“Año del Bicentenario, de la consolidación de nuestra Independencia, y de la

conmemoración de las heroicas batallas de Junín y Ayacucho”

FACULTAD DE CIENCIAS DE LA SALUD

ESCUELA PROFESIONAL DE ENFERMERIA

CURSO: Arte de las Ciencias

TEMA: Principales estilos Artísticos de la prehistoria del arte: de la Prehistoria del siglo
XXI
DOCENTE: Andrés A. Flores Hernández

ALUMNOS:
• Villegas Quevedo Jimena
• Cordero vera Jorge
• Yanami Llantoy Nayda
• Rivera Briceño Angelina
• Bellido Ichpas Greyli
• Jiménez Navarrete Leidy

ICA-PERU 2023
Ciclo II
INDICE

1. INTRODUCCION

2. ¿Cómo SE MUESTRA EL ARTE EN EL SIGLO XXI?

3. EL ARTE DESDE OTRA PERSPECTIVA

4. DESARROLLO DEL ARTE EN LA PREHISTORIA

5. INSPIRACION DEL ARTE

6. CONCLUSION

7. BIBLIOGRAFIAS
INTRODUCCION

El arte a lo largo de la historia ha sido un reflejo del espíritu humano y su evolución

a través del tiempo. Desde las primitivas pinturas rupestres hasta las innovadoras obras

de la era moderna, el arte ha sido un medio para expresar emociones, ideas y visiones

del mundo. En la prehistoria, los seres humanos comenzaron a plasmar su entorno y sus

experiencias a través de pinturas y esculturas, utilizando materiales simples como la

piedra, la arcilla y la madera.

Durante la Edad Media, la influencia de la religión, particularmente la Iglesia

Católica, dominó el arte, dando lugar a obras con un marcado estilo gótico y temáticas

religiosas. El Renacimiento trajo consigo un renacer del arte, con figuras como Leonardo

da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, cuyas obras maestras siguen siendo reverenciadas en

la actualidad.

El arte del siglo XVIII y XIX fue testigo de una revolución, con movimientos como

el Romanticismo que enfatizaban la emoción y la conexión con la naturaleza.

Posteriormente, el impresionismo revolucionó la forma en que se representaba la luz y

el color en el arte, capturando la fugacidad de la vida cotidiana.

El siglo XX fue testigo de una explosión de movimientos artísticos, desde el

surrealismo hasta el cubismo, el expresionismo y el pop art. Estos movimientos

desafiaron las convenciones establecidas y exploraron nuevas formas de expresión

creativa. Hoy en día, los artistas continúan empujando los límites del arte,

experimentando con diversas formas, técnicas y medios para expresar sus ideas y

emociones en un mundo en constante cambio

 ¿COMO SE MOSTRABA EL ARTE EN EL SIGLO XXI?

El arte del siglo XXI se distingue por su diversidad y por la manera en que los

artistas contemporáneos fusionan la estética con la expresión de temas relevantes y

eventos de actualidad. Este siglo ha presenciado un florecimiento de obras que exploran

una amplia gama de géneros, incluyendo pintura, arquitectura, diseño gráfico, fotografía

y graffiti.

Los artistas del siglo XXI han utilizado el arte como una herramienta para

reflexionar sobre los acontecimientos del mundo contemporáneo, expresando ideas,

emociones y críticas sociales a través de sus obras. Desde la experimentación con

nuevos materiales hasta la adopción de diversas técnicas y estilos, el arte

contemporáneo se caracteriza por su constante búsqueda de innovación y originalidad.

En este sentido, el arte contemporáneo se ha convertido en un espacio donde

convergen múltiples influencias y perspectivas, desafiando las convenciones

establecidas y abriendo nuevas posibilidades creativas. Los artistas del siglo XXI

exploran una amplia gama de temas, desde cuestiones políticas y sociales hasta

exploraciones personales de la identidad y la experiencia humana.

A través de la fusión de estilos, técnicas y medios, los artistas contemporáneos

buscan crear obras que no solo sean visualmente impactantes, sino que también

provoquen una reflexión profunda en el espectador. En este contexto, el arte del siglo

XXI se caracteriza por su capacidad para inspirar emociones, desafiar las percepciones

y abrir nuevos caminos en la expresión artística.

Este arte se caracterizó por varias cosas como, por ejemplo:

 • Explorar nuevas emociones y fuentes de inspiración.

• Utilizar una amplia variedad de materiales, técnicas e imágenes.

• Integrar estilos y normativas de diferentes períodos históricos y culturas.

• Abordar las problemáticas sociales y políticas contemporáneas a través del

arte.

• Emplear la vanguardia, lo abstracto y la libertad creativa para generar obras

de arte.

• Buscar la innovación emocional y sensorial mediante la exploración de

diversos materiales, imágenes y herramientas.

• Manifestar posturas activistas y críticas a través de movimientos artísticos

que reflexionan sobre los desafíos sociales, políticos y culturales actuales.

Es importante destacar que el arte es un lenguaje universal que permite a la

humanidad expresarse de diversas maneras. No obstante, al igual que en la lingüística,

se sostiene que se necesita cierta normativa para que esta expresión sea efectiva. De lo

contrario, nos encontraríamos simplemente emitiendo sonidos sin sentido, sin posibilidad

de comunicarnos de manera significativa. A día de hoy, todavía no podemos afirmar con

certeza si poseemos las capacidades y herramientas analíticas necesarias para definir

claramente qué constituye el arte y qué no. Por ello, la pregunta sobre qué es arte

permanece abierta y sujeta a debate continuo

¿COMO SE VE EL ARTE DESDE OTRA PERSPECTIVA?

Para profundizar un poco más sobre el arte este es visto desde otra perspectiva

puede ser interpretado como un reflejo de la sociedad, la cultura y la individualidad. En

lugar de solo apreciar las obras por su estética o técnica, podemos analizarlas como un

medio para entender mejor nuestro entorno y a nosotros mismos.

Desde esta óptica, el arte se convierte en un espejo que nos muestra nuestras

preocupaciones, valores y aspiraciones como sociedad. Podemos examinar cómo

ciertas obras reflejan los cambios sociales, políticos y tecnológicos de su época, o cómo

desafían las normas establecidas y promueven la diversidad y la inclusión.

Además, podemos ver el arte como una forma de comunicación universal que

trasciende las barreras del lenguaje y la cultura. A través de sus creaciones, los artistas

pueden transmitir ideas complejas, emociones profundas y experiencias compartidas,

creando así un puente de entendimiento entre personas de diferentes contextos y

perspectivas.

En última instancia, al adoptar una perspectiva más amplia del arte, podemos

enriquecer nuestra comprensión del mundo que nos rodea y fomentar un diálogo más

profundo y significativo sobre temas importantes. El arte, entonces, se convierte en una

herramienta poderosa para la reflexión, la conexión y la transformación personal y social.

Pero históricamente conocemos diferentes o mas aspectos de los cuales

hablaremos

En el contexto histórico:
 Entender el contexto histórico en el que una obra de arte fue creada es esencial

para comprender las influencias sociales, políticas y culturales que pudieron haber

influido en su concepción.

Movimientos artísticos:

Del mismo modo, al examinar el arte dentro de los movimientos artísticos de una

época específica, podemos entender mejor cómo los artistas operaban dentro de los

límites y características de esos movimientos. Por ejemplo, durante el Renacimiento,

un periodo de profundo cambio en el arte, se exploraron nuevas formas de

representación y se abordaron temas humanistas con especial énfasis.

La relación interdisciplinaria:

La interdisciplinariedad en el arte también es importante, ya que a menudo se ve

influenciada por disciplinas como la política, la filosofía, la ciencia o la literatura. Desde

una perspectiva histórica, es crucial considerar cómo estas disciplinas influyeron en el

arte y cómo, a su vez, el arte impactó en ellas.

La audiencia y recepción:

Finalmente, la recepción de una obra de arte en su momento histórico también

juega un papel relevante en su comprensión. Por ejemplo, una obra de arte que fue

considerada controvertida o vanguardista en su época puede ser reinterpretada desde

otra perspectiva histórica al analizar las reacciones que provocó en la sociedad de ese

momento. De este modo, analizar estas cuatro dimensiones nos ayuda a enriquecer

nuestra comprensión del arte y su significado a lo largo del tiempo

¿COMO SE DESARROLLO EL ARTE EN LA PREHISTORIA?

El arte en la prehistoria nos ofrece una visión fascinante de la creatividad y

expresión artística de las sociedades humanas que existieron antes del desarrollo de la

escritura. Este arte desempeñaba una variedad de roles importantes en la sociedad de

esa época, incluyendo la expresión cultural, la comunicación, la práctica religiosa y la

supervivencia. Por lo general, el arte prehistórico se clasifica en tres períodos principales:

Paleolítico, Mesolítico y Neolítico. Estas divisiones nos ayudan a comprender mejor la

evolución y diversidad del arte en ese período, así como su conexión con la vida cotidiana

y las creencias de las comunidades prehistóricas.

Paleolítico (aproximadamente 2,5 millones de años hasta 10.000 a. C.)

Durante el Paleolítico, las comunidades eran nómadas y se dedicaban a la caza

y la recolección, habitando en cuevas o refugios al aire libre. El arte más antiguo que se

conoce de este período son las pinturas rupestres, como las encontradas en las cuevas

de Altamira y Lascaux en Europa. Estas pinturas suelen representar animales, escenas

de caza y figuras humanas estilizadas. Además, las esculturas de pequeñas figuras,

como las Venus del Paleolítico, son también características del arte de esta época.

Mesolítico (c. 10.000-8.000 a. C.)

Durante el Mesolítico, se observó una transición progresiva hacia un estilo de vida

más estable y una economía diversificada que incluía la caza, la pesca y la recolección.

El arte de esta era se caracterizó por la producción de herramientas y objetos

decorativos, como colgantes y pequeñas esculturas, que frecuentemente estaban

elaboradas en materiales como hueso, marfil o piedra. Esta expresión artística reflejaba
la creciente complejidad de las sociedades mesolíticas y su capacidad para desarrollar

tanto la funcionalidad como la estética en sus creaciones.

Neolítico (c. 8000-2000 a. C.)

Durante el Neolítico, se inició la práctica de la agricultura y la domesticación de

animales, lo que llevó al establecimiento de comunidades más estables y adaptativas. El

arte de esta época abarcó la creación de cerámica, la construcción de estructuras

megalíticas como Stonehenge, y la elaboración de artefactos decorativos más

elaborados y detallados. La cerámica adornada y las esculturas de piedra destacan como

ejemplos notables del arte neolítico, reflejando la creciente complejidad y sofisticación

cultural de las comunidades de esa era. Estas expresiones artísticas no solo servían

propósitos estéticos, sino que también reflejaban la identidad, las creencias y el progreso

tecnológico de las sociedades neolíticas.

aunque para ser un poco más breves y detallar en estas fechas como se dio este

arte les hablaremos algo mas fundamentado desde la prehistoria hasta la actualidad

La Prehistoria:

Paleolítico: Pinturas rupestres, como las de las cuevas de Altamira y Lascaux.

Mesolítico: Desarrollo de herramientas y objetos decorativos, como colgantes y

esculturas.

Neolítico: Aparición de cerámica decorada y construcción de estructuras

megalíticas, como Stonehenge.

En la Antigüedad:
Arte egipcio: Pirámides, esculturas y jeroglíficos.

Arte griego: Estatuas, arquitectura monumental y teatro.

Arte romano: Mosaicos, arcos de triunfo y esculturas en relieve.

En la Edad Media:

Arte románico: Iglesias fortificadas y frescos religiosos.

Arte gótico: Catedrales como Notre Dame y vitrales.

En el Renacimiento:

Obras maestras de artistas como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael.

Desarrollo de la perspectiva lineal y el uso de la anatomía humana en el arte.

En el Siglo XIX:

Romanticismo: Obras de Delacroix y Goya, que exploran la emoción y la

naturaleza.

Impresionismo: Pinturas de Monet, Renoir y Degas, centradas en la luz y el color.

En el Siglo XX:

Vanguardias: Movimientos como el surrealismo, el cubismo y el expresionismo.

Arte contemporáneo: Experimentación con nuevas formas, materiales y

tecnologías.

Arte urbano: Graffiti y arte callejero como medio de expresión social y político.

En el siglo Siglo XXI:

Continuación del arte contemporáneo con enfoque en la tecnología, la globalización y la

diversidad.

Emergencia de nuevos movimientos y tendencias, como el arte digital y la ecoarte.

Mayor interacción entre el arte y las redes sociales, así como una creciente conciencia

sobre el arte como herramienta para el cambio social y político.

 ¿COMO FUE SU INSPIRACION EN EL ARTE?

La inspiración es un momento de creatividad que parece llegar de forma irracional,

como si fuera un susurro en la mente. En el pasado, se creía que los pintores recibían

este impulso, al que se le llamaba "divino", para crear pinturas que reflejaran su entorno.

Esta idea se asociaba con la concepción de que la inspiración provenía de algo más allá

de lo terrenal, y se consideraba como una fuerza que impulsaba a realizar obras bellas

y positivas.

Durante el siglo XVIII, surgió una separación entre el arte y la ciencia, impulsada

por la idea de que cada persona posee una identidad distintiva. En esta época, los

pintores se centraron en la belleza como su principal fuente de inspiración artística.

Creían que la naturaleza era intrínsecamente hermosa, pero también reconocían la

belleza en otros aspectos de la vida, como lugares, personas y objetos agradables a su

vista. Su objetivo principal era crear obras que permitieran a la audiencia contemplar y

admirar esta belleza.

Con el tiempo, los pintores fueron más allá de la mera representación de la belleza

y comenzaron a explorar temas más profundos y complejos. A medida que el arte

evolucionaba, la moralidad también se volvía un tema importante, ya que los artistas

buscaban expresar ideas, denunciar injusticias, comunicar emociones e incluso

manifestar sus puntos de vista a través de sus pinturas.

¿Cómo logra el pintor plasmar su inspiración en sus obras? El proceso creativo

puede ser desencadenado por diversos estímulos sensoriales, como colores, aromas,

formas y texturas. La manera en que el pintor se relaciona con estas fuentes de

inspiración determina cómo da forma a sus ideas y cómo logra crear imágenes que

resuenen con la sociedad y permitan su contemplación.

 CONCLUSION:

A lo largo de la historia, el arte ha mantenido su importancia como medio de

expresión que abarca una amplia gama de formas, desde la música y el dibujo hasta la

pintura, la escultura y el canto. Su relevancia radica en su capacidad para satisfacer

nuestras necesidades estéticas al proporcionarnos placer, enriquecimiento espiritual y

satisfacción personal a través de la recreación artística de la realidad en sus diversas

manifestaciones.

Además, el arte nos brinda la oportunidad de comprender y analizar obras tanto

del pasado como del presente, permitiéndonos explorar su contexto histórico, político,

económico y socio-cultural. A través de esta comprensión, podemos discernir el valor del

arte y el diseño, así como apreciar la función que desempeñan para diferentes tipos de

audiencias. En resumen, el arte no solo nos brinda placer estético, sino que también nos

ofrece una ventana hacia la comprensión más profunda del mundo que nos rodea y de

nosotros mismos.