¿QUÉ ES DIBUJO?

El dibujo es una forma de expresión gráfica, que puede ayudarnos a transmitir o

plasmar de una mejor manera nuestros sentimientos o ideas. Ahora bien, el dibujo
forma parte esencial de la vida humana. Este nos ha acompañado desde nuestros
inicios, ya que incluso antes de que apareciera el lenguaje oral o la escritura, la
manera en que los hombres se comunicaban y dejaban evidencia de sus vivencias
era a través de los dibujos.

Existen cuevas y cavernas tan antiguas como el planeta mismo y en ellas, fueron
plasmados los bocetos que aquellos hombres prehistóricos utilizaron para relatar y
expresar todo lo que vivían y sentían día a día.

La evolución del dibujo ha ido de la mano con la evolución humana. A medida que el
hombre fue descubriendo nuevos materiales y técnicas, este fue cambiando y se
crearon nuevos estilos y metodologías.

EL DIBUJO EN LA PREHISTORIA

La primera parada de este viaje en el tiempo comienza en la prehistoria, ya que los

dibujos más antiguos conocidos hasta el momento datan de 30.000 a 10.000 años
A. C. provenientes de España y Francia.

Con el paso de los años, el dibujo evolucionó y en el año 3.000 A. C. utilizaban un

estilo plano y lineal con mucha más forma que sus antepasados. Estos eran
utilizados para decorar las paredes de sus templos y tumbas.

¿QUÉ MATERIALES SE USARON A TRAVÉS DEL TIEMPO?

A lo largo de la historia, se han utilizado una amplia variedad de materiales para
dibujar. Algunos de los más comunes son el carbón, este era más común
encontrarlo en forma de rama carbonizada de sauce o ya sea de nogal, hoy en día
ha evolucionado a los lápices de grafito son versátiles y vienen en una variedad de
durezas que permiten crear desde líneas finas y delicadas hasta sombreados más
oscuros. Son ideales para bocetos, dibujos detallados y técnicas de sombreado.

Ahora bien, además de los lápices de grafito existen varios materiales que se
pueden usar para realizar un dibujo, uno de estos es el papel, el cual se originó en
la antigua china, Su creación fue alrededor del año 105 D.C. Este proviene
principalmente de bambú, madera de árboles de rápido crecimiento como el pino o
el abeto, cáñamo, algodón, lino, arroz, entre otros.

Con el paso del tiempo se fueron inventando varios materiales de apoyo para poder
realizar dibujos, tales como:

Borrador: aunque su nombre lo diga no solo puede ayudarnos a borrar los errores,
también puede ser una gran herramienta para hacer trazos. Cada borrador crea una
marca diferente y debe usarse según sea necesario de acuerdo con el dibujo
específico. Hoy en día existen varios tipos como, el borrador moldeable, borrador de
vinilo, borrador de migajón, entre otros.

Tiene una historia interesante y no se puede atribuir a una sola persona o momento
específico. Sin embargo, hay evidencia de que los materiales para eliminar manchas
en la escritura han sido utilizados desde hace siglos.

Sacapuntas o tajalápiz: Los lápices necesitan estar bien afilados con un sacapuntas
de calidad. Si se llega a utilizar un sacapuntas de mala calidad, podría llegar a pasar
quedarnos sin lápiz en cuestión de segundos. Los sacapuntas, por lo general, se
dividen en dos categorías: manuales y eléctricos.

Los primeros sacapuntas eran rudimentarios y se cree que se remontan a la antigua

Roma, donde se utilizaban cuchillos para afilar los lápices de grafito o plomo.

El dibujo es una forma de expresión artística que ha sido practicada por una amplia
variedad de culturas a lo largo de la historia. Algunas de las culturas más
destacadas conocidas por su contribución al arte del dibujo.
 Cultura Griega
Arte de la Antigua Grecia
El arte de la Antigua Grecia es el estilo elaborado por los antiguos artistas,
caracterizado por la búsqueda de la «belleza ideal», recreando el "mundo ideal" del
modelo platónico, o mediante la "imitación de la naturaleza" en el sentido de
la mímesis aristotélica.

La cultura desarrollada por los antiguos griegos establece los fundamentos de la

cultura occidental. De este, surgieron los conceptos y principios del arte, la filosofía
y el saber posterior. El arte griego se inicia de manera autónoma al final de
la civilización micénica, cerca del 1100 a. C.

Materiales y técnicas de la pintura griega

Las superficies más empleadas por lo tanto en la pintura griega fueron los muros,
las tablas de madera y las losas de terracota o mármol. Con menos frecuencia
también se emplearon marfil, cuero, pergamino y lino. De toda esta variedad de
superficies se cree que el soporte más popular fue la tabla de madera con una base
de pintura blanca.

En cuanto a las técnicas pictóricas, se usaron principalmente sobre las tablas, losas
y esculturas de madera y mármol la pintura al temple y la encáustica, y sobre los
muros la pintura al fresco y, de nuevo, al temple.

La paleta de colores de los artistas griegos contaba con los

colores rojo, amarillo, negro, blanco, verde, azul, púrpura y marrón. Sin embargo, la
pintura sobre cerámica se verá limitada principalmente al uso de cuatro pigmentos
capaces de soportar las altas temperaturas del horno y sus combinaciones (rojo,
amarillo, blanco y negro), lo cual ha hecho pensar que la paleta de los pintores
griegos era mucho más limitada.

 Pintura
Los griegos, como la mayoría de las culturas europeas, consideraban la pintura
como una de las formas más altas de arte. Las obras de Polignoto de Tasos,
seguían siendo admiradas incluso 600 años después de su muerte, como después
ocurrió con las de Leonardo da Vinci o Miguel Ángel, sin embargo, en este caso no
solo no se han conservado ninguna de sus obras sino tampoco ninguna
reproducción.

Los pintores griegos trabajaron generalmente sobre paneles de madera, que se

estropeaban rápidamente, cuando no eran bien protegidas. Hoy en día no queda
casi ninguna pieza de pintura griega, excepto algunos restos de pinturas en
terracota y de algunas pinturas en las paredes de tumbas, sobre todo en Macedonia
e Italia. De las obras maestras de la pintura griega tenemos solamente algunas
copias realizadas en las épocas romanas, la mayoría de ellas son de una calidad
inferior.

Con anterioridad a la formación del arte griego en sí hubo en territorios de la antigua

Grecia un arte que se ha llamado prehelénico, conservadas tan sólo en ruinas de
edificios de la época y sobre estuco, representando paisajes, acciones guerreras y
ceremonias cortesanas o religiosas cuyas figuras, aunque imperfectas revelan
notable expresión y vida. En las decoraciones de vasijas se presenta raras veces la
figura humana y siempre estilizada y de escasos detalles.
 En cuanto a la pintura griega, el conocimiento de sus artistas se debe casi por
entero a los antiguos historiadores, pues no se conserva de ella ni un solo cuadro ni
se conoce obra alguna de los famosos Zeuxis, Parrasio y Apeles, considerados
desde la antigüedad los pintores por antonomasia. Las obras pictóricas griegas que
al presente se conocen y conservan consisten únicamente en decoraciones de
ánforas y de otras elegantes vasijas salvo algunos mosaicos de pavimento y placas
de arcilla pintadas y sin contar las obras de pintura romana en que intervino mano
griega. Consta, no obstante, que los griegos pintaron cuadros excelentes, por lo
menos murales (cuyas copias pueden ser algunas decoraciones de las grandes
ánforas de lujo) y que emplearon los procedimientos al fresco, al encausto, al temple
y quizás al óleo.

Los asuntos representados en tales pinturas, a juzgar por lo que se observa en las
mencionadas vasijas, fueron escenas de la vida humana y tradiciones o leyendas
mitológicas y heroicas.

 Cerámica y Pintura

Tras un inicial periodo geométrico, al que siguió un período orientalizante en el que

se detecta la influencia asiria y de otras civilizaciones del Antiguo Oriente (por la
importancia y difusión que alcanzaron en esta época los talleres de Corinto se habla
de estilo protocorintio); la cerámica griega fue evolucionando sus formas, que hacia
el final del siglo VI a. C. alcanzaron un alto grado de refinamiento expresivo,
respondiendo a un amplio conjunto de necesidades refinadas de la vida cotidiana de
las clases altas, y a la demanda de productos de lujo fácilmente exportables a todo
el espacio mediterráneo, e incluso a lejanos lugares en el centro de Europa.

La producción en muchas de las colonias fundadas en esos siglos fue tan

importante como la de las metrópolis. Además, la influencia de la cerámica griega se
dejó notar en la producción local de los pueblos indígenas, especialmente en la
cerámica etrusca (que tiene tipologías verdaderamente sincréticas, como es el caso
de la hidria caeretana o hidria de Caere) o en la cerámica ibérica.

Se aprovecharon extensamente las posibilidades que las distintas tipologías de

vasos daban en ciertas partes de su superficie (fondos de las copas, vientres y
cuellos de las ánforas, etc.) para ejercer como soporte para la pintura griega, que se
expresó sucesivamente en dos estilos principales, denominados "cerámica de
figuras negras" y "cerámica de figuras rojas"
 La arquitectura griega Materiales
Los materiales frecuentemente empleados en la arquitectura griega:

 Fueron la madera, para soportes y techos

 Ladrillo sin cocer para las paredes, especialmente de casas;
 La piedra caliza y el mármol, para columnas, muros y porciones elevadas de los
templos y edificios públicos
 La terracota, para ornamentos
 Metales, especialmente el bronce, para detalles decorativos.
 Los arquitectos de la época arcaica y clásica usaron estos materiales
constructivos para edificios: religiosos, cívicos, domésticos, funerarios y
recreativos.
 El adobe se reservaba para las construcciones más pobres y sin importancia.

El templo es el edificio más significativo de la arquitectura griega. Se construye

según unos principios o normas, conocidos como orden o estilo, que están basados
en la columna. Estos órdenes arrancan desde las raíces del arte griego: la raíz doria
y la raíz jonia. A estos se les añade el orden corintio.

El dórico es un orden más sobrio que da una sensación de mayor pesadez. Se ha

relacionado con el hombre, es el orden idílico.

El jónico es más fino y rico, se ha relacionado con lo femenino.

El orden corintio es más ornamental.Estos templos están situados en los grandes

santuarios: Delfos, Eleusis, Atenas, Delos, Epidauro, Mileto, Éfeso... También hay
en las polis, convirtiéndose en su centro.
Escultura
Todas las esculturas y obras de arquitectura que han perdurado, sólo son una
pequeña muestra de la inmensa colección de obras griegas. Muchas esculturas de
dioses paganos fueron destruidas durante la era cristiana.

Desgraciadamente, cuando se calcina el mármol se produce la cal, y ése era el

destino de muchas obras de mármol griegas durante la Edad Media. Durante ese
mismo período, debido a la escasez de metales, la mayoría de las estatuas de
bronce eran fundidas. Actualmente muchas de las obras que hoy tenemos son
copias romanas.
La escultura de la Antigua Grecia alcanzó el ideal de la belleza artística hasta donde
pudo llegar por sí solo el ingenio humano. Aunque Grecia floreció en todas las
Bellas Artes, ninguna le distingue tanto como la escultura.

Cultivó el arte de la Antigua Grecia todos los géneros de escultura, adoptando con
predilección el mármol y el bronce como material escultórico y tomando como
asuntos principales los mitológicos y los guerreros a los cuales añadió en su última
época el retrato de personajes históricos.

Forman su característica en los mejores tiempos del Arte (los de Fidias) la expresión
de la realidad idealizada, la regular proporción orgánica, el alejamiento de lo vago y
monstruoso, la precisión en los contornos y detalles, la armonía y belleza en las
formas y la finura en la ejecución.
 Cultura Maya

Arte Maya
El arte maya se refiere al arte material de la civilización maya que se desarrolló en
el este y sureste de Mesoamérica a partir del Preclásico tardío (500 a. C. -
200 d. C.) y que floreció en el periodo Clásico (200 d. C. - 900 d. C.). Incluye
estructuras arquitectónicas, esculturas de piedra, piezas de madera talladas,
modelado de estuco, pinturas, murales, escritura y libros, cerámica, piedras
preciosas y otros materiales de escultura y decoración corporal. Existían muchos
estilos artísticos regionales, que no siempre coincidieron con los límites cambiantes
de las entidades políticas mayas. La cultura olmeca, tolteca y la
de Teotihuacán tuvieron una influencia significativa en el arte maya.

El arte Maya es intrigante, hermoso y tan detallado que puedes verlo por mucho
tiempo y encontrar algo nuevo cada vez. Los mayas eran muy creativos con el uso
de materiales para plasmar sus ideas, por lo que podemos encontrar pinturas en
madera, piedra y arcilla, así como esculturas.

Pintura Natural
A pesar de que relativamente pocas pinturas mayas hayan sobrevivido intactas
hasta nuestros días, debido al clima húmedo de las tierras bajas de América
Central, se han encontrado restos importantes en casi todas las principales
residencias cortesanas, especialmente en subestructuras que fueron ocultadas bajo
adiciones arquitectónicas posteriores. Las pinturas murales pueden incluir motivos
que muestran cierta repetitividad, como los símbolos de flores, con variaciones
sutiles, en las paredes de la Casa E del Palacio de Palenque; escenas de la vida
cotidiana, como en uno de los edificios que rodean la plaza central de Calakmul y en
un palacio de Chilonche; o escenas rituales que incluyen representaciones de
deidades, como en los murales de los templos postclásicos de Yucatán y la costa
este de Belice (Tankah, Tulum, Santa Rita).

La pintura mural también se produce en los remates de bóvedas, en las tumbas (por
ejemplo, Río Azul), y en las cuevas (por ejemplo, Naj Tunich),30 generalmente
ejecutado en negro sobre una superficie blanquecina, a veces con el uso adicional
de pintura roja. Los remates de bóvedas de Yucatán a menudo muestran una
representación de la deidad del rayo entronizada, K'awiil (por ejemplo, Ek 'Balam).

Un color azul turquesa brillante, conocido como «azul maya», se ha conservado a lo

largo de los siglos por sus características químicas únicas; este color está presente
en Bonampak, Cacaxtla, Jaina, El Tajín, e incluso en algunos conventos coloniales.
El uso del azul maya continuó hasta el siglo XVI, cuando se perdió la técnica.31En
estas pinturas fueron plasmadas una gran variedad de temas que cuenta la
complejidad de la cultura maya.
Interior de la corteza del Arbol (Kikche) Achote o azafran

¿Cuáles fueron los materiales naturales que usaron los mayas para pintar?
En cuanto a las técnicas de pintura, los mayas utilizaron una variedad de pinceles,
incluyendo pinceles de pelo de animal y pinceles hechos de hojas de palma.
También utilizaron técnicas de estarcido y aplicación directa de pigmento con los
dedos para crear diferentes texturas y efectos.

¿Qué tipo de pintura se utilizaba para ilustrar un lienzo?

 Cochinilla. Estos insectos, que viven en los cactus, son originarios de
América. Los cuerpos disecados de las hembras producen el color rojo.
 Purpura patula. Las secreciones blancas de este molusco de mar producen
un tinte púrpura muy cotizado.
 Añil o índigo. De las hojas de esta planta se obtiene un pigmento azul. Hace
poco se le identificó como uno de los componentes del famoso “azul maya”.
 Palo de Campeche. El duramen rojo sangre de este árbol se utiliza para los
colores rojo, púrpura rojizo y un hermoso negro.
 Palo de mora. De la madera de este árbol tropical se obtiene el color amarillo.
Los insectos de cochinilla, de donde se extrae el rojo, viven en cactus de los
géneros Opuntia y Nopalea.
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Los mayas hacían sus propios colorantes naturales.

 Civilización Cretense
¿Qué fue la civilización cretense?
La civilización cretense, también conocida como civilización minoica,
es considerada un antecedente cultural de la Antigua Grecia. Se ubicó en la isla
de Creta, al sur de Grecia, durante la edad de Bronce entre el 3.000 y el 1100 a. C.

Durante su apogeo, la civilización cretense se destacó por su poderío comercial y

naviero. La isla de Creta fue considerada el centro político y cultural más importante
del mar Egeo, ya que estaba situada en un punto geográfico estratégico con
conexión a Europa, Asia y África. Estos pueblos se destacaron por el arte de
sus cerámicas y sus pinturas murales, y por su arquitectura, con la construcción
de palacios como el de Cnosos. Estas piezas y construcciones fueron usadas por
los arqueólogos e investigadores para conocer la historia y características de la
civilización minoica, porque los registros escritos que existen de esta cultura aún no
pudieron ser descifrados.

Su historia:

Entre el 3.000 y el 2.000 a. C. los cretenses se agruparon en

pequeñas comunidades y conformaron las primeras aldeas. Se cree que parte de
estas poblaciones llegaron al territorio cretense desde otros lugares. Aunque
también existen registros de asentamientos anteriores a esta era.
 Se suelen identificar tres etapas principales de la civilización cretense:

 Etapa prepalacial (2800-2000 a. C.). Esta etapa marcó el comienzo de la

consolidación de la cultura minoica, que estuvo caracterizada por el crecimiento
urbanístico y por una población que se dedicó a la agricultura, a la caza y a la
explotación forestal. Posteriormente, la ubicación geográfica privilegiada de la isla y
la falta de algunos recursos llevaron a esta cultura a desarrollar la navegación y
el comercio. El conocimiento para manipular los
diferentes metales y materiales impulsó a los cretenses a comercializar sus
productos con otras islas del Egeo, Anatolia, Siria y Egipto.
 Etapa paleopalacial (2000-1700 a. C.). El creciente desarrollo comercial y artístico,
y el aumento poblacional de Creta permitieron inaugurar una nueva etapa que se
caracterizó, principalmente, por la construcción de palacios que funcionaban como
sede de la vida económica y social cretense. Estas edificaciones eran de gran
tamaño y tenían un patio interno y ambientes de almacenamiento.
 Etapa neopalacial (1700-1450 a. C.). Durante esta etapa un conjunto
de catástrofes naturales destruyó los palacios del periodo anterior, que luego fueron
reconstruidos. Estos nuevos palacios y edificaciones fueron aún más deslumbrantes
que sus antecesores, a causa del crecimiento económico cretense producto de la
expansión comercial y el desarrollo de la metalurgia y la cerámica.
 Postpalacial (1450-1100 a. C.). Algunos especialistas consideran que las
erupciones del volcán de la isla de Tera (actual isla de Santorini) marcaron el fin de
la autonomía y la independencia cultural cretense. Las cenizas volcánicas se
asentaron en grandes áreas de la región cretense y volvieron improductivas muchas
de sus tierras. Esta crisis productiva generó un decaimiento en la flota naviera y el
poder comercial cretense. A su vez, durante este periodo de debilitamiento político,
Creta es conquistada por los aqueos y, desde entonces, gobernada por una dinastía
micénica.

Su cultura:
Muchas de las evidencias que se tienen de la civilización cretense surgieron del
estudio de las cerámicas de la época. Arthur Evans fue un arqueólogo británico que
dedicó gran parte de su carrera al estudio de esta civilización, lo que permitió
conocer el trabajo de los cretenses en diferentes áreas como la metalurgia, la
cerámica y la arquitectura.

 Arte. Las paredes de los palacios minoicos estaban decorados con pinturas
murales. Los principales motivos eran tomados de la naturaleza y buscaban recrear
un ambiente sereno, con el objetivo de hacer del palacio un espacio de belleza.
 Metalurgia. Se considera que esta civilización tuvo un gran desempeño y habilidad
con los metales: fueron buenos hacedores de joyas en oro, bronce y cobre.
 Arquitectura. Esta cultura se caracterizó por la construcción de lujosos y grandes
palacios, que fueron encontrados en lugares como Cnosos y Festos. Estas
edificaciones eran de gran tamaño, tenían columnas, patios, no tenían murallas y
contaban con gran cantidad de ambientes. En sus ambientes se destacó la
 presencia de frescos, que eran pinturas con coloridos y brillantes tonos en las que
se representaban paisajes y figuras.
 Cerámica. Esta manifestación artística fue la que posibilitó conocer gran parte de lo
que se sabe de la civilización cretense. Estos pueblos tenían un gran conocimiento
sobre el manejo de la cerámica y construyeron vasijas, ánforas y copas. Para
decorarlas dibujaban y pintaban animales marinos y figuras geométricas, y
utilizaban colores como el amarillo, el rojo, el blanco, el pardo, el anaranjado y el
rosado.
 Escritura. Esta cultura desarrolló una escritura que se clasificó en tres etapas. En
un primer lugar, se trató de jeroglíficos similares a los producidos por los egipcios y
luego existen evidencias de escritura de tipo lineal A y B. Estos registros escritos de
la época aún no pudieron ser descifrados.

Palacios Cretenses:
Alrededor del 1700 a. C. algunos de estos palacios fueron destruidos, se cree que a
causa de fenómenos naturales, y luego vueltos a construir.

Los palacios más destacados de esta época fueron:

 Palacio de Cnosos. Es el palacio más importante del que se tiene registro, y se

encuentra a pocos kilómetros de Heraclión, capital de la isla. Fue descubierto en
1878 y las excavaciones fueron comandadas por Arthur Evans.
 Palacio de Festos. Está ubicado en el sudoeste de la isla, a 50 kilómetros de
Heraclión, y es el segundo palacio más importante. Tiene patios, talleres y templos,
y su excavación estuvo liderada por el arqueólogo italiano Federico Halbherr.
 Palacio de Malia. Es el tercer palacio más importante descubierto y está ubicado en
el norte de la isla de Creta. La edificación se realizó en torno a un patio central y fue
destruido, junto con el palacio de Festos y el de Cnosos, y luego reconstruido.
 Palacio de Zakros. Está ubicado en la costa este de la isla de Creta y se destacó
por su importancia comercial y militar. Es más pequeño que el resto de los palacios
descubiertos.

Su religión:
Como otros tantos pueblos de la antigüedad, la civilización cretense se caracterizó
por ser politeísta. Los cretenses veneraban a varios dioses y eran naturalistas, es
decir, sus dioses provenían o estaban relacionados con la naturaleza.
Todo lo que se conoce de la religión de esta civilización se obtuvo a través de los
objetos, el arte y las edificaciones halladas. Se cree que los cretenses adoraban a
sus dioses tanto en forma privada como pública y para eso realizaban ofrendas que
consistían en diferentes danzas, procesiones y rituales de sacrificio de animales.
La sociedad:
En la civilización cretense, existía una minoría privilegiada vinculada a las cortes
de los palacios. Los restos arqueológicos permiten afirmar a los especialistas que
esta minoría disfrutaba de una calidad de vida superior, ligada al lujo y a las
riquezas.
La mayoría de la población libre estaba compuesta por campesinos y labradores,
que vivían en las aldeas del ámbito rural. Además, en la sociedad existían
esclavos que, en su mayoría, pertenecían a la corte de los palacios.

Economía y Política:

La economía de la civilización minoica estaba sostenida por el comercio

marítimo. Su cercanía con el delta del Nilo les permitió a los cretenses tener un
gran intercambio cultural y comercial con Egipto, Chipre, Siria, Sicilia, Asia Menor y
el resto de Grecia.

Creta tenía muy desarrollada la producción artesanal, por lo que exportaba

productos de cerámica, tejidos y utensilios de metal. También era importante la
agricultura y la ganadería, y exportaba muchos de los productos obtenidos de estas
industrias, como el aceite, el vino, las aceitunas, la lana y el trigo. Por su parte,
Creta importaba de otros territorios metales, como oro, cobre y plata.

Aunque por su tamaño y estructura el palacio de Cnosos tenía una notable

superioridad respecto de los otros, no existía una unidad política que rigiera toda la
civilización cretense. En torno a los diferentes palacios se organizaba la vida
política, social, religiosa y económica de las poblaciones cercanas.

Materiales en la Cultura Cretense

Arquitectura Cretense

En la arquitectura cretense hay una serie de características que se van a dar en

toda construcción:

 Los muros estaban realizados con mampostería y piedra, como refuerzo, que
se va a enlucir, permitiendo la realización de pinturas en el interior.
 El suelo podía ser de dos maneras: a base de tierra batida o con losas de
piedra.
 Los soportes fundamentales son el pilar y, sobre todo, la columna, que será
muy característica: normalmente de madera policromada, aunque también
podía ser de otros materiales, pero no piedra. El fuste era o liso o estriado,
pero en todo caso la parte inferior era menos ancha que la superior. Podía
tener basa o no. El capitel estaba formado por dos partes: una montura
convexa y grande y un dado aplastado, por lo que se le considera
antecedente del capitel dórico, aunque mucho más vasto.
  La techumbre adintelada estaba formada por vigas de madera decoradas de
manera que formarán frisos. Esto también será imitado por los griegos.

Pintura Cretense

Las características principales de la pintura cretense son:

 Es la manifestación más clara, junto con la escultura, de la delicadeza y la

gran estilización y belleza de este arte.
 Se desarrolla sobre todo en el minoico reciente, aunque también se conocen
ejemplos del minoico medio. El momento de mayor esplendor se encuentra
entre el 1550 y el 1450 a.C.
 Sus precedentes están en Egipto, especialmente en la pintura del imperio
nuevo y en Mesopotamia, especialmente en el palacio de Mari. Es semejante
en técnica y en ejecución a estas pinturas, pero es diferente en los temas y
en la ausencia de tantos convencionalismos, rigidez y no encontramos una
jerarquización tan marcada.
 Es pintura al fresco, aplicada cuando el muro ya está estucado. Se realiza
con colores minerales disueltos en agua. También hay algo de relieve. Sólo
hay un ejemplo en donde se hace una labor similar a la marquetería, con
incrustaciones, que es el ejemplo del mono azul.
 Se emplean colores vivos, llamativos, limpios, claros y, a veces, ideales
(como el mono azul o delfines de un tono azul totalmente distinto al real). Se
trata de colores planos, sin matices. Tienen una gama cromática bastante
reducida: predomina el azul y el verde, con el blanco y el ocre. También
utilizan el negro.
 Es una pintura bidimensional.
 Los temas son humanos, vitalistas, que demuestran las ganas de vivir de los
cretenses. Son temas cotidianos y amables. Aparece el paisaje, animales
(unos reales y otros no, como los grifos), con un predominio de la fauna
marina. También hay temas humanos, unos de rituales, otros de juegos, etc.
 Se aprecia un gran gusto por formas ondulantes que conducen a una pintura
elegante.
 Las personas aparecen con cuerpos jóvenes, ágiles, planos, atléticos. El
hombre aparece semidesnudo y vestido con un faldellí y la mujer viste de
forma muy característica: un traje largo hasta los pies, con una falda de
 volantes y la parte alta ceñida con una especie de corpiño de gran escote y
de manga corta. También llevan peinados muy vistosos y adornos. Se utilizan
colores más claros para la mujer que para el hombre.
 Los fondos son lisos, sin perspectiva y generalmente de un solo color.

Escultura Cretense

La escultura cretense tiene menos importancia que la pintura. No se trata de

escultura monumental, sino de pequeñas estatuillas exentas. Están realizadas en
materiales ricos: de oro y marfil (criselefantinas) o de otros materiales como loza,
porcelana vidriada y coloreada muy fina y de terracota, más simples.

La mayoría son esculturas femeninas que representan seguramente a diosas o

sacerdotisas.

Las pocas esculturas masculinas son acróbatas. Se han encontrado especialmente

en santuarios y también en el oratorio de Cnosos.
La Cerámica Cretense

Cerámica de Kamares

Aparece en el minoico medio. Puede tener distintas formas pero siempre tendrán un
fondo oscuro (negro o azul muy oscuro) sobre el que se resaltan los colores blanco,
ocre y naranja. Es decoración geométrica con un predominio de la curva y la
contracurva y también aparecen algunos animales marinos.

Es frecuente que estas vasijas tengan una forma muy característica, con la boca
muy estrecha imitando el pico de un pájaro y a ambos lados del comienzo de la
boca se ponen dos piezas salientes redondas imitando los ojos.

Cerámica de estilo de palacio

Aparece en el minoico reciente. Es un estilo más naturalista, la decoración es con

formas vegetales muy estilizadas y jugando con curvas y contracurvas. Esta
vegetación va subiendo desde la base en sentido vertical hasta la parte superior de
la vasija. También hay decoración de animales marinos, como el pulpo, la medusa,
la estrella de mar, algas... estos animales no se encuentran sólo en la base sino que
llenan toda la vasija de forma asimétrica. El fondo sigue siendo de un color claro.
Las vasijas también siguen siendo de formas variadas, pero ya no aparece la
tipología con pico y ojos.

Vasija con un pulpo

Es la más representativa. Tiene una forma redondeada ligeramente aplastada. La

boca es estrecha y tiene dos pequeñas asas. Entre los tentáculos del pulpo hay
representaciones de algas.

Vasija con decoración floral

Tiene una forma distinta. En las zonas en las que no hay decoración floral, hay
decoración geométrica como curvas o roleos.
Civilización Sumeria
 ¿Quiénes fueron los sumerios?
Los sumerios fueron una civilización antigua que habitó la Mesopotamia asiática
entre el 3500 y 1750 a. C. A lo largo de su historia, los sumerios fundaron cientos
de ciudades-Estado a orillas de los ríos Tigris y Éufrates, controladas por sacerdotes
y líderes militares que buscaban imponer su dominio en la región.

A través de unidades políticas centralizadas, organizaron la producción agrícola y el

comercio, ordenaron la construcción de grandes obras, establecieron sistemas
de leyes y formaron grandes ejércitos.

Entre otros rasgos culturales, los sumerios son reconocidos por haber inventado
uno de los primeros sistemas de escritura y haber compuesto el primer
el Poema de Gilgamesh, la primera versión del mito del diluvio universal.

Características de la civilización sumeria

Las principales características de los sumerios fueron:

 Habitaron la Mesopotamia asiática entre 3500 y 1750 a. C. y fundaron decenas de

ciudades alrededor de los ríos Tigris y Éufrates.
 Se organizaron en ciudades-Estado independientes, controladas por una casta de
sacerdotes y líderes guerreros que concentraban el poder político, económico y
social.
 Su historia estuvo marcada por las guerras constantes entre las ciudades y los
intentos de conquista y hegemonía política.
 Sus ciudades fueron conquistadas por pueblos extranjeros y recuperaron su
independencia en diferentes ocasiones.
 Inventaron la escritura cuneiforme, que utilizaban para contabilizar la administración
de bienes y servicios de la ciudad.
 Desarrollaron varios textos literarios, épicos y religiosos que influenciaron a las
culturas contemporáneas y posteriores de toda la región.
 Historia de los sumerios:
Los especialistas dividen la historia sumeria en los siguientes periodos:

 Período de Uruk (c. 3500-2900 a. C.). Los sumerios se instalaron en la baja

Mesopotamia y fundaron más de 30 ciudades. Entre ellas se destacaron Ur, Uruk,
Lagash, Kish y Umma. Durante este periodo, las élites políticas de las ciudades-
Estado estaban vinculadas a los sacerdotes, y los templos funcionaban como
centros religiosos, políticos y administrativos. La ciudad de Uruk condensó la
hegemonía política y cultural en la región.
 Período dinástico arcaico (2900-2334 a. C.). El crecimiento demográfico y las
disputas entre ciudades por los recursos (agua, tierras y materias primas) inclinaron
la balanza de poder político a favor de líderes militares, que se convirtieron en
reyes. El centro de poder de las ciudades pasa de los templos a los palacios reales.
A pesar de las continuas guerras, la población siguió aumentando debido a las
mejoras en la producción agrícola y se fundaron nuevas ciudades.
 Reino de Akkad (2334-2218 a. C.). Desde el 2400 a. C., el pueblo semita de los
acadios se estableció gradualmente en la Mesopotamia central y fundó la ciudad de
Mari. En 2334 a. C., bajo el mando de Sargón, los acadios se apoderaron de la
ciudad de Kish y comenzaron una serie de campañas militares para dominar la
región. Sargón se consagró como Rey de las Cuatro Zonas del Universo y
estableció un reino con capital en Akkad, que obligó a los pueblos sometidos a
pagar tributo.
 Periodo Guti (2218-2047 a. C.). Las ciudades sumerias comenzaron una serie de
rebeliones que minaron el poder político de Akkad. A su vez, los guteos, un pueblo
proveniente de la zona montañosa del actual Irán, invadieron las ciudades
mesopotámicas y destruyeron la capital de Akkad. Los guteos tomaron las
costumbres y la lengua de los acadios, se impusieron a las ciudades sumerias y
comenzaron a cobrarles tributo.
 Renacimiento sumerio (2047-1800 a. C.). Luego de una serie de rebeliones para
liberarse del dominio guteo, las ciudades sumerias lograron expulsar a los guteos de
Mesopotamia. La ciudad de Ur inició un proceso de unificación y alianza entre
ciudades. Durante este periodo se destacaron las ciudades de Ur y Lagash, y son
características las construcciones en forma de zigurats (pirámides con terrazas,
templos y largas escalinatas). La independencia de las ciudades sumerias se
mantuvo hasta la invasión de los amorreos a la Baja Mesopotamia, hacia el 2000 a.
C., que arrasaron con las construcciones y se apoderaron de bienes y ciudades.
 Imperio babilónico (1792-1750 a. C.). Hammurabi, rey de la ciudad de Babilonia
conquistó a los pueblos asirios y sometió a las ciudades sumerias. El imperio
babilónico buscó centralizar el poder y unificar los territorios en su mando: creó un
sistema de leyes comunes e impuso la cultura acadia en todas las ciudades. Con la
muerte de Hammurabi, las rebeliones y las incursiones de pueblos vecinos
desplomaron el imperio.
 Cultura sumeria:
Los principales rasgos culturales de los sumerios fueron:

 Arquitectura. Los sumerios se caracterizaron por construir edificios en base a

ladrillo cocido sin cementos. Por eso, periódicamente debían mejorar sus
construcciones, lo que generó que el nivel de las ciudades se elevara por sobre las
planicies de alrededor. Una construcción característica de la arquitectura sumeria
fueron los zigurats, edificaciones con forma piramidal que se realizaban con ladrillos
secados al sol. En la cima, había un santuario consagrado al dios patrono del
templo y de la ciudad. El edificio se diseñaba imaginando una escalera para que la
divinidad descendiera hacia la ciudad y la protegiera.
 Escritura. Los sumerios crearon un sistema de escritura para registrar los productos
que se recibían en los templos y en los palacios. Esta tarea era llevada a cabo por
escribas, que eran personas educadas especialmente para tal fin. A lo largo de su
historia, la escritura sumeria tuvo diferentes etapas:

 escritura pictográfica (los dibujos representaban objetos)

 escritura ideográfica (los ideogramas representaban conceptos)
 escritura fonográfica (los signos representaban sonidos y se combinaban para
generar diferentes palabras)
 escritura cuneiforme (se complejizó el sistema y se estilizaron los signos para
una escritura más fluida).

 Literatura. Los arqueólogos han encontrado numerosos relatos sumerios, escritos

en tablillas de barro. Estos textos brindan historias, leyendas y mitos que permiten
conocer mejor la cosmovisión de los antiguos sumerios. Es especialmente
reconocido el Poema de Gilgamesh, en el que se narra la primera versión del mito
del diluvio universal, que luego sostuvieron otras religiones.
 Legislación. Los sumerios basaban su legislación en el derecho consuetudinario;
es decir, en la tradición dictada por la costumbre. Hacia 1790 a. C., el rey de
Babilonia hizo redactar sus leyes por escrito, en un texto que hoy es conocido como
el Código de Hammurabi. Esta compilación estaba integrada por 282 leyes que
trataban temas muy diversos como los robos, los homicidios, los problemas
comerciales, el matrimonio o la esclavitud. Las leyes tenían castigos muy severos y
se basaban en el principio de la Ley del Talión: “ojo por ojo, diente por diente”.
Según este principio, quien cometía un delito debía ser castigado con un mal igual al
que había causado.

Su ubicación geográfica:
Los sumerios se establecieron en la Mesopotamia asiática, una región ubicada en
las áreas no desérticas del actual Irak y la zona limítrofe del noroeste de Siria. Era
un área fértil sobre los ríos Tigris y Éufrates, rodeada del Desierto de Arabia, los
Montes Taurus, los Montes Zagros y el Golfo Pérsico.

La región se dividía en:

 Alta Mesopotamia. Era la zona del norte, donde se encuentran las nacientes de
los ríos. Se podía practicar la agricultura de riego natural.
 Baja Mesopotamia. Era la zona del sur, con la pendiente y la desembocadura de
los ríos. Por el clima seco y caluroso, era necesaria la construcción de canales para
controlar las sequías y las crecidas de los ríos.

Religión sumeria:
Los sumerios eran politeístas, es decir, creían en la existencia de muchos
dioses.
Cada ciudad sumeria tenía un dios principal:

 Enki (dios de la tierra y el agua) era el dios patrono de Eridu

 Enlil (dios del viento y las tormentas) era venerado en Nippur
 Nannar (divinidad de la Luna) era adorado en Ur
 Utu (dios del Sol) era el dios principal de Lagash
 Anu (dios del cielo) era la divinidad gerente de Uruk

Economía de los sumerios:

La economía de las ciudades-Estado sumerias se basaba en la agricultura, el

comercio y la organización del tributo. Las ciudades controlaban el territorio
circundante, a partir del cual se abastecían para la subsistencia de su población

Parte de los bienes agrícolas producidos por los campesinos eran entregados como
tributos al gobierno de las ciudades. Los templos y palacios almacenaban estos
bienes y los administraban para el crecimiento de la ciudad: intercambio de bienes
con otras ciudades, construcción de obras públicas, mantenimiento de grupos
sociales (escribas, guerreros y otros funcionarios) y asistencia en situación de crisis
(sequías o guerras).

Sociedad Sumeria:
La sociedad sumeria era jerárquica y los grupos de ciudadanos se dividían en
base a su rol u oficio. Los sacerdotes fueron desde el principio el grupo que
controló la administración y organización de las ciudades-Estado sumerias. Se
consideraba que eran intermediarios entre las personas y los dioses. A cambio de
sus servicios religiosos, poseían tierras y cobraban tributos.

Con el aumento de los conflictos entre ciudades, los guerreros cobraron mayor
importancia política y se asentaron, junto al grupo sacerdotal, como elites de las
sociedades sumerias: controlaban la administración de gobierno y la distribución de
bienes obtenidos a partir de los impuestos.
Además, había algunos grupos sociales que realizaban tareas especiales y recibían
su alimento y otros bienes por parte del Estado: escribas, guerreros, funcionarios,
comerciantes y artesanos especializados.

La mayoría de la población estaba integrada por campesinos que vivían en las

aldeas y se dedicaban a la producción de alimentos y el trabajo de la tierra.
Además, debían cumplir obligaciones públicas, como trabajar en las grandes
construcciones, cultivar tierras reales o prestar servicio militar.

Por último, en la sociedad sumeria había esclavos, que eran prisioneros de

guerra.

Política de los sumerios:

A lo largo de su historia, la organización política de los sumerios se fue

modificando según su contexto. Durante la época de su independencia, las
ciudades-Estado sumerias tenían un gobierno teocrático.

Inicialmente, las ciudades eran gobernadas por patesi, sacerdotes que

administraban el culto y los asuntos legales, económicos y sociales. En los templos
se concentraba la actividad política además de realizarse las ceremonias y ofrendas
religiosas.

Arte Sumerio

El arte del periodo sumerio tiene especial brillo en la escultura.

La escultura sumeria tiene una serie de características que la hacen específica y

que van a transmitir:

 Realizan escultura de bulto y de relieve, ambas con las mismas

características.
 Utilizan como material la piedra caliza o el alabastro yesoso o alabastrín, que
da una mayor finura en la ejecución.
 Los temas tratados son de la realidad cotidiana, lo que les da un interés
histórico muy grande. No va a haber la fantasía de Egipto porque la religión
no es el centro temático.
 Especialmente se tratan temas de la paz o de la guerra, y suelen llevar
inscripciones que las explica.
 Las figuras no se estudian como una unidad, sino como un conjunto de
partes, por lo que no siempre hay proporción.
 Suelen ser figuras rechonchas que muestran un gusto por las formas
angulosas (en los codos, hombros…)
  La cabeza suele estar rapada o con trenzas, muchas veces no tienen cuello y
la cara suele tener grandes ojos y la nariz muy marcada y curva (por ello se
les llama "figuras de perfil de pájaro"). La boca sonríe ligeramente, se dice
"expresión del gozo del orante". Los hombres suelen llevar barba larga.
La postura de los brazos es siempre la misma: los brazos delante del pecho y
una mano, normalmente la izquierda, forma un puño, que coge la otra mano.
Esto cambiará en la época neosumeria.
 Su indumentaria suele ser siempre igual: un kaunakes, algo similar a un
manto, que en el hombre va de cintura para abajo y que en la mujer cubre
desde los hombros. Es una piel de animal, normalmente oveja, que a veces
llevan por la parte vista de la lana o a veces con la parte de la piel. La primera
aparece llena de curvaturas y es lo más frecuente, mientras que en la
segunda aparece lisa con unos flecos debajo.
 En los relieves, las figuras forman frisos y a veces hay simetría. Hay una
jerarquización por tamaños y el fondo es liso, sin paisaje. Al igual que en
Egipto, también tiene doble punto de vista, de frente y de perfil.

Esculturas de bulto redondo

Algunas de las mejores obras de la escultura sumeria de bulto redondo son:

Grupo Escultórico de Tell-Asmar

Es un grupo muy antiguo, es de las primeras esculturas sumerias encontradas.
El Intendente de Ebih-il La dama de Warca

La cortesana o la cantante de Ur-Nansha La Gran

Sacerdotisa

Mantiene la forma de las cejas, que también están huecas. Tiene una expresión
serena y tranquila y guarda una mayor proporción. Seguramente llevaría una peluca
o un tocado (debido a la ranura) que no se ha conservado, pero que lo más
probable es que fuera de oro, como el de la reina Puabi o Shubar.
 Cultura egipcia
La cultura egipcia existe desde hace más de 6,000 años, sufriendo numerosos
cambios por parte de los pueblos invasores, como los arabas, romanos y griegos.
Su centro fue en el noroeste de África, a orillas del río Nilo, pero su expansión se ha
visto en épocas de conquistas imperiales.

El arte egipcio fue fundamentado en la religión y en sus ideas sobre la ultratumba,

con el carácter divino y sagrado del faraón. La pintura se centró por la
preponderancia de las líneas en sus pinturas.
La elaboración de las pinturas se utilizó los colores minerales aplicados sobre
paredes de yeso, obedecen a los cánones del relieve y las figuras están situadas en
franjas y a la vida cotidiana.

La pintura se utilizaba para decorar las paredes de los templos y tumbas, también
para ilustrar los papiros. Una de sus técnicas que se utilizó mucho fue la del
“fresco”. Los pigmentos se diluían en agua antes de aplicarse sobre la pared
húmeda. El empleo de los colores planos es una de sus grandes características.

Materiales utilizados:

Madera: piedra como superficie para pintar.

Estuco: como capa antes de pintar.
Goma arábiga y clara de huevo: mezcla para fijar los colores.
Huevo u caucho: polvos triturados

Creación de los colores:

Carbón (negro)
Yeso u cal (blanco)
La malaquita (verde)
Amarillo y rojo (ocre natural del desierto)
Óxido de hierro (rojos y violetas)
Lapislázuli (azul)
Vidrio (azul)
La aplicación de los colores en las representaciones egipcias estaba sujeta a reglas
y al convencionalismo, a las mujeres su tez de piel era amarilla a diferencia de los
hombres que se les pitaba de rojo oscuro y las túnicas de blanco esto indica que la
coloración posee un carácter simbólico.
 Civilización Romana
La civilización romana comenzó en el año 753 a.c con la fundación de roma que
surgió como una comunidad cerca del río Tíber. Se convirtió en una de las ciudades
que expandió poder e influencia por Italia y llegó a ser una de las potencias
imperiales más exitosas de la historia.

La mayoría de las pinturas romanas se aprecia que los colores son muy vivos, se
debe gracias a que los romanos aplicaban una clase de cera por toda la superficie lo
que ayudó a potenciar los colores y a su conservación.
Una de sus técnicas, la que más destacó fue la técnica del “opus tessellatum” que
se basaba en hacer mosaicos.

La pintura en murales se destacó por los diferentes temas y temáticas como:

-Arricio: se usaba cal, arena y agua para el proceso de preparación en la superficie,
aprovechaban la humedad para la aplicación de los colores.
- Intonaco: se usaba una mezcla fina de polvo, mármol, cal y agua para poner los
pigmentos.
- Fresco: la más conocida y perduró en la historia con mucha claridad, se aplicaba
una base de yeso, después una capa de cal.

Los romanos adoptaron ciertas técnicas de los griegos, se utilizaba agua y grasa
animal o de huevo que fue una de las favoritas de Miguel Ángel, llamada pintura al
temple. Otra de ella fue la pintura encáustica que usaban la cera que le daba un
aspecto cremoso a la pintura y los colores, al terminar pasaban una tela de lino para
limpiar las impurezas que ayudaba a su conservación.

En el periodo de la pintura helenística se utilizaba el mármol, para recrear el lujo de

antaño.
 Cultura China
Arte Chino

El arte chino posee una rica tradición que se remonta a diferentes dinastías. Cada
período histórico ha dejado su huella en las expresiones artísticas, reflejando las
particularidades de la sociedad y la cosmovisión de cada época. El arte chino nos
revela técnicas y elementos únicos, la pintura y caligrafía, la escultura en piedra, la
porcelana china y la arquitectura en madera destacan entre sus expresiones
artísticas.

La influencia del budismo, la conexión con la naturaleza y la expresión de la

interioridad son temas recurrentes, temas de la corte imperial.

La Dinastía Shang, una de las primeras dinastías chinas, floreció en el periodo

comprendido entre el siglo XVI a.C. y XI a.C. se caracterizó por la elaboración de
objetos ritualísticos, como vasijas de bronce y jades, en las que se plasmaban
símbolos y motivos religiosos.

Dinastía Zhou, abarcó desde el siglo XI a.C. al 256 a.C., fue un período marcado
por el fortalecimiento de la influencia confuciana en la sociedad china. En el arte,
esto se reflejó en la producción de obras que buscaban transmitir valores morales y
éticos, como las esculturas de jade y las caligrafías.

Dinastía Han se extendió desde el 206 a.C. hasta el 220 d.C., fue una época de
gran desarrollo en el arte chino. Durante este período, se produjeron importantes
avances en la pintura, la escultura y la cerámica. Destacó especialmente la creación
de hermosas figuras de cerámica conocidas como «figuras de terracota»,
elaboradas como expresión artística y para acompañar a los difuntos en su vida
futura.
Dinastía Tang que gobernó desde el 618 d.C. hasta el 907 d.C., es considerada
una de las épocas doradas del arte chino. Durante este período, se produjeron
grandes avances en diferentes disciplinas artísticas, como la pintura, la caligrafía, la
escultura y la cerámica. Se destacaron obras como los famosos caballos de
terracota y la cerámica tricolor Sancai.

Dinastía Song abarcó desde el 960 d.C. hasta el 1279 d.C., fue un período de
profundos cambios políticos y sociales en China. En el ámbito del arte, se
caracterizó por una mayor refinación y delicadeza en la pintura y la cerámica.
Destacaron los paisajes pintados con tinta china y los delicados cuencos de
porcelana.
Dinastía Yuan, que gobernó desde el 1279 d.C. Hasta 1368 d.C., fue un período de
gran influencia cultural mongola en China. En el arte, se produjo una mezcla de
estilos chinos y mongoles, destacando la pintura de paisajes y las esculturas en
madera talladas con gran detalle.

La dinastía Ming,La dinastía Ming fue fundada por Zhu Yuanzhang, un campesino
que llegó al poder durante el caos de la dinastía Yuan liderada por los mongoles.
Estableció su capital en Nanjing y gobernó como Emperador Hongwu. Durante su
reinado, implementó reformas radicales para restaurar el orden y la estabilidad en
China. La dinastía Ming fue la última dinastía imperial de China y gobernó desde
1368 hasta 1644 fue una época de esplendor en el arte chino. Durante este período,
se produjeron avances en la cerámica, la pintura y la arquitectura. Destacaron las
famosas porcelanas azules y blancas y también inició la construcción de la Gran
Muralla para defenderse de los mongoles.
Arquitectura de la Gran Muralla: La arquitectura de la Gran Muralla es una mezcla
de diferentes estilos y técnicas. El muro se construyó con una variedad de
materiales, incluidos ladrillo, piedra y tierra. El uso de ladrillo y piedra permitió una
mayor estabilidad y durabilidad, mientras que el uso de tierra hizo que el muro fuera
más flexible y capaz de absorber los impactos de terremotos y otros desastres
naturales. El muro también fue diseñado para ser estéticamente agradable, con
elementos decorativos como portales ornamentados y relieves de piedra tallada.
Generalizando, se dice que la dinastía Ming estuvo dominada por el nacionalismo,
compuesto por un deseo de redescubrir la riqueza cultural propia de China, que
había sufrido tanto bajo el dominio extranjero impuesto por los mongoles, los
jurchen y los khitan. Los arcaísmo y las colecciones de objetos arqueológicos de la
antigua China, como los jades y los bronces de época Han se pusieron de moda
entre la clase erudita, y la pintura que imitaba el estilo Tang ganó popularidad. Las
historias y los tratados de época pre-Song fueron reexaminados, comentados y
anotados.
Ming significa brillante, claro, luminoso.
Elementos y técnicas del arte chino
El arte chino se caracteriza por una variedad de elementos y técnicas que han sido
utilizados a lo largo de su historia para crear obras de gran belleza y significado.
Pintura y caligrafía son consideradas formas de expresión artística íntimamente
relacionadas con el arte chino. Estas formas de arte se basan en el uso del trazo y
la pincelada, que reflejan la esencia misma del pensamiento artístico taoísta. A
través de estas técnicas, los artistas chinos han logrado transmitir estados de
ánimo, paisajes naturales, figuras humanas y diversas temáticas de manera
delicada y poética.

La escultura en piedra, ha sido otra forma importante de manifestación artística en

el arte chino. Esta técnica se ha utilizado tanto con fines decorativos en caminos
funerarios como para representar el poder en esculturas monumentales. Además,
ha tenido un propósito religioso, especialmente en la difusión del budismo.

La porcelana china es reconocida en todo el mundo por su delicadeza y belleza.

Esta técnica se ha desarrollado a lo largo de siglos, perfeccionando la producción de
piezas de cerámica de alta calidad. La porcelana china se caracteriza por su brillo,
transparencia, resistencia y variedad de diseños, convirtiéndose en un símbolo de la
cultura y tradición china.

Arquitectura en madera es una forma de expresión artística significativa en la

cultura china. La construcción de templos, palacios y estructuras tradicionales ha
utilizado la madera como material principal. Estas construcciones reflejan la
jerarquía social y la estética china, destacando por sus detalles ornamentales y su
integración armoniosa con la naturaleza circundante.

Uso de materiales como bronce, jade y seda y otros materiales han sido
valorados tanto por su belleza estética como por su significado simbólico. Estos
materiales estaban asociados con el ritual, la representación social y la tradición
cultural china.
Las tintas
año 2000 a.C.
Alrededor del cuarto milenio antes de nuestra era, se desarrolló en China un tipo de
tinta creada a partir de la mezcla de dos compuestos de la madera: el pigmento
negro de hollín y la goma de resina.

El origen del papel

año 100 d.C.
El papel se descubrió en la China Imperial de la dinastía Han en el siglo II d.C. En
un principio se utilizó como envoltorio, pero pronto se comenzó a usar como soporte
para escribir y dibujar. Hasta el año de su descubrimiento, el 105 d.C. la escritura se
realizaba sobre incómodas varillas de bambú o sobre caros tejidos de seda. La
creación del papel a partir de un mortero de corteza de árboles, lino, cáñamo y
desechos vegetales y tejidos hizo posible una nueva superficie sobre la que
representar y transmitir conocimientos y mensajes.

CIVILIZACIÓN MINOICA
La civilización minoica floreció a mediados de la Edad de Bronce en la isla de Creta,
situada en el Mediterráneo oriental, entre los años 2000 y 1450 AEC. Con su arte y
arquitectura únicos, y la expansión de sus ideas a través del contacto con otras
culturas del Egeo, los minoicos contribuyeron de forma significativa al desarrollo de
la civilización europea occidental.

Se denomina minoica en referencia al rey Minos de Creta, personaje de la mitología

griega, siendo una de las culturas más suntuosas, refinadas y sorprendentes de
toda la prehistoria europea. Así, la civilización cretense fue una de las más
florecientes debido a su gran actividad marítima y comercial.

El arte minoico o cretense dejó una honda huella en la tradición helénica, siendo
una de las bases del arte y la cultura occidental.

 Es un arte en el que se recoge lo cotidiano, en el que prima la escala

humana, sin que en el domine lo transcendente. Un arte más profano que
religioso.
 Es el reflejo estético de una sociedad aristocrática, rica y refinada.
 El mar es una de las principales fuentes de inspiración, siendo uno de los
temas habituales en la pintura y escultura. A las escenas marítimas se suma
escenas mitológicas, de tauromaquia, paisajística y de la vida cotidiana.
 Es un arte colorista en el que el dibujo sigue la ley de la frontalidad, muy
similar en ejecución y técnica a la pintura egipcia, si bien las figuras no
tienen una perspectiva tan jerárquica como en este arte.
 La pintura es bidemensional y al fresco, empleando colores vivos tanto en la
decoración arquitectónica como en la pintura mural y la decoración de
cerámica.
 En arquitectura la principal construcción son los palacios, edificios que son
imagen del poder político y económico de la aristocracia cretense. Entre los
palacios más importantes se destaca el Palacio de Cnossos, el de Mallia y el
de Phaistos.
 La escultura minoica no posee estatuas monumentales, sí pequeñas figuras
conocidas como ídolo cicládico.
 Por lo que respecta a la cerámica cretense, es una cerámica de paredes
finas, de líneas estilizadas y formas geométricas.

Etapas del arte minoico: fases y evolución

Las etapas en las que se divide la civilización cretense son:

Período pre-palaciego o Minoico temprano I - Minoico medio IA (comienza

c. 3000 a. C.)

Es el período de las grandes ciudades, momento de contactos comerciales con

otros pueblos. Las prácticas funerarias son muy elaboradas con grandes tumbas y
ricos ajuares. La orfebrería y la alfarería se consolidan con una producción muy
elaborada y fina.
 Palacio antiguo o período protopalacial o Minoico medio IB - Minoico
medio IIB (comienza c. 1900 a. C.)

En esta época se construyen los palacios minoicos. El primero fue el de Cnossos,

seguido de los de Festos, Mallia y Chania. A ellos se suman otros más pequeños
como los de Petras, Galtas y Monastiraki. Los grandes palacios son extraordinarios
por la complejidad de su construcción y por la similitud constructiva entre todos, un
claro indicio de la existencia de una administración central. Los palacios se
construyen con grandes bloques de sillar de piedra caliza, con un gran patio central
abierto con orientación norte-sur, espacios de almacenamiento y numerosas
estancias domésticas decoradas con pintura mural.
En esta época también se desarrolla la llamada cerámica Kamares, típica de este
período, y muy comercializada en Egipto, Siria y Chipre.

Palacio nuevo o período neopalacial o Minoico medio IIIA - IB minoico

tardío (comienza después de 1730 a. C.)

El período anterior terminó de forma brusca y dramática por un terremoto. Un

acontecimiento acaecido alrededor de 1730 a.C y que tuvo como respuesta la
construcción de nuevos palacios. Uno de ellos será el Palacio de Zakros, además
de levantarse grandes asentamientos como Palaikastro, Gournia y Kommos, con
conexiones a los palacios cercanos. De esta etapa se conservan documentos
escritos como las tablillas de arcillas grabadas con la escritura lineal A. Unas
tablillas que constituyen los registros administrativos de los palacios y que aún no se
han descifrado en su totalidad.
En la cerámica aparecen como motivos animales marinos, considerándose una
muestra del poder en el mar desplegado por los minoicos. Es también la época de
los frescos más destacados de la Edad del Bronce. Su influencia se extiende a otros
puntos del Mediterráneo oriental como Egipto.
Este período abarca dos siglos de gran florecimiento económico, político y cultural,
siendo especialmente notable en la pujante cultura micénica de la Grecia
continental. Sobre el 1.450 a C todos los enclaves de la isla fueron abandonados o
quemados, sin que se sepa realmente cuál fue el motivo de este final de la cultura
minoica.

Período post-palaciego o finales del período minoico IIIA-C (comienza

después de 1450 a. C)

En esta etapa, se reconstruyeron los sitios de Cnossos y Chania, si bien es notoria

la influencia de la cultura micénica, especialmente en sitios como la sala del trono
de Cnosos. Otra de sus características es una nueva escritura y lenguaje
administrativo, la lineal B. Esta escritura está considerada como una forma
temprana de la lengua griega clásica.
Estamos ante una sociedad teocrática y una economía en la que prima la ganadería
y la industria textil. Las nuevas tumbas son de estilo guerrero, con tumbas de
cámara y de pozo en las que no faltan los ajuares con vasijas de bronce, espadas y
dagas y con los difuntos enterrados en féretros o ataúdes de madera.
Características de la pintura minoica
Entre sus principales características de la pintura minoica nos encontramos:

 Es una pintura polícroma con predominio de los colores ocres.

 La técnica más empleada es la del fresco.
 Abundan las espirales y los círculos, además de los motivos marinos como
pulpos y delfines.
 Existe un canon muy definido: cuerpos largos con cinturas estrechas, narices
alargadas y delgadas, caras sonrientes y de perfil. Las mujeres suelen
representarse con el pecho descubierto y largas faldas. Los cabellos son
rizados y presentan peinados complejos.
 Entre las principales pinturas se destacan: El príncipe de los lirios, escenas
de tauromaquia, escena de los púgiles, decoración del Megaron de la Reina
en Cnossos.

Por lo que respecta a la escultura minoica podemos señalar las siguientes claves:

 No hay estatuaria monumental.

 Los ídolos Cicládicos son figuras esquemáticas, de pequeñas dimensiones y
con los brazos cruzados bajo el pecho.
 Las esculturas se realizan en barro y piedra.
 También hay representaciones más realistas como la icónica Diosa de la
Serpiente o la Cabeza de Toro.

Los minoicos se inspiraban en la naturaleza, y su arte tiene un sorprendente grado

de realismo. Los materiales que utilizaron fueron alabastro y la terracota.
 NANNING,
-- Un grupo de pinturas rupestres de la región autónoma Zhuang de Guangxi en el
sur de China, que datan de hace más de 2.000 años, fueron incluidas hoy en la lista
del patrimonio mundial de la Organización de Naciones Unidas para la Educación, la
Ciencia y la Cultura (Unesco, por sus siglas en inglés).

El sitio de Zuojiang Huashan, con una superficie de más de 6.621 hectáreas, es

hogar de más de 1.900 pinturas rupestres bien conservadas en las montañas
Huashan, a lo largo del río Zuojiang, en Chongzuo.
Las pinturas de color rojo parduzco retratan los sacrificios del pueblo Luoyue, los
ancestros de la actual minoría étnica Zhuang, durante el Período de los Reinos
Combatientes (475-221 a.C.) y la Dinastía Han Oriental (25-220).
Liang Tingwang de la Universidad Minzu de China en Beijing dijo que las principales
imágenes en las pinturas son de personas con forma de rana, un tótem del grupo
étnico Zhuang, y la invención del cultivo artificial del arroz por parte del pueblo
Zhuang.
Lan Riyong, quien trabaja en la oficina de solicitud de ingreso al patrimonio mundial
de Guangxi, dijo que las pinturas son el único registro del pueblo Luoyue ya
desaparecido.
Aún no se sabe cómo lograron los Luoyue pintar en las rocas a alturas de entre 10 y
130 metros sobre la superficie del río, indicó.

El arte rupestre de la montaña Huashan

Las pinturas rupestres, localizadas en precipicios que tienen en total más de 200
km de extensión, están a orillas del río Zuojiang y de su afluente, el río Mingjiang.
Fueron elaboradas en más de 700 años, entre el siglo V aj y el siglo II, por los
antepasados de la antigua etnia Luoyue.

Aunque han sufrido por más de 2000 años de la erosión a causa del viento y las
lluvias, hoy todavía pueden verse más de mil dibujos, por lo cual dicha zona es
conocida como “el museo de pinturas en precipicios” o “las cuevas de Mogao de
Dunhuang en acantilados”.
Pinturas rupestres de la montaña Huashan.

La zona es conocida como “el museo de pinturas en precipicios”.

Clasificación de la pintura china

Hua Yen, 1729.

• pinturas de flores y pájaros (花鳥畫 huā niǎo huà)
• pinturas de paisajes (山水畫 shān shuǐ huà)
• retratos (人物畫 rén wù huà)
• animales (動物 Dòngwù)
Según la técnica

• Pintura con atención fina al detalle （工筆 Gong Bi）

• Pintura de pincelada rápida （寫意 Xié Yì）
• Pintura con tinta china negra （水墨 Shui Mo）

Historia de la pintura china

La pintura china clásica aparece en torno al siglo iii a. C., pero no sería hasta el
siglo i a. C. cuando la técnica se plasmara sobre papel, a partir del desarrollo de la
caligrafía china y el papel de arroz.
La pintura de paisajes constituye el género más “noble” de la pintura china clásica, a
través de ella se transmiten las concepciones micro- y macro-cósmicas chinas del
universo. No es un arte figurativo que se haya modelado después, sino el resultado
del sentimiento experimentado por el pintor que, tras la contemplación del paisaje, lo
plasma en la pintura.
En el caso de la pintura de paisajes “montaña y agua”, la armonía de los
elementos yin - yang, el juego de las condiciones atmosféricas, de los estratos
geológicos, de las texturas informes en blanco y negro tienen, como fundamento,
una apropiación expresionista de la naturaleza muy alejada de la mimesis o
imitación exacta, como sucede con la estética occidental.
La concepción confucionista del mundo se refleja, asimismo, en la pintura de
paisajes en los que las figuras o las construcciones humanas aparecen de forma
muy reducida, situadas en un marco cosmológico completo.
Únicamente en las pinturas cuyo objeto central son los vegetales, los animales, o los
seres humanos se introduce el color en la pintura: el tema de los letrados meditando
o reunidos (por ejemplo los Siete sabios en un bosque de bambú), o de santos, son
los temas particulares de estas pinturas. Algunos pintores se especializaron en un
tema concreto: caballos, (徐悲鴻 Xu Beihong), bambús, incluso gambas.

Fue mucho más tarde cuando los poemas o epitafios se añadieron directamente
sobre las pinturas, especialmente en los paisajes. Las obras más célebres se
caracterizan, asimismo, por el número de sellos en tinta roja que designa la lista de
los emperadores que se encontraba en la colección imperial, la mayor parte de ellos
están, actualmente, en el Museo Nacional de Taipéi (Taiwán), tras el exilio del
partido Kuomintang.
La representación del espacio en la pintura china,, que rechaza la perspectiva del
punto de fuga, ha adoptado, en algunas ocasiones, y en los últimos siglos, las
representaciones del espacio trigonométrico, especialmente cuando se trata de
pintar pueblos o ciudades.
Maestros de la pintura china(中國畫家 zhōngguó huàjiā)

Primavera reciente (1072), de Guo Xi, Museo Nacional del Palacio, Taipéi.

Pintores antiguos (古代 GǔDài)[editar]

• Zhāng Zé Duān Sòng Huī Zōng 張擇端宋徽宗
• Táng Bó Hǔ 唐伯虎（Dinastía Ming, 明代 míng dài）
• Sòng Huī Zōng 宋徽宗（Dinastía Song, 宋代 sòng dài）

• Zhū Dā 朱耷, conocido como Bā Dà Shān Rén 八大山人（Dinastía Ming, 明代

míng dài）
• Qíu Yīng 仇英（Dinastía Ming, 明代 Míng Dài）
• Ní Zàn 倪瓚（Dinastía Yuan, 元代 Yuán Dài）
• Shitao 石濤 (Dinastía Qing)

Pintores contemporáneos (近代 jìndàiQing Shi Huang[editar]

• Qí Bái Shí 齊白石'
• Xú Bēi Hóng 徐悲鴻'
• Zhāng Dà Qiān 張大千
• Yú Fēi Àn 于非闇
• Fù Bào Dàn 傅抱石
• Lí Xióngcái 黎雄才
• Lu Yanshao 陸儼少
• Lin Feng Mian
• Wáng Jiǔjiāng 王久江
• Wang MeiFang 王美芳
• Wang Shiyan 王時焰
• Qu Qianmei 瞿情梅
• Li Chi Pang 李濟邦

En general , la pintura china se compone de uno o más poemas , caligrafía, una

imagen pintada y el sello del artista. Varios métodos deben distinguirse :
1. técnica Gongbi ( El cepillo cuidado o el cepillo hábil ) se caracteriza por su
delicadeza y su precisión en detalle.
2. técnica Baimiao (Dibujo de la línea ) dibuja sólo los contornos de tinta negro.
Se inserta en Gongbi.
3. técnica Mogu (Sin marco ) es similar a Gongbi , pero no dibuja contornos.
4. Xieyi técnica ( Para escribir la idea o Para escribir la intención ) se caracteriza
por un diseño completo y utiliza principalmente el principio de la gama.
5. técnica shuimo (Tinta y agua) son un estilo de Xieyi, Pero sólo llevado a cabo
con tinta de color negro , mientras que la explotación de los rangos.
El propósito de la pintura china es llevar a cabo con la mayor concisión un encanto
artístico que lleva un sentido de lo infinito. De hecho, en el pensamiento tradicional
china, el universo se compone de respiraciones ( qi ) de diferentes densidades y
siempre en movimiento, fuente de la vida. Para recrear estas respiraciones en una
imagen le da vida y estableció un vínculo directo entre el universo , la pintura y el
ser humano. Así, el acto de pintar o contemplar una pintura hace que sea posible
encontrar la unidad con el cosmos. En consecuencia, es más que un simple trabajo
de estética : es un arte de vivir. Rhyme de las respiraciones y el movimiento de la
vida es , en mi opinión , una excelente expresión de captar el significado de la
pintura china.
Los formatos utilizados en la pintura china son muy variadas. Más conocidos son el
rodillo grande , el formato horizontal , el rango , etc.
Los temas pueden ser los pueblos , paisajes, flores y pájaros, mamíferos , insectos
y peces , la arquitectura, etc. Las fuentes de inspiración son así directamente en la
naturaleza, sino también en las pinturas de los antiguos Maestros.
Los paisajes, los personajes y las flores y los pájaros son los tres temas preferidos
de los pintores chinos. Implica un estudio a fondo de las plantas y flores de acuerdo
a las cuatro estaciones del año y del aspecto de los pájaros, los insectos , los peces
y los mamíferos.
Los puntos esenciales de la composición de las pinturas chinas son:
1. La organización general y las direcciones ( ascendente, descendente , con el
apoyo , etc).
2. La densidad y la reunión ( o dispersión ). Los pintores antiguos , para dar una
indicación de la densidad de una pintura.
3. El vacío. En la pintura tradicional china , el vacío tiene un lugar muy
importante. Puede representar el cielo , la tierra , el agua, las nubes, etc. Esto hace
posible dar una imagen de la pintura , sino también para proyectar al espectador en
un mundo mucho más vasto , incluso infinito , dejando un terreno libre para la
imaginación. La contemplación se apoya sobre la parte llena de la pintura como un
trampolín para impulsarse en lo absoluto a través de la parte vacía. Los poemas
chinos se basan en el mismo principio.
4. Mucho más importante son las inscripciones. Ellos incluyen el título, el
contenido ( poema, prosa, descripción, historia, etc ), el nombre del autor y su sello.
Todos deben tener la caligrafía en diferentes estilos de acuerdo a lo que el artista
quiere expresar. La vida de la pintura depende de la elección de las inscripciones y
sus posiciones. Son ellos los que trabajo completo. Sin ellos , la pintura es sólo un
cuerpo sin vida.

Historia del dibujo en India

 El dibujo en la India tiene una historia tan rica y diversa como su cultura
misma. Se remonta hace miles de años y está entrelazado con las tradiciones
religiosas, culturales y artísticas del subcontinente. Aquí hay un vistazo al origen y
evolución del dibujo en la India:

Los abrigos rocosos y las cuevas de Bhimbetka cuentan con una gran cantidad de
pinturas. Algunas de las pinturas más antiguas datan del año 10.000 a. C. pero
algunas de las figuras geométricas datan de una fecha tan reciente como el período
medieval. Los dibujos y pinturas se pueden clasificar en siete épocas diferentes.
VS Wakankar clasificó los dibujos y pinturas en siete períodos diferentes y fechó las
primeras pinturas que pertenecieron al Paleolítico superior hace 40.000 años.
Los colores utilizados son vegetales que han perdurado en el tiempo porque los
dibujos generalmente se realizaban en el interior de un nicho o en paredes
interiores.
Período I– (Paleolítico superior): Son representaciones lineales en verde de
humanos bailando y cazando.
Período II– (Mesolítico): De tamaño comparativamente pequeño, las figuras
estilizadas de este grupo muestran decoraciones lineales en el cuerpo. Además de
animales hay figuras humanas y escenas de caza, dando una idea clara de las
armas que utilizaban: lanzas de púas , palos puntiagudos, arcos y flechas.
Algunas escenas se interpretan como una representación de una guerra tribal entre
tres tribus simbolizadas por sus tótems animales. Las representaciones de danzas
comunales, pájaros, instrumentos musicales, madres y niños, mujeres
embarazadas, hombres cargando animales muertos, bebidas y entierros aparecen
en movimientos rítmicos.
Período III– (Calcolítico) Al igual que las pinturas del Mesolítico, estos dibujos
revelan que durante este período los cavernícolas de esta zona estuvieron en
contacto con las comunidades agrícolas de las llanuras de Malwa, intercambiando
bienes con ellas.
Período IV y V– (Histórico temprano): Las figuras de este grupo tienen un estilo
esquemático y decorativo y están pintadas principalmente en rojo, blanco y amarillo.
La asociación es de jinetes, representación de símbolos religiosos, vestidos tipo
túnica y existencia de escrituras de diferentes épocas. Las creencias religiosas
están representadas por figuras de Yakshas, dioses arbóreos y carros mágicos del
cielo.
Período VI y VII– (Medieval): Estas pinturas son geométricas lineales y más
esquemáticas, pero muestran degeneración y crudeza en su estilo artístico. Los
colores utilizados por los cavernícolas se preparaban combinando óxidos de
manganeso negros, hematita roja y carbón vegetal.
Una roca, conocida popularmente como "Roca del Zoológico", representa elefantes,
barasingha (ciervos de los pantanos), bisontes y ciervos. Las pinturas sobre otra
roca muestran un pavo real, una serpiente, un ciervo y el sol. En otra roca están
pintados dos elefantes con colmillos. Las escenas de caza con cazadores portando
arcos, flechas, espadas y escudos también encuentran su lugar en la comunidad de
estas pinturas prehistóricas. En una de las cuevas, se muestra a un bisonte
persiguiendo a un cazador mientras sus dos compañeros parecen estar impotentes
cerca; en otro se ven algunos jinetes, junto con arqueros.

En uno de los desolados refugios rocosos, la pintura de un hombre que sostiene un

bastón en forma de tridente y baila ha sido apodada "Nataraj" por el arqueólogo VS
Wakankar. Se estima que las pinturas en al menos 100 refugios rocosos podrían
haberse erosionado.
•
Bailarines mesolíticos Un hombre atacado por un
bovino con cuernos.

Gente cazando animales Personas a caballo con

armas

Hombre montando elefante

Pintura rupestre mesolítica, declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO

Una pintura erosionada en las cuevas que muestra a un hobre bailando y

sosteniendo un bastón parecido a un tridente.

El arte rupestre en la India se remonta a

miles de años y ofrece una ventana fascinante
hacia las antiguas culturas y sociedades que poblaron la región. Aquí hay algunas
de las ubicaciones y estilos más destacados del arte rupestre en la India:

1. Bhimbetka, Madhya Pradesh: Bhimbetka es uno de los sitios más

importantes de arte rupestre en la India y ha sido declarado Patrimonio de la
Humanidad por la UNESCO. Se encuentra en el estado de Madhya Pradesh
y contiene más de 700 cuevas y abrigos rocosos que muestran pinturas
rupestres que datan de hace aproximadamente 30,000 años hasta la época
histórica. Estas pinturas representan escenas de caza, danza, guerra, vida
cotidiana y fauna local.

2. Edakkal Caves, Kerala: Ubicadas en el estado sureño de Kerala, las cuevas

de Edakkal presentan inscripciones y pinturas rupestres que datan de
alrededor del 6000 a.C. Las imágenes incluyen figuras humanas, animales y
símbolos abstractos, y se cree que tienen conexiones con la cultura neolítica
de la región.

3. Petroglifos en Konkan, Maharashtra: A lo largo de la región costera de

Konkan en Maharashtra, se pueden encontrar numerosos petroglifos, que son
grabados en rocas. Estos petroglifos datan de diferentes períodos, algunos
de ellos tan antiguos como 10,000 años, y muestran figuras humanas,
animales, barcos y otras escenas.

4. Pinturas rupestres en Tamil Nadu: En Tamil Nadu, se han encontrado

numerosos sitios con pinturas rupestres que datan de diferentes períodos
históricos. Por ejemplo, las cuevas de Tirumalai y Narthamalai contienen
pinturas que datan de la era de los Pallavas y muestran escenas de deidades
hindúes y paisajes.

5. Rock Shelters of Satpura Range, Maharashtra y Gujarat: Estos refugios

rocosos en la región de Satpura Range en Maharashtra y Gujarat cuentan
con pinturas rupestres que datan de alrededor de 10,000 a.C. a 700 a.C. Las
imágenes incluyen representaciones de animales, figuras humanas y escenas
de caza.
Estos son solo algunos ejemplos destacados del rico patrimonio de arte rupestre en
la India. Estas pinturas y grabados no solo son expresiones artísticas fascinantes,
sino también valiosos registros de las antiguas culturas y sociedades que habitaron
la región.
Materiales Usados en la antigüedad

Pigmentos naturales: Los pigmentos naturales eran esenciales para crear las
pinturas rupestres. Estos pigmentos se obtenían de minerales y rocas pulverizadas,
como óxidos de hierro para el color rojo, dióxido de manganeso para el negro, óxido
de manganeso para el blanco, arcilla para tonos de tierra, y otros minerales que
proporcionaban colores como el amarillo y el ocre.

1. Carbón vegetal: El carbón vegetal era utilizado para crear el color negro en
las pinturas rupestres. Se obtenía quemando madera u otros materiales
vegetales hasta que se carbonizaban, y luego se trituraba para obtener un
polvo fino que servía como pigmento.

2. Grasa animal o aceites vegetales: Para crear una consistencia pastosa que
permitiera aplicar los pigmentos en las superficies rocosas, los artistas podían
mezclar los pigmentos con grasa animal, como sebo o grasa de pescado, o
con aceites vegetales, como aceite de nuez o aceite de linaza.

3. Instrumentos de aplicación: Los artistas utilizarían una variedad de

herramientas para aplicar los pigmentos en las paredes de las cuevas o en
las superficies rocosas. Estas herramientas podían incluir pinceles hechos de
fibras vegetales o animales, estampadores hechos de hueso o madera, o
incluso los dedos de las manos para pintar formas más simples.

4. Agua: En algunos casos, los artistas habrían necesitado agua para mezclar
los pigmentos y crear una pasta que fuera fácil de aplicar. Dependiendo de la
disponibilidad, podrían haber utilizado agua de arroyos, ríos o manantiales
cercanos.