TRABAJO PRACTICO.

1. Investigar sobre el significado de los siguientes conceptos:

Proyecto Moderno | Modernidad | Modernismos | Posmodernidad.

La Modernidad define una época histórica, a partir del siglo XVI hasta el XX. Durante esta época, rige un
paradigma basado en la utopía, el racionalismo y el cuestionamiento de las ideas religiosas, en el
antropocentrismo, el centro es el hombre y no Dios. Se creía que a través de la técnica, de la razón y el
desarrollo tecnológico se podía mejorar el mundo, negándose a la práctica de los valores tradicionales o
impuestos por la autoridad. Debido a la Revolución Industrial, se consolida una nueva lógica del objeto y la
producción en serie para beneficio económico, por el auge de la maquinaria. Teniendo en cuenta que la
máquina no tiene la sensibilidad de un artesano, la figura del diseñador resulta sumamente necesaria para
las industrias, y surge el concepto del arte como un objeto de comunicación destinado al consumo.

Por otro lado, los Modernismos son las primeras manifestaciones de diseño que responden a la
problemática del debate arte-industria. Surgen a finales del siglo XIX, aproximadamente en 1890 y su
objetivo principal es el de buscar un nuevo lenguaje acorde al exponencial desarrollo de maquinaria. Algunos
de ellos fueron el Art Nouveau o La Escuela de Glasgow, que compartían su abandono de los lenguajes del
pasado y la concepción del objeto en términos de producción industrial, mas teniendo aún a la naturaleza
como referente. El Arts & Crafts en 1887 fue el modernismo que desde un principio se postuló en contra de
la industria y defendió la idea de renacer la artesanía artística. William Morris, su creador, criticaba a la
máquina por sacarle trabajo a su creador y creía que el objeto perdía calidad porque no contaban con el
saber del artesano.

En cambio, el Proyecto Moderno es un movimiento intelectual de principios del siglo XX, incluido en
la modernidad como ideal de reconstrucción, con el objetivo de mejorar la calidad de vida del hombre
moderno a través del diseño. Busca desarrollar un lenguaje universal para todos, meramente racional,
ordenado a partir de la geometrización y con nuevos materiales como el hierro y el vidrio. Eficaz y con una
belleza anclada en la funcionalidad del objeto diseñado para la vida cotidiana. En este nuevo lenguaje, lo
primordial es una clara comunicación, un claro mensaje a través de la semantización. Por ende, se utilizaban
recursos como la grilla, la fotografía y tipografía de palo seco.

Por último, la Posmodernidad es una etapa histórica que surge aproximadamente a mediados del
siglo XX. Los pensadores de esta época comienzan a replantear la idea de términos absolutos, abandonar la
idea de sistema totalizadores que pueden resolver a nivel universal problemáticas del diseño. Se revaloriza lo
subjetivo, deja de tomar tanta presencia la idea utópica de la verdad absoluta y del lenguaje universal. Hay
tantas miradas y resignificaciones como espectadores, la sociedad tiene matices con respecto a gustos,
tradiciones, formas de vida, creencias religiosas. Menos es aburrido, la forma no sigue la función, se pierde
ese racionalismo que prima en la modernidad, hay una vuelta a lo orgánico, a aquello que no ha sido tocado
por el hombre.

2. Enuncie y desarrolle 5 aspectos en relación a la idea del Proyecto Moderno.

-UNIVERSALIDAD: Se plantea un mensaje y un gusto ‘para todos’, la tipificación. En cuanto al diseño, hace
referencia a comunicar de forma clara, un mensaje claro. Por eso se utilizaban recursos como la geometría,
grilla, tipografía de palo seco, minúsculas. Economía de recursos, semantización: le da sustento al diseño,
que se refleja claramente en los pictogramas de aeropuertos.

-RACIONALIDAD: Todo se reduce a la razón y la experiencia sensible, y lo que ella no admite no puede ser
creído. Aplicada en la metodología de diseño, se utiliza un lenguaje universal que busca la resolución de
problemas sociales a través de un lenguaje ordenado, sistemático, racional, eficaz y con una bella ansiada
funcionalidad del objeto diseñado para la vida cotidiana. Gute Form, la buena forma, donde menos, es más:
menos cantidad de material, menos tiempo de producción, ergo menor costo final del producto. Por
ejemplo, la tetera de Marianne Brandt.

-COMUNICACIÓN EFICAZ Y PERSUASIÓN: Mencionamos a Cassandre por su diseño persuasivo, vende un

concepto, una experiencia y el deseo de consumir. El uso de los deseos, despertarlos a partir de la
persuasión. Podemos también nombrar a Josef Müller-Brockmann de la Escuela Germano Suiza,
caracterizada por la sencillez y la claridad y por el uso de la retícula. Se incorpora la fotografía para una
comunicación clara y eficaz.

-UTOPÍA: Nunca se llega al proyecto, se busca la perfección inalcanzable. Se creía que el diseño podía
cambiar al mundo y que la tecnología “nos salvaría”. Logra el objeto sustentable y las utopías modernas.

PROBLEMÁTICA DEL OBJETO: El objeto se resuelve en dos etapas:

- Bauhaus: Después de la 1° Guerra Mundial, Alemania forma una escuela estatal con tradición artesana, de
pieza única, con impulso por llevar al arte y artistas al mundo del diseño, y así reconstruir la ciudad.
Funcionalista, racionalista, predicó por la eliminación de todo tipo de elemento superfluo, ornamento, que
no tuviera función. Se creía que ornamentar un objeto era una pérdida de tiempo y dinero.
- ULM: Surge de una visión de reconstrucción moral y cultural luego de la 2° Guerra Mundial, su objetivo era
entender y desarrollar el objeto moderno. Esto significaba de buena calidad, de bajo costo, con materiales
nobles y que no se rompa. La Bauhaus lo había hecho en términos productivos, es decir, pensaba en cómo
construir el objeto y no en la usabilidad, más estilista. Ahora se introduce el aspecto ergonométrico.

3. Buscar el significado de los siguientes conceptos/términos y relacionarlo con el concepto de

Modernidad o Posmodernidad según corresponda: Antropocentrismo. Racionalismo.
Fragmentación. Pastiche. Fin de los grandes relatos. Autoría. Todo es relativo. Comunicación
eficaz. Aldea. Original y copia. Multiplicidad de mensaje/lenguaje.Universalismo.

Dentro de lo que fue la Modernidad, podríamos englobar los conceptos de racionalismo y

antropocentrismo, esto se debe a que durante este contexto histórico, el hombre era no solo el centro,
sino también el responsable de elevar el nivel de vida del ser humano en esta época. Es a través del diseño
y de la tecnología que el ser humano podría evolucionar y mejorar su cotidianeidad exponencialmente. Es
por esto también, que se podría englobar los conceptos de universalismo y comunicación eficaz, se buscaba
mejorar la vida de todo el mundo y de una misma forma, una forma que pueda solucionar todos los
problemas. Esto se ve claramente reflejado en lo que fueron los movimientos de la Nueva Tipografía y el
Estilo Tipográfico Internacional, en los cuales se buscaba primordialmente que el mensaje a transmitir
mediante el diseño sea legible y entendible para todos, compuestas por tipografías sans serif y
acompañadas por fotografías o fotomontajes como nuevas formas de ilustración mucho más objetivas.

Por otro lado, para hablar de la Posmodernidad, se podría utilizar conceptos como el fin de los
grandes relatos provenientes de lo que fue la modernidad, del auge de la tecnología y del diseño. En las
posmodernidad, se defiende que no se puede explicar o razonar al mundo, se tienen más dudas que
certezas, mucho se toma de las vanguardias que nacieron en contextos similares en la incertidumbre que
los rodeaba. No hay ciencia ni religión ni política que tenga la verdad absoluta, se podría decir que, en
definitiva, todo es relativo, y que la universalidad tan idolatrada por la modernidad pasa a ser otra utopía.
Dentro de este paradigma, entraría también lo que es la multiplicidad de un único mensaje, cada
destinatario comprenderá un mensaje particular según sus conocimientos previos o según su contexto, así
se conformarán las aldeas. Este concepto parte de la base de que a la hora de publicitar, principalmente, el
mensaje será visto por un todo o por muchos destinatarios, pero sólo será comprendido por aquellos que
compartan el contexto de quienes emiten el mensaje, o por lo menos aquellos que tengan el contexto que
los emisores del mensaje querían que sus destinatarios tengan. La multiplicidad del mensaje está
sumamente enlazada con el concepto de la autoría, esta ya no debía ser anónima.

Todo lenguaje es personal porque cada diseñador está implicado en la comunicación de mensajes y
como tal es quien decide en gran parte qué aspectos del mensaje enfatizar y cuáles no. Sagmeister explica
al respecto: “Primero encontramos un concepto, luego buscamos qué forma darle”. Lo que tendrá de
particular la modernidad, es que no negará los lenguajes anteriores, o las expresiones de la modernidad,
sino que las toma, pero a la hora de llevarlo a su contexto será solo en cierto aspecto que necesiten, sin el
trasfondo ideológico de su época. Por esta razón, se podría hablar de la relación original y copia que hay
entre la modernidad y la posmodernidad.

4. A partir de la película “Everything is a Remix”.¿Qué se entiende por “Remix”?

¿Considera que es un concepto aplicable al diseño? ¿Podría presentar algún ejemplo?

Se entiende por “Remix” el proceso en el cual muchas bandas de rock o heavy metal de los 70 's usaban
partes de canciones anteriores en canciones nuevas, por ejemplo. Dentro de estos “remixes” estaban por
un lado los covers, que eran versiones de canciones ya existentes de otros autores, y por el otro los
knockoffs, que eran copias que rozaban lo legal en cuanto a derechos de autor. Durante los 80 en adelante
llegan los sampleos, bases musicales de otras bandas retocadas para versiones de distintos géneros.

Se puede considerar a los remakes, secuelas y adaptaciones de cine y televisión en todo su

esplendor como remixes, tomar cosas ya existentes, copiarlas y transformarlas, usando métodos más
modernos, para terminar con algo diferente pero con la esencia del original. Estos conceptos se pueden
aplicar al diseño en general, tomar ideas, obras u objetos ya existentes, y resignificarlos con un concepto
diferente, o transformarlos para mejorar algún aspecto del mismo, ya sea la funcionalidad, la estética o
algún otro aspecto.

Si nos remitimos al diseño gráfico, el pop-art y muchos movimientos de la posmodernidad,

tomaban elementos de la modernidad y le daban un nuevo significado, a veces tomando el estilo más
desligado de los mensajes que querían dar en su momento, por ejemplo las vanguardias. Y si vamos más a
la actualidad, es muy común utilizar material antiguo y re significarlo con el uso de técnicas de edición de
todo tipo, distorsionando parcial o completamente su motivo original.

PRIMER PARCIAL. Diseñador: Neville Brody - Concepto: Resignificación.

Para poner en contexto quiero comenzar hablando sobre la Modernidad para después poder comprender
mejor las estructuras heredadas en la Posmodernidad.

La modernidad definida como un periodo histórico. Donde se genera una ruptura de los lenguajes heredados
del pasado; pensar al diseño moderno vinculado con la idea de superación y reconstrucción del mundo post
Primera y Segunda Guerra Mundial. Desde el punto de vista ideológico el proyecto moderno tuvo como
objetivo, mejorar a través del diseño, la calidad de vida de ese hombre moderno, reconstruir un nuevo
lenguaje.

Utiliza un lenguaje universal, que busca la resolución de problemas sociales a través de un lenguaje
ordenado, sistemático, racional eficaz y con una belleza anclada en la funcionalidad del objeto diseñado para
la vida cotidiana, un objeto es considerado bello mientras que funcione correctamente. La línea sigue a la
función. Una comunicación unilateral, UN emisor, Un receptor, UN mensaje. Un planteamiento utópico.
Mediados del XX. Comienzos de la posmodernidad la cual no implica la desaparición de la modernidad, sino,
que es un proceso donde algunos aspectos se mantienen y otros se abandonan. No podríamos entender la
posmodernidad sin hacer referencia a la modernidad.

La principal diferencia va a estar en la pérdida de la confianza de los ideales progresistas, que estaban
anclados en la producción, en la razón, en la fe ilustrada, el progreso humano sólo se podía dar a través de la
aplicación del pensamiento anclado a la razón y a la ciencia. Así se produce la caída de los grandes relatos.
Fin de las utopías.

Comienzan a abandonar la idea de términos absolutos, de sistemas totalizadores que pueden resolver
problemáticas de diseño, sistemas de valores homogéneos, o sistemas de significación de los objetos en
términos universales, la idea de que las soluciones pueden aplicarse de una manera universal se critica.

Crisis de grandes enunciados, grandes narrativas, la fe, las creencias establecidas, el orden político y los
avances científicos, así como los lenguajes de comunicación tan perfectos.
No hay ciencia, política o religión que tenga la verdad absoluta.

El sujeto se va a transformar en un consumidor. Y el diseño se concentra en atender cuestiones necesarias

de presentacion, difusion y comercializacion de los productos. Una cultura gráfica y visual en términos
globales, a través de los diferentes medios de comunicación masivos. Creación de las tendencias para
mantener en constante producción y desarrollo que se retroalimenta en tanto la sociedad siga
consumiendo.

El desarrollo de los sistemas de comunicación virtuales generan un fenómeno de la instantaneidad de la

información, fenómeno de sobreinformación, poder exponer casos particulares de cada grupo social. Cada
sujeto se vuelve denunciante de una problemática. La globalidad y el concepto de aldea.

Para los pensadores de la posmodernidad el lenguaje es la clave de la verdad. Ya sea pintura, la palabra, la
literatura, etc. Donde se expresan ideas.

El diseñador sumergido en estas problemáticas debe tomar una postura ética no solo estética a los sistemas
productivos parte del proceso proyectual las formas de producción los materiales a utilizar, los desechos de
la producción (revisión de la economía de producción y del consumo). Revalorizar la naturaleza para cuidar
el medio ambiente. La idea de diversidad cultural recae sobre los lenguajes, si puede ser pensado en
términos universales o individuales, dejar de pensar en una sociedad totalmente homogénea, se convierte
en una que tiene matices. La imagen es un signo. Hay tantas miradas y resignificaciones como espectadores
y esto varía según su gusto, sus tradiciones, su forma de vida, sus creencias religiosas, en fin su CULTURA.

El lenguaje del diseño posmoderno incluye entre otras cosas la revaloración de lo subjetivo, la fragmentación
y deconstrucción, auge de los intangibles (valor de marca), la incorporación de las tecnologías digitales y el
collage copiar, mezclar, experimentar, reutilizar.

El diseño es el encargado de la construcción de un sentido, la fuerza el valor y la potencia en la comunicación

del objeto, no está en si misma, sino que está en la construcción de un valor intangible, creado. Dependen
del contexto, la razón, la fe, las creencias, y la cultura.

El problema del diseño está vinculado con la creación del sentido. No con el objeto en sí.
Como se dice, y cómo se interpreta. Cómo cambia la sintaxis.

Un perfecto ejemplo que utilizo todos estos nuevos lenguajes fue el diseñador Neville Brody.
Se me ocurren dos maneras de relacionar a este diseñador con el término resignificación que voy a explicar a
continuación.

(Londres años 80´)

Tiene raíces punk, sumergido en deconstructivismo, y en la técnica de pastiche, recicla las vanguardias pero
no con su ideología sino con su formalismo.

Nacido en Londres. Asistió a un curso en gráficas de tres años en el London College of Painting. Odio su
estadía allí pero fue necesaria para su desarrollo como diseñador.

“Empecé a formarme como diseñador en Londres durante la explosión del punk, siempre me guié por las
ideas y filosofías del anarquismo, del dadaísmo y el constructivismo. Mientras estudiaba diseño siempre me
molestó la frase «esta es la forma en la que se hace, así debe ser!», toda mi formación se basó en explorar
ideas no convencionales, tratar de romper las reglas. Yo quería comunicar a cuanta gente pudiera, además
hacer una forma popular de arte era más personal y menos manipuladora.”

Brody resignifica la importancia de la firma de autor. El valor de la autoría, un valor adicional y protagónico a
la pieza gráfica (auge de los intangibles).

Los diseñadores que alcanzan tanto reconocimiento, son más valorados por su fama que por su diseño en sí.
Incentiva el consumo fetichista (marca - autor) habilita a pertenecer, y a ser parte de esa aldea “vip”. Un
valor agregado de la posmodernidad.

Sus obras están pensadas para que generen un impacto en el lector. El dijo que se concentra en “un enfoque
intuitivo que pudiera expresar algo para el público” cosa que niega totalmente en sus obras, ya que hay una
estrategia de comercialización y posicionamiento del producto a través del valor significativo y hacia quién
está dirigido. La eficacia en la comunicación no está en lo correcto si no en el desarrollo de la estrategia.
Otra manera en la que se me ocurre relacionar a Brody con la resignificación es con su forma de utilizar la
tipografía.

“La idea no estaba en la palabra escrita, pero sí en la forma que se escribe la palabra”

Transgresor, experimental, e innovador. Fue el primero en manipular directamente las tipografías, llegando a
crear caracteres llenos de personalidad propia. Acompañado por la geometría, el color y por evitar cualquier
tipo de reglas, para generar su propia visión del punk. Se basa en romper el esquema de grilla y exponer su
diseño comunicativo experimental corrompiendo las reglas y manteniendo en el mensaje por medio de la
forma.

Rompe la estructura de las tipografías, rozando la ilegibilidad, la función no es clara, es de alto impacto visual
y escandaloso.

En 1981 comenzó a trabajar en la revista The Face cuestionó la estructura tradicional de las revistas de su
época. Su idea era que los lectores tuvieran que ver dos veces cada página y hacer que la revista se viera lo
más interesante posible. Hallar la forma en la letra.
 SOLARI MARTINA | PARCIAL N2

1) Para empezar, quiero hacer un breve resumen en forma de punteo del contexto histórico en el cual
surge el arte psicodélico comenzando por 1945 terminada la segunda guerra mundial.

- Hoolywood años 50´

Explosión del cine. Cine como arma de propaganda como en las Vanguardias. Llegar al estilo ideal de
vida americano, “American Dream”.

- Publicidad años 60´

Consolidación de grandes agencias de publicidad al servicio de las multinacionales. Equipo creativo.
Fotógrafo, diseñador, etc. Todos trabajan en conjunto.
Sistema capitalista en alza.

- Contracultura Underground. Base del movimiento más masivo: la cultura hippie, que comienza en
San Francisco, proyectándose en toras ciudades de EEUU incluso en Inglaterra, y casi a nivel mundial.

La juventud que quería huir de lo establecido. Una generación que buscaba algo distinto. Liberación
espiritual, sexual, de la mujer y de los afroamericanos. Amor libre sin necesidad de la aprobación de la
iglesia. Liberación de costumbres en general.

Surgimiento de una nueva clase protagonista, los jóvenes.

Movimiento flower power antiguerra. Slogan de los hippies. La anti violencia, contra la guerra de Vietnam
(que caracterizo los años 60´) Vietnam del Norte vs Vietnam del Sur, la cual fue muy mediática.

- Explosión de la industria de la música, el rock psicodélico se vuelve la expresión de esta nueva

generación, que busca algo diferente a sus padres, manteniéndose al margen del mercado y del
“sueño americano”.

Metiéndome mas en la estética del pop, tiene sus comienzos con el Op Art (propio de los años 50´) y la
psicodelia tienen en común este estudio del efecto óptico que inspira mareo y movimiento a nivel virtual.

La psicodelia fue el movimiento artístico que significo el reflejo de toda la generación hippie.

Experimentación con ácido y a su vez también la experimentación artística que quiere visualizar y compartir
los viajes lisérgicos producto del consumo de este acido.

Repercute de forma directa al estilo gráfico, la psicodelia parte del consumo masivo del acido y de la música
como fenómeno masivo, el rock psicodélico influye directamente sobre el arte psicodélico.

Por eso hay una explosión de trabajo grafico para el diseñador. El rock se transforma en industria. Los
Beatles promotores del impacto británico en la generación americana. Nacimiento de la música psicodélica.

Ahora concentrándome en el diseñador asignado en el parcial:

Peter Max diseñador americano, de estilo colorido, motivos cósmicos, sugerencia del viaje lisérgico influido
también por la carrera espacial y por músicos como los Beatles. Toma muchísimos recursos ópticos cercanos
al Op Art (efecto óptico). Y maneja un estilo ilustrativo. Como nombre anteriormente las gráficas
psicodélicas estaban pensadas para ser vistas bajo la influencia del ácido. A su vez desde lo grafico emular el
viaje.

Peter Max imprimía poniendo tintas de varios colores en el tintero, consiguiendo que los colores se
disolvieran entre sí, generando un efecto degradado o semitono.
Envuelto en el movimiento de la “cartelmanía” estadounidense. La primera oleada de la cultura del cartel
surgió de la cultura hippie de finales de la década de 1960. Los medios de comunicación y el público en
general relacionaban aquellos carteles con la oposición a los valores establecidos, asociándolos a las drogas
psicodélicas llamándolos así carteles psicodélicos. Este movimiento usaba una inmensa cantidad de recursos,
las curvas fluidas del Art Nouveau junto con la vibración del color óptico asociada al Op Art.

2) Podría relacionarlo con la posmodernidad con que el arte psicodélico y la industria musical que lo
acompañaba fue un gran potencial comercial para explotar. Creación de las tendencias para
mantener en constante producción y desarrollo que se retroalimenta en tanto la sociedad siga
consumiendo.

El estilo psicodélico, haciendo foco en la tipografía. Complicación de la lectura del mensaje, el “como
lo digo” es mas importante que lo que estoy diciendo, textos distorsionados, que pierden toda
legibilidad, y dan la ilusión de alucinación.

Uso de colores contrastantes, dan la sensación de vibración. La tipografía se transforma en textura,

estilo muy ornamentado de línea ondulante. Horror al vacío piezas totalmente saturadas de
información visual.

Los artistas tienen su propio sello, no buscan el estilo/lenguaje universal, buscan su propio estilo.