paisaje de San Bernardino (1893).

estos valores entraron en crisis. Es una época de profundos y acelerados cambios. En efecto. el término implica ante todo la idea de. El arte del Siglo XX se ve fuertemente influenciado por política y social del momento. la llegada del hombre a la luna. la televisión. Tomando literalmente mucho. Luego de la Ilustración. Por esta razón acostumbraba ser rechazado socialmente. que avanza en la droga. incluso con violencia. que había creado un sentimiento de confianza en el ser humano. El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron su huella en el arte. de pequeño con un grupo destacado del cuerpo mayoritario. Es un arte que no escapa a la realidad. La revolución industrial se convirtió en una gran influencia en el arte. brota de ella. donde el progreso científico y tecnológico deja avances impensados como el automóvil. aquel entonces. la razón y la ciencia. La crisis europea y la crisis de la bolsa estadounidense en 1930 impactan en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta. Se pueden distinguir dos grandes movimientos en el siglo XX: Las vanguardias y luego el arte postmoderno. por ejemplo en el arte pop. lleno de horror y destrucción. a unas situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría.El Arte de las Vanguardias Artísticas del Siglo XX. como una forma de catarsis. la vanguardia artística se manifestó como una acción de grupo. etc. el caso más curioso de esta etapa es el movimiento impresionista en la pintura y su convivencia con la. un grupo reducido. de combate. Todo esto provoca un gran impacto en la sociedad y surgen movimientos artísticos como el futurismo. lucha. el avión. sino todo lo contrario. aunque con el tiempo . una élite que se enfrentaba. nueva técnica de la fotografía (desde 1839 con las primeras imágenes creadas por Daguerre hasta principios del Siglo XX). Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable. que se sitúa por delante.

Esto introduce otro aspecto en el concepto de vanguardia: la vinculación con actitudes sociales progresistas que. y a la . implicaba un ansia transformadora de la sociedad. Pero. que trataban de transformar la sociedad: la ciencia y la industria. Además. y la posterior aceptación y amplia difusión. el término vanguardia se utilizó en el vocabulario político. la idea de vanguardia comporta una mayor complejidad. Para precisarla un poco más. pasó a ser frecuente en la crítica artística. sino. experimentar y/o distorsionar un sistema de representación artístico. sobre todo a fines del siglo XX. lógicamente. es interesante examinar. una situación enraizada en la idea romántica del artista como genio incomprendido. era aquella que junto a las innovaciones formales. es que surgen como triunfo del proyecto cultural moderno (que plantea un rechazo al pasado y búsqueda de progreso). Características de los movimientos de vanguardia Algo llamativo es el carácter contradictorio de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX. La incomprensión inicial. ruptura de preconceptos. en especial). Más adelante. La vanguardia artística es una búsqueda de renovar. en ocasiones. llevó a la consideración de que la vanguardia más auténtica. Entonces se aplicó ya a una tendencia concreta: Cubismo. La palabra vanguardia con relación al arte apareció por primera vez en el primer cuarto del siglo XX.alcanzó reconocimiento y se asimilaron sus ideas. y poco antes de la primera guerra mundial. Desde un principio estos serían los aspectos más definitorios del concepto de vanguardia. es un hecho que pone de manifiesto una nueva situación del artista en la sociedad. No se trataba a la sazón de un grupo o de una tendencia artística en particular. justificarían a posteriori su papel anticipador del futuro. en textos de los socialistas utópicos. que. Implica innovación. como han hecho algunos estudiosos (Nikos Hadjinikolaou. la marginación incluso. Futurismo. de qué modo ha evolucionado el uso del término en el terreno cultural.

Con el tiempo vanguardia y política se fueron distanciando. Comienza un proceso de experimentación y se reemplaza el producto por el proceso como fin de la intención artística. sino también en el político. La constante búsqueda de lo nuevo y de ruptura con el pasado dio como resultado la renovación total del concepto de arte y sus límites.  Militancia artística La ruptura no se da solo en el plano estético. La vanguardia no reconoce arte sin acción transformadora.  Ruptura con el pasado Hay un quiebre con el pasado y la tradición. aunque hoy en día podemos ver todavía algunos grupos que buscan expresar ideas o valores mediante su arte (por ejemplo el Eco-Art). . Estos grupos tenían claras ideologías y muchos de ellos eran activos militantes políticos.  Revolución y extremismo Podemos considerar a estos movimientos como una revolución del arte porque produjeron cambios profundos en el lenguaje de las artes.vez son una crítica al mismo proyecto modernista.

Master your semester with Scribd & The New York Times

Special offer for students: Only $4.99/month.

Master your semester with Scribd & The New York Times

Cancel anytime.