UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO

Facultad de Artes y Diseño | Divisón de Educación Continua

MEMORIA DE INVESTIGACIÓN - PRODUCCIÓN

Diplomado: Ilustración Animada para Plataformas Digitales | Período 2023-1

Presenta: Juan Ramón Mejía Chávez.

Responsable académico: Gerardo Fabián Dávila Rocha.

Proyecto: La Influencia del Impresionismo

en la Ilustración Digital del Largometraje “Entergalactic”
ÍNDICE
Introducción 1

Planteamiento del Problema 2

Objetivos y Metas 3

Antecedentes 4

1. Impresionismo. 5

1.1 Discurso artístico del Impresionismo 7

1.2 Características de la pincelada expresiva en el Impresionismo 9
1.3 Técnicas plásticas que caracterizaban al impresionismo 11

2. Ilustración Digital. 15

2.1 Concepto de Ilustración en Diseño y Comunicación Visual 15

2.1 ¿A qué se le llama Ilustración Digital?. 17
2.2 La trascendencia de la Ilustración Digital en el Cine 19

3. Características Impresionistas en el largometraje Entergalactic 24

3.1 Observaciones descriptivas del impresionismo en los personajes y escenarios de Entergalactic 25

3.2 Lenguaje del Color en las composiciones de la película Entergalactic 30

Índice de imágenes 34
Fuentes de consulta 37
INTRODUCCIÓN

Hace tiempo he notado que en la ilustración digital, los

ilustradores han tratado constantemente de generar una
comunicación plástica específica por medio de los pinceles
digitales. Esto gracias a la versatilidad que actualmente tienen los
softwares para poder diseñar brochas. Me he percatado que en
muchas proyecciones gráficas, pareciera que la corriente
artística reflejada en las influencias de los ilustradores digitales es
el Impresionismo.

De tal manera, me parece importante retomar la

corriente y aterrizarla en el última proyección animada que hace
unos día presencié. Entergalactic; es un film que me atrajo debido
a la expresión en las características de sus personajes, así como
de estar influenciado por una cultura norteamericana Hip-Hop.
Planteamiento del Problema.

Actualmente el desarrollo de las tecnologías digitales han duro de perfeccionarse constantemente; en contraste con los
generado un alto impacto dentro del campo del diseño gráfico y «artistas» que viven de las instituciones oficiales, del oropel de la
la ilustración. Es increíble percatarse de los relatos y evidencias curaduría y los currículums inflados, que «mandan hacer sus
de diseñadores del siglo pasado, donde expresan lo complejo que obras y que ya no saben siquiera agarrar el lápiz».
era hacer la producción diseñistica, desde generar una tarjeta de
presentación de 9 x 5 cm para impresión en Offset, hasta la Partiendo de esta necesidad de conciencia, es que me parece
creación de un espectacular, pareciera que durante el siglo XXI importante hablar de ello, en particular de lo que me ha llamado
hemos empezado a experimentar el futuro de la tecnología, en la atención; donde he notado un amplio reflejo de las técnicas
cuanto a la comunicación visual. expresivas de los pinceles en las ilustraciones digitales
contemporáneas.
El avance de los softwares evidentemente ha sido circunstancial,
como herramienta para los diseñadores, inclusive me atrevería a
decir que nos ha hecho extremadamente dependientes de ello, a
veces me he percatado que muy pocos diseñadores siguen
utilizando el lápiz y el papel, como herramientas básicas para la
expresión de la creatividad. Esto ha generado inclusive que
comencemos ha utilizar dichas herramientas sin siquiera
ponernos a pensar de dónde se originan o a qué se debe su
creación, pienso que es sumamente importante tener una
conciencia de ello y saber el origen de las herramientas que
como diseñadores o ilustradores utilizamos. Es por eso que me
parece crucial hablar de las corrientes artísticas que en la
actualidad se ven reflejadas en las técnicas de la Ilustración, cómo
dice Gabriel Martínez Meave, en un posteo de Facebook:

« Los verdaderos herederos de los viejos maestros somos los

ilustradores, los comiqueros, los tatuadores, los buenos pintores
y dibujantes de hoy: aquellos a los que todavía nos preocupa la
composición, la narrativa, la técnica, la expresión, la luz y eltrabajo

2
Objetivos y metas.

Objetivo General:

Generar un contenido que cree una visión de la importancia

presencial de los movimientos artísticos antiguos en la
producción de ilustración modernos.

Objetivo Particular 1:

Generar una propuesta con base a imágenes y descripciones que

demuestren una comparación específica entre la corriente
Impresionista del siglo XIX y las ilustraciones digitales actuales.

Objetivo Particular 2:

Utilizar la película Entergalactic como muestra para ejemplificar

la importancia de las texturas generadas a través de pinceles
digitales, basados en la corriente pictórica del Impresionismo.

3
Antecedentes

La ilustración es una rama de la comunicación visual con gran
importancia, ha ayudado durante mucho tiempo, para la
generación de carteles y publicidades de toda índole; desde
propaganda religiosa hasta la promoción de burdeles o láminas
detalladisímas de descubrimientos científicos y esquemas
anatómicos.
Durante el desarrollo de la historia del arte; la ilustración iba
tracendiendo de manera paralela, la mayoría de los ilustradores
de época, en su momento, eran reconocidos primeramente
como Artistas Plásticos, y utilizaban los recursos pictóricos para
generar la producción de encargos, que les dejaban dividendos
más prontos. Tal es el caso de Toulouse Lautrec, artista
impresionista revolucionario que trascendería al expresionismo,
el cual se caracterizaba por tener obra enfocada en la publicidad
de burdeles. Salvador Dalí, a quien se le considera el diseñador
del logo de la paleta, Chupa Chups o Andy Warhol que ya tenía
una intención de que su arte trascendiera mucho más allá que la
expresividad de las emociones humanas, o sirvieran a las
complacencias de cualquier encargo aristócrata, demagógico o
clérigo del momento.
La Ilustración iba reclamando un campo muy especifico en la
publicidad, pero también en el cine, las técnicas de
representación plásticas eran importantes en el desarrollo de
personajes y de escenarios, sería prácticamente imposible
suponer que los artistas que se formaron en la academia y que
entendían los conceptos técnicos de la época, se divorciarían de
ello. Es por eso que es común observar ejemplos de corrientes
artísticas en la publicidades impresas, el cine o las caricaturas.
Vemos por ejemplo como en animaciones de la Warner Bross se
empleaban composiciones oníricas relacionadas al surrealismo,
composiciones enfocadas en lo gótico o el Art Déco, como el la
caricatura de Batman.
Como concepto, la ilustración siempre estará permeada de las
características plásticas que ha generado para crear un lenguaje
estético y propositivo de las emociones humanas. La actualidad
sigue mostrando claros tintes de eso, y es de suma importancia
reconocerlos, para comprender el origen de las composiciones y
hacía dónde queremos dirigirlo.

Con la revolución de imágenes publicitarias, durante el siglo XX,

el arte pictórico se iba adecuando cada vez más a la publicidad,
los dibujantes de letras, los retocadores de fotografía y los
pintores artísticos generarían una mezcolanza que transmitiría
todo su lenguaje de la Academia y de los oficios, para dar origen
a la especialización de la técnica enfocada hacía los intereses del
mercado que demandaban una amplia comunicación para
generar una atracción hacía las masas.

4
1. Impresionismo
Cuando era adolescente, durante mi paso por la secundaria tuve
mi primer acercamiento con unos gises pasteles, para este
momento lo único que solía emplear para dibujar eran lápices de
colores, bolígrafos, rotuladores y a veces acrílicos. Mi maestra de
artes nos pidió reproducir una obra que venía en un libro de arte
que nos había encomendado comprar, aquella ilustración era una
pieza de Monet de su serie de Almiares. En la instrucción,
recuerdo que Regina, la maestra, hizo mucho énfasis en que nos
divirtiéramos con el color, que no nos acomplejáramos y nos
guiáramos por nuestra intuición; palabras más, palabras menos.
Otra recomendación más fue; –¡Queda estrictamente prohibido
usar el color negro!, después de oír eso me sorprendió mucho,
pues yo acostumbraba a usarlo. Al entregar mi trabajo le hice
muchas preguntas y dentro de las respuestas una de las que me
llamó la atención fue cuando me dijo que los impresionistas eran
“Los rechazados del arte académico del siglo XIX”.
Probablemente nunca olvidaré esa definición, así como lo grato
que me pareció conocer una obra de Monet cuando era
adolescente.
Sin duda, este rechazo, promovido por los artistas academicistas
apegados a los cánones occidentales y aristocráticos fue el
parteaguas para el surgimiento de artistas que tenían la intención
de desapegarse de lo antiguo, para trascender con obras que no
debían entenderse ni percibirse de manera literal, sino como una
construcción homogénea en la que el color era fundamental,
5
acompañada de la expresividad plástica de los materiales, que
brindaban para producir una sensación. Generar una impresión.
El impresionismo se originó como una necesidad, debido a que la
época estilística del canon y el apego a la composiciones realistas
empezaban a convertirse en anticuadas para la visión de una
nueva estirpe de artistas, apegados a las nuevas condiciones que
el contexto del siglo XIX demandaba. Todo esto en medio de un
proceso socieconómico efervecente de occidente, que apelaba a
una nueva economía, así como una nueva dirección dentro del
modelo de producción. Francia vería nacer al impresionismo
dentro de una sociedad que empezaba a forjar un nuevo carácter
individual respaldado por los ideales de su revolución un siglo
antes, particularmente el de libertad, asi como un desapego a la
secularización de la ideas. Además que el país proclamaría su
segunda instauración de un regimen de corte repúblicano en
1843.
Todas estas circunstancias llevaron a la sociedad francesa a un
proceso de modernización, y de un estado de conciencia de
libertad e individualismo, mismos que proyectarían en sus
visiones y composiciones plásticas.
Ilustración 1: “Grainstack in the Sunlight”, 1891. Óleo sobre lienzo. Colección privada.
https://imagenes.elpais.com/resizer/11of0R-WlMI6QexkCDlCW3TdbTc=/1960x0/arc-anglerfish-eu-central-1-prod-prisa.s3.amazonaws.
com/public/BKMYKUE7NBTRKUBKOWDZYRXZVU.jpg

6
1. Discurso artístico del Impresionismo

Los temas de los impresionistas podían parecer básicos, hasta de los críticos durante ese siglo, estaba permeada por la opinión
cierto punto, unas de las carcterísticas de los pintores academica, quienes apelaban al discurso de realizar pinturas casi
impresionistas era tomar el caballete y dirigirlo a la campiña, al fotográficas. Aquella críitica atrajo la mirada de gente de todo
salón de balet, al burdel o simplemente plasmaba una tarde en el tipo que se dirigió a El Salón de los Rechazados, espacio que
parque, o alguna avenida francesa, con la intención de trasmitir un posteriormente sería considerado como un recinto para lo que
complejo lenguajes plástico por medio del color y la luz. Una de los críticos denominaría Arte Moderno.
las características fundamentales en el discurso pictórico del
impresionismo radicaba en el balance armónico de los colores
primarios para así expresar de una manera fantastica, las
compisiciones que todo el tiempo estaban frentre a ellos, pero el
grueso las percibía como monotonas, cosa que los impresionistas
solucionaban no por el magnifico dibujo naturalista que exigía la
academia, sino por la plasticidad y fluidez en el manejo de sus
pinceladas, así como su increíble habilidad para yuxtaponer las
pinceladas de óleo o acuarelas, minuciosamente pensados para
generar planos, volumen y texturas.

Se ha mencionado en indefinidas fuentes que la primer obra del

impresionismo pudiese ser la del pintor Édouard Manet;
Almuerzo sobre la hierba (Le Déjeuner sur l’herbe) en 1863,
aunque aparentemente fue hasta poco más de diez años después,
con las exposición de los Independientes, y por una obra de su
homologo Claude Monet que el grupo de los artistas como
Renoir, Degas fueron denominados sárcasticamente como Los
Impresionistas con base a la obra de Monet; Impresión, Sol
Naciente. Dicha crítica fue publicada por un periodista; Louis
Ilustración 2:
Leroy, quien fue demasiado duro con su opinión sobre aquella
https://educacion.ufm.edu/edouard-manet-almuerzo-sobre-la-hierba-ol
muestra, los consideró de malos pintores, además de exponerles eo-sobre-lienzo-1863/
como artesanos con pocas cualidades artísticas, ya que la visión Édouard Manet, “Almuerzo sobre la hierba”. Óleo sobre lienzo, 1863

7
Algunos autores deducen que el impresionismo fue la corriente
artística que dio pauta a la modernidad en el arte. Jordi González
Llàcer define temporalmente la pintura moderna como aquella
que;

«ocupa el espacio que va desde el fin del impresionismo,

considerado la última fase del realismo decimonónico, hasta la
aparición de las primeras vanguardias del siglo XX1».
Contrastando con la definición aludida, Calvo Serraller (1948),
asegura que el arte moderno comenzó aproximadamente desde
principios del siglo XIX y dependió de un cambio en la
concepción de los valores que encerraba la obra de arte, así
como de una transformación respecto a la idea de que ésta
valdría en tanto fuera bella2».

Es así como aquella exposición pasaría a darle reelevancia a una

nueva visión artística caracterísitica de un nuevo contexto, el cual
obliga a vivir con apertura y no despreciar los actos de “rebeldía”
que cuando son enfocadas, conllevan a una visión revolucionario
y de cambio.
Ilustración 3:
https://www.infobae.com/cultura/2020/04/24/la-belleza-del-dia-impresion-sol-naci
ente-de-claude-monet/
"Impresion, sol naciente" (1872) de Claude Monet

1. Suarez Zamudio, Genoveva. (2007). “El impresionismo en las obras : Estacion San Lazaro de Monet, en el Cafe de Degas y Baile en el Moulin de la Galette
de Renoir”. (Tesis de Licenciatura). Universidad Nacional Autónoma de México, p.4
2. Ibíd.

8
1.2 Características de la pincelada expresiva en el Impresionismo.
Una de las peculiaridades que caractrizaban a los impresionistas
era su intencionalidad por describir la vida moderna de la cual
estaban siendo testigos. Hubo un avance notorio, en el proceso
industrial, pero no sólo en ese ámbito se veía un avance, pues las
ideas de la sociedad comenzaban a tener una nueva dirección
dentro del contexto. Como tal, la inquietud de plasmar el
momento, los obligaba a salir del estudio y centrarse en plasmar
lo que los colores les transmitían, lo que el ambiente les
comunicaba. Debían ser muy habiles describiendo el momento
con pinceladas audaces, dotadas por la intensa curiosidad del
estudio del movimiento en el contexto, así como de la mezcla de
los colores, que en más de una ocasión se utilizaban directo de
tubo.
Cabe mencionar, que las cualidades de lo materiales en ese
momento, empezaron a evolucionar en consistencia y en las
condiciones de su embasado, pues la producción industrial que
estallaba, provocaría que los materiales pudiesen ser de mayor
maleabilidad y mejor estabilidad a la hora de tenerlos a la
intemperie, pero esta carcaterística, la describiré mejor en el
siguiente subtítulo.
Una de las tantas caracteristícas que llevaría a la tracendencia a
los impresionistas y que los distinguirían de los artistas realistas,
era la cualidad de sobreponer las pinceladas, en lugar de utilizar
la degradación. La yuxtaposición de colores, magentas, amarillos
y azules crearían una nueva concepción en la proyección de luz
y la atmósfera. El impresionista iba a seleccionar la paleta de
colores de acuerdo a la hora del día, el encuadre que iba a generar,
9
pero también al estado de ánimo por cual atravesaba al percibir
la ciudad, la pradera, el salón o cualquiera que fuera el evento. Por
medio de pinceladas cortas y cargadas de pintura, el artista
podría describir y transmitirle al observador inclusive las
texturas de las que era testigo, todo esto cargado de una
espontaneidad, pues parecería que sus composiciones no eran
ensalladas, simplemente eran transmitidas tal cual. Por medio de
la pincelada, cada autor, empezaría a generar un lenguaje, cada
cual tendría una conciencia en sus pinturas, así como una
emocionalidad. Empezaríamos a ver una psicología en los colores,
pues existirían emociones y sentimientos en ellas. De esta forma
descubriremos que no es lo mismo una composición de Monet
frente a la de Pissarro.Ya que cada uno representaba sus pinturas
de manera única, inclusive la paleta de colores en Monet
observaremos que esta permeada por el lenguaje pictórico del
realismo, pues abundan los colores verdes, ocres en comparación
de Pissarro, quien se acerca más a una expresividad del color,
dirigida hacia la representación de la tonalidades de los colores.
Los impresionistas en su intensión por transmitir pinturas vivas,
además de cambiar la macanicidad de la academia en sus
pinceladas, por la inmediatez del momento, tratarían de explotar
la tonalidad en sus paletas, de está forma su máxima intensión
sería traernos la concepción física de la ondas de luz que
reflejaban los objetos, de ahí que evitaran a toda costa el uso del
color negro.
 Ilustración 4: El Jardinero , Tarde Sol , Eragny.
Camille Pissarro (1899).
Óleo sobre lienzo
https://es.artsdot.com/@@/8EWDLM-Camille-
Pissarro-el-jardinero-,-tarde-sol-,-Eragny
1.3 Técnicas plásticas que caracterizaban al Impresionismo.
Como mencioné anteriormente, los impresionistas fueron muy
inquietos en cuanto a la proyección de discursos pictóricos que
describieran su monotonía, de la manera en que ellos la percibía
por medio de la armonía de sus paletas de color. Podría decir que
el pintor Impresionista trasmitía con sus óleos las empciones
que percibía del ambiente, trataba de generar un equilibrio entre
color y composición. Así tenemos dentro de los cuadros
atardeceres con increíbles descripciones del arrebor del cielo;
colores cálidos, amarillos, rojos y magentas, en armonía, que
generaba movimiento en sus lienzos. Pareciera que los pincelazos
cargados de pinturas óleo y casi espontáneos generaban
siempre movimiento en las obras, me atrevo a decir que no eran
obras estáticas. Algunas veces los puntos de pintura, provocadas
por algún pincel redondo, invadían el espacio de la obra, en
saturación, y que de cerca parecerían insignificantes, pero a la
distancia emitirían una armoniosa tarde parisina en el parque o
en el río. El pintor del impresionismo sería un revolucionario al
explotar los nuevas herramientas de la época.
A la hora de pintar se solían utilizar materiales que permitírían la
prontitud al plasmar la espontaneidad y naturaleza del momento,
pues en décadas pasadas, lo materiales regularmente no
permitían gran alcance al trasladarse de un lugar a otro, pues su
recipientes tenían una pésima estabilidad, algunas veces los
pigmentos solían ser mezclados por los apredices y dichos
materiales, tendían a secarse si no se usaban dentro de un taller.
Es así que la modernidad en los modelos de producción de los
países como Francia, lograron simentar bases en el mercado que
promovieran, además, la producción de nuevas materias
11
capitalizables que trajeran consigo una nueva forma de conservar
los pigmentos. De este modo un Seurat podría ser pintado frente
al parque o el arrollo, pues se empezaba a contar con
contenedores de estaño que mantenían en buen estado los
óleos. La manufactura de aglutinantes, aceites y fijadores,
lograron una progresión en los pinturas, mismo que propició una
nueva manera en la técnica de representación, y no es que los
impresionistas fuesen creadores del método de pintura a la
intemperie, pues un siglo antes William Turner realizaba marinas
con una intención muy similar a la de los impresionista. Sino que
se volvío en una constante.
Las acuarelas, las barras de pasteles, o los gouaches fueron
implementadas mucho más allá que en el proceso de bocetado
de una obra, dentro de esta corriente de arte, los materiales que
en su momento funcionaban como básicos, ahora conformarían
obras, siempre explotando la máxima descripción que los
materiales dejarán sobre el soporte, convirtiéndolo en una pieza.
Como podemos darnos cuenta la maleabilidad de los materiales
ayudaría a los nuevos procesos a tener una captura del momento.
Ilustración 4: https://www.guggenheim-bilbao.eus/exposiciones/serra-seurat-dibujos
Georges Seurat
Hombre recostado (studio para “Baño en Asnières”) [L’homme Couché (étude pour “Une Baignade, Asnières”)], 1883–84
Crayón conté sobre papel 24.5 x 31.5 cm Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Sammlung Beyeler Foto: Peter Schibli
En esta obra es muy sencillo percibir la textura que el Crayón Phillip Ball, meciona que lo que determina el uso del color en el
dejo sobre el papel, generando además profundidades gracias a la arte está determinado por los materiales de que se dispone el
muy detallada observación de la incidencia de la luz sobre el artista tanto o más que por sus inclinaciones personales y el
cuerpo. Es muy interesante la descripción que nos ofrece la contexto cultural4.
postura del modelo, así como se prestan las líneas para suponer
pliegues en su ropa. En este caso la pruducción industrial propiciaría una nueva
presentación de materiales, mismos que vieron nacer un nuevo
La nueva conciencia en el artista durante esta etapa moderna se discurso pictórico que modernizaría el acontencer artístico. Pues
drigía hacía la busqueda en la captación de la naturaleza al permitirían que artistas como Degas plasmará la dinámica, del
momento. En palabras de Arnold Hauser señala no pareciera que ballet, así como la estética que todo esta danza acompañaba a sus
exista disparidad entre naturalismo e impresionismo, ambas bailarinas; perfectamente logradas, con base a las texturas y
parecen desarrollarse de manera paralela. pigmentos que unos simples pasteles dejaban sobre los cartones
del autor. Estos utencilios tan sencillos de llevar consigo,
«es imposible establecer unas distinción histórica o conceptual provocarían la inquietud de dejar registro del momento que vivía
tajante3» el autor impresionista. Proyectando emociones por medio del
color.
Así tenemos que en la pintura denominada como parte de la
modernidad e impresionista, atiende a un discurso forjado desde
la descripción naturalista del ambiente. En sus temas abundarán
contenidos de índole cotidiano, paisajes de carácter urbano,
campirano o marinos, cambios de clima, momentos del día como
atardeceres, anocheceres, en donde la diferencia con el
naturalismo radicará en sus paletas de colores, pues en el
naturalismo la paleta de colores se mantendrá dentro de la gama
de verdes, cafés, y ocres, mientras que en el Impresionismo los
tonos azules, magentas y amarillos abundarán, así como el uso de
colores secundarios como el naranja, el verde y el violeta.

3. Arnold Hauser, Historia social de la literatura y el arte: desde el

Rococó hasta la época del cine, Dabte, Argentina, 2002, p.419.
4. Phillip Ball, La invención del color, Turner-Fondo de Cultura Ilustración 5: Uno de los primeros tubos de estaño con pintura óleo.
Ecónomica, Madrid, 20001, p.23. https://www.ttamayo.com/2019/02/arte-impresionista-olimpia-manet/

13
 Ilustración 6: Edgar Degas
https://arthive.com/es/edgardegas/works/5263
Ballerina_in_orange_packsTécnicTécnica:
Pasteles sobre papel
Fecha de creación: 1901
Tamaño: 76.8×57.8 cm
2. Ilustración Digital.
La ilustración es una actividad muy antigua que ha tenido un
importante papel dentro del discurso narrativo plasmado sobre
el plano bidimensional, el artista encargado de decorar o el
mismo escribano de los manuscritos de esa época, explotaba su
capacidad creativa para representar figurativamente de manera
bidimensional lo que se observaba o se imaginaba sobre el
soporte.
2.1 Concepto de Ilustración en Diseño
y Comunicación Visual.
La Ilustración en la actualidad va más allá de un elemento de
decoración, pero cabe mencionar que también puede realizar la
acción de atraer la atención. En la actualidad existen distintos
tipos de ilustraciones; de entretenimiento, imaginativa o realista
y la enfocada hacía los temas de objeto técnico-científico5 esta
última siendo la que nos interesa en específico. La ilustración
desempeña un grado de objetividad como herramienta de
reforzamiento al proceso cognitivo, por lo tanto a partir de los
descubrimientos de las ciencias cognitivas, la imagen ha adquirido
un papel fundamental dentro de la pedagogía en cuanto
aprendizaje y la memorización en la didáctica.
5. Brian Lewis. Introducción a la ilustración. P.11
6. Coyote Rivera María Guadalupe sustentante. La ilustración Científica de Cráneos Trofeo en la región del Tajín: recontrucción facial. Tesis para
obtener el Título de Licenciado en Diseño y Comunicación Visual. P.19.
15
En palabras de Michael Fleishman:
«La ilustración es el puente entre los ojos de la mente y los
lentes de la cámara; el ilustrador constituye ese puente cuando
una idea reta a la cámara más allá de sus capacidades. Cuando un
concepto dicta lo que hay más allá de la realidad, el salto hacía la
ilustración hace que comience el proceso intelectual de capturar
lo fantástico, de crear un mundo donde la realidad sólo se
controla por la imaginación de una persona a través de un
medio6» (Becerra:4)
De Fleishman rescato la peculiaridad de apuntar la visión del
ilustrador con una mirada intelectual donde la cámara no logra
desarrollarse, discurso que he defendido desde el subcapítulo
anterior, no es porque tenga algo en contra de los dispositivos
fotográficos, al contrario, aprecio todo material tecnológico que
ayude a la realización de una imagen con diferentes categorías
estilísticas , pero defiendo constantemente la visión que el
ilustrador ha logrado desarrollar, de manera que puede ser capaz
de imaginar contextos únicos y fantásticos, así como de plasmar
el detalle mínimo que se le ha escapado hasta al que
constantemente se encuentra inmerso en esa realidad.
Las ilustraciones deben focalizar las características esenciales del
concepto y representar sus principales relaciones conceptuales,
por lo que se hace necesario clasificar las imágenes de acuerdo a
su función en el texto y con la percepción del usuario de su
relación con el concepto que representa (Tercedor, López y
Robinson).7
Notamos aquí una importante referencia en cuanto a la
existencia entre relación y función imagen/texto, es importante
resaltar que la actividad del ilustrador será reforzar un
conocimiento por medio de esquemas, gráficos, diagramas
etcétera, pero se debe cuidar la relación que estos tengan en
cuanto al concepto textual que maneje, de manera que la
ilustraciones no será realizadas de manera aleatoria, sino
apegadas a las necesidades de determinado contenido escrito.
Esta misma idea es reforzada por Pinto al referirse en general a
las imágenes que acompañan la descripción lingüística como
comunicativos visuales dependientes de los propósitos e
intereses del emisor capaces de informar, persuadir o expresar
belleza. La ilustración se caracteriza por la utilización de técnicas
artísticas tradicionales. Pero además la imagen llamada ilustración
tiene la importante función de transmitir, comunicar al hombre y
por esto se le considera como un «arte al servicio de la
comunicación» (Terrence Dalley)8 a diferencia de una pieza
artística que fue generada de manera libre bajo criterios únicos
del autor, las ilustraciones estrictamente serán condicionadas
mediante lineamientos establecidos que generen un y/o
complementen un discurso gráfico.
La ilustración puede ser complemento o protagonista narrativo
en publicaciones que contienen una serie de características
7. Juan Antonio Prieto Velasco. Traducción e Imagen: La información visual en textos especializados. España 2009. P.80
8. Coyote Rivera María Guadalupe sustentante. La ilustración Científica de Cráneos Trofeo en la región del Tajín: recontrucción facial. Tesis para
obtener el Título de Licenciado en Diseño y Comunicación Visual. P.21.
16
fundamentales del diseño y el arte que al ser conjugadas crean
una armonía para producir un mejor entendimiento de lo que
por medio de la teoría pretende demostrar una disciplina o
materia, de manera que la ilustración no es un acto aleatorio
preciso únicamente de inspiración o sentimiento humano. Como
algunos autores la han tratado puede ser inanimada o animada, ya
que dentro del desarrollo tecnológico la imagen ha ido
adaptándose a los avances tecnológicos y con ello pasó de ser
inmóvil a ser proyectada de manera móvil, inclusive a logrado
trasladarse del plano bidimensional, que en su época fue
complejo de dominar, ahora a ser proyectada de manera
holográfica representado en el plano tridimensional.
En cuanto al ilustrador, este debe valerse de la mayoría de las
técnicas que a su capacidad maneje, para obtener un mejor
mensaje que comunique y especifique distintos criterios que la
materia necesite representar. Es importante tener en cuenta que
las herramientas evolucionan y el ilustrador debe ir adaptando
sus técnicas para hacer progresar la ilustración de manera
gradual dentro del campo de la información, en el presente
existen softwares que ayudan a dar un mejor formato a la tarea
del especialista en ilustrar, con esto generar un mensaje que
contenga un lenguaje mucho más pulcro y elaborad, concibiendo
así a la ilustración como elemento comunicativo fundamental de
un proceso de comunicación visual.
2.2 ¿A qué se le llama Ilustración Digital?.

Después de haber tratado de dar un panorama con base al En cambio la imagen expresada por vectores es aquella, que
sustento de algunos autores, respecto a la ilustración y su consiste en plastas uniformes o degradadas e inalterables al
importancia dentro de la Comunicación Visual, me situaré en la momento de ser escaladas a dimensiones mayores. Estas
intención de permitirme describir, algunos conceptos de lo que composiciones generadas por plastas y líneas son traducidas por
denominamos Ilustración Digital. un un método de descripción matemática diseñado por Pierre
Bézier en la década de 1970. 10
Este concepto se ha venido manejando desde el surgimiento de
ordenadores y a su vez softwares que ayuden a la producción de
las mismas. Las computadoras han funcionado como
herramientas para una nueva reproducción de imágenes con
base a pixeles y vectores. Dentro de este apartado no
profundizaré demasiado en cuanto a los conceptos de pixel y
vector, pues no es una de las intenciones del presente trabajo. Lo
que cabe la pena rescatar en cuanto a las formas generales es que
un pixel es la unidad más pequeña que conforma una
composición que produce una imagen, expresada en un mapa de
bits. Ilustración 8: Representación Ilustración 9: Representación
vectorial de Polígono. en Pixeles de Polígono.

«Cada bit posee un valor, que puede variar entre 0 y 1 –en

función de la cantidad de energía eléctrica que entra en el
sistema–; de ahí que sea un sistema binario. Además, de la unión
de varios bits da lugar a lo que conocemos como bytes, que al
aumentar en número se convierten en kilobytes, megabytes,
gigabytes, terabytes o petabytes9 – este último constituido por
9.007´199.254´740.992 de bits»

9. Alvaro Fernández González. Ilustración Digital y Concept Art. El arte del Siglo XXI. Trabajo de Fin de Grado. España 2019. p.p. 23-24
[Documento PDF] Disponible en:
https://digibuo.uniovi.es/dspace/bitstream/handle/10651/57760/TFG_AlvaroFernandezGonzalez.pdf?sequence=4&isAllowed=y
10. Redondo García, Miguel. Ilustración Digital. España 2009. P.7

17
De modo que tenemos dos tipos de imágenes con calidades
totalmente diferentes, pues su comportamiento descritivo
dentro del ordenador, genera una traducción visual diferente.
No inclinaré mi visión en diferecnial que una sea mejor que la
otra, pues va a depender mucho el tipo de software que funcione
como herramienta para desarrolar dichas imágenes. Así
tendríamos que programas como Photoshop generan una amplia
calidad en la definición de sus imágenes, con base a su
interpretación por medio de los bits. En cambio, ilustrator, es un
ejemplo de un programa que con base a un lenguaje vectorial,
ayuda a generar imágenes con definición de colores uniformes o
degradadados que ayudan a la definición precisa de los trazos
más controlados.
Hasta el momento podría defender que las herramientas
digitales si no es que son mejores, sí ayudan a optimizar y dotar
de características mucho más sencillas de reproducir dentro del
consumo y distribución de imágenes actual. Aquí cabe mencionar
que también soy conciente de vivir en una era de consumo
acelerado de imágenes. Un mundo donde la imagen llega a ser
efímera o durar hasta que exista una alteración en el sistema de
memoria del ordenador o el dispositivo que sea portador de ella.
Podría referirme a la Ilustracion Digital como aquellas imágenes
que se generan bajo el soporte de un ordenador, con
herramientas que siguen la función tradicional de los utensilios
artísticos tradicionales como estilete y soporte.
La ilustración digital se puede valer también de técnicas
tradicionales, las cuales pueden ser perfeccionadas tráves de
algún software de edición de imágenes como Photoshop. De esta
forma, la ilustración puede quedar cada vez más cerca al
perfeccionamiento esperado por el ilustrador.
18
La reproducción masiva de la Ilustración, dentro del conexto
histórico del siglo XXI es una de las caracterísitcas
fundamentales, pues sólo se nececita generar un archivo con el
contenido interpretado en bits o vectores, para que la ilustración
pueda ser repetida y enviada alrededor de mundo. Además que
puede economizar el proceso de producción y así evitar
desperdicio de papel.
Es importante, además, apuntar que la Ilustración Digital es un
método correspondiente a está etapa que se caracteriza por la
abundancia de las pantallas digitales, y que pertenece a una era
donde los procesos entran en una etapa de dependencia por el
consumo veloz y fugaz.
Así como en la etapa del proceso de modernidad occidental, los
materiales como el estaño, fueron fundamentales para generar
tubos de pintura, los cuales permitieron un mejor elmacenaje de
pigmentos y que desembocaría en un desarrollo plástico con
vistas a una nueva forma de comunicar el arte pictórico, con la
Ilustración Digital, tenemos que dentro del siglo XXI, el avance
tecnologico enfocado a las computadoras, ha provocado que por
ejemplo; producciones de carácter cinematográfico, , se generen
con una mayor eficacia, aunque no siempre de la mejor calidad,
situación que depende de varios factores; de modo que,
podemos tener producciones con una temática profunda, en
cuanto a una perpectiva de desarrollo de personajes y dialogos
profundos, con ilustracioenes detalladas en toda la extención de
la palabra,como también tenemos otro tipo de producciones
gráficas y animaciones que no tienen gran tracendecia histórica
pues no van más allá del consumo en general. Convirtiéndolas en
desechables.
Es común encontrarse con autores que convergen en denominar
la ilustración digital como una variante más del arte moderno

contextual, aspecto con el que no puedo estar en desacuerdo,
agregando que la era digital provocó una nueva forma de percibir
las imágenes. Los pixeles y los vectores han revolucionado las
condiciones pictóricas en algo realmente trascendental,
evolucionando al punto en donde podemos tener imágenes que
parecieran tener vida, imágenes dinámicas, animadas por medio
de softwares potencialmente desarrollados para que una de las
intenciones fundamentales de la imagen, como lo es contarnos
una historia y generarnos una emoción, se mantengan vigentes.
En el siguiente capítulo trataré de ahondar un poco más al
respecto, trataré de describir el concepto de animáción, el cuál
ha sido fundamental para la era digital, así como también, dentro
de la industria cinematográfica.
11. Cholodenko Alan. The Ilusion of life, Essays of animation, Power
Institute Fine Arts. Australia. 1991. P.16
19
2.3 La trascendencia de la Ilustración
Digital en el cine.
La ilustración Digital se ha dotado de todos los conceptos
artísticos que se han desarrollado dentro del largo el proceso del
arte. No podría haber ningún elemento técnico de las artes
plásticas, que no tenga cabida en la ilustración digital, tanto en la
concepción como en la producción de una idea. El ilustrador,
como en algún momento lo menciona el Maestro; Gabriel
Martínez Meave, es el heredero, aparentemente primordial, de las
técnicas antiquisimas del arte. De modo que, por exponer un
ejemplo; tenemos la libertad de generar texturas por medio de
pixeles, que puedan transmitir una pincelada en el ordenador y
que nos emita al proceso de tomar un pincel de cerdas naturales,
así como utilizar elementos vectoriales que creen composiciones
más minimalistas o que puedan servir como base para
composiciones detalladas y de un nivel de complejidad magnífico.
Lo digital, se ha convertido en una extención más del ilustrador
y así del creador de animaciones.
En cuanto a la animación podría dar una breve descripción, pero
trataré de ser muy específico. Alan Cholodenko, teórico del cine
y la animación, menciona que la animación está ligada al animismo
y por lo tanto tiene relación con la filosofía clásica, que sustenta
una visión animística del mundo formado de manera total de una
sustancia que lo anima, que puede ser fuego, el aire, el agua o una
mezcla de estás sustancias. 11
Según Cholodenko, «Cada animador pone su espíritu en los cinematográfico. Eadweard Muybridge era un experto fotográfo
movimientos que impregna a cada personaje, que lleva a la vida a británico que inmigró a Estados Unidos en las últimas décadas
través de sus trazos12.» del siglo XIX, y fue un personaje con una gran curiosidad por
captar el movimiento animal, sin tener en cuenta las
La animación podría ser una de las formas de proyección más consecuencias favorables que esto traería para la industria y para
importantes en la nueva era de las imágenes, pues es una de las las artes.
técnicas de representación dotada con la intención de generar
que las imágenes plasmen historias, meticulosamente planteadas,
a tráves del movimiento. La animación pretendía basarse en las
condiciones físicas de la realidad, para producir escenas de temas
infinitos. Estás condiciones estaban definidas por fuerzas como la
gravedad o el viento.

La ubicación del movimiento en el cine se genera dentro de la

percepción en la unión de los fotogramas o cuadros. No se
podría decir que el movimiento esté en el cuadro que
desaparece, sino en el mismo instante en que el uno se está
perdiendo y el otro está apareciendo.

El movimiento se crea en un tiempo formado por dos tiempos:

el anterior y el que sucede. 13

Derivado de esto, me es importante enfatizar en una de las

primeras aproximaciones en las que se experimentó con la
producción de fotografías en secuencia, mismas que generaron Ilustración 10: Imágenes de rotoscopia caballo.
por primera vez la percepción de un artefacto aproximado a lo Eadweard Muybridge.
que actualmente concebimos como un proyector https://ar.pinterest.com/pin/665758757392161915/

12. Castro Karina. Sánchez José Rodrigo. Dibujos Animados y Animación. Historia y compilación de técnicas de producción. Ecuador. 1999. P. 30
[Documento PDF] Disponible en:
https://docplayer.es/23017162-Karina-castro-jose-rodrigo-sanchez-dibujos-animados-y-animacion-historia-y-compilacion-de-tecnicas-de-produccion-d
epartamento-de-publicaciones.html
13. Ibid, p.42

20
En la animación los ilustradores son de fundamental importancia,
dentro del esquema del organigrama, pues es gracias a ellos que
podemos entender situaciones donde el lenguaje oral no
permite un percepción del todo clara. Pues una ilustración
siempre va a crear un mensaje pronto y especifico de lo que se
nececita comunicar en un cotexto determinado.
Las últimas líneas en el parrafo anterior, matizan la intención de
dirigirme hacía un par de palabras del Inglés que vamos
encontrar dentro la producción gráfica en ambitos, como el cine,
los videojuegos o los dibujos animados. Se trata del Concept Art,
palabras que mantendré en la lengua inglesa, pues dentro del
campo de producción este se mantiene, para evitar confusiones;
por ejemplo con el Arte Cenceptual.
Se denomina como Cocept Art a la producción previa que
genera un creativo con conocimientos de diseño y que dotará de
una visión descriptiva en cuanto a narrativa, colores, texturas
ycomposiciones, todo esto dentro de un proyecto de animación,
producción cinmatográfica o creación de videojuegos. Para
desarrollar esta tarea, la nececidad de contar con un equipo de
ilustradores es crucial, pues ellos con base a conceptos de diseño
y artes, crearán bocetos, paisajes, personajes, infografías, diseño
de vestuarios, esculturas y esquemas que ayudarán la
recopilación de ideas para consolidar el aspecto visual del
proyecto.
14. Utilizo la palabra en inglés Sketch para referirme a los dibujos o apuntes que se hacen de manera económica con líneas guías y trazos rápidos.
Pueden reproducirse en tabletas digitales o con base a las prácticas más simples a partir de un lápiz sobre un papel.
21
Es de suma importancia este paso dentro de las producciones,
pues sin esta metodología no se podría formalizar o llegar a
ningún punto. El creativo del Concept Art, además de ser dotado
en diferentes habilidades artísticas, también necesitan dotarse de
una personalidad de investigador, pues los temas que se menejan
pueden ser diversos, y la documentación respecto a la temática
de la producción, es fundamental para así manejar un contexto
adecuado en todo momento.
Agregando una opinión, como ilustrador, me es importante
compartir mi visión respecto a que , un creativo de la ilustración
podría situarse en un punto medio, respecto a las tendecias
análogas y digitales. Sé que el apartado trata de reflejar la
importancia que existe en la Ilustración Digital, sin embargo, las
herramientas análogas básicas, como el lápiz y el papel son
fundamentales. Soy partidario de no dejar de arrastrar el lápiz
sobre el papel y entender que la ilustración digital es una
herramienta más, con la que se pueden seguir explotando y
generando nuevas tendecias y opciones.
Podría decir que el esketch14 es básico para obtener un dibujo
que pueda convertirse en una ilustración, y para esto, es
importante saber usar el estilete (lápiz, pluma, rotulador).
Una vez mencionado lo anterior, respecto a la prácticas análogas
y las digitales debo reconocer que las nuevas tecnologías han
ayudado a reducir tiempos y recursos, además han brindado
nuevas características plásticas en la producción de ilustraciones
digitales.
El desarrollo de los sistemas digitales enfocados al medio de la
animación se dividió en tres gran- des rubros:
1. Los sistemas de animación 2D digital, que incluían el
desarrollo de los llamados programas de ilustración digital y
animaciones de elementos para televisión.
2. Los sistemas de animación 2D que imitaban los procesos de
la animación tradicional.
3. Los sistemas de animación tridimensional (3D), que
desplegaron todo un campo profesional nuevo y muy novedoso
para el desarrollo de la animación15.
En la actualidad una de las industrias cinematográficas mas
grandes, encargadas de la prudcción de cortos y largometrajes
con carácterísticas 3-D es Disney-Pixar, seguida por
DreamWorks . Dentro de estás producciones, logramos notar el
alto alcance al que se ha llegado por medio de softwares, para
crear ilustraciónes con un nivel de detalle demasiado sofisticado.
Por otro lado, en Japón, productoras como Estudios Ghibli, se ha
15. Padilla Sobrado Roberto A. La Animación Tradicional en la Era Digital: Una perspectiva desde el punto de vista tecnológico. México.2016. p.p. 74
[Documento PDF] Disponible en:
https://disenoensintesisojs.xoc.uam.mx/index.php/disenoensintesis/article/view/340/339
22
mantenido en la producción de ilustración 2-D, sin dejar de lado,
ciertos procesos que pueden parecer antiguos, sin dejar de lado
las nuevas tecnologías, para crear ilustraciones digitales, de las
cuales también se sriven para crear películas con unas
carcaterísticas únicas, en el máximo sentido de la palabra.
Hasta este momento he estado dando pequeños saltos dentro
de los dos conceptos que son fundamentales dentro de este
capítulo, el Cocept art y la Ilustración, y pareciera no haber
grandes diferencias como tal, entre ambas. el Concept Art es una
metodología donde varias áreas del arte, y diseño convergen, lo
cual podría diferenciarse de la ilustración, ya que la ilustración es
un fin, donde vemos todos lo elelementos homogeneizados.
Muchas de las ilustraciones generadas dentro del proceso del
Concept Arte se covierten en un producto que puede dar
soporte a varios elementos del diseño, como Afiches, Portadas
de películas o Videojuegos, inclusive se hacen compendios de
todo el procesos para publicar libros al respecto. El Concept art
y la ilustración, dentro de la producción, generan una simbiosis
que logra una convivencia fundamental para la producción de la
animación. Prácticamente no podría existir una sin la otra.
 Ilustración 11: Escena de la película, “Monster Inc” Representado en Ilustración 12: Escena de la película: “La princesa
3-D. Pixar. Mononoke”.https://www.bbc.com/culture/article/20220713-princess-m
https://www.insider.com/how-every-pixar-movie-advanced-animation-t ononoke-the-masterpiece-that-flummoxed-the-us
oy-story-cars-2-2021-8

23
3. Características Impresionistas en el largometraje Entergalactic.
Hace unas semanas, me encontraba contagiado por el virus del
Covid, probablemente está ha sido una de las únicas situaciones
que me ha mantenido en “reposo” desde ya hacía varios meses.
Mientras estaba en cama, buscando en Netflix, me topé con una
película que me pareció interesante por su imagen de muestra, ya
que era una composición que me pareció realizada con pinceles
digitales, casi como un speed paint16. Despues de leer la reseña,
me puse a verla y encontré varias referencias en cuanto a la
cultura pop, referencias a artistas de la moda, inclusive la
participación de personajes como Kid Cudi, quien para mi es un
ícono de la cultura pop dentro del Hip Hop.
La temática de la película no me parece con un gran trasfondo,
pues es muy típico de cine de Estados Unidos. La historia radica
en un par de jóvenes que empiezan a vivir su sueño dentro de La
Gran Manzana, de Estados Unidos. Muestran la
contemporaneidad por medio de celulares, computadores y una
nueva visión mucho más “abierta” frente a la marihuana.
Lo que me parece interesante en está película, es la forma en la
que la ilustración ha ido avanzando y se ha generado una
apertura a los estilos, desde Spider Man Multiverse. Se ha creado
una nueva intención que, desde mi perspectiva, ha proyectado un
mensaje hacía las grandes productoras de animación digital,
enfocadas a los conceptos 3-D. El mensaje que percibo es; “No
16. Anglicismo que se refiere a las ilustraciones que se hacen de manera rápida, como apuntes rápidos, pero con una mejor figuración. Este termino
tuvo gran utilización en el empleo del dibuo digital, pues ayuda a impulsar la creatividad y a generar ideas espontáneas, además de dotar de nuevas
habilidades a la hora de bocetar. Es una técnica experimental de dibujo.
17. Filmaffinity, España, 2023. https://www.filmaffinity.com/es/film266920.html
24
todo es hiperrealismo”, pues las productoras como Pixar o
DreamWorks, han venido desarrolando una considerable
cantidad de metrajes donde las texturas e ilustraciones, están
dotadas de una técnica escultórica que sobresale por su
hiperrealismo y por su gran capacidad por explotar nuevas
herramientas digitales, y nuevos softwares.
Personalmente nunca he sido muy partidario del Hiperrealismo,
pues más allá de la técnica, no es algo que me parece propositivo.
Mucho menos la animación 3-D es algo que me encante.
Reconozco que implica una perspectiva nueva, frente a lo que mi
generación presenció, pues niños como yo, crecimos disfrutando
de la inverosimilitud de la que eran dotadas las caricaturas de la
Warner Bross,
las animaciones del MTV o las increíbles historias de Ren &
Stimpy. Crecimos apegados a una era donde las caricaturas más
entretenidas eran en 2-D. De aquí podría derivar mi sesgo de
confirmación, y probablemente mi idea sea demasiado rancia,
pero trataré de ser objetivo.
Entergalactic es una película dirigida por; Kid Cudi (Creador), Ian
Edelman (Creador), Fletcher Moules con la producción de la
animación creada por Dneg Animation, Khalabo Ink Society,
MAD SOLAR. Distribuidora: Netflix17.
Entergalactic, me ha venido a transmitir que se pueden crear
producciones interesantes con base a las nuevas tecnologías sin
que este dotado de las intenciones de las grandes compañías ya
conocidas. Este largometraje me ha dejado una gran
reminiscencia a mi infancia, con una gran hambre en el presente
por querer generar composiciones espetaculares para nuestro
futuro. La ilustración 2-D, con este nuevo film, nos ha mostrado
que la animación es una nuevo medio para las artes, y como tal
se mantiene con los tintes de los viejos maestros visionarios de
la historia del arte. Con una visión mucho más detalla, podríamos
encontrar en la película, escenarios que casi puedo estar seguro
están basados en paletas y poinceladas a las de los impresinistas,
y los rostros, nos traducen que siempre es buen momento para
retomar las esteticidad del maestro Gauguin y resignificar el
pasado con lo que el presente nos brinda.
3.1 Observaciones descriptivas del
Impresionismo en los personajes y
escenarios de Entergalactic.
Recurrentemente en sitios web de arte digital, asi como en
Instagram o Twitter, es notorio que desde hace alguno años, las
ilustraciones digitales han ido en aumento, reemplazando casi
por completo las ilustraciones o dibujos realizados a mano
alzada. Situación, que inclusive ha llevado a algunos ilustradores,
dibujantes y artistas a crear un mes en específico para realizar
dibujos en únicamente materiales como tintas, plumillas,
rotuladores, etcétera. El denominador en común que he notado
dentro de todas estás ilustraciones digitales, o dibujos digitales,
25
es que la mayoría explota las texturas de los pinceles de maneras
distintas, pareciera que derivan de estudios y reinterpretaciones
de los viejos maestros impresionistas, postimpresionistas y
expresionistas.
La facilidad de crear pinceles digitales, o de comprarlos para
cualquier software ha producido una explosión de variedades
importantes dentro de la red digital. Todo este movimiento,
recién lo he empezado a ver en animaciones como The Dam
Keeper, Spiderman Multiverse y por último en Entergalactic.
Probablemente haya otras animaciones, pero por el momento
estas me resultan importantes para mencionar. En Dam Keeper,
podemos encontrar las texturas que simulan demasiado, al rastro
de los colores pastel sobre el cartoncillo, el lenguaje que se
genera en esta animación es demasiado amable y nos remite a
escenas suaves y cálidas, consecuencia de una intención en el film,
pues la película nos retrata la amistad de dos pequeños animales
que retratan la vida cotidiana de un par de niños.
En Spider-Man Multiverse, podemos encontrar elementos que
hacen un guiño a la vida contemporánea de un adolecente, las
paletas de colores y las composiciones son basadas en la línea
gráfica de los comics del viejo Spider-Man, pero han sido
reinterepretadas y reconceptualizadas, para dar origen a un
nuevo universo y estilo de animación, que ha generado un gran
impacto en los espectadores fanáticos del universo de Marvel.
También han producido un gran interes en los creativos de la
ilustración, animadores y demás. Algunos críticos se han atrevido
a comentar en diferentes medios, que Spider-Man Multiverse ha
venido a redireccionar la manera de animación, dirigiendola hacía
el camino de la fantasía combinada con un toque de realidad, de
la que los adultos contemporáneos somos amantas, pues genera
algunas reminicencias las antiguas caricaturas.
Desde mi opinión, Spider-Man-Multiverse ha sido el parteaguas
para una nueva vision en cuanto a la forma de desarrollar y
contruir la animación. Está producción ha venido a abrir el
panorama a producciones como Entergalactic, que cuenta con
una estetica similar a la de Spider-Man, pero con una narrativa
totalmente diferente.

La relación que me parece demasiado importante rescatar,

dentro de esta película, es respecto a las texturas que generaron
sus creadores por medio de los pinceles digitales y la escultura
3-D, pues si percibo en algunos paisajes, los colores de las
atmósferas donde los colores son caracteríticos por sus
tonalidades, y su psicología en ellos. Noto que las paletas de
colores, fueron pensadas para transmitir sensaciones de
psicodelia, proyectar las horas del día, inclusive los sentimientos
que transmiten ciertas zonas de aquella ciudad Norteamericana,
además de ambientes que reflejan la actualidad en la modernidad
de Nueva York.
En la siguiente imagen, podemos notar como los pinceles crean
texturas que parecieran estar creadas de manera rápida y muy
fluida, vemos el dibujo del rostro perfectamente logrado, la cual
nos remite a pensar que existe una influencia de Gauguin en la
intención, pero también una conciencia por la cultura pop en los
rasgos que radican al borde de lo caricaturesco y realista.

Ilustración 13:
https://www.theverge.com/23367238/kid-cudi-entergalactic-netflix-review
“Jabari”

26
En seguida muestro una pintura del famoso pintor frances
Gauguin quien radicó dentro de las filas del grupo impresionista
y quien trascendería con su estilo a una nueva manera de pintar,
la cual fue denominada Post-Impresionimiso. Quiero rescatar de
esta pintura la armonía de los colores, así como la esteticidad de
los rostros que pareciera que nos miran fijamente, como si
estuviesemos en el lugar del pintor. Además del fondo que causa
una atracción hacía él. Utilizo está obra como una referencia por
la cual mi percepción llevo a generar una similitud entre la
ilustraciones del fil y las obras impresionistas.
Independientemente de que en amabas composiciones se
encuentren personas de fenotipo negro.

Ilustración 14: “Mujer y Niño”,Paul Gauguin, 1899.

Óleo sobre lienzo.
https://wikioo.org/es/paintings.php?refarticle=8EWPGR&titlep
ainting=tahitiano+mujer+y+niño&artistname=Paul+Gauguin

27
Ilustración 13: “Concept Art 1”, Meybis Ruiz.
https://michalsawtyruk.com/entergalactic

28
 Ilustración 14: “Concept Art 2”, Meybis Ruiz.
https://michalsawtyruk.com/entergalactic

Dentro de este diseño de Concept Art se evidencía la textura y la figuración de manchas que dan forma a personajes, percibimos
inclusive hasta si son gordos o delgados, si utilizan abrigos o chaquetas, blazers o camisetas.

29
3.2 Lenguaje del Color en las composiciones de la película Entergalactic.
Dentro de esta composición podemos notar como los colores conviven en armonía para trasmitir la sensación probablemente de
verano, situación que se genera por la calidez de los ocres y rojos, contrastando sutilmente con las tonalidades de azules, muy
característico de los ambientes impresionistas. Además de percibir las formas geometrícas que ha generado el pincel digital sobre el
canvas, mostrando así la habilidad del ilustrador y su intencionalidad por proyectar un ambiente dinámico. Pareciera que realmente el
personaje de la bicicleta se esta moviendo.

Ilustración 15: “Concept Art 3”, Michal Sawtyruk.

https://michalsawtyruk.com/entergalactic

30
En esta composición, una vez más percibimos la armonía.
La paleta de colores conviviendo armónicamente, pues los
matices jamás se mantienen en competencia. Es una ilustración
que se caracteriza por el contraste entre la ciudad y la
naturaleza. La línea de horizonte genera una estabilidad donde
pareciera que hay una ambivalencia entre estructuras de
concreto, metal y cristal, con la estabilidad del agua y los verdes
de la vegetación.

Ilustración 15: “Concept Art 4”, Michal Sawtyruk.

https://www.instagram.com/p/CjWD1qcqGU-/?hl=es

31
A propósito incluiré la misma imagen, que la ilustración anterior,
con la intención de demostrar que un mismo encuadre,
transmite una sensación diferente al alterar la composición de
sus colores, pues notamos que en esta composición se
demuestra la noche, cuando en la anterior se reflejaba el día. La
importancia de las paletas de color en ambas es crucial, para
plantear un horario totalmente diferente. Los colores que
abundan son los azules, verdes.

Ilustración 16: “Concept Art 15”, Michal Sawtyruk.

https://www.instagram.com/p/CjWD1qcqGU-/?hl=es

32
Conclusiones.
La humanidad en su constante busqueda de procedimientos que
generen un mayor dominio en la producción, ha creado nuevas
herramientas que agilicen los procesos. En este caso la
tecnología ha permeado a las artes, desde la modernidad a tráves
de los siglos. Las computadoras y las micromemorias han
provocado un enorme avance en la producción de imágenes, las
cuales no podrían haberse consolidado sin el lenguaje de decenas
de siglos anteriores que le dan soporte. El ser humano siempre
busca retomar lo antiguo para concebir la modernidad, con una
comunicaicón que resignifica y que procede a transmitir un
mensaje nuevo.
de madera, ni mucho menos con imprimaturas, ni colas ni
barnices. Hoy en día la luz se sigue manejando, justo como lo
harían los maestros del impresionismo, a diferencia, ahora esos
destellos de luz son utilizadas en pantallas de retina de diferentes
pulgadas. El arte traciende a una nueva metólogía y se emplea de
maneras infinitas.
En este caso puedo deducir que las corrientes artisticas se
reinterpretarán y siempre habrá cabida para su configuración.

La ilustración digital se basa en técnicas análogas, texturas que

previamente ya fueron meditadas, inclusive composiciones dignas
del arte academicista, pero ahora dibuja a un chico que maneja su
bicicleta y se lanza como proyectil por una rampa. Ya no plasma
nenúfares, o puentes campestres que atraviesan jardínes
parisinos. Ahora se forman composiciones con edificios de
hormigón y cristales.

La Ilustración de hoy en día, no existiría sin el trayecto de

grandes artistas que nos han heredado una tremenda cultura que
hasta la fecha mantenemos. Algunos autores pueden reclamar el
hiperrealismo como propuesta actual, así como productoras
podrán derrollar nuevas maneras de generarlas en sus
proyecciones, invirtiendo grandes catidades de dinero, pero por
lo contrario, como con los impresionistas, siempre habrá quien
encuentre aún belleza en las pinceladas que ahora produce una
tableta digital, sobre un canvas que ya no se viste de bastidores

33
ÍNDICE DE IMÁGENES
Ilustración 1:

https://imagenes.elpais.com/resizer/11of0R-WlMI6QexkCDlCW3TdbTc=/1960x0/arc-anglerfish-eu-central-1-prod-prisa.s3.amazonaw
s.com/public/BKMYKUE7NBTRKUBKOWDZYRXZVU.jpg
Grainstack in the Sunlight, 1891. Óleo sobre lienzo.

Ilustración 2
https://educacion.ufm.edu/edouard-manet-almuerzo-sobre-la-hierba-oleo-sobre-lienzo-1863/
Édouard Manet, “Almuerzo sobre la hierba”. Óleo sobre lienzo, 1863

Ilustración 3:
https://www.infobae.com/cultura/2020/04/24/la-belleza-del-dia-impresion-sol-naciente-de-claude-monet/
"Impresion, sol naciente" (1872) de Claude Monet.

Ilustración 4:
https://es.artsdot.com/@@/8EWDLM-Camille-Pissarro-el-jardinero-,-tarde-sol-,-Eragny
El Jardinero , Tarde Sol , Eragny. Camille Pissarro (1899). Óleo sobre lienzo.

Ilustración 5:
https://www.guggenheim-bilbao.eus/exposiciones/serra-seurat-dibujos
Georges Seurat
Hombre recostado (studio para “Baño en Asnières”) [L’homme Couché (étude pour “Une Baignade, Asnières”)], 1883–84
Crayón conté sobre papel 24.5 x 31.5 cm Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Sammlung Beyeler Foto: Peter Schibli.

Ilustración 6:
https://www.ttamayo.com/2019/02/arte-impresionista-olimpia-manet/
Tubo de estaño con pintura óleo.

Ilustración 7:
https://arthive.com/es/edgardegas/works/5263~Ballerina_in_orange_packsTécnicTécnica:
Edgar Degas. 1901. Pasteles sobre papel.

34
Ilustración 8:
Poligono representado en Vectores.

Ilustración 9:
Poligono representado en Pixeles.

Ilustración 10:
https://ar.pinterest.com/pin/665758757392161915/
Imágenes de rotoscopia caballo.
Eadweard Muybridge.

Ilustración 11:
https://www.insider.com/how-every-pixar-movie-advanced-animation-toy-story-cars-2-2021-8
Escena de la película, “Monster Inc”. Pixar.

Ilustración 12:
https://www.bbc.com/culture/article/20220713-princess-mononoke-the-masterpiece-that-flummoxed-the-usEscena de la película: “La
princesa Mononoke”

Ilustración 13:
https://www.theverge.com/23367238/kid-cudi-entergalactic-netflix-review
“Jabari”

Ilustración 14:
https://wikioo.org/es/paintings.php?refarticle=8EWPGR&titlepainting=tahitiano+mujer+y+niño&artistname=Paul+Gauguin. “Mujer y
Niño”,Paul Gauguin, 1899. Óleo sobre lienzo.

Ilustración 15:
https://michalsawtyruk.com/entergalactic
“Concept Art 1”, Meybis Ruiz.

35
Ilustración 16:
https://michalsawtyruk.com/entergalactic
“Concept Art 2”, Meybis Ruiz.

Ilustración 17:
https://michalsawtyruk.com/entergalactic
“Concept Art 3”, Michal Sawtyruk.

Ilustración 18:
https://www.instagram.com/p/CjWD1qcqGU-/?hl=es
“Concept Art 15”, Michal Sawtyruk.

36
FUENTES DE CONSULTA.
• Álvaro Fernández González. Ilustración Digital y Concept Art. El arte del Siglo XXI. Trabajo de Fin de Grado. España 2019. p.p. 23-24
[Documento PDF] Disponible en:
https://digibuo.uniovi.es/dspace/bitstream/handle/10651/57760/TFG_AlvaroFernandezGonzalez.pdf?sequence=4&isAllowed=y

• Castro Karina. Sánchez José Rodrigo. Dibujos Animados y Animación. Historia y compilación de técnicas de producción. Ecuador.
1999. P. 30
[Documento PDF] Disponible en:
https://docplayer.es/23017162-Karina-castro-jose-rodrigo-sanchez-dibujos-animados-y-animacion-historia-y-compilacion-de-tecnicas-d
e-produccion-departamento-de-publicaciones.html

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