Guia Introducción A La Instrumentación y Orquestación

INTRODUCCIÓN A LA INSTRUMENTACIÓN Y
ORQUESTACIÓN
TECNOLOGÍA EN MÚSICA POPULAR
INTRODUCCIÓN A LA
INSTRUMENTACIÓN Y ORQUESTACIÓN
Guía didáctica
CÓDIGO: MP-UP-10
NÚMERO DE HORAS SEMANALES: 5
Carreras en las que se imparte NIVEL

esta asignatura
Tecnología en Música Popular II
Autor:
GABRIELA ANDREA NAZARENO
MOSCOSO
MODALIDAD PRESENCIAL: bajo Resolución No. 078-ISTR-OCS-11-06-2020
DEJAMOS HUELLAS EN LA
EDUCACIÓN SUPERIOR
INTRODUCCIÓN A LA INSTRUMENTACIÓN Y ORQUESTACIÓN
Guía didáctica
AUTOR:
Gabriela Andrea Nazareno Moscoso
INSTITUTO SUPERIOR TECNOLÓGICO RIOBAMBA
Diagramación y diseño digital:

Unidad de Comunicación
Teléfono: +593 32 306 254
Av. Lizarzaburu S/N y Av. La Prensa
www.itsriobamba.edu.ec
Its_riobamba@hotmail.com
comunicacionistriobamba@gmail.com
Riobamba-Ecuador
Primera edición
Noviembre 2022
La versión digital ha sido aprobada mediante la resolución No. 078-ISTR-OCS-11-06-2020, esta guía
didáctica fue realizada y aprobada en el Instituto Superior Tecnológico Riobamba.
Guía didáctica: Intr. Orquestación e
instrumentación TECNOLOGÍA EN MÚSICA POPULAR
INDICE
1. PRESENTACIÓN ..................................................................................... 5
2. BIBLIOGRAFÍA ......................................................................................... 7
2.1. Básica..................................................................................................... 7
2.2. Complementaria ..................................................................................... 7
3. ORIENTACIONES GENERALES PARA EL ESTUDIO............................. 8
3.1. Materiales educativos ............................................................................. 8
3.2. Ambiente de aprendizaje ........................................................................ 9
3.3. Autoevaluaciones ................................................................................. 10
3.4. Normativa VANCOUVER de citación ................................................... 11
4. PROCESO DE ENSEÑANZA APRENDIZAJE ........................................ 12
1. UNIDAD I: ESTUDIO Y DEFINICIÓN DE LA ORQUESTA ..................... 12
1.1. Ciencia, arte concepto .......................................................................... 12
2. UNIDAD II: DE LA ORQUESTA DE CÁMARA A LA ORQUESTA

SINFÓNICA................................................................................................. 26
2.1 Formación ............................................................................................. 26
2.2 ¿Qué es un concerto grosso? ............................................................... 26
2.3 Rameau y los timbres ............................................................................ 27
2.4 La orquesta en la Bach y Haendel ........................................................ 28
3. UNIDAD III: EL PAPEL DE LA ORQUESTACIÓN EN LA MÚSICA

DE CÁMARA ............................................................................................... 34
3.1. Concepto y clasificación ....................................................................... 34
4. UNIDAD IV: LA ORQUESTACIÓN EN EL SIGLO XX ............................. 53
4.1. El Jazz .................................................................................................. 53
5. SOLUCIONARIO ..................................................................................... 62
6. ANEXOS ................................................................................................. 66
4 INSTITUTO SUPERIOR TECNOLÓGICO RIOBAMBA

1. PRESENTACIÓN
Estimado estudiante: La siguiente guía se enfoca en la asignatura de
Introducción a la Instrumentación y Orquestación que se establece dentro
de la malla curricular de la institución.
El objetivo principal de este curso es proporcionar al estudiante
herramientas y recursos técnicos para la creación de instrumentaciones y
orquestaciones tanto coral e instrumental, así facilitando el desarrollo de
habilidades cognitivas al momento de instrumentar música popular,
mediante el uso de diversos formatos instrumentales.
Como parte de la educación tecnológica de un estudiante, a través de esta
guía se proporciona una pauta clara y relevante para ampliar su
conocimiento de este tema.
En este sentido, la información necesaria y pertinente se complementa con
lineamientos didácticos que transmiten conocimientos científicos, técnicos,
prácticos y humanísticos como aportes a la formación tecnológica.
Esta Guía de Instrucción se divide en 4 unidades.
• La unidad 1 cubre los conceptos básicos de estudio y definición de la
orquesta.
• La Unidad 2 aborda el proceso de transición de la orquesta de cámara
a la orquesta sinfónica.
• La Unidad 3 trata el papel de la orquestación en la música de cámara.
• La Unidad 4 trata sobre la orquestación en el siglo XX.
Debido a la naturaleza del tema, las unidades se tratan una tras otra, pero
no se desconectan del plan. Sin embargo, al finalizar la primera unidad, los

estudiantes tendrán conocimiento de la terminología correcta para
identificar diferentes técnicas y métodos del tema.
Lea atentamente la sección Pautas de estudio que contiene información
importante para completar este curso.
¡Bienvenido, deseo que esta guía didáctica junto con los demás recursos
académicos que se trabajan en conjunto permita que usted culmine
exitosamente esta asignatura!

2. BIBLIOGRAFÍA
2.1. Básica
Agustín Charles Soler, 2005, Orquestación e Instrumentación Clásica y
Contemporánea: Libro de Trabajos
Agustín Charles Soler, 2005, Percusión, Criterios de Instrumentación y
Orquestación
Samuel Adler, 2012, Percusión, Criterios de Instrumentación y
Orquestación.
2.2. Complementaria
https://www.componiendomivida.com/wpcontent/uploads/2018/05/GU%C3
%8DA-DE-INSTRUMENTACI%C3%93N-MUSICAL-MADERAS
ACTUALIZADA-.pdf
https://www.studocu.com/co/document/universidad-nacional-abierta-y-a-
distancia/teoria-del-aprendizaje/metodo-guia-instrumentacion/23474327
https://benjaminruz.cl/wp-content/uploads/2018/08/Manual-de-
Orquestacion-Adler2.pdf/

3. ORIENTACIONES GENERALES PARA EL ESTUDIO
Estimado estudiante, con la finalidad de que usted pueda adquirir las
competencias previstas en esta asignatura debe conocer lo siguiente:
3.1. Materiales educativos
• La guía didáctica constituye un excelente recurso, dado que,
utilizando un lenguaje claro y sencillo, va abordando sistemáticamente
los temas propuestos, así como
ejemplificándolos de la mejor forma posible.
• Sílabo es una herramienta de planificación y organización, que
contiene toda la información necesaria sobre la asignatura: objetivos,
contenidos, secuencia didáctica, metodologías, mecanismos
de evaluación y referencias bibliográficas; con el fin de que el
estudiante pueda alcanzar los resultados esperados.
• Planificación es el proceso de especificación de la secuencia de
actividades prevista para un período académico, mediante las cuales
se pretende conseguir los objetivos de enseñanza fijados en el Sílabo.
• Seguimiento del Sílabo es el instrumento que verifica el cumplimiento
de las actividades, objetivos, resultados de aprendizaje específicos, y
otros aspectos considerados en el
sílabo.
• Atención al estudiante es el instrumento que permite llevar el control
de las actividades de atención a estudiantes en los procesos de
docencia, titulación, prácticas y vinculación.

• Control de cátedra es el instrumento que permite llevar el control
diario de asistencia de los estudiantes en cada asignatura.
3.2. Ambiente de aprendizaje
El ambiente de aprendizaje será interactivo, sincrónico y asincrónico,
donde el docente estará comprometido con el proceso de aprendizaje;
los estudiantes se convertirán en actores con habilidades y modos de
trabajo innovadores utilizando tecnologías de vanguardia, recursos
didácticos digitales, comprometidos con el uso responsable de las
herramientas; considerando valores como el respeto, la ética, la
tolerancia, la solidaridad, la ayuda, el compartir y muchos otros, que
permitirán una buena convivencia a los miembros de la comunidad
educativa y la sociedad en general.
3.3. Apoyo tecnológico
• Aula Virtual en Moodle institucional: Los profesores deben
hacer uso obligatorio del aula virtual asignada por cada asignatura
de acuerdo a su distributivo de trabajo.
• Mil Aulas es una Plataforma Educativa Virtual que nos permite
llevar a cabo un sistema de gestión de cursos, de distribución
libre, este tipo de recurso, ayuda a los educadores a la configuración
de la Comunidad de Aprendizaje On-Line
3.4. Autoevaluaciones
Estimado estudiante es muy importante que realice las autoevaluaciones

que constan al final de cada Unidad, con la finalidad de que verifique si ha
comprendido o no los contenidos que se van abordando. Los solucionarios
de cada autoevaluación se hallan al término de la guía didáctica.

3.5. Normativa VANCOUVER de citación
Una cuestión que cabe destacar es la importancia de conocer y manejar la
normativa de citación VANCOUVER que permitirá gestionar las citas y
referencias bibliográficas. A través de este conjunto de estándares, es
posible unificar la forma de presentación de trabajos escritos a nivel
internacional. Su manejo será tan importante en esta etapa.

4. PROCESO DE ENSEÑANZA APRENDIZAJE
1. UNIDAD I: ESTUDIO Y DEFINICIÓN DE LA ORQUESTA.
1.1. Ciencia, arte concepto
Definición de orquesta
Una orquesta es un grupo de músicos que interpretan obras
musicales con distintos instrumentos. Orquesta también es el lugar
comprendido entre el escenario y las butacas.
El término proviene de la lengua griega y significa “lugar para
danzar”. El concepto surgió en el siglo V a.C., cuando los teatros
contaban con un espacio separado para los cantantes, los bailarines y
los músicos que era denominado, justamente, orquesta.
Características de una orquesta
Una orquesta de músicos puede tener diversas composiciones. En
general, cuenta con cuatro grupos de instrumentistas: cuerdas (que

incluye los violines, violonchelos, violas, contrabajos, arpas y pianos),
maderas (flautas, flautines, oboes, clarinetes, fagotes, contrafagotes y
cornos ingleses), metales (trombones, trompetas, trompas y tubas) y
percusión (timbales, redoblantes y otros).
De la misma manera tampoco hay que pasar por alto la existencia
de lo que se conoce como orquesta joven. Este término se utiliza de
manera frecuente para referirse a aquella que está conformada de
manera íntegra por personas que se encuentran estudiando la carrera de
Música.
Y todo ello sin obviar que, de forma mucho más general y coloquial,
se utiliza el término orquesta también para referirse a todo conjunto
musical que se encarga de amenizar las fiestas y celebraciones
populares con canciones de un género concreto o bien a través de
popurrís de todo tipo de composiciones.
Los instrumentos musicales se pueden clasificar de muchas
maneras.
Podríamos clasificarlos por colores, por tamaños, por el precio que
cuestan o de cualquier otra forma que te imagines. A lo largo de la historia
han sido muchas las clasificaciones que se han propuesto para los
instrumentos musicales. Los compositores han escrito música
prácticamente para todos los instrumentos. Y todos los instrumentos
musicales interpretan todo tipo de música: clásica, moderna, folk.
La instrumentación

La Instrumentación es un paso previo a la Orquestación. Para poder
introducirte en esta última, primero debes conocer a fondo las
herramientas con las cuales se abordará la Orquestación.
La Instrumentación es el estudio de las características y
posibilidades técnicas de los diferentes instrumentos, en primera
instancia, dentro del marco de la Orquesta Sinfónica. Pero que también
abarca otros tipos de contextos grupales
Por tanto, así como debes tener un sólido conocimiento de
Armonía, Contrapunto y Morfología (Estudio de las formas musicales),
para Componer música debes también, tener un sólido conocimiento de
las características y posibilidades técnicas de cada instrumento para
poder escribir adecuadamente para cada uno de ellos. Una vez así,
podrás “componer” con los timbres. Es decir, Orquestar.
La Orquestación es de gran importancia dentro de la Composición,
ya que un equívoco trabajo de orquestación, puede privar de “éxito” a
una composición en concreto.
Y a la inversa, una gran orquestación, puede convertir en obra de
arte, a una pieza musical “discreta”.
¿Evolución instrumental?
La agrupación de los instrumentos se realiza a partir de las
características propias de los instrumentos de la Orquesta.
Así, están los instrumentos cordófonos (Instrumentos de cuerdas),
los aerófonos (Instrumentos de viento) y los membranófonos y/o

idiófonos (Instrumentos de Percusión).
Familia de cuerdas
La primera de las familias que vamos a estudiar es la de los
instrumentos de cuerda. Se llaman instrumentos de cuerda porque todos
ellos tienen cuerdas sonoras que son las que hacemos sonar,
poniéndolas en vibración por diferentes mecanismos. El sonido será más
agudo cuanto más corta sea la cuerda, más fina y más tensa esté (leyes
de las cuerdas sonoras). Además, llevan una caja de resonancia para
amplificar el sonido.
Familia de viento madera

No debemos confundirnos, porque al hablar de instrumentos de
viento madera podemos pensar que estén hechos de madera, y no es
así. La mayoría están hechos actualmente de metal o plástico. Se llaman
instrumentos de viento madera porque antiguamente, cuando surgieron,
eran de madera.
Familia viento metal
Los instrumentos de viento metal son cuatro, ordenados del agudo
al grave, trompeta, trompa, trombón y tuba. Son los que tienen mayor
sonoridad, por eso están situados al fondo de la orquesta y suele haber
menos.
Son básicamente tubos de metal enrollado que terminan en un
pabellón o campana que hace de altavoz y amplifica el sonido. Mediante
varas, pistones o llaves se controlan las notas.

Familia de percusión
En la orquesta sinfónica, la percusión puede tener una importancia
muy variable: puede estar reducida a un par de timbales o tener una
gama muy variada de instrumentos. Siempre están en el fondo de la
orquesta, en la zona más alejada y elevada del escenario.
Podemos decir también que, a causa de la forma que tiene la cóclea
del oído humano, cuando un sonido tiene el doble de frecuencia que el
otro, al oírse simultáneamente producen una máxima sensación de
armonía, de tal manera que casi llega a parecer que se trata de un único
sonido.
La edad media, las primeras formas de la orquesta.
Podemos dividir las formas musicales de la Edad Media en vocal y
e instrumental.

Formas Vocales:
Organum: Pieza litúrgica de largas notas con embellecimientos.
Conductus: Semilitúrgico, acompañaba a un personaje.
Motete y Madrigal: La forma que desarrolló la polifonía.
Hoquetus: Forma francesa, 3 voces en contrapunto con una grave.
Canon: Imitación de una melodía desplazada en tiempo.
Formas Instrumentales:
Ya que en esta época las formas vocales predominaban, las formas
instrumentales se reducen a danzas. Encontramos términos como
ballata, estampies y saltarellos.
El desarrollo de la polifonía orquestal.
Origen y desarrollo de la polifonía
Ahora que ya conoces las características de la polifonía, vamos a
ahondar en su historia. La polifonía es una técnica que surge en el siglo

XII y comienza a explorarse a profundidad durante la Edad Media y el
Renacimiento, convirtiéndose en un factor característico de la música de
estas épocas. Podemos decir que la polifonía surgió a partir del organum
melismático que fue la primera técnica para armonizar el canto y se
implementó para embellecer la música litúrgica, tal como lo es el canto
gregoriano. Otras técnicas de polifonía de la época fueron el “discantus”
(cuando las voces se mueven por movimientos contrarios y no paralelos)
y el “motete” (conformada por 3 o más voces e incluyendo una voz grave
para el bajo).
Si bien en un principio aún dominaba en recurrencia la monodia
(técnicas de composición solo con una voz principal), con el paso del
tiempo la técnica polifónica se fue implementando. El siguiente gran paso
de su evolución se dio durante el Barroco en el siglo XVIII, cuando
músicos como Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel
exploraron las técnicas del contrapunto (la relación rítmica y armónica de
las notas entre sí) y desarrollaron técnicas polifónicas y formas complejas
como la fuga.
A partir de esta época, en los períodos por venir como el clasicismo,
romanticismo y el siglo XX se centraron en desarrollar los principios ya
asentados, utilizándolos para elevar la expresión con frases musicales
más largas y expresivas o a experimentar con el sistema tonal y la
disonancia.
La constitución de la orquesta clásica
Evolución de la Orquesta Sinfónica

Durante la edad media fue difícil conjuntar varios instrumentos para
tocar ya que sus afinaciones eran distintas. En realidad, fue en el siglo
XV cuando empezaron a agruparse de manera congruente varios
instrumentos.
En el periodo barroco se desarrolló más la agrupación instrumental
debido a que las técnicas y mecánicas de los instrumentos fueron
perfeccionados para poderse afinar entre sí, dentro de una escala
convencional común.
Las orquestas occidentales usadas en la música culta desde este
periodo hasta la actualidad han experimentado cambios importantes,
pues algunos instrumentos se han modificado y varios han permanecido,
unos más se han agregado y duplicado mientras que otros, en cambio,
han sido eliminados.
En la actualidad se han integrado instrumentos u objetos sonoros
peculiares, desde guitarras y máquinas de escribir hasta silbatos,
además de pequeñas percusiones como crótalos, caja china, sonajas,
güiros, etc.
Orquesta en el barroco
· El origen de la orquesta sinfónica se sitúa en el barroco.
· La orquesta barroca se compone con pocos instrumentos.
· El clave mantiene la cohesión instrumental y realiza las funciones
de director

Orquesta en el clasicismo
·Aumenta el número de ejecutantes respecto a la orquesta barroca.
·La familia más numerosa es la de la cuerda frotada (violines, violas,
violonchelos y contrabajos) con unos treinta instrumentos.
·Los demás instrumentos son: dos flautas, dos oboes, dos
clarinetes, dos fagotes, dos trompetas, dos trompas, y dos timbales.
·Surgen los primeros directores de orquesta que realiza su labor
subida en un podio.

Transcripción a orquesta de cuerda o cuarteto de cuerda.
Una orquesta de cuerdas es una orquesta que consta únicamente
de una sección de cuerdas formada por las cuerdas frotadas utilizadas
en la música clásica occidental. Los instrumentos de una orquesta de
este tipo suelen ser los siguientes: el violín, que se divide en primer y
segundo violinistas (cada uno suele tocar partes diferentes), la viola, el
violonchelo y, por lo general, pero no siempre, el contrabajo.
¿Cuándo surge el cuarteto de cuerdas?
El cuarteto de cuerdas nace a principios del siglo XVII. Es decir, se
trata de un género que surge durante el barroco, al igual que la ópera y
la tonalidad (sistema armónico que fue la base de la composición musical
hasta principios del siglo XX).
¿Cuál es la principal característica del cuarteto de cuerdas?
Es un género meramente instrumental. Se le asocia con música
abstracta, pues al no contemplar la voz humana su discurso suele estar
libre de referencias literarias.
¿En qué momento se consolidó el cuarteto de cuerdas?
Aunque surgió durante el barroco, el cuarteto de cuerdas se
consolidó como género durante la Ilustración (hacia la segunda mitad del
siglo XVIII) gracias a compositores como Giuseppe Tartini (1692-1770),
Leopold Mozart (1719-1787) y Luigi Boccherini (1743-1805), quien
escribió 92 cuartetos de cuerdas.


NOTAS IMPORTANTES:
Recuerde que la información de esta unidad el
estudiante adquiere los conocimientos fundamentales
sobre armonía.
Una vez que hemos finalizado la primera unidad, se
realizara la Autoevalución que se presentara en la
segunda unidad como secuencia de los temas
establecidos.
“Si lo puedes soñar lo puedes lograr”.
Estimado estudiante revise el solucionario una vez
llenado la autoevaluación y compruebe sus
conocimientos. En caso de que los resultados sean
insatisfactorios es recomendable volver a revisar la
unidad para su comprensión. Cualquier duda por favor
hacerme llegar.
TAREAS:
Consultas de los antecedentes históricos de
Investigación de la estructura de la primera orquesta

sinfónica.

2. UNIDAD II: DE LA ORQUESTA DE CÁMARA A LA ORQUESTA

SINFÓNICA.
2.1 Formación
Definición de orquesta sinfónica
La Orquesta Clásica
A mediados del siglo XVIII se inicia lo que podríamos llamar
proceso de «estandarización» de la orquesta. De manera paulatina,
los instrumentos van siendo anotados explícitamente en la partitura,
con lo que se deja de lado, cada vez en mayor medida, la tendencia a
la accidentalidad de las épocas anteriores. Aproximadamente entre
1750 y 1800 se asiste a la consolidación de la orquesta sinfónica; a
partir de entonces este conjunto, con bases específicas en cuanto a su
constitución, se desarrollará tanto cuantitativa como cualitativamente
(mejoras técnicas y, por lo tanto, cambios relevantes en el sonido de
los instrumentos), proporcionando la total variedad de giros
orquestales conocidos en el siglo XIX y en el XX.
2.2 ¿Qué es un concerto grosso?
Uno de los tipos de música orquestal más habituales en el
Barroco fue el concerto grosso. Se consideró una forma de
música fugada o contrapuntística, es decir, se caracterizaba por
la polifonía, en la que se podía escuchar distintas voces de forma
independiente.
En el concerto grosso se contraponía un pequeño grupo de
solistas denominados concertino (también solista o principal) con
el resto de la orquesta (tutti). El grupo concertino podía estar

formado por cualquier combinación de instrumentos musicales a
gusto del compositor.
Los primeros concerti grossi se denominaban según se
compusieran para ceremonias religiosas o para interpretarlos en
la corte (concerto da camera). Así, Arcangelo Corelli escribió en
1714 los Concerti grossi Op. 6, constituidos por doce conciertos
de los cuales los ocho primero eran da chiesa, mientras que los
últimos cuatro eran da camera. En ellos, el compositor incluyó
dos violines y un violonchelo en el grupo concertino, mientras que
el ripiendo lo constituían primeros y segundos violines, violas,
cellos y continuo.
2.3 Rameau y los timbres.
Jean-Philippe Rameau
Compositor, organista, clavecinista, violinista y teórico de la música
francés. Nacido en el seno de una familia de músicos, Jean-Philippe
Rameau se familiarizó con los rudimentos de la práctica musical desde
su más tierna infancia. Un viaje a Milán emprendido en 1701 le dio a
conocer la tradición musical italiana.
En 1722 escribió su Tratado de armonía, obra que constituye la
primera gran síntesis de la armonía. Por primera vez aparece la idea de
la inversión de los acordes (mi-sol-do y sol-do-mi son el mismo acorde
que do-mi-sol y así sucesivamente).

En el año 1723 viaja a París para trabajar como maestro de
clavicémbalo y teoría musical. Fue organista en el noviciado de los
jesuitas y en la iglesia de Sainte Croix de la Bretonnerie. Sus primeras
composiciones incluyen piezas de teatro, música sacra y música para
clavicémbalo. En 1731 es director de la orquesta privada de un rico
financiero y mecenas musical, Jean Jacques de la Pouplinière, lo que le
permitió dedicarse a la ópera.
De sus 30 óperas sobresalen las tragedias Hipólito y Aricia (1733),
Cástor y Pólux (1737), Dárdano (versiones de 1739 y 1744) y Zoroastro
(1749), las óperas-ballets Las Indias galantes (1735), Las fiestas de Hebé
(1739) y La princesa de Navarra (1745), así como la comedia Platea
(1745). Sus Piezas de clave en forma de concierto (1741) para dos
violines y clavicémbalo se encuentran entre las primeras obras que
confieren al teclado un papel solista.
2.4 La orquesta en la Bach y Haendel.
Componentes de la orquesta barroca
La Orquesta Barroca
En la época de Claudio Monteverdi (1567-1643) la orquesta era un
conjunto variable de instrumentos cuya selección dependía de la
cantidad de músicos disponibles en un determinado momento y lugar. En
la primera página de la partitura impresa de su Orfeo, Monteverdi deja
constancia de los instrumentos requeridos -que serán los del estreno de
esta obra en la corte de Mantua-, aunque, como solía ocurrir en aquel
tiempo, se trataba de indicaciones generales que podrían ser

modificadas según las circunstancias. Para esta ocasión la orquesta
estaba compuesta de la siguiente manera: duoi gravicembani (dos
instrumentos de teclado cuyas cuerdas responden al ser pulsadas por
plectros; clave o espineta), duoi contrabassi de viola (contrabajo de la
familia de las violas, también denominado violone), dieci viole da brazzo
(de la familia de las violas), un arpa doppia (arpa de doble encordadura),
duoi violini piccoli alla francese (afinados una cuarta o una tercera menor
por encima del violín normal), duoi chitaron! (miembro grave de la familia
del laúd, con cuerdas de metal), duoi organi di legno (órganos con tubos
de madera), tre bassi da gamba, quattro trombón!, un regale (órgano
pequeño de una sola hilera de tubos de lengüeta), duoi cornetti
(instrumento recto o un poco curvado, sin pabellón y con orificios para
los dedos al modo de la flauta dulce), un flautino alla vigésima secunda
(pequeña flauta de tres octavas), un clarino con tre trombe sordina
(trompeta de ocho pies, en do, y tres trompetas con sordina).
La orquesta en Mozart y Haydn.
La Orquesta Clásica
A mediados del siglo XVIII se inicia lo que podríamos llamar proceso
de «estandarización» de la orquesta. De manera paulatina, los
instrumentos van siendo anotados explícitamente en la partitura, con lo
que se deja de lado, cada vez en mayor medida, la tendencia a la
accidentalidad de las épocas anteriores. Aproximadamente entre 1750 y
1800 se asiste a la consolidación de la orquesta sinfónica; a partir de
entonces este conjunto, con bases específicas en cuanto a su

constitución, se desarrollará tanto cuantitativa como cualitativamente
(mejoras técnicas y, por lo tanto, cambios relevantes en el sonido de los
instrumentos), proporcionando la total variedad de giros orquestales
conocidos en el siglo XIX y en el XX.
Dos fueron los centros de producción musical más importantes de
aquella época, catalizadores del «nuevo estilo» y forjadores de la
sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta: Mannheim y
Viena. En estas ciudades, más que en cualquier otro sitio, se fraguó la
realidad de la forma sinfonía. Mannheim disponía de unos excelentes
medios materiales para experimentar en este campo: una orquesta
disciplinada y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart. La orquesta fue
conocida por la utilización de unos recursos, como el llamado crescendo
Mannheim, que en realidad no fue invención de los miembros de este
grupo. Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz (1717-57),
también fructífero compositor que introdujo notables cambios tanto en el
arte de la instrumentación como en los motivos musicales básicos del
material sinfónico. En Viena destacaron una serie de compositores a los
que, por lo general, no se ha tenido demasiado en cuenta, como Matthias
Georg Monn (1717-50), considerado el más importante por sus
aportaciones al concepto estructural de la sinfonía. Pero fue con Haydn
y Mozart con quienes esta forma alcanzó el desarrollo que llevó
directamente a las realizaciones beethovenianas.
Beethoven.

Beethoven ya no fue un compositor del Antiguo Régimen, maestro
de capilla al servicio de un gran señor, sino un compositor independiente
que conquistó al público con la fuerza de su personalidad. En el siglo XIX
el acto público del concierto tomó otra significación. El compositor dejó
de ser un funcionario de corte para convertirse en un bohemio
independiente (Schubert, Berlioz) que vivía -y moría- por y para su arte.
Este cambio de actitud crea nuevos planteamientos que van a incidir en
una nueva música orquestal.
Un hecho considerable, y que no siempre se ha tenido muy en
cuenta, fue la mayor dimensión de la nueva sala de conciertos. De ahí se
desprende un aspecto funcional del hecho acústico que dará lugar a
nuevas potencialidades sonoras y en donde el campo de intensidades,
los forte y los pianos, aumentarán su ímpetu y suavidad, así como su
poética de contraste.
Lógicamente, la orquesta había de contribuir con sus timbres y su
estructura evolutiva a afianzar este estado de cosas. Así pues, la
presencia del clarinete como instrumento de reciente adopción -que
empezó a afianzarse en las obras de Mozart- tomó cuerpo sustancial en
la obra orquestal de Beethoven y fue a partir de este momento un timbre
imprescindible en la orquesta

NOTAS IMPORTANTES:
La información de esta unidad esta designada al
conocimiento de la investigación.
Una vez que finalizado la segunda unidad, el estudiante

deberá contestar la AUTOEVALUACIÓN 2
“El conocimiento es poder, la información es libertad, la
educación es la premisa del progreso, en cada sociedad,
en cada familia”. Kofi Annan
insatisfactorios, es recomendable volver a revisar la
hacerme llegar.
TAREAS:
Trabajo de investigación diferencias entre la orquesta
barroca y la orquesta del periodo clásico.

AUTOEVALUACIÓN 1
Conteste de manera adecuada, respectivamente a cada pregunta
1. ¿La orquesta musical sigue teniendo los mismos instrumentos que en sus
inicios?
2. ¿La orquesta sinfónica está solo conformada por instrumentos de viento?
3. ¿La orquesta sinfónica tiene director?
4. ¿En la orquesta sinfónica los instrumentos se clasifican por familias
instrumentales?
5. ¿La orquesta sinfónica ha ido evolucionando hasta nuestros tiempos?
AUTOEVALUACIÓN 2
1. ¿La orquesta sinfónica antigua solo era mixta es decir vocal-instrumental?,

2. ¿El concerto grosso no es como un concierto normal?
3. ¿El concerto grosso se caracteriza por tener una estructura más grande y
varios solistas?
4. ¿Rameau cambio el manejo tímbrico de la orquesta?
5. ¿La orquesta del Barroco era diferente a la orquesta de nuestro tiempo?

3. UNIDAD III: EL PAPEL DE LA ORQUESTACIÓN EN LA

MÚSICA DE CÁMARA.
3.1. Concepto y clasificación
Son aquellas que están formadas por pocos instrumentos, y se
caracteriza porque cada uno de sus componentes desarrolla una parte
solística de alto nivel virtuosístico, pero sin perder el sentido del
discurso general del grupo. A pesar de que actualmente las
posibilidades de combinación de una agrupación instrumental son
ilimitadas, tradicionalmente ha habido unas que se han impuesto en
nuestra cultura por ser las predilectas de los compositores más
importantes.
Dentro de las agrupaciones de cámara las más habituales son:
• Dúo: Está formado por dos instrumentos. El dúo de violín y piano
es uno de los más famosos.
• Trío: Formado por tres instrumentos. El formado por violín,
violonchelo y piano, es el trío más usado en la historia de la música.
• Cuarteto: Es la agrupación formada por cuatro instrumentos. El
llamado cuarteto de cuerda que está formado por dos violines, viola y
violonchelo, es la agrupación de cámara más importante de la historia
de la música.
Características generales del cuarteto de cuerdas
¿Por qué agrupar estos instrumentos?
Instrumentos melódicos. Los instrumentos de cuerda no son
como el piano que puede tocar tanto melodías como
acompañamientos. Son más bien instrumentos melódicos. De allí el

interés de agruparlos para proponer obras más complejas. cuarteto de
cuerdas posición de los instrumentos.
Unas posibilidades infinitas. El cuarteto de cuerdas existe ya que
ofrece numerosas posibilidades: cada instrumento puede tocar una
melodía simple acompañado por los demás instrumentos o cada
instrumento puede tocar una melodía, todas superpuestas las unas
sobre las otras.
Posición de los músicos. Los cuatro músicos se sientan en
semicírculo para conservar el contacto visual mientras tocan. A su vez,
cada músico ocupa un lugar definido.
Un amplio abanico de notas. El cuarteto de cuerdas procura la
ventaja de proponer notas agudas con los violines, medianas con las
violas y graves con el violonchelo. Este ensamble de instrumentos
permite disponer de una gran amplitud de notas.
Riqueza de matices. Tocando una nota con el piano o con un
instrumento de viento, las posibilidades de efectos son limitadas en
comparación con la infinidad de matices que pueden producir los
instrumentos de cuerda frotada.
Rol de los instrumentos del cuarteto
El primer violín
Entre los cuatro músicos, el primer violín es el que más atención
atrae y a menudo, es el más aplaudido. También, numerosos cuartetos
toman el nombre del primer violinista. Este rol de estrella se debe a los
elementos siguientes:

El virtuoso del conjunto. El primer violín es el virtuoso del
cuarteto, toca habitualmente la melodía y rara vez tiene una función de
acompañamiento.
Tesitura. Es el instrumento que toca las notas las más agudas
Tiempo de presencia. También es el que tiene más notas que
tocar. Estos tres factores hacen que el primer violín se escucha más
que los otros instrumentos del cuarteto y llama la atención de sus
auditores.
El segundo violín
Si el papel del segundo violín de un cuarteto de cuerdas es
menos prestigioso a primera vista, no por tanto es menos interesante.
De hecho, el segundo violín es muy versátil. Estas son las funciones
que puede desempeñar
Contra melodía. Se trata de un rol de apoyo a la melodía, la
mayoría de las veces, en apoyo al primer violín. (La contra melodía es
una melodía que refuerza la melodía principal como existe en el
contrapunto)
Diálogo. Puede alternar intercambios musicales con otros
instrumentos
Melodía. A veces, el segundo violín toca la melodía
Acompañamiento. También puede formar parte de la armonía y
acompañar la melodía
Función armónica. Tiene un papel de intermediario entre las
notas agudas del primer violín y las notas más graves de la viola
agregando calidez y profundidad a la obra
Rol de la viola
La viola es el “tenor” del cuarteto de cuerdas. Durante muchos
años fue limitada a un rol de acompañamiento puro para después
liberarse y tomar un papel tan complejo e interesante como los violines.
Sonido. La viola procura un sonido amplio y suave
Acompañamiento. Durante el período barroco, completaba la
armonía con una función ocasional de bajo
Melodía. Durante el período clásico, la viola se liberó, tocando
también melodías
Solista. Durante el período romántico, se empezó a utilizar para
los solos En los cuartetos de cuerdas de los siglos XX y XXI, se
empezó a emplear como una voz igual a la de los dos violines. En

resumen, la viola ha ido tomando un lugar cada vez más importante a
lo largo del tiempo.
Rol del violonchelo
El violonchelo es el “barítono” del cuarteto de cuerdas, su tesitura
es la más grave del ensamble. El violonchelo tiene principalmente un
papel de bajo y acompañamiento.
Estabilidad del conjunto. El violonchelo es responsable de la
estabilidad y de la estructuración de la música, a menudo controla el
flujo musical.
Melodías. A través de los siglos, el violonchelo fue liberado por
los compositores de este papel de acompañamiento muy establecido
y pudo demostrar en los cuartetos sus inmensas posibilidades de
expresión tocando melodías acompañado por los otros 3 instrumentos.
Después de haber tenido papeles muy estáticos en los períodos
barroco y clásico, los instrumentos del cuarteto tienen ahora, en las
obras más recientes, roles más versátiles y complejos, lo que les da
tanto a las obras para cuartetos como a las funciones de ensamble,
mayor interés.

Forma musical del cuarteto de cuerdas
El cuarteto de cuerdas no nada más designa a los músicos.
También se le da este nombre a la forma musical de esta configuración
de instrumentos. Esta forma musical se desarrolló en el siglo XVIII, al
final de la época barroca y a principios de la época clásica, con el estilo
galante. Se abandonó el rigor contrapuntistico para obtener melodías
más sencillas en búsqueda de gracia y despreocupación. El cuarteto
estuvo igualmente influenciado por el divertimento, un estilo ligero y
alegre.
Con Haydn, Mozart o Boccherini, el cuarteto de cuerdas se
generalizó para volverse el estilo el más demandado en la música de
cámara. Tiene la estructura siguiente en cuatro movimientos:
Movimiento I – allegro, forma de sonata.
Movimiento II – adagio, forma de lied, de sonata o tema y
variaciones.
Movimiento III – allegretto, 3 tiempos o ternario, forma de minueto
y trio, y después forma de scherzo a partir de Beethoven.
Movimiento IV – presto, forma de rondo, rondo sonata o rondo
variado.

El quinteto de viento
A lo largo de la historia de la música, los quintetos instrumentales
más habituales son los formados por un cuarteto de cuerda (dos
violines, viola y violonchelo) al que se añade otro instrumento, como el
piano, un instrumento de viento madera o, en más raras ocasiones,
una segunda viola (quinteto de cuerda). En cuanto al viento, existe
mucha literatura para el denominado quinteto de viento (flauta, oboe,
clarinete, fagot y trompa).
El quinteto de metal, el caso que nos ocupa en este concierto,
está constituido por dos trompetas, trompa, trombón y tuba y se
desarrolló especialmente en Norteamérica durante las últimas
décadas del siglo XX.
En el repertorio habitual para esta formación podemos encontrar
obras de diferentes estilos y épocas, aunque la mayoría de ellas suelen
ser adaptaciones de composiciones originales para banda u orquesta,
debido a que con anterioridad al siglo XX el quinteto de metales no
estaba extendido como conjunto camerístico. Sin embargo, en las
últimas décadas, son muchos los compositores que se han interesado
por las posibilidades tímbricas y expresivas de esta formación,
componiendo obras expresamente para ella.
Los instrumentos del quinteto de metales
TROMPETA

TROMPA
TROMBÓN DE VARAS
TUBA

La escritura para dúo/trio con piano.
Para la escritura de tríos tenemos diversos ejemplos


La orquesta sinfónica.
El adjetivo sinfónica o sinfónico alude a todo aquello que está
relacionado con la sinfonía, que es una composición de tipo musical
realizada por un conjunto de gran tamaño y que en su conjunto forman

una orquesta. En la tradición musical, orquesta sinfónica y orquesta
filarmónica son términos sinónimos.
Las orquestas sinfónicas están formadas por unos 100 músicos,
los cuales interpretan obras con una diversidad de instrumentos. Esta
tradición es de origen europeo y surgió en la corte francesa y británica
en el siglo XVlll y por entonces era conocida como música de cámara.
Como norma general cada orquesta sinfónica tiene una
distribución de instrumentos determinada, lo cual obedece a un criterio
sonoro de los instrumentos que la forman. Hay instrumentos que son
fundamentales en una orquesta y otros que tienen un carácter auxiliar
o complementario.
Primeros románticos.
La música del romanticismo: orígenes y concepto
El Romanticismo es un concepto y periodo de tiempo que hace
referencia, entre otras cosas, a la música que se compuso durante el
siglo XIX. El Romanticismo fue un periodo que abarcó desde el año
1810 y se llegó a extender hasta el siglo XX. Este período se ubica
entre el clasicismo y el impresionismo, dentro de las etapas de la
música. Durante esta época no solo los músicos del romanticismo se
ven condicionados por este movimiento, sino la sociedad en general,
debido a dos factores: una nueva perspectiva filosófica y conexión
entre cultura y arte (música).
El origen principal del romanticismo lo encontramos en la Escuela
de Jena o Círculo de Jena en Alemania y remontándose desde el año
1797 hasta el 1804 que perduró.

A partir de ahí, el movimiento se fue extendiendo por el resto de
Europa, adaptándose en el resto de las culturas de cada país y
configurando nuevas ideas artísticas.
En este contexto, se produjo una gran evolución del estatus de
los músicos, ya que la música se empezó a ver como un arte
independiente con grandes posibilidades de expresión y los músicos
del romanticismo como virtuosos capaces de conectar a las masas con
este mundo espiritual, mediante sus obras.
Características de la música del romanticismo
Innovación musical y ruptura de las normas clásicas de la música
tradicional.
La mayoría de las obras musicales pasan de realizarse por
encargo de la nobleza, mediante mecenazgo musical, a realizarse por
el mero placer de expresión artística de los músicos del romanticismo
y con mayor libertad creativa y originalidad.
Utilización frecuente de cromatismos, cambios de armonía (más
intensa y con más color), mayor variedad de estilos musicales (danzas
folklóricas, elementos nacionales…), rango mayor, la improvisación y
el uso tonos más bajos.
El concepto virtuosismo coge fuerza durante el Romanticismo y
la música solista se ve directamente impulsada por este factor.
La orquesta sinfónica empieza a crecer en cuanto al número de
músicos que la componen. Por otro lado, comienza a acoger otros

instrumentos musicales menos habituales para la época como el
piccolo, el contrafagot, el corno inglés, etc.
La capacidad expresiva del piano hace que sea uno de los
instrumentos más característicos (si no el que más), utilizados durante
el Romanticismo por muchos de sus músicos más influyentes.
Se produce un contacto entre música y pintura, en el que los
artistas comparten temas y simbolismo (naturaleza, la infancia, el
exotismo, la pasión, el folclorismo, el historicismo y sobre todo el
individualismo.
El individualismo se convierte en el atributo principal para los
músicos del romanticismo y los artistas en general. Se manifiesta
precisamente en el periodo en el que la industrialización y las reglas
sociales y morales, hace a los autores replantearse la identidad
individual y los deseos personales.
Compositores
Franz Schubert (1797-1828)
Otro de los más influyentes músicos del romanticismo es el
austriaco músico Franz Schubert, el cual tiene un repertorio de
composiciones enorme: sinfonías, música sacra, , música de cámara,
música para piano, ópera y más de seiscientas obras vocales
seculares. Como sucede con muchos autores, tuvo más
reconocimiento tras su muerte que en vida, ya que otros músicos del
romanticismo influyentes, de la época inmediatamente posterior a su
fallecimiento, exaltaron sus composiciones musicales.
Louis-Hector Berlioz (1803-1869)

Berlioz fue un compositor francés de gran renombre en el
panorama de la música romántica y que realizó grandes aportaciones
a la orquesta moderna, utilizando un gran número de músicos en sus
conciertos. Si bien es cierto, su obra más destacable podría ser:
Symphonie fantastique
Johann Strauss (1804-1849)
Strauss es otro de los grandes compositores de origen austriaco
del Romanticismo. Entre sus piezas musicales, destacan sus valses,
los cuales impulsó de la mano de Joseph Lanner. Fue además una
referencia para sus hijos, Johann Strauss II, Josef Strauss y Eduard
Strauss, también músicos.
Felix Mendelssohn (1809-1847)
Felix Mendhelsson como su hermana fue compositor y pianista,
además de organista y director de orquesta. Inspirándose en muchos
aspectos de la música de Bach compuso múltiples sinfonías, oratorios
y conciertos. Oigamos la banda sonora que compuso Felix para la
famosa comedia de William Shakespeare: Sueño de una noche de
verano
Fryderyk Franciszek Chopin (1810-1849)
Chopin fue un gran compositor y pianista polaco del
romanticismo. Escribió muchas piezas para piano y tenía un estilo muy
específico y técnico. Es considerado por muchos como una de las
primeras estrellas musicales que vio nacer el romanticismo.
Franz Joseph Liszt (1811-1886)

De origen húngaro y uno de los mayores exponentes de la Nueva
Escuela Alemana, Joseph Liszt es considerado otro de los grandes
músicos del romanticismo.
Entre sus perfiles destacó por ser: director de orquesta, pianista,
compositor, organista, arreglista y también escritor. Su habilidad con el
piano era extraordinaria y su contribución para impulsar a otros artistas
renacentistas muy importantes para la música. Además, se le
reconoce la invención de género: poema sinfónico.
La concepción moderna de la orquesta: Berlioz.
Transformó a la orquesta en la gran protagonista de la obra. La
llenó de una riqueza asombrosa, con maravillosos descubrimientos
tímbricos e infinidad de fusiones de sonidos diferentes. Muchas de sus
obras Berlioz las adornó con numerosos efectos protagonizados por
alguno de los instrumentos.
Aumentó el papel y el número de ejecutantes de la orquesta.
Instrumentos como el contrafagot, el corno inglés, el clarinete bajo o el
empleo de cuatro trompetas, los usó desde sus obras más tempranas.
La cuerda también la amplió considerablemente.
En sus obras se aprecia una contrastada tendencia hacia la
grandiosidad. Tenía un especial gusto por las grandes masas tanto
orquestales como corales.
Berlioz plasmó todo esto en su magnífico tratado de
instrumentación escrito en 1844 corroborando su especial talento,
genialidad e imaginación en este arte.

En cuanto al número de instrumentos que emplea en sus obras,
Berlioz parte como cuerpo orquestal con una formación similar a la de
la novena sinfonía de Beethoven. La mayor parte de sus obras
mantienen un orgánico parecido, pero casi siempre hay alguna
innovación. En una de sus primeras obras sinfónicas, la Sinfonía
Fantástica (1830), obra que logro un gran éxito, aumento
considerablemente la sección de la percusión. Empleó dos pares de
timbales, caja, bombo, campanas en do y en sol. También añadió 2
arpas. Para la sección de viento madera utilizó 2 flautas, la segunda
dobla a flautín; 2 oboes, el segunda dobla a corno inglés; 2 clarinetes,
el primero dobla al clarinete en mi bemol y 4 fagots. La sección de
viento metal está compuesta por 4 trompas, 2 cornetas, 3 trombones.

NOTAS IMPORTANTES:
La información de esta unidad es importante ya que
estudiante podrá reconocer las técnicas adecuadas
para aplicar los ejercicios de tracción correctamente
en el paciente.
“La Educación de los estudiantes comienza con el
paciente, continúa con el paciente y termina con el
paciente". William Osler
hacerme llegar.
TAREAS:
Trabajo de investigación diferencias entre el concierto

grosso y el concierto tradicional

AUTOEVALUACIÓN 3
1. ¿El cuarteto de cámara clásico está conformado por la familia de cuerdas?,

2. ¿En el cuarteto de cámara clásico está conformado por cantantes?
3. ¿El mejor encadenamiento es por 5tas directas?
4. ¿El mejor encadenamiento es por 8vas directas?
5. ¿El movimiento contrario es el más usado para encadenar acordes?

4. UNIDAD IV: LA ORQUESTACIÓN EN EL SIGLO XX
4.1. El Jazz
El jazz es un nuevo género musical que se origina en las
poblaciones cercanas al delta del Misisipi (EE. UU.) y procede de la
unión de elementos negros, euroafricanos y europeos.
Etimológicamente, el término jazz proviene, según algunos
autores, de la jerga de los deportistas de la costa oeste de los EE. UU.
Según otros, tiene una raíz africana (África occidental) que se refiere
al acto sexual. También se considera un diminutivo de la palabra
jazmin, por el perfume que usaban las prostitutas.
Existen diferencias importantes entre la música de jazz y la
música clásica:
1. Los músicos de jazz aspiran a lograr un sonido propio que los
distinga del resto y consideran que la expresión debe estar por encima
de la pureza. En cambio, en la música clásica la orquesta aspira a
obtener un sonido homogéneo bajo la batuta de un director.
2. El fraseo en el jazz tiene sus particularidades, ya que cada
intérprete hace su versión. Está caracterizado por el esquema básico
de llamada-respuesta, propio de la música de los esclavos negros en
los campos de trabajo de algodón. En cambio, en la música clásica el
fraseo está escrito en la partitura por el propio compositor y el
intérprete debe obedecer estas indicaciones en su ejecución, sin
variación alguna.
3. La improvisación en el jazz es el elemento básico y
diferenciador de todos los demás géneros musicales. Los

instrumentistas realizan sus solos con espectaculares improvisaciones
de gran lucimiento individual, o bien llevan a cabo una improvisación
colectiva con todos los instrumentos tocando a la vez, como
mencionamos anteriormente.
4. Los instrumentistas de jazz no tienen partitura para realizar sus
improvisaciones, sino que se inspiran en el momento de su ejecución,
lo que implica que siempre será una interpretación única y diferente en
cada ocasión. En la música clásica existe una partitura con las notas
musicales escritas por el compositor que el ejecutante debe obedecer
y no tocar otras diferentes. Por eso, Louis Armstrong decía que «el jazz
es una música de intérpretes y no de compositores».
Las agrupaciones instrumentales más habituales son el trío, el
cuarteto, el quinteto, etc., hasta las grandes bandas de más de
cincuenta músicos (big band). Los instrumentos más habituales son la
corneta, la trompeta, el trombón, el saxofón, la tuba y el fliscorno
(viento metal), el clarinete (viento madera), el contrabajo (cuerda), la
batería (percusión membrana), el piano (cuerda y tecla) y la voz.
Posteriormente, se incorporaron instrumentos procedentes de otros
géneros (música clásica), como el violín, el órgano y la flauta, pero más
excepcionalmente.
Tres son las corrientes de influencia que han participado en
la creación del jazz:
1. El blues: es una expresión músico-vocal interpretada por los
negros acompañados de guitarra o banjo y, en algunas ocasiones, de
armónica. Emplea melodías derivadas de los work-songs de la época

de esclavitud y se caracteriza por elegir temas melancólicos, en el texto
y en la música. En sus escalas utiliza mezcla de escalas africanas
pentáfonas con escalas europeas heptáfonas, lo que originó
transgresiones armónicas que, posteriormente, heredaría el jazz. La
estructura musical se basa en doce compases con armonías tónicas,
acordes dominantes y subdominantes. Es considerado por muchos
autores como la primera música de origen africano plenamente
americana.
2. El espiritual: es una expresión del canto popular y colectivo,
con carácter muy rítmico, interpretado en EE. UU. a partir de 1740 por
los negros africanos. Con este tipo de música, ponían de relieve su
identidad cultural y, en ocasiones, estaba acompañada de baile. Los
textos empleados estaban basados en las Sagradas Escrituras y en
antiguos himnos religiosos, con mensajes de fraternidad entre los
esclavos. El «espiritual negro» es un tipo de espiritual, cantado por el
negro cristiano en la iglesia o en el campo. A partir de 1871, esta nueva
forma de espiritual fue divulgado por el grupo de cantantes religiosos,
los famosos jubilee singers. Al jazz primitivo legó un solista (el cantor),
que exponía un tema, y el pueblo (resto de la banda musical) lo
desarrollaba mediante la improvisación.
3. El ragtime: es una música popular, instrumental, vocal y
también de baile, desarrollado a finales del siglo xix y comienzos del
siglo xx. Tiene un ritmo sincopado y alegre que invita al movimiento
marcando el compás. En las plantaciones donde trabajaban los
esclavos negros, el ritmo se marcaba con la mano izquierda con

influencias de los ritmos del banjo. Las melodías tenían gran influencia
de las formas clásicas europeas, como el minueto o el vals. Destacó el
compositor Scott Joplin, con su gran éxito The entertainer (El golpe).
Posteriormente, se realizó la película El golpe y su banda sonora fue
esta obra musical. El ragtime se aceptó e interpretó rápidamente por
la población blanca.
Stravinsky
Igor Stravinsky (1882-1971) nació en Oranienbaum, actualmente
Lomonósov, en Rusia el 17 de junio de 1882. Allí era el lugar donde
sus padres, cantantes de ópera, pasaban sus vacaciones. Su ciudad
de residencia era San Petersburgo. Empezó sus estudios de piano a
los nueve años, pero su padre deseaba que fuera abogado.
Stravinsky, el compositor que reinventó el ballet
Ya formado y en ejercicio del arte que supo cultivar, Stravinsky
revolucionó la orquestación y abarcó varios géneros, y reinventó el
ballet en su movimiento, ritmo y tempo, incorporando múltiples
culturas, idiomas y literatura.
Sus distintas etapas creadoras atravesaron por el folklorismo
tradicionalista de sus primeras obras, el vanguardismo de sus ballets,
en París, para Serguéi Diaghilev, la disonancia, politonalidad y
polirritmia, el neoclasicismo de los años 30 y algo de serialismo en el
final. Se destacó también en otros géneros como la sinfonía, la ópera
y la música de cámara.
Ruso, neoclásico y dodecafónico son los tres periodos en los que
se divide la carrera compositiva de Stravinsky, según los críticos y

estudiosos. Las obras que le valieron el reconocimiento mundial fueron
compuestas durante aquel primer período ruso. El empresario Serguéi
Diáguilev le había encargado una partitura para ser estrenada por su
compañía, los Ballets Rusos, en su temporada parisiense. El resultado
fue L'oiseau de feu (El pájaro de fuego, 1910) y le siguieron Petrushka
(1911), Le sacre du printemps (La consagración de la primavera, 1913)
y Las Bodas (1914).
El estreno de La consagración de la primavera (Teatro de los
Campos Elíseos, 29 de mayo de 1913) rompió con la estética de la
música y la danza del momento, a partir de su intención de regresar a
las raíces de un relato prehistórico en la estepa rusa, cargado de
simbolismo, pasos y saltos contrarios a la idea de la belleza etérea de
la danza, y música disonante y estridente. La música de Igor Stravinsky
y la coreografía de Vaslav Nijinsky, entonces, abrieron una nueva
etapa para la composición y para el ballet.
Schoenberg
(Arnold Schoenberg o Schönberg; Viena, 1874 - Los Ángeles,
1951) Compositor y pintor austríaco, nacionalizado estadounidense.
Su vida y su obra se vieron siempre rodeadas de polémica. Compositor
y pedagogo -sus alumnos Alban Berg y Anton von Webern ocupan un
lugar de privilegio en la historia de la música- , fue una figura capital en
la evolución de la música durante el siglo XX, aunque chocó con la
incomprensión del público y la crítica de su época, poco dispuestos a
aceptar la ruptura con el sistema tonal que su obra representaba.

Sin embargo, es importante señalar que Schönberg nunca se
consideró a sí mismo como un revolucionario, sino más bien como un
eslabón más en una tradición musical que se remonta hasta Bach. En
este sentido el dodecafonismo, más que el fin de la tonalidad, suponía
el intento de sistematización de un nuevo método que permitiera
superar sus contradicciones.
Berg y Webern
ALBAN BERG – MÚSICA CLÁSICA CONTEMPORÁNEA
El compositor austríaco Alban Berg es uno de los más
significativos del siglo XX. Como Webern, Berg fue alumno de Arnold
Schönberg, así que también recibió las influencias de la atonalidad
impulsada por su maestro.
Berg, sin embargo, tuvo siempre una relación complicada con
Schönberg, al que nunca parecían satisfacer las obras de su discípulo.
Alban Berg, pasó de la atonalidad al dodecafonismo y finalmente
adoptó la estética expresionista, sin dejar de lado el romanticismo que
subyace en sus obras con una fuerte carga dramática.
Cuando compuso su Sonata para piano, Op.1, su autoconfianza
aumentó y se afianzó totalmente con la creación de la ópera Wozzeck.
Por desgracia su otra ópera, Lulu, quedó inconclusa por la muerte del
compositor a causa de una picadura de insecto que le provocó una
fatal infección.
Anton von Webern
(Viena, 1883 - Salzburgo, Austria, 1945) Compositor austriaco.
Estudió musicología en Viena. A partir de 1908 se inició como director

de orquesta teatral en Viena, Teplizt, Danzig y Praga, y dirigió los
conciertos sinfónicos destinados a los obreros en Viena (1922-1934).
Fue director musical de la radio austriaca y trabajó en la Universal
Edition de Viena.
Con el vienés Alban Berg, es el representante más destacado de
la escuela de Arnold Schönberg. Sus primeras obras, como la
Passacaglia para orquesta, son todavía de estilo posromántico. El
período comprendido entre Seis piezas para orquesta (1910) y los
Cinco cánones para soprano y dos clarinetes (1924) se caracterizó por
texturas ligeras, conjuntos instrumentales pequeños y una
construcción musical muy compacta.
Anton von Webern empleó por vez primera el sistema
dodecafónico en su obra Tres lieder populares religiosos, a la que
siguieron composiciones en las que destacan su extrema intensidad y
brevedad, concisión y delicadeza y sus unidades melódicas
fraccionadas. Webern amplió el concepto de serialización
dodecafónica a la serialización rítmica, dinámica y tonal.

NOTAS IMPORTANTES:
La información de esta unidad es importante ya que
estudiante podrá reconocer las técnicas adecuadas
para aplicar los ejercicios de tracción correctamente
en el paciente.
“La Educación de los estudiantes comienza con el
paciente, continúa con el paciente y termina con el
paciente". William Osler
hacerme llegar.
TAREAS:
Trabajo de investigación diferencias entre la música

clásica y el jazz.

instrumentación
AUTOEVALUACIÓN 4
1. ¿Las cadencias aparecen al inicio de la obra?,

2. ¿Las cadencias solo son suspensivas?
3. ¿Las cadencias están al final de frases o partes?
4. ¿Las cadencias conclusivas son las que aparecen al final de frases o partes?
5. ¿La cadencia perfecta es el encadenamiento V-II?

instrumentación
5. SOLUCIONARIO
AUTOEVALUACIÓN 1
PREGUNTA RESPUESTA
¿Un semitono es la distancia más grande F

que existe entre dos notas a grado
conjunto?
¿Un tono solo tiene un semitono de

distancia? F
¿Un Intervalo de tercera mayor tiene 4 F

tonos?
¿Un intervalo de tercera menor tiene 1 F

tono?
¿Armonía es el elemento que se le conoce F

como la melodía de la música?

instrumentación
AUTOEVALUACIÓN 2
PREGUNTA RESPUESTA
¿Un acorde está formado por dos F

sonidos?,
¿El acorde mayor se forma por dos

terceras menores? F
¿El acorde mayor se forma por dos

terceras mayores? F
¿El acorde está formado desde la

fundamental a la tercera por un intervalo
F
de 4ta justa?
¿El acorde está formado desde la

fundamental a la tercera por un intervalo de F
2da menor?

instrumentación
AUTOEVALUACIÓN 3
PREGUNTA RESPUESTA
¿El encadenamiento armónico solo se

trata de encadenar el mismo acorde por el
F
resto de la melodía?,
¿Es mejor en movimiento directo en el

encadenamiento? F
¿El mejor encadenamiento es por 5tas

directas? F
¿El mejor encadenamiento es por 8vas

directas? F
¿El movimiento contrario es el más usado

V
para encadenar acordes?

instrumentación
AUTOEVALUACIÓN 4
PREGUNTA RESPUESTA
¿Las cadencias aparecen al inicio de la

obra? F
¿Las cadencias solo son suspensivas?

F
¿Las cadencias están al final de frases o

partes? V
¿Las cadencias conclusivas son las que

aparecen al final de frases o partes? V
¿La cadencia perfecta es el

F
encadenamiento V-II?

instrumentación
6. ANEXOS
ANEXO 1.

instrumentación

Guía didáctica: Armonía

Guia Introducción A La Instrumentación y Orquestación

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INTRODUCCIÓN A LA INSTRUMENTACIÓN Y

Carreras en las que se imparte NIVEL

MODALIDAD PRESENCIAL: bajo Resolución No. 078-ISTR-OCS-11-06-2020

Gabriela Andrea Nazareno Moscoso

INSTITUTO SUPERIOR TECNOLÓGICO RIOBAMBA

Diagramación y diseño digital:

2.2. Complementaria ..................................................................................... 7

3. ORIENTACIONES GENERALES PARA EL ESTUDIO............................. 8

3.1. Materiales educativos ............................................................................. 8

3.2. Ambiente de aprendizaje ........................................................................ 9

3.3. Autoevaluaciones ................................................................................. 10

3.4. Normativa VANCOUVER de citación ................................................... 11

4. PROCESO DE ENSEÑANZA APRENDIZAJE ........................................ 12

1. UNIDAD I: ESTUDIO Y DEFINICIÓN DE LA ORQUESTA ..................... 12

1.1. Ciencia, arte concepto .......................................................................... 12

2. UNIDAD II: DE LA ORQUESTA DE CÁMARA A LA ORQUESTA

2.1 Formación ............................................................................................. 26

2.2 ¿Qué es un concerto grosso? ............................................................... 26

2.3 Rameau y los timbres ............................................................................ 27

2.4 La orquesta en la Bach y Haendel ........................................................ 28

3. UNIDAD III: EL PAPEL DE LA ORQUESTACIÓN EN LA MÚSICA

3.1. Concepto y clasificación ....................................................................... 34

4. UNIDAD IV: LA ORQUESTACIÓN EN EL SIGLO XX ............................. 53

4.1. El Jazz .................................................................................................. 53

4 INSTITUTO SUPERIOR TECNOLÓGICO RIOBAMBA

Estimado estudiante: La siguiente guía se enfoca en la asignatura de

Introducción a la Instrumentación y Orquestación que se establece dentro

de la malla curricular de la institución.

El objetivo principal de este curso es proporcionar al estudiante

herramientas y recursos técnicos para la creación de instrumentaciones y

orquestaciones tanto coral e instrumental, así facilitando el desarrollo de

habilidades cognitivas al momento de instrumentar música popular,

mediante el uso de diversos formatos instrumentales.

Como parte de la educación tecnológica de un estudiante, a través de esta

guía se proporciona una pauta clara y relevante para ampliar su

conocimiento de este tema.

En este sentido, la información necesaria y pertinente se complementa con

lineamientos didácticos que transmiten conocimientos científicos, técnicos,

prácticos y humanísticos como aportes a la formación tecnológica.

Esta Guía de Instrucción se divide en 4 unidades.

• La unidad 1 cubre los conceptos básicos de estudio y definición de la

• La Unidad 2 aborda el proceso de transición de la orquesta de cámara

• La Unidad 3 trata el papel de la orquestación en la música de cámara.

• La Unidad 4 trata sobre la orquestación en el siglo XX.

no se desconectan del plan. Sin embargo, al finalizar la primera unidad, los

5 INSTITUTO SUPERIOR TECNOLÓGICO RIOBAMBA

estudiantes tendrán conocimiento de la terminología correcta para

identificar diferentes técnicas y métodos del tema.

Lea atentamente la sección Pautas de estudio que contiene información

importante para completar este curso.

académicos que se trabajan en conjunto permita que usted culmine

exitosamente esta asignatura!

6 INSTITUTO SUPERIOR TECNOLÓGICO RIOBAMBA

Agustín Charles Soler, 2005, Orquestación e Instrumentación Clásica y

Contemporánea: Libro de Trabajos

Agustín Charles Soler, 2005, Percusión, Criterios de Instrumentación y

Samuel Adler, 2012, Percusión, Criterios de Instrumentación y

7 INSTITUTO SUPERIOR TECNOLÓGICO RIOBAMBA

3. ORIENTACIONES GENERALES PARA EL ESTUDIO

Estimado estudiante, con la finalidad de que usted pueda adquirir las

competencias previstas en esta asignatura debe conocer lo siguiente:

3.1. Materiales educativos

• La guía didáctica constituye un excelente recurso, dado que,