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Métodos Musicales Contemporáneos

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Pedagogía Musical
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Métodos Musicales Contemporáneos

1 Chevais 2 Elizalde 3 Orff
La Música elemental en el aprendizaje. MÉTODO ORFF. Karl Orff fue un compositor y pedagogo nacido en Munich en 1895. Lineamientos Generales y Principios de la Escuela Orff 1. Participación activa del estudiante: Aprender- Haciendo. Busca el respeto hacia el conocimiento previo del estudiante ; promueve además el inductismo; es decir : se basa en el conocimiento y análisis de lo simple para llegar paulatinamente hacia lo complejo. La Escuela Orff propende también al constructivismo pues privilegia la construcción de procesos mentales sobre los simples contenidos. 2. El aprendizaje de la Música no es un medio sino un fin. El aprendizaje de la Música en los niveles básico y medio (No hablando de los conservatorios sino de la educación regular) no es un fin sino un medio; La creatividad es la base de la educación musical Orff en la cual se encuentran inmersos los entes de la educación ;estudiantes y maestros para fortalecer experiencias estéticas. El resultado final no es tan importante como lo experimentado y aprendido en el "trayecto" hacia el aprendizaje ;aunque este medio no sea descartado.

3. Busca el desarrollo Integral Las competencias básicas como :escuchar, recordar, analizar,improvisar y respetar la participación de cada uno en su función en grupo son medios para desarrollar conciencia sobre uno mismo y la música también. Los conceptos y habilidades pueden ser desarrollados a través de las actividades pero es la calidad de la experiencia la que intensifica la experiencia estética de la música (empirismo y pragmatismo) y enriquece la vida de los estudiantes y maestros. Orff no deja de aprovechar la oportunidad para destacar que el aprendizaje musical en el aula es el motivo perfecto para la interacción del estudiante con sus semejantes y el medio; destacando la función axiológica de las competencias. Elementos del proceso Orff El proceso Orff reúne los siguientes elementos en el proceso de enseñanza aprendizaje: Observación Imitación Exploración-Experimentación Creación  A través de este proceso el rol del educador musical es reducido a facilitador; ya que el estudiante desarrollará su independencia musical y demostrará habilidades para proponer y crear.

MÉTODO ORFF -SCHULWERK Este método propone prescindir de la mera teorización musical como fin; la música es una herramienta educativa racional basada en experiencias vivenciales y el uso de recursos e instrumentos que se encuentran "a la mano" del estudiante. En el método de Orff los facilitadores o "acompañantes" deben tomar en cuenta muy seriamente los siguientes parámetros

Los instrumentos elementales son los propios del cuerpo. La palabra es el esquema rítmico (ra- pi-di- to, sal-ta; etc.). Los modos musicales , la armonía simple de notas pedales y los obstinatos . El Fin del Aprendizaje de la Música. El aprendizaje de la música en la escuela no pretende la formación de futuros "concertistas", por tanto, debe estar en manos del maestro quien facilitará los contenidos propios de la edad de éstos,

Lenguajes en el aprendizaje de la Música. El hablar es un ejercicio preponderante al que se debe echar mano frecuentemente pues hablar es hacer música, con pausas (silencios) y respiraciones, como en el lenguaje musical. Las palabras son esquemas musicales fonéticos, el estudiante comprende mejor la esencia rítmica de una palabra que conoce, que su valor musical. El uso de la pentafonía en el aprendizaje de la Música. La pentafonía facilita las instrumentaciones porque no tiene tonalidad determinada y evita el problema de abordar tempranamente los principales grados tensionantes como dominante y la subdominante. La improvisación instrumental no plantea riesgos armónicos y su acompañamiento requiere solamente del uso de la nota pedal y el obstinato. Los instrumentos utilizados al abordar el aprendizaje de la Música. Orff propende a la utilización por parte de los estudiantes de los primeros instrumentos que utilizan los niños como son los del propio cuerpo: silbidos, palmas, rodillas y pies. Además de aquellos básicos de percusión como : castañuelas, cocos, triángulo, campanillas, bombo, platillos, claves, cascabeles, maracas, tambor, etc.; A los cuales se pueden añadir otros con sonidos determinados como pandero, timbales, bongoes, metalófono, xilófono, carillones, etc.

La flauta dulce, puede ser introducida en el estudio a partir de los siete años, éste es un instrumento que requiere su tiempo de aprendizaje. El movimiento en el aprendizaje de la Música. Al hablar de movimiento no se debe pensar que se refiera a aquellos giros complejos relacionados con la gimnasia olímpica y peor ballet; más bien su enfoque es dirigido hacia las destrezas de la cultura física como andar, saltar, correr; es decir aquellas psicomotrices ; cuya observación debe ser tomada en cuenta en cada reunión de aprendizaje de la música. La Improvisación de los estudiantes en el aprendizaje de la Música . Esta es intrínseca del hombre desde niño; el cual realiza improvisaciones desde la mas tierna infancia, aplica a su voz diferentes timbres e intensidades ; le permite descubrir y experimentar y es un motivante en el aprendizaje.

Cuestionario ¿Cuáles son los principios en los que se basa la Escuela Orff?. ¿Cuáles son los parámetros principales del Método Orff?.

¿Con qué Escuela Epistemológica se alinea el Método Orff?

4 Martenot
MÉTODO MARTENOT Martenot, en su libro "Guía didáctica del maestro", establece los siguientes Principios. • • • Hacer amar profundamente la música. Poner el desarrollo musical al servicio de la educación. Favorecer el desarrollo del ser humano.

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Brindar medios para canalizar las energías. Transmitir los conocimientos teóricos a través de métodos activos- lúdicos como los juegos musicales. Formar en los estudiantes auditores sensibles a la buena apreciación musical.

Para ello, utiliza juegos rítmicos, marchas, movimiento expresivo, ejercicios de relajación, concentración, independencia y disociación, en torno a diferentes áreas: • Educación de la voz-canto por imitación. • Solfeo a través de juegos con palabras. • Improvisaciones. • Lectura rítmica en tres etapas: asociación, reconocimiento y expresión. • Desarrollo auditivo: atención, audición interior, y formación tonal y modal. Ritmo. Según Martenot, para realizar un buen trabajo rítmico, es condición indispensable que éste se haga como repetición de fórmulas encadenadas: imitando y repitiendo una fórmula desarrolla el órgano sensorial. Las fórmulas encadenadas, que pueden venir dadas como células rítmicas en ejercicios de "ecos rítmicos" con la sílaba "la". Este método propone ejercicios de ecos rítmicos. Entonación. A través de la sílaba “nu” que puede subir o bajar de acuerdo con el intervalo, mientras que sigue el movimiento melódico con el gesto. Se trabaja el gesto de izquierda a derecha horizontalmente hasta cambiar de altura, partiendo de los sonidos fa-sol-la, por ser cómodos de entonar. El canto imitativo ayuda a formar la memoria musical conduciendo al estudiante a la segunda fase de reflexión o reconocimiento. Llegando a este punto el facilitador emitirá los sonidos sin hacer gestos, el estudiante los abstrae y luego los canta reproduciendo al mismo tiempo los gestos. Esta fase de reconocimiento y reflexión dan origen al dictado.

Lectura. La lectura rítmica comenzará cuando el estudiante sea capaz de simultanear varias fórmulas rítmicas (en forma verbal) con la pulsación (palmeando). En cuanto a la lectura de las notas, primero deberán ser leídas sin cantar para ir resolviendo las dificultades una a una. Ejercicios de relajación. Martenot concede gran importancia a los reposos que se intercalan después de cada ejercicio, tanto para el profesor como para el alumno, por eso en su método señala algunos ejemplos de relajación, con los cuales se puede llegar al logro de este objetivo y que redundarán en la buena realización de los demás ejercicios. Algunos ejemplos de los mismos son los siguientes: • Hacer que los estudiantes se sienten, o acuesten, con los ojos cerrados, en completo silencio, pensando solamente en la parte del cuerpo que se mueve al respirar. A la vez que se produce el relajamiento muscular se ejercita la concentración. Moverse como un muñeco de trapo: de pie, con las piernas algo separadas, aflojar los músculos y mover el cuerpo blandamente. De pie ir levantando lentamente los brazos hacia arriba como si se quisiera, alcanzar un objeto que está muy lejos, muy alto, y de pronto, éste se rompe y todos bajan los brazos deslizando el cuerpo hacia el suelo. Para aflojar los músculos del trapecio, alzarse de hombros rápidamente en un gesto de indiferencia . Juegos de silencio. Además de los ejercicios de relajación, los juegos de silencio son propios de este método. Por ejemplo, todos los estudiantes en la clase, sentados cómodamente, deben escuchar con los ojos cerrados los sonidos que se produzcan fuera del aula: viento, lluvia, árboles, pájaros, coches, etc. Con esto se intenta potenciar la concentración y la capacidad auditiva.

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1 Kodály

2 Willems 3 Susuky 4 Montessori
5. MÉTODO MONTESSORI Montessori fue una distinguida pedagoga italiana cuya verdadera profesión estaba relacionada más bien con la medicina; logrando excelentes resultados con su pedagogía experimental aplicada en niños con capacidades especiales y cuyo método musical enfocado principalmente en lograr destrezas en los ciegos tiene los siguientes objetivos . Fomentar el uso del oído reemplazando a la vista. Desarrollar el sentido del ritmo, a menudo ausente, en los ciegos. Desarrollar la auto estima.

5 Dalcroze
MÉTODO DALCROZE Dalcroze Investigó las relaciones entre: La movilidad y el instinto auditivo. La armonía de los sonidos y de las duraciones. La música y el carácter. El arte musical y el de la danza. El método del célebre pedagogo musical Emile Jaques−Dalcroze (1865−1950) se basa en la idea de que la fuente del ritmo musical son los ritmos (valga la redundancia) locomotores y naturales del cuerpo humano. En las clases en las que se sigue este método, son importantes las sensaciones del estudiante y la manera de canalizar esas sensaciones a través de tres componentes básicos: el movimiento rítmico, el solfeo y la improvisación. El movimiento rítmico.

Dalcroze reconoce que la vida humana (quiere decir el cuerpo humano) se caracteriza por poseer ritmos constantes tales como la respiración o los latidos del corazón. En una clase de euritmia (sobre lo que estamos hablando), los estudiantes se mueven libremente descalzos al son de la música que improvisa el profesor en su instrumento: “Una parte muy importante para el proceso es la audición intensiva y la respuesta física a la música” dice Dalcroze. La cualidad espontánea del movimiento se relaciona con el hecho de que la música está siendo creada por el alumno mientras escucha y responde. Dalcroze opinaba que si el individuo lleva a cabo el máximo posible una respuesta libre y expresiva a la música, el cuerpo se convertirá en un instrumento musical, el cual el estudiante mismo escuchará, responderá, analizará, e interiorizará y, en definitiva, será una unión de este con la música. Aunque todo lo que atañe al movimiento rítmico por parte de Dalcroze iba encaminado a la enseñanza infantil, en Secundaria se puede aplicar en aquellos casos en los que el estudiante encuentre dificultad en capturar el ritmo de cualquier obra. De esta manera, interiorizará y desarrollará cada vez más el sentido rítmico. El solfeo. Se utiliza el sistema de solfeo del do fijo (en contraste con el do móvil del método Kodály (el cual se encuentra en otro apartado de este mismo curso virtual) para tentar desarrollar el oído absoluto. También utilizaba sílabas para enseñar relaciones tonales y para desarrollar la memoria tonal. El objetivo de la utilización del solfeo en el método Dalcroze es el de desarrollar un sentido de oído interno que con el tiempo lleva a una adquisición del oído absoluto. Las actividades de solfeo forman parte siempre de las clases de Dalcroze. Los alumnos cantan intervalos, cantan canciones con sílabas, e improvisan vocalmente. Este sistema es poco conveniente en los estudiantes adolescentes por su cambio de voz. La improvisación. El método Dalcroze estimula la improvisación con la voz y otros instrumentos melódicos y de percusión. En una clase los alumnos comienzan a caminar libremente; comienza la música a sonar, tranquila y suave. Los alumnos adaptan su marcha a la música y así progresivamente se van introduciendo los distintos valores de las notas como las negras para marchar, las corcheas para correr o la corchea con puntillo y semicorchea para saltar. Algunos de los aspectos básicos hacia los que se dirigen los ejercicios típicos Dalcroze son el relajamiento

muscular y la respiración, la división y acentuación métrica, la interpretación de duraciones, la memorización métrica, el reconocimientos de la medida mediante la vista y el oído, la concentración, el desarrollo de la audición y del ritmo, el equilibrio corporal y continuidad del movimiento, la adquisición de automatismos, la disociación de movimientos, y la interrupción y comienzo del movimiento. Aunque la idea principal de la improvisación de Dalcroze partía de su ejecución al piano, poco a poco se tradujo a otros instrumentos. Gracias a este impulso, en nuestras clases de educación media podemos improvisar con todo tipo de instrumentos, ya sean corporales o convencionales. Dalcroze creía en la necesidad de un sistema educativo capaz de desarrollar las siguientes destrezas en los estudiantes: • • • • • • • Regularizar las reacciones nerviosas. Desarrollar sus reflejos. Establecer automatismos temporales. Luchar contra las inhibiciones. Afinar su sensibilidad. Reforzar sus dinamismos. Establecer la claridad en las armonías de las corrientes nerviosas y de los registros nerviosos cerebrales.

1 Wuytac 2 Ward 3 Gainza

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