A6.

Análisis y crítica de la obra de arte

Una crítica de arte es un análisis y una evaluación detallados de una obra de arte, dos personas no
experimentarán la misma reacción ante una obra de arte ni la interpretarán de la misma manera, hay
algunas pautas básicas que puedes seguir para lograr una crítica detallada y reflexiva.
Los elementos básicos de una crítica de arte son: la descripción, el análisis, la interpretación y el
juicio.

1-Descripción:
Reúne la información básica acerca de la obra.
Este es el tipo de cosas que encontrarás en la cartela de un museo o de una galería, o en la leyenda de
un libro de arte. Saber el trasfondo de una pieza puede hacer una gran diferencia en la manera en que
la interpretas y la entiendes. Empieza la crítica proveyendo la siguiente información:
Título de la obra
Nombre del artista
La fecha en que se realizó la pieza
En dónde se realizó
Los medios que se usaron para crear la obra (por ejemplo, óleo en lienzo)
el tamaño exacto de la obra
- Describe lo que ves. Descripción iconográfica, usando términos neutrales, describe la obra de arte.
La descripción debe incluir cosas como la forma y la escala de la obra. Si el arte retrata figuras u
objetos en vez de formas abstractas, describe qué es lo que está representado.
Trata de describir las características del estilo a que pertenece que están presentes en la obra.
Descripción iconológica: si estos elementos tienen algún significado alegórico.

2- Análisis: Comenta todos sus aspectos formales:

Arquitectura: Elementos constructivos: soportes, fachada, planta, cubierta, elementos decorativos.
Escultura: movimiento , expresión, grado de realismo, cromatismo.
Pintura: Luz, perspectiva, composición, color, línea grado de realismo.
Cine: Descripción de la escena, tipo de plano, angulación, iluminación, montaje…
Fotografía: circunstancias de la toma, luz, color, distancia focal, profundidad de campo…
Moda: descripción del tipo de vestimenta, tejidos, estampados, color, forma, relación con el cuerpo,
abotonaduras y cierres, complementos
Diseño: función de la pieza, estructura de uso de los elementos de la pieza, relación forma función.
Describe los avances que introduce el autor o autora en esos elementos formales e interés de la obra

3- Interpretar la obra
a)Trata de identificar el propósito de la obra. En otras palabras, ¿qué crees que el artista trata de
decir con la obra? ¿Por qué la creó? Trata de resumir el significado general de la obra, según tu
opinión.

b) Describe tu propia reacción a la obra. Ahora es momento de ser un poco más subjetivo. Piensa
acerca de cómo te sientes al mirar la obra. ¿Cuál crees que sea la atmósfera general de la obra? ¿Te
recuerda a algo (ideas, experiencias, otras obras de arte)?
Usa un lenguaje expresivo para hablar de tu reacción a la obra. Por ejemplo, ¿la atmósfera de la obra
es triste, optimista o pacífica?

c) Refuerza tu interpretación con ejemplos. Usa ejemplos de la descripción y del análisis de la obra
para explicar por qué piensas y sientes de la manera en que lo haces con respecto a la pieza.

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 4-Juzgar la obra
Determina si crees que la obra es exitosa o no, enfócate en aclarar si crees que la obra es “exitosa”.
Por ejemplo, hazte las siguientes preguntas:
¿Crees que la obra expresa lo que el artista quiso expresar?
¿El artista usó bien las herramientas y las técnicas?
¿El arte es original o imita a otras obras?

Resume por qué crees que la obra cumple con su objetivo. En pocas oraciones, explica tu opinión de
la obra. Da razones específicas para tu opinión usando la interpretación y el análisis de la obra que
hiciste.
Si es una obra de arte conocida puedes comentar sus contribuciones a la historia del arte

A7. Representaciones y creaciones de mujeres

Aunque las mujeres han participado en la creación del arte a lo largo de la historia, su obra, en
comparación con la de sus homólogos masculinos, ha sido a menudo oscurecida, pasada por alto e
infravalorada.
El canon occidental históricamente ha valorado más las obras de hombres que las de mujeres.
Muchas de sus obras han sido atribuidas erróneamente a hombres.
El reconocimiento del trabajo de las mujeres artistas continua expandiéndose al continuar
produciendo obras que complican y desafían los conocimientos de la gente.
Los estereotipos predominantes sobre los sexos han hecho que ciertas disciplinas, como el arte textil,
se asocien principalmente con la mujer, a pesar de que en el pasado eran categorías, como la
cerámica, en las que participaban tanto hombres como mujeres.
A menudo han encontrado dificultades para formarse, propagar y comercializar su trabajo, así como
para obtener reconocimiento.
A finales de los años 60 y 70, artistas feministas e historiadoras del arte crearon un movimiento
artístico feminista que aborda abiertamente el papel la mujer, especialmente en el mundo del arte
occidental. Cómo se percibe, evalúa o se considera el arte en el mundo en función del género.
Además, explora el papel de las mujeres tanto en la historia del arte como en la sociedad.

A8. Pintoras: Sofonisba Anguisola, Artemisa Gentileschi, Judith Leyster,

Elisabeth Vigée Le Brun, Rosa Bonheur, Barbara Krafft, Mary Cassatt, Frida
Kahlo, Tamara de Lempicka, entre otras.
Escultoras: Sabina von Steinbach, Properzia de Rossi, Luisa Roldán, Camille
Claudel, entre otras.
Arquitectas: Matilde Ucelay, Charlotte Perriand, Lilly Reich, Lina Bo Bardi, Zaha
Hadid, Kazuyo Sejima, entre otras.

Pintoras:
Sofonisba Anguissola
(Italia, 1535 - 1626) fue una pintora italiana, considerada la primera mujer pintora de éxito del
Renacimiento. A los 27 años se estableció en España, en la corte del rey Felipe II, donde realizó
numerosos retratos de reyes y personajes mas influyentes de la corte.

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 En sus primeras obras, se aprecia la influencia de Correggio, con el acercamiento veraz a los objetos y
materias que realiza Sofonisba, quien además insiste especialmente en el estudio psicológico de los
modelos. Destacó en la realización de retratos, llevando a cabo un tipo de representación un tanto
informal, en el que a menudo sus modelos desarrollan tareas aparentemente domésticas,
acompañados de una serie de objetos que definen en mayor profundidad su personalidad. Ejemplo
de ello encontramos en sus numerosos autorretratos en los que Sofonisba aparece leyendo, tocando
algún instrumento musical o pintando; todos estos atributos son a la vez representaciones elocuentes
de las actividades a las que está sujeto un noble de su rango.
Su trayectoria resultó un precedente para varias mujeres artistas que habían sido excluidas de la
enseñanza académica, de gremios y talleres y del mecenazgo papal, pero que sí encontraron respaldo
en las cortes europeas entre los siglos XVI y XVIII.

Artemisia Lomi Gentileschi

(Italia, 1593 - 1656) fue una pintora barroca italiana.
Su formación artística comenzó en el taller de su padre, el pintor Orazio Gentileschi (1563-1639), uno
de los grandes exponentes de la escuela romana de Caravaggio, con quien se la ha comparado por su
dinamismo y por las escenas violentas que a menudo representan sus pinturas. En mayo de 1611,
cuando tenía 18 años, el pintor Agostino Tassi, maestro suyo y amigo de su padre, la violó. Suceso que
se considera que tuvo influencia tanto en su vida como en su pintura.
Evidentemente caravaggista, su estilo barroco tomó el dramatismo de su ídolo en ambiciosos cuadros
históricos y religiosos (géneros inadecuados para el espíritu femenino en esa época de claroscuros).
Hoy considerada no sólo una de las más notables artistas del barroco italiano, sino una adelantada al
feminismo. Supo pintar y representar la pintura simbólicamente, logrando un esfuerzo extraordinario
de identidad en una época que ser mujer en el mundo del arte era una limitación: personajes bíblicos
como Judith o Susana poblaron sus cuadros como símbolos de lucha ante el patriarcado.
Fue la primera mujer en hacerse miembro de la Accademia delle arti del disegno de Florencia y tuvo
una clientela internacional. Trabajó bajo los auspicios de Cosme II de Médici. En 1621 trabajó en
Génova, luego se trasladó a Venecia, donde conoció a Anton Van Dyck y Sofonisba Anguissola; más
tarde regresó a Roma, y entre 1626 y 1630 se mudó a Nápoles. En el período napolitano, la artista
recibió por primera vez un pedido para la pintura al fresco de la iglesia, en la ciudad de Pozzuoli, cerca
de Nápoles. Durante el período 1638-1641, vivió y trabajó en Londres con su padre bajo el patrocinio
de Carlos I de Inglaterra. Luego regresó a Nápoles, donde vivió hasta su muerte.

Judith Jans Leyster

También Leijster, (Holanda, 1609 - 1660) fue una pintora del Siglo de Oro neerlandés .
Cultivó la pintura de género, los retratos y los bodegones. Trabajó con formatos de dimensiones
variadas. Judith Leyster se especializó en alegres escenas de género: músicos, bebedores en
tabernas, niños… gente sonriente o divirtiéndose. Era lo que compraban los clientes holandeses en
esa época. También escenas domésticas como mujeres en labores del hogar.
La institución neerlandesa para trabajar era el Gremio de artistas, y Leyster fue de las primeras en
pertenecer a éste, como muchas otras artistas femeninas, aunque siempre fueron tratadas con cierta
condescendencia. Artistas sí, pero artistas menores.
Su condición de mujer fue un lastre para su carrera y durante siglos sus extraordinarias pinturas
fueron atribuidas a sus coetáneos masculinos, como Frans Hals, o incluso su marido, Jan Miense
Molenaer, hasta 1893 cuando se le reconocieron siete pinturas, seis de las cuales están firmadas con
su distintivo monograma JL .

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 Elisabeth Vigée Le-Brun
(Francia, 1755-1842). Pintora francesa en la época Rococó.
Fue nombrada miembro de la Academia de San Lucas en 1774. Ese mismo año pintó al hermano del
rey y se introdujo en los círculos cortesanos. En 1779 pudo realizar del natural el retrato de la reina
María Antonieta con traje de satén y una rosa en la mano, siendo mas tarde nombrada miembro de la
Real Academia, se convirtió en la retratista favorita de la sociedad aristocrática del París
prerrevolucionario; su obra llamó la atención por su sinceridad y frescura y pronto la nobleza
parisina cayó rendida a sus pies.
Tras el estallido de la Revolución de 1789, abandonó Francia con destino a diferentes países europeos
como Italia, Austria, Alemania, Rusia e Inglaterra. Peregrina de corte en corte, pinta a los personajes
más importantes de Europa, incluido literatos como Lord Byron o Madame de Stäel.
Antes de morir, ya anciana, en 1842, tuvo tiempo de escribir sus maravillosas memorias, donde
recoge su ajetreada y apasionante vida. Su obra pictórica, de un estilo dulce y amable y ejecutada con
una técnica perfecta, fue pronto olvidada, y su figura desapareció de todos los manuales de arte,
mientras Fragonard, Gainsborough y sus otros contemporáneos varones llenaban páginas y páginas
de arte dieciochesco.

Barbara Krafft
(Austria, 1764 - 1825) fue una pintora austríaca, recordada hoy por su retrato póstumo de Wolgang
Amadeus Mozart, ampliamente reproducido. Era hija del pintor de la corte austríaca, Johann
Nepomuk Steiner, el cual le enseñó la disciplina artística. La familia se mudó a Viena, donde Barbara
expuso una obra suya por primera vez en 1786. Barbara llegó a ser miembro de la Academia de Bellas
Artes de Viena. Logró un creciente éxito principalmente como retratista de estilo neoclásico, aunque
también pintó obras religiosas y de género.
En vida fue una de las artistas más populares de su país, contando con 165 encargos solo en sus
últimos cuatro años de vida, cuando fue nombrada pintora oficial de la ciudad de Bamberg. Hoy en
día es especialmente reconocida como autora de un famoso retrato de Wolfgang Amadeus Mozart,
concluido en 1819, 28 años después de la muerte del compositor, a partir de la descripción de Maria
Anna, la hermana del músico.

Rosa Bonheur
(Francia, 1822 - 1899), fue una artista francesa, fundamentalmente pintora que se especializó en la
representación de animales, y también escultora, de estilo realista. En su obra se observa una
evolución desde presupuestos convencionales y académicos en sus primeros lienzos, hasta un estilo
impresionista en sus cuadros finales. Su estilo la convirtió en una representante de la escuela realista.
Fue ampliamente considerada una de las artistas mujeres más famosas del siglo XIX.
Una de sus obras más famosas es Arando en el Nivernais, 1849.
Se formó con su padre, profesor de dibujo. Comenzó a ir al Louvre para copiar al óleo los animales de
artistas como Nicholas Poussin, Rubens o Theodore Gericault. Situando a los animales en el centro de
su creación artística, ya sea valiéndose de composiciones espectaculares o en retratos reales, Rosa
Bonheur supo crear una obra expresiva, desprovista de sentimentalismo y de un extraordinario
realismo, que se nutría de los descubrimientos científicos y la nueva atención que se le prestaba a las
especies animales y a la zootecnia.
Bonheur era abiertamente lesbiana. Bonheur vestía ropa considerada masculina en la época y rompía
las convenciones sociales sobre el comportamiento femenino al fumar cigarrillos y usar el cabello
corto. En 1857 obtuvo de la policía la autorización para aparecer en público vestida con pantalones
para no ser molestada mientras trabajaba ya que frecuentaba las ferias de ganado donde tomaba
apuntes del natural. Cada seis meses, alegando motivos de salud, acudía a la Prefectura de Policía de
París para solicitar el Permission de Travestissement, firmado por un médico.

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 Nada de lo anterior provocó escándalo alguno, pese a ser un tiempo tan preocupado por las
convenciones, dada su fama de excéntrica y su carácter fuerte. Fue la primera mujer artista en ser
condecorada con la Legión de Honor y miembro honorario de la Academia de BBAA de Estados
Unidos, de Bélgica.

Berthe Morisot
(Francia, 1841-1895) Fue una pintora impresionista francesa.
Morisot demostró las posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX. A la edad de 20
años, Berthe Morisot conoció a Camille Corot, quien la admitió como su discípula y la introdujo en los
círculos artísticos. Morisot decidió ser una artista adoptando una postura muy radical que la
vincularía al grupo de artistas impresionistas, adquirió la técnica impresionista de pintar al aire libre,
donde creaba pequeños cuadros y esbozos para grandes obras que terminaba en el estudio. Su
primera participación en el Salón de París fue en 1864 con dos paisajes y continuó exhibiendo
continuamente en el Salón hasta 1874. En 1868, conoció a Édouard Manet y en 1874 se casó con
Eugène Manet. Ella fue la que convenció al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de
pintores que sería posteriormente los impresionistas. Manet sin embargo, nunca se consideró como
impresionista, ni estuvo de acuerdo con exhibir junto al grupo. Asimismo, Berthe fue la modelo de
Manet tanto en diversos e importantes retratos como en su obra de gran formato El Balcón, donde el
pintor francés da cuenta de su admiración por la obra de Goya
Al igual que Mary Cassatt, Berthe Morisot fue relegada a la categoría de "artistas femeninas" por su
temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas). Sin embargo, como mandaba la
doctrina impresionista ella pintaba el mundo que la rodeaba.

Mary Stevenson Cassatt

(EEUU, 1844 – Francia, 1926)Fue una pintora y grabadora estadounidense. Aunque nacida en
Pensilvania, pasó gran parte de su vida adulta en Francia, donde forjó amistad con Edgar Degas y se
incorporó al movimiento impresionista. Cassatt pintó, principalmente, imágenes representando la
vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos.
Cassatt y Degas colaboraron durante mucho tiempo. Sus estudios estaban bastante cercanos. Degas
adquirió el hábito de visitar el estudio de Cassatt, ofreciéndole sus consejos y ayudándole a conseguir
modelos.
Tenían mucho en común: gustos similares en cuestiones de arte y literatura, ambos provenían de
familias ricas, habían hecho estudios de pintura en Italia, y eran independientes y solteros. El grado de
intimidad entre ellos no se puede evaluar.
Degas enseñó a Cassatt la pintura al pastel y el grabado, técnicas que Cassatt dominó rápidamente;
por su parte, Cassatt ayudó a Degas a vender sus pinturas y a promocionar su figura en Estados
Unidos. Ambos se consideraban a sí mismos como pintores de la figura humana.

Tamara de Lempicka
(Polonia, 1898 – México, 1980) Fue "la primera artista mujer en ser una estrella del glamour".
Influenciada por el Cubismo, Lempicka fue una de las mayores representantes del estilo Art Decó en
dos continentes; fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood y llamada "la baronesa con
pincel".
Fue la retratista más reconocida de su generación entre la "alta burguesía" y la aristocracia,
pintando duquesas, grandes duques y las altas esferas sociales. A través de su red de amistades, fue
capaz de exponer sus pinturas en los salones de mayor élite del momento.
Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos. Siguiendo la tendencia
de la pintura art decó, pintaba mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos largos, si bien dan una
impresión férrea y escultural por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras;

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 son sus mejores ejemplos, junto con los desnudos. Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino,
el retrato manierista en general, y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto. Curiosamente, Tamara
empleaba este eclecticismo o fusión de estilos antiguos para representar temas actuales, donde las
figuras visten ropajes y peinados de última moda.
Aunque las imágenes más populares de su arte son desnudos, también retrató a su hija en varias
ocasiones y a personas relacionadas con la burguesía artística de París y Nueva York. También realizó
cuadros de flores.

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón

(México, 1907 – 1954) Conocida como Frida Kahlo, fue una pintora mexicana. Su obra gira
temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de 150 obras,
principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir. También es
considerada como un icono pop de la cultura de México.
Su vida estuvo marcada por el infortunio de sufrir un grave accidente en su juventud que la mantuvo
postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse a hasta 32 operaciones quirúrgicas.
Llevó una vida poco convencional. La obra de Frida y la de su marido, el pintor Diego Rivera, se
influyeron mutuamente. Ambos compartieron el gusto por el arte popular mexicano de raíces
indígenas, inspirando a otros pintores mexicanos del periodo posrevolucionario.
En 1939 expuso sus pinturas en Francia gracias a una invitación de André Breton, quien intentó
convencerla de que eran «surrealistas», aunque Kahlo decía que esta tendencia no correspondía con
su arte ya que ella no pintaba sueños sino su propia vida. Una de las obras de esta exposición se
convirtió en el primer cuadro de un artista mexicano adquirido por el Museo del Louvre. Aunque gozó
de la admiración de destacados pintores e intelectuales de su época como Picasso, Kandinski, André
Breton, Marcel Duchamp, su obra alcanzó reconocimiento internacional después de su muerte.

Escultoras:
Sabina de Steinbach
(Alemania, siglo XIII) Fue una maestra escultora alemana a la que se atribuyen un grupo de
estatuas de la puerta sur de la catedral de Estrasburgo, algunas de las de la catedral de Magdeburgo y
de la catedral de Notre Dame de París.
La primera mención escrita acerca de su persona se remonta a 1617; fue realizada por Schadeus al
describir la catedral de Estrasburgo, cuya construcción había finalizado en 1275. La torre de la
catedral de Estrasburgo se comenzó en 1277 por el arquitecto y maestro constructor Erwin de
Steinbach, que contó con la ayuda de su hija, Sabina, que era una hábil escultora.
Las mujeres estaban admitidas en la mayoría de los gremios de oficios durante la Edad Media, pero la
adhesión a un gremio no daba automáticamente el derecho de ser aprendiz. No obstante, ello
implicaba que las mujeres pudieran compartir todas las ventajas religiosas y financieras de los
adheridos a los gremios. Si un maestro-artesano fallecía, su cargo pasaba a su esposa que podía
retomar el oficio. Esto se realizaba fácilmente con la ayuda de otro artesano que, a menudo, adquiría
el cargo casándose con la viuda.
Los tallistas en piedra viajaban a menudo lejos, los trabajos de construcción podían durar décadas, y
naturalmente llevaban con ellos a su familia. Sabina fue la autora de las estatuas que personifican a la
Iglesia y la Sinagoga (las dos del siglo XIII), que están ubicadas en las puertas sur de la catedral.

Properzia de’ Rossi

(Italia,1490 - 1530) Fue música y escultora italiana del renacimiento. Era hija de un notario y estudió

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 con el maestro grabador boloñés Marcantonio Raimondi.
Su primer contacto con la escultura fue cuando realizó figuras en miniatura con los huesos de
melocotones o albaricoques, tallándolos de forma esmerada y delicada, con gran detallismo. Estas
piezas estaban consideradas como un objeto de lujo y eran muy solicitadas por la alta sociedad
boloñesa. Esta forma de escultura va a hacerla muy popular, de modo que su fama comienza a
ascender, comenzando a partir de 1520 a recibir encargos públicos.
Próxima a cumplir la treintena, Rossi comenzó a trabajar a gran escala. Sus retratos en busto de
mármol de este periodo le proporcionaron reconocimiento y numerosos encargos, incluyendo un
programa decorativo para el altar de Santa María del Baraccano en Bolonia. Aunque obtuvo
numerosos encargos durante su vida, murió antes de cumplir cuarenta años, en la miseria y sin
parientes ni amigos.
A Properzia de Rossi la podemos considerar no sólo la primera escultora renacentista, sino también la
primera mujer artista renacentista. Es la primera mujer que esculpe cuerpos desnudos, aunque sea en
alegorías mitológicas. Pero es indudable que es la primera mujer que esculpe a una mujer enseñando
los pechos; en la que la mujer como icono religioso da paso a la pasión sexual. Tanto el humanismo
como el naturalismo se ven expresados por primera vez en el arte femenino.
Fue una de las aproximadamente treinta mujeres artistas, principalmente pintoras, del renacimiento
italiano. Las mujeres escultoras eran una rara avis. Giorgio Vasari incluyó la biografía de Properzia en
su famosa obra sobre biografías de artistas Le Vite. Sin embargo, sus comentarios sobre Properzia a
veces son peyorativos. Vasari empleó el bajorrelieve de Properzia como ejemplo de cómo las mujeres,
incluso las mejores dotadas, no eran capaces de huir de su «naturaleza femenina».

Luisa Roldán
(Sevilla, 1652 - Madrid, 1706), conocida popularmente como La Roldana, fue la primera escultora
española registrada. Es una de las principales figuras de la escultura del Barroco en la Andalucía de
finales del siglo XVII y principios del XVIII. Su fama alcanza mayor relieve desde que Antonio Palomino
la reconoció como una escultora tan importante como su padre Pedro Roldán.
Se formó influida principalmente por su padre, en cuyo taller de Sevilla trabajó hasta su matrimonio
en 1671. Su escultura fue de temática religiosa, siguiendo las directrices del Concilio de Trento de
humanizar el arte de las imágenes, para poner la religión más cercana al pueblo. Realizó esculturas
de tamaño natural para procesionar, en madera o de barro cocido con policromía y muchas de ellas
de las llamadas «de candelero» o para vestir, así como también otras de pequeños grupos de
devoción para particulares y conventos, con gran movimiento y expresividad con plenas
características del arte barroco. Ejecutó numerosos belenes en terracota de estilo italiano,
inclinándose más por los que formaban una escena de la Natividad como grupo escultórico unido.
Después de dos años de estancia en esa capital andaluza viajó a Madrid, donde trabajó como
escultora de cámara para los monarcas Carlos II y Felipe V hasta su fallecimiento.

Camille Claudel
(Francia, 1864-1943) Fue una escultora francesa de estilo impresionista.
Aprendiz de Auguste Rodin, fue también una de sus principales colaboradoras del escultor, su
compañera durante algunos años, su modelo y su musa. La pareja frecuentaba los ambientes
artísticos y culturales más importantes del París de la época y pasaron juntos largos períodos fuera de
la ciudad, sin embargo a Rodin se le relacionó sentimentalmente con Rose Beuret, esta situación sería
la inspiración de una de las obras más importantes de Camille: La edad madura, 1889-1903. En esta
escultura vemos representada la escena de Camille arrodillada y suplicante, dirigiendo sus manos
hacia Rodin, quien le da la espalda mientras una mujer mitad ángel mitad bruja, que representa a
Rose Beuret, se lo lleva.
Camille colaboraría con Rodin en la ejecución de dos de las obras más célebres del escultor: “Los

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 Burgueses de Calais” y, sobre todo, “Las Puertas del Infierno”, una de las obras magnas de su autor, de
más de seis metros de altura y con más de 200 figuras en su composición, considerada una de las más
extraordinarias muestras del impresionismo escultórico de todos los tiempos. Durante todo aquel
tiempo, Camillle trabajó arduamente como ayudante y modelo de Rodin, la mayoría de las veces a
expensas de su propio trabajo; y es que la alumna se había enamorado irremediablemente del
maestro.
Mientras sus obras alcanzan cierto éxito y aparecen con frecuencia artículos sobre ella en las revistas
de arte, en medio de una crisis emocional, Camille se encierra en su taller, se aleja del mundo y en
diciembre de1905 realiza su última gran exposición. Sus crisis nerviosas se agudizaron y comenzó a
destruir sus obras, vivió recluida en su casa-taller en medio de la miseria. El único que la apoyaba era
su padre, quien se negó reiteradamente a internarla como le pedían sus familiares directos.
Camille pasó encerrada los últimos treinta años de su vida.

Arquitectas:
Lilly Reich
(Alemanía, 1885 - 1947) fue una arquitecta y diseñadora moderna alemana . Estuvo asociada con
Ludwig Mies Van der Rohe durante más de diez años. Fue una de las pocas mujeres profesoras de la
Bauhaus.
Lilly comenzó su carrera como diseñadora de moda, donde aprendió a valorar materiales, texturas,
colores,… lo que le sirvió para posteriormente dedicarse al diseño de muebles, al diseño de interiores
y a la arquitectura. Posteriormente, comenzó a trabajar en Viena, en el estudio del arquitecto
secesionista Josef Hoffmann, donde se dedicó al diseñó de varias sillas, como la Kubus, la Cabinet, la
Koller o la Broncia.
Con Mies Van der Rohe tuvo una relación profesional y sentimental durante varios años.
A finales de 1928, Mies van der Rohe comenzó a trabajar en el diseño de la Casa Tugendhat en la
ciudad checa de Brno. Esto se completó en 1930 y, junto con el Pabellón de Barcelona para la
Exposición Universal de 1929, se considera una obra maestra de la arquitectura moderna. Lilly Reich
diseñó para esta vivienda la silla Tugendhat y la silla Brno. Estaban tapizadas de gris-plata, cuero
verde esmeralda, terciopelo rojo rubí o piel blanca. Cabe destacar que tanto la silla Tugendhat, como
la Barcelona, pese a tener una apariencia meramente industrial son una gran obra de artesanía, se
elaboran a mano y en cantidades muy pequeñas. La belleza de estas sillas sigue siendo signo de
distinción, elegancia y lujo.
Entre los proyectos de Lilly Reich cabe destacar el bloque de apartamentos mínimos de estructura
lineal realizados para la exposición de arquitectura alemana en Berlín en 1931. Era una propuesta de
vivienda mínima con un único espacio dividido con muebles que permite realizar las actividades de la
casa y de trabajo a la vez. Sus proyectos responden a la búsqueda de la máxima simplicidad, eficiencia
y mínimo cuidado diario.

Charlotte Perriand
(París, 1903 - 1999) fue una arquitecta y diseñadora francesa. Desarrolló el diseño de los muebles
de la casa moderna como objetos funcionales vinculados a la estructura doméstica y fue una de las
impulsoras de la arquitectura interior moderna. Trabajó en el estudio de Le Corbusier como
responsable de mobiliario e interiores. Decidió romper con el academicismo arquitectónico para
adoptar teorías que tuvieran en cuenta los materiales, la funcionalidad y los placeres del bienestar.
Se interesó por la vivienda social. Su inquietud también se reflejó en su compromiso político y social
en aras de una arquitectura y un interiorismo que tuvieran en cuenta las necesidades de las clases
populares. Esta militancia la llevó a trabajar para el gobierno del Frente Popular francés surgido de las
elecciones de 1936.
Su trabajo fotográfico, otro de sus tantos talentos, constituiría la base inspiradora de algunos de sus

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 creaciones más rompedoras: en los años 60, en plena madurez artística, la arquitecta materializa una
de sus obras más importante y el proyecto en el que con fluyen todas sus investigaciones previas
sobre arquitectura, prefabricación, industrialización y materiales. Hablamos del resort “Les Arcs
Resort” en Saboya, Francia. Un complejo invernal construido siguiendo tres normas: respetar la zona
y el entorno natural, conservar los antiguos chalets de montaña y usar materiales locales.
Probablemente el mejor ejemplo de su constante búsqueda y estudio de nuevas formas de habitar.
La colaboración con Cassina, única firma autorizada a editar sus diseños, se remonta a 1964, cuando
comenzó a producir las primeras cuatro piezas de LC Collection. Charlotte Perriand continuó
trabajando estrechamente como diseñadora para la empresa italiana hasta su muerte en 1999.

Matilde Ucelay
(Madrid, 1912- 2008) fue la primera arquitecta titulada española y Premio Nacional de Arquitectura
de España en su edición de 2004.
Una vez finalizada la Guerra Civil Española y como consecuencia de su participación en la Junta de
Gobierno del Colegio de Arquitectos de Madrid en 1936, fue juzgada varias veces en consejo de
guerra y depurada profesionalmente (La depuración fue un proceso gubernamental, de profundas
consecuencias sociales y culturales, para desmantelar la obra educativa republicana, caracterizada
por el laicismo, la coeducación y la introducción de nuevos métodos pedagógicos).
En 1998 la Asociación La Mujer Construye hizo un reconocimiento público de su figura. En 2004,
obtuvo el Premio Nacional de Arquitectura.
A lo largo de una extensa vida profesional de cuatro décadas realizó alrededor de 120 proyectos entre
los años 1940 y 1981. Los que realizó antes de 1945 no llevan su firma, sino las de amigos como
Aurelio Botella, que firmó sus proyectos mientras ella estuvo inhabilitada. Sus principales clientes
fueron personas de la alta burguesía madrileña, muchos de ellos extranjeros, y muchos de ellos
mujeres. La casa Oswald, de 1953, le abrió las puertas de la alta sociedad. Se especializó en la
arquitectura residencial de calidad, dirigida a una clientela de alto poder adquisitivo, grandes
mansiones situadas muchas de ellas en las mejores zonas de la capital. Sus casas destacan por el
cuidado en el detalle, la atención a la vida de las personas en ellas.

Lina Bo Bardi
(Italia, 1914 – Brasil, 1992) Fue una arquitecta italiana.
Estudió arquitectura en La Sapienza de Roma, donde se tituló en 1939, con un proyecto final de
carrera de Maternidad para madres solteras. Al final de la Segunda Guerra Mundial, 1946 viajó a
Brasil, instalándose en São Paulo. En 1950 proyectó y realizó su propia casa, la Casa de Vidrio, y en
1957 inició el proyecto y construcción del MASP (Museo de Arte de São Paulo), que se inauguró en
1968; una obra radicalmente moderna, con una gigantesca estructura porticada y unas salas de planta
libre, llenas de luz natural y con unos soportes museológicos vanguardistas.
Realizó el Museo de Artes Populares en el antiguo conjunto arquitectónico de la Unhão (1959-1963),
reestructuró el conjunto a partir del espacio público –creando junto al mar una nueva plataforma con
pavimento de piedra–, y enfatizando el espacio vacío y la relación entre los diversos edificios: la
iglesia, las casas y los almacenes. En los interiores introdujo elementos modernos específicos, como la
nueva escalera de madera de forma helicoidal.
En su obra más conocida y celebrada, el Centro de ocio, cultura y deporte, SESC, en el barrio popular
de Pompéia en São Paulo (1977-1986), Bo Bardi aprovechó las preexistencias de una fábrica de
bidones, respetando la estructura horizontal de los galpones existentes, potenciando el espacio libre
de las calles interiores, y situando una nueva doble torre vertical de hormigón visto, como
contrapunto.

Zaha Hadid

FA_ 2º bachillerato A. Los fundamentos del arte (3ª parte) 9/13

 (Bagdad, 1950 – EEUU, 2016) Su trabajo ha sido reconocido por una larga lista de premios: en 2004
fue la primera mujer en recibir el Premio Pritzker; en 2010 y 2011 recibió el Premio Stirling, una
condecoración británica por su excelencia en arquitectura; en 2014, su Centro Cultural Heydar Aliyev,
construido como una hoja ondulada de papel cuadriculado, ganó el Premio al Diseño del Año del
Museo de Diseño ; y en 2016 se convirtió en la primera mujer en ganar la Medalla de Oro RIBA.
Fue capaz de llevar el diseño de sus dibujos a la realidad, ampliando de este modo las posibilidades
formales y estructurales de la arquitectura. Tratando de romper los límites de la arquitectura trata de
convertir los edificios en paisaje y de repensar los límites físicos de las construcciones. En los
comienzos de su carrera sus diseños radicales de los años 80 y principios de los 90, eran tan
vanguardistas que no se llegaban a materializar, y empezó a ganarse una reputación de «arquitecta de
papel». Finalmente, fue capaz de llevar el diseño de sus dibujos a la realidad, ampliando de este
modo las posibilidades formales y estructurales de la arquitectura. Logró convertir sus dibujos y
fantasías en edificios y abrir nuevos caminos, defendiendo así el proceso creativo a través del dibujo.
Los edificios neofuturistas de Hadid se caracterizan por las formas curvas con múltiples puntos de
perspectiva y geometría fragmentada que buscaban evocar el caos de la vida moderna, con unos
rasgos estilísticos cercanos al movimiento deconstructivista. Sus edificios tienen un volumen orgánico
que se pliegan en el paisaje para formar una sola superficie contínua, con ondulaciones,
bifurcaciones, pliegues e inflexiones, modifican la superficie del lugar en un paisaje arquitectónico
que lleva a cabo una multitud de funciones. Tratando de romper los límites de la arquitectura
hablaba de convertir los edificios en paisaje y de repensar los límites físicos de las construcciones. El
edificio difumina la distinción convencional entre objeto arquitectónico y el paisaje urbano.
Hadid diseñó una colección de mobiliario urbano, compuesta de cuatro elementos. El primero es el
Banco Serac, un banco para exteriores, casi una escultura urbana, inspirado en un bloque de hielo
repleto de las grietas de los glaciares. El banco está hecho en una resina especial mezclada con cuarzo
natural, rígido y resistente que, además, refracta la luz para contrastar la pieza.

Kazuyo Sejima
(Japón1956), es una arquitecta contemporánea japonesa y docente, Profesora en la Universidad de
Keiō, Tokio, Japón .
Los arquitectos japoneses Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa ganaron el Premio Pritzker de Arquitectura 2010.
Dicha entrega fue otorgada a partir del reconocimiento por su manejo de diversos materiales de construcción
para crear estructuras etéreas. El premio es equivalente a un Premio Nobel y se otorga anualmente a
arquitectos vivos que se destaquen por combinar talento, visión y compromiso, y que hayan contribuido de
forma significativa para con la humanidad y el medioambiente mediante la práctica de la arquitectura. Esta
pareja ha logrado el desarrollo de una arquitectura delicada y poderosa, dos valores muy apreciados en la
construcción.
Entre sus obras más reconocidas se encuentran la Small House de Tokio (1999), el Museo de Arte de Toledo
(EEUU, 2001), el teatro y centro escénico de Almere (Holanda), el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva
York (2007), el Pabellón de Verano de la Serpentine Gallery (Londres, 2009) o el Rolex Learning Center (Suiza,
2009)

A9.- Arte conceptual y arte objeto

El movimiento conceptual en el arte aparece a finales de los años sesenta con manifestaciones muy
diversas y fronteras poco definidas.
La idea principal que subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no es el objeto físico
producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas. Con un fuerte componente
heredado de los ready-made de Marcel Duchamp, es el artista americano Sol LeWitt quien mejor
define este movimiento en una serie de artículos publicados en 1967 y 1969. En el arte conceptual, la
idea o concepto prima sobre la realización material de la obra, y el mismo proceso-notas, bocetos,
maquetas, diálogos _al tener a menudo más importancia que el objeto terminado_ puede ser

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 expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial. Otro elemento a resaltar de esta
tendencia es que requiere una mayor implicación del espectador, no sólo en la forma de percibirlo
sino con su acción y participación.
En función de la insistencia en el lenguaje, el comentario social o político, el cuerpo o la naturaleza,
dentro de este arte encontramos líneas de trabajo muy diferentes: body art, land art, process art,
performance art, arte povera … y entre sus más importantes representantes se encuentran artistas
como Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, el grupo Art & Language, Gilbert and George, Dennis
Oppenheim, Walter de Maria, Robert Smithson, Jean Dibbets o Richard Long.

Según los planteamientos del arte conceptual, las obras de arte no tienen sólo un modo de existencia
objetual y la experiencia estética puede darse más allá de la materia. De este modo, el arte
conceptual trata de mantener la experiencia estética sin que medie en ella la elaboración artística, el
valor plástico de los objetos. Por ejemplo, cualquier botellero puede ejemplificar el gesto
duchampiano, pero lo relevante es el gesto en sí. Un paso más allá sería la mera proposición por
escrito de contemplar un portabotellas sin mostrarlo.
Lo conceptual es sobre todo una actitud de la que parte el emisor y que se pide al receptor: en
función de si la comparte habrá obra o no.
Kosuth decía que las obras de arte conceptuales son proposiciones analíticas que presentan las
intenciones del artista, su definición del arte, y LeWitt definió estos trabajos como conectores de
polos mentales, transmisores de información que han renunciado al mito de la semejanza. El artista
concibe su actividad como una investigación semiótica.
En definitiva, el arte conceptual pretendió demostrar que se podía hacer arte sin necesidad de
desembocar en cosas (artísticas), que existe experiencia estética sin estar mediada por la
objetualidad. No se apela al goce inmediato derivado de la contemplación, sino al juicio y la
contemplación reflexiva.

A10.- El arte en la prehistoria y en las antiguas civilizaciones: Pintura rupestre.

Arte mobiliar. Arquitectura megalítica. Expresiones artísticas en Mesopotamia,
Persia y Egipto.

El arte prehistórico es un fenómeno artístico de alcance geográfico global y una amplitud temporal
suficiente como para afectar a las épocas más diversas. El concepto es mucho más extenso que el
fenómeno rupestre cuaternario, principalmente circunscrito a Europa occidental, y comprende
además las manifestaciones del llamado arte paleolítico.
Cronológicamente Europa ocupa el primer lugar frente a muchas de las expresiones artísticas
prehistóricas relativamente recientes en algunas zonas del globo, donde han sobrevivido pueblos
primitivos.
Estudiaremos las equivalencias culturales: Se puede apreciar que, en las artes plásticas y visuales
de los pueblos primitivos, el realismo es algo excepcional, frente al simbolismo, la abstracción, la
estilización y el esquematismo, que parecen una constante mundial.

Arte paleolítico: Pintura, escultura y arquitectura

Aunque en la historia del arte tradicionalmente un periodo se estudia separando principalmente artes
como la pintura, la escultura y la arquitectura, no ocurre así con el arte del Paleolítico.
Para empezar no se han encontrado evidencias de arquitectura paleolítica y las demás muestras de
arte prehistórico se dividen en dos tipos básicos según se traten de obras que se pueden desplazar o
no:
• Arte rupestre (o parietal). El arte rupestre lo componen pinturas, grabados y relieves que

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 tienen como soporte grandes bloques de piedra (por ejemplo el arte rupestre dentro de las
paredes y techos de cuevas) y no son transportables.
• Arte mueble (o mobiliar). El arte mueble se caracteriza por su tamaño pequeño y
portabilidad. Se compone de utensilios decorados, adornos personales y estatuillas.

Una pintura rupestre es todo dibujo o boceto prehistórico que existe en algunas rocas y cavernas. El
término «rupestre» deriva del latín rupes (roca). De modo que, en un sentido estricto, rupestre haría
referencia a cualquier actividad humana sobre las paredes de cavernas, covachas, abrigos rocosos e,
incluso barrancos, entre otros. Desde este aspecto, es prácticamente imposible aislar las
manifestaciones pictóricas de otras representaciones del arte prehistórico como los grabados, las
esculturas y los petroglifos (dibujo grabado sobre piedra o roca), grabados sobre piedra mediante
percusión o erosión.
Al estar protegidas de la erosión por la naturaleza del soporte, las pinturas rupestres han resistido el
pasar de los siglos. Se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene
constancia, ya que, al menos, existen testimonios datados hasta los 40.000 años de antigüedad, es
decir, durante la última glaciación. Por otra parte, aunque la pintura rupestre es esencialmente una
expresión espiritual primitiva, ésta se puede ubicar en casi todas las épocas de la historia del ser
humano y en todos los continentes exceptuando la Antártida. Las más antiguas manifestaciones y las
de mayor relevancia se encuentran en España y Francia. Se corresponden con el periodo de transición
del Paleolítico al Neolítico. Del primero de los periodos citados son las extraordinarias pinturas de la
Cueva de Altamira, situadas en Santillana del Mar, Cantabria (España)

Descubrimiento del Arte Rupestre en Europa

Hasta mediados del siglo XIX en Europa, se habían encontrado en algunas cuevas, numerosos objetos
“prehistóricos” elaborados en piedra o hueso con representaciones talladas de animales; pero no fue
sino hasta 1879 cuando se descubrieron las primeras pinturas rupestres. Marcelino Sanz de Sautuola,
junto con su pequeña hija María, hallaron en el techo de una cueva en Altamira (Santander, España),
un excepcional conjunto de bisontes multicolores. A este hallazgo, que fue presentado ante la
comunidad científica en 1880, se le negó en un principio su autenticidad, pues se consideraba que
este tipo de representaciones no correspondían con la primitiva capacidad técnica y mental que, se
creía, poseía la sociedad prehistórica. Sin embargo, este panorama cambiaría totalmente gracias a
posteriores hallazgos de otros sitios rupestres en España y Francia. Uno de los principales detractores
de Sautuola, el francés Cartailhac, terminó por aceptar el descubrimiento con la publicación de un
artículo titulado Mea culpa de un escéptico. A partir de entonces, la comunidad científica no ha
descansado en la búsqueda y el estudio de manifestaciones rupestres alrededor del mundo.
TÉCNICA: EL arte rupestre se caracteriza por utilizar en su preparación sustancias minerales (óxidos
de hierro, manganeso, cinabrio, carbón, arcillas), animales (sangre, huevos, grasas) o vegetales
(grasas, colorantes). Diversas mezclas se llevaron a cabo para obtener pigmentos que van desde el
negro hasta el blanco, pasando por una amplia gama de rojos ocre, naranjas y amarillos. Estos
pigmentos se aplicaron con los dedos (pintura dactilar) o con algún instrumento a manera de pincel.
En muchos sitios rupestres es posible reconocer la impronta de los dedos o de la mano completa, lo
que sugiere una aplicación directa del pigmento; pero también se advierten trazos muy finos o, por el
contrario, áreas muy grandes, que debieron ser realizadas con algún instrumento (pinceles o hisopos).
También existe un tipo especial de pintura que se denomina negativa y que se realizó soplando desde
la boca el pigmento pulverizado sobre un objeto (por ejemplo, la mano), dando como resultado una
imagen de su contorno.

Escultura (Arte mobiliar)

- Localización y cronología: Se dio en Europa durante el Paleolítico Superior. Hace unos 35.000 años

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 - Soportes: Se trata de piezas de pequeño formato que se pueden transportar.
- Materiales y tipos: esculturillas de marfil, piedra o de cerámica; plaquetas de piedra, huesos planos,
útiles (bastones, arpones, azagayas, propulsores...), etc. decorados con grabados-
- Temática: Los temas más representados son trazos más o menos simétricos, representaciones de
animales, de signos y representaciones antropomorfas (con forma humana). Las representaciones
animales son las más abundantes (mamuts, renos, ciervos caballos, bisontes, ...).
Entre las representaciones antropomorfas resaltan una serie de estatuillas femeninas (bulto redondo
o relieve), llamadas “Venus”. En las que aparecen figuras de mujeres desnudas - normalmente
obesas- que resaltan los signos femeninos: pechos, caderas.., mientras que la cara, brazos y piernas
apenas se remarcan. Se relacionan con los cultos a la fecundidad o fertilidad, es decir, con la
importancia del papel reproductivo de la mujer para asegurar la descendencia y así perpetuar al
grupo.
La representación del cuerpo responde a patrones esquemáticos. Las venus o figuras femeninas de la
fecundidad exageran las proporciones de los órganos sexuales

Arquitectura megalítica
Este fenómeno cultural que se caracterizó por la construcción de enterramientos colectivos bajo
grandes y variados monumentos de piedra. El término viene de “megalitos” (megas: grande; litos:
piedra), nombre que se empezó a utilizar -en el s. XIX- por el material y el tamaño de algunas de estas
construcciones.
Localización: Europa. En la Península Ibérica hay abundantes manifestaciones megalíticas en el área
Suroccidental (Andalucía, Extremadura, Portugal).Tenemos ejemplos en la islas Baleares en Mallorca.
Cronología: se desarrollaría en la Edad de los Metales y dentro de ella se relacionaría con el
Calcolítico o Edad del Cobre.
Contexto histórico: Los monumentos megalíticos hay que relacionarlos con las primeras sociedades -
las asentadas en las costas atlánticas europeas- que adoptaron la costumbre de realizar
enterramientos colectivos protegidos por túmulos (sepulcros levantados de la tierra) de piedras y
tierra. También algunas de estas manifestaciones se asocian con el culto al Sol.
Manifestaciones (Tipos): Son muy variadas:
1-El menhir. Es el más sencillo. Es simplemente una piedra hincada verticalmente en el suelo.
Algunos menhires miden hasta 20 metros. Parecen que servirían para fijar un alma en un sitio o
harían de delimitadores de una necrópolis.
Si se colocan los menhires agrupándolos formando líneas, hileras o círculos se denominan cromlech.
Los menhires se interpretan como signos del culto solar.
2-El dolmen: Es un tipo más complejo. Se forma por dos o más piedras colocadas de forma vertical,
encima de las cuales se pone otra dispuesta horizontalmente.
3-Los sepulcros de corredor, que se componen de un corredor o galería, al fondo del cual hay una
cámara formada por una falsa bóveda elaborada por aproximación de hiladas de piedras.
Tanto los dólmenes como los sepulcros de corredor serían tumbas colectivas.
Interpretaciones:
1.-Las tradicionales, algo ya en desuso, asociaban el megalitismo a ciertas corrientes religiosos o
espirituales de un grupo humano concreto que fue difundiéndolas por Europa.
2.-Teorías más recientes se refieren a sociedades formadas por grupos dispersos que utilizaban los
monumentos como hitos definidores de su territorio. En caso de litigio, estas tumbas de los
antepasados eran un argumento para demostrar la posesión de tierras que se litigaban.
3.-Otros autores inciden en el grado de complejidad que llegaron a alcanzar estas sociedades, puesto
que para levantar estos monumentos se necesitaría una participación colectiva, que exigirían un plan
previo y un control centralizado para canalizar los esfuerzos de la población.

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