Vanguardias de la primera

mitad del siglo xx (1900-

1939)

Por. Constanza Espinoza

Profesora María Isabel Barros

Historia del arte

Introducción:

Como punto de partida en este ensayo se dará a conocer los 8 movimientos vanguardistas del siglo
xx y estos son; Fauvismo, Cubismo, Expresionismo, Futurismo, Dada, Surrealismo, Constructivismo
y Neoplasticismo. Las primeras vanguardias conocidas fueron entre los años (1900-1914) y estas
vanguardias eran Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Futurismo y la otra mitad de las vanguardias
fueron después de primera guerra mundial, pero en el periodo entre guerras y estas son; Dada,
Surrealismo, Neoplasticismo y el Constructivismo.
Estas corrientes artísticas y literarias se bautizaron como los “ISMOS”, eran movimientos que
buscaban rompe con la realidad a como dé lugar para encontrar formas de expresión que fueran
totalmente rompedoras con la tradición artística y así ofrecieran un discurso nuevo para un siglo
nuevo.
“Las primeras vanguardias artísticas estaban constituidas por un movimiento heterogéneo que
coincidían en un ideal común; la ruptura del estatus del arte en la sociedad burguesa, también se
separaban entre las vanguardias literarias y las vanguardias artísticas, (Imaginario, 2018)”1.

A continuación, daremos a conocer las características de las vanguardias literarias estas son;
libertada de expresión, oposición a la reproducción de la realidad, transformación y
experimentación poética y los manifiestos y revistas literarias, en las vanguardias literarias se
encontraban el cubismo, expresionismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo. En las vanguardias
artísticas sus características eran; espíritu de rebeldía con respecto a la academia artística,
cuestionamiento de la imitación de la naturaleza, ruptura con el ideal clásico de la belleza,
ejercicio de la libertad de expresión por medio del arte, deseo de expresar por los temas y
preocupaciones del sujeto contemporáneo, rechazo de la confiscación simbólica del arte por parte
de la burguesía, en la vanguardia artística se encontraba el; fauvismo, expresionismo, cubismo,
futurismo, constructivismo, dadaísmo, neoplasticismo y el surrealismo. Las vanguardias tanto
como la artística y la literaria compartían con el cubismo expresionismo, futurismo, dadaísmo y
surrealismo, y la artística compartía solamente con constructivismo, fauvismo y neoplasticismo.

1
https://www.culturagenial.com/es/vanguardias-artisticas/
MOVIMIENTO ANTI-IDEALISTA

El dadaísmo y el surrealismo se centraban en criticar a la razón. Lo absurdo, lo ilógico, lo arbitrario

y lo ridículo. Son movimientos que se desarrollaron en el mundo de entreguerras en unos
momentos en los que la crítica del mundo occidental, y al racionalismo que lo caracteriza era
común. “Hay grandes diferencias entre dadaísmo y surrealismo, en el primer "-ismo" nos
encontramos con el nihilismo como protagonista. Es una auténtica crítica a todos los elementos
sobre los que se sustenta la vida y la moral burguesas. Superan las fronteras de la artístico
llegando al "todo vale" -cualquier cosa, un trapo encontrado en la calle- es objeto de arte. El
surrealismo tiene unos objetivos mucho más artísticos y literarios, lo buscará es liberar al hombre
mediante el arte, éste es un método adecuado para liberar el subconsciente del hombre.” (???,
2016)2.
DADAISMO; Quizás lo más importante del dadaísmo es el caos, el azar y influenciado por lo
gamberro o hacia lo escandaloso, nada hacía más feliz a un dadaísta que escandalizar a un
burgués. Dada es anti-todo; antiarte, anti-literatura, anti-dada incluso, Dada es destrucción, una
destrucción creativa si se quiere, pero al final y al cabo es destrucción, quizás por eso no duro el
suficiente tiempo como movimiento artístico y literario.
SURREALISMO; “En sus comienzos el surrealismo era un proyecto esencialmente literario, pero
poco a poco fue infectando a las demás disciplinas artísticas (pintura, escultura, fotografía, cine…).
En el surrealismo todos los autores tenían un tipo de estilo ya que este no tenía un estilo propio
que lo regia. El arte surrealista suele ser incongruente onírico y muy original en el sentido de que
el artista muestra su faceta más individual, aunque es curioso, pues el arte surrealista tiene algo
universal, que todos podemos entender” (santos, historia arte, 2015)3. con el movimiento y
establecido en los 30 años y con las más extraordinarias artistas apoyándolo fue creciendo poco a
poco y haciendo se más conocido.

Continuación hablaremos de dos artistas que pertenecían al dadaísmo, el primero MAX ERNST y el
segundo MARCEL DUCHAMP.

 MAX ERNST: Él era un artista que quería que en sus obras se viera el mundo de los sueños,
“artista impredecible, siempre siguió la línea de experimentación. Nunca hizo lo que se
esperaba de él y huyo de lo que él llamaba “la guerra de la razón”. Fue asimismo un
maestro en el collage, realizando varias novela-collage y trabajó con gran pericia la
escultura, y también el cine (fue actor en la película de Buñuel «La edad de oro»).”
(santos, historia arte , 2018)4.
 MARCEL DUCHAMP: “Marcel Duchamp es considerado el artista más influyente del siglo
XX. Se adelantó al arte conceptual, elevó el objeto cotidiano a categoría de arte y cambió
radicalmente la idea de la belleza.
Impresionista a los 16 años, un terrorista que acabaría encontrando en el dadaísmo su
libertad y la forma de reírse de todo y de todos, incluido él mismo. Este movimiento,
condenado a su autodestrucción, trataría por todos los medios (sobre todo con ironía,

2
http://elpostureodediogenes.weebly.com/dadaiacutesmo-y-surrealismo/dadaismo-y-surrealismo
3
https://historia-arte.com/movimientos/surrealismo
4
https://historia-arte.com/artistas/max-ernst
 absurdo y mala hostia) acabar con el arte narcotizado de las instituciones.” (santos,
historia arte, 2016)5.

Titulo original: Au dessus des nuages

Colección particular
Técnica: collage [18,4 x 13 cm. ]

Un personaje sin ojos mira

directamente al espectador
con un ademán enigmático. La
postura del cuerpo es en sí
misma extraña: las piernas,
que más bien parecen
femeninas, se inclinan hacia el
frente, como en una invitación
dudosa; no tiene brazos, pero
se entiende, en la amalgama
de hilos que conforman al
torso, una cualidad contenida;
el remate es sin duda la cara,
que no tiene rostro, pero que
de alguna forma una logra
expresión la cual se puede
divisar de manera inmediata.

Max Ernst pinta Au dessus des

nuages en 1920, con la
influencia notable de los
surrealistas condensados en
México y los dadaístas
desperdigados en Europa. E
caracterizaron por dejar que el
influjo preconsciente del
psicoanálisis los dominase. El
campo onírico que abarca la
obra es más que evidente: las
nubes se extienden hacia un
horizonte que no se entiende,
pero que indiscutiblemente
está ahí, como la figura que
enfrenta al espectador.

No deja de sorprender el dinamismo contenido en la monocromía de gris: a pesar del carácter

inherentemente apagado de la gama, una chispa misteriosa parece encender a la composición: si
bien está cargada a la izquierda —por la presencia de la figura principal—, hay algo en esos ojos
no-presentes que induce a un trance, algo que entume la mente del espectador inmerso en los

5
https://historia-arte.com/artistas/marcel-duchamp
arreglos sutiles del color. Max Ernst logra atrapar la vista entre el entramado gris de su personaje,
que en definitiva no es humano, pero que enfrenta la humanidad de aquel que se encuentra con
él.

Título original: Nu descendant un escalier, n° 2

Museo: Philadelphia Museum of Art, Philadelphia (Estados Unidos)
Técnica: Óleo (147 × 89.2 cm.)

Desnudo descendiendo una escalera, N ° 2, fue rechazado en el Salón des Indépendants en París.
Los cubistas alegaron que (un desnudo nunca baja las escaleras, un desnudo se reclina). Al
parecer, los desnudos sólo bajan las escaleras en
los burdeles.

Así que Marcel hizo las maletas y se fue a Nueva

York donde la pintura sí causó sensación. Los
americanos entendieron mejor su obra, o
probablemente no, pero se maravillaron por los
trucos que utilizaba un moderno artista
europeo.

“¿Qué vemos aquí? Pues son 20 posiciones al

mismo tiempo, al modo cubista, pero la obra no
tiene nada de cubista. Este desnudo consigue
hacer un mapa del movimiento y retrata la
energía del cuerpo a medida que pasa por el
espacio, algo que por lo visto horrorizaba a los
cubistas.

Probablemente el dadaísta se basó en el libro

del fotógrafo Muybridge Animal Locomotion.,
de 1887, que incluía una secuencia de imágenes de una mujer desnuda descendiendo un tramo de
escaleras.” (santos, historia arte , 2018)6.

Para continuar hablaremos de dos grandes exponentes para él surrealismo el primero SALVADOR
DALÍ y la segunda DOROTHEA TANNING.

 SALVADOR DALÍ: El surrealismo soy yo…, Y lo más surrealista es que es una afirmación
probablemente cierta. Salvador Dalí fue quizás el surrealista más popular y uno de los
máximos exponentes mundiales del arte contemporáneo. Ya fuera un genio o un artista
estrafalario, su legado no pasa inadvertido incluso hoy en día y no podemos más que
maravillarnos con la perfección técnica y el imaginativo contenido de su arte.

Nacido en Figueres (pueblo que marcaría toda su producción) Dalí nunca fue un niño
normal. Tuvo un hermano que murió antes que él y sus padres le pusieron el mismo
nombre, Salvador, consintiendo todos sus caprichos. Desde muy pequeño ya dio muestras
de genio: dejaba sus excrementos en cualquier lado, como forma de arte.

De adolescente viajó a Madrid, donde experimenta con el cubismo y el dadaísmo y entabla

amistad con gentes como Lorca o Buñuel. Y es que Dalí no sólo se dedicó a la pintura. Su
creatividad abarcó el cine, la escultura, el diseño (el logo de chupa-chups) y la escritura…
Mucho se especuló sobre su sexualidad, pero todo indica que Salvador era impotente.

 DOROTHEA TANNING: Poeta, escultora, pintora y cientos de cosas más. La Tanning no fue
simplemente la esposa de Max Ernst. Ella exploró todos los rincones de la creación
artística para expresar lo mucho que llevaba dentro.

https://historia-arte.com/obras/desnudo-bajando-una-escalera
 Dorothea Tanning iba mucho por la biblioteca municipal de niña. Un libro en concreto la
fascinaba: «Alicia en el País de las Maravillas». Ya se intuía a donde se dirigía su
creatividad: hacia el surrealismo.

Tanning entró en contacto con el movimiento en 1936 con la exposición Fantástico Art
Dada Surrealismo, del MoMA. Saber que no había límites para crear era toda una
liberación. Inmediatamente se mudó a París (aunque la guerra no le permitió vivir mucho
tiempo ahí).

De forma autodidacta, empezó a pintar sus sueños y un buen día conoció al marchante
Julien Levy, que había llevado a los Estados Unidos el arte de Pablo Picasso, Max Ernst,
Joseph Cornell, Marcel Duchamp y Salvador Dalí.

 Museo: Teatro Museo Dalí, Figueres (España)

Técnica: Óleo (65 x 54 cm.)

Salvador Dalí declaró en múltiples entrevistas su entusiasmo paranoico por las ciencias,
por las matemáticas y por la biología molecular, en concreto por la estructura del ADN,
que fue descubierto a mediados del siglo XX. Entre las décadas de los años 40 y 50 se
ejecutaron una serie de pruebas nucleares. En el mes de agosto del 1945, las explosiones
de las bombas en Japón, influenciaron en el artista el interés por la energía nuclear que
más tarde plasmó en las obras. Este concepto tomó tanta fuerza en su proceso artístico,
que hoy en día, sabemos que el período místico-nuclear del genio ampurdanés es una de
las más interesantes de su carrera.
 De la serie de cuadros con referencias místicas y científicas, nace una obra de las más
representativas del período. La creación del universo y la del hombre son ciencias que van
de la mano en el cuadro Galatea de las esferas. Salvador Dalí, en un juego de ilusiones
ópticas, reinventa el rostro de su esposa, átomo a átomo, en una danza gravitatoria en
tres dimensiones.
La concepción místico-nuclear se expresa en la obra con destreza en un mapa
fragmentado discontinuo de partículas
esféricas.
El pintor construye una coreografía
flotante de átomos
de manera similar a
lo representado con
el ADN.

 Título original: The

Magic Flower Game
Museo: Tate
Modern, Londres
(Reino Unido)
Técnica: Óleo (91,5 x
43,5 cm.)

 En 1936 se inauguró
en el MoMA de
Nueva York la
exposición Arte
fantástico, dadaísmo,
surrealismo.
Dorothea Tanning la
visitó y nada volvió a
ser lo mismo para
ella. Había
encontrado al fin el
lenguaje que estaba
esperando, libre de
todo tipo de
ataduras.
 Tanning comprendió que podía explorar los rincones más profundos de su subconsciente,
que eso era una inagotable mina de creatividad. Simplemente debía traducir todo ese
galimatías en óleos sobre lienzos.

De forma autodidacta, empezó a pintar sus sueños y un buen día conoció al marchante
Julien Levy, que había llevado a los Estados Unidos el arte de Pablo Picasso, Max Ernst,
Joseph Cornell, Marcel Duchamp y Salvador Dalí.

Levy decidió meter también a Tanning entre tanto artista ilustre y en 1944 la talentosa
artista pudo tener su exposición individual, donde llamaría la atención con obras como El
juego de la flor mágica.

MOVIMIENTO RACIONAL Y OBJETIVO

El cubismo, futurismo y el neoplasticismo se centraban en una idea objetiva, racional y pesimista.

La libertad creativa es total. En las artes plásticas se utilizan todo tipo de materiales y técnicas y se
rompen los más elementales principios de perspectiva y composición. Finalmente el Arte
Abstracto acaba con la forma en sí como tema artístico.
El Arte de las Vanguardias es un arte conceptual en el sentido de que no se disfruta
sensorialmente, sino que precisa de reflexión intelectual, pero en este sentido también son
conceptuales las obras de los primitivos flamencos, llenos de simbolismos y significados ocultos.

CUBISMO: El crítico Louis Vauxcelles ya había bautizado a los fauves. En 1908 visitó una
exposición de Braque y escandalizado escribe: «Son geómetras ignorantes, que reducen el paisaje
y el cuerpo humano a insípidos cubos».
Estas bizarreries cubiques pondrían nombre al movimiento.
En realidad, en el cubismo no hay cubos. Más bien todo lo contrario.
El cubismo consiste reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la
tridimensionalidad (cosa que precisamente pretende una figura como el cubo).

Para mirar un cubo, hace falta un sólo punto de vista, y lo que querían artistas como Braque o
Picasso.

FUTURISMO: Es desde Italia donde lanzaremos al mundo este manifiesto nuestro de violencia
atropelladora e aventureros que huelen el horizonte, en las locomotoras de pecho ancho que
pisan los raíles como enormes caballos de acero embridados de tubos y al vuelo resbaladizo de los
aviones cuya hélice cruje al viento como una bandera y parece que aplauda como una loca
demasiado entusiasta. Incendiaria, con el cual fundamos hoy el «futurismo», porque queremos
liberar este país de su fétida gangrena de profesores, de arqueólogos, de cicerones y de
anticuarios.

Ya durante demasiado tiempo Italia ha sido un mercado de antiguallas. Nosotros queremos

liberarla de los innumerables museos que la cubren toda de cementerios innumerables.

NEOPLASTICISMO: O constructivismo holandés también llamado De Stijl. Es un nuevo (neo)

enfoque de las artes plásticas (plasticismo) basado en relaciones universales.

Uniendo cubismo y teosofía, reivindicó un proceso de abstracción progresiva donde las formas se
irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores a los tres primarios, el
blanco y el negro. No existe la profundidad, no existe ningún tipo de referencia figurativa, no
existe ni siquiera una simbología. El neoplasticismo es arte puro: línea y color, unidas en un mismo
espacio. Para los neoplasticistas era imprescindible rechazar cualquier motivo reconocible, no se
debía imitar la vida real. Consideraban que el arte forma ya parte de la vida real, así que no es
necesaria su imitación.

Para seguir hablaremos de un exponente por cada vanguardia, para el cubismo será PABLO
PICASSO, para el futurismo FRANCIS PICABIA y para terminar para el neoplasticismo será PIET
MONDRIAN.

 PABLO PICASSO: “(Pablo Ruiz Picasso; Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Pintor
español. La trascendencia de Picasso no se agota en la fundación del cubismo,
revolucionaria tendencia que rompió definitivamente con la representación tradicional al
liquidar la perspectiva y el punto de vista único. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo
Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la facetas del arte del
siglo XX, encarnando como ningún otro la inquietud y receptividad del artista
contemporáneo. Su total entrega a la labor creadora y su personalidad vitalista, por otra
parte, nunca lo alejarían de los problemas de su tiempo; una de sus obras maestras, el
Guernica (1937), es la mejor ilustración de su condición de artista comprometido.“7
(Fernadez, 2022)

 Título original: Les Demoiselles d'Avignon

Museo: MoMA, Nueva York (Estados Unidos)
Técnica: Óleo (243.9 × 233.7 cm.)

 “Las señoritas de Avignon” es en realidad “Las señoritas de la calle de Avinyó”, una calle
de Barcelona donde abundaban los burdeles. Picasso nos muestra en esta obra a cinco
prostitutas barcelonesas y lo hace de un modo inédito hasta entonces: lo hace al estilo
cubista.

7
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/picasso.htm
 Aunque en realidad este
cuadro es más bien proto-
cubista, ya que el
movimiento no existía aún.
De hecho el cubismo se
inicia a causa del terremoto
provocado por esta obra. El
cubismo y el arte de
vanguardia en general.
Tres influencias fueron
fundamentales para el desarrollo de
semejante anomalía artística:
Cezánne (sobre todo sus bañistas), El
Greco (en concreto su obra Visión
del Apocalipsis) y el arte primitivo
expuesto en el Museo del Trocadero
en París, con sus máscaras africanas
(la escultura íbera también debió
influir en el joven pintor).Es evidente
que el pintor quería dinamitar lo
establecido y romper de una vez con
todas con el realismo, incluidas la profundidad espacial y la anatomía humana. Como vemos, el
cuerpo de la mujer desnuda se convierte ahora en un conjunto de planos angulares, más marcados
cuanto más a la derecha vayamos

 FRANCIS PICABIA : “(París, 1879 - id., 1953) Pintor francés de origen hispanocubano.
Francis Picabia comenzó su carrera artística en el ámbito del impresionismo y el fauvismo,
con obras fáciles que le proporcionaron un gran éxito comercial. Pero su temperamento
inquieto y subversivo le llevó a buscar caminos más comprometidos, por lo que entró en la
órbita del cubismo de Picasso y Braque con obras caracterizadas por la incorporación de
elementos simbólicos y de títulos y frases sin ninguna relación con el tema. Sus contactos
con Marcel Duchamp en Nueva York (donde estuvo en varias ocasiones durante la década
de 1910) y con el grupo dadaísta que Tristan Tzara lideraba en Zurich lo llevaron a
decantarse por el dadaísmo como tendencia artística preferida. A este período
corresponde su estilo más característico, llamado maquinista por centrarse en la
representación de máquinas, que en ocasiones son símbolos de los seres humanos y a
veces hacen referencia al mito del maquinismo, del desarrollo industrial a ultranza.“
(Fernández, 2022)8 (Fernández T. y., 2022)

 Título original: Dances at the Spring

Museo: Philadelphia Museum of Art, Philadelphia (Estados Unidos)
Técnica: Óleo (120,5 x 120,6 cm.)

 El franco-cubano Francis Picabia tenía pasta. Gracias a ello pudo pintar lo que le daba la
gana y además ayudar a financiar exposiciones de arte moderno como la del Salon de la

8
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/picabia.htm
 Section d’Or de 1912, que incluyó trece de sus pinturas, incluidas sus Bailes en la
primavera.

Esta serie de obras, entre las que se

incluye la que veis en la imagen, habían
sido pintadas en la primavera de ese año
(de ahí el título). Picabia se inspiró en las
danzas campesinas que había observado
durante su luna de miel en la campiña
napolitana.

Como sabemos, si había un artista

ecléctico en las vanguardias del París de
principios del siglo XX, ese era Picabia.
Artista multidisciplinar, su trabajo abarcó
muchísimos movimientos artísticos.
Comenzó a pintar fascinado por el
impresionismo, pero con la llegada de las
vanguardias se introdujo en el cubismo, se
obsesionó un poco con el dinamismo
futurista y también se interesó por la
abstracción. De todas estas corrientes
sacó algo, como podemos comprobar en este encantador cuadro.

 PIET MONDRIAN: “(Amesfoort, Países Bajos, 1872 - Nueva York, 1944) Pintor holandés. Por
educación y trayectoria vital, sus primeras obras participaron de la tradición paisajista
holandesa y de su interés por los efectos lumínicos. En 1907, el conocimiento de la obra de
los pintores postimpresionistas cambió por completo sus antiguas nociones sobre el color,
cuyo tratamiento abordó a partir de entonces de manera mucho más audaz. Tras
contemplar las primeras obras cubistas de Braque y Picasso, en 1912 decidió trasladarse a
París y adaptar los preceptos del cubismo, interesado en reducir las formas individuales a
una fórmula general. Aunque plásticamente su obra respetaba los principios cubistas,
desde 1913 experimentó un claro avance hacia la abstracción que culminó en 1917 con el
abandono definitivo del referente externo.

La Primera Guerra Mundial le hizo regresar a los Países Bajos, donde conoció a Theo van
Doesburg. Junto a él y otros dos artistas (Van der Leck y Huszar), fundó la revista y
movimiento De Stjil, desde los cuales defendieron el rechazo completo de la realidad
circundante como referente de la obra y la reducción del lenguaje pictórico a sus
elementos básicos. Este estilo, bautizado por el propio Mondrian como neoplasticismo,
pretendía alcanzar la objetividad real liberando a la obra de arte de su dependencia de la
percepción individual momentánea y del temperamento del artista.“9

 Museo: MoMA, Nueva York (Estados Unidos)

9
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mondrian.htm
 Técnica: Óleo (127 x 127 cm.)
 Con la Segunda Guerra Mundial fueron infinidad los artistas europeos que huyeron a
Estados Unidos, entre otras cosas para
salvar sus vidas. Uno de ellos fue el
neoplasticista Piet Mondrian que se instaló,
como no podía ser de otra forma, en Nueva
York.

La arquitectura, y sobre todo el jazz fueron dos de

sus principales influencias en ese periodo
americano. Sobre todo le gustaba un estilo de blues
muy de moda en la época, el boogie-woogie, con ese
ritmo sincopado, la irreverencia en la melodía y
basado en la improvisación… más o menos como su
obra pictórica.

Con un ritmo mucho más dinámico en sus

geometrías, Mondrian deja de lado el color negro y
basa este Broadway Boogie Woogie en líneas
amarillas que se cruzan en puntos marcados con
cuadrados de azul y rojo.

Un movimiento que sugiere la ciudad con sus luces eléctricas parpadeantes, o un rascacielos con
sus ascensores, o quizás el movimiento del tráfico, y si nos ponemos anacrónicos, los píxeles de un
videojuego o las piezas de un juguete montable de colores.

SIMBOLO ABIERTO

“En este punto hablaremos sobre el fauvismo y el expresionismo. Durante el breve período de
1904-1907 un pequeño grupo de compañeros de estudios, desarrollaron un estilo de pintura que
les ganó el nombre de Les Fauves (fieras). En sus obras usaban colores puros, exageraban el dibujo
y la perspectiva, y dejaban asombrados a quienes veían sus obras por primera vez. Fueron el grupo
más experimental de entre los pintores que trabajaban en París y sin embargo fue el más
efímero.“ 10 Subjetividad del color, simplificación del dibujo, colores fuertes, desinterés por el
acabado, con las exposiciones en 1905, los fauvistas recibieron el desprecio de la crítica. En este
año se expuso retrato señora Matisse el retrato de la señora Matisse (imagen izquierda) donde se
presentaba una caricatura de la feminidad y una excentricidad en la pintura de retrato. El
expresionismo fue un movimiento cultural heterogéneo que surgió en Alemania a principios del
siglo XX (coincidiendo con el fauvismo francés) que se plasmó en gran número de campos
artísticos (música, artes plásticas, cine, fotografía, teatro etc). Surgió como reacción al
Impresionismo al naturalismo y al positivismo de este movimiento. Los artistas defendían un arte
más personal e intuitivo, la visión interior del artista, sus sentimientos, su expresión, frente a la
plasmación de la realidad, la impresión. Una vez que se admitió que la personalidad del artista era
un factor determinante del carácter de una obra de arte, como ocurrió durante el Renacimiento, el
arte pudo funcionar cada vez más abiertamente como medio de revelación de uno mismo. Las
composiciones abstractas podían servir tan efectivamente como los cuadros figurativos. Los

10
https://simboloabierto.wordpress.com/expresionismo/
artistas fueron dándose cuenta de la libertad que gozaban algunos de ellos siglos anteriores no
sometidos a las academias

 EXPRECIONISMO: El expresionismo fue un movimiento de vanguardia surgido en Alemania

a principios del siglo XX, coincidiendo con el fauvismo francés, con el que tiene no pocos
puntos en común (rechazo de la mímesis, colores violentos…)
Sin embargo difiere de este movimiento por tener un matiz más pesimista, más feo, por
así decirlo, ya que los expresionistas alemanes no escatimaron en mostrar lo morboso, lo
prohibido, lo obsceno…
El expresionismo viene a ser una deformación de la realidad para expresarla de forma más
subjetiva (aunque en definitiva, esa puede ser una definición válida del arte: una
deformación de la realidad…). Se quieren mostrar sentimientos, emociones, algo que
ilustre la naturaleza y el ser humano.
 FAUVISMO: “La primera vanguardia. El muy conservador crítico Louis Vauxcelles escribe:
«Donatello parmi les Fauves» (Donatello entre las fieras) cuando ve la exposición del Salón
de Otoño de 1905.
Fauvismo es liberar el color con respecto al dibujo“ (santos, historia del arte , 2015)11, se
caracterizaba principalmente por tener una forma expresiva potenciada mediante el color
además de intentar equilibrar el mundo real y el mundo interior de manera subjetiva,
ignorar claroscuros y perspectivas, expresar sentimientos… Era gente inconformista, que
como todo buen artista de vanguardia, quiere liberarse de todo lo anterior y no ser sumiso
ante la herencia pictórica.
El color es la clave, directamente del tubo, obviando la mímesis y aplicándolo en toques
rápidos y vigorosos, dotando a la obra de una sensación de espontaneidad.

Ahora hablaremos de dos artistas que cada uno impulso a cada vanguardia. Del primero que
hablaremos será HENRI MATISSE quien fue el que impulso al fauvismo, del siguiente artista del
que hablaremos será PAUL KLEE quien fue el que impulso al expresionismo.

 HENRI MATISEE: “(Cateau Cambrésis, 1869 - Niza, 1954) Pintor francés, máximo
representante del fauvismo. El 20 de marzo de 1906 se inauguraba en los grandes
invernaderos de Cours-la-Reine, en París, una nueva edición del Salón de la Sociedad de
Artistas Independientes. Aquella exposición supuso el primer gran éxito de Matisse y su
consagración como pintor y como cabeza visible de un nuevo movimiento. Los lienzos del
artista causaron sensación: de gesto espontáneo y color puro, su obra daba las pautas de
un estilo nuevo, lleno de vigor expresivo y que se negaba a ser una mera imitación de la
naturaleza. Destacaba entre sus pinturas la ensoñación simbolista Lujo, calma y
voluptuosidad, cuadro adquirido por el también pintor francés Paul Signac, y cuyas gruesas
y cortas pinceladas de intenso color recuerdan precisamente la técnica divisionista propia
del mismo Signac; la tela estaba inspirada en los cuadros del que había sido uno de los
maestros de Matisse, Gustave Moreau. unto a los demás expositores, Matisse formaba
parte de un movimiento pictórico bautizado como fauves (fieras). El nombre del
movimiento se debe a Louis Vauxcelles, que en una de sus críticas al Salón de Otoño de
1905 había definido una escultura de Albert Marquet como "Donatello entre las fieras". La
reacción de los fauvistas fue la más violenta que se producía contra el arte académico
desde los impresionistas. Influidos por Gauguin y Van Gogh, concibieron los cuadros de un

11
https://historia-arte.com/movimientos/fauvismo
 modo muy distinto del tradicional, tal como hicieron ya los impresionistas. Mediante el
empleo agresivo de los colores puros querían poner de manifiesto que la superficie de tela
impregnada de pintura es una realidad autónoma e independiente.“ (Vernández, 2004)12

 Título original: La desserte

Museo: Hermitage, San Petersburgo (Rusia)
Técnica: Óleo (180 x 221 cm.)

 Matisse combina aqui tres géneros en uno: bodegón, retrato y paisaje.

En aquellos días lo normal era pintar siguiendo unas reglas básicas de naturalismo,
sombras y perspectiva. Como vemos aquí, el pintor se pasó por el forro todas ellas.
Una nueva revolución se avecinaba en el arte: el fauvismo.
Para el artista lo importante era la fuerza de los colores. La mesa se confunde con la pared, el
paisaje es casi abstracto, la perspectiva es, ya no rechazada, sino directamente violada. El cuadro
es una pura decoración pictórica. La crítica no era partidaria de Matisse en esos primeros años: sus
cuadros eran «monstruosidades infantiles sin sentido ni vergüenza» o «mensajes peligrosos
salidos de un manicomio». Se dijeron de él cosas como «grotesco, primitivo, animal, diabólico,
bárbaro y canibalesco»…Pero a pesar de esto, todo el mundo se acercó a ver estas innovadoras
pinturas. En Montmartre, Picasso y su banda escribieron en las paredes: «¡Matisse te vuelve
loco!», «¡Matisse es más peligroso que el alcohol!».
 PAUL KLEE: “(Münchenbuchsee, 1879 - Muralto, 1940) Pintor suizo. Hijo de un
profesor de música, realizó estudios clásicos en Berna. Se inscribió en la Academia de
Munich, donde tuvo como profesor a Franz von Stuck (1898-1900) y se familiarizó con
las teorías del Jugendstil, que más tarde pondría en práctica en obras como Cabeza
amenazadora (1905). De regreso a Berna, prosiguió su período formativo centrándose
en la música, las artes plásticas, la lectura de clásicos y en la observación de las obras
de Blake, Klimt, Goya y, en París, de Leonardo y Rembrandt. Posteriormente realizó
una serie de dibujos inspirados en Van Gogh, Cézanne, Matisse y otros representantes
de la escuela francesa. En 1911 entró en contacto con el grupo del Blaue Reiter (El
caballero azul), lo que le permitió conocer a sus creadores, Vasili Kandinski y Franz
Marc, así como a Alfred Kubin y a August Macke, con quienes expuso al año siguiente
en Berlín.
En París se relacionó con Robert Delaunay
y el clima cubista y centró definitivamente
su interés en el movimiento y el tiempo, la
luz y el color (en los que influyó
notablemente su viaje a Tunicia, en 1914,
con Louis Moilliet y Macke), con primacía
sobre los valores psicológicos de las
formas. Su vida de recogimiento espiritual
dio como resultado una prolífica obra.”
(Fernández T. y., En biografias y vidas ,
2004)13

 Título original: Katze und Vogel

12
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/matisse.htm
13
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/klee.htm
 Museo: MoMA, Nueva York (Estados Unidos)
Técnica: Óleo (38 x 53 cm)

 Simple, puro, inocente, infantil, surrealista…

Con apenas unos trazos, Paul Klee pinta a un gato con un pájaro en la cabeza, ambos
deliciosamente esquemáticos. Yo diría que, conociendo a los felinos, el gato está a
punto de comérselo. Por supuesto, el color es siempre una preocupación para el
pintor, y aquí está muy estudiado, aunque parezca espontáneo. Gracias al cromatismo
de colores pastel y suaves transiciones tonales, la obra adquiere una fuerza dinámica y
vibrante, además de repartir colores a modo de sentidos (verde para la ojos, orejas y
bigotes; rosa en nariz y la boca), a modo de sinestesia. Como siempre, Klee juega de
forma expresionista entre lo figurativo y lo abstracto y retrata a Fritzi, uno de los
muchos felinos que campaban a sus anchas en el estudio del artista.
MOVIMIENTO ARTISTICO

Para terminar hablaremos del Constructivismo, “Movimiento artístico surgido en Rusia

en 1917, que tiene sus raíces en los 'Vkhutemas', o "Talleres Superiores Artísticos y
Técnicos del Estado" y se desarrolló principalmente en el arte, diseño y arquitectura
rusos. Se basa en el cubismo, y estéticamente se relaciona con la ingeniería y la
arquitectura.”14 El Constructivismo se destacó por su carácter utilitario y al servicio de
la revolución. Los artistas buscaron producir cosas útiles, en las áreas de diseño
industrial, comunicación visual y artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad
comunista. La imagen más representativa del movimiento fue el Monumento a la III

Internacional de Tlalín.En el constructivismo se plantea, por ejemplo, que una

escultura no debe ser una realidad por sí sola, sino que debe integrarse en el espacio,
debe recibirlo por todas partes. Para ello utilizan materiales que permitan que el
espacio penetre en la escultura, materiales industriales como alambre, madera, vidrio,
yeso y plástico. Al mismo tiempo, los constructivistas rechazan la idea de que el arte
debe servir a un propósito socialmente útil y plantean un arte estrictamente abstracto

14
http://www.portaldearte.cl/terminos/constructivismo.htm
 que reflejase la maquinaria y la tecnología moderna. El Constructivismo coincide con
las características de diferentes vanguardias como el Cubismo, el Futurismo, el
Suprematismo y el Dadaísmo.

La vanguardia se destacó por:

– Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar
el producto son de gran importancia.
– Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.
– Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas
matemáticamente.
– Se dedicaron a l diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura
interior, propaganda, ilustraciones, etc.
– La obra se comunica con el espacio que la rodea o penetra. Se valora la
simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz.
– La misma consta de elementos (frecuentemente transparentes) de formas
geométricas, lineales y planas.
– Hace hincapié en lo abstracto, pero relacionado con la industria y la técnica.
– Estilo basado en líneas puras y formas geométricas y pesadas.
– Los objetos son geométricos y funcionales.
– Rechaza al arte burgués. Se evitó el ornamento.
– Materiales simples: madera, metal, yeso, alambre, plástico, cartón, vidrio y
elementos modernos que simbolizan el progreso.
– Uso de los colores naranjo, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (tanto en afiches
como en objetos).
– Para la decoración se emplean motivos suprematistas, o sea formas geométricas
sobre un fondo blanco y plano (como en el caso de la cerámica).

 EL LISSITZKY: Arquitecto y artista constructivista ruso, nacido el 23 de noviembre de

1890 en Polchinok y muerto el 30 de diciembre de 1941 en Moscú. Su verdadero
nombre era Lazar Morduchovitch. Una vez instalado en Moscú entró en el Instituto
Politécnico de Riga en 1915, donde terminó sus estudios y recibió el título de
Ingeniero-Arquitecto en el año 1918. En ese mismo año realizó su primer cuadro
proun (palabra formada por las iniciales de proyecto para la afirmación de lo nuevo en
ruso), tras el contacto con la ideas de Malevich, y se adhirió al grupo Unovis. En los
cuadros proun combina elementos suprematista y constructivistas para unir arte y
arquitectura, como en Construcción-Proun 2, de 1920. Proun es un método de trabajo
en armonía total con los modernos medios tecnológicos. Fue el encargado, con su
aportación al mundo del arte, de servir de puente entre la vanguardia rusa y el resto
de Europa occidental. “En 1920 se convirtió en miembro del Inkhuk (Instituto de
Cultura Artística de Moscú) y realizó el proyecto tipográfico del libro Prodva Kvadrata.
Al año siguiente se asoció con el grupo constructivista, a través de su relación con
Tatlin que, como él, es profesor en el Laboratorio Estatal Superior de Arte y Técnica.
Realizó el proyecto de la Erste rusische Kunstausstellung, la exposición de 1922 en la
galería Van Diemen de Berlín. Durante los años 20 su papel como propagador del
nuevo arte ruso en Europa fue fundamental, a través de viajes, escritos y organización
 de exposiciones. Ejerció una importante influencia sobre De Stijl y los artistas de la
Bauhaus.” (Flint, 1986)15

 Título original: СССР на стройке

Técnica: Grabado (42 x 30cm.)
El Lissitzky & Sophie Lissitzky-Küppers
Portada de ‘URSS en construcción’, núm. 2-3, Febrero-marzo de 1940.


Durante años, El Lissitzky dirigió junto con su mujer Sophie Küppers la revista URSS en
construcción (fundada por Máximo Gorki) que fue traducida a seis idiomas (español
incluido).La revista era el órgano de mayor difusión del régimen en el exterior y no se
escatimó en experimentación soviética, para que todo el mundo supiera que la URSS
estaba a la vanguardia del mundo. Llena de fotomontajes y collages que son aún
futuristas hoy en día (y que marcarían un antes y un después en la edición, diseño y
tipografía de medios impresos y digitales), URSS en construcción sacaba en sus
portadas a lo mejorcito de la vanguardia rusa de Rodchenko a él mismo. Aquí tenemos
esta impactante portada del número 2–3 de 1940, en la que dos hombres se besan
apasionadamente al frente de lo que parece ser una preparación para la guerra. Por
muy homoerótico que pueda parecer (aunque cierto es que en la homófoba Rusia
existe esta costumbre para mostrar afecto), la imagen representa el Tratado de no
Agresión entre la Alemania nazi y la URSS de 1939 en el que los dos países se
repartían, en secreto, la Europa Central y del Este.
Aun así no deja de ser revolucionaria en todos los aspectos.
CONCLUCION

Las vanguardias artísticas fueron muestra de unas rupturas en las formas de pensar, creando
nuevos medios de representación estética. Estas corrientes abordan la renovación del arte desde
planteamientos divergentes y se plantean su función social, desplegando recursos que rompan o
distorsionen los sistemas más aceptados de expresión artística no solo en pintura, sino también en
escultura, teatro, literatura, arquitectura, cine, música, etc.… Estos movimientos artísticos
renovadores y en general dogmáticos, se produjeron en Europa a principios del siglo XX, y se
extendieron al resto del mundo, principalmente a EE.UU.

La característica primordial del vanguardismo es

la libertad de expresión, que se manifiesta alterando la
estructura de las obras, desordenando los parámetros
creativos al uso y abordando temas tabú; se rompe con
las líneas, las formas, los colores neutros y la
perspectiva. El arte contemporáneo abarca las
formas de arte de nuestra era, producidas e
interpretadas como un reflejo de la sociedad
actual, es decir, originadas a partir del siglo XX. Sin
embargo, es importante entender que se trata de un
concepto difícil de acotar y cuyos límites varían enormemente dependiendo de a quién se le
consulte, a punto tal que para muchos no existe realmente una distinción entre arte moderno y
arte contemporáneo.

15
https://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=lissitzky-el
Para concluir, luego de agrupar las vanguardias y explicar los grupos, claramente podemos ver la
gran variedad de estilos que nos dejó esta época. A primera vista se puede ver que el arte
contemporáneo tiene libertad de mezclar e inspirarse de muchos artistas antiguos que siguen
siendo muy importantes en la actualidad.