FACULTAD DE ARTES

LICENCIATURA EN PERITAJE Y VALUACIÓN DE OBRAS DE ARTE

HISTORIA DEL ARTE III

Parcial

01 junio, 2018

Profesora titular: Guadalupe Neves

Alumna: Candela Santillán

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 1. Desarrolle los conceptos principales planteados por Habermas en “La modernidad: un
proyecto incompleto”.

El autor platea que el termino modernidad no viene relacionado a la revolución industrial, sino
que surge mucho antes, aproximadamente en la época del renacimiento. Este término expreso
muchas veces la relación con el pasado y la transición hacia lo nuevo. Da el ejemplo del
romanticismo, que se opuso a los ideales clásicos para darle lugar a una nueva idealización
basada en la búsqueda histórica.

También expone que la distinción de “lo nuevo” en el modernismo, queda soslayado por el
estilo que le sigue y que esta anticipación del futuro y el culto de lo nuevo, es la pura
exaltación del presente.

La modernidad estética tiene su eje en la conciencia del tiempo, que se expresa en las
vanguardias, y se define a si misma por lo primitivo. Esto está dispuesto por el conocimiento
de la historia, a la cual también se opone.

Expresa las opiniones de otras personas quienes creen que el arte moderno había terminado,
por el hecho que las nuevas vanguardias hacían cosas que ya se habían hecho, tal vez con una
impronta diferente pero no nueva.

Bell planteo que la modernidad es la causante de la hegemonía de la autorrealización ilimitada,

la exigencia de una auto experiencia autentica y la subjetividad de una sensibilidad
hiperestimulada; expone que la modernidad es opuesta a las bases morales de una conducta
racional y la responsable de la disolución de la ética protestante. Sugiere que la única forma de
adquirir una identidad definida y existencia segur es aferrándose a la religión y la fe.

Mas adelante cita a Peter Steinfels, quien habla de las formas de extremismo. Dice que la
doctrina neoconservadora saca del medio la relación entre el proceso de modernización que
aprueba y el desarrollo cultural que desaprueba, y responsabiliza a esta cultura hedonista la
ausencia de identificación social y demás temas que en realidad derivan de la cultura de forma
indirecta y moderada. De hecho, las situaciones de las que protesta se originan cuando las
esferas de acción comunicativas son regidas por estándares de racionalidad económica y
administrativa, muy diferentes a los estándares de racionalidad comunicativa de las que en
realidad dependen las esferas.

Max Weber caracterizo a esta modernidad cultural como la separación de la razón expresada
en religión y la metafísica, separada en esferas autónomas ciencia, moralidad y arte. Los
problemas derivados de las viejas visiones las organizo en verdad, derecho normativo,
autenticidad y belleza.

Habla del fracaso que fue el poner en un mismo plano el arte y la vida, y que todos estos
intentos de que todo sea arte y todos artistas solo acentuaron lo que pretendía disolver las
estructuras artísticas modernas. Y, por otra parte, el intento de negar el arte, termino
legitimándolo dentro de lo que los iluministas delimitaron en la esfera de lo estético.

Menciona finalmente algunos de los errores de los surrealistas. El primero fue pretender que,
si se rompían los límites de una esfera, no se iba a dispersar su contenido. El segundo fue

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querer abrir esferas sin el proceso de comunicación de una tradición cultural, dando “libre”
acceso solo a aquellos que tuvieran un conocimiento especializado, llegando en la generalidad
solo a reemplazar la abstracción. Al cerrar el tema compara a los errores surrealistas con el
paralelo dogmatismo y rigorismo moral.

2. Desarrolle las características principales del fauvismo según la bibliografía dada.

En Paris, en 1905, se realizó una exposición grupal; la cual fue criticada por un crítico como
fauves (animales salvajes). Este grupo tuvo influencia de Van Gogh y Gauguin.

Su aspiración era ver el mundo con ojos de niño; es decir mirar todo como si fuera la primera
vez y representarla de forma original. Rechazaron todas las tradiciones académicas para
retornar al origen de la pintura, lo cual hicieron apelando al color, la mancha y la línea.

La novedad de la época fue la reducción de la forma a sus elementos más simples y

geométricos. El punto de partida de los fauves era volver a encontrar la pureza de los medios.
La luz en esta vanguardia vibra armoniosamente con las superficies coloreadas, adaptándose a
las formas.

Para ellos la realidad debe representarse exagerando los valores de superficie, la línea y el
color. Matisse por ejemplo exalta la naturaleza mediante la trasposición de colores y formas
llevando el motivo a un estado ideal. Plantean que el espacio se define como espiritual.

Para Derain y Vlamink los colores les sirvieron como cartuchos de dinamita cuya misión era
descargar luz.

2.1. Elija 2 obras fauvs y analícelas.

2.2. Relacione dichas obras con los textos dados en “Documentos para la comprensión del
arte moderno” de Hess.

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Henri Matisse, La raya verde, 1905, óleo sobre lienzo, Museo Nacional de Arte de Copenhague.

Biografía

Nació el 31 de diciembre de 1869 en Le Cateau-Cambrésis, Francia, en una familia comerciante

de granos. Se crio en Bohain-en-Vermandois, Francia. En 1887 se trasladó a París para estudiar
derecho. Comenzó a pintar en 1889 tras sufrir un ataque de apendicitis. Descubrió entonces su
vocación y decidió convertirse en artista. En 1892 abandonó su carrera de abogado y entró en
la Escuela de Bellas Artes de París.

Con la modelo Caroline Joblau, tuvo una hija, Marguerite. En 1898 se casó con Amélie Noéllie
Parayre, con la que tuvo otros dos hijos, Jean y Pierre.

Su primer estilo consistía en un convencional naturalismo. Realizó muchas copias de cuadros

de los maestros clásicos. Estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas.
Recibió influencias de Gauguin, Cézanne y Van Gogh, cuyas obras estudió con detenimiento
desde 1899.

Hasta 1904, período conocido como oscuro, realiza bodegones y paisajes de gran solidez
estructural y planos de color. En 1904 pinta Lujo, calma y voluptuosidad, en el que sigue
el neoimpresionismo, pero ya se anuncia el fauvismo, que estallará en el verano de 1905
en Colliure alcanzando una libertad y espontaneidad absolutas.

Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo
anterior. Entre estas obras destaca Raya verde, un retrato con notas expresionistas de su
mujer. Ese mismo año Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia como André
Derain y Maurice de Vlaminck. Como consecuencia de esta exposición, el grupo es bautizado
como les fauves (literalmente 'las bestias salvajes') por su uso estridente del color, distorsión
de las formas y su sentido expresionista en la captación de emociones.

Se ganó la aprobación de la crítica y de los coleccionistas, como la de la escritora Gertrude

Stein y su familia. Desde 1920 hasta su muerte, se dedicó a la pintura y al decoupage, creando
obras de un brillante colorido.

Falleció en Niza el 3 de noviembre de 1954, de un ataque al corazón a los 84 años.

Análisis de la obra

La mujer que Matisse retrata es su esposa, Amelie. El artista divide su cara en dos, coloreando
de forma diferente cada lado. Esta división está dada por una línea color verdosa que le da el
nombre a la obra.

El fondo que utilizo está compuesto por tres colores que realzan la tendencia fauvista del
pintor. En esta obra su intención era romper con la representación realista de las formas
apelando a la potencia expresiva del color.

Si buscamos información sobre este cuadro podremos leer que Matisse hizo uso arbitrario del
color, cosa que no puede ser correcto. En “Documentos para la comprensión del arte
moderno”, plantea que por más que la elección del color descansa en la experiencia de sus

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sentidos, él debe ordenar sus ideas antes de representarlas; para ello organiza mentalmente
como va a disponer los colores, las proporciones, las líneas y las formas para que todos los
signos se encuentren equilibrados. Expone que el color alcanza su máxima expresión cuando
se encuentra bien organizado.

Sus colores, en la generalidad de sus obras, se apoyaron en contrastes que eran tragados por
esos mismos contrastes, ya que les daba tanta importancia como a los colores dominantes. La
luz en su caso, tuvo una influencia oriental marcada por los crepons japoneses. En este cuadro
específicamente lo oriental se encuentra muy visible en la forma de representación de Amelie,
en sus facciones.

Maurice De Vlaminck, Recolectores de papas, 1905-1907, óleo sobre lienzo, colección privada.

Biografía

Nació el 4 de abril de 1876 en París. Se dedicó al ciclismo de competición, fue actor y trabajó
como violinista. Se inició en pintura estudiando las obras expuestas en el Louvre y en las
galerías de la calle Laffitte; el conocimiento de la obra de Vincent van Gogh sería determinante
para él.

Los experimentos pictóricos realizados junto a André Derain, unidos a los de Henri Matisse,
desembocaron en el fauvismo, movimiento del que fue el más radical exponente (Árboles
rojos, 1906).

Básicamente paisajista, realizó también bodegones, cuadros de flores y algunos retratos.

De Maurice de Vlaminck puede afirmarse que encarnó el verdadero espíritu fauvista. Rebelde
y contestatario, años más tarde diría de sí mismo: "Yo era un bárbaro tierno." Si el carácter
sereno de Matisse transformaba el color en un elemento de gozosa sensualidad, Vlaminck lo

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utilizaba como un arma que arrojar contra la tradición. De carácter vehemente y apasionado,
le movía una arrogancia airada que le llevaba a repudiar los museos y a extraer del color toda
la fuerza expresiva.

El color es liberación espontánea de lo instintivo; el lienzo, un lugar donde verter sus

emociones. Su temperamento queda registrado en la tela por una pincelada nerviosa y unos
empastes densos que potencian la agresividad cromática y la viveza expresiva y que presagian
el expresionismo.

Hacia 1908, deja de lado el color puro, otorga solidez a los volúmenes, encierra las masas en
contornos geométricos. Sobre 1915, realiza una pintura expresionista de tonos sombríos y
formas sumarias, camino que ha de llevarlo más tarde a una figuración realista.

Maurice de Vlaminck falleció el 11 de octubre de 1958 en Eure-et-Loir.

Análisis de obra

En la obra elegida se nota claramente la influencia que ejerció Van Gogh en Vlaminck, más que
nada en las pinceladas. Lo que resalta en esta obra es la característica fauvista de los colores
vibrantes con alta potencia expresiva.

Podemos notar claramente el espacio plano, sin profundidad, delimitado por planos de colores
que no cambian la saturación entre sí. También cabe resaltar el uso de los colores opuestos,
contrastados, uno al lado del otro, lo que le da la vibración óptica.

Los colores para él y Derain, como dije en el segundo punto, le sirvieron como cartuchos de
dinamita para alanzar la máxima expresividad.

El artista consideraba las cosas con ojos de niño y las representaba a través de los instintos de
su subconsciente. Su objetivo era expresar, mediante nuevos recursos, su relación con la
naturaleza, y mostrarla sin ataduras ni prejuicios. Probablemente debido a sus ideales
anarquistas, deseaba una revolución en el arte, en las costumbres, las tradiciones, lo cotidiano.

3. Desarrolle las características del grupo El Puente según la bibliografía dada.

Die Brücke es un grupo nucleado en Dresde entre 1905 y 1913. Busca experimentar e innovar,
pero también efectuar una protesta contra academicismos y rebuscamientos típicos de la Belle
Époque. Se centran en la consecución de un arte nacional ligado a su propia historia, realizar
una crónica de la vida cotidiana y sus significados, desligarse de la educación oficial y unirse
contra la sociedad burguesa. Se proponía como una unión de elementos revolucionarios y en
fermento, particularmente contra el impresionismo alemán.

El discurso del grupo respecto al orden social y la moralidad es fundamental ya que no trata
solo de voluntad sino de compromiso de cambiarlo.

Estilísticamente, podemos señalar estridentes colores, líneas caóticas y angulosas, temas

llenos de deformaciones que señalan la inquietud psíquica del autor. A pesar de su negación
del pasado les es imposible desligarse de su base y formación estando el simbolismo de Münch

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presente de forma continua. También se basan en el color de Gauguin y Van Gogh, y en las
formas del arte africano y de Oceanía.

Usaron diversos medios, reivindicando el uso de la xilografía, lo que determinó que en su arte
se produjera rigidez y angulosidad en los contornos. Recuperan la xilografía porque quieren
recuperar el pasado glorioso alemán, también porque es una técnica puramente artesanal.

Este grupo se caracteriza por la homogeneidad estética, pero sobre todo se constituyó como
una comunidad, en la que todo era compartido, ya que estuvieron viviendo juntos por un
tiempo dentro de una fábrica.

El grupo quería crear un arte que no imitase la realidad, sino que creara una nueva realidad,
resultado del espíritu del artista y de su necesidad de expresión. Consideraban que el realismo
solo puede imitar realidad, no crearla. Para crear realidad se debe volver a partir de la nada.
Para ellos la obra no reproduce, sino que materializa la imagen, de acá proviene la elección de
colores que no responde a ningún criterio de verosimilitud.

Proponían una nueva forma de vivir, la unión entre el mundo interior y la naturaleza, ya que el
arte había estado separado de la vida y no reflejaba las emociones de sus creadores. Desean
representar al hombre en unión con la naturaleza.

El primitivismo para ellos es in referente, pero no de originalidad ni autenticidad, sino como

trabajo humano más puro y pleno.

La suma entre el desnudo, el paisaje y la vida cotidiana fue su principal temática; después
comenzaron a ilustrar escenas de baile o elementos arquitectónicos. Este cambio ya apunta a
la búsqueda de un mundo diferente al que darán forma definitiva al trasladarse a Berlín, donde
el entorno urbano se convertirá en el protagonista de los cuadros.

En 1913 "La crónica" de Kirchner provoca la disolución de este grupo de artistas. Aunque las
discordias internas fueron la causa inmediata del fin del grupo, la raíz más profunda se basaba
en la madurez individual que habían alcanzado sus integrantes.

Los miembros lograron el cambio estilístico que buscaban, crearon un nuevo arte alemán, pero
más que nada como artistas consiguieron evolucionar y cada uno logró un desarrollo y un
estilo individual característico.

3.1 Elija una obra de Kirchner y una de Heckel y analícelas.

3.2. Relacione el análisis de la obra de Kirchner con su texto en “Documentos para la

comprensión del arte moderno” de Hess.

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Ernst Ludwig Kirchner, Calles de Dresde, 1908, óleo sobre lienzo, MoMA, New York, EE.UU.

Biografía

Nació el 6 de mayo de 1880 en Aschaffenberg, Bavaria. Cursó sus primeros estudios en

Chemnitz, ciudad sajona, en cuya Escuela de Artes Aplicadas su padre había conseguido una
plaza de profesor. En 1901 ingresó en la Facultad de Arquitectura de la Escuela Técnica
Superior de Dresde. En el invierno de 1903 asiste en Múnich al Taller Experimental para Artes
Puras y Aplicadas; allí entra en contacto con el exotismo asociado al Jugendstil. Se interesa por
el neoexpresionismo y por pintores como Henri de Toulouse-Lautrec, Félix Vallotton y Vincent
Van Gogh. En Nurenberg apreció las xilografías de Alberto Durero.

En 1904 vuelve a Dresde y continúa sus estudios; pinta con Fritz Bleyl, Erich Heckel y Schmidt-
Rottluff, con quienes funda Die Brücke en 1905.

En 1910 conoce a Otto Mueller en Berlín, adonde se traslada junto con algunos miembros de
Die Brücke, y se une a Max Pechstein en la fundación de MUIM.

En Berlín, Kirchner descubriría el tema de la gran urbe con las calles llenas de gente, los
escaparates y las luces; y lo traspasó a la tela con una vitalidad que refleja el bullicio optimista
de la ciudad, transmitiendo una sensación que no empañan el oscurecimiento del color y el
drástico endurecimiento del dibujo, con los contornos rotos y los personajes convertidos en
formas agudas.

En 1915, como consecuencia de la Primera Guerra Mundial, Kirchner sufrió una grave crisis
física y psíquica que lo llevó a retirarse a Suiza, cerca de Davos, donde permanecería el resto
de su vida pintando con un cromatismo de renovada agresividad.

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Su trabajo a finales de los años veinte se fue haciendo cada vez más abstracto. Los nazis lo
consideraron un artista degenerado y, en 1937, confiscaron 639 de sus pinturas.

Ernst Ludwig Kirchner se suicidó el 15 de junio de 1938 en Davos, Suiza.

Análisis de obra

En esta obra las figuras aparecen deformadas, sin volumen, y los colores planos, estridentes,
que no corresponden con la realidad objetiva. Además, se nota la importancia de lo decorativo
y el gusto por las tramas.

La perspectiva se percibe deformada, rebatida. Esta perspectiva se da por el uso del color, la
superposición de figuras y la línea recta de la vía del tranvía.

El artista transmite la modernidad alejada de la realidad a través del color. El conjunto

presenta una mezcla de colores fríos yuxtapuestos al rojo y al rosa, pertenecientes a la gama
cálida. Hay altos contrastes de color, por ejemplo, el amarillo del saco de la mujer y su pollera
azul.

El color emerge de las manchas oscuras; este color es acido, quebrado; hay colores saturados y
sucios.

En la obra sobresale que todo está continuado por una línea curva en los contornos, acá se
nota la influencia de Münch, quien a su vez fue influido por el Art Nouveau y su característica
línea curva.

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Erich Heckel, Figura reclinada en tela negra, 1912, xilografía, Franz Marc Museum, Stiftung Etta
und Otto Stangl, Alemania.

Biografía

Erich Heckel nació el 31 de julio de 1883 en Döbeln. Fue un pintor expresionista alemán
fundador del grupo Die Brücke.

La profesión de su padre, ingeniero de ferrocarriles, obligaba a la familia a desplazar su

residencia con frecuencia; asistió a la escuela elemental en Olbernau y a escuelas de gramática
en Freiberg y Chemnitz, donde conoció a Schmidt-Rottluff. Entre 1904 y 1906 estudia
arquitectura en la escuela técnica local, donde conoce a Kirchner. Al dejar la escuela trabajó en
el estudio del arquitecto Wilhelm Kreis.

En junio de 1905, junto con Schmidt-Rottluff, Kirchner y Bleyl, fundó el grupo expresionista Die
Brücke; jugó un papel fundamental en la cohesión del grupo, que se mantuvo unido hasta
1912. El grupo realizó numerosas exposiciones en Alemania; Heckel hizo su primera individual
en 1913 en la galería Fritz Gurlitt de Berlín.

Durante la guerra se presta voluntario en la Cruz Roja y en su unidad conoce al historiador

Walter Kaesbach. Su obra de los años veinte refleja la influencia de la Nueva Objetividad que,
en combinación con el expresionismo de sus primeros años, marcará su estilo hasta su muerte.
En 1937 su trabajo fue censurado por los nazis como arte degenerado y le fueron confiscadas
729 obras. Su estudio de Berlín fue destruido en un bombardeo aéreo, desapareciendo con él
muchas obras, sobre todo dibujos.

Después de la Segunda Guerra Mundial Heckel vivió en Hemmenhofen cerca del Lago
Constanza, enseñando en la Academia Karlsruhe hasta 1955. Siguió pintando hasta su muerte,
en Radolfzell, en el año 1970.

Como la mayoría de los miembros de Die Brücke, fue un prolífico artista gráfico, con
465 grabados en madera, 375 aguafuertes, y 400 litografías descritas en
el catálogo raisonné Dube, de las que más de 200, sobre todo aguafuertes, datan de los
últimos siete años de su vida.

Análisis de obra

Esta es un tipo de obra característica del grupo El Puente debido a la técnica utilizada,
xilografía. Con esto el artista pretendía reivindicar lo artesanal y de alguna manera recuperar el
pasado glorioso de su nación.

Estilísticamente corresponde al grupo expresionista por los trazos angulosos y el uso de

colores subjetivos. Utiliza colores rítmicos, complementarios. Suele colocar aguarrás en la
materia para generar un efecto diferente.

Se presentan grandes planos de color sintetizados. La imagen se representa muy simplificada y

con deformaciones. Además, le da importancia a lo decorativo dentro de la simplicidad de la
obra. Se percibe también la influencia del arte africano y oriental.

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Bibliografía

HABERMAS, Jürgen, “Modernidad: un proyecto incompleto”.

HESS, Walter, “Documentos para la comprensión del arte moderno”, Buenos Aires: Ediciones
Nueva Visión.

https://www.biografiasyvidas.com/

https://www.buscabiografias.com/

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