Tema 1:El Barroco como época musical

1.-Definición del término barroco: El término barroco proviene del portugués

barroque(piedra deforme) que fue una palabra despectiva, peyorativa. El barroco era un arte
sobrecargado, demasiado adornado, de ahí viene lo de despectivo. Hoy en día lo asociamos
a la confrontación entre luz y sombra, por los contrastes, proporciones...en la música lo
podemos ver en las óperas, los oratorios, las cantatas...

2.-Épocas y periodos: hay que tener en cuenta que el paso de un periodo a otro no
está delimitado por una fecha en el tiempo; también tendremos en cuenta la cronología
barroca de Bukofzer. La establece referida a Italia; primero se desarrollaría en este país y
luego en el resto de Europa. El barroco se dividiría así pues en tres etapas: la primera o
etapa inicial empezaría en el 1580 y se extendería hacia 1630;se caracterizaría por los
intentos de la camerata fiorentina o bardi de hacer la música un elemento auxiliar emotivo
del texto, es decir la palabra prevalece a la música, además intentaban que la polifonía no
interfiriese en el mensaje, así pues eran partidarios de la monodia acompañada. Más tarde
podríamos hablar de barroco medio, de 1630 a 1680 aproximadamente; hablaremos
entonces de bell canto, de la distinción de recitativo y aria, el desarrollo de la ópera, y el
surgimiento de las formas musicales(conciertos,suites,fugas,sonatas,tocatas,preludios..);se
caracteriza por el equilibrio entre la palabra y música(formas instrumentales).Por último
tendríamos el barroco tardío que se extendió de 1680 a 1730 aproximadamente
caracterizado por el predominio de las formas instrumentales.

3.-Estilos y Rasgos Estilísticos.

•Rasgos estilísticos: Renacimiento y Barroco.(diferencias)

RENACIMIENTO
Existe un sólo estilo, una práctica
Representación limitada de las palabras, uso de
la música reservada, y uso de madrigalismos
Todas las voces son equivalentes
La melodía es diatónica y posee un ámbito
estrecho
Contrapunto modal
Armonía por intervalos
Los acordes son resultado del movimiento de las Los acordes son independientes
voces
Las progresiones de los acordes están regidas
por la modalidad
El ritmo estaba sujeto al tactus
Tanto voces como instrumentos son
intercambiables
BARROCO
Existen 2 estilos,2prácticas
Representación expresiva de las palabras(está
relacionada con la teoría de los afectos)
Polaridad de las voces extremas
La melodía es tanto diatónica como cromática y
posee un ámbito amplio
Contrapunto tonal
Armonía por acordes
Las progresiones de los acordes están regidas
por la tonalidad
El ritmo era mucho más variado
Los lenguajes vocales e instrumentales no son
intercambiables
•A.-Estilos nacionales:destacamos 3 el Italiano,el Francés y el Alemán.
-El estilo Italiano tiene características como la utilización de recursos
armónicos en la tonalidad, el estilo concertante (consiste en confrontar), el nacimiento del
concierto y las formas sonatas (son formas absolutas de la música pura).Autores
importantes:Jacopi Peri y Giuli Caccini por “Euridice” (1600) una obra con un libreto de
Rinuccini, está es la primera ópera que se conserva aunque incompleta; hubo una
anterior(1597) titulada “Dafne” que no conservamos. Estos dos autores se caracterizan por
componer en un estilo monódico acompañado y sus óperas se caracterizaron por la
importancia del recitativo. Cabe destacar por otro lado y en este país a Girolano Frescobaldi
(máximo representante de la música instrumental junto a Gabrieli)
-El estilo Francés: se caracteriza por ser en el que aparece la obertura y la
suite. Es un estilo colorido y cuya música instrumental tiene elementos descriptivos o
programáticos, tiene una melodía abundante y ornamentada. Autores destacados; Jean-
Baptiste Lully y Rameau..
-El estilo Alemán: es una síntesis de los dos anteriores; de los franceses adopta
las innovaciones orquestales y las teorías para teclado de Couperín y de los italianos el
concierto y el bell canto de la ópera (instrumentalizan el bell canto). Autores destacados:
Samuel Scheidt,Johann Hermann Schein,Buxtehude...

•B.-Estilos de Música: se pueden distinguir dos estilos de música en el barroco(en general):

-El estilo antiguo(C/Zelenca o prima prattica): barroco inicial, se refiere a la
melodía acompañada, característica del madrigal.
-El estilo moderno (Seconda prattica): barroco medio y tardío, se caracteriza
por el uso del contrapunto.

*El hombre barroco era considerado como inmerso en una época en crisis de ahí su
dramatismo en lo expresivo (inquietud, inseguridad...), un ejemplo claro de esto es el
“horror vacui” (horror al vacío). Este dramatismo se conseguirá a través de tres vías:
-1ºIntensificación emocional: dará lugar al empleo de la monodia
acompañada, al uso del bajo continuo, de cromatismos, disonancias....
-2ºEl contraste: Lo consiguen a través de cambio de dinámicas, tesituras,
tonalidades.....
-3ºMovilidad: Empleo de adornos, trinos, notas de paso, florituras.....

4.-Teoría musical barroca.

Aquí nos vamos a referir a la teoría de los afectos; esta teoría supone el concepto de que un
estado de ánimo es razonablemente definible, es decir, cualquier estado de ánimo se puede
definir racionalmente; está teoría defiende que el arte imita a la naturaleza(de donde sale la
música);es una teoría determinante para entender la música del s.XVII y su estética, porque
determina la relación entre cada uno de los elementos musicales y cada uno de los afectos)

• A.-Autores y teóricos:(cuadro)
 DEL ESTILO VIEJO DEL ESTILO NUEVO
Artusi con su tratado “imperfecciones de la Caccini, elogia la practica de la nueva manera de
música moderna”(1600) componer con”Le Nuove Musiche”(1601)
Michel Praetorius,con “Syntagma Musicum” Monteverdi,en la introducción del libro 7º
formado por 3 volumenes el 1º habla de música “Madrigales guerreros y amorosos”, expone una
religiosa, el 2º de los instrumentos y el 3º de la serie de principios estéticos y recursos técnicos
forma musical ,la notación y el ritmo entre otras del barroco
cosas
Marin Mersenne,con “Harmonie Universalle”
que se trata de un tratado musical muy extenso
que trata de diversos temas sobre la música
barroca

A Partir de la teoría de los afectos se establecían correspondencias entre los sentimientos

humanos y la música, es decir los estados de ánimo están relacionados por distintos tipos de
sonidos, así por ejemplo para expresar la alegría se utilizaba un modo mayor....y para
expresar tristeza un modo menor......Este tipo de música rendía homenaje a los Dioses
griegos,a Apolo y a Dionisio.(definición de Lidia de teoría de los afectos)

5.-Organología:es el estudio,análisis y evolución de la historia de los instrumentos.

Los factores que hacen que un instrumento evolucione son la técnica,el uso que se le da,la
acústica,la proyección......Factores mas importantes:
-Los gustos del público:Si algo no está en moda decae,va a ser el primer factor importante.
-La estética del periodo o época.
-El color:en el barroco la cuerda es el rey(timbre): El timbre de la cuerda va a ser el más
buscado.
-La técnica:Abandonan los instrumentos que son más complicados.
-La evolución del lenguaje musical:se va a ir dando lugar poco a poco a los instrumentos de
viento.

•A.-Clasificación de los instrumentos musicales:tenemos 3 familias de instrumentos,los

cordófonos,los aerófonos y la percusión.
-Cordófonos:son la cuerda pulsada,percutida y frotada,podemos observar instrumentos
como el laúd,el clave,el pianoforte(que nace a finales del 1696-1698 aunque se desarrolla en
el clasicismo),el violín ,la viola....
-Aerófonos:son el viento madera y el viento metal,podemos observar instrumentos muy
variados como el órgano(aerófono mixto/considerado por muchos el instrumento más
perfecto por ser un compendio(acumulación,síntesis)de todos los instrumentos),el fagot ,el
clarinete,el oboe las trompas,la trompeta,el trombón,los sacabuches......
-Percusión:no va a ser muy utilizada,destacan tambores y sobre todo el timbal.
•B.-Agrupaciones instrumentales:En las orquestas barrocas se enfrentaban 2 grupos,por un
lado los instrumentos melódicos conocidos como altos(violines,violas,flautas,oboes...)y los
instrumentos acompañantes o bajos (trompas,trompetas,clave,fagot,cello,viola da
gamba,que reciben nombre del italiano,significaba “piernas”debido a su postura a la ora de
tocarlas)dentro de este grupo estaban por un lado los instrumentos polifónicos que eran
aquellos que
realizaban acordes y los monódicos que eran los que realizaban la línea del bajo. Uno
de los grandes problemas con los que se encontraron las agrupaciones instrumentales era el
temperamento(solución teórica no musical en el que todas las quintas se encontraban
disminuidas,lo que permitía dividir a la octava en 12 semitonos desiguales)ya que cada
agrupación afinaba de una manera.

Tema 2:La Música Vocal en el siglo XVII. La Música Religiosa

en el Barroco.
*Introducción: “La Historia de la Ópera Italiana”(ver youtube 7 vídeos)
-1.1:La música se fusiona con la palabra para crear historias de
amor,venganza,tristeza,pasión,tragedia y comedia. Así nace el mundo de la ópera italiana.
Este documental se centra en 4 compositores(Monteverdi-Haendel-Mozart-Rossini). La
ópera comienza en Italia 200 años antes de que Rossini compusiera “El barbero de
Sevilla”;el primero en manifestar producciones de este género fue Monteverdi. Monteverdi
trabajaba como compositor de cámara de la corte ducal de Mantua;llegó en 1590 a la edad
de 23 años,contratado por los poderosos Gonzaga para proveer de música por encargo para
todo tipo de ocasiones;fue tratado como un esclavo en la corte y se sentía muy infeliz,pero
no paró de componer música. Compuso gran variedad de música para su jefe,lo que estaba
de moda por aquel entonces era hacer extravagantes divertimentos cortesanos,usando la
palabra,canciones y danza. Inspirado por esa idea,usó el mito griego de “Orfeo” y creó la
ópera:el propio Orfeo era un cantante,así que la historia encajaba perfectamente con la idea
de hacer un drama totalmente cantado,y también introduce su primer personaje llamado
música o espíritu de la música a través de el cual,establece un discurso cantado o recitativo
que fue la idea revolucionaria que dio lugar a la ópera;pero la palabra ópera no existía
realmente aún,así que fue llamada farda o fabula. Monteverdi se casó con la bella Claudia
Catanio en la iglesia de Mantua en 1599(una de las cantantes de la Corte).
-1.2:Unos meses después del triunfo de Orfeo,Claudia muere(1607),lo que destrozará a
Monteverdi,que entonces se trasladará a Venecia,tenía 46 años,cuando consiguió allí el
puesto de musical de mayor prestigio en Italia:Director musical de la basílica de San Marcos
,donde trabajó 30 años. La Ópera se volvió entonces comercial y en 1637 se abrió el primer
teatro público,es desde entonces cuando se empleó el término Ópera. Monteverdi escribió su
última obra maestra en 1643 “La coronación de Poppea”:su estreno tuvo lugar en época de
carnaval. El sádico Nerón está interpretado por una mujer pero por aquel entonces era
representado por un castrato. Al final Nerón se casa con Poppea y la corona como su
emperatríz.
-1.3:Para el final del siglo se habían construido 16 teatros. Todos los grandes compositores
se empaparon de este género,Vivaldi,Scarlatti y Pergolesi escribieron unas 100 óperas.
Nápoles se convierte en el nuevo foco de creación,con el patrocinio del rey Carlos VII de
Nápoles(después Carlos III de España)pero los reyes solo aceptaban sofisticadas sesiones de
ópera seria en sus teatros de élite,cuya trama principal describía los desafíos a los que se
sometían Dioses,héroes y reyes,dejando de lado la comedia(ópera bufa)para otros teatros de
la ciudad. Uno de los visitantes más prometedores fue Gerorg Friedrich Haendel,que
exportó su versión de la ópera seria a Londres. Vivió allí durante 3 años en Burlington
House y cuando fue coronado como George I,ya no podía fracasar(debido a su posición). El
“Julio César” resume todos los elementos de su genio creador;mientras estuvo en Londres
perfeccionó la estructura de sus arias Da Capo.

-1.4:Por otro lado la ópera bufa tiunfaba en Italia. La ópera bufa contaba historias de gente
corriente. El nuevo compositor que revolucionó la ópera por entonces no fue otro que el
propio Mozart;nacido en Austria,viajó por toda Italia con su padre haciendo variaciones de
lo que escuchaba y actuando como niño prodigio del teclado. A la edad de 14 años había
escrito sus 2 primeras óperas en Italiano. “Las bodas de Figaro” una de las más reconocidas
óperas de Mozart cuenta las enloquecidas peripecias que acontecen en una casa
nobiliaria,cuando 2 criados Figaro y Susana planean su boda.
-1.5 y 1.6:El uso teatral de Mozart de la orquesta preparó el camino para el maestro del
repertorio cómico Gioacchino Rossini nacido en Pésaro justo un año después de la muerte
de Mozart;escribió 40 óperas en 20 años;tenía solo 18 años cuando presento su primera
ópera. Alcanzó la fama con su ópera seria “Tancredi”. En la época de Rossini el tipo de voz
más resplandeciente fue la del tenor(Destaca “Zelmira” ,ópera seria que tiene alguno de los
pasajes más difíciles para esta voz);pero si podemos destacar un a ópera de Rossini sin duda
es “El barbero de Sevilla”:los protagonistas son Figaro,el barbero,Rosina,una huérfana y el
tenor Lindoro un conde que aparece disfraszado de sacerdote.
-1.7:el documental termina con la representación de “El barbero de Sevilla”.

A.-MÚSICA PROFANA

1) PRIMER BARROCO O BARROCO INICIAL

1.-Madrigal en el Barroco. Los 8 libros:Dentro de la música profana será donde

mejor se demuestre la utilización de la seconda prattica. La aparición del nuevo estilo era
algo lógico ya que la forma de componer renacentista se había desarrollado a través de la
poesía,y se creó un estilo casi pictórico. Este giro hacia el nuevo estilo lo van a dar autores
como Claudio Monteverdi;en él lo observaremos claramente en su obra Cruda Amarillla (en
torno al 1600);en esta obra Monteverdi hace uso de disonancias sin preparación(este recurso
va a ser muy criticado por autores como Artusi);Monteverdi escribió un total de 8 libros de
madrigales en los que se muestra (en la mayor parte de ellos)conservador,es decir,mantuvo
las ideas de la polifonía renacentista. Ya a partir de su 5º libro es cuando comprobamos
cambios en su manera de componer(en el bajo, en las voces,en la utilización de recursos
como las disonancias...). Esta seconda prattica la vamos a ver más patente en el Lamento de
Adriadna(o Adrianna) composición que aparece dentro de 6º libro de madrigales y que fue
un arreglo que realizó de una obra monódica anterior suya. Quizás su libro más
famoso/innovador es el 8º Madrigales guerreros,en el que Monteverdi muestra el estilo
concertato(intenta representar sensaciones,pensamientos....de manera pictórica).
“Combatimiento di Tancredi e Clorinda”(1624 aunque el libro se publica el 31), también va
a ser una de sus obras importantes en las que utiliza un estilo concertato instrumental
además de la presencia de un narrador(testo en italiano). Algunos consideran que el
combatimento,es uno de los primeros oratorios de la historia.

2 y 3.-Nacimiento y antecedentes de la ópera:Los

espectáculos(baile,danza,teatro...)en Florencia estaban controlados por una familia muy rica
y poderosa,los Medici;los Medici eran una destacada familia que poseía mucho poder y
numerosos palacios donde se representaban los espectáculos por eso decimos que
“controlaban” los espectáculos de esta ciudad. Existen dos acontecimientos que van a
marcar el desarrollo de la ópera,2 bodas,por un lado la de Cosme I y la segunda la de
Lorenzo el magnifico(las bodas eran alianzas políticas,de familias.....). Desde la primera se
retiran un tipo de representación que empezó a utilizarse de manera activa,las Intermedi(o
intermedio);estas eran representaciones que se interpolaban entre los actos de una
ópera,eran una especie de escenas vivientes,sacadas de acontecimientos claves de la
mitología griega clásica,en las que los actores cantaban aunque no tenían un diálogo
continuo en las primeras ni siquiera tenía argumento;estos actos van a ser los antecedentes
de nuestra ópera(tal y como la conocemos hoy)

4.-Nacimiento de la ópera Italiana, La Camerata Bardi :Los “intermedi” van a ser

los antecedentes o ese germen de la ópera. Los “intermedi” son representaciones de escenas
de la antigüedad clásica. Muchas de estas actuaciones fueron compuestas por Emilio
Cavalieri,Giulio Caccini y Jacopo Peri;estos tres formaron parte de un grupo,la llamada
Camerata Bardi también conocido como Camerata fiorentina. Bardi fue un
conde(1534,1612) y el mecenas de este grupo que les dió un lugar donde representar su
música.....pertenecía a un estado social privilegiado,era un noble,que durante más de 15
años había patrocinado y liderado la experimentación,el diálogo...para aprender la música de
la antigüedad griega. Las actividades de este grupo,no eran oficiales,ya que era algo
privado,pero estas,se desarrollaron de forma paralela a las actividades de las academias
oficiales de Florencia. Por un lado estaba la academia oficial de Florencia y por otro lado la
de la familia Medici(familia más importante y acaudalada). Recapitulando,había 3
academias y la Bardi,no era oficial,pero aun así fue la más famosa debido a los personajes
que formaron o tomaron parte de ella. Entre las conclusiones y afirmaciones que defendía
esta camerata podemos destacar:
-Ellos consideraban que la música griega constaba siempre de una única melodía.
(esta afirmación se opone a la polifonía)
-Ellos decían que el ritmo musical se basaba en el ritmo de las palabras. (Por tanto va
a ser muy importante la relación música-texto)
-Consideraban además que el tipo de música que hacían era igual al tipo de música
que empleaban los griegos para sus grandes obras,para sus tragedias.
-Creían que la música polifónica anulaba los efectos de la palabra.(afirmación muy
ligada a la primera. “Las palabras no solo aportaban sentido,sino sentimiento”)
* Giulio Caccini:nace en Tiboli en torno a 1551 y fallece en Florencia en 1618. Este
compositor era además de un versátil instrumentista, un cantante reconocido. Caccini
escribe una obra titulada “La nueva música”(1602); en el prólogo de ésta utiliza un término
importante para nosotros “In Armonia Farallare”(quiere decir:hablar en
armonía,entendiendo armonía en sentido musical y como concepto)que utilizaba para
referirse a este estilo de música nueva que estaba surgiendo y que se usaba en esas fabulas
cantadas,en esos intermedis...Estas fabulas cantadas:La Dafne(1597-1598),L
´Euridice(1600), Ir Rapimento di Cefalo(1600.el secuestro de Céfalo) son de Caccini. A este
estilo de “hablar en armonía” se le va a llamar luego “recitativo”,pero ni la ópera ni el
recitativo fueron inventados por la camerata Bardi. Estos primeros gérmenes de ópera
fueron creados como tragicomedias pastorales,que eran una especie de drama hablado que
no tenían mucha (apenas)conexión (temática sobretodo en su desarrollo interno).

5.-Primeras Óperas:Aparece otro grupo de poetas y músicos que reemplazan a la

Camerata Bardi,patrocinados por Corsi a la que debe su nombre y que fue su fundador así
como un noble cortesano y acaudalado mercader de sedas. Los personajes que visitaron su
camerata (entre otros muchos) fueron Jacopo Peri y Ottario Rinuccini,poeta y aristócrata.
Serán estos dos quienes eleven así o le den importancia a la camerata. Este grupo se centró

en la producción de obras escénicas musicales. Uno de los primeros experimentos que va a

presentar esta camerata es “La Dafne”(su libreto era de Rinuccini),ésta es la primera obra
escénica completamente cantada cuya trama esta dividida en escenas. Tras su éxito y
motivado por él, este grupo decide dar un paso e ir más allá ofreciendole al duque una obra
más extensa, L´Euridice;de ella solo sobreviven dos versiones la de Peri y la de Rinuccini.
La más importante es la de Peri,que fue interpretada con motivo de la boda de María de
Medici con el rey de Francia. Además está cargada de connotaciones políticas(Esto no es
difícil de entender:España quería Florencia y por eso estaba detrás del enlace con María de
Medici,pero se mete por medio Francia). La obra es un drama pero tiene final feliz,esto lo
podemos extrapolar a la política. Además va a ser importante porque en lugar de utilizar el
diálogo para enlazar caciones y coros,en esta obra todo es cantado. El estilo de canto que
reemplazará a esa forma de cantar será más tarde el “estilo Recitativo”.

6.- La Ópera en Mantua,Florencia y Roma.

•Mantua:aparece Claudio Monteverdi que llegó a conocer de primera mano estas

composiciones del momento; podemos decir que era un conocedor de este primer estilo. Su
primera ópera que nos a llegado es L´Orfeo estrenada en Mantua en el 1606/1607. Muchos
hoy en día la consideran como la primera ópera ,sin embargo otros se lo atribuyen a La
Dafne de Peri entre otras. La trama de esta primera composición de Monteverdi y los
personajes son idénticos a L´Euridice de Peri. La versión de Monteverdi desarrolló un
modelo propio, dándole mayor protagonismo a la danza,además le da un papel más
destacado a la música instrumental hasta tal punto de que en una de las páginas,especifica el
número de instrumentos que deberían sonar. Un año después,1608, la corte de Mantua
representa otra ópera de Monteverdi: L´Ariadna (o Arianna) de la que sólo nos ha llegado un
fragmento,el lamento,conocido como el lamento de Arianna o Ariadna. En ese mismo año se
puso en escena la primera ópera de uno de los seguidores más importantes de Peri,Marco
Gagliano,que titulo a su obra con el nombre de La Dafne recordando o haciendo mención a
Peri.
•Florencia:Marco Gagliano nace en Florencia donde colabora con autores como la hija de
Caccini, Francesca Caccini( una de las 2 hijas de su segundo matrimonio)que se convirtió en
la compositora más importante de Florencia durante la regencia de Magdalena de Austria y
Cristina de Lorena).
*Caracteristicas de su música(Francesca Caccini):Su estilo recitativo
era más melodioso ,menos monótono y monódico,mas suave rítmicamente,más adornado
que el estilo en general de compositores como Peri,Monteverdi.........
•Roma:Tras la representación en 1600 de “Representatione di Anima et di
corpo”(Ópera,también considerada como oratorio),a está le siguieron otras;esta fue el punto
de partida,para otras nuevas. Llegaron así a Roma otros dramas musicales;la mayoría de
ellos van a ser de temática religiosa, y se van a interpretar en

seminarios,iglesias....centros religiosos. Sobreviven de ellas,obras como “Eumelio”del año

1606. La primera ópera profana será estrenada ya en 1614,cuyo titulo va a ser “Amor
Pudico”(amor puro). En Roma sucedió en esa época que un poeta y pensador importamte
Mateo Barberini llegó a ser papa. Con su pronunciamiento se empiezan a llevar a escena
óperas importantes como la obra “Sant Alessio”(1632). A partir de esta etapa se produce un
verdadero auge de las representaciones de ópera hasta tal punto que un palacio de Roma se
convirtió en

teatro. La primera ópera Romana usó temas con personajes presentados como seres
humanos. Un cierto número de óperas Romanas de esta época están basadas en las vidas de
los Santos aunque también habían otras óperas basadas en poemas épicos de autores de la
literatura. Los recitativos de estas óperas se caracterizan por el uso de más alturas
repetidas,y por una menor variedad rítmica.

7.-Los teatros Venecianos: En Venecia la ópera llega,cala y triunfa,además Venecia

ya contaba con varios teatros estatales donde se representaban no sólo música sino
sobretodo el espectáculo en boga de la época “Comedia de lla arte”. Estos teatros eran
patrocinados por aristócratas e incluso por visitantes de dinero,es decir,que no pertenecían
directamente al estado. Otro hecho importante en Venecia era el carnaval que duraba entre 6
y 10 semanas(3 meses más o menos)por eso decimos que esta ciudad era muy flexible ,sin
normas...esto condicionaba el espíritu de la gente. La importancia del carnaval era tal,que se
convirtió en una de las razones para que en Venecia hubiese un nivel de actividad muy
alto,además también se aprovechaba para representar gran variedad de teatros.(LLegó a
tener tanto peso que ni la Santa Inquisición acabó con él). También va a surgir en Venecia
un hecho muy importante para su historia en 1637,fecha en la que se abre el primer teatro en
el que se produce el previo pago de una entrada par disfrutar del espectáculo,era el teatro:
“Sant Cassiano”,aunque sólo accedían a él clases altas que eran las que se lo podían
permitir. Uno de los músicos más importantes en Venecia fue Cavalli(discípulo de
Monteverdi) que compuso cerca de unas 30 óperas en 33,34 años. Cavalli y muchos de sus
colaboradores fueron al principio los principales inversores y organizadores de sus
producciones(muchos se arruinaron). A partir de 1650(mediados del XVII) los músicos se
van a distinguir de la función de empresarios y dejarán esta a los propios empresarios de
verdad. Otro teatro importante en Venecia era el “teatro novissimo” inventado por G.Torelli
e inaugurado en 1641. Este teatro fue importante por estar regentado por un grupo de la
nobleza Veneciana pertenecientes a la academia degli incogniti (de los desconocidos);Este
grupo era una sociedad literaria que no sólo financió a músicos importantes en Venecia sino
que además les proporcionó libretos a los mejores músicos de la ciudad. El caso más
importante fue el de Claudio Monteverdi,que estrenó y compuso 2 óperas en su época
Veneciana:El retorno de Ulises a la patria (1640) y La Coronación de Poppea (1642). Los
libretos de estas 2 óperas pertenecen a miembros de esta sociedad literaria. Fueron
éxitos,pero si somos justos a la verdad Monteverdi ya era mayor y su recitativo estaba algo
pasado de moda. Otro de los grandes que podemos destacar es a Cavalli con Giasone (Mito
de Jason y los argonautas)que quizás sea el ejemplo más representativo de la ópera
Veneciana de mediados de siglo XVII ya que en ella existe ya,una clara distinción entre el
aria y el recitativo, y sobre todo es importante porque los diferentes tipos de aria van a estar
perfectamente definidos. Estas arias en Venecia cada vez van a ir incrementando su
importancia y van a crecer por tanto en número,además la utilización del aria da capo va a

extenderse,y uno de los que van a conseguir esto va a ser Antonio Cesti (1623-1669)
2)BARROCO MEDIO

1.-El estilo del “Bel Canto”(bien cantar) y la “Cantata Profana”.

*El Bel Canto:Entre 1630 y 1640 nace en Italia un nuevo estilo,el Bel canto
(etimológicamente significa bien cantar) que se puede definir como aquel canto en el que la
armonía y la melodía se unen a la palabra. Este Bel canto esta caracterizado por su

simplicidad,que consigue a través de varios aspectos:

-Fluidez en la línea melódica,es decir que las ideas de esas melodías sean más breves
y así evitamos la monotonía.
-Frecuentes ritmos ternarios.
-Se abandona el Belcantissmo por la voz de los *Castrati(sonido cristalino de su
voz).Se prefería,antes que el virtuasismo.
*La Cantata Profana:También tenía su grado de virtuosismo o belcantismo. Nace en
Italia;en un principio fue monodia para solista y bajo continuo y se interpretaba en Salones
Florentinos.(Compositores importantes: Rossi o Carissimi por ejemplo)
Esta cantata profana se independiza poco a poco del bajo continuo y se desarrolla
estructuralmente(por partes); Cuando ocurre esto, las Arias van a cobrar más importancia.
Casi paralelamente, el recitativo pierde importancia,habrá también preludios,ritorrellos...... a
modo de conclusión,su desarrollo y evolución convive paralelo al desarrollo de la ópera. La
diferencia entre la cantata y el aria es que la primera no tiene representación escénica.

2.-Ópera Veneciana en el Barroco Medio:(se puede enlazar con lo

anterior)También podemos destacar la mayor flexibilización de las secciones de la ópera,lo
que posibilitó que la alternancia entre recitativo y aria que será mucho más natural. Otra
característica es que cada vez se usa más las arias con breves *bajos de chacono. A partir de
este Barroco Medio el aria va a ser el elemento central de la composición y la orquesta y los
coros van a tener un papel mínimo(por el poder que ejercían los *Castrati).

3.-La Ópera Francesa (Jean Baptiste Lully):Lully (1632-1687) fue un Italiano

afrancesado(de ahí el cambio de su nombre) que llegó a ser maestro de corte;además va a
ser el máximo representante y defensor de ésta ópera y del estilo francés. Sin embargo este
estilo va a tardar en cuajar en Europa; su desarrollo fue corto debido al temprano nacimiento
del Rococó(que calaría más) con el que se enlazó. Lully se encargo de darle vida y
ejemplificar ese periodo de esplendor del barroco Francés. La entrada de este barroco en
Francia se produjo por la subida al trono de Luis XIII(el padre del rey Sol- le gustaba bailar
pero dejó de hacerlo por su peso) que traerá estas modas a Francia. En Francia existía un
cierto tipo de música “autóctona” como el “Ballet de Cour”(ballet de la corte);este tipo de
danza va a ser la mecha para el posterior desarrollo de otro espectáculo (la ópera
auctóctona). Este ballet combinaba por un lado danza,por otro música (canciones) y por
otro, recitados en prosa es decir, tenía baile, melodía y un recitado o una declamación que
evolucionó añadiendo el diálogo,por eso decimos que será la mecha para el desarrollo de la
ópera francesa. Los franceses van a llamar su ópera “Tragedia Lírica”(textos serios) que
imitará a los Italianos utilizando la mitología griega,y se diferenciará de ellos en el idioma.
*Características de la Tragedia Lírica:

–Van a tener música para ballet.

–La Temática:mitología griega.
–Van a tener 5 actos en vez de 3.
–Van a tener una obertura francesa en la que se podía bailar.
–Incluían un prólogo de alabanza al rey que solía ser interpretado por un personaje
alegórico (ya que ningún mortal se podía equiparar al rey).
–La presencia del coro
–Presenta concertantes*(secciones concertantes, es decir, con confrontaciones).
Lully empezó a escribir ballet de Cour a partir del 1637 (aproximadamente) creando casi
una ópera por año. Una de sus tragedias líricas más conocidas es Roland (1648).

4.-La Ópera Inglesa (Henry Purcell):En Inglaterra sucedía lo mismo, también

existía un tipo de Ballet autóctono llamado “Masque”. La Masque era un tipo de espectáculo
pensado para la corte en el que se incluía danza, poesía y música. La diferencia de los Ballet
de Cour,era que éstos incluían poesía. El papel de la música en el Ballet de Maque no tenía
mucha importancia sino que más bien era un papel por así decirlo, de relleno;sin embargo,
lo más importante era la danza y la poesía. Las Masques se representaban para conmemorar
una fecha o un evento importante de la vida aristocrática. No se conserva ninguna completa,
y eran representadas en palacio aunque después se llevaron al teatro.
(*Definición de Masque:es una forma de entretenimiento que incluye vestuarios,
decorados, danza, música y poesía,que floreció en Inglaterra con las dinastías Tudor y
Estuardo. El tema solía ser mitológico, alegórico o heróico.)
El paso de Masque a ópera se produce con Henry purcell. Henry Purcell era discípulo de
Blow,otro compositor importante inglés. Este personaje (Purcell) llegó a la cumbre de las
tendencias del barroco medio inglés es decir, con Henry Purcell se llega a lo máximo en
referencia al desarrollo del barroco inglés. Escribió música incidental(de relleno ) para
47,49 (aprox.) obras escénicas(masques,óperas...). Su obra más importante es Dido y Eneas
(1689) que fue su única ópera autentica (las demás fueron colaboraciones con otros autores)
*La obra de Henry Purcell:
-King Arthur(el rey Arturo):representada en 1691, y calificada como ópera
dramática(viene a ser el equivalente de la comedia-ballet),tuvo una puesta de escena muy
trabajada y con diálogos en verso libre (que abandonaba la poesía y se metía de lleno en la
prosa). Sirvió de pretexto;
Purcel además compuso música para 5 óperas dramáticas, las otras son Diocleciano (1690),
The Tempest(la tempestad-1695-adaptación de Shakespeare de una de sus obras bajo el
mismo nombre), The Fairy Queen(1692-adaptación de Shakespeare de su obra “el sueño de
una noche de verano”), The Indian Queen (1695).
-Dido y Eneas:es una obra corta, con pocos personajes...Fue compuesta para un
internado de niñas, “Josias Priest” en Chelsea, de ahí su sencillez. Representada por primera
vez en 1689, no duró más de una hora y se dividió en tres actos. Destaca por el papel de la
mujer, abandonada por su amado (Remember me). Otro tema importante es el uso del coro.
El esquema que siguen las escenas de esta ópera se estructura en el siguiente
orden:recitativo, aria, coro, y danza. El texto o libreto procede de La Eneida de Virgilio
(obra Romana). Dido (la protagonista, una mujer) es una reina viuda de Cartago(su marido
que acoge a Eneas,un príncipe en su territorio, del que se enamora Dido). El final concluye
con un desamor trágico. Eneas va a ser además una figura muy importante en Roma, ya que
se piensa que fue uno de los fundadores de ésta.

*Rasgos Italianos en esta época.

–La intensidad del texto y la música.
–La estructura A,B,A para las arias.

*Rasgos Franceses de esta ópera:

–La trama que gira en un entorno sobrenatural
–La presencia e importancia que le da a los coros como a la danza. Tanto el coro como la
danza forman parte de la acción. Además introduce algunas danzas francesas como la
“Gavotte”
Después de la muerte de Purcell los principales compositores Ingleses para el teatro
fueron:Jhon Eccles y Daniel Puercell.

3)BARROCO TARDÍO

-Introducción:el rasgo más importante de la ópera en esta etapa va a ser la adopción

del estilo de concierto o Stile concitato. También se va a diferenciar cada vez más la música
seria de la bufa(y esto se verá en el repertorio),y sus óperas van a estar divididas por norma
general en 3 actos en las que se dará cada vez más importancia al papel del Castrati. Otro
hecho importante en este periodo es el nacimiento de la prima dona. Estilísticamente se
impone el bel canto(expresividad y virtuosismo).

1.- Ópera seria:se define/estructura el género gracias a personajes como

Zenon(libretistas). Se va a estructurar en 3 actos en los que ya se va a notar la división entre
el Aria y el Recitativo. Se adopta cada vez más la estructura del aria da capo(A,B y vuelta a
A). Además el coro va a ir perdiendo importancia paulatinamente. Nápoles va a destacar
como centro de producción operística.
-Autores destacados:Alessandro Scarlatti (1660-1725) con aportaciones como
un notable desarrollo de la homofonía del continuo(que era horizontal) y la realización de
una introducción de stilo de concerto en el aria (que provocara su separación del recitativo).

2.-Ópera bufa:se independiza completamente de la seria a comienzos del siglo

XVIII (1733/35) fecha en la que se estrena la ópera: La serra padrona de Pergolesi (primera
ópera bufa de la historia)

3.-Cantata: (eran más simples y privadas)Las Cantatas eran composiciones escritas

para músicos,es decir,era un tipo de composición que no estaba sujeta al éxito del público.
Su forma apenas varía desde su aparición en el barroco medio. La Cantata lo que hacía era
plasmar de manera operística una escena pastoral(Lírica...). Uno de los principales
compositores de esta forma va a ser el propio Alessandro Scarlatti (1660-1725).

4.-Ópera fuera de Italia;Haendel: Haendel nace en un año fructífero 1685, y muere

9 años después de la muerte de Bach en 1759 (se admiraron). A diferencia de Bach, Haendel
fue un compositor que viajó y fue más reconocido por aquel entonces, además hizo
repertorio en inglés y en alemán. Se formó musicalmente en Alemania donde se estrenó su

primera ópera: Admira (compuesta e alemán 1704 y estrenada en 1705),compuesta de 3

actos,aunque debería considerarse más bien singspiel (tipo de repertorio autóctono en

alemán). Esta ópera fue el primer intento de Haendel de adentrarse en el género operístico.
Un año después de su estreno viaja a Italia con el fin de aprender los secretos de los
maestros italianos(conocerá a Scarlatti,a Alexandro y Domenico,a Corelli...). Se centra en el
estudio y la comprensión del Bel canto y también va a aprovechar para conocer de primera
mano el concerto grosso. A este periodo pertenecerá su ópera: Agripina o Agrippina
(compuesta y estrenada en 1709 en la ciudad de Venecia,cosechó mucho éxito(le empezaron
a llamar il caro sassone. Sin embargo la mayor parte de la producción operística de Haendel
va a unificarse en Inglaterra. En 1710 parte rumbo a Inglaterra donde concluirá la mayor
parte de su vida(30 años) y es concretamente en Londres donde cosechará sus grandes
éxitos como Rinaldo,estrenada en 1711(fruto de su nombramiento como director de la Royal

Academi ;su 1ª ópera para las filas inglesas y 1ª ópera de la Historia Italiana compuesta para
Londres), Giulio Cesare/Julio César estrenada en 1724 en Londres(escrita para 3 castrati(o
primo homo), y de complicada trama),Alcina(estrenada en 1735,no se tiene constancia de su
libretista) o Jerjes/Xerjes/Xerxes(rey de Persia) estrenada en abril de 1730.

B.-MÚSICA RELIGIOSA

1.-Música vocal en los países Católicos:Italia y Francia.

*Italia:muchos consideran que el verdadero barroco comienza en la escuela

Veneciana y además está ligada a un centro importante:La Iglesia de San Marcos;esta,es una
catedral que construyó la iglesia de oriente cuando más ciudades pasaron a formar parte del
cristianismo. Sus plantas no son de cruz latina,sino de cruz griega,lo que hace posible que la
catedral sea circular con una división de naves,debido al idioma el griego;este
forma,posibilita una confrontación de los coros(haciéndoles concertar*). Hay que destacar a
todo esto el Cori spezatti(este tipo de coro concertado). El cori spezatti es una técnica vocal
que nace en la Iglesia de San Marcos y que consiste en aprovechar las características
arquitectónicas de la basílica para colocar los coros. Estos recursos estaban caracterizados
también por la división armónica que conseguía el efecto del doble plano sonoro. Los coros
spezatti dieron lugar a la policoralidad,que no era otra cosa que el estudio espacial del
sonido y el timbre. El estilo antiguo(esencia de la interpretación a capella)por otro lado se
desarrollara por partes de los seguidores de Palestina ;en la otra cara tendríamos el estilo
moderno o estilo concitato ;en este último el bajo continuo se utilizaba dentro del estilo
monódico(no da muchas posibilidades) y podía ser a una o muchas voces. Los antecedentes
de este estilo van a a ser los cori spezatti utilizados por primera vez por Monteverdi. Otro
gran género que va a destacar en Italia va a ser el Oratorio. El Oratorio nace tras el cierre de
los teatros públicos y podríamos decir que equivale a la ópera en la Iglesia.
*Francia:en Francia la Iglesia no tenía tanto poder y no se podía independizar
de la corte,es decir,que tanto la música profana como sacra tenía que ser de gusto de el
rey,entonces Luis XIV (el rey Sol);es aquí cuando destacaremos el Motete,y uno de los
grandes autores de esta composición va a ser Lully. Este Motete con acompañamiento
instrumental dio lugar a:
1:El Gran Motete:es cortesano,no tiene función litúrgica aunque
se interpreta en misa.(solo se interpretaba en misas a las que asistiese el rey)

2:El Pequeño Motete.

2.-Música religiosa protestante;Alemania e Inglaterra:

 -Introducción:Para los protestantes no existía tanta diferencia entre la música
para el culto y la música devocional (compuesta para la devoción del file inglés). En esta
órbita protestante se produjo una fuerte humanización de lo sagrado(no había tanta
diferencia entre Dios y el hombre). Los fieles van a tener más protagonismo y ya no serán
simples espectadores. Los protestantes además le darán mayor libertad a las partes en las
que se interpretaba la música. La nueva religión va a estar cargada de una fuente de
individualismo y la música se concebirá como la interpretación de los evangelios.(la
monodia va a facilitar el comentario subjetivo de estos textos,siendo una herramienta muy
eficaz).

*Alemania:por aquel entonces Alemania no era un país sino un conjunto de

territorios. La parte sur era católica y la parte norte,protestante. Hacia finales del barroco
aparece un ejemplo de música católica en el ámbito de lo protestante, el caso de Bach que
sólo tiene un caso de música católica,su misa en Si menor. L a música protestante Alemana
tenía un repertorio forjado desde el siglo XVI en adelante. Este tipo de música alcanzó
grados notables de complejidad, y esta música no hubiese sido posible sin la existencia de
las cantorias(lugares en los que se formaban coros y conjuntos instrumentales formados para
estudiantes de las escuelas humanistas). Estas Cantorias van a ser muy importantes ya que
en ellas impartían clases gente de la iglesia,y es donde se van a desarrollar estas
composiciones protestantes. El barroco se inicia con la música protestante con la influencia
del nuevo estilo, dentro de estas nuevas composiciones (corales/chorales..composiciones
religiosas protestantes). El término cora se utilizaba originalmente para designar los cantos
monódicos que tenían lugar en la liturgia de la Iglesia Occidental como, por ejemplo, el
canto gregoriano. En el siglo XIV se distinguía entre los cantos corales o eclesiásticos
(cantus choralis sive ecclesiasticus) y los cantos figurales (cantus figuralis). Los primeros
eran monódicos y eran interpretados por la Schola(de ahí el término coral). Los segundos
correspondían a la música polifónica interpretada en la iglesia. A partir del siglo XV se
empezó a usar el término coral para referirse al himno eclesiástico de la Iglesia Luterana
sobre todo a su canto firme o a su melodía. Más adelante, en el siglo XVIII, se llamó corales
a los cantos de la Iglesia Protestante en general. Igualmente se comenzó a llamar también
corales a las piezas de órgano que utilizan como base un coral o un tema con características
similares a las de un coral, como, por ejemplo, los tres corales de César Franck. A pesar de
su significación, las composiciones vinculadas a corales no fueron lo más importante dentro
de la música del protestantismo;lo más destacado van a ser las cantatas y las pasiones.
-Compositores importantes:Bach, Haendel, Teleman.
*Inglaterra:la música anglicana creó un tipo de motete autóctono(vernáculo)
llamado “Anthem”. Desde mediados de siglo XVII (1660) se llevó a cabo una importante
reforma estética en estos motetes, que derivó en la asimilación de la influencia del estilo
Italiano, a este motete lo transforman en una forma parecida a la cantata,con solistas, coro,
orquesta, bajo continuo, y en estilo concertante(enfrentado).
-Compositores importantes:Locke,Blow(maestro de
Purcell),Purcell.

3.-Grandes formas religiosas religiosas del barroco:La Cantata ,el Oratorio y la

Pasión.
*La Cantata:la cantata podía ser tanto profana como religiosa (podía ser por un
lado napolitana o católica, y por otro alemana o protestante).
-La cantata protestante:en alemania se desarrolló un género de música religiosa que
evolucionó del concertato coral(coral) y del concertato dramático y era un híbrido entre lo
católico y lo protestante. Este tipo de composiciones guardaba mucha similitud con la
cantata italiana profana. A esta nueva forma se la empezó a conocer como cantata
eclesiástica antigua y se diferenciaba con la posterior alemana en que no tendrá recitativo.
Sus textos se sacaban de fuentes bíblicas,algunas de corales del servicio religioso…..Hacia
final de siglo(en torno a 1700) este tipo de cantata sufre un cambio en el que se empiezan a
incluir textos que ya no provienen de los corales,sino que eran pensamientos de los
sermones de cada domingo y de las festividades del año,además se van a renovar en cuanto
a estructura y van a tener recitativo y aria(formas procedentes de la ópera).

-Bach y sus cantatas:su actividad era muy frenética en la composición de cantatas

durante este periodo. Su etapa compositiva se divide en 3 periodos:
•Primer periodo,de Ohrdruf(1685-1703 aprox.):sus cantatas se caracterizan porque todavía
carecen de recitativo;son obras de su periodo de juventud cuando Bach no tenía asimilado
todavía el estilo.
•Segundo periodo,de Weimar(1703-1717 aprox.):en esta época da un paso definitivo para
llegar a componer esas cantatas en el nuevo estilo. Son cantatas bastante
subjetivas(misticismo) que ofrecían pensamientos...En estas cantatas también introduce el
estilo de concierto e incluso da forma Ritornello(recurso musical para enlazar) un tipo de
aria da capo para lo vocal. Estas cantatas cada vez dejan menos espacio al Coral.
•Tercer periodo,de Leipzig(1717/20/23 hasta el final de su vida en 1750 aprox.):Es el
periodo más importante de su vida en el que Bach intenta abarcarlo todo. Destacamos sus
cantatas corales, que pese a ser composiciones religiosas Bach no dejó de utilizar en ellas
modelos profanos,también destacamos en esta etapa la creación de sus 6 motetes.
*El Oratorio:es un tipo de pieza dramática con temática sacra,no
litúrgica(paralitúrgica). Consta de recitativos, coros,conjuntos....Su principal diferencia con
la ópera es que cuenta con la presencia de un narrador(Testo). El Testo o narrador desarrolla
la acción en los recitativos,el oratorio también va a destacar por estar pensado para ser
narrado y no escenificado. Su temática estaba sacada de la vida de los santos....El Oratorio
deriva del lugar en el que se reunía la congregación,para orar o entonar cantos religiosos(de
ahí surge este género). Tradicionalmente se considera Reppresentazione di anima et
corpo(representaciones del alma y el cuerpo) de Cabrieli el primer oratorio de la historia. El
oratorio no cobró forma hasta 1630 aprox..(mediados de siglo). Tenemos 2 tipos de
Oratorio:
•Oratorio latino:su instrumentación es bastante básica o escasa. Utiliza pasajes litúrgicos de
la biblia. Destaca Carissimi(1605-1674) que fue el verdadero creador de los primeros
oratorios. Estaban escritos sobre temas del antiguo testamento. También destaca el papel del
coro,ya que representaba para él a un espectador moralizante y además hacía que el coro
formase parte de la acción. El estilo era acórdico y muy rítmico además no tenían arias.

•Oratorio Volgare(vulgare/vulgar):escrito en lengua vernácula,el Italiano y además no está

tan sujeto a los textos de la biblia.... Este oratorio era mucho mas libre. El coro va perdiendo
importancia y llegará un punto en el que solo va a tener papel figurativo o decorativo. El
papel de los solistas es el que va a ganar importancia. Se difundió por toda Italia y fue el
sustituto de la ópera cuando se cierra el teatro. En el paso del siglo XVII al XVIII va a hacer
más melodrama y su carácter va a ser cada vez más mundano(se regían por las
pasiones),incluso no es de extrañar que algunos de estos tuvieran overturas,estructuras de
aria da capo. Destaca Scarlatti. Pese a que tuvo importancia fue perdiendo poco a poco
importancia. Fuera de Italia conocemos oratorios importantes como los de Haendel.
•El Oratorio de Haendel:efectuó una serie de cambios en el oratorio barroco italiano. Para
empezar los escribe en inglés ya que estaban dirigidos al pueblo inglés(en lengua
vernácula),por otro lado elige temas históricos del antiguo testamento para que el pueblo
inglés se identificase con el pueblo hebreo,recogiendo historias de este antiguo
testamento,también le da una mayor importancia al coro ya que en Inglaterra existía una
fuerte tradición coral que quiso aprovechar. La obra más conocida de sus

oratorios es el Mesias compuesta en 1741;es un oratorio épico estructurado en 3 partes que

recogen la vida de Jesús. Los rasgos típicos de sus oratorios son:
-Se dividen en 3 actos.
-Utilizan un libreto dramático,salvo excepciones(oratorios basados en textos
apócrifos...)
*La Pasión:es un tipo de repertorio perteneciente a la órbita o ámbito
protestante,sobre todo al luteranismo(religión luterana). Es una historia dramatizada de los
últimos días de la pasión de cristo,vida de Jesús. Elementos que aparecen en las pasiones:
-Evangelista:el narrador de la obra.
-Personajes individuales:Barrabás,Jesús....
-La Turba:muchedumbre;es como un personaje más;incide haciendo
comentarios en la narración.
Ya desde el siglo XIV se tiene noticia de la existencia de este tipo de obras,y no fue hasta el
siglo XVII cuando se introdujeron otros elementos como los corales,las arias,el bajo
continuo...El paso definitivo para la consolidación de las pasiones va a ser
la incorporación a su estructura de las formas procedentes de la ópera. Por
ejemplo la introducción del recitativo seco(con una mínima presencia instrumental y que va
con un bajo continuo) o acompañado(con una mayor presencia de instrumentos y una
armonía vertical que desecha el bajo continuo). Otros recursos eran las arias da capo,los
coros....
Destacan compositores como “Bach” con sus 4 pasiones aunque sólo dos nos han llegado
San Mateo(15 escenas,2h y media aprox.agrupada e 2 partes..) y San Juan, también
destacamos a Georg Philipp Telemann (1681-1767)que llegó a componer un total de 46
pasiones.

Tema 3: Apogeo y evolución de la música instrumental en el

barroco
Introducción,Periodización y características:
-1ºBarroco inicial:la música va a tener una armonía no consolidada todavía,pre-tonal. Esta

pobre armonía impide que los movimientos desarrollen grandes secciones. En este barroco
inicial va a comenzar la diferenciación entre lenguaje vocal por un lado e instrumental por

otro.
-2ºBarroco medio:en esta etapa ya se va asentando la tonalidad que todavía es algo
rudimentaria. Los modos se reducen de 8 a 2,Mayor y menor(“M” y “m” respectivamente).
También es característico el equilibrio que se establece entre el lenguaje vocal e
instrumental (se igualan en importancia).
-3ºBarroco tardío:La tonalidad ya se establece y es un lenguaje en sí mismo,lo que va a
provocar el desarrollo del contrapunto y el desarrollo de las progresiones. Este desarrollo de
la armonía posibilitará el auge de las grandes formas instrumentales surgidas en el
barroco,como el concierto,las sonatas,las suites,las fugas,preludios,fantasías.....Va a
predominar también lo instrumental sobre lo vocal.

1) PERÍODO INICIAL Y MEDIO

1.-Grandes formas del primer barroco en Italia:

•a.-Formas derivadas de la danza: *Los pares variados,derivan de los bailes y de la
música profana. Habitualmente estas danzas se bailaban de 2 a 2 y existían dos

•tipos:1 con una rítmica binaria y un tempo moderado o lento, y la otra era contrastante y
ternaria,como una danza de saltos. Lo que definía a estas danzas no era su melodía sino su
pauta rítmica(contrastar una rítmica binaria con una ternaria) y estos pares variados van a
ser el germen de las suites de variaciones. Destacamos como pares variados el Pasamezzo,el
Saltarello y la Gallarda;estas formas fueron con el tiempo cediéndole paso a otros pares
variados como la Corante o la Allemande. En cuanto a la instrumentación podemos destacar
instrumentos como el laúd,principalmente de viento. Tenían un orden medio establecido
pero se cambiaba en función de los gustos del público y del intérprete. Lo importante era
buscar el contraste. Su estructuras era I-V-I.
•b.-Formas derivadas de lo vocal:
*Ricercare:es una composición fugada de contrapunto imitativo que podía ser tanto
monotemático como politemático (para uno o varios temas). Va a ser el antecedente de la
fuga.
-R.Monotemático: somete al tema a una gran variación y lo puede hacer de
dos formas, la primera consiste en modificar la melodía y el ritmo y le segunda consiste en
mantener el tema,pero se combina con otros contra-temas.(influyó en este Bach)
-R.Politemático:tenía tantas secciones como temas tuviera.
*Canzona:son ritmos animados que favorecen el uso de repeticiones de una misma
nota. Solían comenzar con un ritmo estereotipado o ya conocido típico de la Chanson.
compositores como Frescobaldi exageraron el contraste entre secciones hasta tal punto que
la canzona pasó a tener una pauta variada de secciones. La canzona para conjunto
instrumental empezó a llamarse sonata(para diferenciarla de la cantatta). En aquella época
apenas se diferenciaban salvo que la sonata carecía de este estilo fugado que se usaba para
las cantatas. Empezaron a adquirir cada vez más importancia sobre todo para conjunto de
solistas más continuo. Las sonatas solían denominarse en función del número de partes que
tuvieran(sonatas a trío,a dúo...). La forma sonata evoluciona durante todo el barroco hasta
quedar consolidado en el barroco tardío gracias a compositores como Corelli.

2.-Barroco medio:Italia,Inglaterra,Países bajos,Francia y Alemania.

•Italia:en Italia va a ser muy característico el desarrollo de la música para teclado(aunque
ya era característica en el periodo anterior). En estas composiciones la música va a ser
mucho más serena y ecléptica(mezcla). Por otro lado también va a tener un gran desarrollo
la música de cámara,y este desarrollo se dará en las tres ciudades más importantes de
Italia:Modena,Venecia y Bolonia. En este periodo la diferenciación entre sonate da cámera y
sonata da chiesa(de Iglesia) va a ser mucho más evidente.
•Inglaterra:una de las características fundamentales va a ser la gran contribución para el
desarrollo del estilo instrumental. El repertorio estaba escrito para la nobleza y para la
aristocrácia, algo fácil de entender por su demanda. Por otra parte debemos destacar la
figura de los Virginalistas(esta palabra deriva del virginal,instrumento para las señoritas de
la nobleza;era un tipo de instrumento de tecla que se tocaba sobre una mesa)que hacían
composiciones simples para el virginal. Eran en realidad variaciones de canciones
profanas,reducciones de obras conocidas,canciones para voz y tecla.…..También existía otro
tipo de repertorio,las Fancy(fantasías) que se hacían para tecla o cuerda,como el laúd. Eran
fantasías inglesas que combinaban rasgos del Ricercare,de la Cansona,e incluso de la
tocatta. En general la música para tecla en Inglaterra no alcanzó el gran nivel que alcanzaron
los Virginalistas,porque la

música compuesta para virginal no era un repertorio para el músico de cámara.

•Los Países Bajos:ocurre una circustancia que va a condicionar la música instrumental,la
religión protestante,el calvinismo;los calvinistas prohibieron toda la música prácticamente.
Lo que más podemos destacar son las composiciones para órgano y clavicémbalo. De esta
zona destacamos compositores como Sweelinch y sus obras para órgano.
•Francia:en Francia destacaremos el laúd y la viola da gamba,considerados instrumentos
para nobles que gozaron de mucho repertorio. Las composiciones para cuerda pulsada y
frotada(eran intercambiables). Eran instrumentos que le gustaban al rey que era el que
marcaba tendencias. Destacamos también las Tombeau;las Tombeau eran un tipo de
repertorio característico de Francia,eran piezas pequeñas dedicadas a la memoria de un
personaje importante,un padre............Son piezas que se interpretaban para tecla y laúd en
general. La música para órgano sin embargo no se va a desarrollar tanto,porque va a tener
más peso la composición para música profana..encontramos
sonatas,fantasías,tocattas...............
•Alemania:el órgano va a ser el instrumento más importante. Va a existir por tanto mucho
más repertorio sacro. Así pues distinguiremos 3 escuelas compositivas:
1.-La escuela del norte:plenamente protestante en la que trabajaron compositores como
Sweelinck.
2.-La escuela del sur:más católica que protestante. Su repertorio es heredero del repertorio
Italiano.
3.-Escuela central:es un poco más libre,mezclada con las ideas Italianas de la escuela del
norte. Destacamos compositores como Samuel Scheidt(alumno de Sweelinck). En cuanto a
música para conjunto Alemania hizo contribuciones muy importantes para el desarrollo de
la suite.

2) BARROCO TARDÍO:FORMAS FUNDAMENTALES.

•Introducción:características:
*1ª La Tonalidad:se implanta definitivamente la tonalidad gracias a las labores de teóricos
como Jean P.Rameau;Rameau era un grandísimo teórico,tiene un gran tratado de armonía
con todos sus elementos cadencias,acordes...También se establece la posibilidad de
modular(modulación);poco a poco el nuevo lenguaje de la tonalidad fue adherido por el
contrapunto que va a conseguir definir como deben conducirse las voces. Sin embargo todo
el desarrollo del contrapunto quedó frenado por la tendencia melódica del bajo,lo que derivó
en una serie de consecuencias como la homofonía. Esta homofonía del continuo mantuvo
esa dualidad del bajo continuo y el resto de las voces. Esta idea da lugar a innovaciones
importantes como el estilo de concierto(concitatto). Se caracterizó por:
-Utilización de la homofonía del continuo.
-Presencia de frecuentes pasajes al unisono en todas las voces.
-Pasajes veloces de escalas.
-Acordes desplegados.

1.-Formas fundamentales:
a.-Fuga:deriva del ricercare monotemático. Adquiere su forma regular ya en el
barroco tardío,hasta entonces las fugas habían estado en composición. La fuga va a

combinar la libertad de la fantasía (en cuanto a los temas) y por otro lado un estricto
desarrollo temático. El término fue empleado por primera vez para lo que conocemos como
canon. Como pieza independiente lo más importante de la fuga es su parte del desarrollo.
Destacamos a Bach y su obra: “Cave bien temperado”,en el Bach todo un inventario de
todas las posibilidades de la fuga y en “el arte de la fuga” también lo veremos reflejado;esta
obra incluye 10 fugas más algunos canones. También podríamos resaltar el trabajo de otros
compositores como Haendel,Zelenca.......
b.-Suite:es la forma más usada en la música para clave,y en cuanto a este
instrumento los compositores van a seguir el modelo de composición francés. La suite
estaba formada por cuatro danzas:Allemanda,Coranda,Zarabanda y Giga(lento,rápido,lento
rápido). Compositores como Bach van a ser referentes en este tipo de formas;Bach estiró la
suite hasta 6 danzas;de su obra,en este ámbito desatacamos sus 6 suites para cello y sus
composiciones para violín.
c.-Sonata:la sonata deriva de la canzona. Debemos distinguir entre la sonata da
chiesa y la sonata da cámera,música de cuerda para iglesia;su estructura se fija en 4
movimientos(lento,rápido,lento rápido) y sus secciones podían tener incluso la estructura de
una fuga. Por otro lado estaba la sonata da camera compuesta para cámara y para ser
interpretada extra-muros(fuera de la iglesia),estas últimas estaban destinadas a la danza. La
característica de este tipo de sonatas va a ser en la escritura de las danzas,ya que van a estar
en la misma tonalidad,lo que las acerca a la suite. En cuanto al bajo continuo en este último
tipo de composiciones lo va a realizar el clave. También hay otra división de las sonatas
según el número de partes,de esta manera tenemos sonatas a trío y sonatas a dúo o a solos(a
3 y 2 partes respectivamente). En cuanto a la sonata destaca la labor de Arcángelo
Corelli(1653-1713):sus sonatas más destacadas son las que refieren al repertorio
profano,auque también tenía sonatas a trío para la iglesia. Corelli introdujo o estableció en
las sonatas de iglesia la estructura en 4 movimientos(lento,rápido,lento,rápido) aunque

también tiene sonatas da cámera con continuo que por lo general se van a iniciar con un
preludio introductorio,esta característica es heredada de las sonatas de iglesia. En cuanto a
sus sonatas para sólo(solísta)Corelli no es tan formal o estereotipado,es decir,es bastante
más libre;con la introducción de los movimientos de danza en la iglesia y la introducción de
los movimientos no bailables va a ocurrir que poco a poco paulatinamente ambos estilos van
a acabar uniéndose y van a dar lugar a la sonata clásica que conocemos hoy en día. Scarlatti
compuso más de 500 sonatas para tecla.
d.-Concierto:es una creación esencial del barroco tardío que va a surgir en el medio
aunque se desarrollara en este periodo. En función de la instrumentación tenemos tres tipos
de concierto:
 -Policoral:divide la orquesta en varios grupos. Con frecuencia éstos grupos
tenían el mismo número de instrumentistas. Trataba de oponer a los grupos de forma coral.
-Grosso:consistía en la oposición de un pequeño grupo de solistas(también
llamado concertino/soli) al resto de la orquesta(tutti). La sucesión de los movimientos
además de su estructura procedían de la tradición de la sonata. La estructura,fijada ya,se
estableció en la época de Vivaldi y tenía 3 movimientos(rápido,lento,rápido).
-Solista:se desarrolla de manera paralela al concerto grosso. La estructura va a
ser también similar,la única diferencia se dará en el número de solistas que en este caso solo
será 1. Eran concieros especificos para un determinado solista....concierto de violín.......
*Rasgos que definen al concierto:
-1º El uso consistente de la tonalidad(tonalidad definida y clara).
-2ºLa utilización de la homofonía del continuo,y por tanto, la utilización del estilo de

concierto.
*Compositores destacados:Corelli,Torelli y Vivaldi(establecieron una forma fija)
-Corelli:dividió la orquesta entre el tutti y la parte del concertino, y cada una de estas
partes tenía su continuo. Corelli escribió 12 conciertos grossos. Su estilo era bastante
impreciso,y sus conciertos no contaban con un desarrollo melódico tan importante como en
otros compositores.
-Giuseppe Torelli(1658-1709): a él se le deben varias aportaciones importantes:por un
lado fue Toreli el que estableció la estructura y el estilo tripartito por otro lado, en cuanto a
la forma del concierto. En sus conciertos la parte del solo,va a ir cada vez adquiriendo más
importancia. También trabajó con la parte del ripieno a la que dotó de ideas
musicales(motivos,células....) que posibilitaban el trabajo en la sección del desarrollo
melódico. Otro gran aporte de este compositor fue la introducción de la forma
ritornello(retornar a).
-Antonio Vivaldi(1687-1741):llevó el concierto a las cotas más altas de
perfeccionamiento y desarrollo. La estructura de sus conciertos está fijada en tres
movimientos,a los que aumenta en duración. También aumento el número de ritornellos
llegando a encontrar ejemplos de conciertos con 5 ritornellos.

**KIT-KAT:definición de música programática y música absoluta. La música programática

es aquella que se basa en una idea extra-musical,es decir un sueño,una idea.....por otro lado
tenemos la música absoluta que a diferencia de la anterior, es aquella que se compone sin
basarse en nada que sea extra-musical. Este momento venía a resaltar que la música de Las
4 estaciones,de Vivaldi era música absoluta a pesar de que tengamos presente las idea
primavera,verano**

3) HAENDEL Y BACH.

-Haendel(1685-1759):Haendel tenía una gran destreza a la hora de mezclar lo italiano con

lo alemán,algo que le va a caracterizar y que se vera reflejado en su obra,así pues,destacó
también en el campo de la improvisación. En cuanto a su obra tenemos mucho repertorio
para tecla,para música de cámara y sus conciertos de órgano,pero sobre todo lo que va a
estar más influenciado por el estilo italiano,van a ser sus concerto grossi(plural de grosso).
También escribió conciertos sueltos al estilo de suites orquestales,así pues destacamos
“música para los reales fuegos de artificio” o su llamada música acuática. De toda su obra
sus conciertos para órgano son sin duda la aportación más personal de Haendel.
 -Bach(1685-1750):Bach va a recoger del estilo italiano aquellos recursos armónicos que
definían la tonalidad. También utiliza el estilo de concerto o las dos grandes formas del
momento,la sonata y el concierto. En la otra cara del estilo francés usa pautas coloristas,su
disciplina orquestal(tratamiento orquestal),la obertura instrumental y la suite de danzas.
También se empapará del estilo alemán;este estilo estilo le permitirá la posibilidad de hacer
composiciones con una sólida textura armónica,además el desarrollo contrapuntístico lo va a
emplear y utilizar en sus composiciones.
*Periodos compositivos de Bach:

-1er. Periodo de Armstadt y Mülhausen:a esta etapa corresponden composiciones como

sonatas sacras para clavicémbalo,fugas,preludios,tocattas....... fue su etapa juvenil,de ahí su
imprecisión a la fora de componer.

-2º.Periodo de Weimar:en esta etapa supo conciliar el contrapunto alemán con el estilo de
concierto natural italiano. Va a ser una época importante debido en gran parte a la aparición
del ambiente cortesano,que abrirá las puertas para otro tipo de estilo y composición. Esta es
su primera etapa de madurez. Pertenecen a él obras como su “tocatta en Re”.

-3er.Periodo de Cöthen(duró hasta 1723): a esta ciudad llegó como maestro de

capilla,además fue nombrado director de música de cámara de la corte. En esta etapa la
cración de obras profanas va a ser un dato especifico e importante. De este periodo
destacamos sus ciclos didácticos para la enseñanza de tecla. También corresponden a este
periodo sus suites alemas y francesas(destacamos sus suites para cello) así como sus
conciertos de Brandemburgo considerados como 6 formas de componer un concierto.

-4º.Periodo de Leipzig:va a ser la última etapa importante de su vida,aquí trabajó como

cantor en la iglesia de Santo Tomás,por lo que va estar muy ligado con la iglesia. Bach
profundiza su trabajo en cuanto a lo vocal se refiere. Entre los rasgos que definen a este
periodo destacan en primera instancia la utilización o el empleo de la técnica virtuosista
heredada de compositores como Doménico Scarlatti. A este periodo lo podríamos
denominar como su gran etapa de madurez musical. Pertenecen a el,las “Variaciones de
Golberg”,su 2º libro didáctico(que no vio publicado en vida al igual que el primero),además
de muchas de sus composiciones para órgano.

-5º.Periodo final:los últimos años de su vida son en los que Bach va a escribir sus obras
más personales y más abstractas de su catálogo. Muchas de estas formas ya estaban pasadas

de moda,y sin embargo Bach las continua y las lleva hasta el máximo. Destacamos
composiciones de este periodo como su “tratado de fuga”incompleto a su muerte.(es famosa
la aparición de su apellido en la 3ª parte de las 4 de las que consta la fuga,
B(si)/A(la)/C(do)/H(el la designa con sib). También son características de este período “la
ofrenda floral”. Todas éstas obras muestran su gusto por la variación contrapuntística.

Tema 4: La música en el Siglo XVII Español/Barroco Español

1.-Cambio de estilo:los cambios sufridos en la música española de este período,
podemos resumirlos en varios puntos:
predominio de una voz sobre las demás
aparición del bajo continuo
sustitución del bajo melódico por un bajo armónico (con saltos interválicos de 4ª o de 5ª)

2.-Elementos y géneros de la música barroca

1.POLICORALIDAD :Los compositores españoles utilizarán en sus obras cada vez más, la
herramienta de la policoralidad. Este procedimiento constructivo será muy utilizado sobre
todo pasada la mitad del siglo. Entre los autores que lo trabajarán con gran maestría,
debemos destacar a Felipe Rogier o Mateo Romero.
2.MELODÍA :Debemos destacar 2 tendencias:
*Obras escritas en latín: en las que la polifonía se mantiene y sigue la estela del siglo XVI,
aunque va perdiendo horizontalidad. Las capillas musicales estarán muy sometidas por la
tradición. Sólo a partir de mediados de siglo, podrán entrar en el culto religioso
instrumentos solistas.

*Obras escritas en lengua romance: destacamos sobre todo la producción de villancicos.

3.EL CONTINUO :La introducción del continuo se utilizó como una herramienta para
apoyar las voces. Prueba de ello es la utilización de instrumentos polifónicos en lugar de
instrumentos melódicos. El instrumento predilecto para el desarrollo del continuo en la
música sacra será el continuo. Posteriormente se le sumarán otros instrumentos como el arpa
cromática.
4.LA ARMONÍA :la armonía de la música española de este período puede catalogarse como
conservadora y con un pensamiento y una concepción modal de la armonía.

3.-La música religiosa.

1.MOTETE :el motete español de este Siglo de Oro es una de las formas más perfectas del
género. Debemos destacar la labor de Tomás Luis de Victoria (Ávila, h. 1548 – Madrid,
1611), considerado como el primer compositor de motetes del siglo XVII. Entre sus obras
destacamos Officium Defunctorum (publicado en Madrid en 1605). Entre los compositores
herederos de Victoria, podemos nombrar a Sebastián de Vicanco o Juan García Salazar
(compositor español de la segunda mitad de siglo). A partir de 1630 la composición
española de motetes sufre un giro, en el que los cambios más evidentes se pueden observar
en cuanto a su tratamiento de la policoralidad, que cada vez será menos extrema. En cuanto
a los textos también se verá una evolución, ya que habrá mayor libertad en la elección de las
fuentes textuales.

2. MISA :las misas mantendrán el estilo del período renacentista. Siendo lo más habitual la
construcción de misas a 8 voces más continuo e instrumentos que formaban una especie de
coro. Fue habitual el uso del estilo del bel canto y el uso de framentos sofísticos cargados de
pasajes virtuosísticos. Una de las obras maestras de este repertorio: Misa Aretina de
Francisco Valls, fechada en 1702.

4.-La música vocal profana:ópera y zarzuela.

*ÓPERA: Existe cierta controversia a la hora de considerar la primera ópera representada en
España, ya que no se ha podido encontrar la música de los libretos conservados. Tal
es el caso de los que consideran que la primera ópera española es La gloria de
Niquea(1622) que fue representada ante la corte del rey borbónico Felipe IV. Para otros
investigadores, este afirmación no es tan clara, y consideran que la primera ópera
representada en España fue La selva sin amor (1626 – 1629) cuyo libreto corre a cargo de
Félix Lópe de Vega y que fue estrenada en el Teatro del Palacio Real de Madrid. Se ha
perdido su música e incluso la autoría de la misma se desconoce, aunque hay quien afirma
que podría pertenecer al maestro Mateo Romero. No sería hasta 30 años después de estas
dos primeras manifestaciones que aparece otra nueva ópera española. Se trata de La
púrpura de la Rosa, ópera en 1 acto, con texto de otro grande de la literatura de esta época,
Pedro Calderón de la Barca. Fue representada en el Teatro del Buen Retiro de Madrid el 17
de enero de 1660. No nos ha llegado su parte musical. La primera ópera en la que se ha
podido conservar la música es Celos aún del aire matan, ópera estrenada en el Teatro Real
de Madrid en 1660, con libreto de Pedro Calderón de la Barca y música del compositor
madrileño Juan Hidalgo de Polanco (1614 – 1685). Su argumento es mitológico. Aunque
disponemos de toda la música de la ópera, sólo se conserva la parte para canto y bajo
continuo. ¿La razón? Generalmente era práctica común no incluir en las ediciones de las
partituras las partes instrumentales. La primera obra española donde aparece explícitamente
el término “ópera” es en La guerra de los Gigantes, entrenada ante Carlos III el 7 de febrero

de 1700. se trata de una producción en 1 acto, cuya partitura pertenece a Sebastián Durón.
Hay que señalar, que tanto las partes de los instrumentos como las partes de las voces se han
conservado. Es la primera obra escénica española que conserva toda su música. Ésta será la
última ópera genuinamente española, ya que a partir de este momento, la invasión italiana
será imparable, con lo que se frenará en seco la producción de una ópera autóctona.

*ZARZUELA:en este siglo nace un género escénico musical autóctono español y

diferenciado de la ópera: la zarzuela. Su nacimiento está ligado al auge de los espectáculos
teatrales de la Corte. Su nombre se debe a uno de los lugares donde se llevaban a cabo tales
representaciones: la Zarzuela (denominación asignada a una parte de los bosques de El
Pardo, que se encontraban cercanos a Madrid y donde se abundaban muchas zarzas). La
música de las primeras zarzuelas se ha perdido. La primera que se conserva es Los celos
hacen estrellas, cuya música pertenece a Juan Hidalgo y el libreto a Juan Vélez de Guevara.
Calderón de la Barca fue el libretista de las que se consideran las 2 primeras zarzuelas cuya
estructuras ya están plenamente establecidas. Se trata de El laurel de Apolo y El Golfo de
las sirenas, ambas de 1658. Con estas dos zarzuelas, quedan fijados los rasgos distintivos
del género: Obra en 2 actos en la que se canta y se representa. Coro inicial de pastores,
canciones a solo, danzas… Su temática es similar a la de la ópera de este período: pastores y
hechos legendarios. Personajes: héroes, semidioses, monarcas. En los últimos años del siglo

XVII, se produjo un gran cambio al aparecer la figura de Sebastián Durón. De este autor se
conservan 4 zarzuelas: Salir, El amor del mundo, Las nuevas armas de amor, Selva
encantada de amor ,Apolo y Dafne.

Tema 5:El Clasicismo como Época Musical

1.-Tránsito del Barroco al clasicismo:el paso de una etapa a otra siempre va a tener
un periodo de transición,o periodo intermedio. En este tema vamos a trabajar conceptos
como el Estilo Galante (propio del aria francesa), el Sturm und Dang (tormenta y golpe/e
impulso) que será un importante estilo literario, así como el Empfindsamer stil o
emprindsamkeit (estilo de la sensibilidad) que va a tener mucha más importancia que los
anteriores,después pasaremos a ver las escuelas preclásicas donde estudiaremos
compositores como San Martini o Canabi,Mathías Mont. En esta etapa nos encontramos en
un periodo denominado Ilustración o siglo de la luz,luz frente a oscuridad,además van a
tener cabida en éste todo una serie de acontecimientos;este siglo rompió muchas de las
estructuras hasta entonces fijadas como por ejemplo la división estamental...También
podemos destacar hechos tan significativos como la Revolución Francesa que tendrá lugar
en 1789 y va a implicar la ruptura del antiguo régimen;en este mismo año también se
desarrolla la 1ºRevolución Inglesa. Por otro lado aparecerán nuevos e importantes conceptos
como:ilustrado,que será el creador de la enciclopedia,era el siglo de la razón. Otro aporte del
siglo es la actitud progresista,relacionada en primera medida con la emergente burguesía,ya
que la aristocracia no se movió mucho en lo que a música se refiere. En esta etapa también
se desarrollo la organología,algo que veremos en avances tales como el surgimiento del
clarinete 1749 y en general una mejora de los instrumentos de vientos que supondrá o
implicará un menor rechazó sobre esta familia por parte de los compositores (hay que
recordar que el instrumento de viento no estuvo muy bien aceptado por los
compositores ,debido en gran medida a la afinación tan complicada que tenían,debida a que
se realizaban para un músico concreto(la persona),y por ello había gran variedad de
afinaciones del

mismo instrumento),también surge el pianoforte en torno a 1695/99,además la viola ganará

protagonismo.

2.-Estilos Preclásicos: podemos hablar de 3 estilos:

a.-Rococó y Style Galant:son dos estilos parejos que se darán sobre todo en Francia. Surgen
en torno a la vida de Luis XIV. Quizás el Rococó está más relacionado con la escultura o va
más asociado al ella en cuanto a estilo,aunque se dará en música también.
*Características de estos 2 estilos:
- Son estilos ligeros.
- Poseen Melodías y temas pequeños y repetitivos.
- Tiene una armonía pobre.
- Huyen del contrapunto.
- El ritmo es muy repetitivo.
*Instrumento característico:el Calavicémbalo.

b.-Empfindsamer Stil o Empfindsamkeit (estilo de la sensiblería,sentimiento o de la

sensibilidad): Este estílo surge o se desarrolla en torno a la Corte de “Federico el Grande”

en Postdam (Berlin,Alemania). Bach tiene mucho repertorio de este estilo.

*Características:
- La emoción se valora por encima de cualquier consideración. Su
máximo representante es C.P.E Bach.
- Presencia del contrapunto.
- Utiliza recursos rítmicos también del barroco (no lo abandona).
- Mayor contraste métrico.
- Melodías más largas.
- Flexibilidad en el fraseo.
- El tono de las composiciones es un poco más serio y más
 ceremonioso.
*Instrumento característico:el Clavicordio (permitía hacer matices dinámicos).

c.-Sturm und Drang:fue un estilo literario,que se inicia en la segunda mitad de siglo aunque
quizás sea más correcto hablar de 1740/50. Se le consideran el prólogo para la entrada del
romanticismo. Lo inicia un grupo de estudiantes,jóvenes con ideas de cambio,de la
universidad de Estrasburgo . Uno de los miembros más destacados es Goethe y sus poemas
a los que más tarde se les pondrán música,también podemos resaltar la labor de
Wakenroeder y de Schiller. El término tiene significados varios:tormenta y pulso/y golpe/e
ímpetu.... aunque no tiene al español una traducción exacta. Algunos consideran este estilo
una fase tardía del Empfindsamer Stil o Empfindsamkeit. Lo encontramos en obras de
Bach,Mozart, Haydn(sinfonía de los Adioses(en fa sostenido):los músicos se iban
levantando hasta quedarse el director y un músico como símbolo de libertad).
*Características:
- la música se concibe como un movimiento del alma y sirve para
desahogar el corazón.
- La intensidad emocional.
- Los contrastes violentos.
- Los Arrebatos apasionados.
*Rasgos Formales:
- Se utiliza la tonalidad para expresar los estados de ánimo. (eran
tonalidades oscuras,poco habituales,recargadas de alteraciones..)
- Fuertes dinámicas,que son muy contrastantes.
- Incluyen,indicaciones expresivas.

3.-Escuelas Pre-clásicas:
- Escuela de Mannheim:se convirtió en uno de los centros culturales más importantes de
Europa. Además quizás sea el más original por la cantidad de avances,sobre todo de la
orquesta (como un todo). Avances como el lugar del concertino o en el campo de la
organología al obtener un arco para la cuerda que permitía ejercer una mayor presión que se
traducía en mayor sonido (golpe de arco uniforme). También podemos destacar la orquesta
de Mannheim por su alta disciplina y su gran precisión en la ejecución;esta orquesta además
exploto el crescendo al máximo. En esta escuela se va a introducir por otro lado el minueto
como uno de los movimientos de la sinfonía. Otro aporte muy utilizado en esta escuela es
comenzar las composiciones con una técnica muy utilizada, el Cohete. Los temas son muy
líricos y cantabiles. En esta escuela van a existir dos generaciones de compositores:
*1ªJhon Stamitz:Fundador de la orquesta y el estilo Mannheim (1717-1757). Fue un

jóven violinista contratado por la corte de Teodor pero sus altísimas destrezas le permitieron
escalar muy rápido dentro de las orquestas en esta ciudad alemana. Estuvo trabajando
entorno a 1745 como uno de los miembros destacables y muy pronto pasaría de concertino a
director (1750). Este señor fue a la vez el que sentó los cimientos de la tradición orquestal
del clasicismo y no sólo de esta sino que además va a sentar las bases de la que será la gran
forma instrumental del periodo,la sinfonía.
*2ª Herederos de la anterior generación:la formaron sus hijos....Karl Stamitz...

-Escuela de Berlín:se agrupa en torno a la corte de Federico el grande. Destacamos músicos

como J.G. Graun,Bach.
 *Características:
- Predominan las sinfonías de 3 movimientos.
- La utilización de elementos contrapuntísticos.
- El desarrollo temático con estilo contrapuntístico.
- El no abandono del contrapunto.
- Un estilo serio,unificado casi dramático.
-Escuela de Viena:de esta escuela destacamos compositores como Georg Mathías
Monn,Wagensil y Gassmann. Hizo bastantes aportes,sobre todo en el campo del desarrollo
de la música sinfónica,es decir,en el desarrollo de la sinfonía.
*Características formales:
- Incluyen el minueto como 3er movimiento cuando la sinfonía tiene
4. Este a menudo suele presentar un carácter más popular que
cortesano,ya que era una danza que bailaba el pueblo.
- En cuanto a la melodía va a estar caraterizada por e lirismo vienés,es
decir por motivos muy líricos,cantabiles,joviales y fáciles de recordar
auditívamente y de reconocer.
- Estandariza la forma de 4 movimientos como estructura clásica.
-Escuela Italiana:destacan compositores como San Martini,Tartiti,Jomelli,Caluppi...En
cuanto a aportes,empiezan a alargar las composiciones con lo que permiten un mayor
desarrollo motívico,o mayor desarrollo temático. También son considerados en esta
escuela,creadores de la sinfonía de concierto; se basaba en modelos operísticos y su función
era ser la obra inicial que preparaba al público en un concierto. Se cree que San Martini fue
uno de los primeros compositores en hacer sinfonías a 4 movimientos. Desde 1734
aproximadamente,vamos a tener composiciones de este tipo.

4.-Clasicismo:(Características).
-1ºPrincipios estéticos:uno de ellos es que el arte debe ser una imitación de la
naturaleza;por la idea de belleza;debía ser una música clara,limpia,equilibrada...por eso se
debían plasmar estos aspectos.
-2ºLa melodía:la melodía es el alma de la música,se define como una sucesión
de sonidos que el oyente debe captar de una manera significativa. Además la melodía debe
de tener una clara dirección. Es una melodía que se reconoce como un todo. Conserva
también elementos del barroco como el trino.
-3ºEl ritmo:el ritmo se estandariza cada vez más,suele utilizar compases de
2/2,2/4,4/4,6/8...y con un acento reiterado en el primer pulso. La melodía además solía tener
estructuras equilibradas de 8 a 16 compases.
-4ºTextura y Armonía:se abandona paulatinamente el bajo continuo(ya no es
necesaria una armonía porque esta se dará en todas las voces). También era importante el
acompañamiento.
-5ºForma Musical:palabras como simetría,proporción y unidad van a ser las
que definan la forma musical. La forma Sonata era la forma por antonomasia.

Tema 6:La música instrumeental y vocal en la Ilustración.

1.-Nuevo estilo:la primera idea gira en torna al sistema de mecenazgo,debían
subsistir en contratos,sometidos a señores,compositores como Haydn intentaron romper
esto. Otra idea era la burguesía que cada vez tenía más peso,se intentaba parecer a la
aristocracia y demandaba música(a el músico se le abre otra puerta). Por otro lado las salas
de concierto van a empezar a aparecer en las grandes ciudades europeas. Se gestionaban de
manera privada y permitían a los músicos darse a conocer y crearse un reconocimiento.
Además surge el concierto público como institución,es decir,se le abren las puertas
culturales al pueblo.
2.-Música instrumental:
a.-Sonata:hacia mediados de siglo todavía la forma sonata estaba muy relacionada
con las sinfonías y oberturas porque su desarrollo corría paralelo a estas dos grandes formas.
La sonata se estructura en varios movimientos,procedente de la suite. Su primer movimiento
esta caracterizado por dos temas contrastantes a modo de diálogo. También tiene presencia
de contrapunto y la sección de desarrollo es donde se van a trabajar las ideas de la anterior
exposición. El segundo movimiento define de manera más clara el carácter de los
temas,puede ser un rondo o forma híbrida. En el tercer movimiento los temas se igualan en
cuanto a importancia.
b.-Sinfonía:nace de la evolución de la sinfonía pre-clásica que procede a su vez,de la
obertura de la ópera. Durante el clasicismo adopta la forma sonata;el primer movimiento era
rápido,el segundo lento,el tercero rápido, y el cuarto más rápido. Es una composición en la
que participan el mayor número de instrumentos en cada época. Generalmente tendrán una
textura homofónica sirviéndose de ese carácter ligero o lírico,herencia de la ópera. Hacia
1750 la sinfonía se separa de la ópera.
c.-Concierto:es una obra basada en el uso y en el contraste de 1 o varios instrumentos
con respecto al resto de la orquesta. Desde 1750 desaparece la forma concerto grosso y se
sustituye por el diálogo del solista con la orquesta. Sigue la misma forma de la sinfonía
salvo por que sólo tiene 3 movimientos. También va a ser menos numerosa la orquesta que
en la sinfonía(para no agobiar al solista). Son menos frecuentes los diálogos entre el viento
y la cuerda. Generalmente el diálogo se producirá ahora entre el solista y la sección de
cuerda. En los conciertos también se produce una cadencia final que tiene lugar en al final
del 1er movimiento(la orquesta se detiene es el momento del desarrollo virtuosístico del
solista,en donde el tiempo será “ad.libitum”;suelen concluir con un trémolo en forma de
señal para la entrada de la orquesta).
d.-Otras formas:
*Cuarteto de cuerda:se va a convertir en la forma más precisa de la música de
cámara. A veces se publicaban en series de 6 cuartetos. Tienen la misma estructura que una
sinfonía. Los 4 instrumentos están implicados de forma igual en el discurso musical. Los
motivos son más abiertos,más amplios y permiten una mayor presencia de contrapunto o
desarrollo temático.
e.-Autores:
*Joshep Haydn(1732-1809):fue uno de los últimos músicos sometidos a un
sistema de servidumbre. La sinfonía junto al cuarteto son su mayor aportación.
-Música sinfónica de Haydn:tiene un primer periodo de producción bastante corto al
servicio del conde Morzin;trabajó con el hasta 1761,y a esta época pertenecen sus sinfonías
más elementales y breves. Su segundo periodo es al servicio de la familia Esterhazy;él
trabajo para varios miembros de esta familia;en esta época sus sinfonías son más
amplias,amplia la sección de viento incluyendo al fagot,las trompas,oboes,arpas...en el caso
de la cuerda divide a los violines en concertino y ripieno(relleno). 1766 es una fecha muy
importante ya que se producirá un giro en cuanto al planteamiento de sus sinfonías,que van
a girar hacia el sturm und drang(obras con más tratamiento temático). La música de esta
época es mucho más expresiva y más emocional. Desde el 75 hasta el 84 abandona el
género de la sinfonía y se dedica a la ópera. Vuelve a retomar la sinfonía en 1785 época en
la que escribe sus 6 sinfonías Paris.
-Cuartetos:Mozart consideró a Haydn el verdadero creador de este género. Destacamos
obras como sus cuartetos en Sol mayor(un total de 60 aproximadamente). Haydn empezó a
enriquecer estas composiciones camerísticas con un mayor uso del contrapunto para darle
mayor solidez a las partes de solista,así emplea:sincopas,giros melódicos,matices,finales
fugados...Pese a que el cuarteto es muy democrático generalmente la voz del violín va a
tener un mayor desarrollo virtuosístico,tendencia que abandona Haydn en el 82 con sus
cuartetos Rusos dedicados al gran duque Pablo de Rusia.
*W.A.Mozart(1756-1791):Tanto sus sinfonías como sus conciertos reflejan su
madurez compositiva iniciada por sus maestros italianos. Supo plasmar la máxima en cuanto
a sinfonía y concierto se refiere. Su aportación más característica fue potenciar la
participación de los instrumentos en el desarrollo orquestal;Mozart supo conseguir el
equilibrio entre sección cuerda y viento,también es muy característico en el la
sobrebundancia de ideas(frases con sentido completo). Tiene un total de 41 sinfonías,su
última es la Júpiter,compuesta en el verano de su último año de vida. Podríamos decir que
no va a ser hasta 1773 cuando sus sinfonías evolucionen. Son obras que se mueven tanto en
la influencia italiano como la germana o alemana. Pero su plenitud compositiva no llegará
hasta el año 1782,a partir del cual va a introducir el contrapunto. A este periodo pertenece
por ejemplo su sinfonía nº35(Haffner). Su siguiente paso en la composición lo veremos en
su último verano en el que compone sus 3 últimas sinfonías 39,40 y 41. En cuanto a sus
conciertos podemos destacar que son generalmente conciertos a 3 movimientos. Algunos de
sus conciertos más destacados son el concierto para piano K175 el concierto de clarinete
K622.....
*L.V.Beethoven(1770-1827):vamos a destacar sus 2 primera sinfonías
compuestaas en torno a 1799/1802,se encuadran en su periodo cásico,sinfonías que respetan
la estructura iniciada por los maestros vieneses. Ya a partir de su 3ªsinfonía Beethoven entra
enn el campo del romanticísmo.

3.-Música Vocal:
a.-La tradición Francesa(1714-1787):Destacamos a Cristoph Willibald Glück. Este
personaje desarrollo parte de su carrera en el género operístico. Era hijo de un
guardabosques. Sus primeros años los paso en la república Checa,recibiendo sus primeros
encargos de la nobleza. Estuvo algunos años en Viena pero luego se trasladó a Milán para
conocer a los grandes maestros italianos. Ya en 1752 era considerado uno de los mejores
músicos de Europa,reconocido en toda Europa. En el 61 empieza su colaboración con un
hombre llamado Cazabig;reconocido libretista y poeta italiano. Será a partir de esta época
cuando Glück intente romper con las rígidas estructuras de la ópera,así se traslada a París.
Quería acabar con la tiranía de los cantantes, dando más peso al compositor y al libretista.
Su reforma se va a asentar dentro del compo de la ópera seria. Glück pensó que el problema
de la crisis de la ópera se encontraba en la música y no en la palabra y por eso fue en la
parte musical donde inició la reforma. Sustituyó el recitativo convencional(seco) por el
recitativo orquestal(acompañado). Otro aspecto es que la música estaba suboordinada al
drama.
b.-La ópera Italiana:pese a todos esos intentos de reforma,Gück no tuvo gran calado
uno de las cosas que no puedo cambiar fueron los elementos cómicos que seguirán en la
ópera francesa,tampoco reompió con el “lieto fine”(final feliz). La ópera seria va a continuar
siendo un acto de diversión para la ciudad cortesana. A mediados del siglo XIX se produce
un acontecimiento importante la representación de La serva padrona en 1752 (la
protagonista es una mujer que entra a trabajar en la casa de un señor y termina siendo la
señora de la casa). La ópera cómica nacerá entre los entreactos de una ópera seria,se
desvincula de ello por el gusto del público,entonces se generará un conflicto entre
Bufonístas,partidarios de la ópera cómica y Antibufonístas,partidarios de la ópera seria:
BUFONÍSTAS(Rosseau) ANTI-BUFONÍSTAS(Rameau)
Opinaban que el francés no era el idioma Critican todo lo italiano
más adecuado para hacer ópera,sino el
italiano ya que este último es un idioma
saltarín, y mejor para lo cómico.
Los argumentos tienen que ser cercanos al
pueblo(temática)
Pese a la trifulca,lo cómico entrará en Francia,no se pueden poner barreras a los gustos del
público.
*La ópera seria Italiana:esta influida por la escuela belcantista,es decir por el desarrollo del
bien cantar. De contenido alegórico llena de pasión,amor,temas elevados.. la mayoría de
esos temas están basados en la mitología antigua,por tanto están alejados de la realidad
cotidiana y esa va a ser nuestra distinción entre seria y ópera bufa. Donde mejor se
desarrollará este virtuosísmo vocal será en las Arias. Algunos autores importantes de esta
ópera son:Pergolesi,Hasse,Niccolo Jomelli y Tomaso Traeta...Los Italianos intentaron
además adecuar la ópera a los nuevos ideales musicales con el fin de intentar hacer que la
ópera fuese más natural.
4.-Música Sacra:
a.-Oratorios:el punto de partida del oratorio clásico es triple,por un lado tenemos al
oratorio italiano de la escuela napolitana,el oratorio ingles de autores como Haendel,y la
influencia del estilo sentimental Alemán. En este siglo XIX vemos que hay dos tipos de
oratorio:
-El Oratorio Italiano:sigue la idea iniciada por Pietro del Metastasio,libretista
muy importante,es decir hacer un oratorio como si fuese una ópera sacra,es decir,debe ser
una obra pensada para cantantes solistas y que apenas incluya coros. Estos oratorios se
interpretaban fuera de la temporada de ópera,es decir es quaresma y adviento,incluso habrá
compositores de ópera italiana que escriban ses oratorios con influencias de lo bufo o
cómico,como por ejemplo Mozart,Pucccini,Paisello...
-El Oratorio Alemán:en él,el libreto simplifica o reduce la presencia del texto
bíblico y da mayor libertad o posibilidad a la subjetividad;estos se desvincularan de la
litúrgia y serán convencidos casi como obras de concierto,el ejemplo más claro son las obras
de Haydn.(La creación,Las estaciones,Las 7 últimas palabras de cristo en la cruz,El regreso
de Tovias)
b.-Misas:la misa va a ser el género de mayor importancia dentro del repertorio
sacro,distinguimos 3 tipos de misa:
-Misa de Brevis:dura en torno a 30/40 minutos,puede no incluir todas las
partes de la misa.
-Misa Solemnis:grandes y para grandes momentos. Su duración es entorno a
una hora,y mantiene todas las partes de la misa.
*Misas de Mozart:compuso un total de 10 misas breves(brevis) cuyo cabayo de batalla era
cantar y bailar. Entre sus misas solemnis importantes destacan su Misa de la Coronación.
*Misas de Haydn:compuso un total de 14 misas,su estilo mezcla la tradición sacra con las
nuevas influencias,sobre todo que vienen del campo de las sinfonías. Fueron bastante
criticadas porque Haydn incluía en ellos estilos musicales que venían del género profano
como el estilo de forma sonata,destacamos,la Misa de Santa Cecilia en Do M.
c.-Motetes:se sitúan después del gradual o después del credo,es decir en el momento
del oratorio.
*1erMotete,Coral:es un motete con orquesta y en un sólo movimiento sobre texto litúrgico
latino.
*2ºMotete tipo cantata Italiana:se escribe a solo,también sobre texto litúrgico latino y se
estructura en 2 arias y un alleluia final que se interpreta a sólo. Destaca el Ave verum
Corpus y el Exultante inbilate.

Tema 7:España en el Clasicismo.

*Introducción:Siglo XIX,la dinastía borbónica ya es un hecho en España(entra
Francia en la monarquía española). Aparece la RAE y la biblioteca nacional. En el arte
destacamos el Rococó que hace su entrada en España,el museo del prado,el palacio
real,Goya.......

1.-Música Religiosa:Los centros de producción musical seguirán siendo en el gran

mecenas de la música hasta entonces,la Iglesia. También será importante en la formación de
músicos el mantenimiento de las capillas musicales. Muchas de éstas capillas van a ser
capillas reales pese que sean religiosas. Podemos destacar 3:La capilla real de Madrid(la
más importante,además de ser el centro de la música oficial religiosa de España),El
monasterio de la encarnación(Madrid),La capilla real de las descalzas reales(Madrid). El
maestro de capilla dirigía al coro,lo enseñaba y además componía.Destacamos a algunos
españoles importantes como:Sebastián Durón,José de Torres,Antonio(de)Literes,José de
Nebra. Otra capilla importante fue la de las Salesas Reales fundada por María Bárbara de
Braganza. En 1734 también surge un hecho importante,fue la fecha en la que se incendió el
Alcázar Real de Madrid y con él todo el archivo histórico. La música religiosa todavía es
deudora de los modelos del barroco,como muestra de esta tenemos ejemplos como la misa
escala aretina de Francisco Valls. La música de la 1ª mitad del XVIII se compone de
composiciones en las que se reduce el número de voces y cada vez se diferencian más los
instrumentos. Los modelos italianos van a acabar imponiéndose. En la 2ªmitad se empiezan
a introducir los modelos alemanes debido a la influencia de compositores como Haydn.
2.-Música de cámara y de la Corte:destacamos a dos compositores de la
corte,Sebastián de Alberto y Antonio Soler(aunque no solo se dedican a lo profano). Aparte
de la corte, la nobleza también va a tener música de cámara y aquí destacamos por ejemplo
la casa de Alba,la casa de la condesa. Para la burguesía se crea la sociedad de amigos del
país. Volvemos a la música de la corte.
2.1.-Música de corte:la afición musical de la casa real se va a prolongar desde el
reinado de Frenando VI hasta el de Carlos IV. Luigi Boccherini estuvo al servicio de la corte
de Carlos III.
2.2.-Música de la nobleza:la nobleza también mantuvo relaciones de mecenazgo. Es
importante destacar que para la nobleza española el interés por la música extranjera va a ser
como un motivo para darse prestigio(destacarse).
2.3.-Música para la burguesía:es un nuevo público que también demandará música
de cámara(por igualarse con la nobleza). Además las costumbres domésticas de la clase alta
van a cambiar. Otra cosa que cambiará es la educación femenina que va a dar trabajo.

3.-La música escénica y la influencia Italiana:La ópera va a ser el género preferido

por el pueblo(público)y la zarzuela pasará a un segundo plano. La historia de la ópera va
atener un desarrollo paralelo a la constitución y creación por tanto de los teatros como las
compañias de ópera. Este desarrollo estará marcado por la influencia de Italia(la ópera
Italiana domina en España). Repertorio:La tonadilla escénica(español).
*Diferencias entre la tonadilla y la zarzuela.
1La zarzuela tiene mayor calidad en su libreto además de temas más
heróicos,grandiosos,míticos....
2La Zarzuela se contempla como un espectáculo completo mientras que la tonadilla es más
bien un complemento de otra cosa.
3La música que se utiliza en una tonadilla proviene del folclore y en la zarzuela era más
culta.
4Emplea orquestas pequeñas y la zarzuela orquestas grandes.
5En la zarzuela se danzaba ballet,bailes de salón.. y en la tonadilla danzas populares.
6La zarzuela tiene 2 actos y la tonadilla 1 con un montaje más escénico modesto.