HISTORIA DEL CINE- PRÁCTICO

“LA HORA DE LOS HORNOS” Pino Solanas

-Es una película de carácter documental, que pretendía incorporar la esfera social y política al
cine
-tercer cine, aliado de la lucha social latinoamericana
- nueva forma de ver el cine, de entender al espectador
- espectador activo
-material visual, junto a la voz en off y los textos;

Marginalizados, una geografía del hambre

“es falsa la historia que nos enseñaron. “irreales las libertades que los textos proclaman”
“Mi lucha es poner la mesa” a pesar de la connotación machista que puede significar esta
frase, la idea de querer que mi familia coma
De cada lugar un grito de justicia

“LIMITE”
-vanguardista gracias a su inorganicidad, el pensar en que los relatos surgen de imágenes que
no tienen relación entre sí, y en este sentido la dificultad de armar una realidad sólida. A su
vez, tiene cierto interés de romper con lo establecido ya que es un fil que contrasta mucho con
el cine brasilero de la época.
Toma muchos elementos de escuelas de montaje europeas como los montajes intelectuales, el
uso del efecto Kulechoff y el montaje de atracciones. Que a su vez, luego de entender este
recorrido, notamos una fuerte influencia Europea, gran crítica que propone Rocha acerca de
este film; denota lo colonizada que está la cultura brasilera, una cultura, a su parecer,
subdesarrollada.
Hace uso de mucho movimiento de cámara que acompaña a los planos largos, picados y
contrapicados, los falsos raccords y saltos temporales; también utiliza sobreimpresiones en los
planos del agua, donde tenemos a tres personas en el medio del mar, que nunca salen de ese
barco, como el principal limite pero también, dirá Rocha, como exponente de un final artificial,
el final no importa porque en definitiva, siguen igual que antes. Se deberá entender como una
película intimista en este sentido, en donde importan mucho las sensaciones. Considero que es
una película “liquida” en cierto sentido, en donde las imágenes se entremezclan siendo
totalmente abstractas y haciendo muy difícil el seguimiento de alguna línea narrativa.
Sin embargo, Glauber Rocha no termina de empatizar con la idea de que es una película de
vanguardia brasilera, en el sentido de que no hay una mirada Brasilera en el filmadvierte
también que no es interesante como película nacional, no es lo que intenta evidenciar.
Recupero una frase que me ha resultado interesante de Rocha en su texto “Revisión critica del
cine brasilero” en donde habla de Limite y plantea que es una película “sin preocupaciones
sociales”. En línea con lo que mencionaba al principio, se copian los procedimientos europeos,
esta película podría ser de cualquier lado, percibe Rocha y no empatiza. A su vez, entiende que
es una película sin prejuicios, que va contra las reglas establecidas y en este sentido, se puede
ver una idea de autor radicalizado, de artista que hace “arte por el arte”.

GANGA BRUTA
Respecto a Ganga Bruta, podríamos coincidir en que es una película que toma elementos del
cine clásico, de la vanguardia y del imaginario brasilero, sin coincidir plenamente en ninguna
de estas categorizaciones por separado.
En comparación con Limite, Ganga Bruta es una película mucho más social en el sentido que
da cuenta de una idea de clases sociales; expone la impunidad de las clases altas y patriarcales
representadas en Marcos; no hay un castigo hacia él de la magnitud que debería significar el
hecho de asesinar a su mujer; el “castigo” que podríamos diferenciar, viene de la mano de la
castración, por eso encuentro en el film elementos del melodrama clásico; Marcos mata a su
mujer y luego hay un amor prohibido en relación al triángulo amoroso junto a Sonia y Desio. Y
en contraposición, la monstruosidad de las clases bajas representadas en las deformidades del
pueblo, como si fueran una amenaza, una amenaza aparente porque verdaderamente son
inofensivos; en esta representación de los pueblos es donde podemos ver elementos de la
vanguardia.
En este sentido, si bien Glauber Rocha ve elementos técnicos europeos en el film, entiende
que no es una “copia” europea, como si lo sugería con limite, ve en esta película una unidad de
lo brasilero, es decir, que tiene elementos del imaginario brasilero; por ejemplo, la banda
sonora. Una película local que toma los elementos que le son útiles de otros cines y deja los
que no; pero siempre priorizando la tradición local. En este sentido, es una película orgánica y
original local; hay un montaje lirico, explicita Rocha en su texto “Ganga Bruta”, en donde cada
plano vale por si mismo más allá de la secuencia, opuesto al montaje de Einsestein. Considero
que en la vivencia está la raíz de su montaje y es en esto que se encuentra la unidad de lo
brasilero.

TIERRA EN TRANCE

- Cinema Novo
-arte en relación a su contexto y pensar en los problemas de la actualidad.
- focalización colectiva en el protagonista y país
-Rocha trabaja sobre la sintaxis de otra forma para así imaginar un devenir histórico
(entendiendo el cambio del mundo como una utopía), Paulo no logra nada
-muchos procedimientos cinematográficos para romper con la mediocridad; (ESCRIBIR LO Q
DICE EL RESUMEN DEL MONTAJE Y ESO) La hora de los hornos hace las veces de panfleto que
baja una línea directa; Tierra en trance se propone como una ficción que hace alusión a los
problemas del presente pero de manera alegórica, toma cierta distancia con lo real a
comparación de La hora de los hornos.

INVASIÓN

CINE MODERNO
-la irrealización del espacio; los sonidos; la connotación épica, la lucha colectiva; y la
denotación trágica que se presenta en ese final anunciado, la derrota ya pautada, el destino.
Hay una fuerte idea de autor, y en este sentido una gran puesta en escena de la individualidad
de los personajes; cada uno con una característica distinta que a su vez pronuncia el modo de
su muerte (ej. Cachorro muere viendo un western o Moon muere porque su ceguera le impide
anticipar su muerte) y en este sentido una idea de paroxismo también muy grande en las
singularidades del vestuario, las formas de hablar, de pelear, entre otras; como también lo
distintos que son al otro grupo y a los habitantes de la ciudad.
Pienso que en esta época la autonomía y el carácter redondeado de la historia es muy
marcado; lo que vemos en Invasión es una propuesta de vanguardia estética que sin embargo
tiene en cuenta algún carácter político. Al romper con el cine clásico, elementos de géneros se
ven interiorizados en estos films.
Podemos pensarla como una película que tiene varios elementos del film noir y aquí
introduciendo a Borges quien propone que las muertes pautan los avances de la trama,
podemos ejemplificarlo viendo que los integrantes del grupo de Herrera van muriendo uno a
uno. Sin embargo, este policial aclama una sintaxis distinta, una sintaxis no tan clara, y me
permito en este sentido, introducir al género fantástico, tal como expresa Oubiña en su texto
de Invasión; ya desde la cita de Borges que habla de una leyenda, de una ciudad imaginada o
real; esa especie de vacilación, de vínculo entre lo real y lo mítico. Y en concreto del film, hacia
el comienzo de la película se muestra junto a los títulos y créditos un mapa de Aquilea, esa
ciudad imaginada o real en donde transcurre. Ya desde ese primer acercamiento a la película
encontramos elementos del fantástico que aluden a la vacilación. En línea con esto, los
procedimientos estéticos son llevados al extremo, falsos raccords, elipsis, encuadres extraños,
sonidos antirrealistas y expresivos (fuentes difíciles de entender), entre otras. En definitiva,
considero que se construye un relato fantástico con elementos de la realidad y en esa
vacilación se presenta lo fantástico.
Hay muchas cosas que no son evidentes, cierta ambigüedad que el espectador debe descifrar.
Como también considero que se pone en duda los valores morales acerca de quién es bueno y
quien es malo, y en este sentido corrompe un poco al género policial, esta película busca
incomodar y a su vez logra dificultar el entendimiento del mundo; es difícil de entender por
qué los personajes hacen lo que hacen. Muchas de las conversaciones son interrumpidas,
como si en definitiva hubiera una voluntad de obligar al espectador a interpretar esa
ambigüedad.
Recapitulando, entendiendo esta película como una pelicula moderna con elementos del cine
negro; en línea con la mención del genero fantastico, podríamos sumarle el imaginario
criollista como maquina de la pelicula; desde las formas particulares de hablar (vistas
claramente en Don Porfolio, quien tiene un lenguaje bastante arcaico por así decirlo), la
milonga, la celebración de la amistad, como tambien ese rasgo corajudo que define al
protagonista, ese deseo de probar su valentía, de querer siempre ir a pelear.

• Otro rasgo de noir es la idea de la mujer fatal con Lebendiger, la mujer que lo lleva y lo
engaña. El mapa del comienzo remite a la muerte y la brújula.
• Silvia habla de que la felicidad en un esquema trágico, en una percepción del mundo
trágico, dos puntos de individuos los comunes y los elegidos para el valor, su destino es
relevante para la sociedad. Ella ve a invasión como un ámbito donde lo trascendente esta
emitido en ese mundo. Los hombres no son libres todavía, porque lo que se opone al destino
trágico se contrapone a la idea de la libertad. Lo divino no se fue del mundo.

THE PLAYERS VS ANGELES CAIDOS

Esta pelicula es mucho mas experimental que las anteriores. Considero que esta vanguardia
estética busca transformar la vida por el arte, el elemento fundamental que utiliza para ello
son las improvisaciones teatrales en donde se articula lo teatral tanto en el set mismo, como
espacio ocupado por the players para la trama de la improvisación, la trama de la pelea, el
ensayo de una obra y lo que se ve acerca de la vida cotidiana de los personajes.
Es una obra inorgánica, cada fragmento tiene valor en si mismo y a su vez da lugar a la
discusión acerca de que es la obra de arte, el arte como institución y esa voluntad de romper
con todo lo dispuesto.
Respecto a Invasión, considero que tiene algunos elementos en común; dos grupos, uno en un
lugar cerrado y otro queriendo entrar, con un final trágico, pero en contraposición si hay una
fuerte idea acerca de quienes son los bueos y quienes son los malos, siendo a su vez, los
buenos dueños del triunfo.
Introduce a su vez una cierta tensión política y estética en la relación de los dos grupos; siendo
los angeles caidos, la vanguardia política vs. The players, la vanguardia estética.

EL BANDIDO DE LA LUZ ROJA

Es una pelicula del Cine Marginal en Brasil, y el protagonista, es un bandido de un barrio

marginal en San Pablo. Esta pelicula narra toda la biografia del bandido hasta su muerte y en
paralelo la persecicion de un policía. Se pone en juego esa dualidad entre la historia y su
representación amarillista en los medios de comunicación. La forma en que se presenta es
bastante paralela, hay imágenes documentales de la favela, la radio, los carteles de la ciudad; a
su vez, le da importancia al fragmento y muchos otros materiales que siguen esta línea
vanguardista de representar la vida cotidiana en el arte y el deseo de transformarla; y en este
sentido, esta representación se sugiere bastante real y descriptivo anclado al contexto social al
cual es contemporaneo, muestra la miseria de la favela, la corrupción, lo sugiere al
protagonista como un bandido en crudo, desagradable. A su vez evidencia el carácter
latinoamericano de la pelicula, referencias a Mexico y a Argentina, a Peron, al tercer mundo.
Anunciandose en este sentido como pelicula de este mundo, no es un caso aislado, es todo un
continente, una cultura de masas.
A su vez, como tambien se ve al principio del film en donde se dice que es un western del
tercer mundo; y como ya destaque la introducción del tercer mundo, me es propio destacar
que hay muchos elementos semánticos del western de modo abstractos y casi imperceptibles
como la posición precaria del estado, la idea de un bandido fuera de la ley visto no como un
cowboy pero tal vez si como un villano del westrern.

 Para caracterizar al bandido de la luz roja, “Warshow” establece distinciones entre el

gánster y el cow boy. Son los dos géneros más importantes del cine americano. Son
hombres con armas y las actitudes corporales son con esas armas. Como se llevan las
armas en el oeste, expuestas a la luz del día y el gánster en la clandestinidad. Se
representa la violencia en el gánster y en el bandido de la luz roja la idea de que la
violencia del cow boy tiene moral y código, nunca dispara antes y el gánster ataca en
desigualdad de condiciones, por la espalda, no tiene código, esta es la que
encontramos con claridad en el film.
 Otros dos elementos que destaca warshow es que el gánster es una figura que no
tiene vínculos afectivos, siempre está solo, haciende, no establece vinculo de
 confianza, siempre pasa por encima de los demás, el film sigue esta idea, aquel que no
puede tener códigos, cerrar vínculos y traición. El otro elemento es la posición de las
figuras cow boy figura de reposo y gánster figura agitada que nunca descansa, es un
poco la idea de las armas, el gánster siempre tiene que llegar a algún lado, dominar la
ciudad, el barrio, hombre de negocios que su éxito radica de hablar todo el tiempo y
estar siempre agitado, el gánster en esa serie, alguien también que el tiempo de ocio
es el tiempo del dominio, sus vínculos con las mujeres.
 A partir de esta representación, los vínculos con la política y los medios es como se
configura el film. Para ponernos en el contexto de la dictadura militar de Brasil y como
el cine marginal se separa de esta y elige narrar, los elementos que son importantes
destacar, en contraste con el cinema nuovo, es una imposibilidad de la acción, la
incapacidad, el hecho de que no puede transformarse la realidad.
 Montaje: en gran medida es un montaje que viene de la escuela de Eisenstein, dos
modos fundamentales se quiere el cine construye sentido para Eisenstein, el montaje
del director de esta peli sigue esa idea, borra la continuidad más esperable y propia del
cine industrial y en contraste con eso encontramos el montaje en el que de algún
modo el espectador va a tener que construir el sentido.
 Un genio, una bestia, como enuncia los medios, como enuncia el bandido, el enigma
del hombre, cuando habal de Edipo y la importancia de la esfinge en el comienzo,
Edipo mal decido cuando nació, tiene que descifrar un enigma que está vinculado con
la ciudad. Esa idea del vínculo con la ciudad, de apoderarse, esta sugerido en el
comienzo del film. Tenemos un cartel de luces con el nombre de la película y las voces
en over que narrar los fenómenos del bandido de la luz roja. El tercer mundo, son
muchos elementos que convergen en un modo que el espectador tiene que construir
un sentido con partes diversas que por si no entregan el sentido completo y después
de eso viene la imagen de los chicos jugando en el basural, ese es el comienzo de la
película y el comienzo de la vida del bandido de la luz roja, ese comienzo en la basura
es el comienzo de la historia, desde donde parte el bandido.
COME OUT Y OFRENDA cortometrajes

Plano de la cámara fija, se va enfocando y vamos entendiendo que estamos viendo. Un solo
plano, un solo motivo musical y con eso se construye. Cine de estructura, estructura relevante,
dos elementos básicos, pasa algo similar con ofrenda, son flores que aparecen y desaparecen.
Uno de los elementos fundaméntales es que pasa lo contrario y lo mismo que en come out, es
cuadro a cuadro, son diversos, se rompe la continuidad, lo que uno ve como avanza la luz y
supone que puede ser el avance de todo un día peor también podría ser el pasaje de una nube,
porque justamente el tiempo esta dislocado, como se construye un determinado tiempo. En
los dos casos es muy singular como se trabaja en contra del cine tradicional. En come out un
plano donde no se ve nada, una idea de revelación, la idea del cine experimental con la
revelación, finalmente se ve. Y en ofrenda tenemos algo similar y contrario, son muchos planos
y a la vez son de un solo cuadro y se producen dos cosas es donde uno tiene que tratar de
entender que pasa por que narrativamente se expresa muy poco. Voluntad poética por dos
motivos, que es por un lado las flores y la importancia de la percepción subjetiva, lo que
configura el jardín es el ojo del director, es una construcción subjetiva del jardín, cuadro a
cuadro, durante 4 minutos. Lo único que construye el jardín es la mirada del que esta atrás de
la cámara. En gran medida es una especie de asociación continua de percepciones, el orden de
la interioridad, la percepción subjetiva de ese jardín, en ese sentido es claro el corte con todo
el cine que veníamos viendo, las obras más rupturistas the players el bandido, tienen muchos
más elementos en común con el cine que no es experimental de la tradición mainstream y sus
alrededores