¿Qué es la animación?
La animación no es solo mover, es dar vida, dar magia. Transmitir por medio del
movimiento lo que el personaje siente
La palabra animación proviene de la palabra “anima” que significa alma por lo tanto la
acción de animar significa “dotar de alma”
Según el animador Gene Detch de MGM (Tom y Jerry) y Paramount Pictures (Nudnik),
la animación es un proceso utilizado para dar sensación de movimiento, a imágenes o
dibujos o a otros tipos de objetos inanimados, por lo tanto, se considera una ilusión
óptica
Existen muchas técnicas de animación que van más allá de los dibujos animados, los
cuadros se pueden generar dibujando, pintando o fotografiando.
Realizar una animación tiende a ser un trabajo muy intensivo y tedioso, por tal razón la
mayor parte de la producción proviene de compañías, sin embargo, existen producciones
independientes o artistas que realizan animación
Cuando se habla de animación no se puede hacer referencia solamente a los dibujos
animados ya que hay miles de elementos con los cuales se puede hacer animación.
Animación tradicional o clásica: consiste en dibujar cada uno de los cuadros para
generar la representación del movimiento. Luego este proceso se aceleró al
aparecer la animación por celdas inventada por Bray y Hurd en la década de 1910.
Hoy en día se realiza con la ayuda de herramientas digitales para facilitar el
proceso de creación
Conclusión: hacer una animación es un proceso que demanda tiempo, por ello es importante
planear con anticipación la elaboración del proyecto.
Bibliografía:
Tévar, M.P.G. (2012). Animación 2D. 3° (T) Sistemas, síntesis de imágenes y animación D,3,
1999.
Pilar Newton (11 de Febrero 2016). Animation for Beginners.
Historia de la Animación
La historia de la animación se puede remontar a la prehistoria, durante la que mediante figuras
rupestres se intentaba expresar movimiento. Otros descubrimiento posteriores, en Egipto y
Grecia corroboran esta existencia.
El primer intento de proyección de imágenes data de 1640, cuando el alemán Athansius
Kircher inventó el primer proyector de imágenes, conocido como la linterna mágica.
Mediante grabados en cristales era capaz de proyectar el movimiento.
El folioscopio o filoscopio (flip book en inglés) es un libro que contiene una serie de imágenes
que varían gradualmente de una página a la siguiente, para que cuando las páginas se pasen
rápidamente, las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro cambio.
La primera evidencia que tenemos de un mecanismo como este es el motuscopio (del latín
“motus”, movimiento, y del griego “skopen”, contemplar) de Philippe Jacob Lautenburger.
Lautenburger fue un artista que en 1760 elaboró un cuaderno en el que dibujó en las páginas
impares una imagen. En cada página aparecía la misma figura en distintas fases de un
movimiento. Fue patentado por Herman Casla el 21 de noviembre de 1894.
Persistencia de la visión fue descubierta por Peter Mark Roger en 1834. Técnica que
demuestra como una imagen permanece en la retina humana una décima de segundos antes
de desaparecer por completo. Esto permitía que veamos la realidad como una secuencia de
imágenes ininterrumpidas y que podamos calcular hábilmente la velocidad y dirección de un
objeto que se desplaza.
Joseph Antoine Ferdinard Plateau creyó descubrir que nuestro ojo ve con una cadencia de diez
imágenes por segundo. En virtud de dicho fenómeno, las imágenes se superponen en la retina
y el cerebro las “enlaza” como una sola imagen visual, móvil y continua.
Fenaquistiscopio (del griego phenakistiscos, engañar, y scopien, examinar o mirar) fue el
primer juguete óptico que permitía reproducir el movimiento de una imagen. Se basaba en el
efecto de la persistencia de la visión y fue inventado simultáneamente en 1832 por el físico
belga Joseph Plateau y por el matemático e inventor austriaco Simon von Stampfer.
El aparato está compuesto por un disco giratorio de cartón con una serie de rendijas o ranuras
equidistantes y una serie de dibujos que descomponen las fases de movimiento en una de sus
caras. El espectador se sitúa delante de un espejo y coloca las imágenes de cara al espejo de
forma que al hacer girar el disco y mirar a través de una ranura se obtiene la ilusión de las
imágenes en movimiento. La separación entre las rendijas hace la función de obturador de
forma que la imagen retenida en el cerebro puede unirse con la imagen siguiente del disco,
dando la sensación de movimiento cuando el cartón gira a una velocidad adecuada.
Zoótropo o deaddelum fue un juguete muy popular en la primera mitad del siglo XIX, creado
por William George Horner en 1834. Consta de un cilindro o tambor de madera con cortes a
través de los cuales el espectador ve una cinta con dibujos que debido al movimiento giratorio
del cilindro y el fenómeno de persistencia de la retina dan la impresión de movimiento. El
principio es bastante parecido al usado en el fenaquistiscopio de Pateau, con la ventaja que no
se necesita ir al frente de un espejo para observar la animación.
Taumatropo (del griego tauma, portento, y tropos, giro) también llamado Maravilla giratoria o
en inglés Wonderturner, es un juguete que reproduce el movimiento mediante dos imágenes.
Fue inventado por John Ayrton Paris en 1824.
Consta de un disco con dos imágenes diferentes en ambos lados y un trozo de cuera cada lado
del disco. Ambas imágenes se unen estirando la cuerda entre los dedos, haciendo al disco girar
y cambiar de cara rápidamente. El rápido giro produce, ópticamente, la ilusión de que ambas
imágenes están juntas.
Su invento suele atribuirse a Ayrton Paris, que lo habría construido para demostrar el principio
de persistencia de la retina, ante el Real Colegio de los Físicos de Londres en 1824. En aquella
ocasión utilizó los dibujos de un papagayo y una jaula vacía para causar la ilusión de que el
pájaro estaba dentro de la jaula.
Bibliografía:
Pascual, M. y Möller (2008). La persistencia de la retina y el fenómeno Phi como error en la
explicación del Movimiento aparente en cinematografía y televisión.
Personajes de la Animación
Charles-Émile Reynaud (Montreuil, 8 de diciembre de 1844-Ivry-sur-Seine, 9 de enero de
1918) fue un inventor y pionero del cine de animación francés que perfeccionó el zoótropo al
inventar el praxinoscopio en 1877. Patentó una mejora considerable de su invento en 1888 al
que bautizó con el nombre de Théâtre Optique (Teatro óptico). Fue el primero, además, en
perforar la película, como medio de arrastre mecánico. Sus proyecciones estaban
sincronizadas con música compuesta por él mismo y efectos sonoros. Sus películas presentan
breves escenas humorísticas con un tono naif y poético. Reynaud, en resumen, fue el primero
en conseguir pasar del movimiento cíclico de figuras dibujadas a un discurso visual dotado de
argumento.
Marie-Georges-Jean Méliès (París, 8 de diciembre de 1861-París, 21 de enero de 1938) fue un
ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en
los albores de la cinematografía.
Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, popularizó técnicas como el stop
trick y fue uno de los primeros cineastas en utilizar exposiciones múltiples, la cámara rápida,
las disoluciones de imágenes y la película en colores. Fue también pionero en el uso de guiones
gráficos.1 Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la
cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine».
Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y Viaje a través de lo imposible (1904),
narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas
entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue
también un pionero del cine de terror con su temprana película Le Manoir du Diable (1896).
Émile Courtet, más conocido como Émile Cohl, fue un dibujante y animador francés, nacido en
París el 4 de enero de 1857 y fallecido en Villejuif el 20 de enero de 1938. Fue uno de los
pioneros de los dibujos animados. Alumno del caricaturista André Gill.
De 1908 a 1923, Émile Cohl realiza trescientas películas, la mayoría de las cuales fueron
precursoras para el cinema de animación, tomando en cuenta que animó de con el mismo
éxito cerillos, recortes de papel, marionetas, o... ¡calabazas! Sus películas fueron realizadas
para las compañías cinematográficas francesas Lux, Gaumont, Pathé y Éclipse.
La creatividad, tanto técnica como artística, de lo que conocemos hoy de su obra (solo 65
películas se han encontrado hasta el momento) hacen de Émile Cohll una de las mentes más
innovadora e importante del séptimo arte.
James Stuart Blackton (Sheffield, Yorkshire, Inglaterra, 5 de agosto de 1875 - Hollywood,
California, Estados Unidos, 13 de agosto de 1941), más conocido como J. Stuart Blackton, fue
un productor y director de películas mudas. Es considerado el padre de la animación
estadounidense, y fundó los Vitagraph Studios. En sus películas usaba tanto la técnica stop-
motion como los dibujos animados.
Fue el autor de Humorous Phases of Funny Faces, la primera película de dibujos animados
cinematográfico sobre soporte argéntico (el francés Émile Reynaud es el creador del primer
dibujo animado cinematográfico sobre soporte no argéntico, 1892), que se proyectó en 1906
con una duración de 3 minutos.
Zenas Winsor McCay, conocido como Winsor McCay (Spring Lake, Míchigan, Estados Unidos,
26 de septiembre de 1867 – Nueva York, 26 de julio de 1934) fue un historietista
estadounidense, uno de los más importantes de la historia del cómic, autor del clásico Little
Nemo in Slumberland. Fue también un destacado pionero del cine de animación, muy
influyente en autores como Walt Disney u Osamu Tezuka, con películas como la innovadora
Gertie the Dinosaur.
Tipos de Animación
Conocer las diferentes técnicas para que puedan ser utilizadas como referentes
para futuros proyectos.
Existen diversas técnicas para desarrollar animaciones, dependiendo de las
necesidades y recursos con que contemos podremos escoger la técnica más
apropiada a desarrollar.
Dibujo Animado: Un dibujo animado es una categoría dentro de las obras de animación que se
refiere a aquellas secuencias visuales realizadas en dos dimensiones. Se consiguen dibujando
secuencialmente a cada fotograma que compone la obra, generando una secuencia y
representación de imágenes en movimiento. Es la técnica de animación más antigua y
conocida, denominada como animación 2D, animación tradicional o clásica. Antes se conseguía
dibujando cada cuadro y luego era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación
por celdas o papel de acetato inventada por Bray y Hurd en 1910.
Animación en volumen (Stop motion, cuadro a cuadro, fotograma por fotograma): es una
técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio
de una serie de imágenes fijas sucesivas.
En general se usan esos términos o se denomina «animaciones fotograma a fotograma» a las
que no entran ni en la categoría del dibujo animado ni en la de la animación por ordenador;
esto es, que no fueron dibujadas o pintadas ni a mano ni por ordenador, sino que fueron
creadas tomando imágenes de la realidad. Así pues, el fotograma a fotograma se utiliza para
producir movimientos animados de cualquier objeto, ya sea rígido o maleable, como por
ejemplo juguetes, bloques de construcción, muñecos articulados o personajes creados con
plastilina.
Go Motion: El go motion es una técnica inventada en 1979 por Phil Tippett (entonces técnico
de efectos especiales de Industrial Light & Magic) para animar los tauntaun y los AT-AT de la
película Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back (estrenada al año siguiente, en 1980).
El go motion es una variante de la técnica de animación stop motion, para la animación de
modelos en frente de una cámara cinematográfica. En el stop motion los objetos o modelos
son fotografiados estando completamente inmóviles. En cambio, en el go motion, al modelo u
objeto al que se está animando se le aplica un movimiento mientras se lo está fotografiando.
De este modo se obtiene en el fotograma un barrido de movimiento o "foto movida", que
está presente en las filmaciones convencionales de objetos en movimiento. La ilusión de
movimiento del objeto gana, así, en realismo.
Pixilación: La pixilación es una variante en la técnica de stop motion en la que no se usan
muñecos o marionetas sino seres humanos. Los actores son usados como sujetos fotograma a
fotograma en una película animada a través de mantener una pose mientras uno o más frames
son tomados y cambiando sutilmente la pose antes del siguiente frame o frames. El actor se
transforma así en una marioneta humana. Esta técnica es comúnmente usada al incluir
actores y personajes animados en una misma película, como sucede en The Secret Adventures
of Tom Thumb de los hermanos Bolex. Esta técnica la empleó por primera vez Segundo de
Chomón para la película El hotel eléctrico en 1905. Otro ejemplo temprano es Jobard ne peut
pas voir les femmes travailler, película de 1911 dirigida por el dibujante y animador Émile Cohl.
Rotoscopia: El rostoscopio fue inventado por Max Fleischer. Lo utilizó para su serie Out of the
Inkwell a partir de 1912. Fleischer fue ayudado por su hermano Dave Fleischer, quien le aportó
su ayuda a partir de 1914.
La técnica de la rotoscopia consiste en el redibujado manual de un contorno frame a frame,
tomando como base una secuencia de imágenes de acción real, previamente filmada en cine
o grabada en video. De esta manera crea una silueta que se mueve de manera realista y que
podemos usar como máscara para componer otras imágenes o como referencia para animar
un personaje.
La rotoscopia tiene su origen en el siglo XX de la mano de Max Fleischer, pionero de la
animación. Fleisher fue quien tuvo la idea de filmar actores ante cámara y luego usar sus
movimientos y contornos como referencia para crear dibujos animados e intentar mejorar los
primeros cartoons, que por aquel entonces carecían de movimientos realistas y naturales.
Animación de Recortes: La animación con recortes o cutout es una variante de la técnica de
animación stop motion y se realiza fotografiando figuras planas. Estas figuras suelen estar
hechas con cartulina, papel, tela y/o fotografías dispuestas en forma horizontal y fotografiadas
desde arriba. Para animar un personaje se lo diseña en papel y luego se recortan sus
extremidades en partes del material deseado. Esas extremidades pueden luego unirse
mediante clavado o costura para generar una marioneta articulada o bien quedar sueltas para
mover cada parte por separado. Las figuras, al ser planas, solo pueden mostrar una faceta por
lo que si se quiere tomar el personaje o figura desde otros ángulos de perspectiva, habrá que
dibujarlo y recortarlo nuevamente.
Animación digital: La animación por computadora (también llamada animación digital,
animación computarizada, animación informática o animación por ordenador) es la técnica
que consiste en crear imágenes en movimiento mediante el uso de una computadora
(máquina también llamada «ordenador»). Hay animación bidimensional (2D) y animación
tridimensional (3D). La animación bidimensional fue la pionera en la industria, siendo el
formato más prolífico a lo largo del siglo xx; la transición hacia una industria digital tendría
lugar durante la segunda mitad del mismo siglo, cuando comenzaron a realizarse
experimentaciones con gráficas a computadora, convirtiéndose hacia inicios del siglo xxi en un
área con amplia oportunidad artística y comercial. En la actualidad, programas informáticos
como Blender, Zbrush, Cinema 4D, entre otros, acaparan la base instrumental de la animación
y sus disciplinas auxiliares, como la modelación 3D, la escultura digital, la programación y la
edición de video.
Para crear la ilusión del movimiento, una imagen se muestra en pantalla sustituyéndose
rápidamente por una nueva imagen en un fotograma diferente. Esta técnica es idéntica a la
manera en que se logra la ilusión de movimiento en las películas y en la televisión.
Story Board y Animatic
Aprender a diseñar los storyboards y animatics, con el fin de crear animaciones de
calidad.
Realizar los storyboard y los animatics para una animación nos permite ahorrar tiempo
y costos en una producción animada.
Storyboard o guion gráfico es un conjunto de ilustraciones mostradas en secuencia con el
objetivo de servir de guía para entender una historia, previsualizar una animación o seguir la
estructura de una película antes de realizarse o filmarse. El storyboard es el modo de
previsualización que constituye el modo habitual de preproducción en la industria fílmica.
El objetivo es contar la historia mediante bocetos, cambiar de la cámara, transiciones entre
escenas en forma parecida a un comic, pero describiendo en él cosas como la dirección de
movimiento.
Incluye el detalle de los planos, personajes, duración de la animación y un breve recuento de lo
que está sucediendo en escena, que sirve de guía para todos los que participan en la
producción y postproducción de animación.
La finalidad es evitar tener que editar escenas más tarde cuando ya estén finalizadas causando
costos extras.
Bibliografía:
Furini, M. ; Geraci F.; Montangero M y Pellegrini, M. (2010). STIMO: STIII and MOving video
storyboard for the web scenary. Multimedia tolos and applications, 46-47
Walmsley, S.R. (1997). U.S. Patent No. 5,659,792
