Barroco

1. INTRODUCCIÓN
El Barroco es el periodo artístico que va del siglo XVII hasta mediados del XVIII (desde la primera ópera conservada en 1600
hasta la muerte de J. S. Bach en 1750). El término barroco deriva de la palabra portuguesa "barrueco" que alude a una perla
imperfecta. La música está al servicio de las monarquías absolutas, la aristocracia y la Iglesia, que la usaban como otra
manifestación de su poder.

 Características
Ritmo: era más variado y con un pulso más rápido y más regular.
Melodía: era más compleja y elaborada, porque había un gusto por los detalles y la ornamentación.
Armonía: era tonal. Se estableció el uso de la tonalidad.
Textura: predominaba la melodía acompañada con basso continuo, que es una línea de bajo sobre la que se construyen los
acordes.
Timbre: nació la orquesta.
Dinámica: utilizaban dinámica por terrazas y efecto eco.
- Dinámica por terrazas: en esta era los matices se logran mediante cambios de grupos instrumentales (fuerte = muchos
intérpretes, tutti; suave = pocos).
- Eco: efecto sonoro que consiste en una presentación en forte y una repetición en piano
Expresión de los afectos: los compositores trataban de expresar estados del alma como rabia, alegría, dolor...
El uso de contrastes en diversos elementos musicales (ritmo, tempo, melodía, timbre, etc.).

 Compositores:
ltalia: Monteverdi, Vivaldi, Frescobaldi, Corelli, Francesca Caccini, Barbara Strozzi
Alemania: J. S. Bach, Praetorius, Schütz, Telemann.
Inglaterra: Händel, Purcell.
Francia: Lully, Charpentier, Couperin.
España: Juan Hidalgo, Antonio Literes, José de Nebra, Sebastián Durón.

2. MÚSICA VOCAL PROFANA

Ópera era la principal forma vocal profana y estaba escrita para orquesta, coro y solistas. Orígenes: a principios del siglo XVII en
Florencia un grupo de intelectuales alrededor del conde Bardi conocido como la Camerata Fiorentina decidió revivir el teatro
clásico griego, que era una combinación de poesía, música y danza.
La primera ópera conservada es Euridice de Jacopo Peri (1600).
La primera ópera importante es L’Orfeo de Claudio Monteverdi (1607).

Partes fundamentales de una ópera:

Partes vocales
- Recitativo: a medio camino entre la palabra hablada y el canto. Facilita el avance de la trama.
- Aria: parte melódica cantada por un solista. Sirve para expresar emociones y para lucir las habilidades del solista.
Partes instrumentales
- Obertura: es la introducción a la ópera.
- Interludios: partes instrumentales que unen las diversas secciones.
Coros y ballets eran incluidos en ocasiones.
Los castrati eran cantantes masculinos famosos generalmente pertenecientes a las clases más humildes, que eran elegidos por la
belleza de sus voces. Eran castrados antes de la pubertad para preservar sus voces de niños pero con la capacidad pulmonar de un
hombre adulto. Se convirtieron en los primeros ídolos musicales de la historia. El castrato más famoso fue Farinelli, y había otros
castrati conocidos como Ferri, Senesino y Pacchierotti.

3. MÚSICA VOCAL RELIGIOSA

La ópera influyó decisivamente en las nuevas formas vocales religiosas. Todas ellas se escribían para orquesta, coro y solistas; y
estaban formadas por una sucesión de recitativos, arias y coros.
Oratorio es muy similar a la ópera, pero de tema religioso, y sin escenografía ni danzas.
Pasión es un drama litúrgico sobre la pasión y muerte de Cristo, usualmente interpretado durante Semana Santa.
Cantata literalmente significa "cantada" en italiano. Puede ser una forma profana o religiosa.
El mayor compositor de oratorios fue George Friedrich Händel.
El mayor compositor de pasiones y cantatas fue Johann Sebastian Bach.

4. MÚSICA INSTRUMENTAL:
La música instrumental logra una independencia definitiva de la música vocal, debido a:
- La evolución de los instrumentos gracias a lutieres como Stradivarius, Amati o Guarnieri.
- El nacimiento de la orquesta barroca, formada por cuerda frotada y otros instrumentos que tocaban el basso continuo como el
clavicordio. También incluía viento madera, viento metal y percusión.
Los músicos componían música específicamente para instrumentos y empiezan a aparecer los primeros géneros instrumentales.

 Concerto es una forma instrumental altamente elaborada en la que el material musical va pasando por diversos
instrumentos. Se estructura en 3 movimientos: rápido - lento - rápido. Tipos:
Concerto grosso: es un diálogo entre la orquesta completa (tutti, grosso, ripieno) y un pequeño grupo de instrumentos
(concertino). El primer gran compositor en usar el término concerto grosso fue Arcangelo Corelli.
Concerto a solo: es un diálogo entre la orquesta completa y un solista. Ej. Las cuatro estaciones de Vivaldi.

 Suite es una forma instrumental que contiene varias danzas que contrastan en carácter, ritmo y tempo. Viene de las
danzas renacentistas. Las danzas más importantes eran:
Alemanda: es una danza alemana majestuosa en 4/4 que literalmente significa "alemana".
Courante/corrente: courante es una danza francesa animada en 3/4; corrente es una danza italiana muy animada en 3/4.
Zarabanda: es una danza española lenta y solemne en 3/4.
Gigue/giga: la gigue o jig es una danza inglesa rápida en 6/8; la giga es una danza italiana muy rápida en 3/8.

 Toccata es una forma instrumental generalmente para instrumento de tecla, caracterizada por su virtuosismo con rápidas
escalas, arpegios y partes fugadas.

 Fuga es una compleja forma polifónica de un solo movimiento, que se construye sobre un sujeto o tema que es
presentado al principio y es imitado constantemente.

5. Instrumentos:
Cuerda: violín (1), viola d’amore (2), mandolina (3), tiorba (4), clave (5).
Viento: piccolo (6), flauta travesera (7), oboe (8), fagot (9), trompeta (10), trompa (11).
Percusión: timbales (12).
 Clasicismo
1. INTRODUCCIÓN
El Clasicismo es el periodo artístico que va desde mitad del siglo XVIII hasta principios del siglo XIX (desde la muerte de J. S.
Bach en 1750 hasta el estreno de la Sinfonía n.º 3 Heroica de Beethoven en 1805).
El siglo XVIII fue el Siglo de las Luces, movimiento filosófico favorecido por la burguesía que condujo a la Revolución francesa
que acabó con el poder de las monarquías absolutas. Se basaba en la idea de que la razón es la única herramienta para encontrar la
verdad en todas las cosas.
La música pasó a estar al alcance de un público más amplio. Se interpretaba en iglesias y palacios, pero también en círculos
burgueses como salones privados y conciertos públicos. Los compositores empezaron a convertirse en artistas liberales, pero
todavía se consideraban sirvientes. Viena era la capital musical de Europa. Los principales compositores de la escuela vienesa
eran Haydn, Mozart y Beethoven.

 Características
Los compositores buscaban la perfección formal: orden, proporción, equilibrio y belleza.
Ritmo: era muy regular y simple.
Melodía: era equilibrada y simétrica.
Armonía: se volvió más simple y clara.
Textura: la homofonía prevalecía, con una clara melodía sobre un acompañamiento acórdico subordinado. El patrón de
acompañamiento favorito era el bajo Alberti, que incluía acordes rotos o arpegiados.
Timbre: la orquesta aumentó en tamaño y registro.

 Compositores
Alemania: Beethoven, Gluck, Stamitz.
Austria: Haydn, Mozart.
ltalia: Boccherini, Salieri, Clementi.
España: Martín y Soler, Juan Crisóstomo Arriaga.

2. MÚSICA VOCAL PROFANA:

Ópera era el principal género vocal profano. La ópera del clasicismo eliminó los excesos del Barroco y acercó los argumentos y
personajes a la nueva audiencia burguesa. Se desarrollaron dos estilos de ópera:
Ópera seria: los argumentos se basan en temas mitológicos y heroicos. Gluck comenzó la reforma del género usando música más
sencilla y tramas más plausibles. Ejemplo Orpheus and Eurydice.
Ópera bufa / cómica: los argumentos se basan en la vida cotidiana. La audiencia entendía mejor este tipo de ópera y se convirtió
en el género operístico favorito. El principal compositor fue Mozart con Las bodas de Fígaro escrita en italiano y La flauta mágica
escrita en alemán.
 3. MÚSICA VOCAL RELIGIOSA:
Oratorio era idéntico a la ópera a finales del siglo XVIII. El principal compositor era Haydn (The Creation).
Misa se convirtió en una pieza de estilo operístico escrita para orquesta, coro y solistas.
Algunas características barrocas como los coros fugados y las partes de basso continuo se mantuvieron en la música sacra del
clasicismo.

4. MÚSICA INSTRUMENTAL:
La música instrumental pasó a ser más importante que la música vocal.
Nació la orquesta sinfónica moderna, con un grupo más completo de cuerdas, flautas, clarinetes, oboes y fagotes. Bartolomeo
Cristofori hacia 1760 diseñó el pianoforte o fortepiano, la versión temprana del piano. Este fue el instrumento para el que Haydn,
Mozart y el Beethoven de la primera época escribieron su música para piano.
La música de cámara está escrita para un pequeño grupo de instrumentos y también fue importante en esta era. La principal
agrupación de música de cámara era el cuarteto de cuerda, formado por 2 violines, 1 viola y 1 violonchelo.
Forma sonata
La estructura de todas las formas instrumentales de esta era se basaba en la forma sonata. Tiene 3 secciones:
1. Exposición: presenta todos los temas y se suele repetir entera.
1er tema: es animado, rítmico y enérgico. Está en tónica (tonalidad original).
Puente: que conecta ambos temas.
2º tema: es melódico, lírico y cantable. Está en dominante (una 5ª por encima de la tónica).
Codetta: breve cadencia para cerrar esta sección.
2. Desarrollo: the composer alters the themes and may include new material. It is the freest section.
3. Recapitulación / Reexposición: vuelve a presentar los temas de la exposición y esta vez están todos en la tónica.
A veces la forma sonata incluye una INTRODUCCIÓN al principio y una CODA al final.

Sonata está escrita para uno o dos instrumentos solistas y tiene tres o cuatro movimientos contrastantes.
1. Rápido (allegro), en forma sonata.
2. Lento (adagio)
3. Rápido (allegro).

1. Rápido (allegro), en forma sonata.

2. Lento (adagio).
3. Danza (minuet / scherzo).
4. Rápido (allegro).
Sinfonía está escrita para orquesta y tiene cuatro movimientos contrastantes.
 1. Rápido (allegro), en forma sonata.
2. Lento (adagio).
3. Danza (minuet / scherzo)
4. Rápido (allegro)
Concerto está escrita para orquesta y solista y tiene tres movimientos contrastantes.
1. Rápido (allegro), en forma sonata.
2. Lento (adagio).
3. Rápido (allegro).

5. INSTRUMENTOS:
Cuerda: arp (1), cuarteto de cuerda (2), pianoforte (3)
Viento: clarinete (4).
Percusión: triángulo (5), platillos (6).