Historia de la música

Tema 1: La ópera en el S.XXI. Doctor atomic, de John Adams

Doctor Atómico (título original en inglés,Doctor Atomic) es una ópera en dos actos con música de
John Adams y libreto en inglés de Peter Sellars. La obra se estrenó en la Ópera de San Francisco el
1 de Octubre de 2005. La obra se centra en el gran estrés y ansiedad padecidos por los que estaban
en Los Álamos mientras se estaba preparando la prueba de la primera bomba atómica (el "test
Trinity").
La música de John Adams suele ser categorizada como minimalista o post-minimalista aunque en
entrevista se ha categorizado como compositor 'post-style'. Si bien Adams emplea técnicas
minimalistas, como repetir patrones, no es un seguidor estricto del movimiento. Adams nació diez
años después de Steve Reich y Philip Glass, y su escritura es más evolutiva y direccionalizada,
conteniendo clímax y otros elementos del Romanticismo. Comparando Shaker Loops con la pieza
del compositor minimalista Terry Riley In C, Adams dice:
en lugar de montar pequeños motores de materiales motívicos y dejarlos correr libres en una especie
de juego aleatorio de contrapunto, utilicé el tejido de celdas continuamente repetitivas para forjar
grandes formas arquitectónicas, creando una red de actividad que, incluso en el transcurso de un
solo movimiento, era más detallada, más variada, y conocía tanto la luz como la oscuridad, la
serenidad y la turbulencia.
Esto se ve muy bien reflejado en Doctor Atomic, ya que Adams emplea esta técnica de repetir
motivos y patrones musicales para crear una sensación de tensión constante mediante secuencias
rítmico-armónicas, además de en otras obras como Grand Pianola Music
Fuente: entrevista de Gustavo Dudammel a John Adams
Aparte de esta técnica Adams utiliza Jazz y elementos de música electrónica, que podemos apreciar
al principio de la obra y en algunos momentos de la misma
Ahora hay que hablar sobre el libretista, Peter Sellars, Peter Sellars ha ganado renombre
internacional por su participación artística en proyectos colaborativos de muy diversa naturaleza.
Como director de escena, ha trabajado para las óperas de Ámsterdam, París y San Francisco, y los
Festivales de Aix-en-Provence y Salzburgo, entre otros. Ha participado en la concepción de varias
obras de la compositora Kaija Saariaho –L’Amour de loin, Adriana Mater, Only theSound Remains–
y sus últimos proyectos incluyen el estreno de su última colaboración con John Adams –Girls of the
Golden West–, una versión escénica de Das Paradies und die Peri de Schumann y una nueva
producción de Doctor Atomic de Adams. Fuente, teatro Real
En una entrevista de la ópera de Santa Fe, Sellars comenta que gran parte del libreto está hecho a
partir de documentos clasificados, es decir, que se le escondían al pueblo, de esta manera, el pueblo,
a través de la ópera, sería conocedor de estos, además, entre otras cosas, nos habla de que la danza
tiene un papel muy importante, ya que representan elementos de la trama, como la física nuclear o
la energía atómica, para no traerlo solo de un modo científico sino también de una forma artística y
visual, además, un artículo de la revista fugato nos afirma que, a parte de los testimonios tanto
militares como científicos que utilizó en el libreto, se les han de añadir otras fuentes secundarias,
añadiendo elementos con un trasfondo místico, como son fragmentos del Bhagavad-gītā y de los
Sonetos sacros de John Donne. El primero es un texto sagrado del hinduismo que recoge una
conversación entre la deidad Krishna y el héroe Arjuna. Los segundos son una colección de 19
poemas —aunque solamente se publicaron 12 en la primera edición de 1633— de temática religiosa
y amorosa.
Continuamos con la estructura de Doctor Atomic, la ópera está compuesta por 2 partes divididas en
tres actos cada una quedando de la siguiente manera:
I.1 “We believed that” Matter can be beither created nor destroyed
I.2 Am I in your light?
I.3 What the hell is wrong with the weather?
II.1 Wavy of time 0 it seizes the soul tonight
II.2 In the north the cloud-flower blassoms
II.3 The program has been plagued from the start
Fuente: media.tv
(Cabe destacar que existen 3 o 4 escenas en el segundo acto depende de la representación o de
donde lo busques)

En cuanto a los escenarios en los que se desarrolla la acción, podemos encontrar dos claramente
diferenciados, el primero es el laboratorio donde se desarrolla el proyecto Manhattan en los Álamos
allí, Robert Oppenheimer y sus ayudantes están llevando a cabo el proyecto de la bomba, y el
segundo es la casa del protagonista, donde se nos muestra su lado más personal e íntimo.
En cuanto a los personajes, tenemos a Oppenheimer, el líder del experimento interpretado por un
barítono, la esposa de Oppenheimer, Kitty, interpretada en su estreno por una mezzosoprano, pero
para la segunda producción Adams modificó el papel para una soprano, Jessica Rivera, Gen Leslie
Groves, un alto mando del proyecto, interpretado por un bajo, Edward Teller, físico de origen
húngaro, interpretado por un barítono dramático, Jack Hubbard, interpretado por un barítono, el
capitán James Nolan, interpretado por un tenor, y, la criada Pasqualita interpretado, dependiendo de
la versión, por una mezzosprano o por una contraalto.
Como datos interesantes y relevantes he seleccionado algunos que he encontrado en el canal de
youtube de Gabriel Urrutia, un renombrado divulgador musical, Oppenheimer utiliza imágenes y
simbolismo relacionados con la física nuclear, como explosiones y partículas atómicas, para intentar
reflejar los conflictos internos del protagonista, además para preparar de una forma más ligada a la
realidad la ópera, Adams investigó en profundidad sobre la vida y la obra de Oppenheimer, llegando
a entrevistar a personas que lo conocieron personalmente y realizando densos estudios sobre el
proyecto Manhattan.
En cuanto a la grabación, he seleccionado la representación del teatro de la maestranza. En parte por
el barítono Lee Poulis em los zapatos de Oppenheimer y también por la soprano Jessica Rivera
interpretando a Kitty

Y, por último, esta ópera ha ganado una importante cantidad de premios, entre los que destacan el
Premio Grammy en 2012 a la mejor grabación de ópera - grabación de audio ganadora con Gilbert,
Finley, Cooke, Fink, Glenn, en el Metropolitan Opera en 2008, y en 2018: Premio Grammy a la
Mejor Grabación de Ópera - Grabación de audio oficial nominada con Gerald Finley, Julia Bullock,
Jennifer Johnston, Brindley Sherratt, Andrew Staples, Marcus Farnsworth, Aubrey Allicock, BBC
singers, BBC Symphony Orchestra, John Adams, 2018 Nonesuch Records. Fuente: Wikipedia.

Tema 2 La música después de la II guerra mundial. War Requiem B.Bitten

El requiem de guerra es una versión a gran escala del requiem compuesto por Benjamin Britten, la
mayor parte en 1961 siendo completado en enero de 1962. Fue representado con motivo de la
inauguración de la nueva Cerenti Cathedral, que fue construida después de que la estructura original
de 400 años fuera destruida en un bombardeo en la Segunda Guerra Mundial El réquiem fue
compuesto para soprano, tenor y barítono solistas, coro, coro de niños y orquesta. La soprano solista
y el coro cantan el texto tradicional del réquiem en latín; el tenor y el barítono cantan poemas de
Wilfred Owen colocados en distintas partes de la obra. Britten presenta la guerra como desoladora y
fútil. Como curiosidad, extraída de la página wikiwand, se pretendía que para el estreno de la obra,
los solistas que la interpretaran fueran Galina Vishnévskaya (rusa), Peter Pears, (inglés) y Dietrich
Fischer-Dieskau(alemán) con la intención de reflejar un estilo de unidad entre todas las partes de la
guerra, ya que aparecen víctimas de los principales régimenes de esa época, pero,
desgraciadamente, la Unión Soviética no permitió a Vishnévskaya salir a Coventry para el evento y,
con poca antelación, fue remplazada por la británica Heather Harper.
.A continuación, describiré la estructura general de la obra:

1. Requiem aeternam - Lacrimosa: Esta sección comienza con un coro a capella que canta el texto
en latín del Requiem aeternam y Lacrimosa. Se caracteriza por su atmósfera sombría y melancólica.

2. Dies irae: Esta sección es una referencia al Dies irae del tradicional réquiem latino. Se inicia con
una orquesta y un coro poderosos y dramáticos que representan el juicio final y la ira de Dios.

3. Offertorium: Esta parte presenta a un solista bajo que canta un poema de Wilfred Owen
relacionado con la Primera Guerra Mundial. El coro y la orquesta también intervienen en momentos
clave, creando una atmósfera sombría.

4. Sanctus: En esta sección, el coro canta las palabras tradicionales del Sanctus en latín, mientras
que el coro de niños y la orquesta crean una música celestial y reverente.

5. Agnus Dei: Un solista soprano canta una oración en latín que representa la paz y la búsqueda de
la redención. El coro y la orquesta también toman parte en la sección, creando un ambiente de
esperanza y reconciliación.

6. Libera me: Esta sección final es una mezcla de texto en latín y poesía de Wilfred Owen. Una
soprano solista canta un pasaje dramático mientras que el coro y la orquesta expresan la angustia y
el dolor de la guerra. La obra termina con un coro y una orquesta que cantan y tocan en un
crescendo poderoso.

La estructura de "Réquiem de Guerra" combina elementos musicales y textos religiosos con poemas
anti-guerra en un intento de transmitir un mensaje de paz y reflexión sobre la tragedia de la guerra.

Como obra personal de postguerra he seleccionado Trenodia por las víctimas de Hiroshima, es una
composición musical para 52 instrumentos de cuerda frotada, compuesta en 1960 por Pendereki
(1933), que obtuvo el tercer premio en la Competición de Composición Grzegorz Fitelberg en
Katowice en 1960. Lo que busca Pendereki en esta obra es, mediante la música, describir cómo fue
el primer ataque nuclear de la historia de la humanidad. La obra caló tan profundamente en la
sociedad que Pendereki fue galardonado por la UNESCO con el Premio de la música en 1961
además, Pendereki se caracterizó por componer a lo largo de su vida obras de carácter coral o
polifónico inspirados en textos bíblicos.Es el caso de Dies Irae (1967), dedicado a las víctimas de
los campos de concentración de Auschwitz; La resurrección de Cristo (1970), o Utrenja (1971). La
complejidad de estas partituras hace muy difícil su dirección, motivo por el cual cada vez son más
las instituciones públicas y privadas que invitan al propio Penderecki a dirigir los estrenos
internacionales de sus propias obras.
Como curiosidad sobre la obra su parte inicial aparece en la banda sonora de la película Hijos de los
hombres de Alfonso Cuarón y, además, fue utilizada en algunos episodios de la serie Historias para
no dormir.
Además, según Rodríguez(2023) en la web malditopiano Entre las novedades compositivas
presentes en la obra figuran contrapuntos totalmente inusuales, cuartos de tono e hipertonalidades
para crear disonancias más potentes, y el serialismo integral (series de notas/ritmos que se repiten).
Además, a lo largo de la obra se van creando clusters al ir sumándose notas de unos y otros
instrumentos
A nivel interpretativo Penderecki hace emplear a los músicos técnicas totalmente inusuales, como
tocar las cuerdas más allá del puente, o literalmente golpearlas con el talón del arco. También
emplea glissandos para imitar los lamentos de las víctimas y sus seres queridos.
A la hora de plasmar todo esto en la partitura, Penderecki siguió los pasos de Cage y su llamada
indeterminación. Empleó una escritura que es casi siempre gráfica. Emplea símbolos,
representaciones y anotaciones en lugar de un pentagrama convencional. Es el tipo de escritura que
más se emplea para cuando los compositores quieren lograr un efecto sonoro muy concreto, en el
que no hay una altura de sonido o una rítmica exacta.

Como grabación, he seleccionado la elaborada por el canal de youtube Historia de la música(2017),

interpretado por la Polish National Radio Symphony Orchestra dirigida por Antoni Wit porque en el
video ilustra de manera especial el guión de la orquesta, y me ha llamado mucho la atención las
figuras que usa, porque usa una notación que no comprendo bien escribiendo con las mismas notas
reguladores o poniendo flechas por notas para indicar un carácter específico importando poco o
nada la exactitud sonora

Ligeti: aspectos importantes:

Es un compositor húngaro, emigra a Alemania para estudiar música electrónica, que sería decisiva
para sus obras vocales y orquestales posteriores, y, mezcla sus nuevos conocimientos más el
contrapunto para montar estructuras artísticas complejas a partir de capas aisladas en tonos
marcados por la función seno. Le impresionó Ockeghem en el polifonismo, ya que usa estructuras
estancadas porque siempre se superponen voces aisladas. Formó parte de la escuela de Darmstedt
verano de 1945.La Escuela de Darmstadt se refiere a un grupo de compositores que estuvieron
asociados con losCursos de Verano Internacionales de Nueva Música de Darmstadt desde principios
de la década de 1950 hasta principios de la de 1960 y que compartían algunas actitudes estéticas.

En los 80 abandona la corriente ya que no le gusta estancarse y prefiere ir evolucionando, por lo que
los patrones de interferencias y flujos le conducen a campos distintos. Empieza a incorporar
submodelos rítmico melódicos en planos iridiscentes creando una polirritmia(utilización simultánea
de varios ritmos distintos, característica de la música africana, ha influido en el desarrollo de ciertas
tendencias del jazz) extremadamente intrincada. Por lo que no sabe donde va a acabar y no tiene
una idea fija.

En su etapa micropolifónica primero se fija en el siglo XV-XVI y, en los 80 se comienza a fijar en la

notación mensural, (capacidad de indicar ritmos complejos con gran exactitud y flexibilidad.), y
cambia la polifonía por la polidimensionalidad rítmica. Incorporándola en Centium influido por
Maurits Escher se comienza a influenciar por el jazz y por el ritmo drive del folclore
latinoamericano. Desde 1980 se influencia por Conlon Nancarrow y, por último, por culturas
musicales extraeuropeas. Fue crucial en el estudio de las técnicas rítmicas subsaharianas,
combinando con la pulsación ultrarrápida sus conocimientos de notación mensural.

Actualmente crea nuevas modalidades de entonación mediante instrumentos acústicos con la

scordadura(cambio de entonación de las cuerdas) adecuada, y, combinando instrumentos afinados
de dos formas, la tradicional y la modificada. Su estilo está libre de ideologías, mezclando
armónicas penta y heptatonales y otras tonalidades tanto temperadas como no temperadas, además,
no sigue un modelo fijo, se amolda a los instrumentos y a la pieza.

3-La música en el periodo de entreguerras(1914-39) La ópera de los tres peniques, de Kurt Well

La ópera de los tres peniques, es una obra de Bertolt Bretch, que ha sido a su vez adaptada de una
traducción de Elisabeth Hauptmann de la ópera de baladas inglesa del siglo XVIII de John Gay, The
Beggar's Opera, y cuatro baladas de François Villon, con música de Kurt Weil. Aunque existe un
debate sobre cuánto, si es que hubo alguno, pudo haber contribuido Hauptmann al texto, Brecht
suele figurar como único autor.

La obra ofrece una crítica socialista del mundo capitalista. Se inauguró el 31 de agosto de 1928 en
el Theater am Schiffbauerdamm de Berlín.Fuente:Academia Lab
Sobre Kurt Well, fue un compositor alemán de ópera bufa y ópera surrealista, con un estilo de
composición provocativo y ambiguo, de estética moderna. Además, compuso algunas obras para
cine. De ascendencia judía, estudió composición en el conservatrio de Berlín donde compuso su
primera oba con clara tendencia expresionista. El tema “Die Moritat von Mackie Messer” (La
balada de Mackie el Navaja) aparece en dicha ópera, y se consolidó como pieza clave del jazz por
su matizado expresionismo demás de ser una canción muy popular que se conoció
internacionalmente como “Mack the Knife” y fue versionada por infinidad de artistas, como Louis
Armstrong o Frank Sinatra
En un escrito de 1929, Weill dejó claras las intenciones políticas y artísticas de la obra, que eran
las de llegar a un público que se creía incapaz de ser embelesado por esta forma de expresión
artística y romper con el pensamiento de que la ópera solo le pertenecía a los aristócratas
Ambientada en el Londres victoriano, la obra se centra en Macheath, un criminal amoral y
antiheroico.
Macheath se casa con Polly Peachum. Esto disgusta a su padre, que controla a los mendigos de
Londres, y se esfuerza por ahorcar a Macheath. Sus intentos se ven obstaculizados por el hecho de
que el jefe de policía, Tiger Brown, es el antiguo camarada del ejército de Macheath. Aún así,
Peachum ejerce su influencia y eventualmente logra que Macheath sea arrestado y sentenciado a la
horca. Macheath escapa a este destino a través de un deus ex machina momentos antes de la
ejecución cuando, en una parodia desenfrenada de un final feliz, llega un mensajero de la Reina
para perdonar a Macheath y otorgarle el título de Barón. Los detalles del texto original de 1928 a
menudo se han modificado sustancialmente en producciones posteriores.
Un borrador de la narración de Brecht para un concierto comienza: "Estás a punto de escuchar una
ópera para mendigos". Dado que esta ópera estaba destinada a ser tan espléndida como solo los
mendigos pueden imaginar y, sin embargo, lo suficientemente barata como para que los mendigos
pudieran verla, de ahí el nombre Threepenny Opera."
Obra seleccionada. Sonata para flauta y piano de Paul Hindemith, compuesta en 1936, la he
escogido ya que es una obra muy importante para flauta y encaja dentro del periodo de entreguerras
Para hablar de esta obra haré una reseña del artículo Paul Hindemith and the sonate for flute and
piano de Anja Weinberger, que podemos encontrar en una sección del blog de cultura Der
Leiermman Kultur-Blog

Pelléas et Melisande
Este texto ha sido utilizado por otros compositores. (hacer de la fantasia de Fauré)
1870-1919 (hablar del preludio de la siesta de un fauno)Poner siempre una referencia sin escena y
otra mas enfocada a la musica

en el portafolios hay que ceñirse a un articulo principalmente reseña es resumen mas reflexion
Contexto, autor, resumen de la obra, centrarse en una cosa y fuente fonográfica
Fantasia de Fauré (1898)

5-Sinfonismo tardorromántico. Así habló Zaratustra. Richard Strauss(11-6-1864, 8-9-1949)

Índice
Contexto(Poner solo cosas interesantees para nosotros)
La trayectoria de Strauss abarca desde el romanticismo tardío hasta la mitad del siglo XX, hereda el
romanticismo tardío alemán de Wagner, combinando una compleja armonía con una elaborada
orquestación, su música tuvo una gran influencia en el S.XX, Strauss compuso primeramente una
música instrumental, destacando su "Burlesca para piano y orquesta" de 1886.
destacar su faceta como director
interesante hablar de la instrumentación y destacar un pasaje
autor
Resumen de la obra
Decir que lugar ocupa dentro de la obra del compositor
Centrarse en una cosa(Reseña)
Fuente fonográfica
Poner siempre el opus de la obra
lo mas facil es hacer una reseña de un articulo, en la reseña hablarr de las cosas interesantes, no de
todo, decir lo que nosotros queramos, rdcoger informacion de expertos, lo mejor es de articulos
tiene que ser de expertos, fuentes fiables para citar la fuente bien vamos a wikipedia y a
representaciones para decir la version, ponemos año orquesta cantante sello discografico, eso se
mira en wikipedia, es interesante comparar dos versiones(gardiner hace representaciones de la
epoca) basta con algo concreto, dos interpretaciones y un momento