Entendemos como nuevos realismos un arte avanzado o experimental que se da en Estados Unidos

y Europa entre 1957-1962.

Características
- Crisis de la pintura: Esto no quiere decir que la pintura muera, sino que surge una gran
crisis debido a un cambio histórico que redefine las obras de arte y a que se produce un fin
de la hegemonía de la pintura. Estos nuevos artistas no se consideran pintores, sino que se
consideran artistas.
- Redescubrimiento de la obra de Duchamp: al haber un redescubrimiento de Duchamp, hay
un redescubrimiento de los readymade y del arte objetual (esto son obras de arte donde los
objetos cotidianos son los protagonistas), hecho por los dadaístas y los surrealistas.
- Periodo de gran complejidad y heterogeneidad: arte experimental e innovador que amplía
el concepto del campo y del objeto artístico.
- Este arte se caracteriza porque se abre a la experiencia de lo real. Suelen ser propuestas
híbridas, puesto que se combina una pintura y un objeto.
La pintura, en el caso de que la obra que veamos de los nuevos realismos lo sea, se convierte
en un tipo de objeto, una de las maneras de acercarse a lo real de la pintura es abrirse a la
idea del objeto. Por ejemplo, las combine painting se abren a la experiencia de lo real.
Si lo que se pone en crisis es la pintura, esta en la mayoría de los artistas desparece estando
en favor del objeto cotidiano.
Otra característica es el uso del espacio y del tiempo real, el happening y la performance
estarían dentro de esta característica (environment).
La última sería el arte como acontecimiento
- El término creado por Restany (crítico de arte francés de la época) "nuevos realismos".
Él empezó a mirar a una serie de artistas de los años 50-60, como por ejemplo Armain,
Klein, Tingueli, etc. Vio que todos los artistas europeos tenían algo en común (que
redescubrían los readymade de Duchamp pero que no eran dadaístas) y los llamo nuevos
realismos. Une a los artistas estadounidenses con los europeos.

¿Qué pasó antes y después?

Antes de los nuevos realismos (1940 - 1950) en Estados Unidos nos encontramos el expresionismo
abstracto (representantes: Pollock y Rothko) y en Europa los informalismos (representante:
Dubuffet). En este momento se estaba dando una hegemonía de la pintura. Estos artistas se
definen a sí mismo como pintores.

Después de esto vienen una serie de artistas en los que se plantea una crisis de la pintura (pero
no como en el periodo dadaísta, ya que a los dadaístas y a Duchamp con los readymade se les
denomina antipintores, debido a que en la práctica elegir objetos cotidianos como obras de arte
supone renunciar a la destreza manual y al virtuosismo propio de la pintura).

El arte se empieza a redefinir y lo que vemos es que hay un cambio de paradigma (hay un cambio
del ser del arte, que ya no es lo que era antes). Ahora los nuevos realistas no rechazan la pintura,
sino que esta se redefine dentro de este nuevo contexto de experimentación.

En este cambio de paradigma lo que empieza a verse como antiguo u obsoleto desde el punto de
vista generacional, son artistas como Pollock o Rothko, los ven como artistas que ya no
representan su tiempo.
Algunos hablan del final del expresionismo abstracto en el momento en el que Pollock muere en
1956, diciendo que esta fue la muerte real de Pollock, pero la muerte metafórica del expresionismo
abstracto.

La diferencia en cuanto a Dadá es que los nuevos realistas son experimentales, innovadores,
redescubren a Duchamp, pero no muere la pintura, sino que se redefine y se integra en estos
nuevos modelos que hacen, algo muy diferente a Dadá ya que esto era antipintura y era mucho
más revolucionario.

Después de los nuevos realismos vemos como en 1962 empieza las tendencias de las obras de Andy
Walhord (arte pop). Las obras más importantes de Andy Walhord son creadas a partir de 1962.

Rauschenberg y Johns
- Se les conocía en su propia época como neodadaistas, aunque este término es muy
controvertido. No sería muy correcto usar este término puesto que los dadaístas
rechazaban la pintura, eran antipintores.
- Rauschenberg y Johns comparten amistad con el compositor John Cage, este era bastante
amigo de Duchamp y había una conexión muy estrecha entre los readymade de Duchamp
y la manera de Cage de interpretar la música, esto directamente afectaba a Rauschenberg
y Johns.
- Schapiro es un crítico e historiador del arte. A finales de los años 50 se convierte en un
defensor de la pintura de Pollock, Duchamp lo invita a la conferencia que ofrece en Texas,
siendo Duchamp la vista contraria.
- El nuevo galerista que va a descubrir el talento de esta nueva generación de americanos
es Neón Castelli que se denomina a sí mismo “el que no es Janis”. Janis era un galerista,
que vendía todas las obras expresionistas abstracto, a finales de los años 50. El arte
establecido a finales de los años 50, el arte institucional, sigue siendo la pintura
expresionista abstracta, por lo tanto, Castelli, era un galerista que se da cuenta que hay
unos artistas jóvenes que están haciendo algo diferente, estos son Johns y Rauschenberg.
Castelli logra vender muy rápido las obras de Johns al Museo del arte contemporáneo.
- Rauschenberg redescubre tanto a la figura de Duchamp que acaba comprando el Porte-
bouteilles de Duchamp, adelantándose al Moma, el cual celebra en 1961 la primera
exposición sobre el essamblage.
- Las obras de Rauschenberg y Johns comportan una orientación hacia objetos o temas
“reales”, por ejemplo, Johns hace pintura, pero sus temas se orientan hacia objetos reales,
y en el caso de las combine painting, son pinturas que se abren al objeto real
- Pierre Restany en 1961 se da cuenta de que en Nueva York hay otros artistas como
Rauschenberg y Johns hacen obras que tienen características que pueden compartir con
las de los nuevos realistas franceses, por eso hace una exposición a la que invita a
Rauschenberg y Johns junto a toda la nómina de artistas franceses y la titula "Le nouveau
realisme à Paris et à New York. Hay una dimensión de encuentro que se puede llamar
también a Rauschenberg y a Johns Nuevos realistas.
- Johns y Rauschenberg son amigos de John Cage y Cunningham, Cage es un gran amigo de
Duchamp, ellos dos, uno con sus Readymade y el otro con sus composiciones musicales
tienen una relación absolutamente estrecha, en la que participan también en el ámbito de
baile, Cunningham, gran amigo de Cage y Johns y Rauschenberg en la pintura.
La pieza musical de Cage de 4’ 33” es muy importante, en esta obra el pianista se sienta y
abre la tapa del piano, la obra se divide en 3 tiempos, cada vez que sucede el primer
movimiento abre la tapa y cuando termina la cierra, sin tocar nada, y así sucesivamente
en los otros tiempos.
La primera característica de esta obra es la temporalidad, pero esta como algo
fundamental en la música, el otro gran tema es el silencio, esta idea no la podemos separar
 del concepto del silencio en el budismo Zen, por lo tanto, tenemos que aparcar nuestras
ideas occidentales para entender la pieza.
Para nosotros este silencio sería la nada o el vacío, esto puede ser en la música o en pintura,
en el budismo zen el silencio no es un vacío, sino que es un silencio que se entiende como
un lleno. Por lo tanto, lo que va a demostrar con esta pieza es que el silencio no existe,
esto lo demuestra interpretando la pieza 4’ 33”.
Finalmente, algo fundamental para John Cage es el azar, el acontecer de la vida es lo que
lo hace imprevisible, esto lo que hace es incorporar la vida.

Tanto Cage como Duchamp coinciden en unir el arte con la vida y el azar. En 1952 se
produce el primer Happening, llamado Event (subtitulado pieza de teatro número uno), de
este happening no hay fotografías ni documentos visuales.
Este primer happening lo organiza Cage, es un espectáculo multimedia y colectivo, en el
que participan Cunningham, Rauschenberg, el propio Cage y otros artistas.
Este se sube en una escalera de tijera y dio una especie de charla en la que leía la relación
de la música con el budismo zen y una vez terminaba la conferencia interpretó una
composición con una radio.
Mientras Cage hace esto, por los pasillos Cunningham hace su pieza lo cual eran unos
perros corriendo por los pasillos persiguiendo a Cunningham, con esto incorpora los
movimientos corporales cotidianos en la danza.
Rauschenberg lo que hace es colgar sus cuadros encima de las cabezas de donde estaba el
público. Rauschenberg también ponía con un gramófono piezas antiguas.

Robert Rauschenberg: En su experimentación crea las Combine painting (pintura combinada): obra
híbrida en la que se cruza la pintura con el objeto cotidiano.

Esta mal llamar a Rauschenberg neodadaista, Rauschenberg y Johns cuando redescubren a

Duchamp, lo que hacen es aplicar a la pintura el concepto de readymade de Duchamp. La manera
de hacer cuadros de Rauschenberg cuesta para un Pollock, por ejemplo, puesto que un cuadro
pasado por el readymade de Duchamp ya es otra cosa.

Una de ella es Bed ,1955, en la que vemos un colchón, una colcha y la almohada adherida
completamente a una tabla de madera para crear el formato cuadro, vemos que hay chorreones
de pintura en la superficie de la cama sin ninguna armonía.

Otra obra es Ordalisca. En esta obra hay una referencia muy clara a una obra de Miró, llamada
objeto poético, la cual es un essamblage, arriba del todo de esa obra colocó un loro disecado, que
podemos ver la referencia aquí por la gallina que colocó Rauschenberg. En esta obra vemos una
gallina como objeto tridimensional, una especie de peana y una columna sobre un cojín. Llama a
esta obra pintura porque hay un cuadro, aunque parezca que va a ir al campo de lo escultórico,
es una obra muy frontal, bidimensional, lo que hay entre la gallina y la peana es una serigrafía en
la que ha utilizado materia pictórica y también elementos fotográficos, por eso es una pintura
combinada.

Otra sería Peregrino, es un híbrido entre pintura y un arte objetual. En esta obra vemos un cuadro
y una silla (readymade). El cuadro es abstracto, parece imitar un estilo expresionista abstracto,
es una parodia de este. La silla, incorporar este objeto a un lienzo es algo que ya se ha visto, en
los collages, los cuales empezaron a crearse a partir de Picasso y Braque, por lo que la pintura
combinada no es radicalmente nueva porque tiene su tradición detrás, la base de la pintura
combinada sería el principio collage, no es el objeto silla tal cual, sino que está policromado y se
ha integrado en la composición pictórica que forma el cuadro, como está dispuesta la silla también
es muy importante, debido a que ha tomado la decisión de ponerla como está habitualmente una
silla, permitiendo a los espectadores del cuadro sentarse en ella y utilizarla, formando parte de la
obra y dándole la espalda al cuadro. En esta obra, está se abre a la experiencia de lo real, a esto
Rauschenberg lo llama abrirse a la vida. Vemos a este objeto silla como obra de arte que se
contempla como obra abstracta. Si yo me siento en la silla estoy en el ambiente expositivo donde
hay más espectadores que además que miran la obra me miran a mí. El objeto silla aquí está
haciendo como de puente entre la vida donde habitan los espectadores y el cuadro donde habita
el arte.

La obra se llama peregrino, significando peregrino una estación para descansar.

Rauschenberg dijo: “Cualquier incentivo para pintar es tan bueno como cualquier otro. No hay
ningún tema que sea pobre. La pintura alcanza su mayor fuerza cuando a pesar de la composición,
el color…etc., se nos muestra como un hecho, como algo inevitable, como lo opuesto a un recuerdo
o un arreglo. La pintura está relacionada tanto con el arte como con la vida. Ninguna de estas dos
cosas puede fabricarse. (Yo intento actuar en el espacio que queda entre las dos). Un par de
calcetines no es algo menos apropiado para hacer un cuadro que la madera, los clavos, la
trementina, el aceite y los tejidos. Un lienzo nunca está vacío.”

Trofeo III, en esta obra Rauschenberg no utiliza pigmento pictórico, pero construye un cuadro,
esto lo sigue considerando una pintura combinada.

Laberinto, está obra se encuentra casi en el final de los nuevos realismos, está obra suele
considerarse como arte pop pero no lo es, simplemente es una continuación de las pinturas
combinadas, en la que utiliza el principio collage como base de su obra, la cual es una propuesta
híbrida entre la idea de un cuadro y la idea de incorporar objetos reales en el cuadro. Los nuevos
realistas usan muchas veces objetos usados.

Pinturas blancas, Rauschenberg, este les cambio el nombre en la instalación de estas, llamándolas
ahora All white, John Cage dijo que se inspiró en esta obra de Rauschenberg para hace su pieza 4’
33”. Esta obra es pintura blanca sobre tabla pintada a rodillo, haciendo esto en muchas tablas,
esta obra es un monocromo, cosa que nunca se había dado antes, ni había precedente de esta, en
el caso de Rauschenberg el monocromo tiene un sentido muy ligado a la idea del silencio y a la
importancia que para estos artistas tiene el vacío y el silencio desde el budismo zen.

Esta obra es un All over, conscientemente hecho, es un All over debido a que es una obra
desjerarquizada, puesto que todos los elementos tienen la misma importancia. Parece que esta
obra es un grado 0 de All over, este All over al lado de los de Pollock sería un silencio de estos. Lo
primero que hace Rauschenberg es vaciar el All over.

No podríamos decir que esto es una tabla rasa puesto que está pintada completamente. Su manera
de trabajar es a la manera de Duchamp, es hacer una pintura donde no expresa ninguna emoción
interior como autor.

En esta obra la sombra del espectador aparece al acercarse, con esto incorpora lo efímero y el
accidente o imprevisible. Esta sombra es algo cambiante, puesto que siempre es una sombra
cambiante de personas diferentes.

Dibujo de de Kooning borrado, Rauschenberg tenía un dibujo de de Kooning el cual este le había
regalado, los cuadros de de Kooning es un artista instituido y absolutamente comercializado e
importante en el año 53 y sus cuadros valían una fortuna, le pregunto a este si podría borrar su
dibujo y él dijo que sí. Esta obra es un dibujo de de Kooning que está totalmente borrada, no hay
ninguna huella del dibujo, pero sí de que el dibujo ha sido borrado. Se enmarca esta obra en un
cuadro dorado y le pone una cartelera que pone el nombre de Rauschenberg, el título de la obra
“dibujo de de Kooning borrado” y la fecha de creación (1953).

En esta obra hay todavía la marca de la existencia de lo que hubo, al borrar esta obra produce un
proceso de desvalorización en términos económicos, poniéndole después el marco dorado. Es un
gesto simbólico muy importarte la provocación de ir contra lo anterior.
El título lo que recoge es una acción, esto es una propuesta híbrida, ya que es un no dibujo más
la acción. Este no dibujo es el resultado de una acción que es incluso más importante que el
resultado final.

Una performance es una artista o alguien que representa al artista delante de un público que es
convocado y está consiste en ejecutar una acción.

Se puede decir que esto es una obra performativa.

Jasper Johns: Este entra en la característica de que la pintura se puede convertir en un objeto.

La técnica de Johns es siempre la misma, son cuadros, se puede considerar un pintor, pero se abre
la pintura al objeto cotidiano.

Bandera, óleo sobre tela, aunque también es un collage puesto que usa encáustica como
aglutinante. Es más, una construcción que la acción de pintar de manera tradicional, el proceso
técnico es muy despersonalizado, en este sentido es muy duchampiano. Lo que hace más bien
sería construir con pintura un cuadro.

La temática no es nada original, no representa nada nuevo, sino que escoge una bandera o el
objeto diana.

Es una pintura totalmente despersonalizada puesto que no quiere que la obra muestre sus
sentimientos. Johns elige la bandera americana o la Diana como objetos cotidianos que ya están
en el mundo y de los cuales él no ha hecho ni el diseño ni es autor.

Este cuadro o el dilema de este, es que es una bandera americana y es una pintura. Es una pintura
que se puede convertir en un objeto bandera, y viceversa.

Adapta el soporte bidimensional, que es el cuadro, completamente a la forma bidimensional del

objeto que quiere representar. Busca elegir objeto readymade que sean susceptibles de convertir
en cuadros.

Johns también hizo escultura, pero con el mismo sentido, es decir, que las mismas esculturas se
pudieran convertir al mismo tiempo en objetos cotidianos.

Bronce pintado (latas de cerveza), solo sabemos que es una escultura sabiendo el material del que
está hecho. Jasper Johns hace réplicas de objetos cotidianos en bronce pintado, entonces el objeto
cotidiano se ha convertido en una escultura noble. No es el objeto cotidiano tal cual como haría
Duchamp, sino que es una réplica.

Allan Kaprow, ánimo Dine y Claes Oldenburg: hapennings y environments.

En 1952 se realizó “Event” o “Pieza de teatro nº1” de John Cage, etc. es una obra colectiva que
tiene características del happening, es una obra intermediaria (interdisciplinar). Esta obra es el
primer happening.

Un happening es un acontecimiento, es algo que está pasando ‘aquí y ahora’, es decir, es un

acontecimiento en vivo y en directo, entre el público, este suele tener un papel activo.

Características del happening:

- Simultaneidad de acciones o acontecimientos, lo veíamos en Event, en el cual todas las

cosas sucedían a la vez.
- Además de estar cierta parte planeada, hay un grado de improvisación y aquí es cuando se
incorpora el azar.
- Es una actividad artística que está perfectamente encajada en una sociedad de consumo
capitalista con tiempo de ocio.
 - Este híbrido entre pintura, escultura, música, danza, poesía y teatro desarrollados en un
espacio y un tiempo determinados se inserta como manifestación urbana en el orden del
capitalismo internacional.
- Fusión entre arte y vida. Arte como puro acontecer (sucediendo, ocurriendo, viviendo).
Énfasis en dos aspectos estéticos: La fragmentación y el azar.

El crítico Pierre Restany define al hacedor happenings como una especie de "'ingeniero" o animador
"del tiempo libre", identificando al happening, en su función social, con la "animación cultural" o
la "humanización del ocio".

El primer happening y el más importante de este es 18 happenings en 6 partes este duró 90 min y
lo desarrolló en una galería de Nueva York en el 1959. La pieza no está grabada en vídeo y lo que
tenemos de ella son fotografías, descripciones y una especie de libreta donde Kaprow escribía lo
que iba a hacer.

Kaprow fragmentó el espacio en 3 habitaciones que le permitía llevar a cabo una simultaneidad
puesto que en cada habitación se realizaba un acontecimiento a la vez, debido a ello, aunque el
público podía sentarse, para ver unos y otros tenían que cambiar de habitación, vemos aquí el
dinamismo, hablando del público, este también formaba parte de la obra.

Es una obra colectiva, actúan en ella invitados que él llama, aunque también actúan en ella el
propio público.

Como era una obra tan novedosa, el Público no está acostumbrado a ver y estar en estos
Happenings, por lo cual Kaprow tuvo que realizar distintas notas para los visitantes para que
supieran que tenían que hacer.

En este happening también se incluyen sonidos, como son los sonidos de las campanas que suenan
al final de cada happening. También se incorpora la danza.

Para él no tienen ningún significado los distintos happenings, es decir, lo que tiene para él el valor
de significado es el sucederse simultáneamente en el espacio aquí y ahora.

Hay momentos en el que algunos invitados tocan instrumentos.

En un espacio estaba la parte más participa del público, en la cual leían textos del propio Kaprow
la cuales estaban en una especie de tablillas.

Utilizaba materiales plásticos para generar unas sensaciones perceptivas que tienen que ver con
la idea de pintura y generaba así un espacio híbrido entre lo arquitectónico con estímulos visuales
en esas superficies bidimensionales.

Este lugar vacío, sin llevar a cabo el happening sería el environment.

El environment es el espacio ambiental que Allan Kaprow creaba para que pudieran acontecer los
happenings, lo que hoy llamaríamos la instalación artística.

El environment cuando termina el happening se desmonta y desaparecen, no todos los

environments de Kaprow son dependientes del happening, hay algunos que son autónomos.

Yard (patio), es una instalación en la que ha llenado toda la superficie, aunque solo sea el suelo,
llenando todo este de neumáticos, y está realizado en un patio (de aquí el título).

Cuando hace este environment todo el conocimiento de los readymade de Duchamp y John Cage
están completamente asimilados por Kaprow.
Este environment es una representación espacial de una actitud multinivelada hacia la pintura.
Es una composición All over, toda cubierta de neumáticos, por eso está multinivelada a la pintura.
Los neumáticos tienen una tridimensionalidad que le da una impresión escultórica. Es una
hibridación experimental.

En una de las paredes colocó una fotografía de Pollock realizando una de sus obras de dripping
como homenaje a este.

Allan Kaprow comenzó como pintor, de hecho, en 1948 su profesor fue Hans Hoffman, al mismo
tiempo estudio historia del arte en Columbia con Meyer Schapiro, entre 1955-56 empieza a pintar
una gran cantidad de cuadros a la manera de Pollock, entre 1956-57 es cuando empieza a realizar
sus action collages con periódicos, paja, alambre, …. Kaprow no solo está mirando la obra de
Pollock, sino lo que está es llevando la pintura de Pollock a las action painting. En 1959-59 entra
a estudiar en la New School for Social Research de New York con John Cage, por lo que redescubre
a Duchamp, y no solo sus readymade, sino también todo lo que aporta para la idea de lo sonoro,
todo lo que aporta John Cage en el ámbito de la música.

En el 57 Schapiro y Duchamp dan una conferencia sobre la condición liberadora del arte de
vanguardia, lo que vemos aquí es el contraste de dos maneras de ver el arte en 1957.

Schapiro defendía la pintura expresionista abstracta y la manera de trabajo de Pollock, reafirmaba

la autoría singular (la individualidad o genialidad del artista). Tenía un pensamiento moderno, lo
que se defendía aquí era el arte moderno de los años 40 o 50, en el que la pintura es el arte
principal, y, sobre todo, la pureza de los medios, un arte de medios específicos.

Greenberg defendía la pureza de los medios, al igual que hace Schapiro. Se defiende la idea de que
el autor es el genio creador, el cual representa la subjetividad y la individualidad.

La conferencia de Duchamp se llamó el acto creativo, en el acto creativo participa el autor, la

obra y el espectador, es decir, en este Duchamp tiene en cuenta por primera vez al espectador
como formando parte del proceso creativo. El autor tiene una idea en la cabeza de la obra que va
a hacer, pero cuando hace la obra el coeficiente artístico es la diferencia entre lo que el artista
piensa hacer y lo que la obra en realidad es, el espectador ve la obra y él participa en el acto
creativo poniendo su subjetividad e individualidad, tratando de pensar en esa obra, cerrándose
aquí el ciclo del acto creativo.

Duchamp cuestionaba la autoría singular y ponía el acento en la recepción y “consumo” público

de la obra de arte.

Lo que vemos con la idea del happening es que el arte se hace intermedial y por lo tanto pone en
crisis tanto el privilegio de la pintura como su especificidad, por esto pasamos del arte moderno
a arte contemporáneo. En este el arte se abre a la vida a cualquier objeto susceptible de ser
convertido en arte. El arte deja de ser algo en el que uno se especializa en un medio, sino que los
medios están a su alcance para experimentar con ellos en un modo interdisciplinal o intermedial,
en el que el arte se hibridiza, hay contaminaciones en las artes, hablamos de artes y artistas en
sentido genérico.

Pierre Restany y el “Nuevo realismo” francés.

- En Milán, el 16 de abril de 1960 Pierre Restany publica el primer manifiesto del Nuevo
Realismo.
 - En mayo de 1960 Restany organiza la primera exposición de los “nuevos realistas” en la
Galería Apollinaire de Milán. Participan Arman, Klein, Tinguely y los affichistes Hains,
Dufrêne y Villeglé.
- Constitución oficial del grupo Nuevo Realismo el 27 de octubre de 1960 en el domicilio
parisino de Y. Klein. Lo constituyeron: Arman, Klein, Tinguely, los affichistes Hains, Dufrêne
y Villeglé, Spoerri, Raysse y Restany. César y Rotella, invitados-ausentes, participaron en
las posteriores actividades del grupo, al que más tarde se unirían Niki de Saint-Phalle,
Deschamps y Christo.
- En mayo de 1961 se celebró la segunda exposición del grupo Á Quarante Degrés au-dessus
de Dada, en cuyo catálogo Restany publicó un segundo manifiesto.
- En junio de 1961, Restany organiza Le Nouveau Réalisme à Paris et à New York, en la Galerie
Rive Droite de París. Junto a Arman, César, Hains, Klein, Saint-Phalle y Tinguely exponían
Rauschenberg y Johns, “líderes” de la nueva “guardia” en los Estados Unidos.

Empieza como pintor y en 1957 hace un cuadro llamado “Malva administrativo”.

Este tiene dos tipos de obras:

- Poubelle (cubo de basura) consiste en vitrinas que están cerradas herméticamente en las
que Arman ha introducido objetos inservibles, desechos de una sociedad de consumo. En su
trabajo le interesa hablar de los desechos y desperdicios de la sociedad de consumo, la
cultura de usar y tirar. A veces es muy irónico, lo podemos ver en su obra Grandes desechos
de burgueses o La Poubelle de Jim Dine, Jim Dine es un artista norteamericano que realizaba
performance, esta obra es una especie de homenaje a este.
- Accumulation: como el nombre indica son acumulaciones, a diferencia de las Poubelles
estos no son desechos, sino que son objetos de segunda mano todos del mismo tipo
fabricados en serie. Vemos obras como Hogar dulce hogar o Acumulación de jarras, en esta
vemos el deterioro de las jarras que ya no son todas iguales, puesto que al ser usadas
sufren una diferenciación o individualización. Otra acumulación es La paradoja del tiempo
en la que vemos muchos relojes, lo interesante es que cada uno marca una hora diferente,
la hora en la que dejó de funcionar, la paradoja del tiempo es eso, que cada uno tiene un
tiempo, el tiempo justo en el que deja de funcionar, está obra es una especie de vanitas,
pero no barroca, sino una vanitas de la sociedad de consumo de los años 60.

Este hace metamatic, estas son máquinas de hierro pintada de color negro, las cuales tienen
incorporado un motor, una serie poleas y una especie de plóter, de manera que al funcionar esta
crea dibujos o pinturas de manera automática.

Según él, una metamatic es Una máquina o construcción que simplemente permite dibujar o pintar
de una manera que, hablando en términos prácticos, es casi totalmente automática, quedando
limitada la intervención humana a la elección de uno o más parámetros y, en su caso, a la energía
de motor.

Tinguely Numeró las metamatic. En su apariencia física, estas máquinas que generan movimiento
y ruido, parecen esculturas.

La metamatic más especial es la numero 17, la cual ya no es para meterla dentro de la galería
sobre una peana de escultura, sino que es urbana, tiene unas dimensiones mucho mayores, tiene
ruedas y tiene una especie de farola incorporada para tener luz por la noche.

Esta la presentó en la Bienal de parís de 1959, pero no porque fuera invitado a esta, de hecho, no
lo fue, sino porque el por su cuenta cogió la metamatic nº 17, pagó a dos hombres con camiseta
blanca para que la manipularan y la exhibió unos días antes de la inauguración en las afueras de
la Bienal.

Las metamatic y los readymade de Duchamp se parecen en que lo que se crea ya está hecho, no
lo hace una persona. Duchamp decía que el readymade era una obra de arte sin un artista que la
produzca. Lo más interesante es que la metamatic produce pintura en un sentido industrial, por
lo tanto, hay una industrialización de la idea de pintura, es una crítica a todo lo visto antes.

La obra más importante de Tinguely es “homenaje a Nueva York”, toda la maquinaria de esta obra
la pintó toda entera de blanco. La pieza era gigante y la performó en el Moma en 1960, estaba
pensada para ser autodestruida a los 20 minutos del inicio de su movimiento. Lo interesante de
esta pieza es en el momento que funcionaba y en el momento de autodestruirse. Se llamaba así
puesto que es una crítica a la vida neoyorquina o a la ciudad de Nueva York, la ciudad del dinero,
el centro financiero, la prisa, el estrés, el dinamismo, el caos, etc.

Rauschenberg intervino en esta obra e hizo la obra “Lanzador de dinero”.

En 1956 Klein empieza hacer sus monocromos de color azul, él patenta el color azul al cual le pone
el nombre de IKB (Yves Klein Blue).

Klein piensa que la esencia de la pintura es el color y la libertad de expresión y de extensión de

ese color, para él las líneas son un barrote que limitan el color.

El pigmento pictórico sería un material visible y tangible, tanto como cualquier elemento de la
naturaleza, en este caso Klein elige el mar y el cielo porque además de ser tangibles y visibles son
los elementos más abstractos de la naturaleza. El cielo tiende hacia lo infinito, por lo tanto, vemos
una conceptualización más trascendente del arte. Hay una tradición cultural en Francia, en la que
se representa el azul del cielo en Niza (su ciudad natal) o en las costas francesas/mediterráneas,
vemos a otros artistas inmersos en esta tradición como Cézanne, Derain y Matisse.

El primer monocromo azul que hizo fue Proposte monocrome/ época blu, estos eran 11 cuadros
monocromos todos del mismo tamaño y el color IKB , todos estos formaban una serie, colgados
todos del techo, ninguno toca la pared puestos que están colgados a unos centímetros de esta,
esto se presentó en la Galería Apollinaire en Milán, al ser una galería, había un listado de las obras
y cada cuadro tenía un precio económico distinto, esto formaba parte de la propuesta monocroma,
de alguna forma, Klein lo que hace es subjetivar como autor los precios del mercado por encima
del orden lógico capitalista.

Su siguiente propuesta va a ser el Pigmento puro, en esta la pintura azul se sale del cuadro, puesto
que ya no está en ese soporte bidimensional porque se extiende por cualquier objeto o superficie
del planeta. Klein asocia esa idea de libertad con lo infinito o una especie de transcendencia.
Empieza a darse cuenta de que el pigmento puro en sí mismo es materia bruta pura y empieza a
interesarse más por lo inmaterial en el arte.

En 1957 hace una escultura aerostática, Klein en esta obra lo que hace es liberar 1001 globos de
color azul que terminarían ascendiendo hasta el cielo azul hasta que llegaría un punto que estos
globos se harían puntos pequeños que se fundirían con el azul del cielo. En esta acción artística
Klein estaba buscando la idea de asociar el color a lo inmaterial.

La obra más polémica de Klein e importante es La especialización de la sensibilidad en estado de

materia prima en sensibilidad pictórica estabilizada (el vacío), la obra se encuentra en la galería
Iris Clert, la cual la fachada estaba llena de cristaleras, lo que hace Klein es sellarla
herméticamente colocando en todo estos cristales tablas de madera, la galería del arte sería el
lugar especializado para la percepción de la sensibilidad pictórica, lo que pasa es que este lugar
está vacío, no muestra cuadros.
En el exterior montó un toldo de color azul y además diseñó unos trajes completamente azules
para dos vigilantes que estarían en la puerta de la galería durante la exhibición, lo que está
haciendo es dejar el azul como materia real fuera de la galería, también preparó unos cócteles de
color azul, los cuales se tomaba el público.

En el interior lo que hace es tapar las cristaleras con maderas, blanqueo todo, pinto todo de blanco,
no dejó ocultar los restos de colgar obras de artes de las exposiciones anteriores.

Klein describió en ocasiones esta obra como ambiente o clima especializado para la percepción de
la sensibilidad pictórica. Restany lo describió como “Reino de sensibilidad pictórica inmaterial”.

Klein primero despojó la pintura de las limitaciones físicas del cuadro, luego se dio cuenta que el
pigmento como materia bruta no es algo que se prestara a conectar con el azul del infinito, por
lo tanto, empezó a pensar que el azul era demasiada materia bruta para llegar a esa idea o esencia
del color o pintura de una forma inmaterial, de ahí que llegara al vacío.

Es el primer artista que utiliza el espacio entero de la galería como elemento que constituye su
propia obra de arte.

Dos días antes de la inauguración quería iluminar el obelisco de la place de la concorde de Paris
con el color azul Klein, sin embargo, no pudo realizarlo porque no le dieron el permiso. Trasladó al
mundo exterior urbano el azul como algo material e iba hacia lo inmaterial.

El momento culminante de Klein son sus dos últimas obras: La primera es Salto al vacío y la
segunda Zona 5 de sensibilidad pictórica inmaterial.

Salto al vacío es muy conceptual, es una obra periódica, lo que él hizo con esa hoja de periódico
fue llevarla a algunos kioscos. Hizo una copia del periódico Dimanche, el cual es un periódico de la
época y de Paris que solo hacía publicaciones los domingos. Lo que él hizo fue una copia de este
periódico y se hizo su hoja de portada del domingo 27 de noviembre de 1960.

En esta obra lo importante son las ideas que se muestran en el periódico, el texto y las imágenes
que se muestran en este texto para mostrar ideas. La obra principal es la columna dedicada a un
hombre en el espacio, esto es una acción fotográfica, hizo varias versiones fotográficas, en una
es un fotomontaje en la que él al lanzarse al vacío, como estaba a una gran altura, estaban sus
amigos abajo con una tela para que cayera en esta y no se matara, hay otras que, si son
fotografías, instantáneas, en las que se coge el momento en el que él salta por la ventana.

Él lo que quiere expresar es el salto al vacío, no le interesa la caída. El salto al vacío es una manera
de liberarse de todo el materialismo que le impide ser libre, libre en el espacio sin una mochila o
una carga de opiniones, prejuicios, tradiciones, educación, etc. No se podría considerar a esto como
un suicidio, sino todo lo contrario, es como un nacimiento o una liberación de la materia.

Zona 5 de sensibilidad pictórica inmaterial. Es una obra completamente inmaterial, fue comprada
por un coleccionista, Dino Buzzati, que la compró por 20 gr de pan de oro y los dos, el artista y el
coleccionista fueron al Sena y ahí quemaron el cheque/contrato de la obra, arrojaron al rio el oro
y el cheque quemado. Lo que queda de la obra es la fotografía de ese momento.

Los décollagistes
Los décollagistes está formado por Hains, De la Villeglé y Dufrêne.

Explicación de Este hombre es peligroso:

En las calles de París en esta época, los transeúntes anónimos estaban hartos del bombardeo de
publicidad, de propaganda (ya sea comercial o política), los carteles de publicidad colgados en las
paredes de las calles o en las vallas publicitarias, los ciudadanos parisinos en una actitud de
protesta ante esto lo que hacían arrancar los carteles. Esto es un gesto vandálico.
Su trabajo consiste en elegir como readymade esos carteles rasgados.

Este hombre es peligroso, fue uno de los carteles elegido por Hains, a Hains le ha interesado mucho
el título de este cartel, queriendo crear la duda de quien sería peligroso el transeúnte que rasga el
cartel o quien manda/coloca este cartel, o bien, el mismo al elegir este cartel rasgado.

El décollage es una deconstrucción del collage. No es collage porque no es una construcción nueva.
Es traer los trozos de carteles rasgados del espacio urbano, los artistas no arrancan los papeles,
sino que estos eran arrancados por los ciudadanos; por lo tanto, es un readymade.

El verdadero protagonista son los rasgadores anónimos de los carteles. Los decollagistes no toman
la autoría de estos carteles, sino que le dan todo el protagonismo al rasgador anónimo, el cual
actúa protestando en particular contra la violación psíquica de las masas por parte de la
propaganda pública, siendo esto un acto vandálico.

Se cuestiona la figura del artista orgánicas, puesto que estos artistas eligen un acto vandálico
como obra de arte.

Ellos no tienen ningún estilo, puesto que coleccionan cosas que no han hecho ellos, y al final lo
que se está poniendo como obra de arte es el gesto salvaje de una multitud y, por lo tanto, es una
especie de arte colectivo.

Es un rayo de luz contra la oscuridad de los poderes políticos y financieros.

Esta lucha no solo es una lucha política, sino también contra el arte tradicional, puesto que el
coleccionismo de estos anuncios rasgados no se puede considerar una obra de un sujeto individual,
autor y original.

Ellos consideran que ponen un final a la pintura, se consideran antipintores, siendo estos
neodadaistas que luchan contra una sociedad capitalista de consumo y el bombardeo de
publicidad.

En la bienal de Paris participaron los tres artistas y Hais presentó La palissade, siendo la obra más
grande, en esta hay varios gestos vandálicos, el primero los distintos rasgadores anónimos que
han quitado el cartel publicitario y el segundo, que Hais se lleva la valla publicitaria entera. Cuando
esto presentan las obras en la bienal, uno de los organizadores de esta solo las ve como
composiciones abstractas y mezcla a estos en una sala con pinturas impresionistas, cuadros
abstractos, colocando esta obra en el techo puesto que era muy grande, debido a esto, se los
mezcló con los pintores, pareciendo esto ellos.