El Libro Del Cine

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EL
MAGO RINGÚ
HIDEO
DE OZ NAKATA
VICTOR FLEMING
BONNIE Y CLYDE
RASHOMON ARTURO PENN
AKIRA KUROSAWA
NIÑEZ
RICHARD LINKLATER
FICCIÓN PULPA
QUENTIN TARANTINO
EL
PELÍCULA
EL SHAWSHANK
REDENCIÓN
FRANK DARABONT
VÉRTIGO LIBRO
ALFRED HITCHCOCK GRANDES IDEAS EXPLICADAS SIMPLEMENTE
SUNSET BOULEVARD DR. AMOR ESTRAÑO

BILLY WILDER STANLEY KUBRICK
EL SÉPTIMO SELLO
INGMAR BERGMAN
ES UN
MARAVILLOSO
METRÓPOLI VIDA A ALGUNOS LE GUSTA CALIENTE
FRITZ LANG FRANK CAPRA BILLY WILDER

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ESTUDIO 8
COLABORADORES
DANNY LEIGH, EDITOR CONSULTOR BECA KIERAN
Danny Leigh es un periodista que escribe habitualmente sobre películas Kieran Grant es un escritor y editor que vive en Londres.
para el Financial Times y The Guardian. Ha escrito sobre cine y televisión para Radio Times, el sitio web FILMCLUB y
Desde 2010, ha sido coanfitrión del programa de cine de larga varias publicaciones autorizadas, y una vez siguió los pasos de Lawrence de
duración de BBC Television, además de escribir y presentar documentales Arabia de Peter O'Toole para la revista Esquire. Ha estado enamorado
para BBC TV y radio. También ha trabajado del cine británico desde que vio por primera vez Black.
en educación y programación cinematográfica. Danny ha escrito dos
novelas, The Greatest Gift y The Monsters of Gramercy Park. Narcissus en la gran pantalla de la universidad y está orgulloso de
haber contribuido con su pequeña contribución escribiendo y
codirigiendo The Lights (2015), un cortometraje producido en
asociación con el BFI y Film London.
LUIS BAXTER
Louis Baxter comenzó a ver y escribir sobre películas cuando era niño, revisando DAMON SABIO
la colección de VHS de sus padres y quedándose despierto hasta las 3 am
para ver películas de terror. Comenzó su propio blog de cine y contribuyó a Escritor de cine desde 1987, Damon Wise es editor colaborador de la revista
muchos otros antes de estudiar cine en la Universidad de Westminster, Londres. Empire y asesor de la sección Thrill del BFI London Film Festival. Como
Desde entonces, ha desarrollado guiones para una compañía cinematográfica periodista, sus artículos, entrevistas y reseñas se han publicado en muchas
y ha trabajado como escritor y crítico independiente, especializándose en películas revistas y periódicos destacados del Reino Unido. Además de cubrir visitas al
de terror. set y viajes, asiste habitualmente a importantes festivales de cine internacionales.
En 1998 publicó su primer libro, Come by Sunday, una biografía de la estrella
JUAN FARNDON de cine británica Diana Dors.
John Farndon es miembro literario real de la Universidad Anglia Ruskin de

Cambridge y autor, dramaturgo, compositor y poeta. Enseñó historia
del teatro en el Actors Studio, estudió dramaturgia en la Central School of
Speech and Drama y ahora es asesor de nuevas obras para los
OffWestEnd Theatre Awards de Londres. También ha escrito
muchos bestsellers internacionales como ¿ Crees que eres inteligente? y tradujo

al verso inglés las obras de Lope de Vega y la poesía de Alexander Pushkin.
CONTENIDO
10 INTRODUCCIÓN 35 ¿Dios te ha prometido 52 Hacia un nuevo mundo de
cosas? ¡Dioses y monstruos!
La Pasión de Juana de Arco La novia de frankenstein
VISIONARIOS
19021931 36 Enamorarse de nuevo, nunca 53 Espejo mágico en la pared, ¿quién
quise hacerlo es la más bella de todas?
El ángel azul Blanca Nieves y los Siete
20 Labor omnia vincit Enanos
Un viaje a la luna 37 Si yo fuera tú, haría una
pequeña escena 54 Tengo la sensación de que ya
22 Fuera de la cuna gente el domingo no estamos en Kansas.
balanceándose sin cesar El mago de Oz
Intolerancia 38 Mañana cantarán los pájaros
60 Cada quien tiene sus
24 ¡ Debo convertirme en Caligari! Luces de la ciudad razones
El Gabinete del Dr. Caligari Las reglas del juego
28 ¿ Qué estamos esperando? UNA EDAD DE ORO EN 62 Mañana será otro día
Acorazado Potemkin Lo que el viento se llevó
EN BLANCO Y NEGRO
30 Este cántico del Hombre y su 64 Eres maravilloso, en un sentido
Mujer no tiene importancia 19311949 repugnante.
lugar y cada lugar Su chica viernes
Amanecer
46 ¡No quiero, pero 66 No basta con decirnos lo que
32 Los que trabajaron no sabían debo! hizo un hombre. Tienes que
nada de los sueños de los METRO
decirnos quién era Ciudadano
que planearon Kane.
Metrópoli 48 ¿Quieres casarte conmigo? Hizo
¿Te dejó dinero? 72 De todos los locales de ginebra en
34 Si dices lo que eres Responde primero la todas las ciudades del mundo, ella
pensando, te estrangularé segunda pregunta entra al mío
Steamboat Bill, Jr. Sopa de pato Casablanca
49 No se alarmen señoras y señores, 76 ¿Cómo te atreves a llamarme

esas cadenas son de acero jamón?
cromado. Ser o no ser
rey kong 78 Hace calor aquí junto a la

estufa Ossessione
50 ¡Se declara la guerra!
¡Abajo los monitores y el 79 Qué singularmente inocente
castigo! miro esta mañana
Cero de conducto laura
132 Cuando esté mejor iremos a mirar

MIEDO Y MARAVILLA los trenes otra vez.
19501959 Pater Panchali
108 Todos queremos olvidar algo, 134 Llévame a esa parada de autobús
por eso contamos historias y olvida que alguna vez me viste
Kiss Me Deadly
Rashomón
135 Ese será el día
114 Soy grande. Son las fotos las que Los buscadores
se hicieron pequeñas.
Sunset Boulevard 136 Hace mucho que camino por tu
lado El Séptimo Sello
116 Siempre he confiado en
la amabilidad de los desconocidos 140 Si hago lo que me dices, ¿me
Un tranvía llamado deseo amarás?
80 Una patada en el trasero, si bien dada, Vértigo
es risa segura 118 Es un mundo difícil para
hijos del paraíso Pequeñas cosas 146 ¿Qué hiciste durante el
La noche del cazador levantamiento?
84 Los niños creen lo que les decimos Cenizas y diamantes
122 ¿ Qué es lo primero que aprende un
La bella y la bestia actor? "¡El show debe continuar!" 148 Bueno, nadie es perfecto
A algunos les gusta caliente
86 Este es el universo. Cantando en la lluvia
Grande, ¿no? 150 Tus padres dicen que siempre estás
Una cuestión de vida y muerte 126 Vámonos a casa mintiendo
Historia de Tokio Los 400 golpes
88 George, recuerda que ningún
hombre es un fracaso si 128 Cuando era niño, solía
tiene amigos. ver a los hombres irse a este tipo de
REBELDE REBELDE
Es una vida maravillosa trabajos y no volver
19601974
94 Me ocupo de mis asuntos, no molesto El salario del miedo
a nadie, ¿y qué obtengo? Problemas
con el ladrón de bicicletas 129 Pero si no usamos su dispositivo 160 Eres la primera mujer
contra Godzilla, ¿qué vamos a el primer día de la creación
hacer? La Dolce Vita
98 Es muy difícil hacer un buen trabajo Godzilla
matando a personas con las que no 166 No uses los frenos. Carros
se tiene una relación amistosa. 130 Sólo espera hasta que veas Estamos hechos para ir, no para parar.
Tu madre. Ella nunca se vio tan Sobre el soufflé
Corazones amables y coronas radiante
Todo lo que el cielo permite 168 Eso es lo que todos estos
100 El mundo no hace héroes fuera de Las leyes locas son para ser
tus historias 131 No creo que quiera aprender de esa violadas por tipos como nosotros.
manera Sábado por la noche y
El tercer hombre Rebelde sin causa Domingo por la mañana
170 Nunca me he quedado tanto 196 Si ven a un individuo libre, los asustará.
tiempo en ningún lado ÁNGELES Y
El año pasado en Marienbad Jinete facil
MONSTRUOS
172 Esta es la historia de un hombre 198 ¿Te gusta la carne? 19751991
marcado por una imagen de El Boucher
su infancia
La jetée 200 Algún día, y tal vez ese día nunca 228 Vas a necesitar una más grande
llegue, te llamaré para que me mandíbulas de barco
173 Chico, te amo. Hueles a gasolina Los hagas un servicio.

paraguas de 232 Hay algunas preguntas que tienen
Cherburgo El Padrino respuestas y otras no.
174 Hay oro en el mar más allá 206 Ese hombre es una cabeza más alto. Picnic en Roca Colgante
que yo. eso puede cambiar
Dios negro, diablo blanco Aguirre, la ira de Dios 234 Algún día vendrá una
verdadera lluvia
176 Señores, no pueden 208 Los invitados están aquí, señor. Conductor de taxi
pelear aquí. ¡Este es el cuarto de El discreto encanto de la

guerra! burguesía 240 Te amo, ¿sabes?
Dr. amor extraño Te amo. Te orzo.
210 ¿Realmente la viste? Dos 'F's
180 Parece que no puedo parar No mires ahora Annie Hall
cantando donde quiera que esté
El sonido de la musica 214 Puedes hablar con él 242 La Fuerza es fuerte con este.
cuando quieras.
182 Es difícil empezar Sólo cierra los ojos y llámalo Guerra de las Galaxias
una revolución El Espíritu de la

La batalla de Argel Colmena. 243 Aún no entiendes con qué estás
lidiando, ¿verdad?
188 ¿Quién quiere ser un 216 ¿Saben lo que les pasa a los
ángel? chicas chelsea entrometidos? Extraterrestre
barrio chino
189 ¡Veamos las vistas! 244 Está tan tranquilo aquí afuera. Es
Tiempo de juego 222 Y nos compraremos un pedacito de el lugar más tranquilo del mundo
cielo Stalker.
190 Esta es la señorita Bonnie Ali: El miedo devora el alma
Parker. Soy Clyde Barrow.
Robamos bancos 248 Hay que tener buenos hombres.
Bonnie y Clyde Buenos hombres, todos
ellos Das Boot
192 Lo siento, Dave. Me temo
que no puedo hacer eso 250 He visto cosas que tu
2001: Odisea en el espacio la gente no lo creería
Cazarecompensas
194 Nos vamos a quedar
juntos, como solía ser 256 No puedo entender si eres un detective
o un pervertido
Grupo salvaje Terciopelo azul
258 ¿ Por qué soy yo y por qué 282 No estoy seguro de estar cien
tú no? por ciento de acuerdo con usted
Alas del deseo en su trabajo policial allí,
Luis Fargo
262 Pensé que esto sólo
pasaba en las películas. 284 Todos hemos perdido a nuestros hijos
Mujeres al borde de una El dulce más allá 312 No me conoces, pero yo
Ataque de nervios
te conozco
285 Extraño a mi padre La vida de otros
263 Ser feliz no es tan Estacion Central
bueno 314 Verás esa vida
Sexo, mentiras y cintas de vídeo 286 Por el hombre no es como los cuentos de hadas
quien mató a mi hermana El laberinto del fauno
festejar
264 La temperatura de hoy
aumentará más de 100 318 Este es nuestro destino
grados 288 El miedo de todos toma Millonario de Slumdog
Hacer lo correcto en una vida propia Ringu
320 Esta caja está llena de cosas que
265 Tiene cara de Buda y corazón 290 Una espada por sí sola no casi me matan.
de escorpión. gobierna nada. Sólo cobra El casillero herido
Levanta la linterna roja vida en manos expertas Tigre
agachado, Dragón 322 Si muero, ¡qué
oculto hermosa muerte!
Hombre en el cable
MUNDO PEQUEÑO 296 ¿No recuerdas tu nombre?
1992–PRESENTE 323 Me gustaría preguntarle
Hecho desaparecer algo, padre
La cinta blanca
270 La verdad es que ustedes son 298 Me gusta buscar cosas que
los débiles. Y yo soy la nadie más pilla 324 Cada uno paga por las
tiranía de los hombres amelia cosas que hace
malvados Pulp Fiction Érase una vez en
300 ¡Qué postura tan extraordinaria! Anatolia
276 Siento que algo importante está Lagaan
sucediendo a mi alrededor. 326 Entonces, ¿qué es lo que
Y me da miedo Tres
302 Todo empezó con la forja te gusta de estar aquí arriba?
Colores: Rojo Gravedad
de los Grandes Anillos
El Señor de los Anillos: El
278 Ocúpate viviendo o ocúpate Comunidad del Anillo 327 Todos estamos
muriendo improvisando
Cadena perpetua 304 Necesitas más que agallas Niñez
para ser un buen
280 ¡ Hasta el infinito y más allá! gángster. Necesitas ideas Ciudad
Historia del juguete de Dios 328 DIRECTORIO
281 No es así como te caes 310 La risa y el mundo 344 ÍNDICE

Eso importa. Así es como se ríe contigo. Llora y lloras
aterrizas en solo, viejo
La Haine 352 AGRADECIMIENTOS
INTRODUCCIÓN
CCIÓN
12 INTRODUCCIÓN
analiza y rinde homenaje a algunas Aún no sé qué voy a contar.

Este libro describe,
de las películas que
capturar mejor la maravilla del cine.
a ellos. Estará bastante cerca de la verdad.
Las películas aquí reunidas son aquellas Philip Marlowe / El gran sueño
que los autores sienten, por la forma
imprecisa de estas cosas, que han tenido el siendo incesantemente pirateado por sus rivales.) plataforma. La vista hizo que todos
mayor impacto sísmico tanto en el cine como Su popularidad contribuyó más que cualquier los que miraban huyeran presas del pánico,
en el mundo. otra película de la época a consolidarla como convencidos de que estaban a punto de
El viaje comienza en 1902, cuando la principal forma de arte de la época. Ninguno ser atropellados por la locomotora a toda
el showman parisino Georges Méliès presentó antes había sido tan espectacular; ninguno velocidad, o al menos esa es la historia que
lo último en el tenía una historia tan intrincada. circuló después del evento. La verdad
serie de cortometrajes mudos con los que exacta se ha perdido en el tiempo, pero o
había entretenido a sus compatriotas. Fue un los Lumière habían dominado rápidamente la
recorrido por el espacio llamado Un viaje a la Trenes, pánico y exageración capacidad de la nueva forma de arte para
Luna (Le voyage dans la lune), y fue un Cuando Méliès rodaba su aventura lunar, hacer que la pantalla pareciera vida, o tenían
éxito enorme e instantáneo, no sólo en Francia el cine ya se había consolidado como un una habilidad sorprendente para el bombo
sino en todo el mundo. pasatiempo algo deshonroso, que se promocional.
disfrutaba en teatros y ferias. Quizás no importe de ninguna manera:
(Lamentablemente para Méliès, gran ambas habilidades tienen un lugar central
parte de ese éxito se debió a la película Para encontrar sus verdaderos comienzos, en la historia del cine.
es necesario dar un paso más atrás: de Pero puede que sea necesario dar un paso
nuevo a París, pero esta vez con dos artistas atrás aún más. Después de todo, antes de
en el centro de atención. La pareja, los que los hermanos Lumière enviaran a sus
hermanos Auguste y Louis Lumière, tuvo su Mientras el público saltaba aterrorizado,
momento en 1896. muchos otros habían sido pioneros en el cine.
Fue entonces cuando, después de realizar Deberíamos hacer un guiño al inventor
No importa hacia dónde vaya proyecciones a gran escala de sus películas el estadounidense Thomas Edison, que había
el cine, no podemos permitirnos año anterior, mostraron por primera vez al proyectado películas de gatos boxeando y
perder de vista sus inicios. público francés L'arrivée d'un train en gare hombres estornudando a clientes
Martin Scorsese de La Ciotat, también conocida como La individuales un par de años antes de los
llegada de un tren. Fue Lumière, y al fotógrafo inglés Eadweard
Sólo 50 segundos de metraje en el Muybridge, cuyos estudios sobre humanos en la
que, como sugiere el título, un tren de década de 1880
vapor entra en la estación de La Ciotat, y los animales en movimiento fueron un prefacio
filmados desde el lado contiguo vital para la película.
INTRODUCCIÓN 13
Contando historias de imágenes en movimiento. A partir de ahí, la

De hecho, podría decirse que la historia de la historia se traslada a las décadas de 1930 y
película se remonta a tiempos prehistóricos, a 1940, los años dorados en los que había
los ancestros humanos encorvados cines en todas las calles principales y las
alrededor de un fuego mientras uno de películas eran amadas por las masas; la era
ellos usaba la luz para proyectar de estrellas de cine como Humphrey Bogart, Cada película tiene una especie
sombras en la pared e ilustrar historias de Katharine Hepburn y James Stewart. En de ritmo que sólo el director
bestias temibles o heroísmo improbable. la década de 1950, cineastas de Europa, puede darle.
Cuando el público se acomoda en sus asientos India y Japón crearon una serie de obras Fritz Lang
para ver un éxito de taquilla tremendamente maestras que aún hoy reciben elogios; Esta
caro y lleno de efectos en una imponente fue la época de HenriGeorges Clouzot,
pantalla IMAX, vuelve a estar alrededor del Akira Kurosawa, Yasujirô Ozu, Nicholas
fuego. El cine en el siglo XXI sigue siendo Ray y Satyajit Ray.
una narración de historias con palabras e
imágenes, dándoles vida creíble a esas
imágenes. Una nueva generación se afianzó en las y periodista de cine, el consultor de este
Este libro es un intento de construir décadas de 1960 y 1970 y rompió los libro ha pasado gran parte de su vida
una narración de la historia del cine a partir moldes establecidos. Y luego adulta en cines buscando películas que
de las propias películas, haciendo un La historia del cine llega al presente, donde puedan darle esa sensación de
recorrido por un centenar de películas de las películas se hacen con tecnología que inmersión maravillosa a la que estaba
Méliès a lo largo del próximo siglo y más allá. incluso habría sido materia de ciencia enganchado cuando era niño: “Me siento
Cada entrada analiza de dónde vino una ficción. mientras las luces se atenúan y soy el siete
película, mapea su inspiración y cómo se hizo, Hace 10 años, mundos enteros surgieron con un niño de un año que soltó una carcajada
documenta a los hombres y mujeres cuyo solo presionar un botón. Harpo Marx en una pantalla montada en la
talento la moldeó y detalla las ondas de fiesta de cumpleaños de un amigo; o que se
influencia que generó. Inmersión dichosa escapó de una Navidad familiar a las 10 para
La belleza de las películas es que cada encender el viejo televisor del piso de arriba
Es una historia que atraviesa el tiempo. individuo tiene una forma diferente de y descubrió que el ciudadano Kane estaba
En la era del silencio, los primeros hombres verlas y una ruta diferente para amarlas. jugando; o cuya mente quedó
y mujeres exploraron las posibilidades como escritor completamente asombrada a los 14
años por las películas oscuras y
desconcertantes de David Lynch. Esos
Vivo ahora en un mundo de momentos siguen vivos cada vez que veo una película”.
fantasmas, prisionero de mis sueños. Un par de décadas después de A

Viaje a la Luna, con una desafortunada
Bloque Antonio / El séptimo sello Méliès pronto se encontrará vendiendo
14 INTRODUCCIÓN
atraer al espectador a la pantalla como lo hace ¿Godzilla pero el trauma nuclear de Japón hizo
ahora una película, pero a medida que carne escamosa? No es necesario ser un
El tren de Lumières proyecta, las amante del cine para citar una frase de Some
películas podrían cautivar al público Like It Hot (“¡Nadie es perfecto!”), pero ¡qué
ellos como reales desde el principio. diferente habría sido una película si
No podemos evitar identificarnos con Observar cómo han evolucionado
el protagonista. Está codificado en las películas como forma de arte es uno de los ¿No se vio obligado el director austríaco Billy
nuestro ADN cinematográfico. grandes placeres de ser un amante del cine. Wilder, como tantos otros cineastas europeos,
Roger Ebert A veces los avances pueden ser obvios: a huir a Estados Unidos cuando los nazis
los trascendentales bandazos del silencio al tomaron el poder?
sonido, y del blanco y negro al La Revolución Rusa, la Guerra Fría, la era
hippie, el feminismo, la era de las
color. En otros lugares, las revoluciones computadoras: cada momento importante
fueron más sutiles, a medida que los de la historia mundial está en algún lugar
oficios cinematográficos (cinematografía, de la pantalla.
baratijas en la estación de tren de edición) cobraron vida propia. Todo ello en un medio que empezó en el
Montparnasse, el joven médium El contexto histórico más amplio en recinto ferial, a un paso del circo, y que ha
recibió un apodo que aún hoy le queda ¿Qué películas se hicieron también? pasado gran parte de su existencia como
bien: el “Séptimo Arte”, después de la debe tenerse en cuenta: cuando se habla de excusa para que las parejas jóvenes se
arquitectura, la pintura, la música, la escultura, películas, nunca se habla simplemente sentaran juntas a oscuras.
la danza y la poesía. hablando de películas. Una vez que te Que lo que estaba sucediendo en la pantalla
Su autor fue Ricciotto Canudo, un erudito italiano. sumerges en la historia de las películas, no ascendiera a un entretenimiento tan glorioso
Para Canudo, el poder de las películas puedes evitar lidiar con la historia en general. era bastante improbable.
era que reunían cada una de las grandes Mire el último siglo de películas y verá la Que se haya convertido en arte es quizás aún
formas de arte del pasado en una sola: ver vida real corriendo a través de él como más extraordinario.
películas era experimentar las seis formas los anillos de un árbol. Como cine puro, es
de arte más antiguas a la vez. difícil exagerar el impacto de Godzilla, el Una experiencia comunitaria
monstruo cinematográfico que aterrorizó la En muchos sentidos, son sus
bahía de Tokio en 1954, y lo que fue contradicciones las que hacen que las
Las películas evolucionan películas sean lo que son. De que otra forma
Muchos años después, la pura emoción
sensorial de las películas todavía es suficiente
para abrumar al público, en el mejor sentido de Si buscamos un tiburón, no lo
la palabra.
Es difícil imaginar el crujido y crujido de los
encontraremos en tierra.
primeros años del cine. Hooper / Mandíbulas
INTRODUCCIÓN 15
Arte, eso es especial. ¿Qué puedes Por supuesto, habrá tanto omisiones
como inclusiones que
¿Hacer algo que nadie más pueda? desconcierta a cada lector. Parte de la
belleza del cine es que nunca hay dos
Sr. Turlington / Niñez opiniones iguales sobre las películas. Si esto
fuera sólo una lista de los favoritos del
para explicar el efecto que tienen en sus algo parecido a un sueño o un acto de consultor y los autores, se desviaría en
audiencias? Cuando un espectador cae hipnosis, hasta que vuelves a salir a la luz, algunos lugares de la lista que sigue.
en el caso de una película, puede parecer tal vez entendiendo algo nuevo sobre ti
que ha sido hecha para ellos y sólo para ellos, mismo, tal vez simplemente dolorido por Se podría pensar que el trabajo de selección
como una mano que se extiende desde reírte tanto. sería más fácil si el criterio fuera la
la pantalla. Y, sin embargo, si alguna vez “grandeza”, pero en realidad eso es igualmente
has visto una gran comedia en medio de un subjetivo. Más bien, este libro elige sus películas
cine abarrotado, o te has estremecido ante Un mundo de elección como un atlas de
una película de terror junto a otras Algunas de las películas de este libro influencia, una colección de puntos de referencia,
doscientas personas que hacen exactamente fueron adoradas por los críticos; otros eran y la esperanza es que, si falta la película
lo mismo, sabrás que las películas están puros complacientes del público. Muchos no más querida de un lector, habrá otras que la
hechas para verse en un fueron ninguno de los dos, fracasos compensen. Y también que habrá
multitud, que el cine creció como una que las generaciones posteriores
experiencia para compartir con otros. consideraron obras maestras. El género no al menos una película que los lectores
A lo largo de los años, las películas entra en juego. Los thrillers se codean con los elige mirar por primera vez. ■
se han visto de muchas formas diferentes. westerns, los romances con el neorrealismo, y
Al principio eran novedades, dosis baratas de todos tienen que dejar espacio para algún
sensación. Luego fueron momentos musical ocasional.
increíblemente glamorosos de escapismo El idioma y la nacionalidad tampoco
cuyas estrellas brillaban en prístino blanco y son una preocupación. Hollywood está bien
negro. Evolucionaron hasta convertirse representado; aunque muchos lo ven como
en relatos profundos de la condición humana, una mala palabra, el verdadero amante del Cuando los limpias,
realizados por grandes autores. Hoy en día, cine sabe cuántas cosas buenas ha producido cuando haces películas
suelen ser gafas muy caras diseñadas Tinseltown a lo largo de los años. Pero respetables, los matas.
para generar aún más dinero para siempre ha habido un gran mundo más allá de Paulina Kael
estudios y corporaciones. Te hacen Beverly Hills, y ningún libro que valga la pena
sentir que te has deslizado detrás de los sobre películas podría ignorarlo. La cinta
ojos de las personas en la pantalla, todo blanca (2009) merece su lugar tanto
como Tiburón (1975).
VISIONA
19021931
RIES
18 INTRODUCCIÓN
Se estrena la
El gabinete del Dr. adaptación no
Los hermanos franceses En casa de Charlie Chaplin Caligari, un inquietante clásico autorizada de FW Murnau
Lumière ruedan el segunda película, Kid Auto expresionista alemán , refleja las de Drácula de Bram Stoker ,
cortometraje de 46 Races en Venecia, el experiencias de sus titulada Nosferatu .
segundos La Sortie des personaje del Vagabundo autores en la Primera Está casi destruido tras un
usines Lumière à Lyon. aparece por primera vez. Guerra Mundial. juicio.
1894 1914 1920 1922
1902 1916 1920 1922
Un viaje a la luna de Georges La épica Intolerancia , de tres horas y Buster Keaton El Peaje del Mar
Méliès establece un media de duración, de DW Griffith , protagoniza su es el primero
nuevo punto de referencia en es una de las primeras primera comedia de larga película en tecnicolor
cuanto a valores de producción películas de gran éxito de Hollywood . duración, The Saphead. para ser publicado
y efectos especiales elevados. en versión general.
Había comenzado a entretener al público El cine como arte.

de la cultura actual que francés con películas, buscó formas de Aunque los pioneros se concentraron en
Las películas Es
sondifícil
una gran parteun momento
imaginar hacerlas más espléndidas y espectaculares. Francia y Estados Unidos, fue en Alemania
en el que no estuvieran allí en absoluto. También en Estados Unidos había donde el cine se convirtió en arte por
También es difícil apreciar el asombro visionarios trabajando. Allí, el cine primera vez. A raíz de
que sintió el público de la década de prosperó gracias a figuras como La Primera Guerra Mundial, un país
1890 al ver imágenes en movimiento Edwin S. Porter, un ex electricista que sumido en el caos político y económico, dio
por primera vez, mientras figuras terminó su largometraje de 1903 El origen a una serie de obras maestras
fantasmales cobraban vida ante sus gran robo del tren. cuya influencia aún resuena hoy.
ojos. Sin embargo, desde el punto de vista con un pistolero volviéndose hacia la cámara La era del cine mudo estuvo llena de algunas
del siglo XXI, la verdadera sorpresa es hasta qué ypunto esos disparar contra la
pareciendo de las películas más gloriosas y
Las “películas” cambiaron en las siguientes tres audiencia. prístinas que el cine jamás haya conocido:
décadas y evolucionaron rápidamente hasta Otros cineastas tuvieron mayores las obras de Robert Wiene, FW Murnau y
convertirse en largometrajes maravillosamente vívidos. planes. Unos años más tarde, un Fritz Lang. Pero incluso entonces, no eran
dramaturgo novato se acercó a Porter sólo los directores los que merecían el
y esperaba venderle un guión. Porter crédito: por ejemplo, el gigante Karl
Magia en pantalla
Para los primeros cineastas, no había rechazó el guión, pero contrató al joven Freund, un hombre enorme con un
maestros de quienes aprender. Algunos como actor, y ese mismo conocimiento igualmente vasto de las
tenían experiencia en teatro, otros en cámaras, que se convertiría en un maestro
fotografía. De cualquier manera, estaban El joven, el talentoso y aún controvertido director de fotografía, atándose la cámara a
abriendo nuevos caminos, y ninguno DW Griffith, más tarde se convirtió en su cuerpo y colocándola en bicicletas.
más que Georges Méliès. Tan pronto director, contribuyendo a engendrar el éxito revolucionar el aspecto de una película.
como este mago en algún momento de taquilla moderno.
VISIONARIOS 19
El primer thriller de Alfred El ángel azul de Josef von

El ladrón de Bagdad está Hitchcock, The Lodger: The Jazz Singer es la Sternberg se publica
protagonizado por Douglas A Story of the London Fog, primera película con en versiones alemana e
Fairbanks y un elenco de sobre la caza de Jack diálogos sonoros inglesa y convierte a
miles de personas en una el Destripador, es un éxito sincronizados. Mezcla Marlene Dietrich en una
aventura de fantasía temprana y comercial en el Reino Unido. tarjetas de título con estrella mundial.
profusamente producida. secuencias de sonido cortas.
1924 1927 1927 1930
1925 1927 1929 1931
La obra maestra técnica Metrópolis, de Fritz Lang , es La primera ceremonia de Charlie Chaplin desafía
de Sergei Eisenstein El una de las primeras los Premios de la Academia la revolución del cine
acorazado Potemkin se películas de ciencia ficción se lleva a cabo en el Hotel sonoro con su exitoso
lanza para conmemorar el de larga duración , ambientada Hollywood Roosevelt clásico mudo City Lights.
vigésimo aniversario de la en un futuro distópico de Los Ángeles.
Revolución Rusa de 1905. tecnológicamente avanzado.
Los pintores también se sintieron atraídos por su oficio en el vodevil americano

pantalla, y en 1929, el famoso y el music hall británico y ahora hicieron
El surrealista Salvador Dalí trabajó su magia ante la cámara.
con un joven fanático del cine llamado Luis Maestros del mimo, la payasada y el
Buñuel en la eternamente extraña Un patetismo, podían hacer reír al público con solo
Chien Andalou; Luego, Dalí se alejó del mirarlos. También fueron cineastas meticulosos.
cine, pero Buñuel continuó haciendo
Charlie Chaplin y yo tendríamos
películas iconoclastas hasta la década
un concurso amistoso: con gusto por la innovación.
de 1970.
¿Quién podría hacer el
Si una persona definió las primeras
También hubo revolucionarios de tipo largometraje con menos subtítulos?películas, fue el fenomenalmente famoso e
político. En la Unión Soviética, el cine fue
Buster Keaton infinitamente ambicioso Chaplin. Al final de
adoptado como la forma de arte del pueblo. esta era llegó el sonido: era 1927 cuando
Las películas se volvieron clave en la batalla Al
global por los corazones y las mentes. Jolson declaró en The Jazz Singer: "¡Aún no
has oído nada!". Pero el amor de Chaplin por
el cine mudo era tal que siguió haciéndolo, y
Hollywood comienza en 1931, con Luces de la ciudad, hizo uno de
De vuelta en Estados Unidos, los buscavidas Las estrellas más importantes eran los payasos los más grandes. Para entonces, ya había
cinematográficos se convirtieron en el primer estudio y, de todas las maravillas de la época del cine ayudado a las películas a reclamar el lugar
jefes de Hollywood. Construyeron sus mudo, son las comedias las que hoy en día que les correspondía, donde todavía están
negocios sobre estrellas como deleitan de forma más fiable. En Buster Keaton hoy: en el centro de la vida de las personas.
como Rudolph Valentino, Douglas y Charlie Chaplin, Hollywood encontró dos ■
Fairbanks y Greta Garbo. verdaderos genios que habían perfeccionado
20
OMNIA LABORAL
VINCITO
UN VIAJE A LA LUNA / 1902
Son llevados ante el rey de los

EN CONTEXTO película de 12 minutos de duración selenitas, pero logran escapar.
Como sugiere su título,
Un viaje a la el
luna Regresan a la Tierra, donde se lleva a
GÉNERO
(Le Voyage dans la Lune) es un cabo un desfile en su honor y se
Ciencia ficción, fantasía. relato fantástico de una expedición exhibe un extraterrestre.
DIRECTOR lunar. Un grupo de científicos se
Georges Méliès reúne, se construye un arma enorme y trucos de magia
los astronautas son lanzados a la superficie. Algunos pioneros del cine,
ESCRITORES como los hermanos Lumière
luna, donde caen en manos de los
Georges Méliès, de novelas de selenitas que habitan en la luna. franceses, vieron el nuevo medio
Julio Verne y HG Wells (todas sin como un avance científico, un
acreditar) medio para documentar la realidad.
Las coristas se alinean para
disparar el Monster Gun que El francés Georges Méliès, director
ESTRELLAS
lanzará una nave espacial a la luna. de Un viaje a la luna, sin
Georges Méliès,
El estilo teatral exagerado de Méliès embargo, reconoció en ella una
Bleuette Bernon, François hace que la acción sea más absurda que heroica.nueva forma de realizar trucos de magia.
Lallement, Henri Delannoy
ANTES
1896 El cortometraje de Méliès Le
Manoir du Diable (El castillo del
diablo) suele considerarse la primera
película de terror.
1899 Cenicienta es la primera

película de Méliès que utiliza múltiples
escenas para contar una historia.
DESPUÉS
1904 Méliès adapta otra historia de
Julio Verne con Whirling the Worlds,
una fantasía sobre un grupo de
científicos que hacen volar un
tren de vapor hacia el sol.
VISIONARIOS 21
Qué más ver: El hombre de la cabeza de goma (1901) ■ Un viaje a Marte (1910) ■ Metrópolis (1927, págs. 32–33) ■ El hombre
invisible (1933) ■ Los primeros hombres en la luna (1964) ■ Hugo (2011)
Los cortometrajes de Méliès eran simplemente

entretenimiento, creados para los Georges Méliès Director
buscadores de sensaciones que deambulaban
Los primeros innovaciones. Méliès escribió,
los bulevares de findesiècle
cortometrajes de Méliès dirigió y protagonizó más de 500
París. Llena de coristas, fantasmas y experimentó con películas, siendo pionero en
demonios mefistofélicos, las películas el teatro los géneros de ciencia ficción, terror y
comenzaron como grabaciones de simples suspenso.
actos mágicos y evolucionaron hasta técnicas y efectos especiales que
convertirse en historias fantasiosas dominaba como mago de Películas clave
realizadas a través de innovadores y escenario. Utilizó la cámara para
audaces trucos de cámara. hacer desaparecer, reaparecer 1896 El castillo del diablo
los incipientes efectos especiales del cine. o transformar personas y 1902 Un viaje a la luna
En 1902, Méliès estaba listo para realizar su objetos, e ideó innumerables 1904 Girando los mundos
técnicas. 1912 La conquista del polo
mayor ilusión: llevar a su público a la luna y
regresar.
arriba y abajo como niños rebeldes, y cuando un anciano pomposo, que se parece a una
Ciencia ficción y sátira aterrizan en la superficie lunar, su cohete de las caricaturas políticas de Méliès.
Un viaje a la Luna fue la primera película apuñala al Hombre de la Luna en su ojo. Su inscripción reza “Labor omnia vincit” (El
inspirada en los populares “romances científicos” Provocan caos en el reino de los selenitas, a trabajo lo vence todo), que, a la luz del caos
de Julio Verne. quienes tratan como salvajes estúpidos, y sólo que la precede, adquiere un tono
y HG Wells, y es ampliamente reconocida regresan a casa por accidente. En la decididamente irónico. ■
como la primera película de ciencia ficción escena final aparece una estatua de
del mundo. Pero si bien es cierto que Méliès Barbenfouillis: una
evocó la iconografía básica del cine de
ciencia ficción (el elegante cohete, la
luna a toda velocidad hacia la cámara y los caricatura de
hombrecitos verdes), el director no se propuso
inventar un género. Su objetivo era
presentar una sátira traviesa de los valores
victorianos, una comedia bulliciosa que satiriza
a los imprudentes revolucionarios
industriales.
de Europa Occidental.
En manos de Méliès,
los hombres de ciencia son
tontos destructivos.
Dirigido por el profesor
Barbenfouillis (interpretado
por el propio Méliès), se
pelean y saltan
Cuando llegan a la luna, los científicos

descubren una tierra extraña.
Su actitud arrogante hacia la gente de
la luna ha llevado a que la película
sea vista como una sátira antiimperialista.
22
FUERA DE LA CUNA
OSCILACIÓN SIN FIN
INTOLERANCIA / 1916
los utilizados en Intolerancia. Fue un

EN CONTEXTO películas jamás éxito, pero muchos lo condenaron por su
Uno de los realizadas,
más influyentes
Intolerancia es racismo abierto, glorificando la esclavitud y el
GÉNERO
verdaderamente épica en su alcance, Ku Klux Klan.
Epopeya historica con decorados elaborados e innumerables Su éxito comercial, sin
DIRECTOR extras. No fue la primera película que utilizó embargo, financió el elenco de miles
DW Griffith técnicas como el seguimiento de la cámara de personas necesarias para hacer
y los primeros planos, pero el director Intolerancia, que perdió tanto en
ESCRITORES DW Griffith las utilizó con tal maestría taquilla como The Clansman
DW Griffith, Anita Loos que muchos lo consideran el padre había hecho. Algunos críticos describen
del cine moderno. Intolerancia como disculpa por la película
ESTRELLAS
La película nació en anterior, pero no hay nada de disculpa en
Vera Lewis, Ralph Lewis,
controversia. La película anterior de su ambición y escala.
Constanza Talmadge, Griffith en 1915, The Clansman, pasó
Lillian Gish, Mae Marsh, a llamarse El nacimiento de una nación Drama de cuatro partes
Robert Harron
y fue el primer largometraje realizado en Cuatro historias de intolerancia, que abarcan
Estados Unidos. Sus técnicas innovadoras tres milenios, se entrelazan a lo largo de la
ANTES
presagiaron película, cada una con un significado diferente.
1914 El director italiano Giovanni
Pastrone realiza Cabiria, uno de
los primeros largometrajes épicos. Director : DW Griffith
1915 El nacimiento de una nación, Nacido en una granja El nacimiento de una nación, cuyo
de Griffith , es el primer largometraje de Kentucky en racismo provocó protestas y disturbios.
estadounidense, pero genera 1875, David Griffith hizo unas 500 películas.
controversia por su contenido racista. Llewelyn Wark Griffith en total, pero su carrera entró en una espiral
tenía 10 años cuando descendente después de Intolerancia.
DESPUÉS murió su padre, dejando a la familia en la Murió en 1948.
1931 La última película de Griffith, The pobreza. Después de varios años de trabajo
Struggle (su segundo largometraje teatral, consiguió un trabajo como actor Películas clave
sonoro), es un fracaso de taquilla. para una compañía cinematográfica en 1908
y pronto comenzó a hacer sus propias 1909 Un rincón de trigo
Es una historia semiautobiográfica
películas, algunas de las primeras realizadas 1915 El nacimiento de una nación
de una batalla contra el alcoholismo.
en Hollywood. Creó su propia empresa para 1916 Intolerancia
fabricar 1919 Flores rotas
VISIONARIOS 23
Qué más ver: Cleopatra (1917) ■ Flores rotas (1919) ■ Amanecer (1927, págs. 30–31) ■ Metrópolis (1927, págs. 32–33) ■ Tiempos modernos (1936) ■
Lo que el viento se llevó (1939) , págs. 62–63) ■ BenHur (1959)
Se recreó el patio central de Babilonia con

un decorado de tamaño natural.
Se emplearon más de 3.000 extras para el
fastuoso banquete de Belsasar.
Para algunos críticos, el efecto es casi

sinfónico, mientras que otros lo
encuentran aburrido. Pero no hay duda de que
Esta transversalidad y el uso de la edición
resultaron enormemente influyentes.
Otras innovaciones técnicas que
ahora damos por sentado incluyen las
disoluciones entre escenas y el
desvanecimiento. Quizás lo más
significativo de todo fue el primer plano.
Los planos completos de películas
anteriores requerían un estilo de actuación
de pantomima exagerada para
transmitir la historia. Pero como dijo
tinte de película. Están unidos por la Las cuatro historias están intercaladas con Griffith: "El primer plano nos permitió
imagen siempre presente de una madre, rapidez creciente a medida que la película alcanzar una actuación real, una moderación,
interpretada por Lillian Gish, meciendo una se acerca a su clímax. Los carros de una actuación que es un duplicado de la vida real". ■
cuna para simbolizar el paso de las carreras en un piso se cortan con
generaciones. Con el título “Fuera de la trenes y vagones a toda velocidad en otro; Jesús arrastra
cuna balanceándose sin cesar”, sugiere Este efecto se logró casi en su totalidad su cruz entre
multitudes que se
que nada cambia. en la edición, ya que Griffith fotografió las
burlan en la
La primera de las cuatro historias. secciones cronológicamente.
historia bíblica de la película.
se centra en el conflicto en el otoño
de la antigua Babilonia, impulsada por los
intolerantes devotos de dos religiones en
guerra. El segundo cuenta cómo, después de
las bodas de Caná, Cristo es llevado a la
muerte por la intolerancia. El tercer cuento
describe las masacres del día de San
Bartolomé en Francia en 1572, cuando los
católicos masacraron a los
Hugonotes protestantes. La historia final
es la de dos jóvenes amantes que se ven
atrapados en un conflicto entre
capitalistas despiadados y trabajadores
moralistas en huelga. Griffith
está claramente del lado de los
amantes, quienes son
perseguidos por el tipo de
reformadores sociales que
claramente equipara con aquellos
que protestaron contra The
Clansman.
¡DEBO
CONVERTIRM
EL GABINETE DEL DR. CALIGARI / 1920
26 EL GABINETE DEL DR. CALIGARI
EN CONTEXTO
GÉNERO
Horror
DIRECTOR
Robert Wiene
ESCRITORES
Hans Janowitz, Carl Mayer
ESTRELLAS
Werner Krauss, Conrado

Veidt, Friedrich Feher,
Hans Heinrich von
Twardowski, Lil Dagover
ANTES
1913 Las armas de la juventud es la
primera película de Wiene, ahora perdida.
DESPUÉS Gabinete del Dr. Caligari El sonámbulo Cesare, que, según se

1924 Las manos de Orlac, una ha sido descrito como el le dice al espectador, ha estado
El primer largometraje de en trance durante 23 años, es despertado
película expresionista de Wiene, se
por Caligari y alimentado sentado en su ataúd.
rehace dos veces e inspira terror, y es fácil ver su legado en el cine
muchas películas de terror. moderno, pero no por razones obvias.
Su ingeniosa escenografía, todavía con Caligari como un villano sencillo
1925 Wiene dirige una película
vanguardista en el uso de entornos que hace que un inocente
muda sobre la ópera Der
teatrales palpablemente irreales, es camine sonámbulo y cometa un asesinato.
Rosenkavalier de Richard Strauss. la más sorprendente de sus Sin embargo, a medida que la película
Strauss dirige una orquesta características. Sin embargo, hay se acercaba a la producción, la historia
en vivo para el estreno, pero una gira otros elementos, más sutiles, de la visión deseRobert Wiene.
transformó en algo más complejo, lo
por Estados Unidos se cancela con Thriller psicológico innovador que posiblemente llevó a otra novedad en
la llegada de la película sonora. que se ha convertido en un clásico el cine: el final retorcido.
de la narración cinematográfica.
El “narrador poco confiable” había abriendo el gabinete
Durante mucho tiempo ha sido un elemento Janowitz y Mayer se inspiraron en
básico de la literatura, desde la época de los antiguos griegos. una historia del siglo XI sobre un
dramaturgo Aristófanes, pero aún no monje tramposo que ejercía una

se había utilizado en el cine. Caligari extraña influencia sobre un hombre
es pionero en el uso de este recurso en a su cargo. En su guión, el
Desde entonces el personaje de Francisco (Friedrich monje se convierte en médico,
nunca he podido Fehér). La historia que cuenta Francisco a quien Francisco y su rival
confiar en el poder autoritario comienza, de manera bastante amoroso Alan (Hans Heinrich
de un estado inocente, con un triángulo amoroso, von Twardowski) encuentran en
cuando
inhumano que se ha vuelto loco. dos amigos compiten por el afecto de la misma
el mujer.
recinto ferial de un pueblo.
Hans Janowitz pero claro, no todo es lo que parece. Dr. Caligari (Werner Krauss) primero
Los guionistas de la película, aparece como un showman de feria
Hans Janowitz y Carl Mayer, escribieron que abre su llamado gabinete, un ataúd
originalmente la historia como una con cualquier otro nombre, para
acusación contra el gobierno de revelar al fantasmal Cesare (Conrad
Alemania durante la Primera Guerra Mundial. Veidt) de párpados pesados que yace dentro.
VISIONARIOS 27
Qué más ver: Nosferatu (1922, p.330) ■ La última risa (1924) ■ Secretos de un alma (1926) ■ Metropolis (1927, pp.32–33) ■ Drácula
(1931) ■ Spellbound (1945) ■ El tercer hombre (1949, págs. 100–03) ■ La cinta blanca (2009, pág. 323)
Caligari, el “maestro” de Cesare, afirma que su primeros planos siniestros, en su mayoría

pupilo “conoce todos los secretos” e invita al del aparentemente loco Caligari, para Robert Wiene Director
público a hacer una pregunta. Alan, persuadir a su audiencia de que están
Robert Wiene nació en 1873.
visiblemente conmocionado, pregunta: viendo una historia sencilla de héroe y
"¿Cuánto tiempo viviré?", a lo que Cesare villano. Sin embargo, cuando se revela que
en Breslau. En 1913, escribió y
ningún personaje dirigió un cortometraje, Las
responde: "Hasta el amanecer".
armas de la juventud, que fue el
Y aquí vemos otro ejemplo de un dispositivo Aunque la perspectiva puede tomarse al pie
primero de 20 largometrajes y
de película de terror sacado de de la letra, de repente los ángulos y pantalones cortos que haría en el
innumerables cuentos: el tonto que tienta al fondos extraños y distorsionados del diseño
era silenciosa. Después de una prolífica
destino. El desafortunado Alan es encontrado. de producción comienzan a tener sentido.
carrera cinematográfica en Alemania,
muerto a la mañana siguiente. Son una parte integral de la historia y no Wiene huyó del régimen nazi a
simplemente un estilo inquietante; Los principios de la década de 1930 y se mudó a Francia.
estilo expresionista decorados de Walter Reimann, Walter Röhrig y Murió de cáncer durante el rodaje
La apariencia y el estilo de la película Hermann Warm parecen representar de su última película, Ultimatum
estuvieron fuertemente influenciados por un mundo entero enloquecido. (1938), que fue completada, sin
el legendario Max Reinhardt, director del acreditar, por su compañero
Deutsches Theatre de Berlín. Una de las razones por las que El emigrado Robert Siodmak.
Su estilo antirrealista, inspirado en el gabinete del Dr. Caligari ha perdurado es que,
movimiento artístico expresionista de principios anticipándose a Psicosis de Hitchcock, es la Películas clave
del siglo XX, abrazó la artificialidad del escenario primera película que cautiva al público.
dentro de la mente de un loco. Es 1913 Las armas de la juventud
teatral y manipuló la oscuridad en lugar de
1920 El gabinete del Dr.
la luz para crear franjas de claroscuro, El horror resonante proviene de nuestra
miedo a la máscara de
Caligari
estableciendo una atmósfera de misterio 1923 Raskolników
e inquietud. la cordura que incluso 1924 Las manos de Orlac
los más perturbados
los individuos pueden
Wiene emplea usar para Cesare se lleva a Jane,
cuidadosamente la engañar a esos la novia de Francis, a
alrededor de ellos. ■ través de un
iluminación para sugerir
paisaje que
que se trata simplemente de
recuerda las
un melodrama extravagante, secuelas de
noción reforzada por la Primera
el uso frecuente de Guerra
Mundial, que
había terminado apenas dos años an
28
¿QUÉ ESTAMOS
ESPERANDO?
Acorazado Potemkin / 1925
Este fue uno de los

EN CONTEXTO Acorazado Potemkin primeros carteles de
fue Eisenstein
de Serguéi comisionado películas de la
GÉNERO diseñadora
por las autoridades soviéticas holandesa Dolly Rudeman.
Drama histórico
para conmemorar el vigésimo
Representa a
DIRECTOR aniversario de la Revolución un soldado cosaco
Serguéi Eisenstein de 1905, cuando los marineros con una de sus

rusos se amotinaron contra víctimas a sus
ESCRITOR sus comandantes navales y pies. Su atrevido
Nina Agadzhanova estilo futurista

protestaron en el puerto de Odessa
es típico de los
(ahora en Ucrania). El resultado
ESTRELLAS carteles europeos
fue una película que revolucionó de los años 20.
Alejandro Antónov,
cine. Noventa años después, es
Vladimir Barski, raro que una película de acción
Grigori Alexandrov
no le debe nada.
ANTES Las escenas iniciales son carne, sólo para que le dijeran que
1925 El primer largometraje de históricamente precisas. Los cocineros era apta para el consumo. El
Eisenstein, Strike, cuenta la no estuvieron de acuerdo con los gusanos. portavoz de la tripulación, el intendente
Grigory Vakulinchuk (Aleksandr
historia de una huelga en 1903 en
Antonov), llamó a un boicot y fue fusilado.
una fábrica rusa y la represión de
La tripulación se volvió contra sus
los trabajadores.
oficiales superiores antes de izar una
DESPUÉS bandera roja y navegar hacia Odessa,
Octubre de 1928 (Diez días que donde había habido disturbios civiles en curso.
sacudieron al mundo) de Véalo de la misma Y el cuerpo de Vakulinchuk fue
Eisenstein utiliza un estilo manera que un grupo expuesto, con una nota: "Este es el
documental para contar la historia de artistas podría ver y cuerpo de Vakulinchuk, asesinado por
de la Revolución de Octubre de 1917. estudiar a Rubens o Rafael. el comandante por decir la verdad".
David O. Selznik Sin embargo, cuando los marineros
1938 En un clima político más
llegan a Odessa, la película de Eisenstein
restrictivo, Eisenstein se retira a la se vuelve propagandística. Si bien es
historia lejana con Alexander cierto que el zar Nicolás II tomó medidas
Nevsky. contra los ciudadanos en huelga de
Odessa, esto no sucedió en el
VISIONARIOS 29
Qué más ver: Huelga (1925) ■ Octubre (1928) ■ El hombre de la cámara de cine (1929) ■
Los intocables (1987) ■ JFK (1991)
Un carruaje baja las escaleras y pasa

sobre los cuerpos de los muertos y
moribundos. La madre del bebé recibió un
disparo: mientras caía, lo empujó hacia
adelante, iniciando su descenso precipitado.
Pasos de Odesa. Ahora conocidas como

Escaleras Potemkin, entonces eran
solo las Escaleras del Bulevar o
Escaleras Gigantes. El director se llenó
uso de los 200 escalones para mostrar
el avance de las tropas zaristas. La
celebración de la multitud con los marineros
se ve interrumpida por una tarjeta
de título que dice simplemente: "Y de
repente". Las escenas de matanza que
siguen no han perdido nada de su
poder. Nadie está a salvo del avance de
las tropas, filmado desde un ángulo
bajo y a menudo muy recortado: para
el director, sólo era necesario que
se vieran sus rifles. Los marineros
indignados responden con proyectiles sobre los experimentos de montaje pena y deseo. La creencia de Eisenstein
antes de dirigirse al mar, donde otros iniciados por el teórico del cine soviético en el montaje –aunque prefería utilizar
marineros se unen a ellos en la revuelta. Lev Kuleshov entre 1910 y 1920. Para imágenes en “colisión” entre sí– puede
Kuleshov, el significado no reside en tomas demostrarse únicamente con
Montaje y colisión individuales sino en la forma en que la estadísticas: con menos de 80 minutos, El
Como lección de historia, El mente humana contextualiza acorazado Potemkin consta de 1.346
acorazado Potemkin se tomó libertades, ellos: por ejemplo, usando la misma planos, cuando la película media de la
pero la exactitud de los hechos nunca imagen del rostro de un hombre e época solía contener alrededor de 600.
fue preocupación de Eisenstein. Para intercalándola con un plato de sopa, un
él era más importante buscar un nuevo ataúd y una mujer, Kuleshov podía Manipular las emociones El enfoque
lenguaje cinematográfico, y lo hizo dibujando evocar imágenes de hambre, de Eisenstein hacia la
narración todavía parece radical hoy
Serguéi Eisenstein Director en día. Su yuxtaposición de lo épico y lo
íntimo prácticamente descarta la posibilidad
Nacido en 1898 en En la Unión Soviética, descubrió que de relacionarse con los personajes a nivel
Letonia, Sergei la marea política se había vuelto personal y, en ese sentido, es
Eisenstein contra sus ideas “formalistas”, hacia perfectamente comunista. Incluso
comenzó a trabajar como una narración más tradicional. Murió en Vakulinchuk, el héroe y mártir de la obra,
Director de la compañía de teatro 1948, dejando sólo ocho películas es visto sólo como un símbolo de humanidad
Proletkult en Moscú en 1920. terminadas. que debe contrastarse con las tropas
Su interés por la teoría visual le zaristas sin rostro. La escena más famosa,
llevó a la “Trilogía de la Revolución” Películas clave
un bebé en un cochecito cayendo por las
de Strike, El acorazado Potemkin y
Octubre. el fue invitado escaleras, es el símbolo ideal del control
1925 Acorazado Potemkin
1928 octubre manipulador de la película sobre
a Hollywood en 1930, pero sus
nuestras emociones impotentes. ■
proyectos allí se estancaron. De nuevo en 1938 Alejandro Nevski
30
ESTA CANCIÓN DEL

HOMBRE Y SU ESPOSA
NO ES DE NINGÚN LUGAR
Y CADA LUGAR
AMANECER / 1927
compañero que ha sido seducido

EN CONTEXTO En 1927,
curso deuna película
historia del cine: Elcambió la por la mujer vampiro de la ciudad
Cantante de jazz, protagonizada por Al Jolson, (Margaret Livingston).
GÉNERO
fue el primer largometraje “sonoro”. Pero Ella lo insta a vender su granja y venir
Drama silencioso
ese año sonaba otra canción en los con ella a llevar una vida emocionante
DIRECTOR cines, y era una película muda. En en la ciudad. Sin embargo, el hombre está
FW Murnau Amanecer: una canción de dos humanos, casado con su dulce y joven esposa
del director alemán FW Murnau (Janet Gaynor).
ESCRITORES Cuando le pregunta a la mujer: “Y
Carl Mayer (guión); intentó resumir una experiencia humana ¿mi esposa?" Una mirada astuta aparece
Hermann Sudermann (cuento) universal en 90 minutos sin palabras de en los ojos de su amante. “¿No podría
hermosas imágenes monocromáticas, ahogarse?” es la escalofriante tarjeta de título.
acompañadas únicamente de música y El entorno rural, la niebla que se arrastra,
ESTRELLAS
efectos de sonido. y las sombras cambiantes y arácnidas de
George O'Brien, Janet En un pueblo junto a un lago, dos esta escena recuerdan otras de Murnau.
Gaynor, Margarita amantes clandestinos se encuentran gran obra maestra, la arquetípica película de
Livingston, BodilRosing bajo la luz de la luna. El hombre (George vampiros Nosferatu. El amanecer parece
ANTES O'Brien) es un país honesto. destinado a ofrecer un clima igualmente
1922 Nosferatu de Murnau ayuda a

FW Murnau Director
definir el género de terror en una
versión de pesadilla de Drácula.
Nacido en Alemania Hombre alfabetizado, Murnau llevó el
DESPUÉS en 1888, Friedrich Fausto de Goethe a la pantalla grande
1927 Metropolis, el clásico de ciencia Wilhelm Murnau luchó antes de mudarse a Hollywood en 1926.
por su país en el Su primera película estadounidense
ficción de Fritz Lang, también
horror de la Primera Guerra Mundial fue Amanecer: una canción de dos humanos.
presenta el espectáculo de la ciudad
antes de hacer su propio horror: Murió en un accidente automovilístico en 1931.
moderna.
Nosferatu, la primera película basada
1930 City Girl de Murnau cuenta la en Drácula. Películas clave
historia de una joven que se enamora The Last Laugh demostró que
Murnau podía mover su 1922 Nosferatu
de un granjero y es rechazada por su
audiencias tan hábilmente como 1924 La última risa
familia.
podía aterrorizarlas. Un muy 1927 Amanecer
VISIONARIOS 31
Qué más ver: El gabinete del Dr. Caligari (1920, págs. 2427) ■ Fausto (1926) ■ El inquilino (1927) ■ Alas (1927) ■ Ángel callejero (1928) ■ El hombre
de la cámara de cine (1929) ) ■ Luces de la ciudad (1931, págs. 38–41) ■ Ha nacido una estrella (1937)
Historia sensacionalista de Amanecer Fue una de

sexo, muerte, violencia y traición. las primeras películas
con efectos de
¿Pero el hombre cometerá
sonido, pero sus
un asesinato?
innovaciones pasaron desapercibidas.
Con su bob negro, su
elegante vestido de satén y Las películas de Murnau son
su cigarrillo humeante, la y extraños preciosas y Sunrise no es una excepción.
mujer del patrones Su deliciosa fotografía en blanco
La ciudad encarna la alucinógenos en las y negro y sus amplios movimientos
amoralidad de la luces brillantes. de cámara no han envejecido.
metrópoli, mientras que El peligro también Pamela Hutchinson
el hombre es un símbolo reaparecerá; el El guardián
de la inocencia rústica. pasado no se escapará
El espectador asume tan fácilmente. Y todo ello
que el amanecer elaborado con el
ser una crónica de tipo de ambición—
corrupción; en un momento la mujer La “ciudad” de Murnau estaba formada por
aparece como un demonio en el hombro del decorados vastos, complejos y enormemente
hombre, instándolo a pecar. caros, lo que ha llevado a muchos a ver una banda sonora de Movietone, que
El hombre invita a su esposa a tomar Amanecer como la culminación del cine mudo, agregó chillidos de lechones, bocinas de tráfico
un paseo en barco, pero cuando llega el un hermoso último vals. y otros efectos torpes, pero la película no los
momento de ahogarla, no puede seguir necesita para darle vida a su mundo.
adelante. último amanecer “Dondequiera que salga y se ponga el sol”, dice
El hombre duda, la mujer se escapa Sunrise suena como un montaje de los grandes la tarjeta de título final, “en la agitación de
y, cuando la alcanza, los dos se encuentran éxitos de la era del cine mudo, un carrusel la ciudad o bajo el cielo abierto en la granja,
en un tranvía con destino a la ciudad. parpadeante de melodrama, suspenso, horror, la vida es más o menos la misma; a veces
Incapaces de hablar de lo sucedido en el lago espectáculo, payasadas y tragedia. La amargo, a veces dulce”. ■
por miedo a ser escuchados, se quedan en liberación estadounidense fue dada
el tranvía.
El despertar de la ciudad
Aquí es donde nos sorprende Sunrise .
La metrópoli tiene un efecto mágico en el hombre
y su esposa mientras pasan el día
deambulando entre su vertiginosa multitud,
juntos en un conmovedor y accidental
segundo cortejo.
Sin embargo, todavía hay mucho drama

más adelante, y más vistas inolvidables:
multitudes entre las que pasa la cámara,
carnavales callejeros,
Incapaz de llevar a cabo el asesinato, el

hombre sigue a su mujer hasta un tranvía
y ambos acaban dirigiéndose a la
ciudad.
32
LOS QUE TRABAJARON SABÍAN

NADA DE LOS SUEÑOS
DE LOS QUE PLANIFICARON
METRÓPOLIS / 1927
EN CONTEXTO
GÉNERO
ciencia ficción
DIRECTOR
Fritz Lang
ESCRITORES
Fritz Lang,
Thea von Harbou
ESTRELLAS
Alfred Abel, Gustavo

Fröhlich, Rudolf Klein
La visión de Lang del paisaje urbano del
Rogge, Brigitte Helm viajaron hacia el futuro, y la futuro estuvo fuertemente influenciada
mayoría
Muchas películas tienen de ellos le deben una por los rascacielos que se estaban
ANTES construyendo en ese momento en Nueva York.
1922 Con Dr. Mabuse the deuda con la Metrópolis de Fritz Lang.
Realizada en Alemania en 1927, esta
Gambler, Lang y von Harbou introducen
al archicriminal en la pantalla grande
historia de la vida urbana se adelanta Lang solía decir que la idea de
cien años a su tiempo. Metrópolis se le ocurrió durante una
por primera vez.
visita a Nueva York en 1924, y se nota.
1924 Los Nibelungos es la Imagen reflejada La ciudad estadounidense, con sus altísimos
fantasía épica muda en dos partes Metropolis está ambientada en 2026, pero rascacielos y sus vistas de ciudadanos del
de Lang y von Harbou. en realidad es un reflejo deformado de la tamaño de hormigas, inspiró claramente
época en la que se creó. En sus impactantes el primer paisaje urbano de ciencia
DESPUÉS
imágenes en blanco y negro, influenciadas por ficción jamás mostrado en pantalla.
1929 La mujer en la luna es la
el expresionismo alemán, se encuentran las Lang trabajó con el pionero de los efectos
siguiente obra maestra de ciencia pesadillas de un mundo en constante visuales Eugen Schüfftan para crear una
ficción de Lang después de Metrópolis. cambio. Los horrores mecanizados de la Primera Guerra Mundial
versión exagerada de Manhattan,
1931 M significa “Asesino” en el Estaban frescos en la memoria, y los combinando modelos de monorraíles y
desolado thriller de Lang y von

nazis pronto comenzarían su ascenso pináculos brillantes con enormes conjuntos
Harbou. al poder, proponiendo soluciones de mecanismos de relojería, en los que los
totalitarias a los problemas de Alemania. humanos que operan las máquinas son poco más que e
VISIONARIOS 33
Qué más ver: El gabinete del Dr. Caligari (1920, págs. 24–27) ■ La novia de Frankenstein (1935, p.52) ■ Tiempos modernos
(1936) ■ Blade Runner (1982, págs. 250–55) ■ Brasil (1985, p.340) ■ The Matrix (1999) ■ Minority Report (2002)
representado como un monstruo malévolo,

Alfredo Abel Actor una máquina viva que respira, incapaz de
sentir compasión. María aparece duplicada
Nacido en Leipzig en Elegante y evitando gestos floridos, Abel
como una Maschinenmensch (“máquina
1879, Alfred siguió siendo solicitado en la era del
humana”), cuyo nacimiento impío sería
Abel probó su sonido, pero una breve incursión en la dirección
luego imitado por Hollywood en
Se dedicó a la no fue un éxito. Murió en 1937, dos años
Frankenstein (1931). La mecanización es,
silvicultura, la jardinería, el arte y los después de que el régimen nazi prohibiera
negocios antes de dedicarse a la actuación. a su hija actuar.
en última instancia, un medio para
Se mudó a Berlín y trabajó con el director de
engañar, deshumanizar y esclavizar.
escena Max Reinhardt, quien le dio su Metrópolis se describe a menudo como
primer papel cinematográfico en 1913. Luego Películas clave la primera distopía cinematográfica, y en
protagonizó más de 100 películas mudas, la su predicción de una sociedad alemana
más famosa Metropolis. Siempre 1922 Dr. Mabuse el Jugador segregada, es desoladoramente profética.
1927 Metrópolis Pero la película de Lang sigue siendo
optimista en esencia: cree que el corazón
En Metrópolis, la arquitectura de la con ella la máquina comienza a fallar, humano puede triunfar incluso
ciudad refleja la rígida estructura de su mientras los dos grupos... cuando nuestros sueños se convierten
sociedad, cuya clase dirigente, encabezada la “mente” y las “manos”—son en pesadillas opresivas y, a pesar de todas
por Fredersen (Alfred Abel), vive en lujosas unidos por el corazón. sus preocupaciones, ve una belleza
torres, mientras que los trabajadores, aterradora en el mundo del mañana. ■
representados por María (Brigitte Helm), son Tecnología y terror
relegados a los lugares sin sol. barrios La película de Lang se deleita con efectos
En una visión Art Déco del infierno, la
marginales a nivel del suelo y debajo. especiales de vanguardia, pero no confía máquina industrial que impulsa la ciudad
Los dos grupos (literalmente los de arriba en la tecnología el futuro de la es vista como un templo de sacrificio de
y los de abajo) saben poco unos de humanidad. La ciudad del siglo XXI es Moloch que consume a sus trabajadores.
otros, y en el buen funcionamiento de
la ciudad de las máquinas sus caminos
nunca se cruzan. Sólo cuando el
privilegiado hijo de Fredersen vislumbra a
la trabajadora María y se enamora
¿Debo decir ahora que me

gusta Metrópolis porque se hace
realidad algo que he visto en
mi imaginación, cuando lo
detesté una vez terminado?
Fritz Lang
34
SI DICE QUÉ
ESTÁS PENSANDO
TE ESTRANGULARÉ
BILL DEL BARCO DE VAPOR, JR. / 1928
EN CONTEXTO de payasadas inexpresivas.

Buster Keaton
Nació enfueun
unvodevil.
maestro
GÉNERO
familia y creció familiarizado con
Comedia las exigencias de la comedia física,
DIRECTOR que trasladó del escenario a la
Carlos Reisner pantalla. Aunque no siempre se
atribuyó el mérito como director,
ESCRITOR invariablemente fue el cerebro detrás
Carl Harbaugh de las risas. Hoy en día, lo que
más impresiona de sus películas es
ESTRELLAS
su precisión cómica y la forma Keaton realizó sus propias acrobacias, muchas
Buster Keaton, Tom sofisticada en que engaña a su de las cuales, como este edificio que se
McGuire, Ernest Torrence, público. Buque de vapor le cayó encima en Steamboat Bill, Jr.,
Marion Byron Bill, Jr. es un ejemplo típico de la forma en dependieron de una sincronización y
una posición precisas para evitar lesiones graves.
ANTES que Keaton juega con las expectativas.
1924 Keaton se fractura el cuello
mientras filma las caídas de Directo a los chistes
La película pone rumbo en un tiempo
tipo como un bohemio hada, completo
con bolsos Oxford, un pequeño ukelele
Sherlock, Jr.
casi récord: el canoso capitán de un y una boina, antes de que la
1926 El general de Keaton , ahora destartalado barco de vapor se película suba un nivel con una tormenta.
considerada un clásico, fracasa enfrenta a la competencia de un nuevo Después de haber sido arrastrado por
en la taquilla. y elegante barco fluvial el mismo día fuertes vientos a través de una ciudad en
en que reaparece su hijo (Keaton), una cama de hospital, Keaton permanece
DESPUÉS inmóvil mientras un escaparate entero
perdido hace mucho tiempo, y va directo a
1928 Steamboat Bill, Jr. es la los chistes. Keaton utiliza una serie de se estrella sobre su cabeza, enmarcándolo
inspiración para Steamboat Willie juegos de palabras visuales y chistes perfectamente en su ventana superior.
de Walt Disney, la primera visuales incluso antes de que llegue su personaje. Cuando muy
La escena, el peligrosa de interpretar,
animación de Mickey Mouse. Finalmente aparece, Keaton inicia captura la filosofía de Keaton en pocas
1929 Keaton rueda su última película una sinfonía de tonterías, jugando contra palabras: "Los especialistas no se ríen". ■
muda, Spite Marriage, sobre una
Qué más ver: Nuestra hospitalidad (1923) ■ Sherlock, Jr. (1924) ■ El navegante (1924)
esposa famosa que se divorcia
■ El general (1926) ■ El camarógrafo (1928)
de su humilde marido.
VISIONARIOS 35
¿DIOS TE HA
PROMETIDO COSAS?
LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO / 1928
pasar por una prueba agotadora.

EN CONTEXTO (Juana de Arco), o la El director mantiene la cámara
La historia de Juana
Doncella de Arco.ha sido
de Orleans, enfocada en su rostro, contrastando
GÉNERO
filmada varias veces, principalmente sus expresiones torturadas con los
Drama histórico como una aventura de acción en la rasgos contraídos de los clérigos, todo
DIRECTOR que lidera un ejército contra los filmado en primeros planos extremos,
invasores ingleses en la Francia del sin maquillaje y con una iluminación intensa.
Carl Theodor Dreyer
siglo XV. Pero el director danés Carl A medida que las cosas empeoran
ESCRITORES Theodor Dreyer volvió a las progresivamente para Joan, la película mantiene
Joseph Delteil, Carl transcripciones del juicio de Joan para crear una historia íntima
a la audiencia y
atormentada dentro de ella.
Theodor Dreyer relato emocionalmente agotador mundo durante el mayor tiempo posible.
de su persecución y ejecución a Incluso cuando la queman en la
ESTRELLA
manos de la iglesia. hoguera, Dreyer se centra
María Falconetti implacablemente en Joan en lugar de intentar salva
Según todos los indicios, el rodaje fue
ANTES tan sombrío y agotador como cualquier cosa Como dijo una vez el propio director:
1917 Falconetti protagoniza La representada en la pantalla, particularmente “Nada en el mundo se puede
para Maria Falconetti como Joan, quien fue comparar con el rostro humano”. ■
Comtesse de Somerive, el primero
de sus dos largometrajes. La escena del
juicio se rodó
DESPUÉS
en una réplica
1932 Dreyer realiza su primera carísima del
película sonora con la película de tribunal
eclesiástico del
terror Vampyr.
castillo de Rouen,
1943 La película de Dreyer El día donde fue
de la ira vuelve al tema de la juzgada la histórica Juana.
brujería con una historia de
persecución en el siglo XVII.
1957 Otto Preminger adapta al cine

la obra Saint Joan de George
Bernard Shaw, protagonizada por Jean
Qué más ver: Sunrise (1927, págs. 30–31) ■ Vampyr (1932) ■ Day of
Seberg en su primer papel.
Wrath (1943) ■ Ordet (1955) ■ Gertrud (1964)
36
ENAMORARSE
OTRA VEZ NUNCA
QUERÍA
EL ÁNGEL AZUL / 1930
Sermón, advirtiendo de los peligros

EN CONTEXTO la corista de El ángel azul de perseguir los placeres de la carne.
LolaLola de Marlene Dietrich, Ambientada en Weimar, Alemania, cuenta
(Der Blaue Engel), es
GÉNERO la historia del profesor Immanuel Rath
una de las sirenas más imborrables del cine.
Comedia dramática La película fue prohibida por los nazis en (Emil Jannings), quien deja su
DIRECTOR 1933, pero Hitler, un fanático de Dietrich, respetable trabajo como maestro de
supuestamente conservó una copia privada. escuela para perseguir a LolaLola,
Josef von Sternberg
una artista del club de cabaret The Blue Angel.
ESCRITORES mensaje moral El profesor Rath viaja a través de
Carl Zuckmayer, Karl La decadencia y el aburrimiento sexualmente la sórdida sociedad del mundo
Vollmöller, Robert cargado de LolaLola se capturan en las del espectáculo, y cuando Lola
Liebmann (guión); canciones que hicieron famosa a Dietrich: Lola lo rechaza, termina siendo el
Heinrich Mann (novela) Falling in Love Again se convirtió en su himno hazmerreír: cobarde, castrado e
personal. Irónicamente, la película impotente, una sombra grotesca de
ESTRELLAS
de Josef von Sternberg es también una moraleja. su antiguo yo censurador. ■
Marlene Dietrich,
El profesor Rath
Emil Jannings
(Emil Jannings,
ANTES derecha) se
convierte en
1929 El primer cine sonoro de
un payaso
Von Sternberg es el drama criminal
humillado
estadounidense Thunderbolt.
en la compañía
de LolaLola. El
DESPUÉS
público lo
1930 Von Sternberg y Dietrich ridiculiza cuando
colaboran por segunda vez en la la compañía visita su ciudad na
novela romántica de Hollywood
Marruecos.
1932 Dietrich y von Sternberg

se reúnen para Shanghai Express, un
gran éxito de taquilla y la cuarta
película de siete que harían juntos. Qué más ver: Shanghai Express (1932) ■ Venus rubia (1932) ■
Deseo (1936) ■ Destry Rides Again (1939) ■ Cabaret (1972)
VISIONARIOS 37
SI YO FUERA TÚ
HARÍA UN POCO
DE UNA ESCENA
GENTE DEL DOMINGO / 1930
visita a Erwin, un taxista, y a su

EN CONTEXTO 1920 y 1930 fue esposa Annie, una modelo. Los
El cine alemán enpor
destaca el su estilo y invita al lago, pero, después de
GÉNERO
experiencia técnica. Pero People on una discusión, Erwin deja a Annie
Drama silencioso
Sunday (Menschen am Sonntag) es atrás para unirse a Wolfgang,
DIRECTORES pionera en un sentido muy diferente, Christl y Brigitte, una dependienta.
Robert Siodmark, creando una película fluida y libre En retrospectiva, la sencillez de lo que
Curt Siodmark
orientada al realismo. sucede a continuación en la película es
Los cineastas Robert Siodmak realmente conmovedora, dado que todos los
ESCRITORES y Edgar G. Ulmer, entonces ambos realizadores de la película se verían obligados a exiliarse.
Curt Siodmark, Robert Siodmark, novatos, más tarde se labrarían una antes de que terminara la década. No
Edgar G. Ulmer, Billy Wilder carrera en Hollywood haciendo tensos hay cinismo, sólo el patetismo de la
thrillers, pero People on Sunday es el fe optimista de sus personajes en
polo opuesto. También es muy la palabra tan repetida “mañana”. ■
ESTRELLAS
diferente de los trabajos posteriores
Erwin Splettstößer, Annie de su guionista Billy Wilder, quien
Schreyer, Wolfgang Von desarrolló su estilo documental a
Waltershausen, Christl partir del reportaje del hermano
Ehlers, Brigitte Borchert de Siodmak, Curt, que pronto escribiría
muchas de las películas de terror de Universal Studios.
ANTES
Nos sentábamos en una
1927 Documental mudo de
Un experimento cinematográfico mesa cercana mientras
Walther Ruttmann Berlín: Sinfonía El subtítulo de la película era “una película decidían qué hacer ese
de una gran ciudad sin actores”. Sigue las 24 horas. día. Fue completamente improvisado.
narra un día en Berlín con una en las vidas de cinco berlineses, interpretados Brigitte Borchert
partitura orquestal.
por personas que no son actores en papeles
DESPUÉS basados en sus vidas reales. El comerciante
1948 El ladrón de bicicletas, de vinos Wolfgang coquetea con la extra de
cine Christl. Acuerdan encontrarse en la
de Vittorio De Sica , una
localidad lacustre de Nikolassee. Más tarde ese día Wolfgang
película neorrealista italiana
clave, cuenta una historia
Qué más ver: El ladrón de bicicletas (1948, págs. 94–97) ■ À bout de souffle (1960,
cotidiana filmada íntegramente en exteriores. págs. 166–67) ■ Sábado por la noche y domingo por la mañana (1960, págs. 168–69)
MAÑANA
LOS PÁJAROS LO HARÁN
CANTAR
LUCES DE LA CIUDAD / 1931
40 LUCES DE LA CIUDAD
EN CONTEXTO Luces, que escribió, dirigió y

La películaprotagonizó:
de Charlie Chaplin Ciudad
GÉNERO
fue una de las últimas grandes películas
Comedia muda
de la era del cine mudo, reconocida por
DIRECTOR muchos como una de las mejores comedias
Charlie Chaplin de todos los tiempos. Aunque se estrenó en
1931, cuatro años después del primer cine
ESCRITOR sonoro real, El cantante de jazz, Chaplin
Charlie Chaplin desafiantemente convirtió Luces de la ciudad
en una película muda con sólo unos pocos
ESTRELLAS
efectos de sonido distorsionados y una banda sonora.
Charlie Chaplin, Virginia de su propia música.
Merrill, Harry Myers
ANTES El vagabundo y la niña de las flores

1921 Chaplin rueda su primer La historia comienza en una gran
largometraje, The Kid, con Lita Grey, ciudad, donde el vagabundo de Chaplin
de 13 años, con quien se casa tres huye de un policía que amenaza con
arrestarlo por vagancia. Al escapar
años después.
subiendo a un coche, conoce a una El cartel del estreno original de la película
1925 La fiebre del oro, de Chaplin , su pobre florista ciega (interpretada en 1931 aprovecha al máximo el
primer éxito de taquilla protagonizado por Virginia Merrill). Él le compra una reconocimiento del público del personaje
por el vagabundo, es un gran éxito. del vagabundo de Chaplin.
flor con su última moneda y la niña,
1927 La era del cine mudo llega a su al escuchar el sonido de la puerta
de un auto de lujo, cree que es un busca desesperadamente formas de
fin con The Jazz Singer, el primer
hombre rico. recaudar el dinero para financiarlo, desde
largometraje con diálogos sonoros
No juzgado como un vagabundo por esto. barrer las calles hasta ser derrotado en
completos.
Chica ciega, el Vagabundo se enamora de una pelea de boxeo: vehículos para las
DESPUÉS ella y quiere ser rico. payasadas, las obscenidades y el
1936 Chaplin realiza Tiempos y apuesto benefactor que ella imagina melodrama característicos de Chaplin.
modernos, su último largometraje que es. Él decide rescatarla de su vida de El Vagabundo también salva a
mudo, una protesta contra las pobreza y cuando se entera de una operación un millonario que amenaza con suicidarse
que le devolverá la vista, decide después de que su esposa
condiciones laborales de la Gran Depresión.
déjalo. A cambio, el millonario ofrece al
Vagabundo 1.000 dólares para ayudar a la
niña. Desafortunadamente, el millonario sólo
Charlie ChaplinDirector
ve al Vagabundo como un amigo cuando
actordirector está completamente borracho. Cuando el
lo llevó a Estados Unidos. A los 26 años, ya era
Charlie Chaplin fue la una estrella con su propia compañía millonario recupera la sobriedad, acusa al
mayor estrella del cine cinematográfica. Hizo una serie de exitosas Vagabundo de robar el dinero.
mudo películas mudas antes de su primera Al huir, el Vagabundo le da a la niña el dinero
películas. Nacido cine sonoro, la sátira antiHitler El gran para pagar la operación visual, pero es
en Londres en 1889, sobrevivió a una dictador. Murió en 1977. capturado y encarcelado.
infancia plagada de pobreza.
Su padre alcohólico abandonó Películas clave
su madre cantante, que luego fue internada en
1921 El niño Un encuentro conmovedor
un asilo. Estas primeras experiencias
Finalmente, sale de la cárcel y se encuentra
inspiraron el personaje del vagabundo 1925 La fiebre del oro
fuera de la floristería. En la ventana, la
marginado. Luces de la ciudad de 1931
1936 Tiempos modernos niña está arreglando flores. Ha sido
Cuando era adolescente, Chaplin se unió a
1940 El gran dictador operada y puede ver. Lleno de
una compañía de circo y a un empresario.
VISIONARIOS 41
Qué más ver: La fiebre del oro (1925) ■ El general (1926) ■ Metrópolis (1927, págs. 32–33) ■ Tiempos modernos (1936) ■ Una mancha azul
(1965) ■ Chaplin (1992) ■ El artista (2011)
bondad para el Vagabundo, que ahora está afectó tanto a ricos como a pobres a medida Llamaradas de esperanza, ya es
vestido con ropas raídas, la niña recoge la flor que la crisis se profundizaba. Si bien la suficiente. No está claro cuál es esa
que los niños de la calle le han arrancado de película no ofreció recetas para la esperanza: que ella encuentre su verdadera
las manos y, cuando sus manos se tocan, recuperación, lo que hizo, inteligentemente, felicidad con un hombre tan desaliñado, o que
de repente lo reconoce, tan diferente del fue brindar un rayo de esperanza. Después de ambos se vayan, más sabios pero
elegante príncipe que puede he imaginado. El rescatar al millonario del suicidio en el río, el contentos. Lo único que importa es que
Vagabundo mira ansiosamente a los ojos de Vagabundo lo insta a tener esperanzas. “Mañana haya esperanza, la esperanza inspirada por
la florista que alguna vez fue ciega y le pregunta: los pájaros cantarán”, afirma. No importa el pensamiento de que los pájaros cantarán
"¿Puedes ver ahora?" “Sí”, responde ella, cuán sombrías parezcan las cosas hoy, la mañana, pase lo que pase. ■
“ahora puedo ver”. gente debe aferrarse a la idea de que mañana
puede haber alegría; ese parece ser el núcleo
del mensaje de la película.
La escena del boxeo, en la que el
Este conmovedor intercambio es uno
Vagabundo pasa la mayor parte del tiempo
de los diálogos más famosos de la historia escondido detrás del árbitro o huyendo de su
del cine, aún más revelador porque proviene ¿Final feliz? oponente para evitar el combate, muestra
del cine mudo Cuando la florista finalmente ve al Vagabundo las habilidades de payaso de Chaplin.
era, y en muchos sentidos es tal como es en realidad, Chaplin, el director, no
emblemático de toda la película. los hace caer inmediatamente en el mismo
No es sólo el Vagabundo lo que la chica
ve por primera vez, sino la verdad, y el los brazos de otros en
público debe verla también. En el ruidoso reconocimiento. No
y brillante mundo de la ciudad sabemos si
moderna, la gente pequeña, los la niña de las
oprimidos y los solitarios son olvidados flores abrazará
y dejados de lado. o rechazarlo
porque es
Sólo a través de la pureza del silencio, tan diferente de
la sencillez y la ceguera, las personas el hombre de ella
pueden recuperar los sentidos y aprender a imaginación. No hay un final
ver con claridad nuevamente. feliz y ordenado.
Mientras que el vagabundo
esperanza del mañana mirada encantadora provoca
La película tiene un mensaje conservador patetismo, también devuelve
y sentimental (algunos incluso podrían la película a un cómic.
decir sensiblero), pero no hay duda de nivel, alejando al público
que tocó del dolor de su posible rechazo.
un acorde en su lanzamiento, apenas
dos años después del desplome de Wall Street. Pero cuando la niña de las
Eran tiempos difíciles para incontables flores lo mira y los
millones de personas, los pobres de Estados espectadores ven los pensamientos
Unidos comenzaban a sentir los efectos de dando vueltas detrás de sus
la Gran Depresión y los suicidios ojos y el débil
Estoy curado. eres mi amigo

por vida.
El millonario / Luces de la ciudad
UN DORADO
NEGRO UN
19311949
EDAD EN
D BLANCO
44 INTRODUCCIÓN
En contraste con las películas En Alemania, los estudios caen A partir de Los 39 pasos, La epopeya Technicolor de
sonoras más teatrales, bajo el control del jefe de Alfred Hitchcock MGM Lo que el viento se
La primera película sonora de propaganda nazi, Joseph realiza una serie de thrillers llevó es un éxito internacional
Fritz Lang, M, utiliza Goebbels. Los principales británicos que reflejan la y una de las más
una banda sonora compleja directores y estrellas ansiedad por el ascenso de películas rentables jamás
para crear suspenso. alemanes huyen a Hollywood. potencias hostiles en Europa. realizadas.
1931 1933 1935 1939
1931 1934 1937 1939
Bela Lugosi como Drácula y Boris Introducido en 1930 por Motion Blancanieves y los En Francia, Las
Karloff como Frankenstein Picture Producers and Distributors of siete enanitos, la reglas del juego de Jean
convertirse en leyendas de las películas de terror. America como una guía para la primera película Renoir es un desastre crítico,
Los cines de la época de la Depresión decencia moral. animada de larga duración pero más tarde será
introducen “funciones dobles”: dos En las películas, el Código Hays ahora de Walt Disney , se reconocida como una
largometrajes por el precio de uno. se aplica estrictamente. convierte instantáneamente en brillante
un clásico.
sátira de clases.
Las películas nunca volverán a igualar

En una calleunordinaria
En 1931, niño juega.de Berlín las realizadas en las décadas de
Desde las sombras cercanas, un 1930 y 1940, el apogeo del período clásico
asesino silba una melodía inquietante. de Hollywood. Era una época en la que,
a pesar de todo el trauma de los
El cine sonoro ya había hecho su acontecimientos mundiales (entre
No estamos tratando de
aparición cuatro años antes, pero éste, ellos la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial),
quizás, sea el momento en el cine en el que
entretener a los críticos. Me Las películas tenían arrogancia, confianza
realmente comienza la era del sonido. La
arriesgaré con el público. y atractivo para las masas. Eran
película era M, un thriller oscuro del director
walt disney glamorosos y escapistas. Y hicieron reír a
alemán Fritz Lang. En esa única escena, su público. Si bien a Charlie Chaplin nunca
Lang fue mucho más allá de simplemente le gustó mucho el sonido (Buster Keaton
agregar sonido a las películas. Estaba aún menos), otros eran perfectos para ello.
jugando con el sonido, usándolo . Lo El virtuosismo verbal de los hermanos Marx
estaba convirtiendo en la firma de un tenía a su audiencia en puntadas, mientras
personaje. que la esencia misma de la comedia loca
La nueva tecnología hizo que las películas era la frase ingeniosa.
sonido temprano fueran tan engorrosas de producir que
Los primeros años del sonido fueron sería mejor dejar algunas en silencio. Sin
una época disruptiva para la industria. embargo, se superaron los problemas espectáculos de monstruos
Muchas estrellas perdieron sus técnicos, surgieron nuevas estrellas y la magia Si bien M es un buen lugar para abrir
carreras cuando no aprobaron la prueba regresó. Incluso hoy en día hay muchos esta nueva era, el símbolo del Hollywood
de voz, y hubo momentos en que los para quienes clásico podría ser King Kong (1933).
UNA EDAD DE ORO EN BLANCO Y NEGRO 45
Ciudadano Kane, la primera Ernst Lubitsch, un Presuntos comunistas, 10 cineastas

película de Orson Welles, está refugiado de Alemania, dirige Ser Children of Paradise, un de Hollywood son llamados ante el
basada en el magnate de la prensa o no ser, una película que fastuoso drama histórico Comité de Investigación
William Randolph Hearst, que satiriza a los nazis y que dirigido por Marcel Carné,
prohíbe toda mención de la los críticos consideran de mal se rueda en la Francia Actividades antiamericanas, incluido en
película en sus periódicos. gusto. ocupada por los alemanes. la lista negra de los estudios y luego
encarcelado.
1941 1942 1944 1947
1941 1943 1946 1948
Humphrey Bogart protagoniza El En Italia, Ossessione, una de las Los mejores años de nuestras El ladrón de bicicletas de
halcón maltés, el arquetipo del primeras películas neorrealistas de vidas, de William Wyler, refleja las Vittorio De Sica es una
cine negro, y (al año siguiente) Luchino Visconti, choca con dificultades de los militares alternativa neorrealista a
Casablanca. el fascismo. estadounidenses Hollywood, con una historia
censores gubernamentales. Readaptación a la vida civil después potente y sencilla interpretada
de la Segunda Guerra Mundial. por gente corriente.
Esta espectacular película monumental fue una había tenido un gran impacto en la femmes fatales y gumshoes cansados del
prueba de la voluntad de los estudios de hacer industria. Decenas de directores y mundo se convierten en algunas de las
películas cada vez más grandes en su actores, entre ellos algunos de los más figuras definitorias del cine.
búsqueda de emoción. Kong se unió a un talentosos de Europa, habían desertado De Italia vino un tipo diferente.
salón de la fama de monstruos. Universal a Hollywood. de pesimista. En la Roma de 1948, el director
Los estudios ya habían realizado las icónicas Vittorio De Sica utilizó un elenco de
películas de terror Frankenstein y Una ventaja de posguerra personas reales para contar una historia
Drácula (ambos de 1931), La Momia La Segunda Guerra Mundial dio a las películas de lucha cotidiana llamada El ladrón de
(1932) y El hombre invisible (1933), todos que la siguieron una ventaja nueva y abrasiva. bicicletas. Era el tipo de película que
entretenimientos populares que también Incluso las típicas comedias británicas encendía una mecha en todos los que la veían.
exhibieron una cinematografía brillante. de Ealing, centradas en lo dulce, adquirieron un Pero quizás ya se había hecho la película más
King Kong era grande, pero no tenía el tono más oscuro cuando Alec Guinness influyente de la época. Un retrato ambicioso
monopolio de la escala. En 1939, el público interpretó múltiples papeles en la historia del de un magnate de la prensa, Citizen Kane
estaba cautivado por El mago de Oz (su asesinato Kind Hearts and Coronets. de 1941.
camino de ladrillos amarillos visto en (1949). Más oscura aún era la entra y sale del favor de los críticos, pero su
tecnicolor saturado) y entusiasmado por Lo que incomparable red de intriga y traición del impacto fue inmenso. Su coguionista,
el viento se llevó, un romance épico ambientado escritor Graham Greene en la Viena de productor, director y protagonista, Orson
en el contexto histórico de la Guerra Civil posguerra, El tercer hombre (1949). Welles, tenía 25 años cuando la hizo. Como
estadounidense. En Estados Unidos, el drama criminal evolucionó volvería a ocurrir en la década siguiente, las
a un nuevo género: el cine negro. Su películas habían sido remodeladas por
En Europa, sin embargo, estaba a torbellino de estilizados juegos de jóvenes demasiado enamorados de sus
punto de estallar otra guerra. A finales de la sombras tomó prestado en gran medida de los posibilidades como para verse obstaculizados
década de 1930, el brutal gobierno de los nazis expresionistas alemanes de la década de 1920, su por el pasado. ■
46
¡NO QUIERO,
PERO DEBO!
M / 1931
Los crímenes reales de Peter Kürten,

EN CONTEXTO tan influyente como el de Fritz Lang conocido en la prensa como el
M—sin el
Películas antiguas cual no
clásicas hay
como Vampiro de Düsseldorf, estaban
GÉNERO
no habría sido Psicosis, El silencio de los frescos en la mente del público alemán cuando
Drama criminal
inocentes o Se7en; puede ser un poco M fue liberado en mayo de 1931. Más tarde,
decepcionante cuando los espectadores Lang negó que Kürten fuera el
DIRECTOR
finalmente vienen a verlos. inspiración para su guión. Aunque claramente
Fritz Lang
Para entonces, las películas habrán sido estaba aprovechando un tema que ocupaba un
ESCRITORES tan emuladas y tomadas prestadas que lugar destacado en la conciencia pública, su
Fritz Lang, pueden terminar pareciendo algo trilladas. interpretación de un asesino estaba lejos de
Thea von Harbou No es así con M: la obra maestra del ser predecible.
crimen de Lang todavía está repleta La primera sorpresa estuvo en el
ESTRELLAS
de una invención escalofriante. casting. El poco conocido actor húngaro Peter
Peter Lorre, Otto Wernicke, Lorre, un hombre pequeño con ojos
Gustavo Gründgens saltones y extrañamente inocentes, parecía una
ANTES elección improbable para interpretar a un

asesino de niños. La siguiente sorpresa
1927 Metropolis, la épica de
estuvo en la narrativa indirecta de la
ciencia ficción fundamental de Lang,
película. Si bien se ocupa de la justicia, M no
es innovadora por la escala de
es una simple historia de crimen y castigo, y
su visión futurista.
desafía las expectativas desde el principio.
DESPUÉS
1935 Karl Freund, director de
fotografía de Metrópolis, dirige Disparos de ausencia
Mad Love, una película de terror de El asesinato inicial de la película
Hollywood protagonizada por el ya está ambientado con una
famoso Peter Lorre.
intensidad desgarradora:
cuando Beckert, a quien sólo
1963 En la última película que se ve en silueta, se acerca a una joven en un
realiza, Lang aparece frente a la
cámara, interpretándose a sí mismo
El cartel icónico de la película
en Le mépris (El desprecio),
muestra la “M” (de asesino) que se
de JeanLuc Godard. imprimirá en la espalda del
asesino para que pueda ser rastreado.

Qué más ver: Dr. Mabuse the Gambler (1922, p.330) ■ Metropolis (1927, pp.32–33) ■ Fury (1936) ■ Ministry of Fear
(1944) ■ La bestia de cinco dedos (1946) ■ El gran calor (1953, págs. 332–33) ■ Mientras la ciudad duerme (1956)
El asesino Hans Beckert (Peter Lorre) mira

fijamente su espalda con los ojos muy
abiertos y ve en el espejo que ha sido
marcado con la letra "M".
La mente enredada queda expuesta… el sus investigaciones, los ciudadanos

odio hacia sí misma y la planifican su propia justicia. El vigilantismo,
un tema común en la carrera posterior de
desesperación saltan hacia ti desde la gelatina.
Graham Greene Lang, se convierte en un elemento
importante de la historia.
Un monstruo humano Parte

del poder de M es la forma en que Lang sin
esfuerzo engaña al espectador. Tan manso es
el monstruo en el centro de la historia, cuando
En el recinto ferial, la escena muestra a finalmente se revela su rostro, que el público
su ansiosa madre en casa, luego fuera por queda con la guardia baja, se pone en
la ventana y luego en el patio. sus zapatos y se le hace sentir su miedo.
Sus llamadas se vuelven desesperadas Luego, Lang aumenta la tensión de manera
por tomas de ausencia: habitaciones vacías, experta, con el asesino marcado sin
un plato vacío. Cuando se comete el asesinato darse cuenta con una letra de tiza "M",
real, Lang no muestra nada más que la por Mörder (asesino), y la angustia de
pelota de la niña rodando por la hierba y Beckert aumenta a medida que la
un globo perdido flotando. persecución cobra impulso.
Beckert, el asesino, visto sólo de M fue el primer “sonoro” de Lang y hace

espaldas, escribe a los periódicos un uso increíble del sonido y el silencio. El termina inquietante cuando Beckert está
protestando porque la policía no da a director crea sutilmente tensión desde la huyendo, cuando el ruido de las sirenas de
conocer sus crímenes. Sin embargo, en primera entrada del asesino: cuando está a los camiones de bomberos y el tráfico
lugar de seguir a Beckert, Lang aborda las punto de crean una cacofonía desorientadora.
repercusiones más amplias del asesinato Golpe, Beckert silba una melodía familiar,
de la niña. Se publica una recompensa y con un efecto inquietante. Lang usa el Juicio final
mientras la policía persigue sonido de manera diferente pero igualmente M sigue haciendo perder el equilibrio a
la audiencia hasta el final. Las películas
La tensión proviene no sólo del implacable
Fritz Lang Director
tictac de la narrativa, sino también de la
Nacido en Viena Impresionados por su talento, los nazis pregunta que Lang hace a la audiencia:
en 1890, Fritz le pidieron a Lang que dirigiera el qué tipo de justicia quiere ver para el
Lang hizo su estudio UFA en 1933. En cambio, huyó asesino. Es un enfoque sofisticado
debut como director a Estados Unidos, donde forjó una incluso ahora, y mucho menos para una
en los estudios alemanes UFA con carrera de gran éxito. Murió en 1976. audiencia que todavía habría sido
Halbblut (El débil) de 1919, sobre un
hombre arruinado por su amor por Películas clave aclimatándose a las innovaciones de Lang en
una mujer, tema recurrente en sus
cuanto a sonido y temática.
películas. Después de una serie de 1922 Dr. Mabuse el Jugador
El propio Lang, con una larga carrera
éxitos, incluido el clásico de ciencia 1927 Metrópolis llena de películas realmente geniales,
ficción Metropolis, Lang hizo su obra 1931 M
Siempre insistí en que M era el mejor de
maestra con M. 1953 El gran calor todos. ■
48
¿QUIERES CASARTE CONMIGO?

¿TE DEJÓ DINERO?
RESPONDE PRIMERO LA
SEGUNDA PREGUNTA
SOPA DE PATO / 1933
EN CONTEXTO Como tantos

películas ahora
considerados
GÉNERO
clásicos, la sopa de
Comedia musical
pato de los hermanos Marx
DIRECTOR recibió una recepción mixta por
Leo McCarey parte de la crítica cuando se
inauguró en 1933. Ahora se ve por
ESCRITORES
lo que es: una película aguda,
Bert Kalmar, Harry Ruby, anárquica y sobre todo hilarante.
Arturo Sheekman, sátira política (incluso si los
Nat Perrin propios hermanos negaron
hacer cualquier cosa menos tratar de
ESTRELLAS
ser gracioso). La película es un Desde la izquierda, Groucho, Chico,
Groucho Marx, Chico Marx, derroche de juegos de palabras y Harpo y Zeppo Marx eran hermanos en la
Harpo Marx, Zeppo Marx, vida real, que perfeccionaron sus
bromas visuales característicos de los
Margarita Dumont personajes cómicos en el teatro de vodevil.
hermanos, incluida la famosa escena del
ANTES espejo, en la que, después de romper
1921 Se rueda la primera película de un espejo, Harpo imita cada movimiento vecina Sylvania. Con Chico y Harpo
de Groucho para evitar ser detectado. trabajando como espías de Trentino, estalla
los hermanos Marx, un cortometraje,
Humor Risk . Ahora se cree perdido. la guerra entre los dos países, lo que lleva a
Trama absurda algunas de las escenas de batalla más
1929 El primer largometraje Groucho interpreta a Rufus T. Firefly, invitado extrañas de la historia del cine. En medio
protagonizado por ellos, The Cocoanuts, por motivos que nunca quedan claros de los alocados encuentros, Groucho oscila
es una comedia musical. convertirse en dictadora de Fredonia por la rica entre coqueteos, insultos y algunas de sus
señora Teasdale, interpretada por la mujer mejores bromas: "Si no puedes conseguir un
DESPUÉS
heterosexual habitual de los hermanos, taxi, puedes irte enojado". Si es demasiado
1935 Una noche en la ópera, la primera
Margaret Dumont. Firefly sólo quiere a la pronto, puedes irte en un minuto y en un
película de los hermanos Marx en la
señora Teasdale por su dinero. Pero tiene un suspiro”. ■
que no aparece Zeppo, es un éxito. rival, Trentino, embajador en
1937 La séptima película de los
hermanos Marx, Un día en las Qué más ver: Animal Crackers (1930) ■ Monkey Business (1931) ■
Una noche en la ópera (1935) ■ Un día en las carreras (1937)
carreras, es su mayor éxito.
NO TE ALARMES
DAMAS Y CABALLEROS
ESAS CADENAS ESTÁN HECHAS
DE ACERO CROMADO
REY KONG / 1933
La película está llena de escenas

EN CONTEXTO primer verdadero éxito de icónicas, incluido un clímax
King Kong fue probablemente
taquilla el
de efectos especiales. memorable en el que Kong rechaza un
GÉNERO
Es la sencilla historia de un enorme biplano mientras se aferra a lo alto
película de monstruos
simio descubierto en una isla del Empire State Building.
DIRECTORES inexplorada, que comparte con otras El secreto de la película era retratar
Merian C. Cooper, Ernest criaturas gigantes, incluidos los el simio con simpatía. Kong
B. Schoedsack dinosaurios. El simio Kong es protege a su cautiva y solo ataca
capturado y llevado a Nueva York cuando se le provoca. El torturador
ESCRITORES para que la gente lo mire, solo para liberarsededeKong,
sus cadenas.
Carl Denham (Robert
James Ashmore Creelman, y hacer un alboroto. Armstrong), que presenta a Kong
Ruth Rose, Edgar Wallace Los efectos stopmotion parecen como la "Octava Maravilla del
chirriantes hoy. Sin embargo, el poder de Mundo", es el villano de la película.
ESTRELLAS
la narración es tal que puede conmover Y cuando Kong finalmente cae del
Fay Wray, Robert al espectador de una manera que va rascacielos, es un momento
Armstrong, Bruce Cabot más allá de muchas películas modernas. El de tragedia: el público está de su lado. ■
ANTES
Ann (Fay Wray) al
1925 Una adaptación de la novela de principio está
Arthur Conan Doyle, El mundo perdido, aterrorizada por
presenta a humanos luchando Kong, pero luego intenta salvarlo.
En Nueva York, él
con dinosaurios.
escapa para
DESPUÉS buscarla, lo que lleva
a su captor Denham
1949 Cooper y Schoedsack se unen
a decir: "Fue la bella
para otra aventura protagonizada por la que mató a la bestia".
un simio gigante con Mighty Joe
Young.
1963 Inspirado por King Kong, el

animador Ray Harryhausen trabaja
en el clásico stopmotion Jason y los
Argonautas.
Qué más ver: El mundo perdido (1925) ■ Mighty Joe Young (1949) ■
Furia de titanes (1981) ■ Parque Jurásico (1993) ■ King Kong (2005)
50
¡SE DECLARA LA GUERRA!

¡ABAJO LOS MONITORES Y EL
CASTIGO!
CERO DE CONDUCTA / 1933
Tras su lanzamiento,
EN CONTEXTO 41 minutos Zero de Conduite
Cero de
Juan Vigo provocó fuertes
GÉNERO reacciones contra
Conduite (Cero
Comedia surrealista su irreverencia
conducta) causó al hacia las
DIRECTOR mismo tiempo sensibilidades
Juan Vigo indignación y convencionales.
deleite cuando se Estuvo prohibido en Francia hasta 19
ESCRITOR
estrenó en París en
Juan Vigo abril de 1933. Pero
ESTRELLAS aunque su espíritu Zero de Conduite
Jean Dasté, Louis Lefebvre,
anárquico fue deplorado quizás se vea
por el establishment mejor en el contexto
Coco Golstein
(fue prohibido por el del surrealista francés
ANTES Ministerio del Interior cine, siguiendo la
1924 El corto surrealista de René francés hasta 1946), en tradición de
Clair, Entr'acte, juega con la retrospectiva la película es En René Clair y Luis Buñuel, quienes
velocidad de fotogramas para realidad, no es tan político, al menos no en echaron a perder el sentido narrativo
producir un espeluznante efecto de cámara lenta.la forma en que las autoridades lo percibieron ventana,
al principio.
yuxtaponía imágenes aleatorias
y, a menudo, se transformaba en
1929 El director Luis Buñuel se
escenarios extraños con diálogos extraños.
asocia con el artista Salvador Dalí para
Eran obras de arte serias, cuyo
realizar la película surrealista Un
objetivo era explorar el subconsciente,
perro andaluz.
pero también simplemente irreverentes.
DESPUÉS
Una de las películas más Una visión de niño
1934 El único largometraje de Vigo,
poéticas jamás realizadas y La película fue financiada por un mecenas
L'Atalante, cuenta la poética
una de las más influyentes. privado, que le pagó a Vigo para que
historia de un matrimonio de recién
Paulina Kael creara una historia basada en sus
casados que vive en una barcaza.
experiencias infantiles en el internado. Este
1968 Lindsay Anderson Si... no iba a ser un viaje nostálgico al pasado
Representa una rebelión en una escuela para el director, sino un intento de recrear
pública británica. el estado de ser un niño. Algunos de los
aspectos difíciles de la película.

Véase también: Entr'acte (1924) ■ Un Chien Andalou (1929, págs. 330–31) ■ À propos de Nice (1930) ■ L'Age d'Or (1930) ■
Jean Taris, campeón de natación (1931) ■ L'Atalante (1934) ■ Los 400 golpes (1959, pp.150–55) ■ Si… (1968)
La revolución de los chicos contra las

autoridades estiradas de la escuela
toma la forma de una anárquica pelea
de almohadas: para Vigo, la esencia
del espíritu de la infancia.
En la secuencia, se los lleva a todos

consigo mientras sigue a una joven que ha
llamado su atención.
Los propios chicos son todos
delincuentes en serie que parecen pasar
todos los domingos detenidos (de ahí las
“notas cero por conducta” que implica el título
de la película). A lo largo de la película,
planean su venganza, pero cuando llega,
la revolución comienza no con un gran gesto
dramático sino con una larga pelea de
almohadas. Subiendo a la azotea de la
escuela, arrojan objetos a la junta
escolar, una fila de maniquíes alineados
para la celebración anual del “día de
conmemoración”. Lo divertido de la película
de Vigo es que los chicos en realidad no
intentan vencer al sistema: quieren
Los bordes se pueden atribuir a la (Delphin), un hombre diminuto, de aspecto superarlo, como valientes rebeldes impulsados
inexperiencia de Vigo como director, pero hay ridículo y con una barba poblada, por el espíritu incontenible de la infancia.
muchas florituras deliberadamente también se enfrenta a ellos. Del lado de
excéntricas, como una caricatura los chicos está el joven profesor Huguet Vigo no vivió para ver su película
boceto que de repente cobra vida. (Jean Dasté), que mima a sus alumnos alcanzar el reconocimiento, pero su legado
imitando a Charlie Chaplin y juega al influyó en los trabajos de directores como
Buceando directamente fútbol con ellos. En uno especialmente François Truffaut y Lindsay Anderson.
El comienzo de la película prescinde extraño ■
de cualquier sensación de
preparación: una simple tarjeta de título
Juan Vigo Director
dice: "Después de las vacaciones, regreso a la escuela".
Un niño, Causset (Louis Lefebvre), en un Jean Vigo nació en 1905, hijo de para inspirar a los fundadores de la
tren acompañado únicamente por un adulto un anarquista. Su Nueva Ola francesa. un hombre enfermo
dormido, recibe a su viejo amigo Bruel Su padre pasó la mayor parte de su A lo largo de su vida, Vigo murió de
(Coco Golstein) mientras se preparan vida huyendo y fue asesinado en tuberculosis con sólo 29 años. A
para regresar al aburrimiento del prisión cuando Jean tenía 12 años, medida que su obra ganaba fama en
internado. El viaje está lleno de una pero arrojó una larga sombra sobre la Francia, en 1951 se creó el Premio
sensación de libertad, que se reduce
breve pero influyente película del director. Jean Vigo para directores noveles.
carrera profesional. Después de una serie
cuando llegan a la estación, al encontrarse
de cortometrajes, Vigo hizo su único Películas clave
con un distante prefecto, interpretado
largometraje, L'Atalante, en 1934. Aunque
por un adulto.
inicialmente fue destrozada por los 1930 a propósito de Niza
En la batalla por controlar a los chicos, 1933 Cero de Conducto
distribuidores, la poesía de la película encontró
el prefecto se revela como un espía que les
popularidad en la década de 1940, convirtiéndose 1934 El Atalante
roba las cosas. el maestro de casa
52
¡A UN NUEVO MUNDO DE
DIOSES Y MONSTRUOS!
LA NOVIA DE FRANKENSTEIN / 1935
vida, sólo para que los aldeanos

EN CONTEXTO Los estudios lograron una armados se lo llevaran a rastras. Aprende a
Durante la década
serie de adaptando
de éxitos 1930, Universal
la hablar y dice: "Quiero un amigo como yo",
GÉNERO
literatura de terror clásica a películas convencionales.
pero incluso los esfuerzos del Dr. Frankenstein por
Horror
Lo que separa a James Whale darle una novia contraproducente,
DIRECTOR Películas de frankenstein del otro cuando la novia también lo rechaza. Al
ballena james películas de terror en el canon final, La novia de Frankenstein se siente
universal es su empatía por su monstruo. tanto como una historia moral como
ESCRITORES Esto nunca es más evidente que en una película de terror, lo que sugiere
William Hurlbut, John L. La novia de Frankenstein, en la que la monstruosidad podría no ser
Balderston (guión); Mary que el monstruo implora al Dr. más que superficial. ■
Wollstonecraft Shelley (novela) Frankenstein para conseguirle una pareja.
cuento de moralidad
ESTRELLAS
Gran parte de la narrativa de la
Boris Karloff, Colin Clive, película presenta al monstruo de
Valerie Hobson, Elsa Frankenstein perdido en un
Lanchester mundo al que no pertenece.
ANTES Anhela la amistad, pero es
rechazado en todo momento.
1931 James Whale adapta
En un momento dado, un ciego
Frankenstein de Mary Shelley .
le introduce en los placeres del hogar.
Karloff interpreta al monstruo.
1933 Whale filma la historia de HG

Un monstruo emocionado
Wells El hombre invisible, sobre un
(Boris Karloff)
científico que encuentra una manera estabiliza a su novia
de volverse invisible. (Elsa Lanchester)
mientras ésta cobra
DESPUÉS
vida en el laboratorio
1936 Whale se aleja del género de del Dr. Frankenstein.
terror, dirigiendo una adaptación
musical de la obra Show Boat. Qué más ver: Metrópolis (1927, págs. 32–33) ■ Frankenstein (1931) ■ Drácula (1931) ■
La momia (1932) ■ Dioses y monstruos (1998)
ESPEJO MÁGICO EN LA
PARED ¿QUIÉN ES LA MÁS
BELLA DE TODAS?
BLANCA NIEVES Y LOS SIETE ENANITOS / 1937
© 1937Disney
audiencia, al mismo tiempo que la

EN CONTEXTO Blanco y los siete pone en peligro suficiente para crear
Estrenada en 1937,
Dwarfs Nieve
fue el primer completo tensión. Blancanieves aterroriza
GÉNERO
Largometraje realizado por Walt deliberadamente a sus jóvenes
Animación, musicales.
Disney Company. Disney buscó combinar espectadores, desde la secuencia en la
DIRECTOR el tono slapstick de sus exitosos que Blancanieves entra en pánico en el
mano de david cortometrajes con una inyección de bosque cuando los árboles cobran vida,
macabro recurriendo a uno de los cuentos hasta las escenas en las que la malévola Reina
ESCRITORES de hadas más famosos de los hermanos trama alegremente la muerte de la
Ted Sears, Richard Grimm, la historia de una reina malvada niña. Cuando el príncipe despierta
Creedon, Otto Englander, que caza a una niña inocente que es a la heroína con un beso, el mal ha
Dick Rickard, Earl Hurd, declarada “la más bella de todas”. ”por un sido vencido y el miedo conquistado.
Merrill De Maris, Dorothy espejo mágico. Esto sentó las bases para Disney se dio cuenta de que, sin la
Ann Blank, Webb Smith (guión); las películas de Disney durante los autenticidad del conflicto, la feliz
Jacob Grimm, resolución final nunca sería posible.
próximos 80 años, desde Cenicienta hasta Frozen.
Wilhelm Grimm (cuento de hadas)
sea sincero. ■
Agregando peligro Blancanieves
ESTRELLAS
Uno de los desafíos para los cineastas se esconde del
Adriana Caselotti, Lucille que hacen películas para niños es Reina malvada
La Verne, Moroni Olsen mantener el material apropiado para el en la casa de
los enanos.
ANTES
Ella cocina
1928 Disney lanza el corto de y limpia
Mickey Mouse Steamboat Willie, su para ellos,
primera caricatura sonora. y también
les hace
DESPUÉS lavarse las manos.
1950 Disney revisita los cuentos de hadas
© 1937Disney
de los hermanos Grimm con Cenicienta.
Frozen de Disney de 2013 , inspirada

libremente en La reina de las
nieves de Hans Christian Andersen, Qué más ver: Fantasía (1940) ■ Pinocho (1940) ■ Dumbo (1941) ■
es un gran éxito. Cenicienta (1950) ■ La Bella y la Bestia (1991) ■ Frozen (2013)
TENGO UN SENTIMIENTO
NO ESTAMOS EN
KANSAS
YA NO
EL MAGO DE OZ / 1939
56 EL MAGO DE OZ
de grandes películas del
EN CONTEXTO período clásico de Hollywood se
Infinidadhan desvanecido en la oscuridad.
GÉNERO
Otras películas siguen siendo
musicales, aventuras
respetadas por los críticos, pero al
DIRECTOR Veía
público moderno le cuesta conectarse con ellas. la película todos los días
Luego están películas como Victor.
Víctor Fleming cuando tenía dos años. Me
El mago de Oz de Fleming , que no costó entender que no podía
ESCRITORES sólo resiste el paso del tiempo, sino entrar en la película
Noel Langley, Florence Ryerson, que sigue entreteniendo. La película porque me parecía muy real.
Edgar Allan Woolf (guión); L. es descubierta y aceptada por
Zooey Deschanel
Frank Baum (novela) cada nueva generación con tanta en el documental 2011
pasión como la anterior, y la historia Estos Sombras asombrosas ,
ha trascendido a una conciencia
ESTRELLAS
cultural global. Incluso si nunca han
Judy Garland, Frank visto la película, las personas pueden
Morgan, Ray Bolger, cantar “Somewhere over the Rainbow”
Bert Lahr, Jack Haley, y entenderán la referencia cuando
Margarita Hamilton alguien golpee sus zapatos y diga
ANTES “No hay lugar como el hogar”. El un espantapájaros, un hombre
mago de Oz de hojalata y un león cobarde:
1938 Judy Garland protagoniza
Tiene ahora más de 70 años, pero sigue debe viajar por el camino de ladrillos
junto a Mickey Rooney en Love
siendo una película clave en la realización amarillos evitando las atenciones
Finds Andy Hardy. del cine moderno. de la malvada bruja del oeste.
DESPUÉS Su destino es la Ciudad Esmeralda,
1939 Unos meses después de El Un espectáculo magnífico donde reside el misterioso Mago
mago de Oz, se estrena Lo que el La historia de la película muestra a de Oz. La historia probablemente
viento se llevó de Fleming . Dorothy (interpretada por Judy te resulte familiar, pero lo que
Garland, de 17 años), una joven que realmente distingue a El Mago de Oz
1954 Garland protagoniza junto a crece en una granja de Kansas, no es tanto el “qué” sino el “cómo”. Es
James Mason el exitoso musical Ha atrapada en el ojo de un tornado una película al servicio del
nacido una estrella, su primera impresionantemente representado y espectáculo, una película que se
película en cuatro años turbulentos. transportada mágicamente a la Tierra propone poner a prueba los límites
del recién nacido medio del cine en cada fotogra
de Oz. Aquí, junto con un trío heterogéneo de inadaptados...
Minuto por minuto

00:11 00:19 00:58 01:21
Dorothy se escapa de su casa en Kansas La casa se derrumba en Oz, Los amigos llegan a la Ciudad Toto lleva a los amigos al Castillo donde
para salvar a su perro Toto de una matando a la Malvada Bruja del Esmeralda, donde el Mago acepta quedan atrapados por la Bruja. Ella
vecina entrometida, Miss Gulch. El Este. Los Munchkins celebran. La conceder sus deseos si le traen la prende fuego al Espantapájaros. Dorothy
profesor Marvel, un adivino, la convence Malvada Bruja del Oeste jura escoba de la Bruja Malvada. arroja agua y al hacerlo derrite a la Bruja.
para que regrese. venganza.
00:00 00:15 00:30 00:45 01:00 01:15 01:42
00:34 01:28
00:17 Dorothy se hace amiga 01:14 Toto expone al Mago
Se desarrolla un poderoso tornado el Espantapájaros en el En su bola de cristal, la Bruja como una farsa.
que hace girar la granja de Dorothy. Camino de Baldosas observa a los amigos entrar al La Bruja Buena le dice a
Miss Gulch en su bicicleta se Amarillas, seguido poco Bosque Encantado. Dorothy que puede regresar
transforma en una bruja en una después por el Hombre Envía monos voladores para a casa golpeando sus
escoba. de Hojalata y el León Cobarde. capturar a Dorothy. zapatillas de rubí.

Qué más ver: Pinocho (1940) ■ Ha nacido una estrella (1954) ■ Regreso a Oz (1985) ■ Salvaje de corazón (1990) ■ El viaje de Chihiro (2001, págs. 296–97)
Cuando Dorothy llega a Oz, los espectadores Es hora de recorrer Munchkinland, be”, deslumbrando con su producción sin
la ven abrir los ojos en blanco y negro deteniéndose en el decorado reparar en gastos. En ese sentido, es en
descolorido en tonos sepia, el marco cruje extravagantemente construido mientras gran medida un precursor del éxito de
con las imperfecciones técnicas de la época. su ola de colores alucinatorios golpea al taquilla moderno, con números musicales en
Pero cuando abre la puerta y sale, espectador desde todos los ángulos. lugar de escenas de acción.
vislumbran a Oz y quedan abrumados con Luego vienen los efectos especiales, un
Technicolor. En número musical con cientos de actores y un Historia dirigida por personajes
enfrentamiento con la antagonista, la Aunque la historia está diseñada para ser el
1939, cuando se estrenó, esta habría sido Malvada Bruja del Oeste (se animó a los vehículo perfecto para mostrar los
la primera vez que muchos espectadores diseñadores de escenografía y vestuario maravillosos juguetes nuevos que Hollywood
veían una película en color. como el a utilizar tanto color como fuera posible tenía a su disposición, está profundamente
para aprovechar al máximo el formato arraigada en el carácter y la emoción.
Se desarrolla la escena, Technicolor). . Todo el tiempo, los Mientras descubrimos un mundo nuevo, lo
el director Víctor espectadores se están adaptando a ver el color hacemos a través del prisma
Fleming es plenamente por primera vez. Esta es una película con el de un dispositivo de encuadre
consciente de esto. distinto. Mientras que la mayoría
hecho y el enfoque de que “si menos es más, de las películas de aventuras
toma su entonces ¿cuánto más debe ser más?” presentan un grupo de
Cuando Dorothy conoce por

primera vez al Hombre de Hojalata
(Jack Haley), éste necesita
desesperadamente que lo engrasen.
58 EL MAGO DE OZ
La crítica ha interpretado motivos y personajes ve a la huérfana Dorothy pasar por una
del Mago de Oz El hombre de hojalata transición formativa desde una niña protegida
como símbolo de la política y oxidado puede ser en su hogar hasta navegar en un mundo nuevo
Problemas económicos. una metáfora del estado de los
y peligroso, confiando en su trío de amigos:
trabajadores en la estancada
simbólicamente, las emociones, el intelecto y
industria del acero.
Las zapatillas el coraje.
de Dorothy (plateadas
en el libro) pueden simbolizar un El León Cobarde era una Mundo de sueños
patrón plateado, mientras que Yellow caricatura popular
A lo largo de la película, la acción sigue
Brick Road es el patrón oro. del político pacifista William
siendo íntima incluso cuando se vuelve
Jennings Bryan.
épica, y cada personaje ya resulta
extrañamente familiar. La Malvada Bruja
La Ciudad del Oeste es la viva imagen de la malvada
El Espantapájaros
Esmeralda, una ilusión vecina de Dorothy, Miss Gulch, que quiere
puede ser una metáfora de la
terrible situación de los de sus ciudadanos, puede sacrificar al perro de Dorothy, Toto. El
agricultores del Medio Oeste en ser una alegórica del Espantapájaros, el Hombre de Hojalata y el
dólar, el primer papel moneda León Cobarde se parecen mucho a los
la era de la Depresión.
estadounidense.
peones de su país, mientras que el Mago
de Oz parece ser el Profesor Marvel, un falso
adivino. Los personajes más
Personajes unidos por un objetivo común, que puede salvarlos. Los cuatro de la destacados de Oz reflejan los personajes de
aquí cada uno de nuestros héroes Los viajeros están en su propio “viaje de su país de origen.
busca algo que les falta. héroe”, y para el espectador es tan importante
No fama ni fortuna, sino una cualidad que el Hombre de Hojalata obtenga un Kansas, dejando en claro que este es el
personal, algo que creen que los sanará. corazón como lo es ver derrotada a la Bruja mundo de los sueños de Dorothy.
Dorothy carece de un hogar, el Hombre Malvada. La película se deleita con el espectáculo,
de Hojalata de un corazón, el Espantapájaros Aunque la película marcó un paso con brujas y bosques, con leones, tigres y
de un cerebro y el León Cobarde de su innovador en términos de logros técnicos, osos. Sin embargo, en esencia, es una historia
coraje. su éxito también radica en mantenerse cerca de amistad y crecimiento personal, y equilibrar
Cada personaje en el mágico. de los principios de la narración simple y ambos puede ser el secreto de su longevidad.
mundo de Oz es introducido al en su atractivo universal como una película de Una historia memorable, contada con
audiencia en un lugar donde son vulnerables, “búsqueda” que sigue el rito de imaginación y con vívido esplendor, es una
donde piensan que la ayuda del Mago es película que trasciende su tiempo. ■
lo único trayectoria de paso. La audiencia
Víctor Fleming Director

Nacido en California en 1889, Victor Fleming nunca volvió a alcanzar
Fleming fue especialista antes de esas alturas, pero llegó a realizar la
ascender en las filas del departamento aclamada por la crítica Dr.
de cámara hasta convertirse en Jekyll y Mr. Hyde y Un chico llamado
director. Su primera película, Cuando Joe (1943). Murió en 1949, un año
pasan las nubes, se estrenó en 1919. después del estreno de su última
Su mejor año fue 1939, cuando dirigió película, Juana de Arco.
El mago de Oz y Lo que el viento
se llevó. Películas clave
Fue contratado como sustituto de
último minuto en ambos, 1925 Señor Jim
reemplazando a Richard Thorpe en el 1939 Lo que el viento se llevó 1939
primero y a George Cukor en el El mago de Oz
segundo. Las dos películas ganaron varios premios
1941 ElOscar.
Dr. Jekyll y el Sr. Hyde
La película fue un
éxito en su estreno
inicial, pero el coste
de producción hizo
que no registrara
beneficios para sus
productores MGM
hasta 1949.
60
TODOS TIENEN
SUS RAZONES
LAS REGLAS DEL JUEGO / 1939
sobre el triunfo de la humanidad sobre las clases.

EN CONTEXTO Règle du jeu) es una mordaz En su estreno el 7 de julio de 1939 el
Las reglas sátira
del juego (Lalos franceses
sobre público lo abucheó. En octubre de ese
GÉNERO
Clases altas al borde de la Segunda año, las autoridades prohibieron la
Comedia de costumbres
Guerra Mundial, que son infinitamente película por considerarla “deprimente,
DIRECTOR frívolas a pesar del conflicto inminente, morbosa, inmoral… una influencia indeseable”.
Juan Renoir o quizás debido a él. sobre los jóvenes”.
En el momento de su lanzamiento en
ESCRITORES 1939, Las reglas del juego fue un Redescubriendo la película Durante la
Jean Renoir, Carl Koch costoso fracaso, rechazado tanto por guerra, se pensaba que los negativos
el público como por la crítica, en originales de la película habían
ESTRELLAS
parte debido a su contraste con el director. sido destruidos en un
Nora Gregor, Marcel Dalio,
La película anterior de Jean Renoir, bombardeo. En el
Paulette Dubost, Roland
Gran Ilusión (1937), una reflexión
Toutain, Jean Renoir
ANTES
Robert (Marcel
1937 Grand Illusion, la película de Dalio) le ofrece
Renoir sobre prisioneros de trabajo al cazador
guerra en la Primera Guerra furtivo Marceau
(Julien Carette,
Mundial, es la primera película en
izquierda) para
lengua extranjera en recibir
ayudarle a
una nominación a Mejor Película en los Oscar. cazar conejos.
1938 La adaptación de Renoir de

la novela La bestia humana de Émile
Zola es un gran éxito.
DESPUÉS
1941 Tras el fracaso de crítica y
taquilla de Las reglas del juego,
Renoir se dirige a Hollywood. Su
primera película estadounidense es
Swamp Water.

Qué más ver: Boudu salvado del ahogamiento (1932) ■ Gran ilusión (1937) ■ Ciudadano Kane (1941, págs. 66–71) ■ Cancán
francés (1954) ■ Sonrisas de una noche de verano (1955) ■ Gosford Park (2001) )
A finales de la década de 1950, dos entusiastas pasa delante de sus armas.

del cine los encontraron en cajas en el Sin embargo, el propósito de Renoir
laboratorio de cine bombardeado. Con la en esta película no era
ayuda de Renoir, reconstruyeron demonizar a las clases altas.
minuciosamente los negativos. La versión Los presenta como niños, atrapados
restaurada se estrenó en el Festival de Cine en un juego al que se sienten
de Venecia de 1959 con gran éxito. obligados a jugar. "Lo horrible
de la vida es esto:" dice Octave,
Retiro campestre "cada uno tiene sus razones".
La película de Renoir se centra en una
fin de semana en la finca de la dama de Para aumentar la
sociedad Christine (Nora Gregor) y su marido sensación de estar atrapado—
Robert (Marcel Dalio). Las relaciones se Dentro de la casa de campo y
desmoronan gradualmente y el fin de en los juegos sociales
semana terminará en una tragedia. claustrofóbicos de la clase alta,
André (Roland Toutain), un invitado de Renoir desarrolló una nueva
última hora, acaba de volar solo a través del forma de filmar con lentes
Atlántico para impresionar a Christine. ultrarrápidas para permitir una
Cuando ella no aparece para saludarlo, profundidad de campo extrema.
André se niega a seguir las reglas y actuar Esta novedosa técnica de
como un héroe en las entrevistas, algo por lo “campo profundo” significaba
que tendrá que pagar. que podía mantener enfocada la
acción en primer plano mientras se El amor
Su amigo Octave (interpretado por veía a la gente revoloteando de un lado a es un juego que se juega según
Renoir) obtuvo la invitación para André, otro en el fondo, continuando con sus propias reglas complejas y peligrosas en
pero él también tiene segundas historias personales. ■ el mundo cerrado y de clase alta de la película.
intenciones. Octave espera conectar
a André con la antigua amante de Robert,
Geneviève, distrayendo a André de Eso también es parte de los tiempos—
Christine y
Geneviève de Robert.
hoy todos mienten.
Hay intriga tanto arriba André / Las reglas del juego
y abajo. Más tarde, se disparará un
arma y sobrevendrá la tragedia tras un Director Jean Renoir
sangriento caso de error de identidad.
Pero Renoir se asegura de que los espectadores el hijo del recepción de Las Reglas de la
Se que incluso esto cambia. Pintor impresionista Game, Renoir se mudó a los EE. UU., donde
nada en las vidas enclaustradas de PierreAuguste disfrutó de un éxito limitado con películas
sus personajes. Ellos solo Renoir, Jean como
Sigue jugando como antes. Renoir nació en Agua de pantano (1941). Murió en Beverly
La película describe la 1894 en Montmartre, París, y creció Hills, California, en 1979.
insensibilidad del entre artistas. Comenzó como ceramista y
clase dominante, no luego intentó escribir guiones en la década de Películas clave
1920.
más revelador que
1931 La chienne
durante una cacería
Sus primeras películas fueron un fracaso, 1937 Gran ilusión
de conejos, en la que
pero obtuvo grandes éxitos a finales de la 1938 La bestia humana
los hombres disparan 1939 Las reglas del juego
década de 1930. despues de los pobres
contra cualquier animal que
62
MAÑANA ES
OTRO DÍA
LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ / 1939
EN CONTEXTO
GÉNERO
romance historico
DIRECTOR
Víctor Fleming
ESCRITORES
Sidney Howard (guión);

Margarita
Mitchell (novela)
ESTRELLAS
Vivien Leigh, Clark

Gable, Leslie Howard,
Olivia de Havilland
ANTES
1915 El nacimiento de una nación (o Al vestir a Scarlett (Vivien Leigh) para
Como reliquia de un Hollywood el baile, Mammy (Hattie McDaniel)
El miembro del clan), de DW Griffith , Ahora visto con nostalgia reprende a su amante recién viuda por
desaparecido hace mucho tiempo,
una crónica épica de la Guerra Civil, intentar atrapar a un hombre casado.
Lo que el viento se llevó era en sí mismo un
es condenada por racista.
retrato teñido de rosa de una época pasada.
1933 George Cukor dirige Su preámbulo rinde homenaje a una América La depresión y el público quedaron
Mujercitas, un drama familiar de la perdida, en un himno al Viejo Sur: “Aquí, en este cautivados por la gran escala, el
época de la Guerra Civil adaptado de bonito mundo, la galantería hizo su última reverencia.romance y la paleta de colores
Aquí fue lo último que se vio de los ardientes de la película.
las novelas de Louisa May Alcott.
Caballeros y sus Damas, del Amo y
DESPUÉS del Esclavo. Búsquenlo sólo en los Adaptación épica Lo
1948 Vivien Leigh asume el papel libros, porque no es más que un que ahora se considera una gran
principal en la adaptación de Anna sueño recordado, una civilización que epopeya histórica fue una obra de ficción
Karenina de Alexander Korda. se llevó el viento...” En 1939, de Margaret Mitchell, cuya exitosa
de León Tolstoi. Estados Unidos todavía estaba historia de amor sobre la Guerra Civil se
dolido por la pobreza absoluta de la Gran Guerra Patria.
publicó por primera vez en 1936. Antes de ese año

Qué más ver: El general (1926) ■ Mujercitas (1933) ■ Un tranvía llamado deseo (1951,
págs. 11617) ■ Montaña fría (2003) ■ 12 años de esclavitud (2013)
Los pasajes más abiertamente racistas de la

novela simplemente se eluden. Hattie
McDaniel, que interpretó a Mammy, la
esclava doméstica de Scarlett, ganó uno de los
10 premios Oscar de la película: el primer premio africano.
Un hito en la historia del americano ser tan honrado.
cine, y sólo los más En definitiva, esta es la historia de Scarlett.
indiferentes pueden decir de él Si bien la película termina con ella sola,

destrozada por su propio egoísmo, también es
que, francamente, les importa un comino.
una metáfora de Estados Unidos como una
Felipe francés
El Observador, 2010 tierra de esperanza y regeneración. Vivien Leigh Actriz
Aunque Rhett la rechaza, quien evita sus
desesperadas súplicas de reconciliación con Nació en Darjeeling, India, en
un brusco: "Francamente, querida, me importa 1913, Vivien Leigh saltó a la fama
internacional con Lo que el viento se
un comino", la última línea de la película
llevó, convirtiéndose en la primera actriz
pertenece a Scarlett. “Me iré a casa”, dice,
británica en ganar un
pensando en su hogar en Tara, su familia
Óscar a la mejor actriz. Tuvo tanto éxito
estaba fuera, el productor David O. Selznick se y sus raíces, “y pensaré en alguna manera
en el escenario como en la pantalla y ganó
había comprometido a hacer la versión de recuperarlo. Después de todo mañana es
su segundo Oscar por interpretar a
cinematográfica. Fue una tarea gigantesca. El otro día." ■
Blanche DuBois en Un tranvía
borrador del guión duró seis horas y cuatro llamado deseo, un papel que había
escritores lo editaron. interpretado por primera vez en el teatro.
Se dice que durante el año se vieron 1.400 Descrita por el director
incógnitas y decenas de estrellas. George Cukor como “una
papel de su heroína, Scarlett O'Hara. actriz consumada, obstaculizada
Después de esperar un año para que el por la belleza”, Leigh tuvo
actor Clark Gable quedara libre, Selznick una vida privada problemática;
despidió al director George Cukor apenas su frágil salud física y mental
tres semanas después de comenzar el rodaje resultó en una limitada
y lo reemplazó con Victor Fleming.
Amor, pérdida y anhelo

producción. Sucumbió a la
La película es, en el fondo, un triángulo
tuberculosis en 1967 y murió a
amoroso a gran escala: Scarlett (Vivien Leigh) los 53 años.
está enamorada de Ashley Wilkes (Leslie
Howard), quien está comprometida para casarse
con su prima. En el rebote, llama la atención Películas clave
de Rhett Butler (Clark Gable). La violencia de

1939 Lo que el viento
la guerra refleja acertadamente la torturada
se llevó
historia de amor entre Rhett y Scarlett,
1951 Un tranvía
capturada en impresionante Technicolor por
Deseo nombrado
el director de fotografía Ernest Haller.
La descripción de la película y
El estreno de la película en
1939 en Atlanta, Georgia, atrajo
La nostalgia abierta por la sociedad
a un millón de personas a la ciudad.
esclavista del Viejo Sur traiciona muchas Este cartel data de 1967, cuando
suposiciones cuestionables, pero la película se volvió a estrenar
algunas de las en formato panorámico.
64
ERES MARAVILLOSO,
EN UN DESAGRADABLE
TIPO DE MANERA
SU NIÑA VIERNES / 1940
han exclamado: "Oye, es aún

EN CONTEXTO La comedia loca con guión mejor con una mujer y un hombre
Howard Hawks
sobre elbruscamente
mundo de los que con dos hombres”. Y así, en
GÉNERO periódicos es una de las películas más inteligentes.
el guión de Charles Lederer, los
Comedia loca de la era del blanco y negro. Famoso por dos periodistas se
DIRECTOR sus diálogos superpuestos y rápidos convierten en
Howard Hawks como una ametralladora, retrata a periodistas recientemente
que se rebajarán a cualquier cosa en su divorciada
ESCRITORES búsqueda de una buena historia. Los pareja: editor
Charles Lederer protagonistas destacados de la prensa de duro
(guión); Ben Hecht, la película mienten, engañan y conspiran, Walter Burns
Charles MacArthur (obra) pero se ganan al espectador con su encanto,
energía y brillante sincronización cómica.
ESTRELLAS
cary conceder, Adaptación del juego

Rosalind Russell Su Girl Friday se basó en
ANTES una obra de 1928 sobre
1931 La primera versión
el corrupto mundo de la prensa.
La portada, de la cual
cinematográfica de la obra de una versión cinematográfica
teatro The Front Page está
ya se había hecho.
dirigida por Lewis Milestone y en el frente
protagonizada por Adolphe Menjou y Pat O'Brien.
Page, la batalla de
DESPUÉS ingenio es entre dos
1941 Grant y Russell repiten periodistas, pero Hawks hizo un
sus papeles para una versión
cambio clave. Después de
radiofónica de la película, transmitida
leer escenas de la obra con su
novia, se dice que Hawks
por The Screen Guild Theatre.
1974 Billy Wilder dirige una nueva

versión de The Front Page,
Walter (Cary Grant) planea
evitar que su ex esposa
protagonizada por Jack Lemmon
Hildy (Rosalind Russell) se case
y Walter Matthau. con otro recordándole cuánto
ama su trabajo.

Qué más ver: Bringing Up Baby (1938) ■ The Philadelphia Story (1940) ■ Roman Holiday (1953) ■
La picazón de los siete años (1955) ■ El apartamento (1960)
y Hildy Johnson, su ex esposa, que

es una excelente periodista. Este Director : Howard Hawks
cambio añadió un ángulo romántico a
Howard Hawks el silencioso Camino a la Gloria. Cuando
la sátira, jugando con ideas de lo que
hombres y mujeres quieren en la vida. Dirigió más de 40 pasó al cine sonoro, su thriller de
películas clásicas gánsteres de 1932, Caracortada , fue un
El dilema de una mujer de Hollywood, gran éxito, al que siguieron una serie de
pero sólo al final películas, entre ellas comedias excéntricas
En la escena inicial, Rosalind
de su vida llegó a ser reconocido como con Cary Grant, como Bringing Up Baby.
Hildy de Russell, luchando por
uno de los grandes directores. Nacido
pronunciar una palabra en un rápido en Goshen, Indiana, en 1896, Hawks y su chica el viernes. Las películas
combate verbal con su exmarido y se mudó con su familia a California posteriores incluyeron clásicos del
exjefe Walter. en 1910 y se involucró en el negocio cine negro como The Big Sleep y
(Cary Grant), anuncia que está a punto del cine, trabajando brevemente como Western Rio Bravo (1959).
de casarse con el asegurador Bruce utilero en un puñado de películas como
Baldwin (Ralph Bellamy). The Little American (1917). Películas clave
Bruce es aburrido, pero Hildy
dice que quiere escapar del bestial y 1932 Caracortada
corrupto mundo del periodismo para Después de servir en la Primera Guerra Mundial 1938 Criando al bebé
convertirse en "un ser humano" que Como aviador, regresó a 1940 Su chica viernes
Hollywood, donde escribió y dirigió su 1944 Tener y no tener
vive una vida "normal" como esposa y
madre. Es una elección entre el hogar y primera película en 1926, 1946 El gran sueño
la carrera, pero Walter está seguro de que

La emoción del mundo de la Hildy lo acompaña en cada paso del
prensa es demasiado atractiva para camino y por eso, por supuesto, están
que ella deje su puesto de reportera hechos el uno para el otro. ■
estrella. La película gira en torno a
sus esfuerzos por recordarle esto,
mientras la involucra en una noticia
que se desarrolla sobre la próxima
ejecución del asesino convicto Earl Williams (John Qualen).
Walter se comporta de manera
escandalosa en sus esfuerzos por recuperar a Hildy.
Apenas pierde el ritmo cuando
Molly, la chica que se ha hecho amiga
de Williams, salta a la muerte desde
una ventana. Sin embargo, Grant otorga
Walter con tal garbo y pura astucia
que el espectador
Lo busca mientras atrae a Hildy.
No es de extrañar que Hildy le diga:
"Walter, eres maravilloso, en un
sentido repugnante". Y todavía
¿Quién crees que

soy, un delincuente? La película utiliza gran parte del guión de
la obra original, pero Hawks también animó
Walter / Su chica viernes a los actores a improvisar.
NO ES SUFICIENTE
DINOS
LO QUE HIZO UN HOMBRE.
TIENES QUE DECIRNOS
QUIÉN ERA ÉL
CIUDADANO KANE / 1941
68 CIUDADANO KANE
EN CONTEXTO No creo que la

explicar ninguna
vida de palabra pueda
un hombre”, dice
Charles Foster Kane, el imponente
GÉNERO
barón de la prensa protagonista de Ciudadano
drama de misterio
Kane. Y, sin embargo, la genialidad de esta
DIRECTOR película, coescrita, protagonizada y dirigida por Su fiel espectador informa que
Orson Welles Orson Welles con sólo 25 años, es que hace acaba de ver una imagen que
precisamente eso: toma una sola palabra que cree que debe ser la mejor
ESCRITORES captura el origen y la esencia del voluble
que jamás haya visto.
Orson Welles, Kane y provoca al público. con él durante casi John O'Hara
Herman J. Mankiewicz dos horas, antes de ofrecer una pista enigmática Semana de noticias, 1941
sobre su significado.
ESTRELLAS
Orson Welles, José

Cotten, Dorothy Filmada en secreto para prevenir
Comingore intentos legales de bloquear la producción, y
ANTES anunciada ambiguamente como una historia
1938 Welles dirige una adaptación de amor, Welles se preparó para problemas dispositivos temporales. Luego, la narración
tras su estreno. El personaje de Kane no cambia a un clip de noticiero que recuerda
radiofónica de La guerra de los
sólo se basaba en una persona viva, sino la vida y las hazañas del gran Kane. Muestra la
mundos de HG Wells , sobre una
también en una persona extremadamente construcción de su casa señorial, Xanadú,
invasión desde Marte. Se dice que
poderosa. una enorme mansión que llena de arte
su estilo de boletín de noticias hizo Ciudadano Kane es un asesinato (“Suficiente para diez museos, el botín del
que algunos oyentes creyeran
misterio sin asesinato, a pesar de que mundo”). Muestra la influencia de Kane
que era real.
comienza con Kane, en la vejez, como un extendiéndose por los EE. UU. y luego por
DESPUÉS moribundo. todo el mundo, mientras está de pie en un
El thriller negro de Welles Touch of Evil, Comenzar su película por el final es sólo la balcón junto a Adolf.
primera de muchas iniciativas innovadoras de Welles.
de 1958 , cuenta una historia de corrupción
en una ciudad fronteriza mexicana.
1962 Welles realiza una adaptación Vejez. Es la única enfermedad... que

visualmente impresionante de la
novela El proceso de Franz Kafka. No esperes que te curen.
Bernstein / Ciudadano Kane
Director: Orson Welles
La vida de Welles refleja la de Charles incluido el montaje final de Citizen Kane. Su

Foster Kane, en el sentido de que fue siguiente película , The Magnificent
acogido por un amigo de la familia, después Ambersons, fue masacrada por RKO, la
de haber perdido a ambos padres a los 15 primera de muchas disputas creativas que
años. En 1934, comenzó a trabajar en obras plagarían su carrera. Murió a los 70
de radio y en 1937 fundó el Mercury años en 1985.
Theatre, dos cosas que lo llevarían a gran
notoriedad en 1938 cuando la compañía
representó La Guerra de los Mundos como Películas clave
transmisión de noticias en vivo. Welles fue
contactado por RKO Studios en Hollywood, donde 1941 Ciudadano Kane
le dieron privilegios inauditos para un nuevo 1942 Los magníficos Amberson
director. 1958 Toque del mal
1962 El juicio

Qué más ver: Los magníficos Amberson (1942) ■ La dama de Shanghai (1947) ■ El tercer hombre (1949,
pp.100–03) ■ Touch of Evil (1958, p.333) ■ The Trial (1962) ■ Orson Welles y yo (2008)
Minuto por minuto

00:12 00:33 01:26 01:36
Después de un noticiero sobre la Bernstein le cuenta a Thompson Thompson habla con Susan. Susan toma una sobredosis y
vida de Kane, el reportero sobre los primeros días en el Ella describe su matrimonio con dice que ya no quiere cantar.
Jerry Thompson tiene la tarea de Inquirer, en los que Kane Kane y cómo él la obligó a seguir
descubrir el significado de la escribió su "Declaración de principios". cantando. Kane la abofetea y ella lo
última palabra de Kane, "Rosebud". abandona.
00:00 00:15 00:30 00:45 01:00 01:15 01:30 01:59
00:18 00:49 01:32 01:49

Thompson lee las memorias de Leland cuenta Después de la primera noche de Susan, El mayordomo le
Thatcher, que cuentan la historia del El infeliz primer Kane escribe la reseña de Leland dice a Thompson que
joven Charles Kane, a quien Thatcher matrimonio de Kane y para él, describiendo sinceramente Kane destrozó la habitación
había adoptado, y cómo Kane se cómo comenzó la aventura su actuación como terrible. después de que Susan
hizo cargo por primera vez del con Susan que acabaría Luego despide a Leland y nunca se fue y dijo "Rosebud"
periódico Inquirer . con su carrera política. vuelven a hablar. al ver una bola de nieve.
Hitler (corte a una toma de Kane

declarando pomposamente: “Puedes
confiar en mi palabra, no habrá guerra”).
Luego vienen las mujeres en su vida y
cómo una aventura ilícita truncó su
carrera política. Se muestra al público
su ascenso, caída y retirada de la vida
pública.
El enigma de Rosebud
Cuando termina el noticiero, su
productor no está satisfecho: quiere
saber quién es Charles Foster Kane.
no fue lo que hizo, y envía al reportero
Jerry Thompson (William
Alland) para descubrir el significado de la
palabra que Kane pronunció con su último
aliento: "Capullo de rosa". En este
punto, Ciudadano Kane se convierte
esencialmente en dos películas. El
marco es la vida de Kane tal como la
cuentan sus amigos y enemigos, mientras
Thompson se enfrenta a este
extraordinario enigma envuelto en un
enigma más grande que la vida
real. Pero Welles también ofrece
astutamente al público otras escenas de la vida de Kane en flashback, un
En días más felices, Kane y Leland están

rodeados de copias del Inquirer. Kane
tiene la intención de utilizar el periódico para
hacer campaña a favor de la gente común,
una promesa que Leland luego le devolverá.
70 CIUDADANO KANE
técnica que finalmente le permitirá revelar Kane a través de la ventana, jugando en la Welles.) Sin embargo, Welles llevó su cámara
la verdad que eludirá a Thompson y a nieve, sin darse cuenta. Es un truco de tan abajo que, para una escena en la que
todos los demás. perspectiva simple importado del teatro y Kane habla con su amigo.
Buena parte de la película se utiliza para capturar la tragedia que le Leland, después de perder su primera elección,
El éxito artístico se puede atribuir a sucede a Kane. Es el momento en que la hubo que cavar un agujero en el suelo de
La experiencia de Welles trabajando en teatro. vida hormigón del estudio.
Ciudadano Kane es una película que debería haber liderado los extremos. El aporte de Toland es una parte vital de
no sólo utiliza recursos temporales en la El legado de Ciudadano Kane , ya
narrativa, sino también espaciales, de modo Tomas innovadoras que, aunque sellaría el estatus de Welles
que a veces casi puede Welles y el camarógrafo Gregg Toland como uno de los primeros directores de
Parece una película en 3D. en un momento crucial emplearon dispositivos espaciales de autor de Estados Unidos, fue en gran
En las primeras escenas, Thompson descubre este tipo a lo largo de la película, una hazaña medida un esfuerzo de colaboración. También
cómo Kane nació en una familia pobre que lograda con lentes de enfoque profundo y vital fue el riesgo que tomó Welles con
descubrió oro en sus tierras y, como parte de ángulos de cámara tan bajos que Kane puede su elenco y equipo de producción, para quienes
un acuerdo comercial, entregó al niño a aparecer, de diversas formas, como un titán Citizen Kane lanzó su
un tutor rico. Mientras se hace el trato en y un gángster. Esto en sí mismo era una carreras en el cine. Muchos de los actores eran
primer plano, vemos al joven novedad, ya que antes de Ciudadano Kane los desconocidos para el público: procedían del
cineastas rara vez utilizaban planos grupo Mercury Theatre de Welles. Su editor,
ascendentes, por la sencilla razón de que pocos Robert Wise, pronto comenzaría una
estudios tenían techos debido a los equipos de exitosa carrera como director; y la partitura
Leland (Joseph Cotten) habla en el
mitin político de Kane. Al final, la iluminación y sonido. marcó el debut de Bernard Herrmann, que más
campaña y su amistad se verán (“Una gran mentira para poder poner todas tarde formaría un
descarriladas por la obsesiva aventura de Kane.
esas terribles luces allí”, dijo
todo demasiado claro. Es una falacia común

Vidas paralelas
que la película fracasó en su estreno (fue
la sexta película más taquillera del año y
El personaje de Charles Foster Kane era un retrato brutal del magnate de la prensa William
estuvo nominada a nueve premios Oscar),
Randolph Hearst. Decidido a cerrar la película, Hearst hizo quemar negativos y emprendió una
campaña para desacreditar a Welles.
pero una prohibición total por parte del vasto
imperio mediático de Hearst aseguró
que su éxito fuera breve.
vivido. Aunque satiriza varios ideales
Kane contra Hearst preciados, incluido el sueño americano
(Kane no ve ninguna ironía en ser un capitalista
Kane es dueño del Nueva York Kane recauda “suficiente para diez autocrático que afirma luchar por el hombre
Investigador; el New York Journal está museos”; Hearst acumuló miles de
común), Ciudadano Kane siente simpatía por
en el imperio mediático de Hearst objetos de arte
su tema. Con Kane muerto y Thompson
El Kane ficticio aspira a ser Kane tiene una amante, cantante. incapaz de terminar su búsqueda, la cámara
presidente de Estados Unidos, al Susan Alejandro; La de Hearst era de Welles lleva a los espectadores a
igual que el Hearst en la vida real la actriz Marion Davies.
través del desorden de Xanadu, donde se está
Kane vive en la vasta finca Xanadu en La madre de Kane encuentra una
guardando la vasta y llamativa colección de
Florida; Hearst vivió en el castillo de mina de oro; Hearst era hijo de un arte de Kane.
Hearst, California. millonario minero de oro.
Finalmente, la toma se centra en el
trineo, llamado Rosebud, con el que Kane
estaba jugando en la nieve afuera de
Amplia asociación creativa con Alfred En ese momento, cuando su la choza de sus padres. Nadie, excepto
Hitchcock. Pero más que nada, la esposa descubrió su aventura, Kane Kane y nosotros, sabe que este trineo
brillantez de la película se debe a simplemente dice secamente: "No tenía representa el momento clave de su vida: el
su guión, que Welles coescribió con el idea de que tuvieras este don para el melodrama, momento
Emily". en que perdió la inocencia y
guionista. la felicidad. ■
Herman J. Mankiewicz. Aunque la Paralelos con Hearst
contribución exacta de Mankiewicz A pesar de las discusiones sobre quién
ha sido cuestionada, a menudo por Welles, la escribió qué, todos coinciden en que
película tiene una extensa fue a Mankiewicz a quien se le ocurrió la idea
rastros del estilo satírico de Mankiewicz: de la película. Habiendo alcanzado cierto
en uno particularmente cargado éxito como escritor
En la era del cine mudo, Mankiewicz
se convirtió en un solicitado doctor
de guiones, y fue en esta capacidad que
conoció al magnate de la prensa William
Randolph Hearst y a su amante, la actriz
de cine Marion Davies. Aunque todos lo
El estilo de la película negaron (incluido Hearst, quien se comportó
se hizo con la facilidad, la con una determinación muy parecida a la
audacia y el recurso de alguien de Kane para destruir la película y la
que controla y no es controlado reputación de sus realizadores), los
paralelismos entre Hearst y
por su medio.
Dilys Powell Kane eran
El Domingo Veces , 1941
El ojo de Welles para la publicidad era

evidente en los carteles del estreno original, que
hablaban de la película sin revelar nada.
72
DE TODAS LAS GIN JOINTS EN TODOS

LOS PUEBLOS DE TODO EL MUNDO,
ELLA ENTRA EN EL MIO
CASABLANCA / 1942
elección, estaba ansioso por pasar a

EN CONTEXTO Hecho aWar
la II,altura delesmundo.
Casablanca un Por quién doblan las campanas (1943); y
romance ambientado en neutral según todos los informes, no hubo amor
GÉNERO
Marruecos, justo cuando los combates perdido entre Humphrey Bogart
Drama romántico
se acercan incómodamente.
DIRECTOR Pocos de los que trabajaron en la
Warner Bros. promocionó la película
Michael Curtiz producción pensaron que estaban haciendo como un romance típico de su época,
una gran película. Ingrid Bergman, que no sin pensar que se convertiría en una de
ESCRITORES había sido la primera vez que los productores las películas más populares jamás realizadas.
JJ y PG Epstein, Howard E.
Koch, Casey Robinson
ESTRELLAS
Humphrey Bogart, Ingrid

Bergman, Paul Henreid
ANTES
1938 Argel, un thriller romántico
protagonizado por Hedy Lamarr, está
ambientado en el norte de África.
1941 El halcón maltés

convierte a Humphrey Bogart en una estrella.
DESPUÉS
1944 En Tener y no tener, Bogart
y Lauren Bacall protagonizan otra
historia de la Resistencia.

Qué más ver: Sólo los ángeles tienen alas (1938) ■ El halcón maltés (1941, p.331) ■ Tener y no tener (1944) ■ Breve encuentro (1945,
p.332) ■ Notorious (1946) ■ Key Largo (1948) ■ Charada (1963) ■ Tócala de nuevo, Sam (1972)
Sam, el pianista del Rick's Café imaginar. Como descubrimos a mitad de la

(centro), fue interpretado por Dooley Wilson. película, Rick, el cínico y bebedor propietario de
Era líder de banda y baterista, pero no Rick's Café Américain, un club nocturno de lujo,
pianista, y tenía que hacer mimo.
se ha visto afectado en París por la repentina
deserción de su amante, Ilsa (Bergman),
y Paul Henreid, que fue su rival por el corazón mientras los alemanes estaban invadiendo . Es una
de Bergman. Y, sin embargo, la película fue Herido, se retiró a Casablanca, una ciudad película para
un éxito instantáneo. llena de espías, colaboradores nazis,
ver una y otra vez.
Al final de la película, combatientes de la Resistencia y refugiados Sheila Johnston
Rick, el personaje de Bogart, dice: "No hace desesperados. El A diario Telégrafo , 2014
falta mucho para darse cuenta de que el
Los problemas de tres personitas no son un
montón de frijoles en este La sombra de la guerra
mundo loco." Casablanca consigue hacer sentir "No me juego el cuello por nadie", dice Rick.
a su público que el En respuesta a la pregunta del mayor Strasser:
Los problemas de estas personas son lo "¿Cuál es su nacionalidad?"
más importante que pueden La respuesta de Rick es: "Soy un borracho". Pero en un paralelo revelador con la guerra
real, una postura tan neutral resulta
Tócala, Sam. Juega a medida que pasa el tiempo. imposible. En su bar, distintas facciones
finalizan una velada compitiendo con sus
Ilsa Lund / Casablanca nacionales
74 CASABLANCA
himnos, y Rick debe elegir bando.

Permite que la banda toque la
Te subirás a ese avión con Víctor
Marsellesa para ahogar a los al que perteneces.
alemanes. En el mismo momento en que
se filmaba Casablanca , Estados
Rick / Casablanca
Unidos, previamente neutral, se unió
a la lucha contra Alemania y Japón y, En noviembre de 1942, los aliados Rick abandonado. cuando rick
como se estrenó en Nueva York en avanzaban hacia las potencias del Eje descubre que Ilsa y Laszlo necesitan su
para capturar Casablanca de verdad. ayuda, se ve obligado a tomar una
Cuando Ilsa llega a su club, Rick decisión. ¿Se queda con los papeles
Rick le dice a Ilsa en el aeropuerto
se muestra decididamente frío con ella que necesitan y, por lo tanto, se queda
que debe subir al avión con su
esposo, luchador de la y comenta con ironía: "De todos los con Ilsa, o la deja ir? Al final, Rick hace lo
Resistencia, Victor Laszlo. locales de ginebra de todas las noble y sube a Ilsa a un avión hacia la
ciudades del mundo, ella entra al mío". libertad con Laszlo. En una despedida
Pero Ilsa todavía ama a Rick. Su desgarradora, mientras están junto
Marido luchador de la resistencia, al avión, él explica por qué ella se
Victor Laszlo (Henreid), apareció arrepentiría de quedarse con él:
vivo cuando ella lo creía muerto, “Tal vez no hoy, tal vez no mañana, pero
y por eso pronto y para siempre.
el resto de
su vida."
Es un
Humphrey Bogart
Actor
Humphrey Bogart era famoso

por interpretar a forasteros
cansados del mundo con una vena
noble. Nacido el día de Navidad de
1899 en una familia adinerada de
Nueva York, tuvo una infancia
Los actores Henreid, Bogart y privilegiada, aunque solitaria. Sirvió
Bergman no supieron, hasta el último en la Marina de los EE. UU. durante
día de rodaje, quién subiría al avión. la Primera Guerra Mundial, después de
Esta incertidumbre contribuyó a la lo cual luchó durante una década para establecer su
ambivalencia emocional de la
carrera como actor antes de
actuación de Bergman. finalmente hacerse un nombre
Se trata de un hombre y
interpretando a gánsteres y villanos
una mujer que están
en películas de serie B de Hollywood.
enamorados y que por el bien mayor. Claramente se trata
Su gran avance se produjo cuando
sacrifican el amor por un propósitode un mensaje poderoso en el momento del
superior. interpretó al héroe dañado en El
Roger Ebert estreno de la película, pero no ha perdido
halcón maltés. Siguieron una serie
Chicago SunTimes , 1996 nada de su poder a lo largo de los años. De
de grandes papeles cinematográficos,
hecho, el público actual puede verse tentado a entre ellos Tener y no tener, El gran
mirar hacia atrás, a un mundo mejor, aunque sueño y Cayo Largo (1944), con
ficticio, en el que la gratificación personal parecía su esposa Lauren Bacall. el
tener menos probabilidades de prevalecer africano
sobre la causa común, mientras que la Queen le valió a Bogart su único
química en pantalla de las estrellas de la Premio de la Academia, al Mejor
momento profundamente conmovedor. Si bien película aumenta el placer del Actor, en 1951. Apareció en más
el público anhela que el romance perdure, espectador al identificarse con a ellos.
de 75 películas a lo largo de
reconoce que la nobleza debe triunfar. Sin embargo, el atractivo de la película una carrera de 30 años y murió, a
los 57 años, en 1957.
no reside únicamente en la pasión y el
altruismo de sus protagonistas. Tiene un fuerte
Atractivo duradero elenco de personajes secundarios, incluido

Cuando Rick le dice a Ilsa: "Te subirás a ese un traficante del mercado negro interpretado Películas clave
avión con Víctor al que perteneces", el público por Peter Lorre y un jefe de policía interpretado
1941 El halcón maltés
comparte indirectamente su heroísmo y su por Claude Rains. Ambos desempeñan
1944 Tener y no tener
autoestima. papeles moralmente ambiguos en un mundo
1946 El gran sueño
Negación: disfrutar de la gloria reflejada de corrupto, pero finalmente son redimidos 1951 La reina africana
renunciar al amor romántico. junto con el cínico y bebedor Rick. ■
76
¿CÓMO TE ATREVES
A LLAMARME JAMÓN?
SER O NO SER / 1942
El estreno de la película en
EN CONTEXTO es asombroso
ahora a darse cuenta marzo de 1942 se vio empañado
ese ernst por la tragedia. Carole Lombard
GÉNERO había muerto en un accidente
Lubitsch es hilarante
Comedia de guerra aéreo semanas antes, mientras
La sátira de los nazis
se trabajaba en posproducción.
DIRECTOR comenzó a producirse
Ernst Lubitsch en 1941, cuando el
Estados Unidos aún no los actores siguen siendo
ESCRITORES había entrado al Mundial actores, sin importar en qué
Melchor Lengyel, Segunda Guerra y fue situación se encuentren. Pero
Edwin Justus Mayer manteniendo aún la la historia rápidamente se
neutralidad. Lubitsch, volvió mucho más oscura que eso.
ESTRELLAS
nacido en Alemania, se Aunque fue hecha en
Jack Benny, Carole
propuso desafiar esa neutralidad. Hollywood, la película está ambientada
Lombard, Robert pila
Consciente del riesgo político que estaba en Varsovia, Polonia, en 1939,
ANTES asumiendo, salió del sistema de estudios por justo cuando Alemania está a
primera vez en su carrera y firmó un contrato punto de invadir. Los miembros
1940 La tienda de la esquina, la
exitosa comedia romántica de Lubitsch, con United Artists. Esto le pagó menos de lo muy nerviosos de una compañía
habitual pero le dio control artístico. de teatro...
también se desarrolla en Europa en
vísperas de la Segunda Guerra Mundial. Dirigidos por Joseph
Tura (Jack Benny) y la
DESPUÉS La historia fue inusual para Lubitsch protagonista que también
1943 Después de la decepcionante porque no fue tomada de una fuente es su esposa, María
recepción inicial de Ser o no ser, existente, sino que fue desarrollada por él (Carole Lombard), están
Lubitsch regresa a las comedias más con dos colaboradores de confianza, ensayando una parodia
convencionales con El cielo puede el guionista húngaro Melchior Lengyel y el antinazi durante el día y
esperar. dramaturgo estadounidense Edwin Justus Mayer. representando Hamlet de
Shakespeare.
1983 Se rehace To Be or Not to
por la noche. Cuando María
Be , con los actores de comedia comienza una relación
La vanidad de los actores
formados por marido y mujer El punto de partida fueron los recuerdos de sentimental con un joven y
Mel Brooks y Anne Bancroft en los
Lubitsch sobre la vanidad de los actores apuesto admirador, el
papeles principales. durante sus años en los escenarios de teniente piloto Stanislav
Berlín, y su observación de que Sobinski (Robert

Qué más ver: Problemas en el paraíso (1932) ■ Ninotchka (1939) ■ La tienda de la esquina (1940) ■
El cielo puede esperar (1943) ■ Esa dama de armiño (1948)
Stack), se ve envuelta en un plan para

localizar a un espía alemán que está a punto
Ernst LubitschDirector
de poner en peligro la red de la Resistencia Nacido en Berlín Paradise (1935) encontró formas de pasar
polaca. En una farsa que escala en 1892, Ernst de contrabando ideas atrevidas más
rápidamente, los actores (muchos de ellos Lubitsch ingresó en allá de la censura: un truco conocido
judíos) usan sus habilidades para disfrazarse el Deutsches como “el toque Lubitsch”. Esto dio sus
para engañar a los invasores nazis. Theatre en 1911. Dos años más tarde frutos en comedias como Ninotchka.
debutó en la pantalla con The (1939). Murió en 1947 a los 55 años.
Comedia oscura Esposa ideal, pero en 1920 su atención
Esto se parece mucho a se centró en la dirección. Se fue a Películas clave
premisa de un oscuro e intrincado thriller Estados Unidos en 1922 para dirigir
de espías como las comedias a Mary Pickford en la exitosa película 1940 La tienda de la esquina
románticas y ligeras por las que Lubitsch era Rosita e hizo una transición sin problemas.
en sonido. Con problemas en 1942 Ser o no ser
conocido, que es exactamente lo que
pretendía el director: una sátira/comedia con
intenciones oscuras. Lubitsch afirmó Decidí hacer una película sin intentar Curiosamente, una sátira del mundo del
del que quería mantenerse alejado relevar a nadie de nada en ningún momento”. espectáculo (el obsesionado Tura se
dos fórmulas cómicas tradicionales: La película logra ser a la vez un panfleto consuela con la idea de que un miembro de
“Drama con relieve cómico y comedia antifascista y, la audiencia que se marcha durante su
con relieve dramático. Yo tenía soliloquio de Hamlet puede haber estado
sufriendo un ataque cardíaco).
No lo sé, no es convincente. La guerra proporciona el contrapunto
aleccionador de la comedia: la gente
Para mí, es sólo un hombre con muere. Hay un doble filo en el mensaje en
un bigotito. clave que Sobinski le pasa a María, sin
saberlo, a través de un agente doble. "Ser o
Director de escena / Ser o no ser no ser,"
dice, y mientras los Tura dirigen
valientemente su grupo de teatro
en un juego mortal de doble
farol, queda claro que Lubitsch está
utilizando la famosa frase de
Hamlet para cuestionar una
Estados Unidos
complacientes. ¿Luchar
o no luchar y dejar que
los nazis se salgan con
la suya? Para Lubitsch esto
no era ninguna duda. ■
El actor judío Bronski

(Tom Dugan) y los
demás miembros del
elenco de Tura engañan a
los alemanes disfrazándose
de Hitler y su séquito.
78
HACE CALOR AQUÍ

POR LA ESTUFA
OSESSIONE / 1943
EN CONTEXTO El debut de Luchino Visconti

Tras su estreno en Italia,
como director tuvo que competir
GÉNERO
con la desaprobación del régimen fascista.
Cine negro, romance
También se vio acosado por problemas
DIRECTOR de derechos de autor, pero su adaptación Una película que apesta a letrinas.
Luchino Visconti no autorizada de la novela policíaca de 1934 Gaetano Polverelli
de James M. Cain, El cartero siempre Ministro de Cultura de Mussolini
ESCRITORES
llama dos veces, ha perdurado tan bien
Luchino Visconti, Mario Alicata, como las versiones posteriores de Hollywood.
Guiseppe De Santis, Gianni
Puccini (guión); James M. Un estudio de los celos
Aunque Visconti sería conocido por el
Caín (novela) estilo exuberante, barroco y
melodramático de películas posteriores Ninguno de los protagonistas es un
ESTRELLAS
como Senso (1954), Ossessione héroe o una heroína sencilla. El vagabundo
Clara Calamai, Máximo Gino (Massimo Girotti) es sucio y
refleja su formación como asistente del
Girotti, Juan de Landa. director francés Jean Renoir, quien le arruinado, y a la hermosa y engañada
ANTES regaló por primera vez el libro de Caín. Giovanna (Clara Calamai), casada con el
Ha sido anunciado como el primero de los descuidado dueño de un restaurante
1935 Comienza la carrera
Películas neorrealistas italianas rodadas Giuseppe (Juan de Landa), nunca se le
cinematográfica de Visconti como
en las tórridas llanuras del delta del Po permiten los adornos de la mujer fatal. A
asistente de dirección en el drama Toni de Jean Renoir.
para capturar la textura de la vida los ojos de Visconti, Giovanna no es una
DESPUÉS cotidiana. tentadora y Gino no es un villano; es la
1946 El cartero siempre llama Si bien Ossessione es nominalmente opresión del capitalismo lo que desvía
dos veces, de Tay Garnett una historia criminal, Visconti minimiza a la clase trabajadora.
esos elementos, creando una historia Fue esta opinión la que ofendió a los
es la primera adaptación estadounidense
de la novela. Está protagonizada por Lana sobre la desesperación y los celos. fascistas, lo que llevó a la censura a
Turner y John Garfield. Ambos personajes principales están masacrar la copia maestra.
Afortunadamente, Visconti guardó una huella secreta. ■
estancados: uno en un matrimonio, otro en el camino.
1981 La segunda versión estadounidense
está protagonizada por Jack Qué más ver: El cartero siempre llama dos veces (1946) ■ El ladrón de bicicletas
Nicholson y Jessica Lange. (1948, págs. 94–97) ■ El leopardo (1963) ■ Muerte en Venecia (1971)
¡QUÉ SINGULARMENTE
INOCENTE ME PARECE
ESTA MAÑANA
LAURA / 1944
La investigación de McPherson
EN CONTEXTO En el cine negro, Laura funciona cumple todos los requisitos
Aunque es mejor
sinónimo
cuando se la ve como una para una película de detectives: el
GÉNERO
romance retorcido. La película de Otto díscolo playboy de Laura, su tía de
Cine negro, romance
Preminger se desarrolla como un triángulo dos caras y su mejor amiga
DIRECTOR amoroso dentro de un misterio de sobreprotectora, pero Preminger
asesinato, cuando el detective de Nueva agrega una cualidad extraña y onírica a la pelíc
Otto Preminger
York Mark McPherson (Dana La fórmula de la mujer fatal es
ESCRITORES
Andrews) se enamora del personaje Ligeramente subvertido: Tierney interpreta
Jay Dratler, Samuel principal (Gene Tierney), una bella a Laura como una sirena involuntaria,
Hoffenstein, Isabel ejecutiva de publicidad aparentemente sin darse cuenta del hechizo que está lanzando.
Reinhardt (guión); asesinada a tiros en la puerta de su casa al principio. El ingenioso guión de la
Vera Caspary (novela) película todavía brilla hoy en
día y cuenta con una
ESTRELLAS
suntuosa música original
Gene Tierney, Dana de David Raksin, cuyo
Andrews, Clifton Webb tema principal se convirtió en un
ANTES estándar del jazz. ■
1940 Tierney hace su

debut en la pantalla con El
regreso de Frank James, de Fritz Lang. Escritor Waldo
Lydecker (Clifton)
DESPUÉS Webb, centro)
1955 El hombre del brazo de y playboy
oro, de Preminger , trata la shelby
Carpintero
drogadicción, uno de los (Vincent Price)
varios temas controvertidos son dos de los
que abordará. Hombres
1959 En Anatomía de un sospechosos en la vida de Laura.

asesinato, Preminger describe
la violación con más franqueza Qué más ver: Déjala al cielo (1945) ■ Los asesinos (1946) ■ Construye mi horca
que nunca en las películas de Hollywood.
en alto (1947, p.332) ■ Anatomía de un asesinato (1959)
80
UNA PATADA EN EL TRASERO,

SI BIEN ENTREGADO,
ES UNA RISA SEGURA
HIJOS DEL PARAÍSO / 1945
Rodaje en Vichy Francia
EN CONTEXTO Uno de los
hitos muchos
del francés grandes La ambición y la escala de la
cine, Hijos de La película requirió un gran elenco y
GÉNERO
Paradise (Les enfants du paradis), realizada equipo de producción. El elenco incluía
Drama romántico
en el apogeo de la ocupación alemana en colaboradores nazis, a quienes los productores
DIRECTOR 1943 y 1944, se considera ahora una de habían sido obligados a contratar. Pero lo
Marcel Carné las más grandes. Con un apasionante que los capataces de Vichy no sabían era
guión del poeta Jacques Prévert, el que
ESCRITOR
director Marcel Carné convirtió Carné había encontrado un lugar para
Jacques Prévert Guerrilleros de la Resistencia entre los
ESTRELLAS
una historia ambientada en el París de 1830 1.800 extras, que utilizan la película como
sobre el amor de cuatro hombres diferentes por el cobertura diurna para sus actividades clandestinas.
Arletty, JeanLouis Barrault,
enigmática cortesana Garance en un drama
Pierre Brasseur, Marcel
profundo y romántico.
Herrand, Luis Salou
La película en sí es gloriosa.
ANTES Pero, ¿qué hace que el logro
1939 Se estrena la novela histórica de Carné y Prévert aún más extraordinario
estadounidense Lo que el viento se llevó . es el grado de dificultad que superaron

incluso para llegar a la Francia ocupada.
1942 Ambientada en 1485, Los Un poema cinematográfico
visitantes nocturnos es la primera película sobre la naturaleza y las
Prácticamente, los materiales para
realizada durante la Segunda Guerra decorados y vestuario eran casi variedades del amor: sagrado y
Mundial por Carné y Prévert con Arletty. inexistente: fruta y panes de profano, desinteresado y posesivo.
pan destinado a ser utilizado en
Paulina Kael
DESPUÉS 5001 Noches en el Películas,
La cámara fue devorada por miembros del
mil novecientos ochenta y dos
1946 Carné y Prévert se

equipo medio muertos de hambre. Bajo la
reúnen para hacer Las puertas de la
mirada de los nazis y del régimen francés
noche, pero es un fracaso y nunca
de Vichy, cada movimiento fue monitoreado.
vuelven a trabajar juntos.
Y, sin embargo, la invención (y la
independencia) de Carné triunfó.

Qué más ver: Le jour se lève (1939) ■ Lo que el viento se llevó (1939, p.62–63) ■ Le Colonel Chabert (1943) ■ El fantasma de la ópera
(1943) ■ Un americano en París (1951) ■ El último metro (1980)
Derramaría torrentes de sangre

para darte un río de diamantes.
Pierre François Lacenaire / Los hijos del paraíso
en sus teatros vulgares. En un momento atractivo sexual en su interpretación de

del rodaje, cuando se esperaba una Garance, fascinando a los cuatro hombres
invasión aliada del sur de Francia, la que compiten por su amor.
producción se vio obligada a
abandonar Niza y trasladarse a París, sólo Pretendientes históricos
para descubrir, a su regreso, que el Tres de estos pretendientes se basan en
decorado había sido arruinado por personajes históricos reales: JeanLouis
las tormentas. Barrault interpreta al mimo Baptiste
Tuvo que ser completamente reconstruido. Deburau, que transformó el papel de Pierrot en
A pesar de estos problemas, un personaje conmovedor e infantil; Pierre
Carné y su equipo lograron crear una película Brasseur interpreta al actor Frédérick Lemaître;
fastuosa y técnicamente brillante, y lograr y Marcel Herrand, el suave criminal Pierre
actuaciones inolvidables del elenco. La François Lacenaire.
Las secuencias de mimo fueron desarrolladas
por JeanLouis Barrault (que interpreta estrella, Arletty, rezuma
a Baptiste, izquierda) y su profesor, Étienne El cuarto personaje, el cínico aristócrata
Decroux (que interpreta al padre de Baptiste). Édouard de Montray,
heroísmo. El equipo de producción también

incluía judíos escondidos, cuyas
identidades se mantuvieron en secreto,
en particular el diseñador Alexandre
Trauner y el compositor Joseph Kosma.
Trauner vivió con Carné durante el rodaje
bajo un nombre falso, mientras que el trabajo
de Kosma fue atribuido a Maurice Thiriet,
quien arregló la música para orquesta.
Bulevar del Crimen

Hubo interminables dolores de cabeza
logísticos al montar el gigantesco
decorado de la película, que Carné
construyó en Niza, en el sur de Francia.
Tenía 400 m (1300 pies) de largo y,
aunque los materiales de
construcción eran escasos, de
alguna manera recreó una calle que
Se parecía al famoso Boulevard du
La película se estrenó en el París
Templo en París a principios del siglo XIX.
liberado en 1945 y tuvo tal éxito que
La calle recibió el sobrenombre de se proyectó durante más de un año. Se le
Boulevard du Crime por los populares atribuyó el mérito de haber ayudado a
melodramas policiales. restaurar el orgullo nacional francés.
82 HIJOS DEL PARAÍSO
Para ser productor hay

que ser jugador, y los
mayores productores
franceses eran jugadores.
Marcel Carné
como un escenario, empujado y animado

por un vasto y ruidoso ejército de figuras
coloridas, cortesanos y maleantes por igual.
La película comienza con un telón de teatro
que se abre mientras la cámara se desliza por
un Boulevard du Crime lleno de extras y entra
en una exhibición de carnaval donde otro telón
dice "El Desnudo".
Truth” se abre para revelar a Garance

bañándose en un barril de agua, visible sólo
desde los hombros hacia arriba, y mirando
su reflejo en un espejo.
amor esquivo
Garance se involucra con
cada uno de sus pretendientes por turno: primero
con Baptiste, el mimo, que la salva de

una falsa acusación de robo; luego con
interpretado por Louis Salou, se inspiró en Rechazado por Garance, Baptiste se Frédérick, que interviene con confianza
Charles Auguste, duque de Morny, medio casa con Nathalie, interpretada por después de que Baptiste se da cuenta de
hermano de Napoleón III. María Casares, una republicana española que Garance no puede corresponder a su
exiliada asociada con la Resistencia.
amor; en tercer lugar, con el criminal
El mundo es un escenario Lacenaire; y finalmente, de Montray, quien
Desde el principio, la película difumina la Balcón del teatro, conocido como “el ofrece protección a Garance cuando,
línea entre el escenario y la vida real. paraíso” (en Gran Bretaña lo llaman “los sin saberlo, se ve involucrada en los
Todo se trata del espectáculo teatral de la dioses”), donde se encuentran las butacas crímenes de Lacenaire.
vida. Incluso el título de la película hace más baratas de la sala. El Garance se siente brevemente intrigada
referencia a lo más alto. El propio Boulevard du Crime parece por los cuatro hombres, otorgando su afecto a
cada uno de ellos a su manera, pero sigue
siendo completamente esquiva y no puede
Los celos son de todos si la mujer amarlos de la forma en que ellos la adoran
no es de nadie. a ella. En la primera mitad de la historia, a

medida que cada uno recibe cierta atención
Frédérick Lamaître / Los hijos del paraíso de su parte, el
termina en tragedia cuando muere en el cadalso

por matar a De Montray. Para Garance tampoco
hay una solución feliz: el hombre en el que
finalmente pone su corazón, Baptiste, está
finalmente fuera de su alcance.
Cine y poesía son la misma
cosa, afirmó Prévert. Gran parte de este drama se desarrolla
No siempre, por desgracia. Pero ante los ojos de los “niños del paraíso”, el
seguramente es cierto aquí. público de clase trabajadora en los asientos
Derek Malcolm baratos. Son los personajes más bulliciosos.
El Guardián, 1999
en la historia, como el público del cine, el

más alejado del escenario pero también el más
exigente. Marcel Carné Director
La multitud del paraíso clama por
entretenimiento. Están ansiosos por ver el Nacido en París en 1906, Marcel
Los hombres están contentos, pero, a medida que sufrimiento y el dolor. Como dice el padre de Carné comenzó su carrera
avanza la película, su control sobre cada uno Baptiste: “Una patada en el trasero, bien dada,
cinematográfica como crítico,
mientras trabajaba en su tiempo libre
de ellos cambia sus vidas. es una risa segura”. También quieren novedad.
como camarógrafo en películas
Pero la “novedad”, dice, “es tan antigua como las
mudas. En 1931 ya dirigía sus
Decepción definitiva colinas”. ■
propios cortometrajes. En 1936,
En la segunda mitad de la película, la
Carné trabajó por primera
insatisfacción de los pretendientes aumenta
El padre de Baptiste interpreta las risas vez con el poeta surrealista
resentimiento. Frédérick logra su sueño de
de los “niños del paraíso”, incluso cuando Jacques Prévert en la película Jenny.
interpretar a Otelo ya que por fin comprende el Baptiste reinventa el papel de Pierrot Durante la siguiente década, la pareja
dolor de los celos. Para Lacenaire, la historia como un amante infantil y decepcionado, hizo una serie de películas
cuyo dolor toca la fibra sensible del público. “poéticamente realistas”, arrojando
una mirada fatalista sobre las vidas
de personajes marginados de la
sociedad, lo que convirtió a Carné en una estrella
Cine francés.
En la década de 1950, la
reputación de Carné quedó
eclipsada cuando la generación
más joven de la Nueva Ola francesa
exigió un estilo menos artificial. Sin
embargo, siguió siendo muy
respetado entre sus colegas
directores, y François Truffaut
dijo una vez que "renunciaría a
todas mis películas para haber
dirigido Los niños del paraíso". carne
Continuó haciendo películas hasta la década
de 1970. Murió en 1996.
Películas clave
1938 Hotel del Norte

Visitantes nocturnos de 1942
1945 Niños del paraíso
1946 Puertas de la noche
84
LOS NIÑOS CREEN

LO QUE LES CONTAMOS
LA BELLA Y LA BÊTE / 1946
Durante casi 40 años antes de

EN CONTEXTO La bella y la bestia de Cocteau realizar La Belle et la Bête,
Para algunos críticos,
(La Bella y laJean
Bestia) es una Cocteau era poeta y la poesía había
GÉNERO
de las películas más poéticas jamás sido el tema de su primera película
fantasía francesa
realizadas. Es la historia de una joven experimental de 55 minutos en 1930, La
DIRECTOR (Josette Day) atrapada en el palacio de sangre de un poeta, sobre el mítico
Jean Cocteau una criatura bestial (Jean Marais). poeta Orfeo.
Aunque al principio la bestia la repugna, Cocteau se apresuró a negar que
ESCRITOR
la niña puede ver la bondad dentro de él y hubiera algún simbolismo en La
Jean Cocteau se enamora de él. Belle et la Bête, que fue su primer
a él. Cocteau cuenta la historia con largometraje, aunque también creía que
ESTRELLAS
una honestidad tan seria que pasa la poesía era un proceso inconsciente.
Jean Marais, Día Josette
de ser un cuento antes de dormir a algo El crítico estadounidense
ANTES moralmente profundo. contemporáneo Bosley Crowther quedó
1902 Un viaje a la luna de Georges impresionado por las “hermosas metáforas
Méliès es una de las primeras películas visuales” de la película. Al
de fantasía con efectos especiales. mismo tiempo, llama la atención la
sencillez con la que se cuenta la
1930 La sangre de un poeta,
historia.
La primera película de Cocteau explora
el poder de las metáforas visuales. Simplicidad sobrenatural
1933 King Kong retrata una Es revelador que la película no
relación de simpatía entre una comienza con la historia, sino con
Cocteau escribiendo en una pizarra de la escuela.
bestia y una niña.
Está dejando claro que ésta es una
DESPUÉS historia con una lección moral, no
1950 Orphée es la segunda película una fantasía a la que entregarse.
de Cocteau sobre la leyenda griega “Los niños creen lo que
de Orfeo. les decimos”, escribe.
1991 La Bella y la Bestia de Disney es

una de las películas más exitosas de En el estreno de la película,
la compañía. los críticos elogiaron su
exquisito e imaginativo
vestuario, diseñado por Christian Bérard.

Qué más ver: Un viaje a la luna (1902, págs. 20–21) ■ King Kong (1933, p.49) ■ Vasilissa la Bella (1939) ■ Los zapatos rojos (1948, p.332) ■ La noche del
cazador (1955, págs. 11821)
El secreto de todo es que

Cocteau se propuso hacer una
película que conmoviera a los
adultos; En el camino descubrió
también la imaginación del niño.
David Thompson
Haz visto...?, 2008
El palacio de la Bestia se parece más a

un escenario que a un mundo de fantasía.
La magia en el palacio es más surrealista que
fantástica. Manos y brazos reales emergen
de las paredes y mesas para sostener velas Adulto y más móvil. Con escenarios Desmayándose al ver a la Bestia, la Bella es
y servir bebidas, y las cariátides tienen inspirados en los grabados de Gustave Doré y llevada a su dormitorio.
Él le dice que le pedirá matrimonio todos los días
rostros humanos reales que ponen los pinturas de Jan Vermeer, y exteriores
que estén juntos.
ojos en blanco y expulsan humo. es una filmados en el Château de la Roche Courbon y
reminiscencia
del arte de Salvador Dalí, más que de los Raray en Francia, director de fotografía El mismo le dio crédito a Alekan por
cuentos de hadas de los Hermanos Henri Alekan creó un mundo lograr “una cualidad sobrenatural dentro de
Grimm: inquietante, pero también más del encanto gótico. cocteau los límites del realismo”. ■
Director Jean Cocteau
El escritor, artista y director Jean No fue hasta 1946, a la edad de 57

Cocteau nació en 1889, cerca de años, que hizo su primer largometraje,
París. Publicó su primer libro de poesía La Belle et la Bête. Cuatro años más
cuando tenía 19 años, lo que le supuso tarde, hizo una segunda película
la entrada a la vanguardia literaria y sobre Orfeo, Orphée.
artística de París. Compaginó cine, poesía y teatro hasta
En 1917, Cocteau escribió Parade, su muerte, en 1963.
la historia de un ballet compuesto por
Erik Satie para los Ballets Russes. Películas clave
Su novela más famosa fue Les
Enfants Terribles (1929). Cocteau dirigió 1930 La sangre de un poeta
su primer cortometraje en 1946 La Bella y la Bestia
1930, sobre la mítica antigua 1950 Orfeo
poeta griego Orfeo, pero fue 1962 El testamento de Orfeo
86
ESTE ES EL UNIVERSO.
GRANDE ¿NO?
UNA CUESTION DE VIDA O MUERTE / 1946
en medio del parpadeo. "Grande, ¿no?"

EN CONTEXTO la historia de un joven británico Finalmente, nos enfocamos en una vista
Una cuestión
pilotode
de vida o muerte
bombardero, esCarter
Peter de Europa desde el espacio y luego nos
GÉNERO acercamos al interior del bombardero.
(David Niven), cuyo avión sufre
Fantasía de guerra daños sobre el Canal de la Mancha, La cámara se desplaza para revelar
DIRECTORES lo que le lleva a una lucha épica por vivir. a Peter enviando un mensaje de
Michel Powell,
En la memorable secuencia radio final antes de tener que
inicial, la cámara recorre estrellas y saltar sin paracaídas. Salta… y
Hamburguesa Emeric
galaxias distantes. “Este es el para su sorpresa y la nuestra,
ESCRITORES universo”, nos informa un narrador despierta en una playa desierta.
Michel Powell,
Hamburguesa Emeric
Peter lucha por su vida tras
ESTRELLAS sobrevivir al accidente. La
David Niven, Kim Hunter, película juega con la posibilidad
Roger Livesey, Raymond de que el cielo sea producto
de la mente delirante de Peter.
Massey, Marius Göring,
Katherine Byron
ANTES
1943 La vida y muerte del coronel
Blimp, de Powell y Pressburger , se
basa en un personaje de tira
cómica británica.
DESPUÉS
1947 Black Narcissus es un
drama psicológico ambientado en
un convento del Himalaya.
1960 El oscuro thriller de Powell,
Peeping Tom, es atacado
duramente por la crítica. Su carrera
nunca se recupera.
Qué más ver: Entre dos mundos (1944) ■ Es una vida maravillosa (1946, págs. 88–93) ■
Narciso negro (1947) ■ El cielo puede esperar (1978)
Fue lanzado en Estados

Unidos como Stairway to
Heaven, una referencia a la
escalera mecánica que
une la Tierra con el más allá.
anfiteatros y espacios
brillantes. De hecho, todo
esto es bastante desalmado.
Pero en la Tierra la vida
continúa en Technicolor.
Michael Powell y
Mensaje de guerra Hamburguesa Emeric

Desarrollada originalmente Directores
durante la Segunda
Michael Powell (arriba, derecha) nació en
Guerra Mundial, el Ministerio
Kent, Reino Unido, en 1905.
de Información británico alentó
Emeric Pressburger (izquierda)
El guía angelical Conductor 71 (Marius a Powell y Pressburger a utilizar la película
nació en Hungría en 1902.
Goring), enviado para llevarlo al cielo, lo ha para promover las relaciones
Pressburger trabajó en Alemania
perdido y ha sobrevivido por error. angloamericanas, desgastadas por la
como guionista antes de huir de los
Después de conocer y enamorarse de la presencia de militares estadounidenses en nazis en 1935 y mudarse a Gran
operadora de radio estadounidense June el Reino Unido. Como tal, la celestial Bretaña, donde inició una productiva
(Kim Hunter) con la que hablaba justo antes batalla legal tiene menos que ver con colaboración con Powell.
de saltar, Peter apela a las autoridades los méritos del caso de Peter que con aliviar las tensiones transatlánticas.
celestiales contra el intento de elevarlo Cuando el fiscal estadounidense Su productora, The Archers, realizó 24
al “Otro Mundo”. El resto de la película. pregunta si un inglés y una chica de Boston películas, sellando su reputación con
realmente podrían ser felices juntos, la clásicos como La vida y muerte del coronel
Blimp, Black Narcissus y The Red Shoes.
respuesta puede no sorprenderle, pero
muestra a Pedro negociando su apelación sigue siendo una nota maravillosamente
ante un tribunal celestial. humana en una película engañosamente
Su última película fue la historia de
extraña, rebosante de imaginación. ■
guerra Ill Met by Moonlight (1957).
Efectos especiales
En 1960, Powell realizó el thriller
Las transiciones entre el Cielo y la Tierra
psicológico Peeping Tom. Ahora considerada
inspiran una gran cantidad de
una obra maestra, fue vilipendiada en
efectos especiales vertiginosamente su lanzamiento y casi acabó con la
inventivos. Un partido de pingpong carrera de Powell.
se congela en mitad de la
acción. Una mesa de libros Hizo una película más, Age of Consent
derramada se endereza. La vida, potenciada por el (1969), y murió en 1990. Pressburger había
¿Puede algo de esto ser real amor, triunfa sobre todo, parece muerto dos años antes.
o Peter lo está imaginando concluir Powell.
todo? En un cambio de JG Ballard
Películas clave
expectativas, el cielo no se El Guardián, 2005
presenta como un paraíso
1943 La vida y muerte del coronel
colorido, sino en un sutil
Blimp
monocromo plateado.
1947 Narciso negro
estilizado y 1948 Los zapatos rojos
modernista, con luz
JORGE RECUERDA
NINGÚN HOMBRE ES UN
FALLA
QUIEN TIENE AMIGOS
ES UNA VIDA MARAVILLOSA / 1946
90 ES UNA VIDA MARAVILLOSA
EN CONTEXTO
GÉNERO
Drama de fantasía
DIRECTOR
Frank Capra
ESCRITORES
Frances Goodrich, Alberto
Hackett, Frank Capra
ESTRELLAS
James Stewart, Donna

Reed, Lionel Barrymore
ANTES
1934 Frank Capra logra su
primer gran éxito con la
comedia loca Sucedió una
noche.
1939 En Mr. Smith Goes to George Bailey (James Stewart) corteja a

Washington, de Capra , James Irónicamente , lamás
La película liberación dede
duradera Frank Mary (Donna Reed), justo antes de que ocurra
Stewart interpreta a un hombre Capra fue una de sus más grandes la tragedia: el padre de George muere. Tiene
que hacerse cargo del negocio familiar
ingenuo pero honesto que ocupa un decepciones. A pesar de ser y nunca abandona Bedford Falls.
lugar en el Senado de Estados Unidos. ampliamente elogiada por sus
compañeros, quienes apreciaron el
DESPUÉS
arte de la película, y de ganar cinco películas más queridas de todos los tiempos.
1950 En Harvey de Henry Koster , nominaciones al Oscar más un Globo Hoy, It's a Wonderful Life se ha
Stewart tiene un gran éxito interpretando de Oro para su director, la convertido en un favorito festivo que
a un hombre simpático que habla con un película fracasó en taquilla. Sin parece encarnar el espíritu navideño.
conejo invisible de tamaño humano. embargo, a lo largo de los años, la En la década de 1930, Capra había
percepción popular de la película sido la voz de Hollywood. Refinó el
cambió y, a lo largo de su vida, Capra vio cómo
género se convertía en una
de la comedia locadeconlas
Minuto por minuto
00:04 00:51 01:20 01:44

George salva a su hermano Harry de George se casa con su amada, Al final de la guerra, cuando Harry Clarence muestra
ahogarse en un lago helado. En el Mary. Están a punto de irse de luna debe regresar a casa, el tío Billy George cómo habría sido el
proceso, George sufre una de miel, cuando se produce una accidentalmente le da a Potter $8,000 el mundo si George nunca
infección de oído que lo deja corrida bancaria. George se queda día que el examinador del banco hubiera existido. Esto lleva
parcialmente sordo y que luego lo y salva el banco con su está de visita. Potter se queda con a George a suplicar que
mantendrá fuera de la guerra. el dinero para arruinar a George. le permitan vivir de nuevo.
dinero propio.
00:00 00:20 00:40 01:00 01:20 01:40 02:00 02:10
00:25 01:36 02:02

Después de la muerte de su En un bar, George implora a Dios George corre a casa, donde
padre, George abandona sus planes 01:10 que le ayude; luego conduce hasta el descubre que la gente del
de viajar para administrar el edificio y Potter le ofrece a George un puente, donde pretende acabar con su pueblo ha hecho una colecta.
préstamo Bailey de la familia, la trabajo por 20.000 dólares al año. Jorge vida. Clarence, su ángel, lo salva
única manera de evitar que el Sr. lo baja y regresa saltando primero al agua para que para salvarlo. Harry
Potter, un propietario de un barrio casa para saber de Mary que regresa mientras todos
pobre, se haga cargo del negocio. está embarazada. George puede rescatarlo. cantan Auld Lang Syne.

Qué más ver: Sucedió una noche (1934) ■ No puedes llevártelo (1938) ■ El señor Smith va a Washington (1939) ■ La historia de
Filadelfia (1940) ■ Harvey (1950) ■ Vértigo (1958) , págs. 140–45)
la incomparable Sucedió una noche (1934),

protagonizada por Clark Gable y Claudette
Colbert, pero se hizo más conocido por Él crea
Impide
George salva a que el señor Tiene una
películas para sentirse bien en las que el Bailey Park,
odicaN
su hermano Gower, el esposa e
hombre común triunfa sobre corporaciones un proyecto de
de ahogarse farmacéutico, hijos felices.
cínicas o políticos corruptos, temas que vivienda asequible
envenene a un niño
resonaron fuertemente en el público durante la
Gran Depresión. .
un nuevo estado de ánimo El tío Billy

Bailey Park nunca
Si se hubiera hecho 10 años antes, Es una El señor Gower está internado
El hermano se construye y sigue
vida maravillosa podría haber sido otro éxito mata al niño en un
de George se ahoga siendo un antiguo
odicoaN
n
para Capra, pero en 1946 no estaba en sintonía y va a la cárcel. manicomio y

cementerio
maria esta sola
con el estado de ánimo predominante en
Estados Unidos. La Segunda Guerra Mundial había
robó a los jóvenes de la nación cualquier
Después de que George pide no haber nacido nunca,
sentido de inocencia, y el público ya no tenía
un ángel, Clarence, le muestra lo que pasaría si nunca
apetito por el escapismo puro. El cine negro hubiera existido.
estaba en auge, en el que los detectives
moralmente ambiguos eran poco mejores
que los El golpe maestro de Capra es comenzar tierna edad de 200 años, aún no se ha
los criminales que perseguían. con una serie de oraciones susurradas ganado sus alas. Mientras Clarence
Sin embargo, para el ojo moderno, es un pidiendo ayuda, escuchadas por seres estudia la vida de George en flashback,
Wonderful Life parece sorprendentemente celestiales que deciden intervenir en la desde la niñez hasta la edad adulta, Capra
oscura: un intento de suicidio es la premisa vida de un tal George Bailey (James pinta un retrato de un ciudadano leal que ha
central de una historia en la que un hombre Stewart). Envían un ángel, pero el único sacrificado sus sueños de viajar.
descubre el verdadero disponible es Clarence Odbody (Henry y carrera para seguir en su
valor de su propia vida. Travers) quien, al final los pasos de su padre, ayudando a la
comunidad local y trabajando en un pequeño
banco en Bedford Falls, Nueva York.
Actor James Stewart
James Stewart nació en 1908 en Indiana, Tercera nominación al Oscar. La película

Pensilvania. Después de un breve paso personificó el encanto tranquilo y
por Broadway, siguió a su antiguo compañero campechano de Stewart, que volvió a
de cuarto Henry Fonda a Hollywood. Su destacar en el éxito de 1950 Harvey.
carrera cinematográfica despegó en 1938 También hizo varios westerns y colaboró
cuando Frank con Alfred
Cometí errores en
Capra lo eligió para la comedia No puedes el drama. Pensé que el drama
llevarlo contigo. Al año siguiente, la pareja Hitchcock. Murió en 1997. era cuando los actores lloraban.
hizo El señor Smith va a Washington, que Pero el drama es cuando el
le valió a Stewart un Oscar. Películas clave público llora.
Frank Capra
nominación. Se tomó un tiempo para 1938 No puedes llevarlo contigo
unirse al esfuerzo bélico, pero su 1939 El señor Smith va a
popularidad no disminuyó, y su primera Washington
película de posguerra, It's A Wonderful 1946 Es una vida maravillosa
Life, le trajo un gran impacto . 1958 Vértigo
92 ES UNA VIDA MARAVILLOSA
En el proceso, George protege a la comunidad Si bien el público contemporáneo puede haberse Con el dinero de la gente del pueblo, acude a
del codicioso director del banco y propietario sentido desanimado por la intervención Potter, su enemigo de toda la vida, para
de un barrio pobre, Henry F. Potter (Lionel divina de la historia, la película de Capra no negociar un préstamo. George no tiene
Barrymore). trataba tanto de realismo mágico como nada más que una póliza de seguro de vida
de realismo trágico: el ángel no aparece en el que ofrecer como garantía, y Potter se
Impactante caída puente hasta el último cuarto de la película. burla de él: "Tú vales más".
La rápida transición de George de santo a Otro director podría haberse centrado más en muerto que vivo”. Dentro de este cargado
borracho suicida es impactante y creíble, tal el drama que hace que George quiera acabar El insulto es uno de los principios principales
vez arraigada en la propia lucha de Capra con su vida, pero Capra nos lo oculta, no de la película: así como una vida puede marcar
contra la depresión cuando tenía poco más de para que se convierta en un misterio sino la diferencia, también puede hacerlo su ausencia.
veinte años, cuando, como inmigrante italiano, porque, cuando lo descubrimos, se suma Desesperado, George conduce hasta el
le resultaba difícil encontrar trabajo. Años de al patetismo de un hombre que intenta hacer puente de peaje para saltar hacia su muerte. El
autosacrificio y decepción se esconden detrás lo correcto. momento más famoso de la película.
del colapso de George y, como retrato de No ocupa gran parte de su tiempo de ejecución
la desesperación, su espiral descendente pero se queda en la memoria por su oscuridad.
es absolutamente convincente. Al borde del abismo Deseando en voz alta “nunca haber nacido”,
Potter es el villano de la pieza. Clarence lleva a George a una realidad
Cuando George se da cuenta de que su paralela, una en la que George nunca
tío Billy ha extraviado 8.000 dólares de existió y donde
George y el tío Billy (Thomas Mitchell,
segundo desde la derecha) celebran el
cierre de operaciones del día de la
corrida bancaria. Con $2 restantes, todavía
están en el negocio.
La película se estrenó en 1946

y fue un fracaso de taquilla. Los
Estados Unidos de la posguerra
estaban de humor para un
cine negro moralmente ambiguo,
no para un sentimentalismo
pueblerino para sentirse bien.
Bedford Falls (ahora

Pottersville) se ve muy
diferente. "La vida de cada
hombre afecta a muchas
otras vidas", dice
Clarence, y éste es, en Frank Capra Director
última instancia, el mensaje
de la película. En el apogeo de su carrera, Frank
Capra fue el director más importante de
Percibida como una película optimista, La película puede ser una advertencia de que no
Hollywood y lideró el asalto escapista a
tal vez también pueda verse como uno que estamos todos juntos en esto: algunas personas,
los años de la Depresión con una
muestra el mundo como un vaso medio afortunadamente para quienes las rodean, son
serie de comedias ganadoras del Oscar.
vacío en lugar de medio lleno. simplemente menos egoístas que otras.
Para Capra, George es un hombre que
Tras mudarse a Los Ángeles desde Sicilia
marca la diferencia Clásico accidental a la edad de cinco años en 1903,
en la vida de las personas; él no es el La popularidad posterior de la película implica estudió ingeniería química, pero tuvo
hombre común que todos somos o otro giro. Debido a un error legal, perdió los dificultades para encontrar trabajo.
podríamos ser. En ese sentido, derechos de autor en 1974, lo que Después de engañar para entrar en un
permitió que se mostrara en televisión sin cargos estudio de cine en San Francisco, consiguió
por repetición. Desde entonces, el estudio trabajo en Hollywood, dirigiendo
ha corregido el descuido, algo sobre lo que películas mudas con el magnate de la
George podría haber tenido algunas cosas que comedia Hal Roach. Capra se
decir. ■ adentró sin esfuerzo en la era del sonido
gracias a sus habilidades de
ingeniería y se hizo famoso en la
década de 1930. Después de hacer
películas de propaganda en la
Segunda Guerra Mundial, vio que su
estrella comenzaba a decaer; su película
más conocida, Es una vida
Es una historia de estar maravillosa, no fue un éxito comercial.
atrapado, de hacer concesiones,
Cada vez más desilusionado con Hollywood,
de ver a otros avanzar y
comenzó a hacer películas educativas
alejarse, de estar tan lleno de sobre ciencia en la década de 1950. Murió
ira que abusas verbalmente en 1991.
de tus hijos, de sus
maestros y de tu opresivamente perfecta esposa.
Películas clave
Wendell Jamieson
El Nuevo york Veces , 2008 1934 Sucedió una noche 1938 No
puedes llevártelo 1939 El señor
Smith va a
Washington
1946 Es una vida maravillosa
94
ME METO EN MI PROPIO
ASUNTOS NO MOLESTO A
NADIE ¿Y QUE OBTENGO? PROBLE
EL LADRÓN DE BICICLETAS / 1948
Golpea y agarra con tanta fuerza desde el

EN CONTEXTO Thief (Ladri di biciclette) principio hasta el final que está considerada
La bicicleta
se de Vittorio
hizo De Sicainexpertos
con actores como una de las películas más importantes
GÉNERO y se rodó en exteriores en la de la era posterior a la Segunda Guerra
neorrealismo italiano
calles polvorientas de Roma. Casi no tiene Mundial. Influyó en generaciones de
DIRECTOR argumento, más allá de la búsqueda jóvenes cineastas, que ven capturar la vida
Vittorio De Sica infructuosa por parte de un hombre corriente real, en lugar de producir una trama
y su hijo de una bicicleta robada. El estilo de cuidadosamente elaborada, como el objetivo de su traba
ESCRITOR la película contrasta marcadamente con
César Zavattini; luigi las brillantes películas de Hollywood de la ciclo de esperanza
Bartolini (novela) época, con sus guiones sofisticados, Adaptada para la pantalla por Cesare
decorados lujosos y actuaciones hábiles. Sin Zavattini a partir de una novela de
ESTRELLAS
Luigi Bartolini, la película se centra
embargo, la película tiene un contenido tan emotivo
Lamberto Maggiorani, en Antonio (Lamberto Maggiorani), un
Enzo Staiola, Lianella padre necesitado que encuentra trabajo
Carell, Vittorio Antonucci después de un largo período sin trabajo.
ANTES Para realizar el trabajo necesita una
bicicleta, y debe canjear su vieja bicicleta en
1935 El cineasta francés Jean Renoir
la casa de empeño, la esposa de Antonio
es pionero en un estilo realista
utilizando actores inexpertos en Toni.
Si bien Hollywood a (Lianella Carell) debe empeñar las únicas sábanas de
veces puede abordar estos A pesar de esto, marido y mujer están
1943 El cineasta italiano Luchino encantados ante la perspectiva de
hechos por analogía, los
Visconti dirige Ossessione, una de las que él por fin gane dinero. Pero mientras
italianos abordan los hechos, punto.
primeras películas neorrealistas italianas. Arturo Miller Antonio sube una escalera en su primer
El Nuevo york Veces , 1950 día de trabajo, pegando carteles por
DESPUÉS
Roma, un joven ladrón le roba la bicicleta.
1959 Se rueda en París el Antonio, acompañado de su
crudo drama Los 400 golpes de pequeño hijo Bruno (Enzo Staiola), se
François Truffaut. embarca en una búsqueda
desesperada para recuperar su bicicleta. con la ayuda

Qué más ver: The Kid (1921) ■ Roma, ciudad abierta (1945) ■ Limpiabotas (1946) ■ Force of Evil (1948) ■ Pather Panchali (1955, pp.132–
33) ■ Kes (1969, p.336 ) ■ Slumdog Millionaire (2008, págs. 318–19) ■ El niño de la bicicleta (2011, p. 343)
De amigos, recorren el mercado local de La familia y los amigos del ladrón Secuencias de cine en las que el
Porta Portese, famoso por vender piezas protestan furiosamente por la niño toma de la mano a su padre
de bicicletas rotas, hasta que finalmente, inocencia del culpable y un policía admite humillado.
gracias a una mezcla de que no se puede hacer nada sin pruebas.
determinación y suerte, Antonio Una historia universal
descubre al ladrón y lo persigue Desesperado, el La historia brutalmente sencilla de El
hasta un burdel. propio Antonio roba ladrón de bicicletas relata el día de
una bicicleta, pero desgracia de un hombre, uno de los
es atrapado rápidamente. innumerables días similares que ocurren
Sólo la amabilidad de en todo el mundo. Sin embargo, el realismo de su estre
su dueño, tras ver al focus tiene un mensaje que es
angustiado Bruno, universal: para quienes luchan por
ganarse la vida en un mundo injusto,
salva a Antonio de un delito menor, como el robo de una
prisión. La película bicicleta, asume la escala de una gran
cierra con uno de los tragedia. Para algunos críticos, no es una
más desgarrador película política porque, al igual que Luces
de la ciudad de Chaplin (págs. 38–
41), no ofrece ninguna solución: sólo la
transformación de una víctima en un
Para Antonio, heroe tragico. Para otros, esto es lo que la
su bicicleta convierte en una verdadera película
significa ser
socialista, porque describe las devastadoras
parte del
consecuencias de dejar que la gente se
mundo laboral
y un motivo hunda o nade sola. Incluso antes de
de orgullo que le roben la bicicleta a Antonio, un
para su hijo. mendigo presagia su futuro,
96 EL LADRÓN DE BICICLETAS
situación problemática: “Me ocupo de lo mío

En los negocios no molesto a nadie”, dice, “¿y
Vives y sufres.
qué obtengo? Problema." Al diablo con eso. ¿Quieres una pizza?
Hacia el realismo Antonio Ricci / El ladrón de bicicletas
El ladrón de bicicletas a menudo se considera
el punto culminante del neorrealismo italiano. los teléfonos blancos que se veían en sus Lo intentó en Tiempos modernos (1936)
En el cine, el movimiento neorrealista fue una casas doradas: películas como Te amaré en Hollywood. Pero los neorrealistas
reacción contra las llamadas películas italianas siempre (T'amerò sempre, 1933), que, italianos fueron más allá. No se centraron
de teléfonos blancos de los años 1930, que si bien no eran herramientas manifiestas de simplemente en los pobres; También querían
representaban las vidas frívolas de los ricos, propaganda, retrataban una imagen de hacer películas en un
caracterizadas por prosperidad que implícitamente respaldaba nueva forma que mostrara la realidad de la vida
al régimen fascista de Italia. de las personas tal como fueron vividas.
No fue sólo en Italia donde los El neorrealismo sacó la cámara del
Bruno observa ansiosamente a su padre sentado,
abatido, al borde del camino, con todas las cineastas intentaron romper con la director del set y la llevó al lugar. El objetivo
esperanzas de una nueva vida destrozadas. entorno de la alta sociedad. chaplin era
Captura la vida real, y parte de

la brillantez de la cinematografía
de El ladrón de bicicletas en
particular es la sensación
que da de un mundo que
continúa más allá del
marco, siguiendo
brevemente incidentes
alejados de los personajes
principales o incluyendo la vida
real que sucede en el marco.
fondo de un marco. Para
eliminar la artificialidad
de las películas de
estudio, los directores neorrealistas suelen elegir
actores no entrenados, como
Vittorio De Sica lo hizo en
Vittorio De Sica
El ladrón de bicicletas. Enzo Director
Staiola, el chico que
Nacido en 1901 en una familia
interpreta a Bruno con
pobre, Vittorio De Sica creció en
tanta dureza y franqueza Nápoles, Italia, trabajando como
emocional, fue descubierto oficinista para mantener a su familia.
por el director entre la Obtuvo su primer papel en una película
multitud mirándolo filmar con solo 17 años. Su buena
mientras estaba en el lugar. apariencia y su presencia natural en la
Tras su estreno en Italia, la película pantalla pronto lo convirtieron en un ídolo matiné.
encontró cierta hostilidad por su descripción Cuando conoció al escritor Cesare
Influencia duradera
El neorrealismo italiano ya había sido negativa del país. Sin embargo, recibió Zavattini, De Sica se convirtió en
excelentes críticas en el resto del mundo. un director serio y un destacado
defendido por directores como Luchino
Visconti, con su obra maestra exponente del cine neorrealista
italiano. Con Zavattini, hizo Limpiabotas
Ossessione de 1943 (p.78).
(1946) y El ladrón de bicicletas,
Sin embargo, lo que da a la película de de su fotografía en blanco y negro
mientras sigue a Antonio y Bruno ambos desgarradores estudios
De Sica en particular su poder duradero
sobre la pobreza de posguerra en
es la magnificencia de su realización. en su búsqueda dan una cualidad épica
Italia que ganaron premios
El barrido, el diseño y el movimiento. que absorbe al espectador en sus Oscar especiales años antes de que
vidas. Directores como Ken Loach
se estableciera la categoría de
y Satyajit Ray han citado la película de películas extranjeras. Después
De Sica como la influencia más del desastre de taquilla del
importante en sus carreras. Fue implacablemente sombrío Umberto
tal el impacto en su lanzamiento que D. (1952), De Sica volvió a
fue difícil para películas más ligeras, como una
a los cineastas innovadores a no pensar trilogía de comedias románticas Ayer,
Éste es el auténtico aguijón de la
en términos de calles reales, hoy y mañana (1963), y a la
pobreza: la banal y horrible
fragmentos de vida y gente corriente actuación. Murió en 1974.
pérdida de la dignidad.
Peter Bradshaw como material de cine. En los años
siguientes, movimientos como la Películas clave
El guardián , 2008
Nouvelle Vague (Nueva Ola) en
1948 El ladrón de bicicletas
Francia y el “fregadero de la cocina”
1952 Humberto D.
Los dramas del Reino Unido marcaron un cambio.
1963 Ayer, hoy y mañana
en el cine hacia este enfoque más
naturalista y sincero. ■
98
ES MUY DIFÍCIL DE HACER

UN BUEN TRABAJO DE MATAR
PERSONAS CON LAS QUE SE ESTÁ
NO EN TÉRMINOS AMISTOSOS
CORAZONES BONOS Y CORONETAS / 1949
que se interponen entre él y la

EN CONTEXTO es uno de una serie de británicos fortuna y el ducado de D'Ascoyne.
Corazones amables
comedias y coronas
que salieron Su ola de asesinatos comienza con
GÉNERO
de los Ealing Studios en Londres el joven arrogante Ascoyne D'Ascoyne
Comedia curativa entre 1947 y 1957. Protagonizada y termina con Lord Ascoyne.
DIRECTOR por Alec Guinness como los ocho
Robert Hamer miembros de la familia D'Ascoyne, Asesinatos cómicos
cada uno de los cuales es víctima Guinness es la estrella de la película, y
ESCRITORES de un caballero asesino, la película cada uno de sus absurdos personajes
Robert Hamer con tiene el daño urbano y la luz está dibujado con tanta nitidez que se
John Dighton característicos del estilo Ealing. La delinean instantáneamente, con un gran
trama se centra en el ascenso de efecto cómico. Pero Guinness tiene como
ESTRELLAS
Louis Mazzini (Dennis Price), quien rival al “hombre heterosexual” de la
Alec Guinness, Dennis
está decidido a vengar a su madre película, Price. Como Mazzini, es el
Precio, Joan Greenwood, por el mal trato que recibió por epítome de los modales, exhibiendo tal
Valerie Hobson
parte de la familia D'Ascoyne. Uno cortesía y aplomo que el público siente
ANTES por uno, planea expulsar a todos los miembros de la familia.
una sensación de alegría cuando despacha a cada D
1942 ¿Fue bien el día? es una de

las primeras películas exitosas Alec Guinness Actor
realizadas en Ealing Studios.
Sir Alec Guinness fue uno de los películas más serias, ganando un
1947 Siempre llueve un domingo grandes actores británicos del siglo Oscar por su actuación en El puente
es la primera de las tres películas pasado, destacado por sus modales sobre el río Kwai.
de Ealing de Robert Hamer. sutiles y caballerosos. Nacido en 1914 Interpretar a ObiWan Kenobi en
en Londres, comenzó su vida como las películas de Star Wars lo hizo
DESPUÉS
redactor publicitario antes de dedicarse enormemente famoso en la
1951 La mafia de Lavender Hill década de 1980. Murió en 2000 a los 86 años.
a la actuación teatral.
presenta a Alec Guinness como un Se hizo aclamado por su
empleado ratonil que se convierte papeles de Shakespeare, y en 1950 Películas clave
en un cerebro criminal. era un célebre actor de los escenarios
londinenses. Comenzó su carrera 1949 Corazones amables y coronas
1957 Barnacle Bill es la última de cinematográfica con una serie de 1955 Los asesinos de damas
las comedias de Ealing. Alec Comedias de Ealing antes de trabajar con 1957 Puente sobre el río Kwai
Guinness desempeña múltiples papeles. el director David Lean en 1965 Doctor Zhivago

Qué más ver: Siempre llueve los domingos (1947) ■ Pasaporte a Pimlico (1949) ■ ¡Whisky en abundancia! (1949) ■ El hombre del traje
blanco (1951) ■ El rayo de Titfield (1953) ■ Los Ladykillers (1955)
La encantadora y egoísta Sibella le su materialista El título de la película

presenta su acuerdo matrimonial a Mazzini amor de la infancia está tomado de un poema
en su celda. Sibella compite con Edith, la de Alfred, Lord Tennyson:
Sibella (Joan
viuda de una de las víctimas de Mazzini, “Los corazones
Greenwood), quien
para casarse con él. bondadosos son más
cometió el error de
que coronas, y la fe
rechazar al humilde simple, que sangre normanda”.
Aquí está la genialidad del director Robert Mazzini para casarse
Hamer al hacer que Guinness interprete a las con el rico pero muy
ocho víctimas. Porque el público sabe que aburrido Lionel, sólo para la única muerte de
cuando una Guinness ver a Mazzini ascender. que es inocente.
El personaje es eliminado, otro ocupará su convertirse en duque y Su única esperanza
lugar, nunca se siente repelido por los fabulosamente rico, de escapar del verdugo llega
asesinatos, sino que permanece esclavo del mientras Lionel cuando Sibella insinúa
encanto de Price. desciende a que podría "encontrar" la
y lo apoya mientras elimina los obstáculos quiebra y suicidio. nota de suicidio de Lionel si
para heredar el título. Una trama Mazzini, que se salió con la suya en los Mazzini promete casarse con
secundaria muestra a Mazzini en una compleja asesinatos de D'Ascoyne, es declarado ella. Pero incluso entonces, la película
relación romántica con culpable del asesinato de Lionel. tiene un giro más bajo la manga: un final
típicamente sardónico.
Las películas de Ealing no siempre fueron
Disparé una flecha al aire; cayó a tan dulcemente inocentes como
tierra en Berkeley Square. sugiere su reputación, y la película de Hamer

fue la mezcla perfecta de lo cómico y lo
Louis Mazzini / Corazones bondadosos y coronas cáustico. ■
100
EL MUNDO NO HACE
CUALQUIER HÉROE FUERA
DE TUS HISTORIAS
EL TERCER HOMBRE / 1949
interpretado por Orson Welles. A lo

EN CONTEXTO El tercer hombre capturado largo de todo esto resuena la inquietante
El cine negro de Carol
El espíritu Reeddede
fracturado 1949
Europa cítara de Anton Karas, a quien Reed
GÉNERO
después de la Segunda Guerra Mundial. encontró mientras filmaba en Viena.
Cine negro
Inusualmente para la época, Reed filmó
DIRECTOR parcialmente en exteriores, en la Viena dañada por las bombas.

Espectaculares charcos de luz y sombra, La película fue muy popular en Gran
Carol Reed Bretaña, pero no le fue bien en
y ángulos de cámara inclinados,
Austria. Para el público austriaco,
ESCRITOR convierten la ciudad en un escenario de fue un doloroso recordatorio de
Graham Greene pesadilla para la historia del mafioso Harry Lime.
un pasado turbulento.
ESTRELLAS
Joseph Cotten, Alida

Valli, Orson Welles,
Trevor Howard
ANTES
1941 El género del cine negro se
establece con películas estadounidenses
como El halcón maltés.
1941 Con Ciudadano Kane,

Orson Welles establece un
elemento básico del cine negro: la
narración en off.
DESPUÉS
1951 Welles revive su personaje del
Tercer Hombre en la radio en Las
aventuras de Harry Lime.

Qué más ver: Los 39 pasos (1935) ■ Brighton Rock (1947) ■ El ídolo caído (1948) ■ Nuestro hombre en La Habana (1959) ■ El
candidato de Manchuria (1962, p.334) ■ El expediente Ipcress (1965) ■ El espía que surgió del frío (1965)
El guión fue desarrollado por el novelista revelando que Lime era un comerciante
Graham Greene a partir de su negro que vendía productos adulterados
propia novela corta. Surgió de un simple penicilina. Martins visita a Anna, quien
pensamiento que se le ocurrió a Greene: le dice que podría ser deportada al
“Vi a un hombre caminando por la calle sector soviético de la ciudad. Al salir,
a cuyo funeral había asistido ve una figura en las sombras.
recientemente”. Esta idea inspiró la Es lima.
historia de un hombre que finge su
propia muerte. martins se encuentra
Lime al día siguiente
El tercer hombre en Riesenrad, donde
Holly, autora estadounidense de ficción pulp Lime tiene
Martins (Joseph Cotten) llega a una Invitó a Martins a unirse a
Viena destrozada y dividida él. Martins, al darse cuenta de
por la guerra por invitación de su viejo cuánto ha cambiado su viejo amigo,
amigo Harry Lime, sólo para descubrir acepta ayudar a Calloway a atrapar
que Lime había sido asesinado por un a Lime, con la condición de que Anna
coche a toda velocidad unos días antes. reciba un salvoconducto para salir
En el funeral, Martins se encuentra con los de Viena. Cuando Anna se niega a
dos hombres que estaban con Lime cuando él aceptar el trato del jefe de policía,
fallecido. También conoce a la novia de Calloway lleva a Martins a un
Lime, Anna (Alida Valli), de quien se hospital infantil para
enamora. Juntos interrogan al portero del mostrarle el
edificio de apartamentos de Lime, devastación causada
quien les dice que había un tercer hombre por la penicilina adulterada
desconocido. de Lime y
presente en el momento fatal.
En la noria gigante de Viena,
Conocido como Riesenrad, el jefe de Lime es fría y
policía Calloway (Trevor Howard) calculadora, y desdeña
aconseja a Martins que abandone Viena. la visión moralista del
mundo de Martins.
En opinión cínica de
Lime, no hay
héroes en el mundo
real.
¿Ha habido alguna vez una

película en la que la música se
adaptara mejor a la acción
que en El tercer hombre de Carol Reed?
Roger Ebert
Chicago SunTimes , 1996
102 EL TERCER HOMBRE
persuade a Martins por motivos Se puede ver a Welles no sólo en su Mientras equipos de policía cada vez más
morales para que lo ayude a atrapar a actuación sino también en el estilo dramático numerosos persiguen a Lime por las
Lime incluso si Anna no se salva. de filmación del cine negro, que claramente le alcantarillas, sólo se oye el agua corriente
Anna advierte a Lime de la trampa y él debe mucho a sus propias películas Citizen y los ecos de las llamadas de la policía en
intenta escapar por las alcantarillas. El clímax, Kane (1941) y The Lady from Shanghai alemán. La sensación de pánico aumenta
una magistral sinfonía de acción bajo las (1947). cuando Lime huye como una rata.
calles vienesas, es uno de los momentos Para la persecución final a través del Tanto Selznick como Greene habían
más emocionantes del cine. En las cloacas de Viena, las escenas se Quería un final optimista, pero Reed insistió en
rodaron en parte en exteriores y en parte en mantenerlo sombrío. Más tarde, Greene admitió
decorados de estudio. Reed editó que Reed había tenido razón.
Reparto de Welles brillantemente las largas y vacías cavernas
Que la película haya resultado como lo hizo se de las alcantarillas, con sus ladrillos
debe en gran medida a la determinación de relucientes y repentinos rayos de luz, y El uso inteligente de las sombras aumenta
la sensación de amenaza en las oscuras calles
la directora Carol Reed. Productor los ecos de los pasos y los primeros
de una Viena devastada por la guerra. El estilo
David O. Selznick había querido planos del rostro sudoroso de Lime brillando
negro recuerda mucho a las propias películas de
El afable actor británico Noel Coward para como los ladrillos, con los ojos moviéndose Orson Welles, pero Welles insistió más tarde
interpretar a Harry Lime, pero Reed insistió en de un lado a otro mientras busca. una salida. en que no había asumido ningún papel directo
elegir a Orson Welles. La influencia de en la dirección o edición de la película.
vacío moral
Como parte de la ocupación aliada de
Austria en la posguerra, Viena había sido
dividida en cuatro zonas (estadounidense,
británica, francesa y soviética) con un distrito
central controlado conjuntamente. Por encima de todo se
El tercer hombre explota las tensiones políticas extiende la belleza melancólica e
que existían entre las fuerzas de ocupación y inerte de una ciudad en ruinas,
el potencial dramático de los movimientos de pasiva en la superficie,
los personajes entre los sectores. aquellos sin retorciéndose con una vida incómoda en el fondo.
Moda , 1949
Los periódicos, como Anna, están desesperados
por evitar el sector soviético, donde su
destino es incierto. Carol Reed Directora
En lo que respecta a Lime,
esta situación ha creado el vacío moral Nacido en Londres en 1906,
Carol Reed era hijo del famoso
perfecto, en el que hombres inventivos,
actor y productor de Shakespeare, Herbert.
dinámicos y despiadados como él ¿Realmente me dirías que me quede con
pueden y deben prosperar. Europa está mi dinero o calcularías cuántos puntos
Árbol de Beerbohm y su
cansada del mundo y es cínica después podrías permitirte gastar?”
amante May Reed, cuyo nombre tomó.
de la guerra, y para Lime, su compatriota Comenzó a actuar a temprana edad
estadounidense, Martins, es un niño De vuelta en el suelo, Lime dice:
y se unió a la compañía de teatro del
ingenuo que se mete en ella. en líneas agregadas por Welles para escritor de suspense Edgar Wallace,
determinar el momento: “Ya sabes lo que dijo convirtiéndose en su asistente
el tipo: en Italia, durante 30 años bajo el personal. Esto le llevó a su
Líneas improvisadas gobierno de los Borgia, hubo guerra, primer trabajo como
El guión de Greene para El tercer hombre terror, asesinatos y derramamiento de
es tan tenso como cabría esperar de un escritor sangre, pero produjeron a Miguel Ángel, un asistente de dirección.
tan incomparable, pero algunas de las líneas Leonardo da Vinci y el Renacimiento. Las primeras películas de Reed
más memorables de la película fueron En Suiza tenían amor fraternal, 500 años de como director, como Midshipman Easy
improvisadas por Welles. Una de las democracia y paz, ¿y qué produjo eso? El (1935), tuvieron sólo un éxito
moderado, pero el novelista Graham
razones de la durabilidad de la película es reloj de cuco”. Según Welles, la letra procedía
Greene vio un gran potencial en ellas.
que conecta exitosamente los talentos de de una antigua obra de teatro húngara.
Reed hizo su primera película importante,
tres hombres enormemente talentosos: Reed, Irónicamente, los suizos no inventaron el
Odd Man Out, sobre un terrorista
Greene y Welles. reloj de cuco y habían sido decididamente
irlandés fugitivo, en 1947. El productor,
Lime mira hacia abajo desde el volante. belicosos en la época de los Borgia.
Alexander Korda, le presentó a Reed a
sobre las personas como puntos de abajo, y Greene e hicieron dos grandes películas
le pregunta a Martins si sentiría lástima si juntos, The Fallen Idol y The Third
uno de ellos "dejara de moverse para Man, que fue aclamado por la crítica y
siempre". Desafía a Martins: “Si te ofreciera No obstante, las palabras parecen resumir un gran éxito de taquilla.
veinte mil libras por cada punto que se perfectamente la visión amoral de Lime
detuviera, sobre el mundo. ■
Reed murió en Londres en 1976.

En Suiza tenían amor fraternal, tenían 500 años
Películas clave
de democracia.
1947 El hombre extraño fuera
y paz, ¿y qué produjo eso ? 1948 El ídolo caído
El reloj de cuco. 1949 El tercer hombre
1968 ¡Oliver!
Harry Lime / El tercer hombre
MIEDO UN
PREGUNTARSE
19501959
D
106 INTRODUCCIÓN
Hollywood introduce el Billy Wilder dirige Sunset De aquí a la eternidad,

cine de pantalla ancha y Boulevard, una Un tranvía llamado de Fred Zinnemann ,
trucos como el 3D para controvertida sátira sobre el deseo, dirigida por Elia basada en la novela épica
contrarrestar el creciente sistema de Hollywood; Bette Kazan, catapulta a un joven de James Jones sobre la
medio de la televisión. Davis consigue su papel más Marlon Brando al vida militar, arrasa
destacado en All About Eve. estrellato cinematográfico. con ocho premios de la Academia.
1950 1950 1951 1953
1950 1951 1952 1953
Rashomon, de Akira El día que la Tierra se Jueces estadounidenses Con el éxito del thriller
Kurosawa, cuenta una detuvo es la primera de dictaminan que las películas son una El salario del miedo, el
historia criminal desde cuatro muchas películas de ciencia forma de libertad de director Henri
puntos de vista diferentes, un ficción que reflejan los expresión: L'Amore de Roberto Rossellini Georges Clouzot es
modelo que sería imitado temores generalizados sobre No se puede prohibir apodado el “Hitchcock
en muchas películas. la Guerra Fría. por “sacrilegio”. francés”.
El impacto de la película fue repentino e imbuido de un temor existencial.

período de tiempo más corto de inmenso: no sólo hizo En El salario del miedo (1953), una película
Este capítulo cubre
todos los la
del libro: los 10 años El nombre de Kurosawa como director, sobre un grupo de hombres desesperados
entre 1950 y 1959. Sin embargo, en ese pero despertó una creciente curiosidad en que conducen camiones cargados de
una década encontramos una franja de Occidente hacia las películas internacionales. nitroglicerina a través de un territorio
películas extraordinarias. Muchas, como cine. También de Japón llegaron los accidentado, el director francés Henri
antes, son películas estadounidenses dramas engañosamente simples y finamente Georges Clouzot hizo la que probablemente
producidas en Hollywood (que, en ese dibujados de Yasujirô Ozu. Y, por fue la película más tensa desde El
período, tenía suficiente historia como para supuesto, estaba Godzilla, cuya imponente acorazado Potemkin (1925 ) . También
inspirar la sátira de Tinseltown Sunset monstruosidad se inspiró en la era una historia mordazmente satírica sobre el
Boulevard), pero el gran cine también estaba experiencia directa de Japón en la imperialismo, el capitalismo y la codicia humana.
ganando importancia en otras partes del guerra nuclear, aún cruda en la memoria En varios países, los directores creaban
mundo. nacional. películas que ofrecían a la vez entretenimiento,
En los años que siguieron a la estimulación intelectual y sorprendentes
Primera Guerra Mundial, fue Alemania quien El temor de la Guerra Fría demostraciones de técnica. Douglas Sirk, por
abrió el camino de la innovación Muchas películas de la década de 1950 ofrecían ejemplo, hizo exuberantes melodramas
cinematográfica. Ahora, después de la Segunda la forma más delirante de entretenimiento sobre la vida suburbana estadounidense,
Guerra Mundial, le llegó el turno a Japón. popular (incluso hoy en día, es imposible como Todo lo que el cielo permite (1955).
que alguien las vea)
El ascenso de Japón Singin' in the Rain sin una sonrisa en el rostro), Descartadas durante mucho tiempo como
En 1950, Akira Kurosawa estrenó Rashomon, y sin embargo, algunas de las películas clave kitsch, ahora se las reconoce como
una brillante y fracturada historia de un de este período también reflejaron ansiedades obras maestras sensibles y de múltiples
asesinato en el antiguo Japón. por la Guerra Fría y son capas. Mientras tanto, en Francia, un grupo de
MIEDO Y MARAVILLA 107
Se estrena La Strada, de
Federico Fellini (y luego gana Pather Panchali, Hollywood elimina los Se estrena el thriller
el primer Oscar a la mejor de bajo presupuesto, de epítetos raciales de las psicológico Vertigo de Alfred
película extranjera); François Satyajit Ray , una historia películas y permite algunas Hitchcock .
Truffaut describe su sobre la mayoría de edad, es la referencias a las drogas, Hitchcock es aclamado por
teoría del autor. primera película india que el aborto y la prostitución. la crítica francesa como
obtiene reconocimiento internacional. un verdadero autor.
1954 1955 1956 1958
1954 1956 1957 1959
Los estudios Toho en Los clásicos de ciencia Ingmar Bergman La primera película de Truffaut,
Japón estrenan la primera de ficción Planeta Prohibido e lanza El séptimo sello y Fresas Los 400 golpes, marca un
las películas del monstruo La invasión de los ladrones salvajes, que abordan sus punto culminante en la
Godzilla . Kurosawa de cuerpos temas característicos Nueva Ola francesa y aborda
redefine el western con Los son liberados. de la vida y la muerte. de manera realista la
siete samuráis. sociedad moderna.
jóvenes críticos de cine de la HenriGeorges Clouzot, con quien

revista Cahiers du Cinéma disfrutó de una amistosa rivalidad y que
expuso una forma completamente convirtió el libro en el
nueva de ver las películas. Para ellos, Les Diaboliques (1955), sumamente
las películas merecían respeto y espeluznante . Hitchcock se aseguró de
escrutinio intelectual. Su mirada estudiosa conseguir los derechos cinematográficos
Si es una buena película,
examinó no sólo a directores “serios” como de lo que Boileau y Narcejac escribieron a continuación:
el sonido podría dispararse y el resultado fue el intenso thriller
Ingmar Bergman, sino también la brillantez y el público seguiría
populista de Alfred Hitchcock. psicológico Vértigo (1958), una historia de
Argumentaban que los mejores
teniendo una idea
memoria, lujuria y pérdida que ahora encabeza
perfectamente clara de lo que está pasando.
directores llenaban su trabajo de obsesiones con frecuencia las listas de las mejores
Alfred Hitchcock
personales y firmas visuales: lo que veíamos películas jamás realizadas.
en la pantalla era “escrito” por un director, al En 1959, uno de los jóvenes críticos
igual que una novela lo es por su escritor. Ésta franceses responsables de la teoría del
era la teoría del autor y durante décadas autor hizo una película.
moldearía las percepciones sobre las Se llamaba François Truffaut y la película,
películas y sus creadores. un retrato de un chico parisino rudo, se
llamaba Los 400 golpes.
películas. Algunos años antes, había estado Influenciado por Orson Welles pero
Alta ambición ansioso por adaptar una novela del poseedor de una energía propia, marcó
Oportunamente, ésta fue la década en la escritor francés Pierre Boileau. el final de una década cinematográfica
que Hitchcock realizó lo que ahora es el más y Thomas Narcejac. En esa ocasión fue extraordinaria y el comienzo de una nueva
respetado de todos sus golpeado por era. ■
TODOS QUEREMOS
OLVIDAR
ALGO ASÍ QUE NOSOTROS
CUENTA HISTORIAS
RASHOMON / 1950
110 RASHOMON
EN CONTEXTO es un thriller que gira en

Rashomon de aAkira
torno Kurosawa
dos posibles crímenes
GÉNERO
que tienen lugar en un claro
drama de misterio apartado: la violación de una mujer (Machiko
DIRECTOR Kyô) y la muerte violenta del
marido samurái de la mujer. Los seres humanos son
Akira Kurosawa incapaces de ser honestos
(Masayuki Mori). Sin embargo,
ESCRITORES es difícil llegar a la verdad; está
consigo mismos acerca
de sí mismos. No pueden hablar
Akira Kurosawa enredado en un nudo de hilos tejidos
por cuatro testigos presenciales. ¿En de sí mismos sin embellecerlos.
(guión); Ryunosuke
quién confía la audiencia para que Este guión retrata a esos
Akutagawa (cuentos)
les diga la verdad? ¿La presunta seres humanos.
ESTRELLAS
víctima de violación? ¿El bandido Akira Kurosawa
Toshirô Mifune, Machiko acusado de cometer el delito?
Kyô, Masayuki Mori, ¿El fantasma del muerto? ¿El
Takashi Shimura leñador que encontró el cuerpo? ¿ De quién es la historia?
ANTES
1943 Akira Kurosawa debuta Debajo de la puerta
La primera toma de la película es de la
como director con Sanshiro se le cuenta sobre el crimen y el
puerta de la ciudad de Rashomon, una
Sugata, un drama histórico enorme ruina en el Kioto medieval, vista posterior arresto del bandido
sobre la lucha por la desde lejos a través de una cortina de lluvia. Tajômaru (Toshirô Mifune).
supremacía entre los Debajo de la puerta se refugian Mientras el leñador y el
seguidores del judo y el jujitsu. un leñador (Takashi Shimura) y un sacerdote cuentan la historia,
sacerdote (Minoru Chiaki), y pronto flashbacks muestran al bandido y a
DESPUÉS
1954 Los siete samuráis de se les une un plebeyo (Kichijirô la mujer explicando lo que vieron
Ueda). El recién llegado entabla en una investigación, o lo que creen
Kurosawa , una epopeya del siglo
conversación y haber visto. Entonces una médium (Noriko
XVI en la que una aldea recluta
a siete guerreros para protegerla
de los bandidos, es ampliamente
considerada como su obra maestra. Los muertos no dicen mentiras.
El sacerdote / Rashomon
Akira KurosawaDirector
Kurosawa fue el primer director japonés cine, que le vio desarrollar una
que encontró popularidad en sensibilidad parcialmente
Occidente. Sus películas Rashomon, occidentalizada. Experimentó con
Seven Samurai y Yojimbo fueron drama judicial, thriller policial, cine
rehechas como westerns (The Outrage negro y melodrama médico.
en 1964, The Magnificent Seven en 1960 Continuó haciendo películas hasta su
y A Fistful of Dollars en 1964, muerte en 1998.
respectivamente). Kurosawa
finalmente encontró una mayor Películas clave
apreciación crítica en Europa y Estados
Unidos que en su país natal. 1950 Rashomón
Hijo de un oficial del ejército, 1954 Los siete samuráis
Kurosawa estudió arte antes de 1961 Yojimbo
embarcarse en su carrera en 1985 corrió

Qué más ver: Poseído (1947) ■ Miedo escénico (1950) ■ Vivir (1952) ■ La fortaleza escondida (1958) ■ El
Indignación (1964) ■ Barba roja (1965) ■ Rebelión samurái (1967) ■ Ran (1985) ■ Los sospechosos habituales (1995) ■ El club de la lucha (1999)
Honma) aparece y canaliza el espíritu del observó una pelea entre el bandido y el Tajomaru describe la lucha entre él
samurái muerto, quien da su versión de los samurái, pero que era una pelea complicada y los samuráis como una lucha heroica
hechos. Finalmente, el leñador cuenta lo que entre dos cobardes físicos. entre dos maestros espadachines. El leñador
lo vio como una pelea entre dos hombres
aterrorizados.
sierra. Cada una de las historias es radicalmente A primera vista, Rashomon es una
diferente y, a su manera, completamente novela policíaca: plantea un misterio,
interesada. introduce la la evidencia y pide a la audiencia que saque
El bandido afirma sospechosos, regalos sus propias conclusiones. Pero
que mató al hay un problema. Kurosawa está más interesado
samurai en un heroico en la naturaleza esquiva de
batalla; La mujer afirma La película más verdad que al capturarla: se niega a
no recordar establecida brindarle a la audiencia un relato definitivo de
momento, pero sugiere que Kurosawa como un lo que sucedió en el claro.
ella la apuñaló. cineasta de
renombre internacional.
marido al ver su expresión Filmada con un estilo austero y
También convirtió en
después de la violación; el sencillo, Rashomon se basa en imágenes
estrella a Toshirô
samurai afirma haber simbólicas sutiles para comunicar sus ideas
Mifune (el bandido),
matado con quien Kurosawa haría sobre la memoria y la verdad.
él mismo; y el leñador 16 películas entre La cortina de lluvia, teñida de negro por
dice que 1948 y 1964. Kurosawa para que apareciera
112 RASHOMON
Los bosques siempre han tenido una

Cuatro versiones contradictorias de los hechos asociación primordial con la
imaginación humana: como lugares
oscuros ubicados lejos de la civilización.
La versión del bandido La versión samurái
• Engañó al samurái y lo ató a un En el folklore tradicional de muchas
• El bandido violó a su esposa; ella
árbol. eligió ir con el bandido • El bandido le dio culturas, los bosques son lugares de
• Sedujo a la esposa del samurái, encuentros mágicos e inexplicables.

una opción: dejar ir a su esposa o matarla
después de una resistencia inicial. como La narración en prosa japonesa más antigua
• La esposa lo convenció de pelear en castigo por su infidelidad conocida, El cuento del cortador de bambú,
duelo con los samuráis; lo derrotó • Su esposa huyó, seguida por el también conocida como la princesa
honorablemente bandido; se mató Kaguya, es una fábula del siglo X en la
que un leñador solitario y sin hijos se topa
con un
La versión de la esposa. La versión del leñador. Niño fantasmal en lo más profundo de un
• El bandido la violó • El bandido le rogó a la esposa bosque.
• Le rogó a su marido que del samurái que se casara con él; La película de Kurosawa llega
matarla para salvar su honor en lugar de eso, liberó al samurái.
Volver a ese folclore con su carácter rural.
• Se desmayó mientras • La esposa animó al bandido y al
escenario, sus personajes arquetípicos y su
samurái a batirse en duelo.
sostenía la daga y se despertó noción de que lo que vemos
para encontrar a su marido muerto. • Se batieron en duelo patéticamente
está moldeado inconscientemente por
y el bandido ganó por suerte.
nuestros miedos y deseos más profundos.
La película incluso presenta al final a un niño
abandonado, a quien el leñador se
ante la cámara, divide el presente del pasado, aleja al espectador de la realidad y lo lleva a lleva a casa con él cuando deja de llover.
que está salpicado de flashbacks. La puerta la maleza febril del subconsciente; El claro
prohibida simboliza la puerta de entrada del bosque es un espacio encantado en
del espectador al mundo de la película, un el que el drama de la muerte del samurái se Embelleciendo historias
reino en el que nada es lo que parece y en el desarrollará una y otra vez, cada vez de Kurosawa ha dicho que los humanos no
que no se puede confiar en nadie. forma diferente. pueden evitar embellecer historias sobre sí
mismos, y esto es lo que
El claro también es simbólico. Primero lo
vemos a través de los ojos del leñador mientras
se adentra en las profundidades del bosque
Solo piensa. ¿Cuál de estas
al comienzo del primer flashback. En
esta hermosa secuencia sin palabras,
historias crees ?
Kurosawa El plebeyo / Rashomon
Minuto por minuto
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El leñador dice que fue la En la investigación, Tajomaru cuenta El samurái muerto cuenta su el leñador
primera persona en su versión de los hechos, en la que la versión a través de un médium. Describe una lucha
encontrar el cuerpo del esposa le ruega que no se vaya, y él Dice que su esposa y desesperada entre
samurái, y también la persona suelta a su marido para que puedan Tajomaru huyeron y que él se el samurái y el
que encontró a Tajomaru. luchar por su honor. apuñaló. bandido, en la que
ambos tiemblan de miedo.
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El sacerdote cuenta La esposa cuenta su historia. 01:03 Encuentran a un
cómo vio a los Ella dice que se desmayó, En la puerta, el leñador dice que bebé llorando en la puerta.
samuráis antes de sólo para volver en sí y lo vio todo. El leñador se
Murió llevando a encontrar la daga en el pecho Dice que el marido no quería ofrece a llevarse el
una mujer a caballo. de su marido. Luego intentó pelear y quería que su esposa se bebé a casa con él
a través del bosque. ahogarse. suicidara. mientras amaina la lluvia.
sucede en el claro de Rashomon : cuatro tramas de prestidigitación de The Usual la verdad sigue siendo esquiva porque nadie
personas presencian una simple cadena de Suspects (1995) y Gone Girl (2014). Sin podemos estar de acuerdo sobre lo que pasó.
acontecimientos, pero la interpretan a través embargo, rara vez los imitadores se atreven Lo que sí es seguro es que Rashomon fue uno
del filtro de su propia imaginación. a negar una solución satisfactoria, como lo de las películas más influyentes del siglo XX.
Cada uno de ellos transforma lo que ha visto hace Kurosawa al final de su obra maestra. Estableció récords de taquilla para una película
en una historia. Sin embargo, estas historias no subtitulada y actuó como una puerta de
son mentiras, sino trucos de la mente; de Nunca descubrimos quién mató al entrada a través de la cual los cinéfilos
hecho, con Rashomon, Kurosawa sugiere que samurai, ni lo que realmente pasó entre la occidentales podían contemplar por primera
no existe la verdad objetiva. mujer y el vez el seductor y desconocido mundo del
bandido, pero vemos a los cine japonés. Y cada uno de esos cinéfilos
Desde el estreno de la película en personajes cambiar a medida que habría visto algo diferente. ■
1950, el principal recurso narrativo de examinan sus propios recuerdos.
Rashomon ha sido
tomado prestado e imitado innumerables El efecto Rashomon En la historia de la esposa, ella le ofrece a
veces, desde la nueva versión estadounidense Ha entrado el “efecto Rashomon ” su marido un cuchillo para matarla después
de 1964, The Outrage, un western lenguaje como abreviatura de cualquier de ver una expresión de disgusto en su
protagonizado por Paul Newman, hasta el situación, en el arte o en la vida, en la que el rostro después de la violación.
114
SOY GRANDE. SON LAS

FOTOS QUE SE
QUEDARON PEQUEÑAS
BULEVAR DEL ATARDECER / 1950
Sunset Boulevard es una elegía cómica y

EN CONTEXTO Sunset Boulevard, Norma, negra a la era del cine mudo de Hollywood,
En un momento
estrella dado demudo
del cine Billy Wilder
descolorida y la película está llena de rostros de
GÉNERO Desmond (Gloria Swanson) lanza aquellos días de gloria, incluido Buster
Drama una mirada a la audiencia. “No Keaton, que parece devastado por el
DIRECTOR
necesitábamos diálogo. tiempo en una mesa de juego, y el
¡Teníamos caras! dice, mientras legendario director Cecil B. DeMille,
Billy Wilder
sus ojos brillan con locura, tristeza y ambos interpretándose a sí mismos de
ESCRITORES miedo. El estado mental debilitado forma irónica y cameos autocríticos.
Charles Brackett, de Norma y su caída de la cordura Max, el sirviente de Norma, es
interpretado
y la fama se pueden ver en ese único primer plano. por Erich von Stroheim, otro famoso direc
Billy Wilder
ESTRELLAS
Joe se viste con corbata blanca y
Gloria Swanson, William frac para la fiesta de Nochevieja
Holden, Erich von de Norma, solo para descubrir que
Stroheim, Nancy Olson ella no ha invitado a otros
invitados y está tratando de cortejarlo.
ANTES
1928 La carrera cinematográfica muda
de Gloria Swanson alcanza su
punto máximo con Sadie Thompson,
un drama ambientado en el Pacífico Sur.
1944 Double Indemnity es el clásico

cine negro de Billy Wilder sobre los
dobles tratos en una compañía de
seguros de Los Ángeles.
DESPUÉS
1959 Wilder muestra su
versatilidad con Some Like It Hot,
una comedia en la que Tony Curtis y
Jack Lemmon se visten travestis para
escapar de la mafia.

Qué más ver: Ha nacido una estrella (1937) ■ Todo sobre Eva (1950, p.332) ■ A
algunos les gusta lo caliente (1959, pp.148–49) ■ ¿ Qué pasó con Baby Jane? (1962)
La película de Wilder marcó

un extraordinario regreso
a la pantalla para Gloria Swanson.
Posteriormente se retiró
efectivamente del cine.
con el solitario
norma cuando ella pregunta
él para escribir su película de
regreso. La envejecida diva está
convencida de que sus millones de Billy Wilder
fans esperan, “ahí afuera, en la Director
oscuridad”, su regreso a la
pantalla grande. “Nadie es perfecto” es la última línea de
era silenciosa. La propia Swanson había Joe se muda a regañadientes a la Some Like It Hot de Billy Wilder . Todas las
películas de Wilder son
sido una gran estrella de la pantalla espeluznante mansión de la estrella en
Sunset Boulevard, y Norma se enamora basado en esta simple verdad—
muda, por lo que al asumir el papel de la
con personajes cuyos defectos son
trastornada señorita Desmond, crea una del joven escritor, quien se deja llevar por
fascinantes, desde Walter Neff de
parodia grotesca de su yo de celebridad. sus delirios. Joe finalmente intenta escapar
Fred MacMurray en Double Indemnity
de Norma y salvar la poca dignidad que le
hasta el detective de Robert Stephens
La película cuenta la historia de Joe Gillis queda, pero sabemos que las cosas terminan
en La vida privada de Sherlock Holmes
(William Holden), un guionista con mala suerte mal para él porque su historia se cuenta en
que cae en un flashback; Al comienzo de la película es (1970). Como cineasta, el propio Wilder
un cadáver flotando en una piscina. “El pobre era lo más cercano a la perfección que es
tonto. posible conseguir.
Nacido en Austria en 1909,
Siempre quiso una piscina”, es la narración Samuel “Billy” Wilder huyó de los nazis
de Joe, un chiste de humor negro contado para trabajar como director.
desde más allá de la tumba. Debut en París. En la década de 1930

llegó a Hollywood, donde escribió películas
Homenaje silencioso con Charles Brackett. Double Indemnity,
Las películas de Wilder son famosas por su colaboración con el novelista

Raymond Chandler, a menudo se considera
sus diálogos cínicos y sus frases
el primer cine negro. Sus películas
ingeniosas: “¡Harás una cuerda de palabras y
posteriores fueron
estrangularás este negocio!” es una de las
líneas más memorables de Norma—
en su mayoría cómico, pero conservó
pero también hay una sugerencia de el mordisco cínico (y el ojo para la
melancolía en Sunset Boulevard. debilidad humana) de sus tragedias
Detrás de su cinismo, la reverencia de anteriores. Murió en 2002.
Wilder por una era desaparecida es
obvio. En última instancia, si bien la
Películas clave
engañada Norma tiene una monstruosidad
brillante, también es una figura trágica.
1944 Doble indemnización
Wilder sugiere que tal vez tenga razón
1945 El fin de semana perdido
sobre las películas: que perdieron parte de 1950 bulevar del atardecer
su magia cuando sus estrellas empezaron 1955 La picazón de los siete años
a hablar. ■ 1959 A algunos les gusta lo caliente
116
SIEMPRE HE CONFIADO
SOBRE LA BONDAD
DE EXTRAÑOS
UN TRANVÍA LLAMADO DESEO / 1951
EN CONTEXTO amabilidad en
no hay mucho
mostrar en
GÉNERO
Un tranvía llamado
Drama
Desire, que cuenta la
DIRECTOR historia de Blanche Dubois
Elia Kazán (Vivien Leigh), una mujer
cuyo pasado la alcanza
ESCRITORES
una sofocante tarde de
Tennesse Williams, verano en Nueva
Oscar Saúl (guión); Orleans. "La crueldad
Tennessee Williams (obra) deliberada", dice, "es lo único
imperdonable". Una de las dos únicas películas de la historia
ESTRELLAS
Cuando ella viene a quedarse con que ganó tres premios de la Academia por
Marlon Brando, Vivien actuación, Un tranvía llamado deseo
su hermana menor Stella (Kim
Leigh, Kim Hunter, hizo un nombre familiar gracias a su
Hunter), Blanche cree que está
Karl Malden estrella, el ahora legendario Marlon Brando.
huyendo de su antigua vida como
ANTES profesora acosada por los escándalos.
1950 Tennessee Williams adapta En realidad, corre hacia un cataclismo ataque. Esta tensa adaptación de
su propia obra, The Glass Menagerie,
de destrucción y crueldad en la la obra de Tennessee Williams provocó
corpulenta figura del marido de indignación cuando su director, Elia
para la pantalla. Es una pieza temática
Stella, Stanley Kowalski (Marlon Brando). Kazan, la proyectó por primera vez para
que acompaña a Un tranvía llamado
Blanche siente horror por la verdad Warner Bros., y se vio obligado a cortar
deseo.
desnuda, que tiene la costumbre de cinco minutos de su película antes de que
DESPUÉS disfrazar con ilusiones y fantasías Los ejecutivos del estudio lo lanzarían.
1954 Elia Kazan se reúne con astutas: “No digo la verdad. ¡Digo lo que
Marlon Brando para realizar On the debería ser la verdad! El momento Blanca Temas controvertidos
Waterfront. Estas pequeñas pero cruciales ediciones
Llega al apartamento de Stella, Cubrió los aspectos más sórdidos
1958 Elizabeth Taylor y Paul Stanley huele su miedo y se produce un de la historia (la “ninfomanía” de
Newman protagonizan La gata sobre juego del gato y el ratón. Es un Blanche, la homosexualidad secreta de
el tejado de zinc, otra apasionante depredador al que le molestan los su difunto marido, la lujuria de Stella
adaptación de una obra de Williams. presumidos desprecios de su cuñada, por Stanley y la violación culminante),
y el juego termina con una violenta relación sexual.
reflejando inadvertidamente la autoconfianza.

Qué más ver: Un lugar en el sol (1951) ■ El salvaje (1953) ■ Rebelde sin causa (1955,
p.131) ■ La rosa tatuada (1955) ■ Baby Doll (1956)
locura delirante de su personaje central. la vida interior del brutal Stanley, y los
Sin embargo, la película también fue resultados son verdaderamente volcánicos.
criticada por su teatralidad, y es cierto que La actuación convirtió a Brando en
Kazán se niega a abrir el drama más allá una estrella, pero ni siquiera él pudo
de las cuatro paredes desconchadas del eclipsar el retrato parpadeante e
diminuto y decadente nido de amor de iridiscente de Vivien Leigh de una
Stella y Stanley. Pero es la atmósfera mujer atormentada por sus propios deseos.
claustrofóbica de la película la que se “Quienquiera que seas”, dice al final de
convierte en la fuente de su la película, con su acento sureño ondeando
electricidad: los actores merodean y delicadamente alrededor de la triste
caminan por el set como animales verdad en el corazón de ella misma, Elia Kazán
enjaulados, desviándose hacia los “siempre he confiado en la amabilidad Director
territorios de los demás y sobrepasándose susde los extraños”. ■
marcas.
Esto es especialmente cierto El director estadounidense de origen
en el caso de Brando. Estudioso del turco Elia Kazan fue uno de los más
enfoque del “Método” para la creación de famosos practicantes de la técnica del
un personaje, se dedicó a desenterrar “Método” desarrollada por

Lee Strasberg, que animaba a los
El marido actores a aprovechar sus experiencias

de Stella, personales y “convertirse” en
Stanley, los personajes que interpretaban.

siente una
atracción brutal En la década de 1930, se unió al
por Blanche, experimental Group Theatre de Nueva
pero su atención York y triunfó en Broadway,
rápidamente cofundando el Actors Studio en 1947.
se convierte en abuso. A mediados de la década de 1950
ya era un
actor importante en Hollywood.
En 1952, Kazán testificó ante el
Comité de Actividades
Antiamericanas de la
Cámara de Representantes. Como
miembro del Partido Comunista
estadounidense, informó
sobre ocho antiguos colegas que
habían sido comunistas. Él reanudó
su carrera, pero su enfoque

cambió de películas controvertidas a
alegorías históricas, como una adaptación
de East of Eden de John Steinbeck.
Películas clave
1951 Un tranvía llamado deseo

1954 En el paseo marítimo
1955 Al este del Edén
1961 Esplendor en la hierba
118
ES UN MUNDO DURO
PARA PEQUEÑAS COSAS
LA NOCHE DEL CAZADOR / 1955
con su uso de encuadres exagerados y

EN CONTEXTO del Cazador era tal sombras para crear
crítico y comercial
Tras su lanzamiento, La Noche un estado de ánimo cada vez mayor de temor.
GÉNERO
fracaso que el actor convertido en director El público contemporáneo quizás se
Suspense, terror confundió cuando sus expectativas se
Charles Laughton nunca dirigió otra
DIRECTOR película. La pelicula era vieron frustradas, pero con el tiempo la
comercializado como, y parecía ser, un película se ha consolidado como una obra
Carlos Laughton
cine negro, una idea reforzada por el clave del cine estadounidense, un cuento
ESCRITORES casting del pilar del género Robert de hadas moderno que no teme deleitarse
James Agee (guión); Mitchum para el papel principal. Todavía con su oscuridad, tanto en sentido literal
Davis Grubb (novela) tiene más en común con la década de 1920 como figurado.
películas de terror expresionistas alemanas
ESTRELLAS
que el cine negro duro, Lobo con piel de oveja
Robert Mitchum, Shelley Esta es la historia de un psicópata
Inviernos, Lillian Gish disfrazado de predicador, Harry Powell
ANTES (Mitchum), un estafador que seduce y asesina
mujeres. La acción se desarrolla en la Gran
1933 Charles Laughton gana un
Oscar por el papel principal en La Depresión, que ha llevado al desesperado
hombre de familia Ben Harper a intentar
vida privada de Enrique VIII.
Charles finalmente tenía muy un robo a un banco. Harper es
1947 Robert Mitchum se hace famoso capturado y sentenciado a muerte por
poco respeto por [el guionista] Agee.
en el cine negro con Build My asesinar a dos personas durante el robo.
Y odiaba el guión, pero su
Gallows High. odio lo inspiró.
DESPUÉS Elsa Lanchester Powell comparte celda con Harper
La esposa de Charles Laughton mientras Harper espera su ejecución. Se
1962 En Cape Fear, Mitchum vuelve entera de que el condenado
a interpretar a un ex convicto que Ha escondido 10.000 dólares con su familia.
aterroriza a una familia, Tras su liberación, Powell se propone
enfrentado al abogado Gregory Peck. congraciarse con la viuda de Harper,
Willa (Shelley Winters), y

Qué más mirar: M (1931, pp.46–47) ■ Build My Gallows High (1947, p.332) ■ Angel Face (1952) ■ Les Diaboliques (1955)
■ Touch of Evil (1958, p.333) ■ El cabo del miedo (1962)
sus dos hijos. Willa será la diálogo. Por ejemplo, la amenaza invasora se Se utilizan luces y sombras para enmarcar
próxima víctima desafortunada de su transmite mediante el encuadre abiertamente imágenes clave. Mientras Powell está
de pie junto a Willa, cuchillo en mano,
espeluznante pero demasiado suave acto de predicador. estilizado del escondite de los niños en un
las sombras convierten su dormitorio
granero, yuxtapuesto con Powell en el horizonte
en una iglesia pervertida.
Luz y sombra distante, o por la forma en que las sombras
Uno de los aspectos más notables de La abruman un dormitorio, dejando la poca luz
noche del cazador es cuán que queda para crear el efecto de una La imagen de un altar corrupto en una
poderosamente comunica significado en iglesia refleja el propio estatus de Powell como
formas distintas a las altar mientras Powell asesina a Willa. El falso profeta, un hombre amoral que usa la
palabra de Dios para servir a sus propios
propósitos nefastos.
Ella no volverá. Creo que puedo El uso de fotografías en blanco y negro
prometerte eso con seguridad. de alto contraste también ayuda a resaltar el

contraste entre el bien y el mal en la
Harry Powell / La noche del cazador película.
120 LA NOCHE DEL CAZADOR

La amenaza y el significado se transmiten Su letra trata sobre la paz y el gozo que posteriormente desaparece. Parece
aún más mediante el uso de la canción. los creyentes encuentran en los brazos ser la imagen de la caridad y una
Harry Powell se apropia del himno del Señor. En el pequeño pueblo que figura de autoridad confiable, pero sus
“Apoyándose en los brazos eternos”, que se infiltra, Powell se hace pasar por un verdaderas intenciones son abusar,
canta para sí mismo mientras caza a hombre de Dios a quien el afligido explotar y robar.
los niños, Pearl y John. Willa puede apoyarse mientras afronta
la pérdida de su marido, a quien la Realismo magico
Powell usa sus tatuajes para contar comunidad local confía el cuidado de su Mientras John y Pearl escapan de las
vida. garras de Powell en un bote de remos que lleva
una historia moralizadora de amor y
odio, pero Rachel Cooper puede los niños lejos por el río, su viaje hacia un peligroso
ver a través de él. después de ella desconocido es
transmitido por la canción, en lugar
del diálogo. Pearl canta sobre una
mosca que se eleva
hacia la luna. La mosca,
una cosa diminuta
en un mundo vasto,
no sabe los peligros
que le esperan, pero
de todos modos se
va, porque no hay otro.
curso. La canción se suma al
sentimiento expresionista del
película, creando una sensación
de realismo mágico.

La viuda Willa se deja
seducir por el falso
encanto del falso
predicador, que trae el
horror a su casa.
Bajamos al sótano a la luz

de las velas. Estas escenas
aterrorizan al público porque
aprovechan un miedo innato:
la violación del hogar, el lugar
donde las personas deberían
sentirse seguras.
Final de un cuento de hadas

Carlos Laughton
Finalmente, los niños son acogidos
Director
por la amable y sabia Rachel
Cooper (interpretada por la veterana
Charles Laughton nació en 1899
de Hollywood de la era del cine mudo
en Scarborough, en el norte de
Lillian Gish), una anciana que ha
Inglaterra. Se formó en RADA, la
adoptado a varios niños que academia de artes dramáticas de
Londres, lo que le permitió
Terror en el hogar víctima de la Depresión. conseguir su primer trabajo actoral
En la década de 1970, películas como Como un hada madrina, Rachel protege en los escenarios londinenses.
Halloween y El exorcista fueron elogiadas a Pearl y John, pero Powell aún no ha Hizo su debut cinematográfico
por domesticar el horror, sacándolo de los terminado y los niños aún no están a en Hollywood con la película de
asilos y castillos abandonados y llevándolo salvo. 1932 The Old Dark House,
al hogar. Sin embargo, 20 años antes, La La Noche del Cazador es dura protagonizada junto a Boris Karloff.
Su papel más icónico llegó
noche del cazador ya lo había hecho. El categorizar, lo que puede explicar por qué,
terror se acumula durante la película cuando se publicó, fue recibido con
un año más tarde, interpretó el
personaje principal en La vida
cuando Powell se congracia con la familia de incomprensión. Es experimental, con estrechos
privada de Enrique VIII, actuación
John y Pearl, seduciendo a su madre con su vínculos estilísticos con el expresionismo
que le valió el Premio de la
fervor religioso. Una a una, viola las normas alemán. Escena tras escena se sitúa en la Academia al mejor actor en 1933.
internas que cúspide entre el sueño y la pesadilla, lo real y
Laughton protagonizó películas
lo surrealista. como Mutiny on the Bounty (1935),
Por encima de todo, es un cuento de Jamaica Inn (1939) y Spartacus
se supone que deben hacer que los niños se hadas aterrador pero esperanzador: (1960).
sientan seguros bajo su cuidado. En vez de sincero en su descripción del malvado Powell, La única incursión de
cuidándolos y alimentándolos como se pero también insistente en la posibilidad de que Laughton en la dirección fue con The
esperaba, los mata de hambre en su intento se pueda combatir el mal. Es una historia La noche del cazador. Aunque ha
de hacerles confesar dónde está de amor y odio, las palabras tatuadas en ganado masa crítica a lo largo
escondido el dinero. La sensación de los nudillos de Powell. Estos dos de los años, el fracaso inicial de
amenaza se vuelve casi Las fuerzas elementales chocan en una de las taquilla de la película
insoportable mientras los conduce películas más mágicas jamás realizadas. ■ lo desanimó y no volvió a dirigir.
Murió en California en 1962.
La salvación es un asunto de último

película clave
momento, muchacho.
1955 La noche del cazador
Harry Powell / La noche del cazador
122
¿QUÉ ES LO PRIMERO QUE

APRENDE UN ACTOR? "¡EL
SHOW DEBE CONTINUAR!"
CANTANDO BAJO LA LLUVIA / 1952
La influencia corruptora de la fama

EN CONTEXTO Según The Artist en 2011, la y el dinero, y los compromisos que
De Ha nacido una
industria estrella en 1937
cinematográfica ha exhibido hacen por el bien de sus carreras,
GÉNERO una obsesión narcisista consigo mismo. muchos cineastas han hecho sátiras
Musical, sátira Basándose en sus propias experiencias de sobre las películas. Cantando en la lluvia
DIRECTORES estudios que sofocan la creatividad, el Se acerca a la industria del cine
con más cariño que otros.
Gene Kelly, Stanley Donen
Ve a Hollywood, a pesar de su
ESCRITORES decadencia y excentricidades, como
Betty Comden, un lugar donde el talento puede
Adolfo Verde prosperar, y sigue siendo uno de
los mejores ejemplos de por qué
ESTRELLAS
ese optimismo está justificado: una
Gene Kelly, Donald película tan rebosante de
O'Connor, Debbie Reynolds creatividad e invención que, más
ANTES
de 60 años después, conserva la
capacidad de inspirar y entretener.
1927 The Jazz Singer es el primer
largometraje “sonoro” del mundo.
Se menciona en el
El final de una era
Singin' in the Rain está ambientada a
trama de Cantando bajo la lluvia. finales de la década de 1920, hacia
1945 Para Anchors Aweigh, Kelly el final de la era del cine mudo, y
tuvo rienda suelta para crear sus trata sobre la necesidad de un
propias rutinas de baile. estudio y su estrella del cine mudo, Don
Lockwood (Gene Kelly), a
DESPUÉS
2011 The Artist revisita el fin del
Cantando en el Lluvia es
cine mudo y el nacimiento del sonido
considerado uno de los grandes musicales
cinematográfico.
de todos los tiempos por su suave
satirización de las costumbres de Hollywood.

Qué más ver: The Jazz Singer (1927, p.330) ■ Top Hat (1935) ■ Ha nacido una estrella (1937) ■ Anchors Aweigh (1945) ■
Ziegfeld Follies (1945) ■ On the Town (1949) ■ Sunset Boulevard (1950, pp.11415) ■ Un americano en París (1951)
cambiar con los tiempos. A menos que pueda que estaba haciendo con su superficial En uno de los flashbacks de la
aprender a trabajar con sonido sincronizado, Don coprotagonista, Lina Lamont (Jean Hagen), se carrera de Don (Gene Kelly), lo
está destinado, en sus palabras, a convertirse en vemos convertirse en una gran
está volviendo a filmar para el sonido. El elenco y el equipo
“una pieza de museo”. están fuera de su alcance con la nueva
estrella de Broadway y actuar Gotta Dance.
Su posición refleja en gran medida el tecnología; por ejemplo, incluso el talentoso
estatus del musical como género en el momento Don pide que se reemplace el diálogo repitiendo errores que comete a causa de esa ansiedad,
en que se lanzó Singin' in the Rain : en 1952, "Te amo", sin darse cuenta de lo duro que sonará pero también se trata del eclipsamiento del
era un formato cuyo apogeo parecía estar eso en un "talkie". La escena musical por otros géneros cinematográficos.
pasando. Hay una secuencia memorable en la
que The Dueling Cavalier, una película muda aborda sus temores de ser reemplazado, a
donde Don está medida que sus habilidades y metodología El arco de la creatividad
se vuelven redundantes, y el Uno de los temas clave de Singin' in the Rain
es el trabajo indigno y humillante que las
personas creativas están dispuestas a hacer para
Si aportamos un poco de alegría salir adelante en la industria. Esto se destaca en
a sus aburridas vidas, nos hará sentir tres historias dentro de la película.
como si nuestro arduo trabajo no En el primero, Don recuerda a un periodista
hubiera sido en vano. en la alfombra roja de un estreno. Mientras

se vuelve lírico sobre su digno ascenso al
Lina Lamont / Cantando bajo la lluvia estrellato, el
124 CANTANDO BAJO LA LLUVIA
La actriz Cyd Charisse , como ella misma,

es la sensacional pareja de baile de Kelly
en la secuencia musical “Broadway Melody”.
estrella de cine desde el momento en que

conocerlo, pero no tiene verdadero
éxito hasta la última escena, cuando se encuentra
en su elemento, habiéndose convertido en una
estrella musical en lugar de un personaje silencioso.
actor, y está con la chica que ama, Kathy
Selden (Debbie Reynolds), en lugar de la
egoísta Lina. La película adopta una visión
optimista y sugiere que el camino para
encontrar tu yo creativo es largo y difícil, pero
si tienes el talento y la convicción,
como Don, eventualmente llegarás a donde
perteneces.
Destaca Cantando bajo la lluvia

en el panteón de los musicales por varias
Al espectador se le muestra un montaje intérprete y luego es corrompido por la razones. Toma un
que contradice sus palabras. Se le ve fama y la adulación, antes de redescubrir mirada autocrítica a su propio oficio y
ascendiendo desde el fondo como finalmente por qué quería cantar y bailar en presenta varios números musicales icónicos
intérprete musical, mientras él y su compañero primer lugar. La historia final es la de la (desde el título Singin' in the Rain hasta la
Cosmo Brown (Donald O'Connor) actúan en película en sí, en la que Don evoluciona de comedia Make 'em Laugh), pero sobre todo
bares de mala muerte, son abucheados fuera una estrella silenciosa a su verdadero ha perdurado porque habla de una
del escenario y hacen cola en la fila del fascinación atemporal: la celebración. y el
desempleo. vocación como intérprete musical. poder del talento.
La segunda historia tiene lugar en la serie de La película utiliza estas historias.
fantasía extendida “Broadway Melody”, en examinar qué es lo que constituye el Si bien muchas películas retratan la
la que Don llega a Broadway como un ansioso éxito artístico. Es eventual corrupción del talento y la ambición
No es lo mismo que simplemente hacerlo y creativa, Singin' in the Rain saluda el
hacerse rico; se trata de que el artista haga talento genuino como una fuerza
lo que ama sin compromiso. Don es un incontenible que siempre prevalecerá. ■
Actor Gene Kelly

Uno de los placeres de esta película Gene Kelly nació Protagonizó y ganó varios premios
es que realmente trata sobre en 1912 en Oscar, incluido el de Mejor Película.
algo. Por supuesto, se trata de Pittsburgh, PA, y Cantando bajo la lluvia fue un éxito modesto
romance, como lo son la se convirtió en tras su lanzamiento, pero su popularidad
mayoría de los musicales, pero profesora de pronto creció. Kelly murió en 1996.
también se trata de la industria danza antes de llegar a Broadway.
Su gran oportunidad llegó en 1940 cuando
cinematográfica en un período de transición peligrosa. Películas clave
Roger Ebert consiguió el papel principal en el
programa de Rodgers y Hart, Pal Joey. 1945 Levantan anclas
Anchors Aweigh le dio a Kelly su primera 1946 Locuras de Ziegfeld
y última nominación al Oscar 1951 Un americano en París
al mejor actor, aunque An 1952 Cantando bajo la lluvia
Americano en París, que Kelly 1960 Hereda el viento
Don finalmente se
encuentra en su
elemento como
cantante y bailarín,
no como estrella
del cine mudo,
mientras interpreta
el número musical titular de la pelíc
126
VAMOS
HOGAR
HISTORIA DE TOKIO / 1953
Historia La película muestra a

EN CONTEXTO se hizo Japón en un momento
Tokio en la estela de profundo cambio,
GÉNERO pero su historia de
de las décadas de
Drama desintegración
militarismo en Japón familiar resonó
DIRECTOR que culminó en en
Yasujiro Ozu Derrota catastrófica en la audiencias de todo el mundo.
Segunda Guerra Mundial.
ESCRITORES En ella se pueden
Kôgo Noda, Yasujirô Ozu detectar ondas de la guerra, como el titulo
ESTRELLAS
pero a diferencia de muchas Como sugiere, Tokyo
películas japonesas de la Story es una historia
Chishû Ryû, Chieko
posguerra, la película de sencilla. La película es
Higashiyama, So Yasujirô Ozu se mantiene equilibrada. más una colección
Yamamura, Kuniko Miyaki cuidadosamente seleccionada.
a lo largo de. Sus personajes
ANTES viven sus vidas sin de momentos que un drama, y se
1949 La primera gran película del problemas y termina con una refiere a las relaciones dentro de una familia.
último período de Ozu, Late Spring, es silenciosa tragedia que refleja la Shukichi (Chishû Ryû) y Tomi
un ejemplo de shomingeki, una (Chieko Higashiyama) tienen cuatro
sombría introspección del Japón de la época.
historia de la vida de la gente corriente
en el Japón de la posguerra. Yasujiro Ozu Director
1951 Ozu continúa su A menudo descrito como el más Se centraron de alguna manera en los
preocupación por el estado de la Japonés de cineastas, Yasujirô ritmos cambiantes de la vida familiar en la
familia japonesa con Early Summer. Ozu también es el más accesible. era moderna. Su “Trilogía Noriko”,
de los grandes directores surgidos de ese de la cual Tokyo Story fue la última, estaba
país en la posguerra. Su estilo sencillo le protagonizada por Setsuko Hara como
DESPUÉS valió la reputación de minimalista, Noriko.
1959 En Floating Weeds de Ozu , un pero sus películas están llenas de
grupo de actores de teatro ricos detalles de la vida y el drama Películas clave
kabuki llega a una ciudad costera, humanos. Entre 1927 y 1962, Ozu dirigió
donde el actor principal conoce a su más de 50 largometrajes. Todo 1949 Finales de la primavera
hijo por primera vez. 1951 principios del verano

1953 Historia de Tokio

Qué más ver: Hermanos y hermanas de la familia Toda (1941) ■ Había un padre (1942) ■ El sabor del té verde
Over Rice (1952) ■ Crepúsculo de Tokio (1957) ■ Flor del equinoccio (1958) ■ Buenos días (1959) ■ El fin del verano (1961)
Los niños regresan a casa para el

funeral de Tomi. Durante la cena
fúnebre, la conversación se convierte
en una discusión sobre la herencia
a una velocidad casi indecente.
hijos: Kyoko (Kyoko Kagawa), una hija soltera

que vive con ellos en casa; Keizo (Shiro
Osaka), su hijo menor, que trabaja en Osaka;
Koichi (Sô Yamamura), un médico que vive
en Tokio con esposa y dos hijos; y Shige
(Haruko Sugimura), también tokiota, que
dirige un salón de belleza. Un quinto hijo, un
varón, murió en la Segunda Guerra Mundial.
Un viaje
Shukichi y Tomi deciden visitar a sus hijos en
Tokio, conocer a sus nietos por primera vez y
emprender un viaje en tren hacia el bullicio
de la ciudad.
Son siempre positivos y educados, pero los

espectadores sienten la decepción de la pareja
por el resultado de sus hijos. Ninguno de
los niños dedica tiempo a sus
padres en sus apretadas agendas. hacia abajo, a la altura de los ojos de una aceptación entre ellos, un
De hecho, parece que Noriko (Setsuko persona sentada sobre un tatami . Caracteres reconocimiento de que su papel
Hara), la viuda de su hijo muerto, es la única van y vienen, entran y salen del encuadre, compartido como padres se ha vuelto
persona que se preocupa por ellos. En un pero Ozu ve todo, como si un observador redundante. Este escaso intercambio es
momento dado, Koichi envía a los padres silencioso e invisible estuviera presente típico de la interacción de la pareja en el sentido
a un balneario costero, para que la en cada escena. de que se dicen pocas palabras pero se
habitación en la que se alojan pueda utilizarse El posicionamiento de la cámara tiene dice mucho. También es la forma en que
para una reunión de negocios. que ver con la tradición, así como la historia Ozu cuenta historias en el cine: un
que registra trata sobre la mutación de la momento pequeño y fugaz que contiene un
vida familiar y una cultura antigua en la era significado enorme.
observador estático de la modernidad. La pareja está sentada en un malecón
Esta odisea divertida y triste se observa en el “Vámonos a casa”, le dice Shukichi a su con sus batas de spa. Cuando Tomi se
estilo característico de Ozu: a través de una esposa al cabo de unos días. “Sí”, responde levanta, sufre un mareo. “Es porque no dormí
cámara estática colocada en una posición baja. Tomi. En sus palabras es un bien”, le explica a su preocupado marido.
El rostro de Shukichi nos dice quién es.

Este lugar está destinado a pensando: se va a casa a morir, lo cual hace
la generación más joven. unos días después.

Ahora es el turno de sus hijos de emprender
Shukichi / Historia de Tokio un viaje en familia. ■
128
CUANDO ERA NIÑO CONSUMA

PARA VER A LOS HOMBRES FUERA
ESTE TIPO DE TRABAJOS—
Y NO VOLVER
LOS SALARIOS DEL MIEDO / 1953
aldea. Cuando son contratados por una

EN CONTEXTO El salario del miedo es un despiadada compañía petrolera estadounidense,
HenriGeorges Clouzot
Un gigante del suspenso piensan que es su salida. Pero se les dice que
GÉNERO
impulsado por la codicia y la desesperación. conduzcan camiones llenos de
Drama
Clouzot, rival contemporáneo y nitroglicerina a través de un desierto de
DIRECTOR amistoso de Alfred Hitchcock, baches, cornisas desmoronadas y
HenriGeorges Clouzot logra cautivar al espectador con una puentes desvencijados para apagar un incendio
historia estresante. Cuatro hombres, de petróleo a cientos de kilómetros de
ESCRITORES
Mario (Yves Montand), Jo (Charles distancia. No se espera que todos regresen con vida.
HenriGeorges Clouzot, Vanel), Luigi (Folco Lulli) y Bimba La película muestra una mala opinión
Jérôme Géronimi (guión); (Peter van Eyck), están de los motivos de los hombres, y una
jorge desesperados por escapar aún más baja del capitalismo agresivo
Arnaud (novela) de la vida en una que los explota, pero ante todo es una
sombría Sudamérica. película sobre el terror: un hombre blanco.
ESTRELLAS
Paseo de adrenalina en los nudillos. Desde el
Yves Montand, Charles camino traicionero que amenaza
Vanel, Peter van Eyck, Mario (Yves
Montand)
Desde los camiones hasta
Folco Lulli
atropella el final de fuego y azufre, cada
ANTES accidentalmente escena es más desgarradoramente
1943 El cáustico drama de Clouzot, a Jo tensa que la anterior. ■
(Charles
Le Corbeau, cuenta la historia Vanel)
de un escritor con pluma venenosa en un charco de aceite.
que firma sus misivas "El cuervo".
1947 La tercera película de Clouzot,

Quai des Orfèvres, es un drama criminal
ambientado en el París de la posguerra.
DESPUÉS
1955 En Les Diaboliques, tensa
y retorcida, de Clouzot , dos
mujeres se vengan de un director Qué más mirar: Le Corbeau (1943) ■ Ojos sin rostro (1960) ■
sádico. El infierno de HenriGeorges Clouzot (1964) ■ Duelo (1971)
PERO SI NO USAMOS SU
DISPOSITIVO CONTRA
GODZILLA ¿QUÉ VAMOS A HACER
GODZILLA / 1954
(Gojira en japonés) nuevas amenazas y devastación masiva.

EN CONTEXTO es una película de monstruos Honda es audaz en el uso de imágenes
Godzilla de bajo presupuesto en la que extraídas directamente de la memoria
GÉNERO
un lagarto gigante emerge del Océano Pacífico reciente de su país: enormes explosiones
ciencia ficción
y ataca Tokio. A pesar de toda la candentes que convierten la noche en día; Los
DIRECTOR torpeza de sus efectos especiales, el tokiotas se esconden en búnkeres de
Ishirô Honda monstruo de la película de Ishiro Honda resonó cemento mientras los paisajes urbanos se
poderosamente entre el público en desmoronan. La única esperanza de derrotar
ESCRITORES 1954. a Godzilla es un dispositivo llamado
Takeo Murata, Ishirô La criatura permanece "destructor de oxígeno",
Honda (guión); principalmente en la sombra otro sombrío
Shigeru Kayama (historia) como una amenaza indistinta, invento del ser humano.
mientras que las imágenes progreso. Honda, un amante
ESTRELLAS
granuladas en blanco y de la naturaleza, vio a su rey
Akira Takarada, Momoko
negro recuerdan lagarto como la venganza de
Kôchi, Akihiko Hirata,
escalofriantemente las la Tierra por los problemas
Takashi Shimura ambientales de la ciencia.
imágenes de los noticieros
ANTES de agosto de 1945, cuando las bombas atómicas imprudencia.
1949 Ishirô Honda trabaja fueron lanzados sobre Japón en
como asistente de dirección los últimos días de la megafranquicia

Segunda Guerra Mundial. Por lo Godzilla generó una
en Stray Dog, un cine negro
tanto, los espectadores japoneses estaban franquicia de monstruos
dirigido por su amigo Akira Kurosawa.
no son ajenos al concepto proporciones, con
1953 En Eagle of the Pacific de de horroroso secuelas que se extienden
Honda , los efectos especiales desde Godzilla Raids de 1955
son creados por Eiji Tsuburaya, De nuevo al éxito de
Honda lo vio Godzilla
quien luego crearía a Godzilla. taquilla estadounidense
como un medio para
absorber el trauma de los de 2014, aunque la criatura
DESPUÉS
ataques con bombas en sí se ha convertido en un
1961 Las pruebas atómicas icono del kitsch. ■
atómicas en la cultura japonesa.
convocan a otro monstruo en la
película Mothra de Honda, sobre Qué más ver: King Kong (1933, p.49) ■ La bestia de 20,000 brazas (1953) ■ Godzilla
una polilla gigante que aterroriza a Tokio. contra Hedorah (1971) ■ Monstruos (2010) ■ Pacific Rim (2013)
130
ESPERA HASTA VER A

TU MADRE.
ELLA NUNCA SE VIO
TAN RADIANTE
TODO LO QUE EL CIELO PERMITE / 1955
Los niños se oponen, Cary interrumpe la

EN CONTEXTO experto en equilibrar lo aventura. Detrás de esta tragedia hay una
convencional
Douglas Sirk fue director con lo crítica a los códigos morales de los pueblos
GÉNERO
subversivo. Sus exuberantes melodramas pequeños de Estados Unidos, que se las
Drama romántico
de Hollywood eran las películas para chicas ingeniaron para mantener a las mujeres en su lugar.
DIRECTOR de la década de 1950: un desfile de estrellas "La comunidad se encargó de ello",
de cine en portada de revista vestidas e dice la hija de Cary al principio de la
Douglas Sirk
iluminadas a la perfección, enamorándose película, mientras explica una antigua
ESCRITORES
y desenamorándose con un telón de fondo Costumbre egipcia en la que las viudas
Peg Fenwick (guión); Edna L. Lee, de suburbios en flor de cerezo. Pero estas eran enterradas vivas en las tumbas
Harry Lee (historia) telenovelas de la pantalla grande contenían de sus maridos. "Por supuesto, ya no
profundidades oscuras que fueron disfrazadas sucede". Pero Sirk le muestra a su audiencia
por el arte de Sirk, y ninguna más que All That que sí.
ESTRELLAS
El cielo lo permite. Los colores brillantes que utiliza para
Jane Wyman, Roca
representar la jaula suburbana de Cary
Hudson, Agnes Moorehead,
Prisión suburbana A primera se burlan de su imagen ideal.
Conrado Nagel vista, la película es una historia de Cada cuadro comunica su infelicidad, hasta el
ANTES DE amor en la que una ama de casa viuda, punto de que incluso su hija admite que pudo
Cary (Jane Wyman), se enamora de su haber estado mal forzar la ruptura con
1954 Sirk empareja a Hudson
apuesto jardinero, Ron (Rock Hudson). A Ron. ¿Encontrará Cary el coraje para
con Wyman en Magnificent
Ron no le importa la diferencia de edad o desafiar las convenciones que dictan su
Obsession, un melodrama
clase social. Desafortunadamente, otros lo vida? Sirk sabía que conseguiría que su
sobre un playboy imprudente.
hacen, y cuando Cary llega a la edad público se pusiera firmemente del lado
DESPUÉS universitaria de Cary. ■
1956 En Escrito en el viento, Sirk
dirige otro romance con Hudson
como un desvalido de clase Estabas listo para una historia de amor,
trabajadora. pero no por amor.
1959 La imitación de la vida de Sirk
Cary / Todo lo que el cielo permite
aborda el género y la raza con la
historia de una actriz que contrata a Qué más ver: Escrito en el viento (1956) ■ Imitación de la vida (1959) ■
una viuda para cuidar a su hija. Segundos (1966) ■ Ali: El miedo se come el alma (1974, págs. 22223)
NO CREO ESO
QUIERO APRENDER
DE ESA MANERA
REBELDE SIN CAUSA / 1955
le dice el padre. Pero Jim rechaza las lecciones

EN CONTEXTO La película adolescente icónica es de vida de sus padres; se mete en peleas
El título de engañoso,
Nicholas Ray
porque el personaje con cuchillos en la escuela y hace carreras de
GÉNERO
central de la película es un rebelde autos en un juego de “gallina” para demostrar
Drama
cuya causa no puede ser más clara: Jim Stark que no ha heredado su cobardía.
DIRECTOR (James Dean), de 17 años, quiere que sus Rebelde sin causa generó numerosas
padres dejen de mentir. imitaciones: películas para adolescentes
nicolas rayo
Cuando Jim comienza una nueva escuela ruidoso con sexo, drogas y rock and roll.
ESCRITORES Pero el ruido más fuerte de la película de
En una nueva ciudad, su turbulento pasado
Stewart Stern, Irving lo alcanza y su vida hogareña se deteriora. Jim Ray es el aullido de angustia.
Shulman (guión); observa la respetabilidad de su madre y su No explota a sus personajes jóvenes,
Nicolás Ray (historia) padre débil e ineficaz y no ve más que hipocresía sino que simpatiza, logrando una
y fracaso. actuación poderosa de Dean, quien llegó a
ESTRELLAS
simbolizar la angustia adolescente para toda una
James Dean, Natalie Wood,
“Aprenderás cuando seas mayor”, dijo. generación. ■
Sal Mineo, Jim Backus
Jim (James
ANTES Dean) ataca a
They Live by Night, de 1948 , su padre, Frank
sobre tres forajidos que huyen, (Jim Backus), por
su cobardía. Jim
explora su fascinación por el
está desquiciado
outsider.
y es violento, pero
1955 East of Eden, de Elia no es un sociópata:
es una víctima
Kazan , la primera de las tres películas y su causa es la verdad.
de James Dean, es una adaptación de
la novela épica de John Steinbeck.
DESPUÉS
1956 Dean muere en un accidente
automovilístico antes de que se
estrene la saga familiar Giant , lo
que le da a la película de George Stevens Qué más ver: The Wild One (1953) ■ Bigger than Life (1956) ■ Easy Rider
una resonancia trágica adicional. (1969, págs. 196–97) ■ American Graffiti (1973) ■ The Warriors (1979)
132
CUANDO ESTOY MEJOR

VAMOS A MIRAR
EN LOS TRENES OTRA VEZ
PADRE PANCHALI / 1955
Apu no es el único que está

EN CONTEXTO de Apu (Subir Banerjee), aprendiendo. El propio Ray nunca
Pather Panchali
un jovencuenta la historia
que aprende antes había escrito ni dirigido una
GÉNERO sobre el mundo que lo rodea. El Vive conpelícula; su elenco nunca había actuado
Drama su madre, su padre, su hermana y su antes, a excepción de Chunibala Devi;
DIRECTOR tía en una empobrecida aldea bengalí el fotógrafo Subrata Mitra, cuya
de la India. La familia está cada vez cinematografía captura la
Satyajit Ray
más cerca de la ruina financiera, pero lánguida belleza de un verano
ESCRITORES los ojos de Apu están llenos de asombro. indio, nunca había trabajado
Satyajit Ray (guión); Aunque su vida está plagada de con imágenes en movimiento;
Bibhutibhushan desesperación, todavía no lo sabe, y Incluso Ravi
Bandyopadhyay (novela) el director Satyajit Ray permite que el Shankar, que
proporciona la
público comparta la inocencia de su protagonista.
ESTRELLAS
brillante partitura
Kanu Banerjee, Karuna de sitar de
Banerjee, Subir Banerjee, la película y que
Chunibala Devi más tarde sería mundialmente famoso, era un no
ANTES
1948 El ladrón de bicicletas de La familia cuida del
anciano Indir
Vittorio De Sica inspira a Ray a
Thakrun, interpretado
hacer la historia de Apu. por Chunibala Devi,
quien murió antes del
DESPUÉS
estreno de la película.
1956 La continuación de Ray de Pather
Panchali, Aparajito, continúa la historia
de Apu, quien viaja hacia una nueva
vida en Calcuta.
1959 La última película de la

“Trilogía Apu”, Apur Sansar.
Sigue al Apu adulto en un viaje a una
ciudad de provincias que cambiará
su vida para siempre.

Qué más ver: El ladrón de bicicletas (1948, págs. 94–95) ■ Jalsaghar (1958) ■ La estrella
cubierta de nubes (1960) ■ Charulata (1964) ■ Ashani Sanket (1973)
Satyajit Ray Director

“Nunca antes un hombre había
"Tuvo un impacto tan decisivo en
las películas de su cultura", escribió
el crítico de cine estadounidense
Roger Ebert, resumiendo la
El primer día de rodaje, Ray no tenía Sarbojaya Ray (Karuna Banerjee)
atiende a su hija enferma Durga contribución de Satyajit Ray al
guión, pero la historia de Apu... cine en su reseña de
Basado libremente en la novela de (Uma Das Gupta). No puede hacer
nada para detener una fiebre mortal. la "Trilogía Apu" del cineasta.
Bibhutibhushan Bandyopadhyay—
Antes de Ray, las películas
Estaba todo en la cabeza del director. Ya
indias eran generalmente
lo había visualizado en una serie de "Iremos a ver los trenes otra vez". musicales, románticas y de capa y
ilustraciones para la novela, lo que quizás Es posible que Durga crea que se recuperará espada; Después de Apu, algo de
explica por qué gran parte del poder y que Apu también lo crea, pero el público lo que significaba estar vivo en la India
seductor de Pather Panchali se puede sabe que en realidad no hay esperanza. La fue capturado en película y
encontrar en sus imágenes: una luz cámara se pasea mareadamente de un lado nació una nueva tradición cultural.
candente que atraviesa franjas del bosque; a otro en la habitación del enfermo
las nubes crecientes del monzón; azotada por la tormenta, siguiendo a la Ray fundó la primera
chinches de agua retorciéndose madre de Apu, Sarbojaya, mientras observa sociedad cinematográfica de
en un estanque; un tren de vapor se cómo su hija se escapa. Es un momento Calcuta en 1947. Trabajaba en una
agencia de publicidad cuando
vislumbraba en el horizonte. largo y desgarrador, y Apu lo acompañará
dirigió su primer largometraje,
hasta el final de la película y más allá, en
Pather Panchali, que ganó premios
Velocidad lenta dos películas más sobre su vida. ■
en Francia, Londres y Venecia. Esta
Apu y su hermana Durga (Uma Das
y las otras dos películas de Apu
Gupta) disfrutan corriendo junto al buscaron el realismo, pero Ray
tren, cuyo silbido vibra a lo largo experimentó más tarde con el cine
de los cables de enormes torres de género, incluidas la fantasía y la
de alta tensión y se puede ciencia ficción. Su instinto de
escuchar mucho antes de que carácter, sin embargo, se mantuvo
aparezca el tren. Esta es fuerte. Murió a los 70 años en 1992.
la cosa que se mueve Hermosa, a veces
Películas clave
más rápido en la divertida y llena de amor.
tranquila película Paulina Kael 1955 Pather Panchali
de Ray.
“Cuando 1956 Aparajito
1959 Apur Sansar
esté mejor”, dice Durga
1964 Charulata
más tarde, mientras
1970 Aranyer Din Ratri
yace agonizando de fiebre,
134
LLEVAME A ESE AUTOBUS

PARAR Y OLVIDARTE
ALGUNA VEZ ME VISTO
BÉSAME MORTAL / 1955
La película
EN CONTEXTO (Cloris Leachman) utilizó la forma de
Cristina Bailey
es una misteriosa un drama
GÉNERO criminal de
rubia con una terrible
Ciencia ficción, crimen ficción pulp
secreto. Le ruega al detective
para explorar
DIRECTOR privado Mike Hammer (Ralph la atmósfera de
Robert Aldrich Meeker) que olvide que alguna miedo y
vez la vio. Para el espectador, paranoia
ESCRITORES sin embargo, nada de Kiss Me que se
AI Bezzerides (guión); Deadly es fácil de había
desarrollado en
Mickey Spillane (novela) olvidar, desde Christina
los Estados Unidos en la déca
corriendo descalza por una
carretera por la noche, con los
ESTRELLAS
ojos muy abiertos por el miedo,
Ralph Meeker, Alberto hasta el impactante clímax de la película.
Dekker, Cloris Leachman, nunca, nunca debe
Gaby Rodgers La ciencia ficción se encuentra con el cine negro ser abierto. El nihilismo paranoico de la
El thriller policial de Robert Aldrich ciencia ficción de los años cincuenta
ANTES
se basa en una serie de novelas se superpone con el cine negro: en lugar
1955 Aldrich adapta la obra de
populares sobre las hazañas del matón de una joya de valor incalculable o una
Clifford Odets The Big Knife, sobre
detective privado de Los Ángeles, Mike estatuilla perdida, estos delincuentes
la corrupción de Hollywood.
Hammer. Aldrich utiliza la historia para de la ficción pulp se pelean por un arma
DESPUÉS explorar los caminos más extraños del apocalíptica. Sin embargo, a pesar de su
1962 ¿Qué pasó con Baby Jane? género detectivesco del cine negro, desolación de espíritu, Kiss Me Deadly es
es el retorcido drama de Aldrich añadiendo un toque siniestro de ciencia muy entretenido. El diálogo es nítido en cada escena.
con Bette Davis y Joan Crawford. ficción. La película comienza con la fuga de “El pequeño hilo te lleva a una cuerda,
Christina de una institución mental y se y la cuerda te lleva a una cuerda”,
adentra en la búsqueda de "el gran qué", bromea Velda (Maxine Cooper), “y
1967 En el thriller de guerra de una extraña caja que está caliente al de la cuerda cuelgas del cuello”. ■
Aldrich The Dirty Dozen, Lee Marvin, tacto y
John Cassavetes, Ernest
Borgnine y Charles Bronson forman Qué más ver: El halcón maltés (1941, p.331) ■ Asesinato, cariño
un escuadrón suicida. (1944) ■ El gran sueño (1946) ■ Touch of Evil (1958, p.333) ■ Repo Man (1984)
ESO SERÁ
EL DIA
LOS BUSCADORES / 1956
Westerns de los años 60. Ford se

EN CONTEXTO Ford le dio a John Wayne esfuerza por retratar la dificultad de
Desde elsu
momento en que Juan
gran oportunidad en la sobrevivir en Occidente, con sus
GÉNERO
película Stagecoach de 1939, nació una inviernos gélidos y escasez de alimentos.
occidental
de las asociaciones más emblemáticas Mientras tanto, Ethan Edwards es
DIRECTOR del cine. La robusta masculinidad de retratado como despiadado, intolerante y
Juan Ford Wayne se combinó con las loco, un hombre que preferiría matar a
fascinantes secuencias de acción de su sobrina (que no está feliz de ser
ESCRITORES Ford para crear películas que rescatada) antes que verla crecer como
Frank S. Nugent (guión); elevaron el western del estatus de india. En un momento, dispara a los ojos
Alan Le May (novela) película B a un género clásico popular de Hollywood por derecho
de un cadáver indio propio.
para que su espíritu
The Searchers es considerada por no pueda ver en el más allá. Ésta no
la crítica como la mejor película de la Ford. es una historia simplista de vaqueros
ESTRELLAS
Asociación Wayne. Su historia sigue a e indios. ■
John Wayne, Jeffrey Ethan Edwards (Wayne) mientras
Cazador, Vera Millas busca a su sobrina (Vera Miles), quien
ANTES fue secuestrada por indios en un
ataque que mató a su familia.
1940 Las uvas de la ira es la versión
cinematográfica de Ford de la
Nueva visión del Viejo Oeste
famosa historia de la época de la Depresión. En The Searchers creo que Ford
Muchos westerns se beneficiaron (y
1952 Ford dirige a John Wayne en The contribuyeron) del revisionismo intentaba, de manera imperfecta,
Quiet Man, un fastuoso drama romántico de la época, que incluso nerviosa, representar el
cómico rodado en Irlanda. presentaba el Viejo Oeste como racismo que justificaba el genocidio.
DESPUÉS
un lugar peligroso, pero también Roger Ebert
como un lugar de héroes nobles con objetivos claros.
1959 En Río Bravo, Wayne Valores americanos. En The Searchers,
interpreta a un sheriff que se cualquier heroísmo se ve atenuado
enfrenta a un poderoso ranchero. por las duras realidades del lugar y el tiempo.
La película presagia lo más oscuro.
1969 True Grit es la historia de una
joven que contrata a un anciano
mariscal estadounidense (Wayne)
Qué más ver: Stagecoach (1939) ■ Rio Bravo (1959) ■ The Good, The
para localizar al asesino de su padre.
El malo y el feo (1966) ■ Sin perdón (1992)
136
HE CAMINADO MUCHO
A TU LADO
EL SÉPTIMO SELLO / 1957
EN CONTEXTO
GÉNERO
Drama
DIRECTOR
Ingmar Bergman
ESCRITOR
Ingmar Bergman (de su obra)
Madera Cuadro
ESTRELLAS
Max von Sydow, Gunnar

Björnstrand, Bengt Ekerot,
Nils Poppe, Bibi Andersson
ANTES
1955 El primer éxito de Bergman,
Séptimo Sello (Det sjunde El caballero Antonius Block ofrece a la
Sonrisas de una noche de verano, es una
inseglet) toma la forma de Muerte una partida de ajedrez por su vida.
comedia de intercambio de parejas.
El una obra moral medieval. Death acepta el juego, al que volverán
DESPUÉS Un caballero regresa de las Cruzadas varias veces durante la película, pero
que Block no puede ganar.
1957 La próxima película de Bergman, y encuentra su tierra natal
Fresas Salvajes, es la historia de un devastada por una plaga. Se confiesa
anciano que se prepara para la muerte. en una iglesia rodeado de cadáveres. La figura se revela como la Muerte,
“Quiero que Dios extienda la mano, que ha estado siguiendo al caballero
1966 En Persona, Bergman dirige muestre su rostro, me hable”, le en su viaje desde Tierra Santa.
una fábula sombría sobre la
dice al encapuchado al otro lado de Después de haber luchado por
muerte, la enfermedad y la locura. la reja. “Le llamo a gritos en la Dios en el desierto, el caballero Antonius
oscuridad pero no hay nadie allí”. Block (Max von Sydow) está experimentando

Qué más ver: La muerte se toma vacaciones (1934) ■ La primavera virgen (1960) ■ A través de un espejo en la oscuridad (1961) ■
El silencio (1963) ■ Luz de invierno (1963) ■ La hora del lobo (1968) ■ Gritos y susurros (1972) ■ Amor y muerte (1975)
¿Qué pasará con los que queremos fue tomado del apocalíptico Libro del
Apocalipsis) tiene sus raíces en la
creer y no podemos? infancia de Bergman: como hijo de
un pastor luterano, estuvo rodeado
Bloque Antonio / El séptimo sello
de arte religioso desde muy joven. El
director estaba atormentado por los
una crisis de fe. Mientras que el su esposa Mia (Bibi Andersson). recuerdos de las representaciones
Todopoderoso se niega a mostrarse, la Son jugadores viajeros y tienen un hijo, crudas pero gráficas de historias bíblicas
Muerte (Bengt Ekerot) resulta ser Mikael, que es su esperanza para el que se podían encontrar en los
una certeza con afición por las frases futuro. Jof y Mia son creadores, tanto grabados en madera de iglesias y hogares
morbosamente divertidas. de arte como de vida, y como tales son rurales. Como cineasta, dedicó su
"Apropiado, ¿no crees?" dice Grim Reaper enemigos de la Muerte, que sólo carrera a plantearse una y otra vez la
cuando elige negras en una partida de sabe destruir. Cuando el caballero los misma pregunta sin respuesta: ¿dónde
ajedrez, una partida que el caballo debe encuentra en el camino a su castillo, está Dios?
ganar si quiere vivir. Es Antonio con la Muerte no muy lejos,
quien encuentra consuelo en la risa y la
sugiere la contienda, una batalla lujuria por la vida de la pareja. De
entre blanco y negro, oscuridad y luz, hecho, le recuerda a José y María
muerte y vida. de la Biblia: ¿podrían estos artistas
ser emisarios de Dios?
Jugando por su vida
La imagen del caballero y la Muerte
jugando al ajedrez en la playa se ha ¿Donde esta Dios?
convertido en una de las más icónicas. Las imágenes sombrías y austeras
e imitado—en la historia del cine. Es y la obsesión por la alegoría bíblica
una viñeta marcadamente monocromática, en El Séptimo Sello (el título
la ausencia de color simboliza la
ausencia de Dios. Squire Jöns (Gunnar
El mundo de la película de Ingmar Björnstrand) salva a
Bergman está desprovisto de vida y una niña (Gunnel
Lindblom) de un
vitalidad: el agua que baña la orilla
violador. Es un
es gris pizarra, el cielo encima
hombre justo, pero
está manchado de nubes oscuras; está cansado
los rostros de los súbditos de la
abandonados de Dios son duros, venalidad de los seres humanos.
sin sangre y serios, mientras
que el de la Muerte es blanco como la tiza.
Antonio ya se
parece a la efigie de
piedra tallada en la
tumba de un cruzado.
Hay
dos destellos de
esperanza en
este paisaje
miserable:
Jof (Nils)
poppe) y
138 EL SÉPTIMO SELLO
Siente, hasta el final, el

triunfo de estar vivo!
Squire Jöns / El séptimo sello
El caballero busca, pero no vacío." El escudero desprecia los miedos de

encuentra nada. En un momento la gente y la ignorancia que les lleva a quemar
se topa con una chica (Maud a la bruja.
Hansson) encarcelada en una
jaula, que está a punto de Autoflagelación
ser Si todo esto suena algo serio es porque
quemado en la hoguera. lo es.
Se la acusa de El Séptimo Sello se ocupa del alma y de
acostarse con el diablo la condenación; con la relación masoquista del
y traer la plaga al pueblo. hombre con su Creador; y con la
naturaleza aullante que nos espera a
Antonio tiene esperanzas: si cada uno de nosotros al final del camino.
el diablo existe, también debe
existir Dios. “Mírame a los Bergman comunica sus vastas ideas en las
ojos”, dice la niña, mientras imágenes más simples y sorprendentes.
le dice que el sacerdote no En una secuencia extraordinaria,
se acercaría a ella. “No veo un grupo de monjes que se autoflagelan
más que terror”, responde pasa tambaleándose ante la cámara,
tristemente el caballero. La algunos tambaleándose bajo el peso de las
niña es quemada y el cruces, otros azotándose a sí mismos. La
escudero del caballero, plaga, que creen que es un castigo de Dios,
Jöns (Gunnar Björnstrand), no ve ningún los ha vuelto locos. Bergman muestra los
El cartel sueco original de la película.
muestra la muerte esperando impasible significado en su asesinato. “Mírala a los rostros de Jof y Mia mientras miran.
en el fondo, con los personajes humanos ojos”, repite. “Ella no ve nada más que
sobre las casillas negras de un tablero de ajedrez.
Este espectáculo se realiza desde su Hay ligeros toques de humor negro en

escenario de madera, que de repente parece todo El séptimo sello, y su imagen final es
la plataforma de una horca. Han estado una broma cruel.
cantando una canción cómica sobre la muerte, “El maestro lidera con guadaña y reloj de
que detienen cuando aparecen los penitentes. arena”, dice Jof, señalando el horizonte, donde
La muerte se extiende a su alrededor, como la Grim Reaper guía a sus últimas víctimas,
niebla de incienso esparcida por los monjes, incluido el caballero, en una danza macabra.
infectando y transformando todo en el cuadro.
Muchos espectadores caen de rodillas en contra el cielo gris. “Se alejan del alba en
oración. Es una metáfora poderosa y muda una danza solemne, hacia el país oscuro,
de la condición humana, negra y cómica mientras la lluvia arrasa
en su grotesco surrealista.
sus rostros y limpia sus
mejillas de sal”. Ingmar Bergman
Jof está hipnotizado por el desfile. Director
de los muertos bailando bajo los cielos cada
vez más oscuros, pero por alguna razón Mia no Nacido en Uppsala, Suecia, en
puede ver los fantasmas. Ella le dice 1918, Ingmar Bergman era hijo de un
afectuosamente a su marido. capellán luterano y se crió en una estricta
“Tú y tus sueños y visiones”, sonríe, y los dos

Independientemente de sacuden la cabeza, le dan la espalda a la
familiar. Invariablemente sombrías, sus
si creo o no, si soy cristiano o Muerte y regresan a la tarea de vivir. ■

películas abordan los principales conflictos
en el corazón de la humanidad.
no, desempeñaré mi papel en existencia: locura versus
la construcción colectiva cordura, muerte versus vida, la
de la catedral. nada versus Dios. El espíritu humano rara
Ingmar Bergman La muerte guía a los muertos en una vez triunfa en estas batallas. El séptimo
danza que sólo Jof puede ver. La escena

se improvisó al final de un día de rodaje en A Seal le siguió Wild
la costa de Hovs Hallar, utilizando Fresas y, más tarde, una trilogía
miembros del equipo y un par de que exploraba el
turistas que pasaban. efectos del aislamiento humano:
A través de un cristal en la
oscuridad, Luz de invierno y El
silencio. Su celebrado
Persona fue la primera en
una serie inspirada en Farö, una isla
remota en el Mar Báltico.
Bergman murió en 2007.
Películas clave
1957 El séptimo sello

1957 Fresas silvestres
1961 A través de un cristal oscuramente
1966 persona
SI HAGO
LO QUE
ME DICES
¿ME QUERR
VÉRTIGO / 1958
142 VÉRTIGO
EN CONTEXTO su carrera duró 50 años

del director Alfred
duelo conHitchcock
el público.
GÉNERO
Cuanto más pensaban que sabían
Suspenso
sobre su trabajo, más usaría ese
DIRECTOR conocimiento en su contra. Mi buena suerte en la vida fue ser
Alfred Hitchcock Empleaba recursos estructurales, giros una persona realmente asustada.
narrativos y otros trucos para darle al Tengo suerte de ser cobarde, de
ESCRITORES
público algo que nunca antes había tener un umbral de miedo bajo,
Alec Coppel, Samuel Taylor (guión); visto. Mientras algunos directores porque un héroe no podría hacer
Pierre Boileau, buscaban comprender el significado una buena película de suspenso.
Thomas Narcejac (novela) del arte o la esencia de las Alfred Hitchcock
relaciones humanas, Hitchcock
ESTRELLAS
era el gran embaucador. El público
James Stewart, Kim nunca pudo estar seguro de lo que era
Novak, Barbara Bel Geddes
vendrá después.
ANTES Vertigo juega los mismos juegos
1946 En Qué vida maravillosa, que el resto del catálogo de Hitchcock,
pero ha llegado a destacar como finalmente se ganó su propio apodo: "La
James Stewart interpreta a un
algo más complejo. Es la historia de rubia de Hitchcock". Aunque esto lo
hombre común y comprensivo.
un policía retirado, John “Scottie” dejó expuesto a acusaciones de
1948 En Rope, Stewart forma equipo Ferguson (James Stewart), involucrado misoginia, también es cierto que sus
con Hitchcock para la primera de sus en una investigación sobre el misterioso películas tenían más papeles
películas en tecnicolor. comportamiento de Madeleine (Kim protagónicos de mujeres que muchas en Hollywoo
Novak), la esposa de un viejo amigo de La rubia de Hitchcock era culta,
DESPUÉS
la universidad Gavin Elster (Tom Helmore). elegante e inteligente, pero
1959 Eva Marie Saint es la
Él se obsesiona con ella, añadiendo también fría e inicialmente
próxima “Hitchcock Blonde”, actuando resistente a los encantos del héroe
intensidad emocional al espectáculo de
junto a Cary Grant en North by magia habitual de la película. masculino. En el transcurso de la
Northwest. película, las barreras del personaje
1960 Hitchcock sorprende al La rubia de Hitchcock se derribarían y ella terminaría
público con Psicosis. Como director, Hitchcock utilizaba asombrada por el héroe, perdiendo
con tanta frecuencia cierto tipo de ligeramente su individualismo en el
personaje femenino en sus películas que proceso. El propio Hitchock indicó que las rubias
Alfred HitchcockDirector
Hitchcock nació en Londres en 1899. Se Luego tuvo una carrera de 30 años en

inició en la industria cinematográfica como Hollywood, dirigiendo clásicos como
escenógrafo. Su primera oportunidad de Rear Window (1954), North by
dirigir llegó con Northwest (1959), Psycho y The
la película incompleta Número 13, y luego en Birds. Murió en 1980, a la edad de
1925 El jardín del placer. Después de 81 años.
ganar fama como director en Gran
Bretaña con películas como Películas clave
En películas como The Lady Vanishes
(1938), Hitchcock se mudó a 1929 Chantaje
Hollywood en 1940, cuando fue 1951 Extraños en un tren
contratado por David O. Selznick para 1958 Vértigo
dirigir una adaptación de Rebecca de Daphne 1960 Psico
Du Maurier. Él fue 1963 Los pájaros

Qué más ver: Laura (1944, p.79) ■ Spellbound (1945) ■ Rear Window (1954) ■ North by Northwest (1959) ■ La jetée (1962,
p.172) ■ Marnie (1964) ■ Bad Education ( 2004)
Las rubias de Hitchcock El autoexamen de Hitchcock sobre la

forma en que trata a las mujeres en la
Hitchcock prefería las película lo hace tan inquietante como
“rubias sofisticadas” cualquier cosa que haya filmado.
frías en sus
películas. "Estamos la estrella caida
detrás del tipo de Otro tema común en
salón, las verdaderas Las películas de Hitchcock son las
damas, que se
exploración del concepto de estrella de
convierten en putas
Tippi Hedren Grace Kelly Ingrid Bergman cine y cómo afecta el
una vez que están en el dormitorio",
Las aves dijo. La ventana trasera Hechizado
contar una historia, más específicamente
cómo se puede manipular el estrellato para
sorprender a la audiencia. El ejemplo más
famoso de esto es Psicosis, en la que la
estrella Janet Leigh es asesinada después
de sólo 30 minutos, manipulando las
suposiciones de la audiencia sobre la
Kim Novak Janet Lee Eva María San Marlene Dietrich
Vértigo Psicópata norte por noroeste Miedo escénico forma en que las historias con estrellas
en papeles principales suelen progresar
para sorprenderlos. Pero mientras el giro en Psicosis
por crear suspenso cinematográfico, específicamente orientado a es ruidoso e inevitable, en Vértigo
diciendo en una entrevista televisiva crear tensión, pero el subtexto de abuso es sutil y lento de desarrollar, y su efecto
de 1977: “Las rubias son las mejores víctimas. emocional en esta secuencia, junto con la depende de la estrella particular elegida
Son como nieve virgen en la que se ven las noción de que es un para interpretar a Scottie.
huellas de sangre”.
El protagonista de Vertigo, Scottie,
rehace a la vendedora Judy Barton No hizo nada. La ley tiene poco
(también interpretada por Kim Novak) decir sobre las cosas que quedaron sin hacer.
a imagen de Madeleine. Elimina todo
lo que convierte a Judy en un individuo Forense / Vértigo
para que se ajuste a este arquetipo
visual, un anfitrión sin vida para la
cosificación sexual. Los requisitos de
Scottie son enormemente específicos.
Se angustia por los tonos exactos de gris
para el traje de Judy y se
decepciona cuando ella regresa a
casa con un peinado ligeramente
diferente al que él eligió (cambiándola
de morena a rubia). Hitchcock puede
haber creado secuencias más sangrientas,
Scottie (James Stewart) es un oficial de

policía que se ve en una persecución
en un tejado al comienzo de la película.
Resbala y un compañero cae al intentar
ayudarle. Este es el comienzo de su vértigo.
144 VÉRTIGO
El casting de James Stewart afecta El proceso nunca es más claro que en una El plan tiene éxito, la historia de amor
profundamente la dirección y el impacto de secuencia de sueños que ve se envenena con mentiras y el
la película; agrega una capa textual adicional La cabeza incorpórea de Stewart protagonista queda destrozado emocional
de disonancia al acto final. La imagen de cayendo en espiral hacia un abismo. Su y físicamente. Podría decirse que es la
Stewart como actor desde los inicios de su habitual imagen nítida se distorsiona cuando película más oscura que jamás haya realizado el director.
carrera, incluidos papeles anteriores para un viento perturba su cabello y su expresión. hecho. Es una película de Hitchcock sin
Hitchcock en La ventana indiscreta. Parece perdido. obligaciones con Hollywood, ya que el
director busca una forma más rica de
(1954) y El hombre que sabía demasiado Thriller retorcido terror, no simplemente escandalizar,
(1956), siempre había sido la del hombre Vértigo es un thriller repeler o perturbar a la gente.
común e incorruptible, decente y simpático elaborado por expertos, audiencia, sino molestarlos,
hasta el extremo. John “Scottie” Ferguson pero con perspectivas tomar todo lo que creen saber
comienza como un buen hombre, un retorcidas. sobre su estilo de
personaje típico de Stewart, pero el villano
termina como un hombre perdido en la asesino hacer cine y corromperlo
desesperación sexual, con la mente arruinada para revelar algo nuevo.
por la tragedia. Al someter a James
Stewart a esta transformación, En Vértigo,
Hitchcock no sólo está deshaciendo Hitchcock descubre
a un hombre, sino también a un un poco más
ícono de la pantalla. de su alma asi
Lo que creemos saber que el puede
El personaje de Stewart hace torcer el
La psicosis de Ferguson es mucho cuchillo un
más dolorosa de ver, y su un poco

desmoronamiento nos afecta mucho Más adentro. ■
más profundamente. La representación
visual de este
Scottie y Madeleine (Kim Novak)

se abrazan por primera vez después
de que ella le pregunta si está loca.
Judy, como Madeleine, se ha
enamorado de Scottie, y esto es
lo que finalmente la conducirá a su ruina.
Minuto por minuto
00:12 00:34 01:16 01:47

Scottie se encuentra con un viejo amigo de En una librería, Elster le cuenta a Scottie y a su Madeleine sube Scottie le compra ropa a
la universidad, Gavin Elster, quien le pide que amiga Midge la historia de la suicida Carlotta, la el campanario. Scottie intenta Judy y le pide que se tiñe
siga a su esposa, Madeleine. bisabuela de Madeleine. Elster dice que Madeleine seguirlo pero no puede. el cabello para que se
Scottie la ve por primera vez tal como es. está poseída por ella. Ve a una mujer caer y parezca a Madeleine.
cenando con Elster. morir.
00:00 00:30 01:00 01:30 02:08
01:34 01:58
00:28 00:40 Scottie ve a Judy Barton y Scottie reconoce el collar.
Scottie sigue Madeleine salta a la bahía. Scottie está la invita a cenar. Cuando él se Lleva a Judy de regreso a la
Madeleine a un mirando y la saca. La lleva de regreso va, ella comienza a escribir una torre. Suben a la cima
hotel, donde está a su departamento. Ella parece no nota y se revela la trama mientras él revela que lo
registrada con el recordar lo que pasó. con Elster. Ella sabe. Ella entra en pánico y
nombre de Carlotta cae.
Valdez. decide quedarse.
Este cartel muestra

el motivo en espiral
que aparece en la
pesadilla de
Scottie y que se
repite en la escalera
y en el peinado de Madeleine.
146
¿QUÉ HICISTE
DURANTE
EL LEVANTAMIENTO?
CENIZAS Y DIAMANTES / 1958
EN CONTEXTO
GÉNERO
Drama de guerra
DIRECTOR
Andrzej Wajda
ESCRITORES
Andrzej Wajda, Jerzy

Andrzejewski (guión);
Jerzy Andrzejewski (novela)
ESTRELLAS
Zbigniew Cybulski,
Waclaw Zastrzezynski,
Adán Pawlikowski,
Bogumil Kobiela Maciek (Zbigniew Cybulski) duda de sí
ANTES El título de Andrzej

La película de guerraWajda mismo cuando conoce a Krystyna (Ewa
Krzyzewska).
proviene de un verso de
1955 El debut como director de Wajda, Una Su crisis se desarrolla en una sola noche: el 8
poesía romántica del poeta polaco del
generación, es la historia de Stach, un de mayo de 1945, el último día de la guerra, cuando
siglo XIX Cyprian Norwid: “¿Quedará también Polonia está profundamente dividida.
adolescente descarriado que vive en la
entre las cenizas un diamante con
Varsovia, Polonia ocupada por los
forma de estrella, el amanecer de la
nazis, durante la Segunda Guerra Mundial.
victoria eterna?” Es esta incertidumbre Wajda surgió como un cineasta de
DESPUÉS la que caracteriza todas las películas talla mundial durante el renacimiento
1969 Tras la muerte del actor de Wajda, la mayoría de las cuales del cine polaco en la década de 1950.
Zbigniew Cybulski en un accidente recrean el horror y la angustia de la Hizo tres películas sobre la guerra. Una
de tren, Wajda canalizó su dolor en historia reciente de Polonia (desde su generación (1955) siguió a un grupo de
su siguiente y muy personal ocupación por los nazis durante la hombres y mujeres que luchaban en la
Segunda Guerra Mundial hasta el Polonia ocupada por los nazis. Le siguió
trabajo, Todo en venta, una película
régimen estalinista que duró hasta 1989) Kanal (1957), que narra los trágicos
dentro de una película.
para darle sentido. . Examinan los acontecimientos del Levantamiento de
escombros de la vida de la gente corriente, enVarsovia
busca dededestellos
1944, endeelesperanza.
que

Qué más ver: Cómo ser amado (1963) ■ El ejército de las sombras (1969) ■ El bosque de abedules (1970) ■ Lo prometido
Land (1975) ■ El hombre de mármol (1977) ■ Trato rudo (1978) ■ El hombre de hierro (1981) ■ Un amor en Alemania (1983) ■ Katyn (2007)
recordar. Al mirar al cielo, Maciek ve fuegos

Andrzej Wajda Director artificiales explotando en la oscuridad. Los
fuegos artificiales
Nacido en Polonia en Soportó la guerra y sus películas desempeñan
diamantes relucientes que surgen de las
1926, Andrzej un papel enormemente importante para cenizas de Varsovia: anuncian la rendición
Wajda se convirtió en comprender lo que le ocurrió a Polonia
de Alemania y el fin de la guerra. Sin embargo,
uno de sus (y al mundo) en el último siglo.
la nota de incertidumbre característica
los cineastas más famosos del país.
de Wajda flota en el aire: es el fin de una
Vivió la ocupación alemana de Europa, que dio
era para Polonia, pero ¿qué nos deparará el
forma a la mayor parte de su obra. Películas clave
futuro?
Figura clave de la “Escuela Polaca de Cine”, Canal de 1957
aportó un aire fresco de neorrealismo a sus 1958 Cenizas y diamantes amanecer dudoso
representaciones de los hombres y mujeres 1975 La tierra prometida “¿Qué hiciste durante el levantamiento?”
que 1977 El hombre de mármol Es una pregunta que resonó en la vida
cotidiana en Polonia durante décadas después
Los combatientes de la Resistencia polaca el asesinato. Esta vez es asaltado cuando se de la guerra. En su
fueron aplastados por el ejército alemán. enamora de Krystyna (Ewa Krzyzewska), que Retrato de la identidad fracturada de un
En tercer lugar estaba Cenizas y diamantes, una trabaja en el hotel en el que su objetivo es huésped. hombre, Wajda constantemente llama nuestra
película furiosa y melancólica ambientada durante atención sobre vidrios rotos y edificios
el caos posterior a la ocupación alemana, una vez Ella lo confunde aún más, obligándolo a astillados. Esta sensación de fractura recorre el
que el polvo de la liberación había cuestionar las creencias que lo han impulsado país y no puede ignorarse. ■
comenzado a asentarse. durante tanto tiempo como puede.
Cuestionar la causa Cenizas y diamantes

se centra en Maciek (Zbigniew Cybulski), un
No sabes si las llamas traen
joven soldado del ejército nacionalista de
derecha de Polonia que luchó en el levantamiento
Libertad o muerte.
contra los nazis con el objetivo de establecer la Krystyna / Cenizas y diamantes
soberanía polaca. A medida que la Unión
Soviética toma el control, Maciek recibe
la orden de asesinar a un nuevo funcionario
comunista, pero tiene dudas sobre librar
una guerra condenada al fracaso contra la
administración de izquierda entrante. Él arruina
el asesinato y mata a dos transeúntes.
Dividido entre su conciencia y su lealtad

a la causa por la que luchó en la guerra, Maciek
se embarca en un segundo intento poco
entusiasta de
En las ruinas de una iglesia bombardeada,

Maciek reflexiona sobre sus ideales
igualmente destrozados. Es aquí donde
Krystyna encuentra una inscripción del
poema que da nombre a la película.
148
BUENO DE NADIE
PERFECTO
A ALGUNOS LE GUSTA CALIENTE / 1959
ultimas palabras este cartel

EN CONTEXTO de algunos les gusta hace alarde
El del glamour de
GÉNERO
Caliente, “Nadie
su elenco
es perfecto”, podría estelar,
Comedia haber sido el lema del pero otras
DIRECTOR escritor y director Billy versiones
Billy Wilder
Wilder. Sus películas son de esta foto
estudios de casos de los grupal
ESCRITORES muestran a los
fatalmente imperfectos y los
Diamante IAL, Billy Wilder dos protagonistas vestidos d
alegremente cínicos, los
tontos, los estafadores
ESTRELLAS
y los estafadores motivados cuando vengan, harán cualquier cosa
por el dinero y el sexo y no mucho más. para conseguir lo que quieren. Pero la
marilyn monroe, jack
Ubicado en el extremo trasero del Roaring película de Wilder es también una
Lemmon, Tony Curtis
Veinte años, a algunos les gusta lo caliente comedia alegre y placentera que brilla
ANTES no es una excepción. Sus personajes con encanto, patetismo y espíritu romántico.
1953 Los caballeros las principales son tan egoístas, engañosos y codiciosos.
prefieren rubias, la comedia Dinero y lujuria
musical de Howard Hawks, es uno Tony Curtis y Jack Lemmon juegan
de los primeros éxitos de Marilyn Monroe.
Joe y Jerry, dos músicos de jazz
de Chicago que se disfrazan de
1955 En la comedia romántica de Billy mujeres para huir de la mafia después
Wilder, The Seven Year Itch, Monroe son testigos de un tiroteo de
posa sobre la rejilla del metro, Graciosamente gánsteres durante la famosa masacre
mientras una corriente ascendente le levanta el vestido. inocente, aunque del día de San Valentín de 1929. Se
siempre al borde de un unen a una orquesta de chicas de
DESPUÉS
doble sentido realmente desastroso.
camino a Florida y conocen a la
1960 The Apartment reúne a Jack
Paulina Kael vocalista Sugar Kane (Marilyn
Lemmon con Billy Wilder para una
5001 Noches elen Películas, Monroe), que sueña con conseguir un marido mill
mil novecientos ochenta y dos
versión más oscura y cínica de la Joe se enamora perdidamente de la lujuria y

comedia romántica. se disfraza de nuevo, esta vez de playboy,
1961 The Misfits , de John en un intento de acostarse con el
Huston, es la última película de Monroe. cantante. Él busca sexo, ella busca
dinero, pero también se enamoran.

Qué más ver: Ninotchka (1939) ■ Cómo casarse con un millonario (1953) ■ Sabrina (1954) ■ El príncipe y la corista (1957)
■ El apartamento (1960) ■ Irma la Duce (1963) ■ La galleta de la fortuna ( 1966) ■ Tootsie (1982)
Como "Josephine" y "Daphne", Joe y Jerry

esperan mezclarse con Sweet Sue y su
Sociedad Sincopadores en un tren
nocturno a Florida, pero no hay duda
de quién toca el ukelele.
describe su cuerpo. Sin embargo, la

actuación de Monroe ofrece algo
verdaderamente mágico. En una escena,
durante una pausa en la acción, Monroe
canta I Wanna Be Loved By You
directamente a la cámara: es seductora,
dulce y melancólica al mismo tiempo, y
logra transformar el cinismo de Sugar
en una vulnerabilidad infantil. Cuando
besa a Joe en el yate, él también se
transforma: de seductor a seducido.
Defectos y fragilidad
Se dice que Some Like It Hot sufrió tensiones
detrás de escena.
Al principio, Monroe no estaba contenta de
que la filmaran en blanco y negro al estilo
de la época, y Curtis dijo la famosa
frase que besar a Monroe era "como besar
a Hitler". Ya sea que el actor lo haya dicho
Mientras Joe retoza con Sugar en un En Some Like It Hot, todo el mundo está en serio o no, esta burla que
yate, en la memorable parodia de Cary desesperado por conseguir algo, y en rompe ilusiones hace eco de la gran
Grant de Curtis, Jerry, vestido y Marilyn Monroe la película tiene a la estrella preocupación de Wilder por los defectos
bailando tango, pero decididamente más codiciada de la historia de Hollywood: y debilidades humanas. Al parecer, nadie
heterosexual, se compromete con un “¡Como gelatina en resortes!” así es es perfecto, ni siquiera la legendaria
millonario anciano pero genuino, Osgood como jerry Marilyn Monroe. ■
(Joe E. Brown).
“¡Eres un chico! ¿Por qué un hombre Actor Jack Lemmon
querría casarse con otro hombre?
pregunta Joe cuando se entera. “Tiempo mágico” una estrella. A menudo era la mitad de un
"¡Seguridad!" responde Jerry, sin fue cómo doble acto; Entre los colaboradores
perder el ritmo, con los ojos nublados Jack Lemmon clave se encontraban el cómico
al pensar en todo ese dinero. (19252001) estrafalario Ernie Kovacs, el actor
Al final, Jerry deja de actuar. describió la actuación. Esta frase Walter Matthau y el cineasta Billy Wilder.
y le dice a Osgood la verdad. "¡Soy un se la decía a sí mismo antes de subir
a un escenario o delante de una Películas clave
hombre!" admite con un gruñido.
cámara. Lemmon trabajó en televisión
Pero a Osgood no le molesta.
y entretenimiento ligero antes de 1959 A algunos les gusta lo caliente
"¡Nadie es perfecto!" Él sonríe y Jerry
encontrar su lugar en el cine, donde 1960 El apartamento
le dispara a la cámara un "Bueno, sus cualidades de hombre común lo 1968 La extraña pareja
¿qué sabes?" Mire cómo la película hicieron 1992 Glengarry Glen Ross
se desvanece.
TUS PADRES
DI QUE SIEMPRE ERES
MINTIENDO
LOS 400 GOLPES / 1959
152 LOS 400 GOLPES
EN CONTEXTO por los críticos sobre Los 400

Se ha escrito mucho
Golpes. De hecho, el director de
GÉNERO
la película, François Truffaut, era uno de los
Drama
críticos de cine más conocidos de Francia.
DIRECTOR antes de decidir mostrarle al mundo cómo Exijo que una película exprese
François Truffaut pensaba que debían hacerse las películas. la alegría de hacer cine
Él y los otros cineastas o la agonía de hacer
ESCRITORES quien lideró la Nueva Ola francesa en el cine. No estoy en
François Truffaut, A finales de los cincuenta y principios de los absoluto interesado en
Marcel Moussy sesenta se creía que un director era un autor.
nada intermedio.
ESTRELLAS
(autor) y la cámara, un bolígrafo (un François Truffaut
“camerapen” o camérastylo).
JeanPierre Léaud, Claire
Maurier, Albert Rémy,
Semiautobiografía Los 400
chico descomble
golpes es en parte una memoria
ANTES dolorosamente personal que
1955 El primer cortometraje de Truffaut, describe la infancia parisina de Truffaut,
La visita, es la historia de una
con ciertos nombres y acontecimientos ensayo, utilizando los pensamientos
cambiados, no para disfrazar a las y sentimientos para expresar
propuesta de amor fallida. Se proyecta
víctimas, sino para expresar algo nuevo y verdadero.
sus propias emociones, es
sólo para un puñado de amigos.
El joven Truffaut se convierte castigado por un maestro. Es un
DESPUÉS en Antoine Doinel (JeanPierre Léaud), acto de homenaje condenado como
1960 JeanLuc Godard sigue a su un joven alborotador al que se plagio, y la respuesta de Antoine es
colega Truffaut en el cine con À acusa constantemente de un acto de delincuencia: roba una máquina
bout de souffle. distorsionar los hechos. “Tus padres de escribir del lugar de trabajo de su padrastro.
Jules et Jim , de Truffaut (1962) , es la historia
dicen que siempre estás mintiendo”,
dice el psiquiatra enviado a Recreando la adolescencia
de un triángulo amoroso ambientado en la
descubrirlo. “A veces les decía la A menudo hay romance en la rebelión
época de la Primera Guerra Mundial.
verdad y todavía no me creían”, juvenil, pero Los 400 golpes no
1968 JeanPierre Léaud responde el niño, “por eso prefiero mentir”.es una obra nostálgica. No
retoma el papel de Antoine en Antoine lee las obras de recuerda la adolescencia desde
Besos robados. Honoré de Balzac y cuando el punto de vista de un adulto, sino
adapta la obra del autor para una escuela que la recrea en tiempo presente,
François TruffautDirector
Se trata de un valiente crítico de cine que El director como autor de una película.
coge una cámara y dirige su propia película. Truffaut criticó la mayoría de las películas
François Truffaut hizo precisamente eso con francesas contemporáneas y se ganó el
Los 400 golpes, y su valentía dio sus frutos: la apodo de "El sepulturero del cine
película fue aclamada como una obra francés".
maestra y Truffaut dirigió más Pero después de Los 400 golpes, su
de 20 películas. reputación cambió.
antes de su muerte en 1984. Películas clave

Como periodista que escribía para la
influyente revista cinematográfica Cahiers du 1959 Los 400 golpes
Cinéma, Truffaut fue pionero de la teoría del autor, 1962 Jules y Jim
una controvertida escuela de pensamiento 1966 Fahrenheit 451
que identificaba 1973 Día por noche

Qué más ver: À bout de souffle (1960, pp.166–67) ■ Shoot the Piano Player (1960) ■ Jules et Jim (1962, p.334) ■ The Wild Child (1970) ■ Two English
Girls (1971) ) ■ Día por noche (1973) ■ La historia de Adele H. (1975) ■ Pequeño cambio (1976)
Minuto por minuto
00:05 00:35 01:07 01:24

Antoine se retrasa después de clase Los padres de Antoine aparecen Después de robar una Después de una discusión
cuando lo pillan con una foto de una en la escuela después de que máquina de escribir del lugar de Con el juez, la madre de Antoine
chica. Al final del día, jura que se él le haya mentido a la maestra trabajo del padrastro de acepta enviarlo a un centro
vengará del profesor. acerca de la muerte de su madre. Antoine, Antoine y René de detención durante tres meses.
Su padrastro lo abofetea. intentan, sin éxito, empeñarla.
Decide huir.
00:00 00:15 00:30 00:45 01:00 01:15 01:38
01:15
00:54 Antoine es encerrado en una
00:25 En clase de francés, Antoine es celda de detención policial 01:35
Mientras hace novillos acusado de plagiar a Balzac. Lo después de que su padrastro lo Mientras los niños
Con su mejor amigo René, envían a ver al director, pero entrega a la policía. juegan al fútbol, Antoine
Antoine ve a su madre besando huye y se esconde en la casa de Le toman las huellas se escapa del centro de
a un hombre en la calle. René. dactilares y lo fotografían. detención.
como se siente, en toda su agonía, acto de escapar. Se dirige al mar, que nunca el océano, luego regresa a la tierra y mira
incertidumbre, alegría y crueldad. ha visto, y corre por caminos rurales hasta directamente a la cámara. Truffaut congela
El enigmático título en inglés de la película llegar a la playa. La cámara, como el niño, la imagen y amplía el rostro de Antoine.
proviene de la frase francesa faire les está en constante movimiento, siguiendo su
quatre cents coups, que significa "armar el vuelo. Antoine corre hacia las olas, mete el Es un período audaz y ambiguo al
infierno", lo cual Antoine ciertamente hace. No dedo del pie en final del primer capítulo de la vida de Antoine
roba la máquina de escribir para poder (Truffaut
usarla: planea venderla y financiar su fuga de
París. Truffaut no tiene miedo de pintar a su
protagonista como un mercenario
Lo pondremos en un orfanato.
además de un amante de la literatura. ¡ Así puedo tener un poco de paz!
Gilberte Doinel / Los 400 golpes
Cuando Antoine tiene el segundo
Pensando en el robo, intenta devolver
la máquina de escribir, pero es atrapado. Su
padrastro (Albert Rémy) decide
entregarlo a la policía y el niño pasa una
noche en una celda con prostitutas y
ladrones.
La policía toma una foto policial y la

Antoine es
película se congela durante
atrapado
el instante en que la fotografía – mientras
y Antoine– intenta devolver
son capturados. “Por aquí escapar ya la máquina de
escribir que robó
es bastante malo”, dice un recluso de
la institución a la que finalmente envían del lugar de
trabajo de su padrastro.
a Antoine, “pero que te atrapen es peor”.
Truffaut refleja esta congelación.

fotograma con la toma final de la película,
que captura a Antoine en el
154 LOS 400 GOLPES
El cartel del
estreno
cinematográfico de la película muestra

Antoine mira fijamente
la tierra mientras
llega a la orilla y
No puedo
escapar más.
Continuar con la crónica del personaje. común. antonio no lo sabe los 400 golpes gráficos de Antoine
aventuras en una serie de películas). quién es su padre biológico, y vive con un descenso a la delincuencia, desde las
Cuando llega a la orilla del agua, no puede padrastro lejano, tal como lo hizo el director en bromas en el aula hasta el encarcelamiento,
mientras el mundo adulto lo rechaza.
correr más. El momento final y congelado su juventud.
cuando se da vuelta. Antoine se escapa de casa, como hizo
Parece decir que, lejos de haber escapado, Truffaut cuando tenía once años.
quedará capturado para siempre. La Antoine intenta convencer a su
impresión que produce es de esperanza maestro que su madre ha muerto (una de
Antoine tontea
mezclada con derrota. sus escandalosas mentiras). El joven en clase
Truffaut afirmó que su padre había sido
Escapate al cine arrestado por los alemanes.
Antoine encuentra otra vía de escape: el
cine. Se cuela en una sala de cine siempre Todas las películas contienen escandalosos.
que puede, para perderse en la oscuridad de mentiras y evocar mundos de ilusión y
Robos a padres y
la pretensión poblados por personas que actúan compañeros de
las butacas del teatro y las imágenes de la como alguien que no son.
clase (bolígrafos, dinero)
pantalla, tal como lo hizo el propio joven Pero la primera película de Truffaut demuestra
Truffaut. que, cuando se organizan con un propósito
Es aquí donde el personaje determinado y se relacionan con el
la vida se cruza irresistiblemente en la vida de corazón, las mentiras pueden revelar e ROTURA
su creador. existe la constante iluminar la verdad de una manera que los

Tiene la sensación de que el director está hechos desnudos no pueden. Fue esta Miente que su
tratando de explorar o exorcizar su propio verdad, así como la promesa de escapar, lo madre ha muerto
pasado, redefiniéndolo con tomas y escenas que entusiasmó a los cineastas

tomadas prestadas en gran medida de otros. franceses que se sumergieron en la
películas, como Zero de Conduite Nueva Ola. ■
(1933, págs. 5051) y Pequeño fugitivo
(1953), de la misma manera que Se escapa de
Antoine toma prestado de Balzac para casa
Después de que Antoine prende fuego a
encontrar sentido a sí mismo. No es sólo la su santuario dedicado a Balzac, su
pasión por el cine lo que Antoine y autor favorito, su padrastro amenaza con
Truffaut tienen en enviarlo a una academia militar.
Plagia a Balzac para un

ensayo francés
Roba la máquina de
escribir de su
padrastro e intenta empeñarla
Pasa la noche en la
cárcel antes de ser
enviado a un centro
correccional juvenil.
REBELDE
REBELDE
19601974
158 INTRODUCCIÓN
Se levanta el Muro de Berlín y

Nueva Ola Francesa la URSS toma el liderazgo en Mientras el creciente movimiento
da nueva vida al cine con À la Guerra Fría de derechos civiles de Estados Los musicales siguen
bout de souffle, al igual que la carrera espacial al enviar al Unidos lucha contra el racismo, encantando: The Sound
Nueva Ola británica con Saturday primer hombre al espacio, 60 también lo hace el abogado of Music bate récords
Night y Sunday Morning. años después de Un viaje Atticus Finch en la adaptación de taquilla
a la Luna. cinematográfica de Matar a un ruiseñor. internacional.
1960 1961 1962 1965
1960 1962 1964 1966
Epopeya italiana La Dolce Vita En el año de la crisis Dr. amor extraño Filmada al estilo de un
desdeña la narrativa de los misiles cubanos, la satiriza la paranoia de la noticiero, La batalla de
convencional al seguir la búsqueda manía de los espías se desboca Guerra Fría, mientras la Argel expone las brutales
de un hombre de amor y felicidad cuando 007, el agente secreto guerra de Vietnam se intensifica realidades de la guerra
en la sociedad de café de Roma. británico James Bond, hace su y Estados Unidos introduce el de guerrillas, en una era de
debut en Dr. No. reclutamiento. descolonización.
de la televisión en los hogares

En momentos de la occidentales durante los años cincuenta.
Lanzado década
en el último
de 1950, Los 400 La respuesta del cine fue
golpes de François Truffaut fue el emocionante. Muchas de las mejores
puente hacia la década siguiente y películas de la época nacieron de un
las sacudidas sísmicas que La película del mañana estado de ánimo de indignación
vendrían con ella. Desde estará dirigida por artistas burbujeante. En Estados Unidos, el
principios de los años 60, el cine, para quienes rodar una joven genio Stanley Kubrick atacó la actual locura de la
al igual que su público, se propuso romper las película
reglas. constituye una Strangelove, en la que Peter Sellers
rindió homenaje a la multitarea de
aventura maravillosa y emocionante.
Nueva ola François Truffaut Alec Guinness en Kind Hearts and
El impulso vino de Europa, en Coronets interpretando tres personajes
particular de Francia, donde los diferentes. Más tarde, mientras las
colegas de Truffaut de la revista demandas de cambio recorrían el
de cine Cahiers du Cinéma mundo, el director italiano Gillo Pontecorvo
estaban creando un lenguaje influiría en una generación de
completamente nuevo para el cine. La cineastas con la incendiaria La
era de la Nouvelle Vague (Nueva Ola) ingenioso, inmediatamente hizo batalla de Argel.
sería encarnada por el director Jean que todo lo que había sucedido antes
Luc Godard, una bola de travesuras pareciera irremediablemente anticuado. Contracultura
talentosa que estrenaría su primera Todo esto fue en un momento en que En otros lugares, la política era
largometraje de 1960: À bout de souffle muchos observadores pensaron que el menos abierta, pero el aire estaba
(Sin aliento). Elegante y extremadamente cine estaba muriendo, condenado por la difusión igual de cargado de inquietud y rechazo a
REBELDE REBELDE 159
El sexo se vuelve surrealista en New Hollywood sale a la

Belle de Jour de Luis Buñuel, carretera con Peter Fonda
mientras Hollywood se burla y Dennis Hopper en La naranja mecánica, La El kung fu se
tabúes sociales en The Easy Rider, y Jon Voight y conexión francesa y Harry el globaliza y el actor de
Graduate, y los rompe de par Dustin Hoffman en sucio llevan la violencia Hong Kong Bruce Lee
en par en Bonnie and Midnight Cowboy. cinematográfica a nuevos adquiere un estatus de culto
Clyde. extremos. en Enter the Dragon.
1967 1969 1971 1973
1968 1970 1972 1974
La ciencia ficción de la era espacial MASH y Catch22 Francis Ford Coppola El neonoir de Chinatown se
emociona al público en apuntar a la locura de la guerra, redefine el género gangster con el enfrenta cara a cara con
2001: Odisea en el espacio mientras Le Boucher primero de El Padrino: Parte II, mientras
y en Barbarella, cargada explora los impulsos que Las películas del Padrino. Gene Hackman escucha
de erotismo. conducen al asesinato. a escondidas The
Conversation.
órdenes antiguas. En Gran Bretaña, otra Nueva En Chelsea Girls (1966), de Warhol , el cine se uso deslumbrantemente complejo del sonido,
Ola hizo retratos duros de la vida de la clase encontraba en medio de una batalla creativa. No mientras que su saga de familia y crimen, El
trabajadora, como Saturday Night y Sunday fue sorprendente encontrar al siempre Padrino, es un clásico de todos los tiempos que
Morning. Y a medida que avanzaba la década se subversivo Luis Buñuel suelto en semejante aún mantiene al público bajo control. al igual que
afianzó una actitud nueva, audaz y sin remilgos, atmósfera, filmando El discreto encanto de El Padrino: Parte II, la precuela que sigue a Vito
hacia la violencia en la pantalla. Siguiendo el la burguesía (1972), medio siglo después de Corleone desde el Viejo Mundo al Nuevo.
ejemplo de Godard y su historia de las vidas Un perro andaluz.
de dos jóvenes forajidos salvajes durante la Gran Para una era que comenzó con
Depresión, Bonnie y Clyde de Arthur Penn Truffaut y Godard retomaron alegremente
establecieron un punto de referencia para el Nuevo Hollywood los tropos de Hollywood, era apropiado cerrar
derramamiento de sangre estilizado. En respuesta a la perspectiva de perder audiencias con un implacable cruce de influencias entre
jóvenes en favor de la televisión, la
Mientras las películas seguían con lo que Hollywood, que alguna vez había mantenido un Europa y Estados Unidos: visiones de Boris
siempre habían hecho mejor... control tan estricto sobre sus cineastas, ahora Karloff en medio de la Guerra Civil Española en
entretener a audiencias masivas— cedió cierto control. El espíritu de la colmena; la reubicación de
Algunos cineastas también aprovecharon las a una nueva generación de talentos singulares. Douglas, nacido en Alemania
ideas vanguardistas y trastornadas de lo que era Los resultados fueron americanos. Los exuberantes melodramas de Sirk de
una película. Desde el largometraje Películas rodadas con cinismo e irresolución. Hollywood hasta el Múnich de los años 70 en
posnuclear de viajes en el tiempo La jetée Algunos se ven mejor Ali de Rainer Werner Fassbinder :
(El muelle, 1962), compuesto casi en su como documentos históricos, pero otros son obras El miedo devora el alma; y Chinatown, una
totalidad por fotografías fijas, hasta el burlón El maestras perdurables. La conversación de Francis exposición negra del corazón negro del sur de
año pasado en Marienbad, (1961) o la pantalla Ford Coppola es un misterio de vigilancia con un California, dirigida por el emigrado polaco Roman
dividida de Andy Polanski. ■
TÚ ERE EL
PRIMERA MUJER
EN EL PRIMER DÍA
DE CREACIÓN
LA DOLCE VITA / 1960
162 LA DOLCE VITA
EN CONTEXTO En abril de 1953,

Hallan el gobierno
el cuerpo parcialmente
desnudo de una
joven en una playa
GÉNERO
cerca de Roma. ¿Wilma Montesi se
Sátira
había ahogado accidentalmente, se había
DIRECTOR suicidado o había sido asesinada?
Federico Fellini La policía investigó, al igual que los
rapaces medios de comunicación italianos.
ESCRITORES Los chismes y las teorías de conspiración
Federico Fellini, Ennio se convirtieron en un escándalo
Flaiano, Tulio Pinelli, nacional cuando el corrupto y hedonista
Brunello Rondi, Muelle submundo de la Roma de posguerra
Paolo Pasolini fue iluminado por los flashes de los
paparazzi de la ciudad. Políticos, estrellas
ESTRELLAS
de cine, gánsteres, artistas,
Marcello Mastroianni, prostitutas, aristócratas en
Anita Ekberg, Anouk decadencia... vivían la dolce vita, "la
Aimée, Yvonne Furneaux dulce vida", un torbellino de drogas,
ANTES orgías y depravación general que se
había salido trágicamente de control. El cartel de la película presenta a
1945 Fellini coescribe Roma, ciudad
La Dolce Vita se convirtió en el título Marcello Mastroianni como un
abierta, el crudo drama de Roberto de la sátira de Federico Fellini de este paparazzo en el sombrío inframundo, en
Rossellini sobre la ocupación nazi. busca de luz en la forma de su Eva perfecta.
período turbulento de la historia de
1958 Marcello Mastroianni consigue su amada Roma. La película
su gran oportunidad en la contiene una referencia velada a Es una imagen escalofriante que es a
elegante comedia policial Big el asunto Montesi en su escena final, la vez grotesca y triste: la última entrada
Deal on Madonna Street. cuando un grupo de personajes emerge en el catálogo de almas perdidas de Fellini.
de una orgía en una casa de playa y
DESPUÉS Siete pecados
encuentra una manta raya muerta
1963 El director de comedia dramática arrastrada a la orilla, una referencia La Dolce Vita se estrenó siete años
1
autobiográfica 8 de ∕2 sigue a metafórica a Wilma Montesi. Se reúnen después de la muerte de Wilma
Fellini (interpretado por Mastroianni) alrededor del cadáver a la luz del Montesi. Tiene lugar en las siete
sufre de bloqueo del escritor. amanecer, el ojo del monstruo marino colinas de Roma, su narrativa se divide
les devuelve la mirada acusadora. en siete noches y
Federico Fellini Director

Nacido en Rimini, Italia, en 1920, La obra de Fellini combina imágenes
Federico Fellini se mudó a Roma cuando barrocas con la vida cotidiana de la
tenía 19 años. Fue a estudiar derecho y se ciudad, a menudo representando escenas de exceso.
quedó para hacer películas que Estaba fascinado con los sueños.
inmortalizarían y la memoria, y muchas de sus
la ciudad. Sus primeras aventuras como películas posteriores se inclinaron
reportero y columnista de chismes lo hacia el reino de la fantasía psicológica.
expusieron al mundo del espectáculo y en
1944 se convirtió en aprendiz del famoso Películas clave
director Roberto Rossellini. En la década
de 1950, Fellini hizo sus propias películas 1952 El jeque blanco
y se estableció como uno de los 1954 La Strada
1960 La dolce vita
Los artistas más controvertidos de Italia. 1963 8 1∕2
REBELDE REBELDE 163
Qué más ver: El ladrón de bicicletas (1948, págs. 94–97) ■ L'Avventura (1960) ■ Julieta de los espíritus (1965) ■
Amarcord (1973) ■ Cinema Paradiso (1988) ■ Celebrity (1998) ■ Lost en traducción (2003)
cafés y libertinaje nocturno, buscando la y publicidad, que Marcello vislumbra

felicidad en la forma de un amor idealizado. la perfección. En la escena más
Hay varios contendientes, incluida su famosa de la película, Sylvia se adentra en
prometida suicida, Emma (Yvonne Furneaux), las aguas de la Fontana di Trevi después de
y la misteriosa Maddalena (Anouk Aimée). una larga noche carnavalesca en la
Todo arte es autobiográfico. Pero no es hasta que Sylvia de Ekberg ciudad.
La perla es la llega a la ciudad, en medio de un aluvión de Llama a Marcello para que la siga y el
autobiografía de la ostra. adulación. espectador ve a Sylvia a través de los

Federico Fellini ojos de Marcello: el ideal
El atlántico , 1965
Marcello (Marcello Mastroianni) está
enamorado de Sylvia, pero sólo pueden
pasar una noche juntos.
siete amaneceres. Si miras lo suficiente,

también encontrarás que contiene los
siete pecados capitales y alusiones a la
Biblia.
Historia de los siete días que le
tomó a Dios hacer el mundo.
La religión es fundamental en la
obra de Fellini. Cuando el héroe de la
película, un periodista
nocturno llamado Marcello Rubini
(Marcello Mastroianni), se
enamora de la bella
estrella de cine sylvia
(Anita Ekberg), le dice:
"Eres la primera mujer en el
primer día de la Creación.

Eres madre, hermana,
amante, amiga, ángel,
demonio, tierra, hogar”.
Depende del espectador
decidir sobre el significado de las
connotaciones religiosas de La Dolce Vita
y su aparente obsesión por el número siete.
Qué es más
Lo cierto es que la película es
preocupado por la naturaleza de la
relación de los hombres con las
mujeres. Marcello pasa sus
noches en Via Veneto, la calle
de discotecas de Roma de los
años 50, acera
164 LA DOLCE VITA
Mujer, sobrenatural en su resplandor, una La dulce Vitae se lleva a cabo durante siete días, noches y
visión de luz en la ciudad oscura. amanece. Mientras que el día parece ofrecer esperanza a Marcello, la
Pero llega el amanecer y noche lo lleva a la depravación y el amanecer le trae revelaciones groseras.
El hechizo mágico de la noche se

• Marcello sigue la estatua de • Conoce a Maddalena en el • Encuentra a su prometida Emma
rompe, justo cuando Sylvia unge la
Cristo volando sobre Roma club; duerme con ella con una sobredosis en su apartamento
cabeza de Marcello con agua de la fuente.
• Sube a la cúpula de • Baila con Sylvia en las • “Ungida” de Sylvia en la
Al día siguiente, Sylvia abandona Roma y Termas de Caracalla Fontana de Trevi
San Pedro con Sylvia
Marcello debe comenzar su búsqueda
• Informes sobre la visión • Estampida de testigos en • Observa duelo por niño
nuevamente. infantil de la Virgen. el lugar del falso milagro pisoteado
El caos de la noche de Marcello
• Encuentros con Steiner • Asiste a Steiner's • Escucha que Steiner se ha
Los vagabundeos se reflejan en la tocando Bach en la iglesia salón literario • suicidado a sí mismo y a sus hijos.
estructura de la historia episódica y serpenteante
• Ve a una camarera angelical Establece padre con niña • Se entera del derrame cerebral de su padre
de la película. Sus aventuras toman
paola junto al mar • Duerme con Jane en una • Matrona espía en misa
por toda la ciudad, desde un campo en el que
• Ve a Paola haciéndole señas fiesta en una casa aristocrática • Se reconcilia con Emma
dos niños afirman haber
desde la orilla del río, pero
• Discute con Emma • Descubre un monstruo
visto una visión de la Virgen María— no puede oírla.
• Instiga una orgía en la playa marino varado en la playa
la mujer arquetípica, esquiva e idealizada,
a la felicidad doméstica de la casa de Steiner.
Steiner (Alain Cuny) es el mejor amigo
de Marcello y la personificación de todo
lo que Marcello envidia: Steiner es estable, está
felizmente casado, tiene dos hijos perfectos
Un hombre que acepta vivir así es
y disfruta de un equilibrio entre comodidad un hombre acabado, ¡ no es más que
material y realización intelectual.
un gusano!
Cuando Marcello visita la casa de Steiner,
Marcello / La Dolce Vita
asciende desde el oscuro inframundo de
las calles, clubes y bares del sótano, a una
especie de cielo. como yo. La salvación no está dentro En un lapso, vemos a Marcello en la casa de la
Cuatro paredes." Que no hay consuelo ni en una playa en Fiumicino, propiedad de su amigo
ilusión de felicidad vida doméstica intelectual y protegida ni en Riccardo, donde la fiesta que dura toda la noche
Pero, así como Sylvia y la Virgen la vida hedonista se convierte en un caos.
María resulta ser ilusiones, “dulce vida” es la existencial A medida que se acerca la mañana, se
La felicidad doméstica de Steiner también El enigma con el que se enfrenta Marcello ante encuentra tambaleándose por la playa,
es una mentira, como descubre Marcello el posterior suicidio de Steiner. Después de un donde lo espera el ojo de la mantarraya muerta.
cuando Steiner le dice: "No te preocupes". tiempo no especificado
Minuto por minuto
00:17 00:50 01:33 02:23

Marcello y Magdalena Sylvia entra en la Fontana Marcello le presenta a su padre a Marcello corre al
hacer el amor en la residencia de una de Trevi y Marcello la sigue. Fanny, una bailarina. Lleva al padre apartamento de su
prostituta. Regresa a casa y descubre que Regresan a su hotel, donde de Marcello a su apartamento, pero amigo Steiner, donde le dicen
su prometida ha sufrido una sobredosis. su prometido, Robert, la abofetea éste sufre un pequeño infarto. que ha ocurrido una terrible
y golpea a Marcello. tragedia.
00:00 00:30 01:00 01:30 02:00 02:30 02:54
01:29 02:02 02:48

00:33 Trabajando en su novela en Marcello se topa En la playa, una raya muerta
En el balcón de la cúpula de un restaurante junto al mar, Magdalena en una fiesta. es sacada del agua. Marcello
San Pedro, Marcello tiene un Marcello conoce a Paola y Borracha, le pide que se case ve a Paola a lo lejos, pero
momento a solas con Sylvia. La le dice que parece un ángel. con ella, pero pronto otro no puede oírla.
lleva a bailar. hombre la distrae.
REBELDE REBELDE 165
Marcello Mastroianni
Actor
Tras un breve período de trabajo
teatral, Marcello Mastroianni se
hizo famoso con un papel en Big Deal
on Madonna Street. Él era
La escena final de La Dolce Vita Marcello se siente atraído repetidamente

por Maddalena (Anouk Aimée), pero su amor La única elección de Fellini para
contiene una segunda alusión. El pescador
el papel de Marcello Rubini en La
por ella no puede llevarle a ninguna parte. Ella
que saca la raya del mar dice que el leviatán Dolce Vita. El estudio quería a
le pide que se case con ella, sólo para caer
hinchado y podrido lleva muerto “hace tres en los brazos de otro hombre momentos después. Paul Newman, pero Fellini luchó
por conservar a su amigo y la
días." En la Biblia, este es el mismo período de pareja hizo seis películas más
tiempo que Jesús pasa en la tumba. La Dolce colgando benignamente de un helicóptero con juntos. Mastroianni solía
Vita es un carnaval de imágenes y símbolos Marcello siguiéndolo en un segundo interpretar una versión del
católicos romanos, muchos de ellos helicóptero, causó indignación cuando la director en estas películas.
controvertidos en su uso. La secuencia película se proyectó por primera vez.
inicial, en la que una estatua dorada de Cristo Aunque dos figuras de Cristo (la estatua y Mastroianni, una figura
vuela sobre un antiguo acueducto romano, la mantarraya) cierran la narración, no ofrecen suave y oscuramente hermosa, se
esperanza ni salvación a ninguno de sus
asoció estrechamente con el
glamour de Roma y sus bellas
personajes.
protagonistas, especialmente
De hecho, Fellini conecta constantemente el
Sophia Loren (quien compartió
mito religioso con la desilusión. pantalla con él en 11 películas).
Marcello busca a su Eva, la primera mujer Obtuvo dos nominaciones al Premio
del primer día de la Creación, una figura de la Academia durante su carrera,
angelical no contaminada por las una por la comedia Divorcio a la
En resumen, es una película corrupciones de la dolce vita ni por ninguna italiana en 1961 y la otra por Un
asombrosa, licenciosa en su experiencia terrenal. día especial en 1977.
contenido pero moral y “¡No creo en tu amor maternal, agresivo y
enormemente sofisticada en su pegajoso!” le dice a Emma durante su

pelea interminablemente recurrente.
actitud y en lo que dice. Películas clave
"Esto no es amor", le grita, "¡es brutalización!".
Bosley Crowther
Nuevo york Veces , 1960
1958 Gran cosa en
Y así, cada vez que vuelve a sumergirse en
Calle Virgen
En el caos de la noche romana, sabe que 1960 La dolce vita
Eva no existe realmente; lo único que hace es 1961 Divorcio al estilo italiano
intentar olvidar lo que sabe. ■ 1963 8 1∕2
166
NO USE LOS FRENOS.

LOS COCHES ESTÁN HECHOS PARA
IR, NO PARA PARAR
À BOUT DE SOUFLE / 1960
À bout de souffle (Sin Antes de empezar a dirigir, Godard fue

EN CONTEXTO aliento) de Godard marcado crítico de la película radical.
JeanLucUn punto de inflexión en el cine. revista Cahiers du Cinema, y rinde
GÉNERO
No a todos les gustó su frenético homenaje a películas anteriores
Nueva Ola Francesa
corte, su trama suelta y su desdén una y otra vez en À bout de souffle. Por
DIRECTOR por la moralidad convencional. Pero ejemplo, Michel idolatra a Humphrey
JeanLuc Godard incluso los críticos de Godard Bogart y tiene un cartel gigante de él en
quedaron impresionados por su la pared.
ESCRITORES innovación, y directores como Pero a pesar de todas sus referencias, Godard
JeanLuc Godard, François Scorsese y Tarantino han reconocido su deuda y los
conotros
él. jóvenes cineastas de lo
Truffaut, Claude Chabrol En la película, el matón de poca monta Michel que llegó a conocerse como la Nouvelle
(JeanPaul Belmondo) dispara a un Vague francesa (Nueva Ola), como
ESTRELLAS
policía. Se esconde en el apartamento de François Truffaut y Claude Chabrol,
JeanPaul Belmondo, la estudiante estadounidense Patricia estaban decididos a derrocar lo que
Jean Seberg (Jean Seberg), quien desconoce lo consideraban como el cinéma de
ANTES que ha hecho. Finalmente, Patricia papa (el cine de papá).
entrega a Michel a la policía, que le Producciones de estudio con poco
1941 La actuación de Humphrey
dispara en la calle. que decir sobre la vida moderna.
Bogart en El halcón maltés sirve de
Más bien, se veían a sí mismos no
inspiración para el personaje de Michel
en À bout de souffle.
simplemente como directores sino como
autores, que crearían un estilo de cine
nuevo y personal, filmando en exteriores
DESPUÉS y abordando difíciles problemas sociales.
1964 Debido en gran parte a su estilo
À bout de souffle, la película de los Godard ha pasado su vida Una pistola y una chica
confrontando cuestiones Godard insistió en que una película
Beatles de Richard Lester, A Hard
Day's Night, tiene una enorme
centrales para el futuro del cine. No necesitaba una trama bien
influencia en el cine británico. Derek Malcolm construida. "Todo lo que necesitas para
El guardián , 2000 una película", dijo, "es una pistola y una chica".
1967 Bonnie and Clyde , de Arthur La historia de À bout de souffle se
Penn, introduce el estilo de la basa libremente en la historia real de
Nueva Ola francesa en el cine Michel Portail, que mató a tiros a un
estadounidense. policía en motocicleta en 1952 y que,
como el personaje de Michel en la
REBELDE REBELDE 167
Qué más ver: Los 400 golpes (1959, pp.150–55) ■ El año pasado en Marienbad (1961, pp.170–71) ■ Jules et Jim (1962, p.334) ■ A Hard Day's Night
(1964) ■ Band of Outsiders (1964) ■ Bonnie y Clyde (1967, págs. 190–91) ■ Pulp Fiction (1994, págs. 270–75)
No sé si soy infeliz porque no

soy libre o si no soy libre porque
soy infeliz.
Patricia / À bout de soufflé
película, también tenía una novia transición entre tomas, uniéndolas en un

estadounidense, pero Godard montaje en rápido movimiento. En una
escribió el guión mientras filmaba. escena que sigue a Patricia conduciendo
Fue deliberadamente caótico en un auto deportivo, el fondo salta
su método de filmación, filmando en las instantáneamente de un lugar a otro a
concurridas calles de París, tomando medida que se unen diferentes
tomas sobre la marcha e improvisando tomas. El corte de salto se ha
diálogos. Para trabajar de esta manera, convertido ahora en un elemento básico
necesitaba filmar con una cámara en del cine, pero en ese momento el
mano y en condiciones de poca luz, y esto crítico Bosley Crowther se quejó
es en parte lo que le da a la película de que era una “cacofonía pictórica”.
su aspecto monocromático de
alto contraste. También condujo a No fueron sólo los cortes de
una nueva cinemática distintiva salto de la película los que
Técnica: el corte de salto. crearon controversia, sino también su frialdad.
El desapego egoísta y el desdén
cortes de salto por la autoridad de su joven héroe
Anteriormente, uno de los requisitos para se convirtieron en características del
una película bien hecha siempre había cine para la nueva generación. Cuando
Sobre el soufflé fue la primera
sido la completa continuidad entre los clips comenzó la década de 1960, los cineastas película de la Nueva Ola francesa.
filmados desde diferentes ángulos o en y el público abrazaron la rebelión ante el
Su estilo visual audaz y su ruptura con el
diferentes días. Sin embargo, Godard no heroísmo abnegado retratado en décadas estilo clásico de estudio estaban implícitos
hizo ningún intento de lograr una solución suave.anteriores. ■ en el póster de la película.
JeanLuc Godard Director

JeanLuc Godard nació en París en (1965) y políticamente, en películas
1930. Cuando tenía poco más de 20 como Una mujer casada y Pierrot le
años, se unió a la escena de los cine Fou (1965). A finales de la década de
clubes de París y se dedicó a la crítica 1960, Godard se alejó por
cinematográfica. Animado por completo del cine comercial,
François Truffaut, otro joven crítico pero continuó haciendo películas
convertido en cineasta, Godard que traspasaban los límites del
comenzó a hacer sus propias películas. medio.
Su primera película importante, À bout
de souffle, conquistó al mundo con Películas clave
su nuevo estilo. Pero el trabajo de
Godard pronto se volvió aún más 1960 Sobre el soufflé
radical, tanto en apariencia, con películas 1963 Desprecio
1964 Una mujer
como Contempt, Band of Outsiders (1964) y Alphaville . casada
168
ESO ES LO QUE TODOS ESTOS

LAS LEYES LOCAS SON PARA
SER ROBIDO POR TÍOS
COMO NOSOTROS
SÁBADO POR LA NOCHE Y DOMINGO POR LA MAÑANA / 1960
clase no como víctimas, sino

EN CONTEXTO y Sunday Morning llevó como individuos con sus propias
El sábado a por la noche
la Gran de de
Bretaña Karel Reisz aspiraciones y frustraciones. Reisz fue
GÉNERO un líder del Nuevo Partido Británico.
clase trabajadora a las pantallas de una
Nueva ola británica manera nunca antes vista. Basada en Ola de cineastas paralela a la Nueva
una novela semiautobiográfica de Ola francesa. Ambos
DIRECTOR
Karel Reisz
Alan Sillitoe, quien también escribió
el guión, la película se centra en la
Doreen y Arthur se encuentran en secreto.
ESCRITOR historia del joven Arthur, que quiere
Si bien se rebelan contra sus padres, a quienes
Alan Sillitoe algo más en la vida que un trabajo en
consideran “muertos del cuello para arriba”,
una fábrica. Esta fue una de las primeras no son inmunes a la realidad cuando Arthur deja
ESTRELLAS
películas británicas que se centró en el trabajo.
embarazada a otra niña.
Albert Finney, Shirley
Anne campo, rachel roberts
ANTES
1947 Siempre llueve el
domingo, de Robert Hamer , una
cruda historia ambientada en el
East End de Londres, es un
precursor de los dramas realistas británicos.
1959 Look Back in Anger, dirigida

por Tony Richardson y basada en
una obra de John Osborne, es la
primera película dramática británica
sobre el fregadero de la cocina.
DESPUÉS
1965 A partir de su docudrama
televisivo Up the Junction, Ken
Loach realiza una serie de películas
que mezclan el drama de la clase
trabajadora con el documental.
REBELDE REBELDE 169
Qué más ver: Mirar atrás con ira (1959) ■ À bout de souffle (1960; págs. 166–67) ■ La soledad del corredor de larga distancia
(1962) ■ Billy Liar (1963) ■ Esta vida deportiva (1963) ■ Alfie (1966) ■ Kes (1969, p.336) ■ Desnudo (1993, p.340–41)
interpretado por Albert Finney, está

decidido a no verse menospreciado
por las limitaciones de la vida como tornero en
una fábrica de bicicletas en Nottingham.
Se rebela contra el trabajo pesado de su
clase.
Contrarrestar las expectativas

A pesar de su declaración: "Para eso están
todas estas leyes dementes, para que
las violen tipos como nosotros", Arthur no
es ni un rebelde político ni un criminal.
Simplemente va en contra de las
expectativas al tener una aventura con Brenda
(Rachel Roberts), la esposa de un colega mayor,
mientras la engaña con la joven Doreen
(Shirley Anne Field). Incluso esta pequeña
rebelión personal queda derribada por la
realidad cuando Brenda queda embarazada
y se ve obligada a abortar, y Arthur es
golpeado por el marido de Brenda y sus
El estilo del cartel fue influenciado en su inclusión del adulterio, el aborto, la amigos soldados.
por el de la película francesa À bout embriaguez y la violencia como realidades
de souffle, realizada en el mismo año. cotidianas. Cincuenta años después,
estos dramas son el elemento básico de las Sin embargo, el espíritu de Arthur no está
movimientos encaminados a una mayor telenovelas británicas, pero en 1960 eran nuevos. aplastado y, aunque desgarradora, la película
enfoque auténtico de la realización arturo, brillantemente es, en última instancia, edificante. ■
cinematográfica al aventurarse fuera del estudio
y en lugares reales.
Los cineastas británicos de la Nueva Ola, Lo que busco es pasar un buen rato;
sin embargo, estaban menos preocupados por
la cinematografía innovadora que sus pares
¡todo lo demás es propaganda!
franceses. El realismo que buscaban estaba en Arthur Seaton / Sábado por la noche y domingo por la mañana
su tema: la vida personal de la clase trabajadora.
El primero de estos “cocina
Karel Reisz Director
El drama cinematográfico "Sink" fue Look
Nacido enOstrava, movimiento, que luchaba por un cine
Back in Anger (1959), adaptación de la obra de Checoslovaquia, en británico menos clasista y más políticamente
John Osborne. Engendró el género cinematográfico 1926, Karel consciente, y comenzó a dirigir sus propias
llamado Angry Young Man de la década de Reisz fue enviado a películas en 1960.
1960, protagonizado por héroes de la Gran Bretaña cuando
clase trabajadora. tenía 12 años, justo antes de que la Películas clave
Sin embargo, si bien Look Back in Anger es Alemania nazi invadiera su país en 1939.
relativamente teatral, Saturday Night and Sunday Sus padres murieron en Auschwitz. 1960 Sábado por la noche
Sirvió en la Segunda Guerra Mundial y y domingo por la mañana
Morning es práctico, casi documental, en su
estudió química en Cambridge, luego se 1964 La noche debe caer
descripción de las vidas turbulentas de sus
convirtió en crítico de cine. Reisz lideró el 1981 Los franceses
personajes. No se anda con rodeos
Cine Libre La mujer del teniente
170
NUNCA ME HE QUEDADO
HASTA TANTO EN CUALQUIER LUGAR
EL ÚLTIMO AÑO EN MARIENBAD / 1961
Acordó dejar a su marido M (Sacha

EN CONTEXTO blanco y en pantalla ancha, Pitoëff) al año siguiente.
Bellamente
El filmada en negro
último año y Resnais
de Alan A niega sus afirmaciones, pero X persiste,
GÉNERO
en Marienbad tiene un frescor al ritmo de entre rondas del juego matemático Nim
Experimental
un glaciar. Al carecer de una narrativa con M, que M siempre gana.
DIRECTOR convencional, desafía deliberadamente los
Alan Resnais prejuicios sobre cómo deberían funcionar Para Resnais, la película fue una
las películas. Este enfoque ha influido Exploración del tiempo y la memoria.
ESCRITOR en una generación de directores, entre ellos El guión, escrito por el novelista
Alain Robbe Grillet Stanley Kubrick, David Lynch y Peter experimental Alain RobbeGrillet, fusiona
Greenaway. pasado y presente en una serie de
ESTRELLAS
La película está ambientada en un cuadros surrealistas, casi pesadillas,
Delphine Seyrig, Giorgio
hotel palaciego en la zona rural de Europa repetitivos. Resnais convierte estas
Albertazzi, Sacha Pitoëff escenas en un entorno onírico
central. Aquí, un apuesto desconocido
ANTES conocido sólo como X (Giorgio Albertazzi) mundo en el que todo se reduce a
1955 Noche y niebla es la insiste a una bella invitada, conocida como apariencias y juegos de espejos.
A (Delphine Seyrig), en que se conocieron La vida transcurre de forma aparentemente
contemplación de Resnais de
y se enamoraron el año anterior en el resort ritual, llena de alusiones y símbolos que
la memoria de los campos de
de Marienbad, donde ella dejan al espectador continuamente
concentración nazis.
1959 Hiroshima mon amour, el

Alain ResnaisDirector
primer gran éxito de Resnais,
trata sobre la memoria y el Nació en Vannes Películas enigmáticas y poéticas sobre
olvido tras la bomba de Hiroshima. en Bretaña en el tiempo y la memoria, que algunos celebran
1922, cineasta como obras maestras y otros encuentran
francés pretenciosas.
DESPUÉS
Alain Resnais Resnais murió en 2014.
1977 Providence, la película de continúa dividiendo a los críticos.
Resnais sobre los recuerdos de un Más adelante en su vida se centró más en la
escritor anciano, es aclamada en farsa y la comedia, pero en la primera Películas clave
Francia como una obra maestra, mitad de su carrera trabajó
con destacados escritores modernos 1959 Hiroshima, mi amor
pero criticada en Estados Unidos.
como Alain RobbeGrillet y 1961 El año pasado en Marienbad
Marguerite Duras para crear 1977 Providencia
REBELDE REBELDE 171
Qué más ver: Un Chien Andalou (1929, p.330) ■ L'Avventura (1960) ■ La Dolce Vita (1960, pp.160–65) ■ Pierrot le Fou (1965) ■ El
resplandor (1980, p. 339) ■ El contrato del dibujante (1982) ■ Abre los ojos (1997) ■ Flores de Shanghai (1998)
Esta famosa escena, en la que las

figuras proyectan sombras pero los
árboles no, resalta la naturaleza onírica
e irreal de El año pasado en Marienbad y
de gran parte de la obra de Resnais en general.
El timbre de medianoche que abre la película

se escucha nuevamente al final, haciendo
eco del interminable ciclo de
aceptación y rechazo de la vida, cuando X
es rechazado por A, y viceversa. Como dice A:
"Nunca me he quedado tanto tiempo en
ningún lugar". Es célebre que RobbeGrillet
haya afirmado que “toda la historia de
Marienbad no ocurre en dos años ni en tres
días, sino exactamente en una hora y media”,
es decir, el lapso de tiempo de la película.
El año pasado en Marienbad se ha

interpretado de varias maneras, en términos
de la psicología junguiana o freudiana, y
utilizando un análisis
postestructuralista, pero es raro que
Debo tenerte vivo. Vivo, como lo has haya acuerdo sobre el significado de la película.
Sin embargo, para muchos críticos, es
estado todas las noches, durante un punto culminante del fervor
semanas, durante meses. experimental que impulsó a la Nueva

Ola francesa a ampliar las posibilidades y
X / El año pasado en Marienbad objetivos del cine a finales de los años
cincuenta y principios de los sesenta, y
Inquieto, sin saber si todo está en la cabeza De hecho, es la historia de sigue siendo influyente hasta el día
de X o de A. La película es una interacción una persuasión [une persuasion]”, de hoy. ■
continua de realidad e ilusión. En una según RobbeGrillet. "Él
escena famosa, filmada en un día nublado
cuando los árboles no proyectan sombras, las Se trata de una realidad
personas dispuestas elegantemente a lo que el héroe crea.
largo de una avenida proyectan largas fuera de su propia visión”.
sombras sobre el suelo. Para lograr este efecto, No tiene sentido
se pintaron las sombras de los actores en el del tiempo o la historia
suelo. que avanza: la trama, tal
como es, es circular y
Historia de una persuasión repetitiva.
Resnais dijo que los efectos de la
película fueron un intento de recrear la forma
Delfina Seyrig,
en que funciona la mente, mientras
interpretando a A,
RobbeGrillet insistió en que los espectadores
fue vestida de manera
se perderán si buscan una narrativa lineal. memorable para el papel por
“Toda la película, como la leyenda de la moda Coco Chanel.
172
ESTA ES LA HISTORIA
DE UN HOMBRE MARCADO
POR UNA IMAGEN DE
SU INFANCIA
LA JETÉE / 1962
Planes: el único diálogo de la película.

EN CONTEXTO director enigmático Chris Es en esta quietud y quietud donde reside
La jetée Marker,
(El Muelle), junto
es una al
cienciaficción. el terror.
GÉNERO
Clásico que conserva su poder para La jetée utiliza el viaje en el
ciencia ficción
enfriar e inquietar, a pesar de haber tiempo como recurso para
DIRECTOR sido eclipsado por su remake de gran examinar la naturaleza filosófica de la memoria.
Chris Marcador presupuesto: 12 monos de Terry Gilliam. El protagonista es testigo y participa
(1995). Sin embargo, las dos películas en momentos del pasado: un viaje a
ESCRITOR no podrían ser más diferentes. un museo, un encuentro romántico
Chris Marcador Con menos de 30 minutos de duración y, lo más importante, el evento
y con una narrativa compuesta íntegramente traumático que dio forma a su personaje.
ESTRELLAS
a partir de fotografías fijas, La jetée trata
Jean Negroni, Davos
sobre un hombre que viaja en el tiempo sin embargo, siente que su conciencia del
Hanich, Hélène Chatelain,
para presenciar un acontecimiento acontecimiento diluye su realidad. La
Jacques Ledoux trágico y decisivo de su infancia. película implica que una vez que algo
ANTES está en el pasado, sólo existe en un vistazo
1953 Marker trabaja con el Un sueño medio olvidado El mundo o como una fotografía, de ahí la
director Alain Resnais en la postapocalíptico retratado en La estructura estilística de la película de
controvertida película sobre arte jetée inquieta con sutileza. Una utilizar imágenes fijas. La jetée equilibra
narración en off hablada suavemente el viaje emocional de su protagonista con
africano, Las estatuas también mueren.
pone al espectador en el lugar del este intelectualismo temático
DESPUÉS protagonista mientras escucha a para crear uno de los más distintos
1977 En Una sonrisa sin gato, Marker científicos amorales susurrar y murmurar imaginaciones del fin del mundo que el
documenta el radicalismo político sus cine ha ofrecido jamás. ■
tras las revueltas estudiantiles de
1968.
El hombre no muere, ni tampoco
1983 Marker amplía el género
documental con Sans Soleil, una volverse loco. El sufre. Ellos continuaron.
meditación sobre la historia mundial
Narrador / La jetée
y la incapacidad de la memoria
humana para recordar el contexto y
Qué más ver: El hombre Omega (1971) ■ Soylent Green (1973) ■
los matices.
Mad Max (1979) ■ 12 monos (1995) ■ La carretera (2009)
REBELDE REBELDE 173
CHICO TE AMO.
HUELES A GASOLINA
LOS PARAGUAS DE CHERBURGO / 1964
EN CONTEXTO dirigida por Jacques Demy,

El segundo
Losdeparaguas
una trilogía.
de Cherburgo
GÉNERO
(1964) es una película innovadora que
Musical
combina la fantasía de un musical de
DIRECTOR Hollywood con la nueva ola francesa.
Jacques Demy
centrarse en lo cotidiano.
La idea de Demy fue ver que
ESCRITORES la gente corriente filmada por los
Jacques Demy directores de la Nueva Ola tenía sueños y
aspiraciones tan románticas como
ESTRELLAS
las de cualquiera. Tomó una sencilla
Catalina Deneuve,
historia de amor frustrado en un pequeño
Nino Castelnuovo
pueblo y la convirtió en una fantasía musical.
ANTES La historia gira en torno a preocupaciones
de la Nueva Ola como el embarazo adolescente
1931 La trilogía de Marcel Pagnol,
y la prostitución, pero Demy la cuenta con La bella Geneviève trabaja con su madre
Marius, Fanny y César, inspira la
canciones, en decorados de algodón de azúcar. en su fallida tienda de paraguas. La
trilogía de películas costeras de música es de Michel Legrand y todos los
Demy. Catherine Deneuve interpreta
diálogos están cantados.
a Geneviève, la hija del dueño de
1958 El musical Gigi de Vincente una tienda de paraguas. Está
Minnelli es una visión estadounidense llena de amor por un joven mecánico, y la convencen de casarse con un
de Francia que Demy parodia Guy (Nino Castelnuovo). joyero rico para salvar a su madre de la
hábilmente en Los paraguas Cuando lo envían a luchar a Argelia, ruina financiera. Años más tarde, ella y
de Cherburgo. hay una larga despedida en el andén del Guy se conocen por casualidad. En ese
tren, respaldada por el tema musical de momento está casado y tiene un hijo. El
DESPUÉS
la película. El intercambio de pareja es casi mundano,
1967 Las jóvenes de Rochefort , de Pero la historia de Geneviève es una pero la música desmayada crea un
Demy , unen a Catherine Deneuve historia de la vida real. Se entera de momento de verdadera angustia por la
con Gene Kelly. que está embarazada y Guy no responde. vida que podría haber sido. ■
2001 ¡Baz Luhrmann recrea un mundo
de fantasía musical francés en Moulin Qué más ver: Cantando bajo la lluvia (1952, págs. 122–25) ■ Gigi (1958) ■ Los
400 golpes (1959, págs. 150–55) ■ Las jóvenes de Rochefort (1967)
Rouge!
174
HAY ORO EN
EL MAR MÁS ALLÁ
DIOS NEGRO, DIABLO BLANCO / 1964
Esta película
EN CONTEXTO Rocha dijo una vez
es el relato
ficticio
GÉNERO
DirectorGlauber
que “todo el mundo de Glauber
quiere matar a Glauber Rocha
Drama
Rocha. No me sobre las
DIRECTOR perdonaron por hacer aventuras
Glauber Rocha Black God, White Devil a la del
edad de 23 años”. No fue
ESCRITOR cazarrecompensas de la vid
simplemente su precocidad o
Glauber Rocha
falta de humildad lo que puso
ESTRELLAS su vida en peligro; Rocha, un
feroz pionero del realismo
Geraldo Del Rey, Yoná
social, veía las películas como
Magalhães, Mauricio do
una herramienta de cambio
Valle, Lidio Silva.
y una parte integral de la
ANTES lucha del trabajador. De
1962 En el primer largometraje de hecho, poco antes del
Rocha, Barravento, un hombre estreno de su película en su Brasil. Un humilde peón de rancho llamado
lucha por librar a su pueblo natal del Brasil natal, un golpe de estado Manuel (Geraldo Del Rey) cree que
misticismo reaccionario que cree marcó el comienzo de un gobierno el predicador es la encarnación de
que lo está frenando. militar cuyas acciones lo llevaron más tarde aSan Sebastián,
un exilio pero su esposa, Rosa
autoimpuesto.
(Yoná Magalhães), es más escéptica y
DESPUÉS Cine comprometido con frecuencia cuestiona la creencia
Django, un spaghetti western Rocha despreciaba a Hollywood y de Manuel en el hombre al que sigue.
desolador y salvaje, del director se nota: cuesta creer que esto Manuel intenta mejorar su suerte
italiano Sergio Corbucci de 1966 , película abrasiva fue estrenada en el y la de Rosa vendiendo su ganado a
tiene una clara deuda con Rocha. El mismo año que Mary Poppins. Al su jefe, pero varios mueren camino
1970 El Topo, del director
igual que su debut, Barravento, se al mercado y el jefe se niega
preocupa más por las ideas que por la a pagar. Enfurecido, Manuel mata
chileno Alejandro Jodorowsky,
acción o los personajes, y continúa la a su jefe con un machete, y él y
presenta a un pistolero en un viaje
Rosa huyen, siguiendo al
exploración de la religión de la película anterior.
transformador a través del desierto. Sebastião (Lidio Silva), un carismático y cada vez más
predicador, está reuniendo a los poderoso Sebastião, el "dios
pobres del sertão, el árido interior del norte.negro", que promete
REBELDE REBELDE 175
Qué más ver: Barravento (1962) ■ Vidas estériles (1963) ■ Soy Cuba (1964) ■ Tierra en trance (1967) ■ Antonio das
Mortes (1969) ■ El Topo (1970) ■ Ciudad de Dios (2002, pp.304) –09) ■ Carandiru (2003)
influencia sobre Rocha. A medida que la

Glauber RochaDirector película llega a su fin, la figura vestida de
negro de das Mortes tiene en la mira al casi
Nacido en Bahía, Tierra y Antonio das Mortes.
totalmente loco Corisco.
Brasil, en 1939, En el exilio de la década de 1970,
Glauber Rocha Rocha rodó en África y España, y
descubrió el aunque sus puntos de vista y su
Grito de guerra
Lamentablemente el tiempo no ha sido
cine, la política y el estilo experimental fueron
demasiado amable con la película de Rocha.
periodismo en su adolescencia, y controvertidos, siguió siendo un
abandonó la facultad de derecho para La actuación a menudo parece educada o,
héroe en casa. Un año después de su
dedicarse al cine a los 20 años. última película, La edad de la Tierra peor aún, simplemente amateur, mientras
Inspirado por la Nueva Ola francesa, (1980), murió de una infección pulmonar que la indudable pasión de la visión del director
dirigió el movimiento Cinema Novo a los 42 años. se desborda en momentos de atronador
(Nuevo Cine) brasileño de la década de melodrama, recalcado por una partitura a
1960 y compitió en el festival de Películas clave veces demasiado grandilocuente del compositor
cine de Cannes de 1964 con Dios negro, Heitor VillaLobos.
diablo blanco. Esta fue la primera de 1964 Dios negro, diablo blanco Pero en sus extrañas composiciones,
una trilogía con conciencia de clase que 1967 Tierra en trance completas con zooms rápidos y cortes de
continuó con Encantado. 1969 Antonio de las Mortes
salto, Rocha creó un grito de guerra único por
la tierra y la libertad, exponiendo la forma
salvación y el día en que “la tierra seca se cambia dramáticamente, y lo que comenzó en que los trabajadores son manipulados
convertirá en mar y el mar en tierra seca”. como un drama neorrealista muta en tanto por la Iglesia como por el Estado.
Rosa continúa cuestionando las declaraciones una polémica cada vez más
banales del predicador, pero Manuel la experimental y surrealista, más en la vena “Un hombre es hombre cuando
sigue ciegamente, llevando a cabo absurda de usa su arma para cambiar su
tareas cada vez más estúpidas y brutales dramaturgo Samuel Beckett que el drama destino”, dice Corisco.
para satisfacer a su nuevo maestro. La políticamente comprometido de Bertolt "No es una cruz [sino] una daga y
jerarquía de la Iglesia, alarmada por Brecht, que fue un gran un rifle". ■
Sebastião y las masacres que azotan la
región, recurre al cazarrecompensas Antonio
das Mortes (Maurício do Valle) para
eliminarlo.
Giro absurdo
Sebastião muere y la pareja de fugitivos sigue
adelante, tropezando con un campamento
dirigido por el vicioso Capitán.
Corisco (Othon Bastos), el “diablo blanco” de la
película, que rebautiza
Manuel “Satanás” y lo envuelve en
su caótico ejército de bandidos.
En este punto, el estilo de la película.
Manuel (Geraldo Del Rey) lleva una

piedra en la cabeza mientras sube de
rodillas al Monte Santo, esclavo del
predicador Sebastiaõ (Lidio Silva).
La roca está cargada de simbolismo.
176
CABALLEROS NO
PUEDEN PELEAR AQUÍ.
¡ESTE ES EL CUARTO DE GUERRA!
DR. AMOR EXTRAÑO / 1964
en la pantalla grande, y esperaba que

EN CONTEXTO En 1963, Stanley
decidió hacer Kubrick
una película se rieran. Originalmente, el cineasta tenía la
sobre la Guerra Fría, que fue intención de producir un thriller basado
GÉNERO
calentándose en ese momento. Occidente y en Alerta Roja, la novela de Peter George
Comedia de humor negro sus enemigos en el Bloque del Este de 1958 sobre un oficial de la Fuerza Aérea
DIRECTOR habían estado atrapados en una competencia de EE. UU.
de miradas durante casi dos décadas, y quien se vuelve loco y ordena a sus
Stanley Kubrick
las superpotencias se estaban poniendo aviones atacar a Rusia. Pero, mientras
ESCRITORES nerviosas; si cualquiera de las partes trabajaba en el guión con el escritor Terry
Stanley Kubrick, Terry pestañeaba, todos morirían en un holocausto Southern, Kubrick encontró que la política
Sur (guión); termonuclear. Ésta era la base de la de la guerra moderna era demasiado
Peter George (novela) “destrucción mutua asegurada”, la estrategia absurda para
militar para la paz que empezaba a sonar como drama; sentía que la única manera
ESTRELLAS
una sombría promesa de olvido. La crisis de los sensata de superar la locura de la
Peter Sellers, George C. misiles cubanos se había evitado hace autodestrucción accidental era una
Scott, Sterling Hayden, Slim farsa.
Pickens En Kubrick y Southern
un año antes, pero apenas... ¿seguramente
ANTES se acercaba el apocalipsis? guión, la trama de Red Alert recibe

un giro cómico de pesadilla. El loco
1957 En Paths of Glory de Kubrick, un
Sátira de la Guerra Fría de la novela se convierte en Jack D. Ripper
oficial de la Primera Guerra Mundial
Cuando Dr. Strangelove se abrió a un (Sterling Hayden), un general estadounidense
defiende a sus hombres de acusaciones falsas.
público desprevenido en enero de 1964, Kubrick que culpa de su impotencia sexual a un complot
1962 Lolita es la primera colaboración invitó al público a ver este escenario comunista para envenenar el agua.
de Kubrick con Peter Sellers. apocalíptico.
DESPUÉS
1987 Kubrick vuelve a atacar los Vaya, ojalá tuviéramos una de
absurdos militares en La chaqueta
metálica. esas máquinas del fin del mundo.
General Turgidson / Dr. Strangelove
REBELDE REBELDE 177
Qué más ver: Caminos de gloria (1957) ■ La pantera rosa (1963) ■ La naranja mecánica (1971, p.337) ■ Estar allí (1979) ■ El resplandor (1980,
p.339) ■ El café atómico ( 1982) ■ Hilos (1984)
La Sala de Guerra, vasta, impersonal y marcada por

la siniestra mesa circular con su iluminación
flotante en forma de anillo, fue diseñada por
Ken Adam como un búnker subterráneo.
suministro con fluoración. Ripper envía una

flota de bombarderos para destruir la Unión
Soviética y luego se sienta a esperar el
Armagedón.
Metáforas sexuales
Dr. Strangelove es una sátira política, pero
también es una comedia sexual sobre la relación
erótica entre los hombres y la guerra: el
“amor extraño” del título. La película, subtitulada
Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar
la bomba, comienza con la balada romántica
Try A Little Tenderness y termina con Vera
Lynn cantando We'll Meet Again sobre un que pone en alerta a los rusos Este es un mundo de hombres, en el que
montaje orgásmico de música Dispositivo del fin del mundo. Las crudas todos se divierten con la destrucción
atómica. imágenes en blanco y negro de Kubrick están masiva. El sombrío Dr.
repletas de erecciones creadas por el Strangelove (Peter Sellers nuevamente)
hombre, desde armas nucleares, torretas y empuña un pequeño cigarrillo, que puede
pistolas hasta el cigarro del General Ripper. decirnos todo lo que necesitamos saber sobre
"No evito a las mujeres", le explica sus motivaciones.
al capitán de grupo de la RAF Mandrake Strangelove, anteriormente
explosiones, (Peter Sellers), lanzando nubes de conocido como Dr.
provocadas por la humo en forma de hongo, "pero sí les Merkwürdigliebe, es
bomba nuclear niego mi esencia". un científico emigrado
montado por el mayor alemán. Los modelos de
"Rey" Kong Strangelove fueron
(Pickens delgados), cohetes nazis.
científicos ahora en
Estados Unidos,
como Wernher von Braun.
el tiene una mecanica
brazo con una mente de su
propio: cada vez que se
habla de matanzas masivas o
de eugenesia, se eleva
involuntariamente un saludo nazi.
Strangelove tiene problemas para mantener
"Dólar" general
bajo control esta erección en particular y,
Turgidson (George C.
ante la perspectiva de que el mundo explote,
Scott) imita un B52 de
vuelo bajo “freyendo salta de su silla de ruedas con un grito de
pollos en un corral”. alegría. “Mein Führer”, exclama,
178DR . AMOR ESTRAÑO
El siniestro guante negro del Dr. su cita se suspende debido a la crisis, a ella se (Marqués de Sade). Las bombas también
Strangelove , que llevaba en su mano le indica que espere: "Simplemente llevan los nombres "Hola" y "Querido John",
derecha errante, era el del propio Kubrick,
comienza la cuenta regresiva y el viejo lo que significa el comienzo y el final de una
que usaba para manejar las luces calientes en el set.
Bucky volverá aquí antes de que puedas relación romántica.
decir... ¡Despega!".
"¡Puedo caminar!" Está literalmente erguido: Muchos de los nombres de los personajes.
sexualmente despierto, potente y a punto se refieren a temas de guerra, obsesión Egos de superpotencia
de ver su plan nazi para una raza suprema sexual y dominio, desde el obvio Jack D. Ripper Además de Mandrágora y
de humanos, donde hay 10 mujeres por (el asesino de prostitutas Jack el Destripador) Strangelove, el voluble Sellers desempeña un
cada hombre, puesto en acción. hasta el embajador Alexi de Sadesky. tercer papel: el presidente Merkin Muffley (otra
insinuación sexual), que intenta gestionar la
Sólo hay un personaje femenino crisis desde su sala de guerra. En este vasto y
en la película, Tracy Reed, que interpreta a la resonante foro, el líder estadounidense se
señorita Scott, la amante y secretaria del reúne con un grupo exclusivamente masculino de
general Turgidson y también la página central de diplomáticos, soldados y asesores especiales
"Miss Asuntos Exteriores" en la copia de para decidir el futuro de la humanidad.
Playboy de junio de 1962, que se ve al Mayor
Kong leyendo en la cabina del piloto. el comienzo Dr. Strangelove indignó al El cómic central de la película.
de la película. En lo que fue uno de Pentágono, aunque La pieza involucra a Muffley telefoneando a
extraoficialmente se Kissoff, el primer ministro soviético, para
Con una serie de referencias "internas" a lo reconoció que era casi un documental.
advertirle sobre el inminente ataque;
largo de la película, el número de Foreign Federico Rafael Kissoff está borracho en una fiesta y la
Affairs que colgaba sobre sus nalgas contenía El Guardián, 2005 conversación se convierte en pequeñas
el artículo de Henry Kissinger sobre "Las tensiones disputas. El monólogo de Sellers es
en la Alianza". hilarante, pero también aterrador,
La mezcla de connotaciones sexuales y porque el “teléfono rojo” se había
militares persiste entre la señorita Scott y el convertido hacía poco en una realidad. la línea
general Turgidson. Cuando directa
REBELDE REBELDE 179
No digo que no nos despeinemos .

Pero sí digo que no más de diez o
veinte millones de muertos, como máximo.
General Turgidson / Dr. Strangelove
entre Washington y Moscú se había creado no puedes luchar aquí”, dice Muffley
en 1963, y horrorizado, “¡Esta es la Sala de Guerra!”
La película de Kubrick llevó el Es tonto, inteligente y, en el fondo, lleno de
concepto a su conclusión lógica: rabia. Kubrick claramente odiaba a estos
una Guerra Fría reducida personajes; Los hombres de Dr.
a la competencia por el dominio de los egos Strangelove son un grupo de payasos,
heridos de dos hombres. "Por supuesto patéticos y engañados, y el director
Stanley Kubrick
que es una llamada amistosa", hace originalmente tenía la intención de terminar su
Director
puchero Muffley al receptor, "si no película con una batalla épica de
Nacido en Nueva York en
fuera amistosa, probablemente ni siquiera la pasteles de crema. Filmó la secuencia,
1928, Kubrick pasó sus primeros
habrías recibido". Estos chistes debieron luego cambió de opinión y cambió los
años como fotógrafo y estafador de
haber helado la sangre de los pasteles por ojivas nucleares, en caso de ajedrez. Estos dos intereses
espectadores contemporáneos, y todavía que alguien pensara que estos payasos (imágenes y lógica) informarían
hoy desconciertan. podrían ser inofensivos. ■ su carrera como cineasta.
Se produce una disputa menos sofisticada director, que comenzó en 1953 con
Más adelante en la película, entre el Miedo y deseo. Kubrick analizó
general “Buck” que masca chicle El cartel de la película muestra a varios géneros: la épica histórica
los presidentes de los dos países
Turgidson (George C. Scott) y el embajador (Spartacus), la comedia (Dr.
más poderosos del mundo,
ruso (Peter Bull): la Guerra Fría reducida
peleándose por teléfono como
aún más, a una pelea de escolares. Strangelove), ciencia ficción
niños. Son impotentes para prevenir
"Caballeros, la catástrofe nuclear. (2001: Una odisea en el
espacio), drama de época (Barry
Lyndon), terror (El resplandor),
dándoles un tema unificador
de la fragilidad humana. Quizás
estaba menos interesado en los humanos.
que él en las máquinas, no sólo el
hardware del cine sino también la
obsesión de la sociedad por el
progreso tecnológico.
Su proyecto final no realizado, la
épica de ciencia ficción AI
Inteligencia Artificial, habría dado
su última palabra sobre
este tema. Fue filmada por Steven
Spielberg en 2001, dos años
después de la muerte de Kubrick.
Películas clave
1964 Dr. Strangelove

1968 2001: Una odisea en el espacio
1971 La naranja mecánica
1980 El resplandor
180
PARECE QUE NO PUEDO

DEJA DE CANTAR
DONDE SEA QUE ESTÉ
EL SONIDO DE LA MÚSICA / 1965
y, poco a poco, el corazón del

EN CONTEXTO El sonido de la música es a menudo capitán. Ambientada en 1938 y
Hoy, proyecciones de como
Considerados The cantos, en basada en una historia real, la
GÉNERO
los que el público que conoce cada letra película sigue resonando, tal
Musical
disfruta de una sensación de nostalgia vez porque representa valores
DIRECTOR compartida por las canciones. Sin embargo, que casi se extinguieron en uno
Roberto Wise detrás de la diversión hay una película importante. de los períodos más oscuros de Europa.
La historia de una postulante
ESCRITORES inadaptada, María (Julie Andrews), que Inocencia vulnerable
Ernest Lehman (guión); deja su abadía para convertirse en La primera mitad de la película se centra en
María von institutriz de los siete hijos rebeldes La aceptación de María en la familia
Trapp (libro); Jorge de un severo viudo, el capitán Georg von Trapp y el dilema que enfrenta
Hurdalek, Howard von Trapp (Christopher Plummer), se cuando el capitán comienza a
Lindsay, Russel Crouse (musical desarrolla en el bucólico escenario enamorarse de ella, a pesar de su
escénico) de una caja de chocolates del Alpes austríacos.
compromiso con una socialité
El buen humor y la inventiva musical aristocrática, la baronesa
ESTRELLAS de María conquistan a los niños Schraeder (Eleanor Parker). Angustiado por
Julie Andrews, Cristóbal
Plummer, Eleanor Parker
Robert Wise Director
ANTES
Nacido en 1914 en Todavía (1951) y The Haunting
1956 Ruth Leuwerik protagoniza La
Winchester, Indiana, (1963). Más adelante en su vida trabajó
familia Trapp, una adaptación
Robert Wise en musicales, siendo los más
alemana del libro de von Trapp. tenía 19 años cuando famosos West Side Story y The
1959 El sonido de la música Consiguió un Sound of Music. Wise murió a los 91
trabajo como editor de sonido y música años en 2005.
Se estrena en Broadway, compuesta
en RKO Radio Pictures y finalmente se
por Richard Rodgers con letra de
convirtió en editor de Orson Welles en Películas clave
Oscar Hammerstein II. películas como Ciudadano Kane
DESPUÉS (págs. 66 a 71). El primer trabajo de 1945 El ladrón de cadáveres
1972 El musical Cabaret se sitúa dirección de Wise fue en La maldición de 1951 El día de la Tierra
la gente gato (1944), y luego dirigió muchas se quedó quieto
en el Berlín de la época del ascenso
películas de serie B notables, como El 1961 Historia del lado oeste
al poder de los nazis. 1965 El sonido de la música
día que la Tierra se levantó.
REBELDE REBELDE 181
Qué más ver: Cantando bajo la lluvia (1952, págs. 122–25) ■ De aquí a la eternidad (1953) ■ Gigi (1958) ■ West Side
Story (1961, p.334) ■ The Haunting (1963) ■ Mary Poppins (1964) ■ Cabaret (1972) ■ Los miserables (2012)
El Capitán von Trapp está desconcertado

al encontrar a sus siete hijos empapados
y vestidos con ropa holgada hecha
por su institutriz, María, con las cortinas
florales de su habitación.
Ante la situación que ha creado,

María huye de regreso a la abadía,
pero la abadesa la anima a regresar a
su nuevo hogar. Hacia
Para deleite de los niños, el capitán
se casa con ella y la película podría
haber terminado felizmente allí. Sin
embargo, continúa en un tono marcadamente
diferente, su enfoque se desplaza de
la situación doméstica de la familia a su
lugar en el mundo más amplio. Como el
Anschluss nazi de Austria
amenaza con arrasar con todo lo que
aprecian, su destino se vincula al del país.
El peligro es más conmovedor

representado por Rolfe (Daniel
Truhitte), un chico local que está enamorado
de la hija mayor de von Trapp, Liesl
(Charmian Carr). La llegada de Rolfe un día
con uniforme nazi conmociona tanto a la En varios casos, las canciones se utilizan El abrumador optimismo de la
familia como al público, y sirve para para superar el miedo o protegerse. película no se deriva simplemente de
demostrar la forma en que los jóvenes fuera del peligro. My Favourite Things que las colinas estén “vivas con el sonido
inocentes pueden ser corrompidos y se canta cuando María intenta calmar a de la música” (en las palabras de la canción
utilizados con fines malignos. El capitán los niños durante una violenta tormenta, y principal), sino de su mensaje de que la
le dice: "No te pertenecen", revelando su en la escena final, cuando la familia honestidad y la bondad son defensas
miedo a lo que le está sucediendo al actúa en el escenario de un festival en contra el mal. Cuando el Capitán
país y a su gente, y recordándole a Rolfe Salzburgo, cantan para ganar tiempo von Trapp anima al público del
que tiene libre albedrío. Pero Rolfe mientras el peligro se acerca a ellos. festival para cantar Edelweiss, una tierna
Mientras que los nazis canción sobre la flor alpina que
sin embargo traiciona a la familia. Los oficiales observan desde la primera simboliza Austria, está afirmando su
fila, hay soldados esperando entre lealtad a un país que ha sido anexionado
Canciones de consuelo bastidores para impedir la fuga de por una potencia extranjera despiadada y
Gran parte del canto en The Sound of la familia y obligar al Capitán von Trapp defendiendo todo lo que él considera
Music trata sobre encontrar alegría en lo a realizar el servicio militar en el decente y bueno.
ordinario y lo común, pero momento en que termine el espectáculo.
Entonces, en cierto sentido, María y el
El capitán no sólo protege a sus hijos,
Cuando el Señor cierra una sino a toda una forma de vida, y su
puerta, en algún lugar abre una ventana. escape final a través de las montañas
conlleva la esperanza de que esta
María / El sonido de la música forma de vida sobreviva. ■
ES DIFÍCIL DE
COMENZAR
UNA REVOLUCIÓN
LA BATALLA DE ARGEL / 1966
184 LA BATALLA DE ARGEL
EN CONTEXTO Muchas maneras

Hay para afrontar la guerra
GÉNERO
y la lucha política en
Guerra, politica la ficción. Cineastas
DIRECTOR Podemos abordarlo desde
Gillo Pontecorvo una perspectiva humanista,
considerando a los civiles
ESCRITORES como el conflicto externo.
Gillo Pontecorvo, se intensifica a su
Franco Solinas alrededor, o siguen a las bases
ESTRELLAS
soldados en el desempeño
de sus funciones y examinar
Juan Martín, Brahim
las crisis morales que
Hadjadj, Yacef Saadi
enfrentan al hacerlo.
ANTES La mayoría de las películas
sobre el conflicto tienden a
1960 La película Kapò de Pontecorvo
tome una de estas dos
es uno de los primeros intentos
de representar los horrores del perspectivas. La batalla
Holocausto en la pantalla. de Argel, sin embargo,
adopta una perspectiva
DESPUÉS periodística para seguir
1969 ¡La quema de Pontecorvo ! Está los intentos de Argelia de
protagonizada por Marlon Brando independizarse de los Con el uso de técnicas de filmación de estilo
como un agente británico que franceses. Es decir, aborda documental, las escenas de grandes
manipula una revuelta de esclavos el conflicto de forma forense, multitudes de la película se parecen
a imágenes reales de noticieros.
en una isla del Caribe para y su narrativa sigue la
pervertirla en interés de las grandes empresas. progresión de acontecimientos
importantes. Si bien tiene figuras Como sugiere el título, la historia
2006 El viento que sacude la
prominentes en su narrativa, de la batalla de Argel. La cámara
cebada, de Ken Loach, cuenta la particularmente Ali La Pointe, uno de del director Gillo Pontecorvo imita
historia de los combatientes los líderes de la resistencia argelina, la de un fotoperiodista en la calle,
republicanos en la Guerra de Independencia de noIrlanda.
es la historia de un individuo capturando acontecimientos
en particular. La película es, desde una distancia objetiva.
Minuto por minuto
00:10 00:36 00:55 01:44

Mientras estaba en prisión en En respuesta al El coronel Mathieu llega a Argel El líder del FLN,
1954, Ali La Pointe presencia la asesinato de policías para hacerse cargo de la Djafar, se rinde.
ejecución de un hombre que por parte del FLN, operación contra el FLN. Planea Sin embargo, Ali
gritaba consignas de el jefe de policía que la Operación Champagne La Pointe sigue libre.
independencia. Cinco meses coloca una se lleve a cabo durante una
después se une al FLN. bomba en la casbah, huelga convocada por el FLN.
que mata a varios niños.
00:00 00:20 00:40 01:00 01:20 01:40 02:02
01:32
00:18 00:41 En una conferencia de prensa, 01:52
Es 1956 y el FLN anuncia Tras el bombardeo de la casbah, tres Mathieu elogia a los Después de que Ali La Pointe se niega
la prohibición del alcohol, las mujeres del FLN vestidas con ropa occidental combatientes del FLN, incluido a rendirse, el coronel hace volar la
drogas y la prostitución. Hace colocan bombas. Uno está en un bar, otro el líder arrestado Ben casa en la que se esconde.
cumplir las nuevas reglas en una discoteca y un tercero en el M'Hidi, por su Declara que “el jefe de la
dentro de la casbah. aeropuerto. Matan a decenas de personas. compromiso con su causa. La tenia ha sido destruida”.
REBELDE REBELDE 185
Qué más ver: El acorazado Potemkin (1925, págs. 28–29) ■ Kapò (1960) ■ Todos los hombres del presidente (1976) ■ Rojos (1981) ■
Vals con Bashir (2008) ■ La noche más oscura (2012)
Danos tus bombarderos y podrás y termina con un argelino, torturado

más allá de toda comprensión, vestido
quedarte con nuestras cestas. humillantemente con un uniforme militar
francés. El coronel Mathieu, el oficial de
Ben M'Hidi / La batalla de Argel alto rango a cargo de derribar el
movimiento de resistencia, reprende
El costo del terror sus hijabs y eliminar cualquier rastro de a uno de los soldados cuando se
En su descripción de los horrores del su identidad cultural y religiosa por burlan de él por su apariencia. Este
conflicto, La batalla de Argel plantea el bien común tal como ellos lo ven. momento refleja el bombardeo
cuestiones sobre el bien y el mal en la Matan a europeos al azar, en cuyos rostros posterior, donde Mathieu indica que
se detiene la cámara antes de las
guerra que siguen siendo relevantes hoy en día. algo de ellos mismos (su orgullo, su
Pontecorvo retrata a ambos lados de explosiones, pero no hay ningún superioridad moral) ha sido abandonado
manera muy imparcial. Los combatientes triunfalismo por parte de las mujeres; a en pos de la victoria. La película ve las
independentistas argelinos, el FLN sus ojos, están cometiendo un mal pérdidas de ambos lados con
(Frente de Liberación Nacional), necesario.
carecen de medios o personal Los militares franceses hacen sus
para enfrentarse a la policía militar propios compromisos con la moralidad, ya
Ali (Brahim Hadjadj, derecha) es
francesa ocupante en una batalla que recurren a interrogatorios violentos
reclutado por el FLN por Djafar (Yacef
directa, por lo que recurren a la y torturas para obtener la información
Saadi, segundo a la izquierda). Saadi
guerra de guerrillas y al terrorismo. Emplean necesaria para derribar al FLN. La luchó con el FLN y el personaje de Djafar
a niños como mensajeros y hacen que película comienza se basó en parte en el propio Saadi.
mujeres musulmanas devotas se occidentalicen.
su aparición para poder acceder al
barrio europeo.
Sus objetivos no son militares, sino
zonas civiles como
como cafés y aeropuertos
frecuentados por europeos.
La secuencia con las mujeres es
especialmente reveladora del coste de la
pelea, mientras vemos cómo se cortan el
pelo, se deshacen de
La batalla de Argel es una

película de entrenamiento
para guerrilleros urbanos.
Jimmy Breslin
Nuevo york A diario Noticias, 1968
186 LA BATALLA DE ARGEL

igual pesar, mientras la misma música lúgubre decide que su próximo movimiento será
suena sobre los masacrados una huelga en la que todos los agentes deben
Los civiles franceses como muertos. deponer las armas. El inquieto Ali cuestiona
Argelinos tras incursiones militares. Plantea esta acción, pero su superior le informa que
la pregunta: ¿qué importa más en la guerra, para obtener la libertad que desean, deben
Cómo ganar una batalla contra el ganar o mantener tu alma en el hacer la transición a los ojos del mundo
terrorismo y perder la guerra de las proceso? de terroristas a luchadores por la libertad.
ideas. Los niños disparan a los Y plantea la misma pregunta a ambas partes.
soldados a quemarropa. Las mujeres
colocan bombas en los cafés. El enfoque de Mathieu es igualmente
El papel de los medios consciente de los medios, y confronta a una
Pronto toda la población árabe
alcanza un fervor loco. La Batalla de Argel plantea varias preguntas sala llena de periodistas acerca de su
sobre el papel de los medios de "toma el pastel y cómelo".
¿Suena familiar?
comunicación en la guerra moderna. Ambos Actitud ante el conflicto. Desaprueban
Póster para proyección en
Las partes parecen entender que los métodos de Mathieu,
el Pentágono, 2003.
Tan importante como ganar las batallas
físicas es ganarse los corazones y las mentes
El coronel Mathieu (Jean Martin) es
de los medios y
enviado a Argel para derrotar al FLN
así el mundo. Después de una serie de tras una escalada de violencia en ambos
actos violentos y terroristas, el FLN bandos.
REBELDE REBELDE 187
pero creo que Francia debería permanecer

en Algeria. Señala que sus métodos Incidentes clave en la batalla de Argel
son la única manera de lograrlo. Él entiende
la estructura celular piramidal del FLN y que Prisión de
El escondite de Ali
torturar a los sospechosos es la única manera Barberousse
La Pointe
de ascender en esa pirámide hasta llegar al CASBAH
liderazgo; como él dice, “cortarle la cabeza a Calle de Tebas
la tenia”.
El siglo XX vio el mundo. Bar de leche LLAVE

convertirse en una comunidad global, en Estadio
Ataque del FLN
la que los avances en la tecnología de las
comunicaciones significaran que ninguna ataque francés
guerra podía pasar desapercibida ni ningún Centros de operación
acto violento podía ocultarse. La Batalla de militar francesa
Cafetería
Argel propone que ganar un conflicto CIUDAD EUROPEA
moderno no es necesariamente una
cuestión de poder. Mathieu es un
táctico más fuerte que el FLN y Unidad
derrota gradualmente al grupo sobre el terreno especial de
y, sin embargo, en última instancia, Argelia aún interrogatorios (tortura)
logra la independencia, porque la acción del

FLN encendió la opinión pública sobre el
derecho del país a la autodeterminación. Mathieu Las preguntas que plantea sobre los límites derecho a la independencia, pero al mismo
ganó que la gente cruza respecto de lo que creen tiempo respeta la honestidad, dignidad y
la batalla de Argel, pero finalmente los franceses siguen siendo extremadamente pertinentes competencia de Mathieu.
perdieron la guerra. y difíciles de responder. Tambien es Al final, incluso le permite un momento de
quizás la película más lúcida jamás decencia mientras le ruega a Ali que permita
La naturaleza de la guerra realizada sobre la guerra, que no se deja que el adolescente de su compañía abandone el
La batalla de Argel es una película sobre llevar por las emociones que podrían nublar el campo de batalla. Este momento define el
la lucha de Argelia por la independencia, tema, interesada en las frías tácticas de
pero también es una película sobre la naturaleza ambos bandos sin demonizar abiertamente película completa. La guerra no se trata
del conflicto. Es a ninguno de los dos. La película cree claramente simplemente de tener una causa justa. También
Los temas son universales y el en la situación de Argelia. se trata de lo que hacemos en su nombre. ■
Gillo PontecorvoDirector
Gillo Pontecorvo nació en Pisa, Italia en Sin embargo, se mantuvo
1919. Su primer trabajo en la industria fiel a sus principios documentalistas
cinematográfica fue en París como asistente de y contrató en su mayoría actores
Joris Ivens, un documentalista holandés con no profesionales, incluido el ex líder del FLN,
opiniones marxistas. Yacef Saadi.
Pontecorvo murió de insuficiencia
Pontecorvo compartió la política de Ivens y se cardíaca en Roma en 2006.
convirtió en miembro del Partido Comunista
Italiano en 1941. Fue principalmente un Películas clave
realizador de documentales, y La batalla
de Argel fue una de las pocas veces que 1960 Kapo
Pontecorvo se aventuró en más 1966 La batalla de Argel
1969 ¡Quema!
obra abiertamente dramática. Él 1979 Ogro
188
¿QUIÉN QUIERE
SER ÁNGEL?
LAS CHICAS DEL CHELSEA / 1966
naturalmente: hablar, quejarse, consumir

EN CONTEXTO y la película drogas, tener relaciones sexuales,
Poco después de Andy
experimental deWarhol
Paul Morrissey escuchar música. Esta camarilla excéntrica
GÉNERO
Chelsea Girls se estrenó en 1966, llegó a ser conocida como las Superestrellas
Experimental
el crítico Roger Ebert escribió: de Warhol. Entre ellos se encontraban el
DIRECTOR "Warhol no tiene nada que decir ni cantante Nico, el fotógrafo Gerard Malanga y el actor Ondine
técnica para decirlo". Pero pocas El título de la película proviene del
Andy Warhol,
Pablo Morrissey películas han reflejado tan Hotel Chelsea en Manhattan donde
claramente el momento en el que fueron realizadas.
muchos de ellos pasaron el rato.
ESCRITORES
Chelsea Girls fue una mirada Otras ubicaciones incluyeron el estudio
Andy Warhol, provocativa a la contracultura de Nueva York.
Factory de Warhol y varios apartamentos.
Ronald Tavel Para hacer la película, Warhol y
ESTRELLAS
Morrissey filmaron las vidas de sus voyeur viendo
amigos mientras hacían lo que sucedió. La cámara era una presencia
Nico, Brígida Berlín,
deliberadamente intrusiva y la
Ondina, María Woronov,
película captura las relaciones
Gerard Malanga narcisistas de sus sujetos de una manera inquiet
ANTES El rodaje es duro, por lo que siempre
1963 Sleep, uno de los primeros estamos conscientes de que están
experimentos de Warhol con el
siendo filmados, una técnica que
Son las películas las que Warhol llamó “anticine”. Warhol y
“anticine”, consta de cinco horas de
realmente han impulsado las Morrissey terminaron con doce
metraje que muestran a su amigo
cosas en Estados Unidos, películas de 33 minutos, la mitad en
John Giorno durmiendo.
desde que se inventaron. color y la mitad en monocromo, que
1964 El Imperio de Warhol es una Andy Warhol unieron en una sola película en
película de ocho horas de duración pantalla dividida. A medida que los ojos
del Empire State Building por la noche. del público parpadean entre las
pantallas, el efecto es reforzar su
DESPUÉS
papel como voyeurs que observan a
1968 Lonesome Cowboys es la estas personas durante su momento en el centro d
versión atrevida de Warhol y
Morrissey de Romeo y Julieta, Qué más ver: Scorpio Rising (1963) ■ 8½ (1963) ■ BlowUp (1966) ■
satirizando los westerns. Performance (1970) ■ Disparé a Andy Warhol (1996) ■ El ciclo Cremaster (2002)
REBELDE REBELDE 189
¡VAMOS A
VER LOS LUGARES!
TIEMPO DE JUEGO / 1967
EN CONTEXTO Tati combinó un don para los

El comediante francés Jacques.
gags visuales y la
GÉNERO
comedia muda con una visión
Musical
cinematográfica única y excéntrica. Su
DIRECTOR personaje de cómic señor Hulot
jacques tati inspiraba un cariño enorme.

Hay poca trama en Playtime, la
ESCRITOR
tercera película de Hulot, y en muchas de
jacques tati las obras maestras de Tati. Simplemente
sigue los encuentros de Hulot y un grupo
ESTRELLA
de turistas estadounidenses durante un
jacques tati
día en París. Pero el París de la película
ANTES es la propia visión de Tati: él
1949 Jour de fête, sobre un Lo creó con un gigantesco decorado
futurista que llegó a llamarse “Tativille”. Cuando se estrenó, Playtime
cartero que detiene su ronda para
era la película francesa más cara jamás
disfrutar de una fiesta, es el
Perdido en Tativille realizada, debido principalmente a su enorme
primer gran éxito de Jacques Tati.
decorado especialmente diseñado.
Tativille es una visión supermodernista
1953 Las vacaciones del señor Hulot de la ciudad, con laberintos de líneas
presenta al personaje más famoso de
rectas y cristales relucientes y espacios En un momento dado, Hulot contempla un
Tati, Monsieur Hulot. de oficinas intercambiables, en los que amplio piso de cubículos de oficina idénticos.
1958 Mon Oncle es la primera película el torpe Hulot se pierde una y otra vez. Al principio parece una visión de
En cierto modo, es una sátira de los efectos pesadilla. Sin embargo, Tati filmó esta película
en color de Tati y le valió el Oscar a la
deshumanizadores de las ciudades del Película de alta definición de 70 mm,
mejor película extranjera.
futuro. Y, sin embargo, también es una para ver en pantalla grande, y si te fijas
DESPUÉS deliciosa celebración de la irreprimibilidad bien, puedes ver aquí y allá en los
1971 Tráfico es la última película del espíritu humano y de esa chispa de cubículos algunos
de Tati sobre Hulot. rareza que desvía un poco la otros Hulots con sus característicos
uniformidad. sombreros trilby. Hulot no está solo. ■
2010 The Illusionist , de Sydney
Chomet , se basa en un guión
Qué más ver: El general (1926) ■ Tiempos modernos (1936) ■
no producido por Tati. Las vacaciones de Monsieur Hulot (1953) ■ Mon Oncle (1958) ■ Ser John Malkovich (1999)
190
Esta es la señorita Bonnie Parker.

Soy CLYDE Barrow.
ROBAMOS BANCOS
BONNIE Y CLYDE / 1967
La historia de Arthur Penn sobre

EN CONTEXTO la llegada de un nuevo una joven pareja que roba un banco,
Bonnie ygeneración
Clyde marcados
de directores basada en la ola de crímenes de la
GÉNERO
estadounidenses cuyo estilo más vida real de Clyde Barrow y Bonnie
Thriller
libre de hacer cine se alejaba de las Parker entre 1932 y 1934, muestra
DIRECTOR viejas convenciones de estudio de una violencia más realista que la anterior.
Arturo Penn Hollywood clásico. Producciones visto anteriormente en pantalla.
costosas como Cleopatra habían También trata con simpatía a sus
ESCRITORES fracasado, llevando a la bancarrota protagonistas forajidos, dándoles
David Newman, al antiguo sistema de estudios de una inocencia y una ingenuidad
Roberto Benton Hollywood, lo que aflojó el control de la que representó una nueva forma de
producción por parte de los estudios. Los contar historias sobre gente mala.
ESTRELLAS
tiempos de desesperación financiera
Warren Beatty, Faye significaron una mayor libertad Estrellas sensacionalistas
Dunaway, Gene Hackman creativa, y todo lo relacionado con Bonnie La película enmarca a sus personajes como
ANTES y Clyde, desde el uso frecuente de primeros estrellas de periódicos sensacionalistas, que
1965 Arthur Penn y Warren planos inquietantes en la película primero son glamorizados y luego vilipendiados.
hasta su estilo de edición irregular, fue A medida que la prensa del día siguiente
Beatty se unen por primera
diseñado para alterar el status quo del cine tradicional.
informa sobre cada una de sus escapadas,
vez en el thriller Mickey One,
ambientado en Chicago.
Arthur Penn Director
DESPUÉS
1970 Faye Dunaway Arturo Penn y la activista ciega Helen Keller
protagoniza junto a Dustin descubrió un que anteriormente había dirigido en escena.
Hoffman el western de interés en el Los años más prolíficos de Penn llegaron
teatro cuando a finales de los años sesenta.
Penn Little Big Man.
estaba destinado en Murió de insuficiencia cardíaca en 2010,
1976 En The Missouri Breaks de Gran Bretaña durante la Segunda Guerra Mundial. cuando cumplía 88 años.
Penn , Marlon Brando interpreta a un Su primera película fue The Left Handed
agente de la ley despiadado que sigue Gun, un western protagonizado por Películas clave
la pista de una banda de ladrones de Paul Newman, pero su primer gran éxito
llegó con The Miracle Worker, una 1966 La persecución
caballos liderados por Jack Nicholson.
adaptación de una obra sobre personas 1967 Bonnie y Clyde
sordas. 1970 Pequeño gran hombre
REBELDE REBELDE 191
Qué más ver: The Defiant Ones (1958) ■ À bout de souffle (1960, pp.166–67) ■ Easy Rider (1969, pp.196–97) ■ Badlands
(1973) ■ Taxi Driver (1976, pp. 234–39) ■ Romance verdadero (1993) ■ Asesinos natos (1994)
Bonnie (Faye Dunaway), Clyde (Warren La situación se vuelve cada vez más Bonnie y Clyde posan para una foto
Beatty) e incluso el hermano de Clyde, Buck desesperada, el aluvión de mentiras que se con su rehén, el capitán Frank
(Gene Hackman), ven cómo los periódicos
Hamer (Denver Pyle). En la vida real,
cuentan sobre ellos en los periódicos
Hamer no conoció a ninguno de los
sensacionalizan los hechos y exageran los comienza a desgastar a Clyde, más
dos hasta el día en que su grupo los mató.
crímenes. notablemente cuando un artículo lo acusa
Al principio, Clyde se ríe del falsamente de robar el Grand
atención, y él y Bonnie se toman fotos Prairie National Bank—que dejándolos impotentes para presentar su
juguetonas y armadas para la prensa, Lo enfurece tanto que promete hacerlo. verdadero yo al mundo. Sólo cuando la
siguiendo el juego de los medios y película se acerca a su sangriento final se les
disfrutando de su celebridad. Pero a La atención implacable de los concede una especie de respiro, cuando un
medida que la ley se acerca y la pareja medios de comunicación acaba breve y encantador poema que Bonnie ha
despojando a los dos ladrones de su sentido de identidad,
escrito, que habla de su orgullo por conocer
a un hombre decente como Clyde, se publica
en un periódico. Su versión de la historia se
Caerán juntos / Los enterrarán uno cuenta, sólo una vez.
al lado del otro / Para unos pocos será Como otras películas de la época,
Bonnie y Clyde dificulta que el espectador no
dolor / Para la ley un alivio / Pero es la muerte apoye a sus amorales protagonistas,
para Bonnie y Clyde. simpatizando más con su manipulación
mediática que con las víctimas de sus robos. ■
Bonnie Parker / La balada de Bonnie y Clyde
192
LO SIENTO DAVE.
TENGO MIEDO DE
NO PUEDO HACER ESO
2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO / 1968
EN CONTEXTO
GÉNERO
ciencia ficción
DIRECTOR
Stanley Kubrick
ESCRITORES
Arthur C. Clarke, Stanley
Kubrick
ESTRELLAS
Keir Dullea, Gary

Completada un año antes del primer
Lockwood, Guillermo
desconocido, pero pocas alunizaje y 30 años antes de que una
Sylvester, Douglas Lluvia Toda la ciencia computadora de ajedrez venciera al
películasficción
lo han trata sobre
adoptado tan
campeón mundial, la visión de la era espacial
ANTES plenamente como 2001: Una odisea
de Kubrick sigue siendo extraordinariamente convincente.
1964 Dr. Strangelove, la comedia negra en el espacio, el viaje de Stanley Kubrick
de Kubrick sobre la Guerra Fría, muestra al lado oscuro del sistema solar.
la naturaleza autodestructiva del hombre. Mientras él y el coguionista Arthur C. Clarke aprovechan
La película está estructurada libremente
Elementos familiares de la en torno a una serie de puntos de inflexión
1968 El planeta de los simios, de
historia de ciencia ficción (la misión en la evolución humana, pero a pesar de
Franklin J. Schaffner , envía a un peligrosa, la supercomputadora la grandiosa fanfarria de cinco notas de
astronauta (Charlton Heston) al homicida, el primer contacto de la Así habló de Richard Strauss
futuro. humanidad con inteligencia Zaratustra: la famosa película
extraterrestre) Kubrick los organiza de motivo musical: estos momentos son
DESPUÉS
una manera desconocida para brindarle no epifanías. Sólo sirven para
1971 La naranja mecánica es
profundizar el misterio de la humanidad.
al público algo único e inolvidablemente extraño.
La visión oscuramente cómica de Kubrick
de una distopía en un futuro cercano.
1984 2010, la secuela de 2001 Su origen y propósito son todavía un

de Peter Hyams , regresa al
total misterio.
misterio de los Monolitos.
Últimas palabras de Mission Control / 2001: Una odisea en el espacio
REBELDE REBELDE 193
Qué más ver: Destino Luna (1950) ■ El día que la Tierra se detuvo (1951) ■ El planeta de los simios (1968) ■ Encuentros cercanos
del tercer tipo (1977) ■ Alien (1979, p.243) ■ Gravedad ( 2013, p.326) ■ Interestelar (2014)
Douglas Trumbull Supervisor de efectos especiales
Douglas Trumbull tenía sólo 23 años ganar premios Oscar por su trabajo en
cuando empezó a trabajar en los efectos Encuentros cercanos del tercero
especiales de 2001. Había llamado la Amable, Star Trek: La película (1979) y
La imagen que los fanáticos atención de Stanley Kubrick por su trabajo en Blade Runner.
de la ciencia ficción de todas un documental sobre vuelos espaciales
las épocas y en todos los llamado To the Moon and Beyond. Fue uno Películas clave
rincones del mundo han de los cuatro supervisores de efectos
orado (a veces con tristeza) especiales en 2001 y fue responsable 1968 2001: Una odisea en el espacio
para que la industria algún día les brinde.
de crear la secuencia psicodélica de Star 1972 carrera silenciosa
Gate. Continuó 1977 Encuentros cercanos del
Carlos Champlin
Tercer tipo
Los Ángeles Veces , 1970
1982 Cazarecompensas
Bowman cuando le dan una orden. "Me temo y luego se transforma en el

que no puedo hacer eso". Aquí Kubrick Star Child, un extraño ser fetal que flota en
muestra a la audiencia otro punto de el espacio, y aquí es donde termina la película.
inflexión en la evolución de la Como imagen final, el Star Child es a la vez
papel en el universo. La escena inicial de humanidad: el punto en el que las oscuro y
2001 se centra en MoonWatcher, un simio herramientas comienzan a volverse contra los simios.claro como el cristal. No sabemos qué es, ni
prehistórico cuya tribu lucha contra cómo surgió, ni hacia dónde va, pero sabemos
otra por el agua y entra en contacto con un Misterio y significado lo que significa: esperanza y el comienzo de
misterioso objeto negro conocido como el A medida que la misión del Discovery se otro viaje para nuestra especie. ■
Monolito. La aparición del Monolito hunde cada vez más en el desastre, el
desencadena un cambio en la cultura de los Monolito aparece nuevamente. ¿Qué puede
simios; convierten huesos viejos en herramientas significar? ¿Es el emisario de una raza
(y armas) y el largo viaje de la raza humana alienígena? Prueba de la existencia de
hacia las estrellas comienza en serio. ¿Dios? Los científicos están desconcertados y
el espectador también. Kubrick se niega a
proporcione respuestas fáciles; está más
De simio a astronauta interesado en llevar al público a un viaje que
Esta odisea está representada por un en revelar el destino.
corte ahora icónico de una imagen a otra,
cuando un hueso arrojado por Moon El acto final de 2001 abandona
Watcher se convierte en una nave espacial que narración convencional mientras el público
gira en el vacío. De repente, la acción se sigue a Bowman a través de un túnel de luz y
traslada al futuro, donde los astronautas Bowman hacia una cámara de otro mundo,
(Keir Dullea) y Poole (Gary Lockwood) posiblemente la construcción de un anfitrión
están en una misión a Júpiter en la nave extraterrestre, donde el Monolito lo está
espacial Discovery. Sus vidas están al cuidado esperando. Se ve a sí mismo como un
de la computadora de Discovery , HAL 9000 anciano.
(con la voz escalofriante de Douglas Rain),
que funciona mal y se amotina cortésmente.
Bowman finalmente se encuentra solo en
Cuando la tripulación intenta detenerlo, la cápsula espacial. El tiempo parece
HAL se defiende. "Lo siento, Dave", le dice. deformarse cuando aparece una versión
mayor de sí mismo, seguida al final de
la película por Star Child, que parece un feto.
194
NOS VAMOS A PEGAR

JUNTOS COMO
SOLÍA SER
LA MANADA SALVAJE / 1969
ametralladora en el centro del tiroteo final,

EN CONTEXTO deconstruye el ethos presagiando la matanza que vendría en la
La Manojadel
Salvaje alegremente
occidental tradicional. Primera Guerra Mundial.
GÉNERO
Las líneas entre héroes y
occidental
los villanos son borrosos y los personajes no Asombrado por la violencia
DIRECTOR siempre son recompensados por hacer lo Cada vez que un personaje es golpeado con
correcto. Una bala, por pequeña que sea, el momento
Sam Peckinpah
Ambientada en 1913, la historia contiene del impacto se filma en cámara lenta. Vemos
ESCRITORES ciertos motivos del western tradicional. la sangre brotar de la espalda en primer
Walon Green, Sam Los ladrones ancianos, el “grupo”, organizan plano, mientras el cuerpo se contorsiona
Peckinpah (guión); Walon Green, un último trabajo bancario, que hacia el suelo. El sonido desaparece de
Roy N. inevitablemente sale terriblemente mal. Son la escena hasta que
Enfermo (historia) perseguidos hasta México por su viejo lo único que escuchamos es el estertor de
camarada Deke Thornton (Robert Ryan), quien muerte del personaje. La cámara lenta no
ESTRELLAS
ha cambiado de bando a regañadientes y aparece en ningún otro contexto.
William Holden, Ernesto lidera un grupo de cazarrecompensas La violencia del viejo Oeste
Borgnine, Robert Ryan, desesperados. era notorio, pero The Wild Bunch
Warren Oates El viejo Oeste está desapareciendo rápidamente, es la primera película que da un paso atrás y
un hecho que dejó claro el gobierno alemán. Míralo con tanto asombro. La película
ANTES
1961 La primera película de
Peckinpah como director es The Sam PeckinpahDirector
Deadly Companions, un
Sam Peckinpah nació Se ganó una reputación de mal
western clásico de bajo presupuesto. en comportamiento en el set. Sufrió
DESPUÉS California en problemas con el alcohol y murió de
1925. Después insuficiencia cardíaca en 1984.
1970 La siguiente película de
de servir en la
Peckinpah, otro western, The Ballad of
marina estadounidense en la Segunda Películas clave
Cable Hogue, muestra un cambio de Guerra Mundial, trabajó como asistente de
ritmo con mucha menos violencia. Don Siegel sobre películas que incluyen La 1962 Viaja por las tierras altas
invasión de los ladrones de cuerpos 1969 La pandilla salvaje
1977 Cruz de Hierro de Peckinpah
(1956). Su primera película como director 1971 Perros de paja
es un retrato inquebrantable de la vida de un
llegó en 1961 con The Deadly Companions. 1974 Tráeme la cabeza de
soldado en la Segunda Guerra Mundial.
peckinpah pronto Alfredo García
REBELDE REBELDE 195
Qué más ver: The Searchers (1956, p.135) ■ The Good, the Bad and the Ugly (1966) ■ Bonnie and Clyde (1967, pp.190–91) ■ Érase una vez
en Occidente (1968, p.336) ■ Tráeme la cabeza de Alfredo García (1974)
“Tenemos que empezar a pensar más allá

de nuestras armas”, observa uno de los
bandidos; "Esos días se están acabando".
La película celebra los vínculos masculinos,
pero el sol se está poniendo para este grupo de forasteros.
The Wild Bunch cuestiona los motivos

de la ley y al mismo tiempo
mostrando simpatía por los forajidos,
su lealtad y autosuficiencia. El
enfrentamiento final de la película
se pone en marcha con la decisión del
grupo de intentar salvar a su camarada
capturado, Ángel (Jaime Sánchez). Por
el contrario, muchos de los agentes del
orden que siguen al grupo resultan
ser incompetentes y corruptos. La
película se convierte en una exploración
comienza y termina con escenas en estas escenas, solo una lucha por humana del costo de la vida en
anárquicas de violencia. En cada sobrevivir. Esta fue quizás una tiempos amorales, presentando a los
escena, inocentes quedan atrapados descripción más honesta de Occidente que forajidos como un producto de su entorno.
en el fuego cruzado mientras ambos bandos disparan.
la visión moralizadora de la generación Encuentra una compasión por sus
casi a ciegas ante cualquier cosa que anterior de occidentales, en la que el bien personajes que los westerns de antaño no
se mueva. no hay bien o mal prevalece al final. podían. ■
Tector (Ben Johnson), Lyle

(Warren Oates), Pike (William
Holden) y Dutch (Ernest Borgnine)
salen para salvar a Angel. Se
mantendrán unidos hasta el
final.
Estamos
detrás de los
hombres. Y
ojalá estuviera
con ellos.
Deke Thornton /
Grupo salvaje
196
VEN GRATIS
INDIVIDUAL ES
LOS VOY A ASUSTAR
JINETE FÁCIL / 1969
Fácil Jinete ayudó a

EN CONTEXTO para capturar un desencadenar la fase
Pocas películas
momento parecen
en el tiempo cinematográfica del Nuevo
GÉNERO Hollywood a principios de la
más completamente que
película de carretera década de 1970, en la que
Easy Rider de Dennis
los directores
DIRECTOR Hopper y Peter Fonda . asumieron un papel más
Dennis Hopper Es la road movie americana autoral y se utilizaron técnicas publicitarias
por excelencia, en la que
ESCRITORES
dos jóvenes, mitad hippies,
Peter Fonda, Dennis mitad Ángeles del Infierno, grandes éxitos
Hopper, Terry Sur emprenden un viaje hacia la comerciales con el
libertad en sus motocicletas Harley Generación más joven. Parecía natural
ESTRELLAS
Davidson. combinar los dos temas, bandas de
Peter Fonda, Dennis
motociclistas y drogas, en una sola película.
Hopper, Jack Nicholson Finales de la década de 1960 Fonda contrató al guionista
ANTES No hay una trama real ni un viaje Terry Southern para ayudar con la
1953 The Wild One, en la que Marlon emocional, y el vago simbolismo de la escritura y contrató a Dennis Hopper como
Brando arde como líder de una película puede parecer anticuado ahora. su coprotagonista y director.
Pero no se puede negar su estatus cultural Hopper pudo haber parecido
banda de motociclistas, fue la primera
en ese momento. El año de su al principio un desastroso
película que se centró en la idea de
lanzamiento, 1969, los jóvenes elección como director, ya que
los motociclistas forajidos.
proclamaban su rechazo a los valores el rodaje amenazaba con
1960 JeanLuc Godard de la vieja generación dejándose el pelo
À bout de soufflé prefigura largo y abandonando la escuela para
Easy Rider con su pareja de jóvenes escuchar música y consumir drogas. Easy
forajidos en la carretera y edición Rider reflejó este estado de ánimo, pero
rápida. fue más allá.
Peter Fonda, el productor y
DESPUÉS
La estrella, llegó al proyecto tras
1976 Easy Rider inspira varias interpretar al líder rebelde de una banda
road movie, entre las que de Hells Angels en la película The Wild
destaca Kings of the Road de Wim Angels (1966), y a un director de anuncios
Wenders. de televisión que toma LSD en The Trip
(1967). Ambas películas fueron
REBELDE REBELDE 197

Qué más ver: The Wild One (1953) ■ À bout de souffle (1960, págs. 166–67) ■ Pierrot le Fou (1965) ■
Woodstock (1970) ■ Kings of the Road (1976)
sumidos en borracheras de drogas y traficantes de drogas a la deriva que se

peleas a gritos. Fonda incluso amenazó con dirigen hacia el este porque ya no
abandonar el proyecto. Pero puede ser existe el Salvaje Oeste. Sus bolsas de
esa misma anarquía la que convirtió a bicicletas están llenas de dinero
Easy Rider en un ícono de su época. ganado vendiendo drogas a Mr. Big, y
Hopper se sintió parte de una cuando se les une un abogado borracho
revolución. La naturaleza desorganizada con traje elegante (Jack Nicholson),
del proyecto fue un grosero gesto de rebelión. termina pareciendo mucho más rebelde
Se dice que el primer montaje duró que ellos. El título transmite una imagen
más de tres horas. Hopper optó por de motociclistas relajados, pero en
eliminar los detalles de la historia realidad proviene de la jerga que significa Dennis Hopper
para dejar atrás una serie de vivir de las ganancias de una prostituta. Director/Actor
imágenes y momentos vagamente La sombría violencia de Easy
Rider garantiza que la película no sea un
vinculados, unidos por una banda sonora contundente. Un actor, escritor, director y fotógrafo
viaje hippie, sino más bien una explosión polifacético,
de oeste a este incoherente de frustración. En realidad, Dennis Hopper se labró un nombre
como uno de los
En cierto modo, los dos motociclistas marcó un fin desilusionado al idealismo
Comodines de Hollywood. Nacido en
parecen vaqueros de hoy en día, de una generación anterior. ■
1936 en Dodge City, Kansas, mostró
cabalgando en busca de la libertad, y sus
una promesa temprana como
nombres Wyatt (Peter Fonda) y
Wyatt y Billy esconden el dinero que han artista, pero pronto se sintió atraído
Billy (Dennis Hopper) recuerdan a los
ganado con el contrabando de drogas en el por la actuación y estudió en el
héroes occidentales Wyatt Earp y tanque de combustible adornado con Actors Studio de Nueva York con
Billy the Kid. De hecho, los motociclistas barras y estrellas de un helicóptero y se el legendario Lee Strasberg.
no son nada tan dirigen a Nueva Inicialmente se hizo famoso
nobles. Más bien, son un par de Orleans para asistir al Mardi Gras. trabajando en televisión, pero no fue
hasta que dirigió y protagonizó Easy
Rider que se convirtió en una
celebridad. En años posteriores, los
problemas de Hopper con el alcohol y
las drogas paralizaron su progreso,
aunque dirigió y protagonizó la
excelente
drama punk Inesperadamente.
Finalmente, después de ingresar
a un programa de rehabilitación
en 1983, su carrera despegó
nuevamente con actuaciones
fascinantes en películas como Blue Velvet.
(págs. 256–57) y numerosos
papeles de malos de Hollywood.
Hopper murió en 2010.
Películas clave
1969 Jinete fácil

1979 Apocalipsis ahora
1980 De la nada
1986 Terciopelo azul
198
¿TE GUSTA
LA CARNE?
EL BOUCHER / 1970
EN CONTEXTO
GÉNERO
Suspenso
DIRECTOR
Claude Chabrol
ESCRITOR
Claude Chabrol
ESTRELLAS
Jean Yanne,
Stéphane Audran
ANTES
1943 La sombra de una duda, Hélène (Stéphane Audran) conoce por
En elEldirector
título crudofrancés
del thriller Claude
de Chabrol Le primera vez a Popaul (Jean Yanne, a su
de Alfred Hitchcock, cuenta la
Boucher (El carnicero) inmediatamente
izquierda) en una boda. Entablan una
historia de una joven que relación cercana, pero sigue siendo
descubre un terrible secreto. genera expectativas de brutalidad y sangre.
platónica a pesar de sus torpes esfuerzos por cortejarla.
Interpretado por el curiosamente comprensivo
1968 Les Biches de Chabrol Jean Yanne, el Carnicero es Popaul, un
Está protagonizada por Stéphane veterano de las guerras coloniales sobre todo porque la mujer tiene
Audran y Jacqueline Sassard francesas de la década de 1950 en Indochina Fue asesinado a puñaladas con cuchillos, las
como dos mujeres que entablan y Argelia, que trabaja en una carnicería en un herramientas de su oficio. Y cuando un
una relación lésbica antes de pueblo rural. En la boda de un amigo, Popaul Aparece el segundo cuerpo, descubierto por
enamorarse del mismo hombre. conoce a Hélène (Stéphane Audran), quien se uno de sus propios alumnos durante un
encariña extrañamente con él. idílico picnic, Hélène encuentra un
DESPUÉS
encendedor que ella misma regaló a Popaul.
1970 La siguiente película de Popaul es abierto y sensible sobre su pasado, Pero en lugar de entregárselo a la
Chabrol, La Rupture, presenta a hablando de un padre abusivo y la crueldad de policía, Hélène se lo queda y se siente
Audran como una mujer cuya familia la batalla. aliviada cuando, más tarde, Popaul enciende
de su marido está tramando un Cuando una mujer es asesinada en el uno de sus muchos Gauloises con lo que
complot mortal contra ella. bosque, sin embargo, Hélène comienza a parece ser el encendedor original.
pensar en Popaul de manera un poco diferente,
REBELDE REBELDE 199
Qué más ver: Le Corbeau (1943) ■ La sombra de una duda (1943) ■ Les Biches (1968) ■ La esposa infiel (1969) ■
La Rupture (1970) ■ Justo antes del anochecer (1971) ■ Bodas de sangre (1973) ■ L'Enfer (1994)
El acto final trae revelaciones y

Claude Chabrol Director enfrentamientos en un intenso
escena que muestra tanto las similitudes
Claude Chabrol Admirador de Alfred Hitchcock, como las diferencias de la pareja. La
nació en 1930 pero fue el único de sus compañeros audiencia se queda lidiando con más
en Sardent, en la que se inclinó por el thriller, preguntas que respuestas. En el último
Francia rural, realizando una serie de asesinatos
plano, Chabrol regresa a una escena
donde dirigió un cineclub cuando era misteriosos hasta su muerte en
del río Dordoña con la que había
niño. Antes de dirigir sus propias 2010.
comenzado la película. "Yo adoro
películas, trabajó como crítico para la
influyente revista Cahiers du Películas clave
Cinéma. Como los demás simetría”, dijo una vez Chabrol.
directores de la Nueva Ola francesa 1970 Le Boucher “Pero no estoy a favor de la simple simetría.
que surgieron de esa revista, Chabrol 1971 Justo antes del anochecer La simetría no significa poner una lámpara
fue un 1994 El infierno a la derecha y otra a la izquierda”. Los
créditos avanzan y nos quedamos
¿Por qué Hélène no estaba asustada? Esta es la era del Paleolítico superior. Hélène hace preguntándonos sobre la naturaleza
la dinámica que Chabrol elige abordar en una una visita guiada a su clase y señala que las de la lealtad, los deseos que toman por
película que no pinturas fueron el primer paso del hombre hacia sorpresa a las personas que los
Se parece tanto a una saga de mujeres en la civilización. experimentan y el oscuro misterio de lo
peligro como a una historia de la Bella y la Bestia. “¿Sabes cómo llamamos deseos cuando que sucede entre las parejas. ■
Se podrían hacer comparaciones con La pierden su carácter salvaje?” pregunta
sombra de un hombre, de Alfred Hitchcock. Helena. “Aspiraciones” es su respuesta. La
La duda (1943), en la que una joven descubre maestra parece respetar al hombre de
Hélène se siente atraída por Popaul y
que su tío favorito es un Cromagnon y su violenta pureza, lo que sugiere sus torpes avances a pesar de, o
asesino de viudas ancianas. mucho sobre su fascinación por Popaul. quizás debido a, el hecho de que ha
sido dañado por su pasado violento.
Pureza violenta
La segunda escena del asesinato explica los
inusuales créditos iniciales de la
película, que representan las grutas de
Cougnac en el suroeste de Francia, hogar
de una serie de pinturas de
Le Boucher nos tiene

siempre pensando.
¿Qué saben, qué piensan,
qué quieren?
Roger Ebert
ALGÚN DÍA
Y ESE DÍA
PUEDE NUNCA VENIR
TE LLAMARÉ A HACER
UN SERVICIO PARA MI
EL PADRINO / 1972
202 EL PADRINO
EN CONTEXTO El Padrino cambió por

La película de Francis
completo Ford Coppola.
el género de las
GÉNERO
películas de gánsteres, con su
Gangster americano
representación de gánsteres lidiando
DIRECTOR con complejos dilemas Rebosante de vida, rico en
Francis Ford Coppola existenciales, en lugar de como todas las grandes emociones
matones unidimensionales y de y jugos vitales de la existencia,
ESCRITORES
mala vida. Anteriormente, todas hasta la sangre inclusive.
Francis Ford Coppola (guión); esas historias de gánsteres se Kenneth Turan
Mario Puzo (novela y guión) contaban desde el punto de vista de un Los Ángeles Veces, 1997
extraño, y los propios gánsteres rara vez eran retratados con simpatía.
El Padrino también fue el primero
ESTRELLAS
Película para mostrar una organización
Marlon Brando, Al Pacino,
mafiosa desde dentro. Su extenso
James Caan, Robert
retrato de la familia Corleone y sus
Duvall, Diane Keaton tribulaciones adquiere la grandeza y el
ANTES alcance de una antigua tragedia por su cuenta sobre cómo debía
griega, en la que el honor, el deber y la escribirse el guión, y él y Puzo trabajaron
1931–32 Little Caesar (1931), The
lealtad a la familia se ven como las juntos para completar el borrador final.
Public Enemy (1931) y Scarface
principales fuerzas motivadoras de los La idea de Coppola fue ver que la
(1932) abrieron el apetito del público
personajes, más que como intenciones criminales.
esencia de la historia, y el enfoque de
por las películas de gánsteres.
la película, debería ser la transición
DESPUÉS El fondo personal de Michael Corleone
1974 El Padrino: Parte II es la secuela El Padrino se basa en un best (Al Pacino) de un joven respetable y
de gran éxito, que se centra en Venta de la novela homónima del respetuoso de la ley y un héroe de guerra
autor italoamericano Mario Puzo, que condecorado a un eventual
Michael Corleone (Al Pacino) mientras
se convierte en un padrino brutal. se publicó en 1969. jefe de una familia criminal, cuando
Al cabo de un año, Paramount Pictures reemplaza al Padrino, Don Vito Corleone
le había encargado a Puzo que (Marlon Brando).
1990 El Padrino: Parte III, la tercera escribiera el guión. Coppola también vio la historia
película menos exitosa, concluye la Coppola, un guionista de éxito como una metáfora del capitalismo de
historia de los Corleone. que había sido contratado como libre mercado estadounidense. Los
director, tenía ideas firmes Corleone aspiran al sueño americano y luchan
Minuto por minuto
00:01 00:45 01:54 02:32

En casa de su hija Connie. Después de negarse a ayudar a Carlo golpea a Connie, que está Don Corleone colapsa y muere mientras
Al casarse con Carlo, Don Corleone recibe una banda de narcotraficantes, muy embarazada. Habla con jugaba con su nieto. Justo antes de
una serie de hombres que buscan favores. Don Corleone es asesinado a tiros su hermano Sonny, quien morir, le advierte a Michael que lo hará.
Su hijo Michael está ahí. en la calle. Le disparan cinco veces va a verla, pero lo matan a
con Kay, quien conoce a la familia. pero sobrevive. tiros en un peaje. ser traicionado.
00:00 00:30 01:00 01:30 02:00 02:30 02:58
00:33 02:04
El jefe de un estudio de cine, Jack La nueva esposa 02:38
Woltz, se despierta con la cabeza 01:29 siciliana de como miguel
de su caballo premiado en Michael dispara Michael , Apollonia, asiste al bautizo de su
su cama. Esto lo persuade a el narcotraficante Sollozzo muere a causa de un coche bomba. ahijado, sus rivales son
elegir a Johnny Fontane, y el corrupto jefe de Fabrizio, el guardaespaldas asesinados en todo el
tal como lo solicitó el consigliere policía McCluskey. Luego de Michael, le ha ciudad. También hace
Tom Hagen. parte hacia Sicilia. traicionado. matar a Carlo.
REBELDE REBELDE 203
Qué más ver: Little Caesar (1931) ■ The Public Enemy (1931) ■ Scarface (1932, p.339) ■ White Heat (1949) ■ The Long Good Friday (1980) ■
Rumble Fish (1983) ■ Érase una vez Tiempo en América (1984) ■ Buenos amigos (1990)
Los Corleone quieren parecer una familia

estadounidense respetable. El matrimonio
de la hija de Don Corleone, Connie, es un
asunto lujoso, pero los senadores y
jueces invitados se mantienen alejados.
para establecer su lugar en el mundo.

Pocas películas se han centrado tan
claramente en las contradicciones morales
involucradas en esta búsqueda.
Justicia y lealtad
La película comienza con la celebración de
la boda de Don Corleone.
hija, Connie (Talia Shire), en la que el
empresario de pompas fúnebres Bonasera,
un socio de la familia, busca una audiencia
privada con Don Corleone.
Bonasera pide ayuda al Padrino para
vengar la golpiza y la violación de su hija
por parte de hombres que escaparon de
la justicia por ser ricos y tener buenos hija fuera de la ley. No es casualidad que la Intercambios como este son fundamentales
contactos. película comience en una reunión familiar. para esta representación de la familia Corleone.
“Creo en Estados Unidos”, dice Los Corleone se presentan como una familia De hecho, hay muchas más escenas alrededor
Bonasera. “Estados Unidos ha hecho mi fortuna. que debe permanecer unida para de la mesa que allí.
Y crié a mi hija al estilo americano”. Ha sobrevivir. son tiroteos. Los hombres describen
aceptado el sueño americano, pero Estados en el mundo. La lealtad es todo. lo que hacen como negocio, que mantienen
Unidos lo ha traicionado. A Don Más adelante en la película, Michael estrictamente separado de la familia.
Corleone, entonces, le corresponde la tarea advierte a su hermano Fredo: “No vuelvas “Esto es negocio, no personal”, insisten. Se
de conseguir justicia para Bonasera y a tomar partido por nadie en contra ven a sí mismos simplemente como hombres
sus de la familia. Alguna vez." Doméstico que hacen su trabajo.
Marlon Brando Actor

Marlon Brando, actor de Hollywood primer Premio de la Academia por interpretar
conocido por su presencia inquietante y su a un estibador en On the Waterfront, de Elia
defensa del estilo de actuación del “método”, Kazan. En la década de 1960, la carrera de
nació en 1924 en Omaha, Nebraska. Brando tocó fondo, pero revivió en 1972
Después de ser expulsado de la escuela con El padrino y El último tango en París.
militar, se matriculó en el Actors Studio de Murió en 2004.
Lee Strasberg en Nueva York, donde fue
entrenado por Stella Adler. En 1947, fue una
sensación en la obra de Tennessee Williams Un Películas clave
tranvía llamado deseo.
1951 Un tranvía llamado deseo
1954 En el paseo marítimo
Cuatro años después, repitió su papel en la 1972 El padrino
película. Recibió su 1972 El último tango en París
204 EL PADRINO
Don Corleone, el
Consejos fuera RIVAL Padrino, está en el
Carlos Rizzi
FAMILIA centro de una red
Constanza de familiares y
Casado "Connie" asociados, unidos
CorleoneRizzi por el respeto, el

mata
honor y la
Padre de
Federico venganza
Padre de
“Fredo” Corleone violenta.
mata Padre de Santino “Sonny”

adopta Don Vito Corleone corleone
Tom Hagen El Padrino
Aliado a
Casado Padre de Traiciona

Apolonia Salvatore Tessio
Vitelli Corleone (primera esposa)
(muerto por bomba)
Miguel Casado
Kay Adams
corleone (segunda esposa)
Coppola tiene cuidado de evitar mostrar a las pero otros sostuvieron que
víctimas de las empresas criminales de la Captó perfectamente a un hombre cansado
familia: los drogadictos, las prostitutas y del poder y sus obligaciones. Puzo le dijo a
las familias arruinadas. Brando que él era “el único actor que puede
Las únicas víctimas de la brutalidad de interpretar al Padrino”.
los Corleone que ve el espectador son Inicialmente, los ejecutivos del estudio
los miembros de pandillas rivales que desconfiaban de la reputación
representaban una amenaza. Y así, el disruptiva y la credibilidad de taquilla del
espectador ve a los Corleone como actor, pero ganó un Oscar al Mejor Actor por
se ven a sí mismos, como una familia su rendimiento.
casi respetable que lucha por Aunque Brando es el rostro de la
mantener la supremacía en un mundo película, es Michael (Al Pacino) quien lleva
peligroso, en lugar de como un grupo de matones.
la historia.
Tienen un código de honor, y cuando Don Al principio, es un graduado
Corleone finalmente muere mientras universitario y está comprometido con una hermosa
jugaba con su nieto en su huerto, lo vemos
como el fallecimiento de un gigante, el triste
final de un titán. El efecto es
reforzado por la exuberante partitura

musical de Nino Rota, que le da a la
película una sensación heroica y trágica. El Padrino cambió mi vida,
para bien o para mal.
Elenco aclamado Definitivamente me hizo tener la carrera
cinematográfica de un hombre mayor.
Lo más revelador de todo son las notables
actuaciones del elenco universalmente Francis Ford Coppola
magnífico. Marlon Brando ofrece una
actuación icónica como Don Corleone.
A Brando le dieron prótesis de papada para
En el momento de la película
darle la apariencia de una antigüedad devastada.
Tenía sólo 48 años en el momento del rodaje. lanzamiento, hubo críticos que sintieron que
su áspera entrega se vio afectada,
REBELDE REBELDE 205
Le haré una oferta que no

podrá rechazar.
Don Vito Corleone / El Padrino
Chica no italiana, Kay, interpretada por fuera del alcance de su familia. Puede que
Diane Keaton. Parece tener todas las tengan senadores en sus bolsillos pero, en
esperanzas de vivir una vida libre de delitos público, los senadores siempre los
y de cumplir el sueño americano. evitarán.
Pacino, entonces un actor poco conocido,
recibió una nominación al Oscar como actor de La secuela
reparto. El Padrino: Parte II regresa al
Familia Corleone una vez que Michael haya Francis Ford Coppola
Destino familiar tomado el control. Si bien puede haber sido Director
Michael se ve arrastrado inexorablemente reacio a ponerse en el lugar de su
al mundo de los gánsteres de la familia padre, Michael pronto pierde tanto su Coppola nació en 1939 en una
Corleone y finalmente jura junto a la moralidad como las respetables aspiraciones familia de Detroit de ascendencia
italiana. Su padre Carmine era un
cama del hospital de su padre: “Ahora me de la familia. A diferencia de su padre, Michael
compositor que trabajaría en las
ocuparé de ti. Estoy contigo ahora. Estoy ya no tiene vínculos con Sicilia, el “viejo
partituras de The
contigo." Cuando su hermano Sonny (James país”, y su código de honor, por muy sesgado
El padrino: Parte II y Apocalipsis
Caan) es asesinado a tiros, Michael se y violento que sea. Tampoco tiene la
ahora. Cuando tenía poco más de veinte
convierte en el nuevo heredero.
años, Francis se matriculó en la escuela
aparente. Su origen de una brillante esperanza misma creencia en el Nuevo Mundo. Al final
de cine de la Universidad de California
es la tragedia central de la película, pero se vuelve más brutal que el viejo Don
en Los Ángeles (UCLA) y pronto
entendemos cuán fuertemente siente que Corleone. ■
empezó a escribir guiones para Hollywood.
no tiene otra opción. Don
Corleone había querido que Michael se Comenzó a hacer películas durante
Sonny (James Caan, izquierda) es el hijo
convirtiera en senador o gobernador, pero mayor de Corleone. Cuando su el movimiento New Hollywood, también
la película insinúa que esa respetabilidad cuñado Carlo (Gianni Russo) golpea a conocido como la Nueva Ola
siempre será Connie, Sonny golpea a Carlo en la calle. Americana, cuyo objetivo era abordar
nuevas
sujetos que utilizan diferentes estilos.
El Padrino, una de las películas más
taquilleras de la historia, fue la primera
película importante que dirigió y
consolidó su reputación con una
serie de éxitos a lo largo de la década de
1970. considerado uno
de los cineastas más enérgicos, aunque

erráticos, de Estados Unidos, sus
películas posteriores no han igualado
sus primeros éxitos.
Películas clave
1972 El padrino
1974 La conversación
1974 El padrino: Parte II
1979 Apocalipsis ahora
206
ESE HOMBRE ES UNA

CABEZA MÁS ALTO QUE YO.
ESO PUEDE CAMBIAR
AGUIRRE, LA IRA DE DIOS / 1972
dificultades como la expedición de

EN CONTEXTO la ira de Dios es una Aguirre: escalar montañas, desafiar rápidos
Aguirre de Werner Herzog ,
de las piezas en balsas improvisadas y atravesar la
GÉNERO
cinematográficas más originales jungla. Kinski fue más allá de los límites
Aventura
jamás creadas. Se basa en la de lo "temperamental" y se volvió
DIRECTOR fallida expedición de 1561 del completamente desquiciado, enfureciéndose
Werner Herzog conquistador español Lope de Aguirre regularmente con Herzog, el equipo
para encontrar El Dorado, la mítica ciudad amazónica
y los extras de oro. En un momento, le
locales.
ESCRITOR La historia de Herzog es la de una disparó la yema del dedo a un extra.
Werner Herzog búsqueda obsesiva que desemboca en El hecho de que la película fuera incluso
la locura, impulsada por una actuación terminado se debe a la capacidad de
ESTRELLAS
hipnótica de Klaus Kinski como Aguirre. Herzog para ver posibilidades en el
Klaus Kinski, Helena Rojo,
acto. Inventó gran parte del diálogo a
Ray Guerra, Del Negro
Ubicación extrema medida que avanzaba y con
ANTES El rodaje de Aguirre se ha convertido frecuencia incorporaba a la película
1968 En Signos de vida, Herzog en una especie de leyenda. Se rodó incidentes que ocurrían entre los
en la selva peruana en cuestión extras. El director de fotografía de
explora cómo el aislamiento causa la
locura en un hombre, tema que
de semanas y el elenco y el equipo Herzog, Thomas Mauch, produjo una
soportaron muchas de las mismas cosas. película visualmente impresionante, descrita por u
desarrollaría en Aguirre.
DESPUÉS
1979 Apocalypse Now de Francis
Werner HerzogDirector
Ford Coppola rinde homenaje a Aguirre Werner Herzog Hizo su primer largometraje
utilizando “citas visuales” de la es director Señales de vida en 1968. Cuatro años
película. con una singular después, Aguirre, la ira de Dios, le dio
visión fama internacional.
1982 Fitzcarraldo, segunda película cinematográfica. Nacido También ha realizado
de Herzog sobre un europeo engañado muchos documentales aclamados.
En 1942, creció en un pueblo remoto
en el Amazonas, también protagonizada de Baviera, Alemania. En el colegio
por Klaus Kinski. era un rebelde, pero a los 14 años Películas clave
leyó en una enciclopedia sobre cine y,
1987 Cobra Verde es el último trabajo
como admitió más tarde, robó 1972 Aguirre, la ira de Dios
de Herzog con Kinski como un
una cámara de 35 mm de la Escuela 1979 Nosferatu el vampiro
loco perdido en la civilización. de Cine de Munich. 1982 Fitzcarraldo
REBELDE REBELDE 207
Qué más ver: La reina de África (1951) ■ Deliverance (1972) ■ Apocalypse Now (1979, p.338) ■ Fitzcarraldo (1982) ■ La costa de los Mosquitos (1986)
■ Platoon (1986) ■ El Dorado (1988) ■ El nuevo mundo (2005) ■ Apocalypto (2006)
crítico alemán en ese momento como "una dinastía que el mundo haya visto jamás”.
pintura empapada de color y con un No deja que nada se interponga en su camino.
movimiento físico violento". Este look, Cuando un hombre habla de regresar, dice:
combinado con una iglesia “Ese hombre es una cabeza más alto que yo.
partitura musical, le da a la película una Eso puede cambiar”. Luego lo decapita
cualidad casi mítica. mientras aún está El señor Herzog… es un poeta
hablando. La brutalidad y resistencia de que constantemente nos sorprende
Rompiendo tabúes Aguirre son tan impresionantes que casi con yuxtaposiciones inesperadas…
Aguirre es una figura monstruosa, tan podríamos considerarlo heroico. Esta es una obra
dominada por la ambición que Pero Herzog no nos deja ninguna espléndida e inquietante.
ignora por completo todas las reglas sociales duda de que la ambición de Aguirre es inútil Vicente Canby
y obligaciones humanas. No muestra piedad y destructiva. El final El Nuevo york Veces, 1977
ni simpatía. Solo en la jungla, contempla una La escena muestra a Aguirre solo en
relación incestuosa con su hija adolescente. una balsa, y su única compañía son
“Yo, la Ira de Dios, me casaré con mi propia cientos de monos. Agarra uno y su heroica
hija, y con ella encontraré la más pura declamación: “Soy Aguirre, soy la Ira de Dios.
¿Quién más está conmigo?" está dirigido

a los monos. La escena es bañista en
extremo. Aguirre es un hombre digno de
¡Soy la ira de Dios! la tierra yo ridículo y compasión, un hombre que no ha
pasar me verá y temblará. traído más que destrucción a través de su

propia locura. ■
Aguirre / Aguirre, la ira de Dios
Desde el inicio de la
expedición, los ojos de Aguirre
brillan con la locura de su
obsesión. El mensaje
de la película advierte sobre
los peligros de los mitos en
la psique humana.
208
LOS INVITADOS
ESTÁN AQUÍ SEÑOR
EL DISCRETO ENCANTO DE LA BURGUESÍA / 1972
por qué. En El discreto encanto de la

EN CONTEXTO la sátira social y lo surrealista, burguesía, Buñuel lleva a cabo una
Luis Buñuel fue un maestro
que venían haciendode divertida variación del tema, cuando
GÉNERO
películas durante casi medio siglo seis amigos acomodados intentan
Drama artístico cuando hizo El discreto encanto cenar juntos, pero se ven frustrados
DIRECTOR de la burguesía (Le charme discret continuamente por una serie de
luis buñuel de la bourgeoisie). Buñuel tomó contratiempos brillantemente desquiciados.
la idea de la película de un Al principio los problemas
ESCRITORES anécdota contada por su productor, son triviales: los anfitriones
Luis Buñuel, Serge Silberman, sobre los simplemente esperaban que los
JeanClaude Carrière invitados que llegaron a su casa para invitados llegaran al día siguiente. Pero
cenar y encontraron a su esposa en pronto, aparece un cadáver que interrumpe el proc
ESTRELLAS
bata y sin comida, ya que se había A partir de entonces, las
Fernando Rey, Pablo olvidado de decirle que los había invitado. extravagantes escapadas sexuales y la
Frankeur, Delphine Seyrig, En la película anterior de Buñuel, The interrupción de las maniobras del
Bulle Ogier, Stéphane Ángel exterminador (1962), los invitados ejército son sólo algunos de los obstáculos. La película
Audran, JeanPierre Cassel a una cena quedan abandonados allí se vuelve cada vez más surrealista, pero
ANTES durante semanas, incapaces de irse muestra a los invitados comportándose

sin que ellos o nosotros lo sepamos. como si nada adverso estuviera pasando.
1929 La primera película de Luis
Buñuel, Un perro andaluz, un
cortometraje realizado con Salvador Luis Buñuel Director
Dalí, es una sorprendente obra surrealista.
Luis Buñuel fue Andalou, y un segundo, L'Age d'Or (1930).
1962 En El ángel celebrado por Buñuel se mudó a Estados Unidos durante la
exterminador de Buñuel , los invitados su surrealista Guerra Civil Española, luego a México y
no pueden salir de una cena. películas, mordiendo finalmente a Francia en 1955. Murió
sátira social e interés por el fanatismo en 1983.
DESPUÉS
religioso. Nació en Calanda, España, en
1977 La última película de 1900, y estudió como jesuita antes de conocer Películas clave
Buñuel, Ese oscuro objeto del al dramaturgo Federico García Lorca y al
deseo, trata sobre la frustración de los pintor Salvador Dalí, con quienes hizo 1929 Un perro andaluz
su primera película, Un perro. 1967 Bella de Día
deseos de un hombre anciano por
1972 El discreto encanto de la
una joven española.
burguesía
REBELDE REBELDE 209
Qué más ver: Las reglas del juego (1939, pp.6061) ■ Divorcio a la italiana (1961) ■ El ángel exterminador (1962) ■ Pierrot le Fou
(1965) ■ Belle de Jour (1967, p.336 ) ■ La clase dominante (1972) ■ Amarcord (1973)
A Buñuel no le preocupa ni remotamente el satirizado a lo largo de la El cartel del estreno

flujo narrativo convencional. película como, por ejemplo, en el cine tenía un
Intercalados con los esfuerzos frustrados de el obispo es expulsado
diseño adecuadamente
cuando es
surrealista al estilo
los invitados a la cena hay secuencias de
del pintor belga
sueños que surgen de sus cabezas y a veces se confundido con un simple
René Magritte.
superponen entre sí, así como parodias que jardinero, luego
involucran comida de utilería, flashbacks y, en recibido aduladoramente
el centro de todo, el embajador en la República cuando regresa en su
Latinoamericana de Miranda (completamente vestimentas episcopales. El campo, una
ficticia), que se ve envuelta en un extraño metáfora de su hueca
complot terrorista. Camino a ningún sitio obsesión.
Incluso cuando el mundo con estatus.
se desmorona a su Buñuel ganó el
Clase y convención alrededor y todo comienza a Óscar al mejor
La cena es la ocasión en la que la élite desmoronarse, los seis imagen extranjera para
social puede reunirse para mostrar su gusto, amigos están decididos a la película, y muchos directores reconocen
refinamiento y riqueza material. Se supone Sigan adelante con su cena y ningún su influencia. Su mensaje sobre la
obstáculo, por absurdo que sea, los obsesión de los ricos por sí mismos es más
un lugar simbólico muy por delante de detendrá. A lo largo de la película, a relevante que nunca, y la inventiva de la
cualquier otra cosa en la vida de estas menudo se ve a los seis caminando visión lúdica de Buñuel sigue siendo
personas. El esnobismo y la superficialidad decididamente por un camino tremendamente divertida. ■
del partido son continuamente aparentemente interminable a través del
Eres más adecuado para hacer el

amor que para hacer la guerra.
Rafael Acosta / El
El discreto encanto
de la burguesía
En una de las digresiones
de la película, un soldado
cuenta cómo envenenó
a su padrastro ante
los fantasmas de su
verdadero padre y su madre.
210
¿Realmente la
viste?
NO MIRES AHORA / 1973
Lo que se puede “ver” y lo que no es el

EN CONTEXTO con la muerte de un niño, enigma que se esconde en el corazón
Se abre No mirar
pero estáahora
más preocupado de esta película devastadora, cuyo título
GÉNERO
con el destino de ella
Thriller sobrenatural
padres, John (Donald
DIRECTOR Sutherland) y Laura
Nicolás Roeg Baxter (Julie Christie).
La afligida pareja se
ESCRITORES muda de su hogar en Gran
Allan Scott, Chris Bryant (guión); Bretaña a la invernal y
Daphne du Maurier (cuento) fuera de temporada
Venecia, donde John se ocupa de
la restauración de una iglesia
ESTRELLAS
mosaico. cuando laura
Donald Sutherland,
se hace amigo de dos hermanas
julia cristian
mayores, una de ellas ciega
ANTES clarividente: su marido

1970 El retorcido drama criminal comienza a vislumbrar una
de Roeg Actuación protagonizada por Mick figura que se parece a su hija
muerta. ¿Juan está
Jagger como una estrella de rock solitaria.
viendo cosas? ¿O podría
DESPUÉS ser que Christine haya venido?
1976 David Bowie interpreta a un ¿De vuelta del más allá de la tumba?
extraterrestre en la odisea de ciencia
ficción de Roeg, El hombre que cayó a la Tierra.
El cartel de la película
1977 Julie Christie es atacada por una insinúa el final sin revelar nada.
computadora en Demon Seed, dirigida Al igual que John, el público
sólo descubre al final de la
por Donald Cammell. película cuál fue la “advertencia”
desde el principio.
REBELDE REBELDE 211
Qué más ver: Dead of Night (1945) ■ Peeping Tom (1960, p.334) ■ The Birds (1963) ■ Rosemary's Baby (1968, p.336) ■ Death in
Venice (1971) ■ Walkabout (1971, p. .337) ■ El hombre de mimbre (1973) ■ El resplandor (1980, p.339)
La película comienza con una

secuencia en cámara lenta en la que
John arrastra el cuerpo sin vida de
Christine de un estanque. Introduce
muchos de los motivos clave de la
película, incluido el agua y el color rojo.
Parece ser una advertencia. "¡No mires

ahora!" grita, rogando al público que
desvíe la mirada. Pero, como ocurre con
muchas cosas en El escalofrío paranormal de
Nicolas Roeg, el título no es lo que parece.
De hecho, Roeg quiere que el espectador
mire con atención, especialmente
los patrones creados por su extraña y
caleidoscópica disposición de
imágenes.
El director experimentó con
edición visual compleja en sus películas
anteriores, Performance (1970) y Walkabout
(1971); en Don't Look Now, utiliza estas
técnicas para transmitir tanto una sensación
de amenaza como los estados psicológicos
fracturados de sus dos personajes principales.
Las imágenes se repiten y hacen eco en
momentos discordantes: ondas en el agua;
el color rojo; rompiendo el vidrio; primeros
planos de gárgolas y estatuas. El espectador
los vislumbra aquí y allá, justo cuando
John ve la figura vestida de escarlata por
el rabillo del ojo, y se acumulan para crear
una atmósfera cargada de paranoia.
cortes rápidos e inconexos entre la pareja Los espectadores contemporáneos asumieron

Escena de amor en la cama y los dos vistiéndose para la que el sexo era real. Esta es una película
Quizás el ejemplo más célebre de cena más tarde esa noche. El resultado es que nos obliga a mirar de nuevo, a
este estilo de edición fragmentado sea la una escena de sexo como ninguna otra: preguntarnos: “¿Realmente vi eso?”
secuencia en la que John y Laura hacen el intensa, conmovedora, melancólica y John no puede ver lo que hay delante.
amor por primera vez desde la muerte de cómica; y tan realista que muchos de él: que posee el don de la segunda vista. No
Christine. Roeg hace cree en videntes, y cuando Laura le cuenta
que la clarividente ha “visto” a su hija en
Venecia, él reacciona emborrachándose y
Éste que es ciego. enfadándose. Incluso después de ver el
Ella es la que puede ver. reflejo de Christine en un canal, ondeando

a través del
Laura Baxter / No mires ahora
212 NO MIRES AHORA
agua, se niega a abrir su mente a la existencia confundido con un mirón mientras buscaba trampas; La Plaza de San Marcos, por ejemplo,
de fantasmas. En Don't Look Now, ver no es la casa de las peculiares hermanas. tiene una aparición única y fácil de pasar
creer: hay que creer para poder ver. Otros personajes no tienen problemas para por alto. La película se centra en los remansos,
navegar por la ciudad, pero John siempre creando su propia trampa a partir de un
Roeg y sus escritores, Allan Scott se pierde y se encuentra donde empezó. Para laberinto de pasajes húmedos, iglesias y hoteles
y Chris Bryant, encuentran momentos de él, el tiempo y el espacio están mezclados y vacíos.
humor astuto en la voluntaria "ceguera" comprimidos, tal como ocurre en el montaje Gran parte de la Venecia de Roeg no se ve:
de John. Cuando se pierde en las de Roeg. el público escucha gritos en la noche, un
laberínticas callejuelas de Venecia, se detiene piano tocando en algún lugar cercano, pasos
debajo de un cartel de óptica (en forma de que resuenan por todas partes. “Venecia
unas gafas enormes). "¡Mira ahora!" parece ambiente veneciano es como una ciudad en gelatina”, dice el
decir, pero él lo ignora y se apresura. En otra Venecia es el escenario perfecto para una clarividente ciego.
escena, John es película de terror sobre déjà vu; hay recordatorios “Mi hermana lo odia. Ella dice que es como
de muerte y decadencia en cada esquina, y después de una cena y todos los invitados
todos sus puentes y canales parecen parecerse. están muertos y desaparecidos.
John sigue al abrigo rojo por la Demasiadas sombras”. La cámara se detiene

Filmada en locaciones dentro y alrededor del en muebles cubiertos de polvo y ventanas
Calle di Mezzo hasta las puertas
del Palazzo Grimani, donde se Destino de vacaciones italiano, no cerradas, sugiriendo algo oculto a la vista.
encuentra con el enano. Look Now evita principalmente al turista.
REBELDE REBELDE 213
El enigma más sofisticado

y cuidadosamente elaborado jamás
presentado en pantalla.
Paulina Kael
5001 Noches en el Películas, mil novecientos ochenta y dos
La sensación de peligro se intensifica

cuando el público se entera de que un
El asesino en serie anda suelto. Este
la revelación llega al final de la película, pero ¿Las hermanas saben más de lo que El peligro de caer está siempre presente.
Roeg deja un rastro de pistas que conducen a dejan entrever? Finalmente, Roeg se Laura es trasladada al hospital tras una
caída en el restaurante. John casi muere
ella: se ve al asesino en una de las diapositivas centra en el destino y en un final
en una caída, su hijo resulta herido en una
fotográficas de John, oculto a plena vista, en verdaderamente macabro, en el que el
caída y Christine murió después de caer al lago.
la primera escena; un inspector de policía caleidoscopio se convierte en una imagen
dibuja una cara psicótica mientras entrevista de puro horror gótico.
a John en la comisaría. Finalmente, en una capilla veneciana
Montaje final Roeg vio su helada por la niebla, los recuerdos cobran
"¿Cual es tu miedo?" él pide. película como un “ejercicio de gramática vida y la tragedia desciende en un mareante
La trama secundaria del asesino cinematográfica”. Esto nunca es más evidente destello de horror y reconocimiento.
añade otra capa al caleidoscopio de la que en su extraordinaria secuencia Roeg coronó la película con un vertiginoso
película, obligando al público a cuestionar culminante, que comienza con una sesión y montaje de momentos, imágenes y pistas
todo lo que ha visto hasta ahora. ¿Es termina con una pasadas por alto de los últimos 108 minutos
Christine en realidad un fantasma o algo aún funeral. No mires ahora fuerzas de historia. Demasiado tarde, el público lo ve
más siniestro? Hacer John para mirar a la muerte a la cara. todo. ■
Nicolás Roeg Director

Roeg dejó su huella por primera vez y la compleja relación entre el tiempo
como director de fotografía de clásicos y el espacio. Otros cineastas suelen
de culto como La máscara de la muerte hacer referencia a Don't Look Now ,
roja (1964) de Roger Corman y pero Roeg ha dirigido muchas películas
Fahrenheit 451 (1966) de François Truffaut . fascinantes desde entonces, incluida
En 1970, se asoció con el escritor y El hombre que cayó a la Tierra
pintor Donald Cammell para crear (1976).
Performance, una película de gánsteres Películas clave

protagonizada por Mick Jagger como una
estrella de rock solitaria. Las siguientes Actuación de 1970
dos películas de Roeg, Walkabout (1971) Paseo de 1971
y Don't Look Now (1973), continuaron 1973 No mires ahora
1976 El hombre que cayó a la tierra
explorando su fascinación por el sexo, la muerte,
214
PUEDES HABLAR CON

ÉL CUANDO QUIERAS.
SOLO CIERRA LOS OJOS
Y LLÁMALO
EL ESPÍRITU DE LA COLMENA / 1973
Aunque él iba
Es tan lento y enigmático que los censores
EN CONTEXTO Ciego, el director de fotografía Luis creyeron que sería
Cuadrado filmó cada fotograma de nunca encontrar una audiencia.
GÉNERO
El espíritu de la colmena en tonos tierra y
Drama histórico
sol color miel, ricos en textura y tonos encontrando al monstruo
DIRECTOR profundos y suaves. Sin embargo, la verdadera La película comienza con la llegada de un cine
Víctor Erice belleza de la película reside en la forma en que ambulante a un pueblo. La película que se
el director Víctor Erice nos sumerge en la proyecta es Frankenstein, la película de
ESCRITORES imaginación de una niña de seis años, monstruos de 1931 de James Whale.
Víctor Erice, Ángel inolvidablemente interpretada por Ana Torrent, La niña Ana está emocionada por el
Fernández Santos, con los ojos muy abiertos. monstruo, pero desconcertada por la
Francisco J. Querejeta escena en la que
La película está ambientada en 1940, un año parece ahogar a la niña,
ESTRELLAS
después de que la Guerra Civil Española gracias a un corte engañoso
Fernando Fernán Gómez,
terminara con la victoria de los nacionalistas realizado por los
Teresa Gimpera, Ana
de Franco. Fue un período violento de censores españoles,
Torrent, Isabel Tellería.
represalias sangrientas, del que todavía no era que mostraban la película
ANTES posible hablar abiertamente en España, ni como propaganda que
1961 En la película británica Whistle siquiera en 1973. El general Franco todavía equiparaba al
estaba en el poder y los censores se esforzaron monstruo
Down the Wind, una niña encuentra
por limitar cualquier crítica al régimen.
a un fugitivo en un granero y
La película de Erice no sólo representaba con el socialismo.
cree que es Jesús.
una época controvertida, sino que también
DESPUÉS contenía mensajes codificados sobre el estado
1976 En Cría Cuervos, de Carlos de la nación. Sin embargo, la película logró
Saura , Ana Torrent vuelve a superar la censura, posiblemente porque
interpretar a una niña atormentada
por visiones.
Ana (Ana Torrent) ofrece
1983 Segunda película de Erice, El una manzana al fugitivo
Sur , trata sobre una niña fascinada que encuentra
escondido en el
por los secretos que su padre dejó
retrete familiar.
en el sur de España. Ella cree que él es
el monstruo.
REBELDE REBELDE 215
Qué más ver: Pather Panchali (1955, págs. 13233) ■ Whistle Down the Wind (1961)
■ Cria Cuervos (1976) ■ Fanny y Alexander (1982)
Víctor Erice Director

Víctor Erice es considerado por
muchos como el mejor director de
cine español. Sin embargo, ha
hecho pocas películas. De hecho,
su gran reputación se basa en
sólo dos obras poéticas, El espíritu
Obsesionada por las visiones del monstruo, Ana y su hermana Isabel conversan con su
de la colmena y El sur, ambas
aunque sin tenerle miedo, Ana regresa a casa. padre (Fernando Fernán Gómez).
piezas de época centradas en
Aquí, en habitaciones resonantes y sombrías Cría abejas y escribe sobre su
la infancia rural.
repugnancia por sus vidas sin sentido, una
detrás de ventanas en forma de panal, su Erice nació en Karrantza.
de las muchas alusiones a la España franquista.
padre apicultor y su madre, mucho más en el País Vasco (España)
joven, parecen increíblemente alejados, literal en 1940, casi al mismo tiempo que
y emocionalmente, como su madre. tierna relación, pero las tropas se ambienta El espíritu de la colmena .
franquistas nunca están lejos. Estudió economía, derecho y
Teresa (Teresa Gimpera) escribe cartas Ana tiene más visiones del monstruo, aunque el política en la Universidad de Madrid
tristes a un desconocido médico le asegura a su madre que los delirios antes de ir a la escuela de cine a
hombre joven. pasarán.
principios de los años sesenta.
Trabajó durante casi una década
Isabela, hermana de Ana, alimenta
como crítico de cine antes de
Las visiones de Ana, diciéndole que Alegoría política realizar una serie de cortometrajes.
cierre los ojos y llame al monstruo, La película termina con una imagen de Ana
El espíritu de la colmena
como un espíritu. Cuando Ana cierra junto a la ventana, con los ojos nuevamente
Fue el primer largometraje de Erice,
los ojos y grita: "Soy yo, Ana", cerrados. Cuando se hizo la película en 1973, pero no realizó el segundo, El Sur ,
encuentra, escondido en la el régimen de Franco ya estaba hasta casi 10 años después.
letrina, a un joven de aspecto atormentado, tambaleándose; su final habría parecido Diez años después realizó un precioso
presumiblemente un republicano muy cercano al público español. Al contar documental, El sol del membrillo,
prófugo, que ella cree que es el monstruo. una historia del pasado, El espíritu de la sobre el pintor Antonio López
Desarrollan un colmena también permitió a España vislumbrar García.
su futuro. ■
Si bien Erice ha contribuido a
Además de otros trabajos, estos
Poco quedan más que las han sido sus únicos largometrajes.
paredes de la casa que una vez Películas clave

conociste, a menudo me pregunto qué 1973
pasó El espíritu de la colmena
de todo lo que teníamos allí. 1983 El Sur
1992 El sol del membrillo
Teresa / El espíritu de la colmena
SABES QUE
PASA A
CURIOSO
¿BECARIOS?
BARRIO CHINA / 1974
218 BARRIO CHINA
EN CONTEXTO Chinatown es un thriller

La película de Roman
apasionante conPolanski.
un aguijón
GÉNERO
realmente desagradable en la cola.
Thriller policial neonoir
Jack Nicholson interpreta al sórdido
DIRECTOR detective privado Jake Gittes, que El tiempo ha disminuido nuestra
Roman Polanski investiga una conspiración en torno sensación de que esta
al suministro de agua de Los
ESCRITOR
superlativa película de 1974 es
Ángeles en la década de 1930.
Roberto Towne
simplemente un pastiche de
Durante el curso de su investigación, los clásicos thrillers de los
descubre una inquietante tragedia
ESTRELLAS
personal cuando se involucra con la
años 30; ahora parece un clásico sencillo
Jack Nicholson, Faye Peter Bradshaw
esposa del ingeniero jefe de agua, Evelyn El
Dunaway, John Houston
guardián , 2013
Mulwray, interpretada por Faye Dunaway.
ANTES
1941 Se estrena la película negra Guión poderoso
de John Huston, El halcón maltés , La clave del poder de la película es el guión
ganador del Oscar de Robert Towne,
y Polanski la estudia con avidez antes
considerado ampliamente como uno de
de embarcarse en la realización de
los mejores guiones jamás escritos se convierte en Hollis Mulwray, y la historia
Chinatown.
para Hollywood. Se inspiró en parte en la se convierte en una historia ficticia sobre
1968 Rosemary's Baby es la historia real de William Mulholland, ingeniero la manipulación corrupta del suministro
aclamada película de terror de jefe del Departamento de Agua de Los de agua de Los Ángeles con fines de lucro.
Polanski sobre una joven, interpretada Ángeles, quien, el 12 de marzo de 1928, Towne escribió el guión con
por Mia Farrow, que queda declaró que la presa St. Francis era Jack Nicholson en mente para el
embarazada del diablo. segura, pocas horas antes de que personaje de Gittes, el detective
fallara catastróficamente, con la privado que, sin saberlo, se ve
DESPUÉS
consiguiente inundación. matando al menos envuelto en los oscuros asuntos de
1988 Frantic, protagonizada a 600 personas. En el guión de Towne, los asociados de Mulwray. Se dice
por Harrison Ford, es el primer Mulholland que Nicholson fue responsable de
regreso exitoso de Polanski al
género de suspenso desde
que hizo Chinatown.
¡ Él es el dueño de la policía!
Evelyn Mulwray / Barrio Chino
Actor Jack Nicholson

Jack Nicholson es uno de los Pieces (1970) fue ampliamente
principales actores de cine aclamado. Ambas películas le valieron
estadounidenses del último medio nominaciones al Oscar por su
siglo, famoso por interpretar a actuación, mientras Alguien voló
personas difíciles que pueden desarmar sobre el nido del cuco (1975) le valió
con encanto y humor. Nació en 1937 su primer Oscar.
en Neptune City, Nueva Jersey, donde
creció. Su carrera como actor en Películas clave
Hollywood tardó en despegar y tuvo
más éxito escribiendo guiones. Tuvo su 1970 Cinco piezas fáciles
primera gran oportunidad como actor 1974 barrio chino
en Easy Rider (1969), de Dennis 1975 Alguien voló sobre el
Hopper, y un año después, su actuación Nido del cuco
en Five Easy. 1980 El resplandor
REBELDE REBELDE 219
Qué más ver: El halcón maltés (1941, p.331) ■ El gran sueño (1946) ■ Kiss Me Deadly (1955, p.134) ■ Vértigo (1958, pp.140–45) ■ El cartero
siempre llama dos veces (1981) ■ LA Confidencial (1997)
A Gittes le cortan la nariz cuando se acerca

demasiado a la verdad sobre el complot para
verter agua de los embalses de Los Ángeles.
Se le advierte que si continúa husmeando se
le caerá toda la nariz.
las conclusiones equivocadas. Al

comienzo de la película, por ejemplo, la
esposa de Hollis Mulwray le encarga que
pruebe el adulterio de su marido. Muy
rápidamente, Gittes le entrega las fotografías
aparentemente incriminatorias, sólo que
se equivocó dos veces. En primer lugar, la
mujer que le encargó el encargo no es
la esposa de Mulwray sino una impostora.
En segundo lugar, la joven con la que
sale con Mulwray no es su amante en
absoluto, como él y nosotros, el público,
la contratación de Polanski, conocido por películas de detectives como The descubriremos mucho más tarde. Más
los thrillers psicológicos Repulsión Halcón Maltés. La audiencia adelante en la película, Gittes supone
(1965) y Rosemary's Baby (1968). Polanski sabe que Marlowe triunfará al final, pero se erróneamente que la verdadera Evelyn
se encontraba en Europa en ese momento, tras hace evidente que Gittes va a equivocarse una Mulwray asesinó a su marido.
haber abandonado Estados Unidos tras el y otra vez, ya que salta a todos
asesinato de su esposa en 1969.
Me sentí tentado a volver por la fuerza del
guión de Towne, aunque Polanski y Towne
tuvieron muchas diferencias sobre la versión Convenciones del cine negro revocadas
final.
Había dos elementos en convención de género barrio chino subversión
En particular, Polanski cambió.
Primero fue el final trágico e inquietante. En La protagonista femenina Evelyn se revela como
segundo lugar, la decisión de no utilizar la suele ser una "mujer fatal" una víctima.
narración en off que tantos actores privados
del cine negro habían empleado en el pasado.
Gittes es incompetente,
Polanski insistió en dejar que el público El protagonista es un duro
pierde pistas y comete
descubriera cada nuevo giro como Jake investigador privado.
errores.
Gittes lo hace. El efecto de esto es

que tanto Jake como el público son Noah Cross escapa para
El antagonista es castigado
mucho más en la oscuridad y mucho más continuar con sus crímenes
inquieto por cada nueva revelación.
El protagonista logra resolver el Gittes abandona la ciudad

detective incompetente
crimen o el problema. después de fallar
El intento desesperado de Gittes por darle
sentido a todo lo convierte en un detective
privado diferente al
Cierre narrativo Sin resolución
Philip Marlowe de Humphrey Bogart una
generación antes en
220 BARRIO CHINA
Una audiencia familiarizada con los roles. El suministro en su propio beneficio diferente de otros thrillers policiales y hace
de mujeres fatales en películas negras conduce al asesinato de su ex socio que permanezca en la mente por mucho
anteriores naturalmente asumirían lo mismo. comercial, el marido de Evelyn, tiempo. En la mayoría de las películas sobre el
Pero la señora Mulwray es la verdadera víctima, Hollis Mulwray. poder y la corrupción, el detective
y la verdad es tan inquietante que Gittes apenas simplemente se centra en los
puede asimilarla. Giro inesperado responsables de un crimen y su
Resulta que el verdadero villano de la pieza es Hay un giro al final de encubrimiento, y luego los expone. Pero en
el anciano aparentemente cortés Noah barrio chino que hace el momento crucial en Chinatown, la
Cross, el padre de Evelyn. Él es el la película inquietantemente atención se desvía de los esfuerzos de
hombre rico cuya determinación Cross por controlar el suministro de agua. En
cambio, nos enfrentamos a una revelación
utilizar el agua de la ciudad impactante que parece surgir de la nada. Justo
al final de la película, nos queda la imagen
profundamente inquietante de Cross,
Gittes se enfrenta a la Sra.
que parece haberse salido con la
Mulwray con su teoría de que ella
mató a su marido. Pero Gittes suya en todo, consolando a su nieta.
todavía no tiene idea de lo que
está pasando.
controlar a los hombres

Resulta que
Chinatown no
se trata sólo de
poder y
corrupción.
Minuto por minuto

00:19 00:42 01:30 01:57
Evelyn Mulwray le revela a Después de casi ahogarse en Gittes sigue a la señora Mulwray a una Gittes hace arreglos para que la Sra.
Jake Gittes, el detective un canal de agua, Gittes es casa en la que se aloja la “amante” Mulwray y su hermana escapan a
privado, que ha sido engañado amenazado a punta de de su marido. La señora Mulwray le dice Chinatown. Luego se enfrenta
en una estratagema para cuchillo y le cortan la nariz. que es su hermana. Noah Cross con las gafas.
desacreditar a su marido, Hollis Mulwray.
00:00 00:15 00:30 00:45 01:00 01:15 01:30 01:45 02:10
01:15 01:45
00:31 Gittes y la señora Mulwray siguen Después de encontrar muerta a la mujer que
Gittes aparece en la presa el rastro documental de las se había hecho pasar por la Sra. Mulwray, Gittes
justo cuando la policía ventas de la propiedad, lo que los va a la casa de Mulwray y encuentra un par de
estaba sacando el cuerpo lleva a una residencia de ancianos. anteojos en el estanque. Se enfrenta a la Sra.
de Mulwray del agua. Gittes recibe un disparo y escapa por poco. Mulwray, quien le cuenta la impactante verdad.
REBELDE REBELDE 221
También se refiere a toda la noción

del control masculino. En un momento, Gittes le
pregunta a Cross por qué siente la necesidad
de ser más rico: “¿Cuánto mejor puedes comer?
¿Qué puedes comprar que no puedas permitirte
ya? "El futuro, señor Gittes", responde Cross, Hay que mostrar
"el futuro". Las mujeres y el agua son los
la violencia tal como es.
fuente del futuro que Cross
Si no lo
quiere controlar. Y a su manera, Gittes
demuestras de manera
realista, entonces eso
también busca el control, sondeando y metiendo
es inmoral y dañino.
las narices en lo que no es bienvenido.
Roman Polanski
Sus investigaciones conducen a uno de los lugares
Roman Polanski
más desagradables y más desagradables de Chinatown. Director
escenas memorables. A Gittes le corta
la nariz un matón, interpretado por el propio Nacido en París en 1933 de padres polacos,
Polanski: “¿Sabes lo que les pasa a los tipos Roman Polanski creció en Polonia. Durante
entrometidos? ¿Eh? la Segunda Guerra Mundial, sus padres
¿No? ¿Quieres adivinar? ¿Eh? ¿No? Bueno. El problema para Gittes es que vive, fueron enviados a un campo de
concentración donde murió su madre, pero
Pierden la nariz”. Es una especie de castración, metafóricamente, en Chinatown, un lugar
Roman sobrevivió escondiéndose en el
y la tenaz determinación de Gittes de resolver que le guarda malos recuerdos, que se
campo. Después de la guerra, fue a
el misterio refleja su necesidad de recuperar el remontan a su época en la policía. Sin
la escuela de cine. Su primer largometraje,
control. embargo, es el propio Gittes quien en
Knife in the Water (1962), fue aclamado
internacionalmente, y se mudó al
Reino Unido para hacer películas como
el final elige
la escalofriante Repulsión. En 1968 conoció
Chinatown, un a la actriz Sharon Tate y se mudó a Estados
mundo donde Unidos, donde hizo la película de terror
todo vale, para la Rosemary's Baby. Al año siguiente, Tate
película fue asesinado por asesinos en serie
desenlace trágico. conocidos como la Familia Manson.
No tiene sentido
intentar hacer lo
correcto, le dice su
ex colega policía en la
Polanski dejó Estados Unidos
última línea de la película:
pero lo invitaron a volver a dirigir
“Olvídalo, Jake.
Barrio chino. Unos años más tarde, fue
declarado culpable de relaciones sexuales
Es Chinatown…” ■
ilícitas con una menor y huyó a Francia,
donde todavía dirige.
El cartel de Películas clave

Chinatown sugiere un
cine negro antiguo, con 1965 Repulsión
un detective fumador 1968 El bebé de Rosemary
empedernido y una mujer 1974 barrio chino
fatal. Pero Polanski Tess de 1979
efectivamente subvierte 1988 frenético
el género y juega con 2002 El pianista
las expectativas del público.
222
Y COMPRAREMOS
NOSOTROS MISMOS UN POCO
PEDAZO DE CIELO
ALI: EL MIEDO COME EL ALMA / 1974
EN CONTEXTO
GÉNERO
Nuevo cine alemán
DIRECTOR
Rainer Werner Fassbinder
ESCRITOR
Rainer Werner Fassbinder
ESTRELLAS
Brigitte Mira, El Hedi ben

Salem, Bárbara Valentín,
Irm Hermann
ANTES
1955 El melodrama romántico de
Douglas Sirk All That Heaven Allows
Fassbinder (izquierda) interpreta a Eugen,
sirve de inspiración para Ali de Ali: El miedo devora el alma yerno de la limpiadora alemana Emmi (centro).
Fassbinder. Rainer Werner Fassbinder
(Angst essen Seele auf) Él y su esposa Krista (Irm Hermann) se ríen
1972 Fassbinder deja su es un intenso estudio de una relación de Emmi cuando ella dice que se ha enamorado
de un marroquí más joven.
huella como cineasta provocativo improbable pero tierna entre una
con Las amargas lágrimas de anciana mujer de la limpieza alemana
Petra von Kant. y un trabajador inmigrante árabe logró el compromiso
más joven. También es un mordaz emocional del melodrama clásico al
DESPUÉS comentario sobre el estado de la tiempo que expuso las tensiones
1979 Las bodas de Maria Braun es Alemania de los años 70, mientras subyacentes en la cultura alemana.
el mayor éxito comercial de Fassbinder. la pareja se enfrenta a la burla Los directores del nuevo cine
y la crítica de sus familiares y amigos. alemán, como Fassbinder, intentaron
1980 Miniserie de televisión de
Al centrarse en la relación entre una crear algo peculiarmente alemán
mujer alemana blanca y un inmigrante, combinando la aguda
Fassbinder Berlín Alexanderplatz
y situarla en el duro corazón urbano modernidad y el realismo de las nuevas
se convierte en un clásico de culto.
de Munich, Fassbinder olas francesa y británica con la
REBELDE REBELDE 223
Qué más ver: Todo lo que el cielo permite (1955, p.130) ■ Lola Montès (1955) ■ Los condenados (1969) ■ Las amargas lágrimas de
Petra von Kant (1972) ■ Las bodas de María Braun (1979) ■ El Tambor de hojalata (1979) ■ Berlín Alexanderplatz (1980)
La felicidad no siempre es divertida.

Epígrafe / Ali: El miedo devora el alma
El poder narrativo de Hollywood. Ali: El miedo En sus películas, Fassbinder
se come el alma también se puede ver presentó a la sociedad alemana
como homenaje a uno de los héroes un retrato intransigente de sus
defectos. Si bien Emmi y Ali
cinematográficos de Fassbinder, el
pueden permanecer juntos,
emigrado alemán Douglas Sirk, cuya el racismo que lo enferma
película de 1955 Todo lo que el cielo no desaparecerá.
permite retrataba el romance entre una
viuda acomodada y un jardinero más joven.
Fassbinder siempre trabajó Se mudan juntos, se dan
rápido, pero esta película se hizo cuenta de que se aman y deciden
excepcionalmente rápido: en menos de casarse.
dos semanas, entre otros dos proyectos. Su matrimonio queda
El resultado de este rápido cronograma rápidamente expuesto a los
de rodaje es un trabajo sencillo y sencillo prejuicios y los chismes de
de gran franqueza e inmediatez. todos los que los rodean, y el
fin de la abierta hostilidad sólo
surge de la hipócrita
Tensiones raciales necesidad de los
La alemana de la película es Emmi comerciantes y dueños
Kurowski (Brigitte Mira), de 60 años, y el de bares locales de
inmigrante es Ali (El Hedi ben Salem), de 40 mantener su costumbre. La
años. presión constante amenaza
Se conocen cuando Emmi se mete en un con destruir su relación, y Ali
bar árabe para protegerse de la lluvia de busca consuelo en los brazos de En muchas de las películas de Fassbinder,
camino a casa desde el trabajo. Ali le pide a la camarera que solía cocinar para él, su actitud hacia sus personajes puede
Emmi bailar y, a pesar de su limitado Barbara (Barbara Valentin, extremo ser dura y burlona. En Ali: Fear Eats the
conocimiento del alemán, se desarrolla una izquierdo). Sin embargo, al final, su amor Soul, lo que queda al descubierto es la
relación sincera entre ellos. perdura. crueldad de las personas que rodean a Emmi
y Ali. Por el contrario, la relación de Emmi
Rainer Werner Fassbinder Director y Ali se maneja de una manera
conmovedora y sincera.
Fassbinder fue el dirigiendo jugada tras jugada. Hizo Al final de la película, Ali colapsa y
impulsor del nuevo su primer largometraje en es llevado a un hospital, sufriendo una úlcera
alemán. 1969 y rápidamente alcanzó el de estómago.
Cine. En una reconocimiento internacional, pero su algo común, dice el médico, entre los
carrera que duró sólo vida privada fue a menudo problemática inmigrantes, debido a los continuos
14 años, hizo más de 40 películas, muchos y murió de una sobredosis de drogas prejuicios que enfrentan.
dramas televisivos y 24 obras de teatro. con sólo 37 años. Como dice Ali: "El miedo devora el alma".
Nació en Baviera, Alemania, en 1945, y Emmi promete hacer todo lo posible para
tuvo una infancia solitaria en la que vio Películas clave reducir el estrés y tiene una solución
miles de películas. profunda por su simplicidad casi banal:
1974 Ali: El miedo se come el alma
"Cuando estamos juntos, debemos ser
A los 21 años, dirigía una compañía de 1979 El matrimonio de
amables unos con otros". ■
teatro, escribía y escribía frenéticamente. María Braun
ÁNGELES
monstruo
19751991
Machine Translated by Google Р Е Л И З П О Д Г О Т О В И Л А Г Р У П П А "Novedades" VK.COM/WSNWS
Y
RS
226 INTRODUCCIÓN
Star Wars lleva la Dos giros épicos marcan el

Taxi Driver y Todos los ciencia ficción y las comienzo de la década de 1980:
hombres del presidente reflejan franquicias a una galaxia Jack Nicholson en el
Tiburón de Steven Spielberg las cicatrices psicológicas de completamente nueva, mientras psicohorror de Kubrick El
marca el comienzo de la la guerra de Vietnam y el Spielberg vuelve a emocionar resplandor y Robert De Niro
era de los éxitos de taquilla y Watergate con Close Encounters. del en la película biográfica
es un triunfo de taquilla. escándalo, respectivamente. Tercer Tipo. sobre boxeo de Scorsese Toro salvaje.
1975 1976 1977 1980
1975 1977 1979 1981
Las grabadoras de vídeo se Nueva York inspira tanto la La ciencia ficción pasa de distopías Mientras Raiders of the
generalizan como Betamax y (un mirada irónica de Woody Allen enloquecidas en Stalker y Lost Ark lanza la
año después) los formatos VHS sobre el amor en Annie Hall Mad Max al terror total en Alien. franquicia Indiana Jones ,
de larga duración permiten a los como el infierno disco que es un submarino alemán
cinéfilos grabar y reproducir Saturday Night Fever. mientras que Apocalypse Now deja acecha a su presa en
películas en casa. al descubierto los horrores de la guerra. Das Boot.
Dos años más tarde, cuando Star Wars (protagonizada por Robert De Niro como el
En los oscilantes años sesenta, en los de George Lucas apareció para capturar taxista y ex marine Travis Buckle) sería
Después de setenta
los grandes disturbios
se produjo dediferente de
un tipo la imaginación de una generación, el el primero de los
de la revolución se desarrollan. A pesar negocio del cine se transformó aún más. Entrar en obras maestras, una instantánea aturdida de
de todos los temblores en sus cimientos, el mundo de los wookies y los Jedi se convertiría paranoia y decadencia urbana que se convirtió
parecía que los grandes estudios de en un rito de iniciación para cada nueva instantáneamente en una cápsula del tiempo.
Hollywood todavía estaban en pie, pero ahora generación de cinéfilos, pero el éxito de Lucas Alvy Singer fue el héroe y narrador
un nuevo tipo de película irrumpió en escena. también significó que neurótico de otra consumada historia
El director Steven Spielberg era, como neoyorquina: la comedia romántica de
muchos de sus compañeros, un joven experto Pronto, para Hollywood, ya no existían las Woody Allen, Annie Hall. En los años
en cine. Pero en el fondo también era un meras películas: sólo franquicias en espera. siguientes, rara fue la película que no estuviera
showman a la antigua usanza. En la tradición endeudada.
clásica de Hollywood de accidentes felices y Y sin embargo, este también fue un momento a uno de esos personajes y
triunfos improbables, la producción de Tiburón cuando algunos de los mejores del cine sus creadores.
fue maldecida por un gran tiburón blanco mentes hicieron su más audaz
devorador de hombres que Spielberg consideró y películas duraderas. En Estados Unidos, tras Más allá de Hollywood
tan ridículamente irreal que apenas se la definitiva Fuera de Estados Unidos, la ambigüedad
atrevió a ponerlo en pantalla. Y, sin embargo, se retrato de la turbia historia de fondo de palpitaba en el corazón de películas que, una vez
convirtió en el éxito que cambió las películas, Los Ángeles, el foco de atención ahora vistas, sería imposible ignorarlas. Desde
instalando un nuevo tipo de superproducción en la recayó brillante e implacablemente en Nueva Australia, el mismo año en que el tiburón de
cima de la cadena alimentaria. York. A mediados de la década de 1970, Spielberg emocionó al público en Tiburón, el
Martin Scorsese ya se había anunciado director Peter Weir hizo Picnic en Hanging
como un gran talento, pero Taxi Driver Rock,
ÁNGELES Y MONSTRUOS 227
La conmovedora ET el extraterrestre
de Spielberg es ciencia ficción
para toda la familia; no así la épica Blue Velvet alcanza La comedia negra de Pedro Ambientada en la China de los
Blade Runner de Ridley Scott, una instantáneamente un estatus Almodóvar , Mujeres al borde de un años 20, Raise the Red Lantern
visión neonoir de Los Ángeles en de culto por la versión ataque de nervios, le granjeó al seduce al público de todo el mundo
2019. surrealista y subversiva de director español seguidores en todo con la intensidad de su poder
David Lynch de la cultura americana. el mundo. visual y emocional.
mil novecientos ochenta y dos 1986 1988 1991
1985 1987 1989 1992
El Instituto Sundance organiza su Ángeles se posan en Las indies alcanzan la mayoría de edad La Bella y la Bestia
festival de cine inaugural en Utah, Berlín en Wings of Desire de con Sexo, Mentiras y Cintas de Vídeo, de Disney es la primera
para defender el cine Wim Wenders, dos años un gran éxito para el estudio película animada
independiente y mundial. antes de la caída del Muro Miramax y el director nominada al
de Berlín que dividía Alemania debutante Steven Oscar a la Mejor
Oriental y Occidental. Soderbergh. Película.
una historia que inspiró igual temor con su por el subconsciente, y al menos tan
tenue relato de colegialas desaparecidas en surrealista, divertido y perturbador como
el interior de 1900. pueden ser los sueños reales.
Mientras tanto, en una zona industrial de A finales de los años 1980, otros
Estonia, el gran director ruso Andrei voces hablaban alto. Las películas
Tarkovsky estaba rodando Stalker, independientes estaban en ascenso, desde
Ahora más que nunca
situada entre la ciencia ficción y la filosofía. Spike Lee que rastrea las tensiones raciales
necesitamos escucharnos
en Brooklyn hasta Steven Soderbergh
unos a otros y entender
Estas son películas que siguen siendo, incluso enfocando su lente en la sexualidad y las
ahora, gloriosamente insondables.
cómo vemos el mundo, y el relaciones. Desde China, Raise the Red
cine es el mejor medio para hacerlo.
Lantern de Zhang Yimou fue
Martin Scorsese
Nueva década, nuevas voces Un magnífico drama de época y una señal de
En la década de 1980, los operadores de un futuro global.
Wall Street y las películas convencionales Mientras tanto, el propio cine
parecían más hábiles que nunca, pero en sobrevivió a otro ataque a su
los bordes, los directores todavía existencia misma: así como se suponía que la
profundizaban en lo que hay debajo. televisión la daría por muerta en décadas
Quizás nada lo resuma mejor que el hecho anteriores, también lo hizo el auge del vídeo
de que David Cronenberg... hito entusiasta, Top Gun (1986). doméstico en los años ochenta.
cuyas notorias escenas de “horror Y luego estaba David Lynch... En la batalla entre el VHS y el cine sólo
corporal” eran menos inquietantes que las quien, como Hitchcock antes que él, era hubo un ganador: los nuevos formatos van y
psiques de sus personajes, se le ofreció una lo suficientemente único como para existir vienen, pero las películas perduran. ■
vez la oportunidad de hacer eso. como un género propio, sus películas impulsadas
228
VAS A NECESITAR
UN BARCO MÁS GRANDE
MANDÍBULAS / 1975
que sale del agua, con la boca

EN CONTEXTO líneas en Tiburón, pero "Vas a abierta, dirigiéndose directamente
Hay muchos memorables
necesitar un barco más grande" hacia el público en sus asientos.
GÉNERO es la que la mayoría de la gente recuerda.
Acción Aventura Se produce justo después de que
La primera víctima del tiburón es
Brody (Roy Scheider), el jefe de policía
DIRECTOR la solitaria bañista Chrissie
acuafóbico de Amity Island, ve por primera (Susan Backlinie). El atacante es
Steven Spielberg
vez a su némesis: el gran tiburón blanco. tanto más aterrador cuanto que no lo ven.
ESCRITORES
Peter Benchley, Carl

Gottlieb (guión);
Peter Benchley (novela)
ESTRELLAS
Roy Scheider, Richard

Dreyfuss, Robert Shaw,
Lorena Gary
ANTES
1971 En el thriller Duel de Spielberg , un
conductor es perseguido por un camión.
DESPUÉS
1977 Encuentros en la tercera
fase es el ambicioso drama de
ciencia ficción de Spielberg.
1993 En su éxito de taquilla Parque

Jurásico, Spielberg recupera a los
dinosaurios de la extinción.

Qué más ver: Godzilla (1954, p.129) ■ Moby Dick (1956) ■ The Deep (1977) ■ Piranha (1978) ■ Alien (1979, p.243) ■ Open
Water (2003) ■ The Shark Is Still Trabajando (2007) ■ Todo está perdido (2013)
De lo que trata esta

película, y en lo que
tiene más éxito, es en el
nivel primordial del miedo.
Gene Siskel
Tribuna de Chicago , 1975
Es un momento de parque temático: el

tiburón es claramente mecánico, un
puntal de una grúa hidráulica, pero no
nos importa porque Tiburón
Es tanto un viaje como una película.
Cuando se estrenó la película de
monstruos de Steven Spielberg en
En junio de 1975, existía la sensación
de que había llegado algo nuevo.
Adaptada de una novela superventas de Peter
Benchley sobre un tiburón que aterroriza a con personajes deliberadamente tramposos Brody (Roy Scheider, centro) quiere
una pequeña comunidad playera, y códigos morales ambiguos. cerrar el complejo, pero es rechazado por el
alcalde (Murray Hamilton, izquierda), quien
Tiburón vendió 25 millones de entradas en El cuento del pez gordo de Spielberg
teme que los rumores de un ataque de
38 días; comenzó en grande y creció fue un retroceso a los orígenes divertidos de tiburón arruinen la temporada turística.
hasta alcanzar proporciones gigantescas. la imagen en movimiento: era puro
Los ejecutivos del estudio rápidamente entretenimiento, una montaña rusa que
se dieron cuenta de que estaban en algo: prometía sustos pero al mismo tiempo Después de Tiburón vino Star Wars
Tiburón 2 se apresuró a entrar en buscaba tranquilizar a su audiencia. La películas, Indiana Jones de Spielberg
producción y se estrenó en 1978. Spielberg película contenía saga, Regreso al futuro, y luego las
había inventado la “película de evento de todos los elementos que constituirían un megafranquicias de superhéroes del siglo
verano”, la espectáculo típico de Spielberg: efectos XXI. Pero, mirando hacia atrás, la imagen
superproducción repleta de acción dirigida al especiales ambiciosos, una historia de que engendró a estos gigantes es una
público veraniego que se convirtió alto concepto, niños lindos, un héroe criatura muy diferente. En comparación, Tiburón
La gran obsesión de Hollywood durante estadounidense de un pequeño pueblo que es una aventura relativamente modesta,
las próximas cuatro décadas. se encuentra fuera de su lugar. cuyo principal espectáculo es un tiburón de
profundidad y muchas oportunidades de goma tan poco convincente que Spielberg
Puro entretenimiento marketing.
Tiburón cambió el cine
estadounidense, que, durante la primera
mitad de la década de 1970, había sido
Esto no fue un accidente de barco.
esclavo de las películas discretas de estilo europeo. Hooper / Mandíbulas
230 MANDÍBULAS
Trabajé duro para mantenerlo fuera de la

pantalla tanto como fuera posible. En lugar de
los desmayos orquestales en toda regla
Por lo que más tarde se haría famoso, el
compositor John Williams emplea una
partitura musical irregularmente
minimalista para anunciar la llegada del tiburón;
el resultado, una especie de latido de
pánico, es el motivo cinematográfico más
inquietante desde las cuerdas punzantes
en Psicosis (1960) de Alfred
Hitchcock.
Claustrofobia
A medida que la narración avanza hacia su
Acto final, el gran enfrentamiento con el gran
tiburón blanco, su trío de héroes viaja mar
adentro, pero Spielberg
Se centra en su pequeño barco pesquero,
el Orca, y la historia se reduce a un drama
humano. Historia del hundimiento del USS Con el hundimiento
Orca y el tiburón a
A pesar de todas las mandíbulas de Indianápolis en la Segunda Guerra Mundial. “Mil punto de tragarse a Brody, tiene un
tiburón que se rompen, los botes de gas que cien hombres entraron al agua, salieron último plan desesperado para matarlo
trescientos dieciséis”, gruñe. "Los tiburones en un final espectacular.
explotan y las cabezas cortadas que se mueven
hacia la pantalla, la escena más memorable se llevaron el resto".
de Tiburón no es nada más espectacular terror tremendo. Spielberg es un showman
que tres hombres hablando: el jefe Brody, el astuto y sabe que las montañas rusas
experto en tiburones Hooper (Richard Tranquilo antes de la tormenta dependen de una pausa antes de cada
Dreyfuss) y el lobo de mar psicótico. Quint El discurso de Indianápolis es un caída que revuelve el estómago. Es una
(Robert Shaw) comparte una bebida nocturna momento de tranquilidad que se nos mete señal de su genio que Tiburón contenga
debajo de la cubierta. Comparan cicatrices y bajo la piel, así que cuando ese tiburón mecánico más momentos de calma que
cantan canciones y, finalmente, la conversación de aspecto falso emerge del océano, lo vemos se hunde, pero es recordado por su horror y
se vuelve oscura, mientras Quint cuenta la como el director. sus nudillos blancos.
escalofriante previsto: un monstruo imbuido de acción Aventura. ■
Steven SpielbergDirector
Nacido en Cincinnati, Ohio, en 1946, Steven drama. En 1993, contó una historia real
Spielberg ha sido un nombre muy de heroísmo durante el Holocausto
conocido durante cuatro décadas. con La lista de Schindler.
Un narrador totalmente estadounidense con Desde entonces ha equilibrado
una mirada europea, ha realizado algunas Drama histórico con espectáculos de
de las películas más exitosas de todos efectos especiales.
los tiempos. Con Tiburón, su primer éxito,
inventó la “película de eventos”. Su Películas clave
entusiasmo por la pantalla grande lo llevó a
hacer la serie Indiana Jones , un homenaje a 1975 mandíbulas
las series de acción y aventuras de los años 1978 Encuentros cercanos del
30, mientras que su fábula familiar ET demostró Tercer tipo
que era un maestro de la emoción. 1982 ET el Extraterrestre
1993 La lista de Schindler
El cartel de la
película es uno de los
más icónicos
diseñados para
cualquier película.
Como ocurre con la
mayoría de las películas
de Spielberg, hubo una
gran cantidad de juguetes y productos de
Sin embargo,
sorprendentemente,
pasaron 15 años antes de que
se abriera una
atracción en el parque temático Tiburón , con
enorme éxito, en Florida.
232
HAY ALGUNAS PREGUNTAS

TENGO RESPUESTAS Y
ALGUNOS NO LO HAN
PICNIC EN ROCK COLGANTE / 1975
misterios planteados en este inquietante

EN CONTEXTO P icnic comienza
en la Roca Colgante
con una leyenda viaje del Día de San Valentín a las tierras
que dice que el 14 de febrero de salvajes de la selva australiana.
GÉNERO
1900, un grupo de colegialas fue de picnic a
drama de misterio
Hang Rock, cerca de Sin resolución
DIRECTOR Monte Macedonia en Australia Los extraños acontecimientos de Hang
Peter Weir estado de Victoria. Termina con las Rock se relataron por primera vez
palabras: “Durante la tarde varios en una novela de 1967 de la autora
ESCRITORES miembros del partido desaparecieron australiana Joan Lindsay, que a su vez
Cliff Green (guión); sin dejar rastro”. Esto crea la impresión de era ambigua sobre si el caso de la
Joan Lindsay (novela) que la historia que sigue está basada parte desaparecida era cierto. Cuando
en hechos reales, pero no lo es. La película, Weir decidió adaptar el libro al cine, se
ESTRELLAS
realizada en 1975, es enteramente enfrentó a un desafío inusual: Lindsay
Rachel Roberts, Anne
ficticia. no había ofrecido ninguna explicación
Louise Lambert, Vivean
Entonces, ¿por qué están las palabras ahí? para el misterio central de la historia.
Gris, Helen Morse ¿Son un truco, una pista, o ambas Las tres niñas y su maestra simplemente
ANTES cosas? Este es el primero de muchos desaparecen; no hay ninguna
1974 El primer largometraje de Weir, indicación de adónde van ni por qué.
¿Podría el director esperar que su
Los coches que comieron París,
desarrolla su tema audiencia se sienta a ver un misterio de
dos horas que no tiene resolución?
característico de sucesos
vertedero
macabros en una pequeña comunidad.
La respuesta fue extraer temas de
DESPUÉS Una película compuesta ausencia: no sólo las niñas y la señorita
1981 Al igual que Hanging Rock, casi en su totalidad por pistas. McCraw, su maestra, desaparecen al
Gallipoli, el drama de Weir sobre la Nos obliga a estirar principio de la historia, sino que no se
encuentran soluciones o pistas a las
Primera Guerra Mundial, captura nuestra imaginación.
auténticamente la Australia eduardiana. Vicente Canby preguntas formuladas. Otro maestro,
El Nuevo york Veces , 1979 el Sr. Whitehead (Frank Gunnell), es el
1989 El aclamado drama
primero en aceptar que el evento no tiene
estadounidense de Weir, Dead Poets Society, solución: "Hay algunas preguntas que
se hace eco de Hanging Rock en su tienen respuesta y otras no", dice
historia de una tragedia en una escuela. simplemente. En Picnic en Hanging Rock,
Weir es

Qué más ver: Bunny Lake Is Missing (1965) ■ Wake in Fright (1971) ■ Walkabout (1971, p.337) ■ El año de vivir peligrosamente (1982) ■ El
proyecto de la bruja de Blair (1999) ■ Las vírgenes suicidas ( 1999) ■ El camino de regreso (2010) ■ El Babadook (2014)
Peter Weir
Director
Nacido en Sídney en 1944,
Weir comenzó su carrera
realizando documentales con
La Commonwealth de Australia
Unidad de Cine. Asociado con el
movimiento denominado “Nueva
Irma, Marion y Miranda comparten un 1900, cuando los colonos europeos
momento inquietantemente idílico justo Ola Australiana”, que incluía a
todavía eran extraños en una tierra antigua
antes de partir para escalar la Roca Colgante. artistas y cineastas que obtuvieron
que no entendían del todo. reconocimiento internacional en
Irma será encontrada más tarde sin su corsé.
Los otros dos, junto con la señorita los años 1970 y 1980, pasó a hacer
Posible pista
McGraw, desaparecen sin dejar rastro. películas que se centraban en
Hay un indicio de que la sexualidad
está en el centro de la desaparición. comunidades bajo presión, su
pidiendo al espectador que respete el Cuando una de las chicas “regresa”, atmósfera refleja las fuerzas
misterio por lo que es. Parece haber incapaz de expresar con palabras su tumultuosas que afectan las vidas
ocurrido una especie de evento experiencia, ¿por qué le falta el corsé? de los personajes. Después de la
sobrenatural. No tiene contexto y por lo ¿Es significativo que la desaparición se Después del éxito de su drama
tanto es aterrador. Weir construye su drama produzca el día de San Valentín? ¿O que la Gallipoli sobre la Primera Guerra
roca misma se asienta sobre un volcán Mundial , las películas de Weir a
sobre esta atmósfera amenazadora, que vibra
con el calor sofocante del verano inactivo, un símbolo potencial del deseo
menudo han sido vehículos estrella
que colocan a un hombre en
australiano. Dispara a Roca Colgante como reprimido? Es imposible saberlo. Cualquier
una sociedad cerrada y lo ven
si fuera la superficie de un mundo alienígena respuesta al enigma se evapora en la bruma
luchar por conectarse, como John
hostil, que es lo que debió sentir el seca del arbusto. En Picnic at Hanging
Book in Witness (1985) de Harrison
Rock, es el misterio lo que perdura, y no la
Ford, ambientada en una comunidad Amish.
explicación. ■
caracteres. La película está ambientada en
Películas clave
Sólo estaremos fuera 1975 Picnic en Roca Colgante

1981 Galípoli
por un rato. 1989 Sociedad de poetas muertos
1998 El show de Truman
Miranda / Picnic en Roca Colgante
ALGÚN DÍA UN VERDADERO
LLUVIA
VENDRÁ
TAXISTA / 1976
236 TAXISTA
EN CONTEXTO Es el7,8año 1976

millones deypersonas
hay alrededor
viven
GÉNERO
en la ciudad de Nueva York.
Travis Bickle (Robert De Niro) los mira
Thriller psicológico
a todos a través de las sucias ventanas
DIRECTOR de su taxi; dondequiera que mire,
Martin Scorsese desde Times Square hasta East 13th La respuesta inmediata
Street pasando por Park Avenue South, suele ser muy visceral
ESCRITOR
hay personas, pero para Travis bien y enojada. Pero si esta
Pablo Schrader podrían ser personajes de una película. película no fuera
ESTRELLAS
Es un outsider, alienado y enojado, controvertida, algo
que ve el mundo desde el interior de anda mal en el país.
Robert De Niro, Jodie
un coche. este es el taxi Pablo Schrader
Foster, Cybill Pastor, Entrevista con Roger Ebert,
conductor de la película de Martin
Harvey Keitel Chicago SunTimes , 1976
Scorsese, que vaga por la ciudad en
ANTES un sueño pegajoso y febril.
1973 Martin Scorsese,
Robert De Niro y Harvey Keitel se Lluvia limpiadora
unen por primera vez en Mean Taxi Driver es una película
Streets, la historia de un mafioso de
guarra, no de la misma manera que
las películas porno que a Travis le gusta ver.
bajo rango de Nueva York.
en los teatros destartalados de la calle degenerados, despotricando
42, sino en su representación de la contra la prostitución, la
1974 De Niro salta a la fama en El ciudad sucia. Scorsese rodó la película homosexualidad y el consumo de
Padrino: Parte II, como el joven durante la ola de calor del verano de drogas. Cuando Travis habla de una
Don Vito Corleone. 1975, durante una huelga de recogida de lluvia purificadora, lo dice de manera
basura que dejó a Manhattan montañosa con bíblica y apocalíptica. Pero él no es
DESPUÉS
basura podrida. “Gracias a Dios por un fanático religioso; sólo quiere un
1982 Scorsese dirige De Niro en la lluvia para lavar la basura del propósito. Su Dios existe sólo para
El rey de la comedia, una comedia acera”, dice Travis. “Algún día vendrá darle la orden de matar, tal como lo
negra sobre otro perdedor delirante una verdadera lluvia y lavará todo hizo su oficial al mando cuando Travis sirvió.
de Nueva York. esta escoria de las calles”. como infante de marina en la guerra de Vietnam.
1990 Scorsese regresa a la mafia En el mundo de Travis, las únicas

cosas limpias son su conciencia y su Alma perdida
con Goodfellas, una de sus películas
permiso de conducir. Para él, todo lo Travis está perdido en muchos
más populares.
demás es repugnante, incluidos sus sentidos: luchó en el bando perdedor
compañeros neoyorquinos. el los encuentra en la guerra del Sudeste Asiático y ahora
Minuto por minuto

00:19 00:32 01:05 01:30
Travis entra a la oficina de Cuando Travis lleva a Betsy a ver Una tienda es asaltada a punta En un mitin a favor de Palatine, Travis es
campaña del Senador Palatine para una película porno, ella sale de pistola mientras Travis está en ella. visto por un guardia de seguridad
ofrecerse como voluntario, como disgustada. Él la llama y le envía Le dispara al ladrón. El dueño de la mientras se acerca al senador y parece
excusa para hablar con su flores, pero ella lo ignora. tienda lo cubre, ya que Travis no tomar su arma.
asistente Betsy. La lleva a tomar un café. tiene permiso para portar armas. Travis se va sin disparar.
00:00 00:15 00:30 00:45 01:00 01:15 01:30 01:53
00:27 00:51 01:21 01:34

Palatine se sube al taxi de Travis. Después de casi atropellar a El día después de pagar su tiempo, Travis dispara a Sport, el
Travis le dice que es necesario limpiar Iris, Travis compra armas. Travis ve a Iris a desayunar. Él dice dueño de un hotel y un
la ciudad. Más tarde, la prostituta Comienza un intenso que le dará el dinero para que deje el jugador que está con Iris.
adolescente Iris entra, pero el proxeneta régimen de ejercicios y practica Sport y se vaya a una comuna. Intenta pegarse un tiro pero se
Sport la saca. tiro. queda sin balas.

Qué más ver: Mean Streets (1973) ■ The Deer Hunter (1978) ■ Raging
Bull (1980, págs. 338–39) ■ The King of Comedy (1982) ■ After Hours (1985)
ha perdido la fe en el país por el que luchaba. son sus pasajeros, pero, como él, no
Incluso su capacidad para dormir lo ha tienen idea de hacia dónde se dirigen.
abandonado.
Lo más importante es que ha perdido
el rumbo en la vida. “Lo único que mi Cabalga por el infierno
vida necesitaba era la sensación de tener Desde los primeros momentos de
un lugar adonde ir”, murmura en su Taxi Driver, Scorsese invita al espectador
narración medio despierto, medio a una mente atormentada
soñando, mientras se desliza sin de este antihéroe, sugiriendo la
cesar por la noche en su taxi, llevando a inestabilidad de su personaje a través
otros a sus destinos. Los ojos de Travis de imágenes y ángulos de cámara Martin Scorsese
se vislumbran en la pantalla en el espejo dispuestos caóticamente. Director
retrovisor, como si el público La primera toma de la película es
una nube de vapor que sale de las "Toda mi vida ha sido cine y
Travis decide salvar a Iris (Jodie
alcantarillas, teñida por una luz de neón roja. religión", dijo una vez Martin
Foster), una prostituta de 12 años, de
Parece azufre saliendo del infierno, y el taxi Scorsese. "Eso es todo.
su proxeneta, Sport, lo quiera ella
o no. Al salvarla, Travis puede de Travis aparece de repente en medio, Nada más." Nació católico en
convertirse en la lluvia limpiadora. como si fuera Queens, Nueva York, en 1942, y las
películas se han convertido
para él en una religión en sí
misma, una forma de arte que
reverenciar y atesorar.
Scorsese estudió cine en
la Universidad de Nueva York.
Dirigió su primer largometraje, I Call
First, en 1967. Desde entonces, su
producción ha sido diversa, desde
crudos thrillers urbanos hasta
grandes dramas históricos,
rindiendo homenaje a los clásicos del cine.
La religión encuentra su camino hacia
la mayoría de sus películas,
sobre todo La última tentación de
Cristo (1988) y Kundun
(1997). También tiene otra gran
pasión: la ciudad de Nueva York,
tema de gran parte de su trabajo,
desde su primer gran éxito,
Mean Streets, hasta Gangs of
New York.
Películas clave
1973 Calles malas

1976 Taxista
1980 Toro furioso
1990 Buenos amigos
2002 Pandillas de Nueva York
2006 Los difuntos
238 TAXISTA
en un viaje por el inframundo. (Cybill Shepherd), una voluntaria de
El coche avanza lentamente por la campaña de la que se ha enamorado, "¡y
pantalla, como si se detuviera y pidiera al vas a morir en un infierno, como el resto de
público que entrara. ellos!" El infierno es lo que ve cuando mira a su
En la banda sonora, la música aumenta alrededor y quiere salvarla de las llamas.
y fracasa. es un momento
No conozco a nadie que
de pavor que le dice a la audiencia Ella es una activista que hace campaña por
pueda sorprenderme en la
como pasajero exactamente hacia una “política limpia” y, a su manera, ella, al igual
dónde se dirige. que Travis, reza para que llueva.
pantalla como lo hace
"Estás en un Es un sentimiento que tocó la fibra sensible. De Niro... que pueda
infierno", le dice con el público de la época. Cuando brindarme tal poder y emoción.
Travis a Betsy. Cuando la película se estrenó en 1976, el Martin Scorsese
escándalo Watergate, en el que el
presidente Nixon fue
descubierto como un mentiroso y
destituido de su cargo, todavía estaba
fresco en la memoria nacional.
Muchos estadounidenses habían
perdido la fe en los políticos y sentían una prostituta de 12 años llamada Iris (Jodie
que no tenían líderes. Foster), que tiene tanta confianza como
Betsy e igualmente no está interesada en
Encontrar una causa que Travis la salve. Pero Travis no le da
Betsy, una joven rubia guapa y otra opción al respecto.
segura de sí misma, rechaza
Travis después de llevarla a un Travis se encuentra con un atraco
Película porno en su primera cita. en una tienda y dispara al ladrón
Travis reacciona mal, luego le envía flores a muerto. El dueño de la tienda cubre
Betsy y la acosa en el trabajo, pero luego Travis, aconsejándole que abandone la
centra su atención en otra causa: escena porque no tiene
una licencia de armas. Travis ve que este
asesinato, su primer acto de
La “limpieza” se recibe con
gratitud. Ahora él
se pone el
combate
Travis, solo en su apartamento,

se prepara para su día de acción.
Construye meticulosamente fundas
para sus armas e imagina hablando
con sus víctimas mientras se
mira en el espejo.
La transformación de Travis Bickle
Antes Después
• Es mentalmente inestable, • Se afeita el cabello formando un mohawk

bebe mucho y sufre de insomnio. amenazante y usa gafas de sol para
ocultar sus ojos.
• Un ex marine • Se vuelve cada vez más
lucha por encajar y mentalmente inestable y
conectarse con otras violento, desarrollando una
personas. ilusión obsesiva de que
• Viste una camisa asesinar al senador
Palatine lo convertirá
informal a cuadros, jeans
en un héroe
y zapatos. Robert De Niro Actor
• Lleva un diario • Lleva una chaqueta
de combate del ejército Robert De Niro ha protagonizado
• Visita salas
y una insignia con el en más de 90 películas, ocho de
porno con regularidad.
lema presidencial, para ellas dirigidas por Martin
ayudarle a mezclarse entre Scorsese. Saltó a la fama
la multitud durante su
interpretando al joven Vito
intento de asesinato.
Corleone en El Padrino: Parte
• Oculta armas y un II de Francis Ford Coppola, y
cuchillo debajo de su ropa. pronto se ganó una
reputación por su enfoque
dedicado a la investigación
de sus papeles. Su preparación
se afeita la cabeza hasta dejarse Con el taxi emergiendo a través de él para Raging Bull de Scorsese se
un mohawk y se propone vengarse y la narración murmurada de Travis, el volvió legendaria después de
del proxeneta de Iris, Sport (Harvey clímax de la película parece tener lugar ganar 27 kg (60 lb) para interpretar
Keitel), en lo que resulta ser un horrible en un mundo de pesadilla. al boxeador Jake LaMotta.
baño de sangre. Adentro Scorsese ha hablado a menudo de Durante las primeras
tres décadas de su carrera,
películas que existen en la
intersección de los sueños y la De Niro se especializó en el
retrato de inadaptados, outsiders y
realidad, y ahí es donde lleva a la
personalidades violentas e
audiencia.
impredecibles, desde Corleone y
cabeza de Una soñadora coda de la Travis Bickle hasta Al
Travis, estalla la tormenta—el masacre, en la que Travis sobrevive y se Capone en Los intocables (1987)
Por fin ha llegado la verdadera lluvia. convierte en un héroe sensacionalista, de Brian De Palma y Max
ha sido interpretada como su última Cady, el acosador en El cabo del
mundo de pesadilla fantasía. Ya sea real o imaginario, es el miedo de Scorsese (1991).
La cinematografía del alboroto de ansiado momento de Travis en el centro Más recientemente ha interpretado
Travis es alucinógena por sus colores de atención. El escritor Paul Schrader papeles más suaves y menos
contrastantes y ángulos desconcertantes, considera que el final lleva a la audiencia al volcánicos y se ha diversificado hacia la comedia.
como si la película ahora estuviera principio, por lo que Travis se
marcha, pero ni él ni el mundo se han
descendiendo completamente hacia la irrealidad.
curado. ■ Películas clave
Como el primer disparo del vapor,
1973 Calles malas
¿ Estás hablando conmigo? 1974 El padrino: Parte II

1976 Taxista
Bueno, soy el único aquí. 1978 El cazador de ciervos
1980 Toro furioso
Travis Bickle / Taxista
240
TE AMO
¿SABES? TE AMO.
TE LLENO.
ANNIE HALL / 1977
DOS 'F'
La película de Allen le
EN CONTEXTO película de 1977 robó el Oscar a la Mejor
Woody Allen Annie Hall Película a Star Wars, un
GÉNERO raro ejemplo de una
es un romántico neoyorquino
Comedia romántica película pequeña e
Comedia con sus dos intelectual que
DIRECTOR elementos en perfecto supera a un gran éxito
Woody Allen
equilibrio. El propio Allen de taquilla en el codiciado premio.
interpreta al comediante
ESCRITORES
Alvy Singer, y Diane Keaton,
Woody Allen, la novia de Allen en ese Como neoyorquino,
Marshall Brickman momento, interpreta a Annie Hall. Alvy desdeña Los
La película está impregnada de Ángeles, que
ESTRELLAS
El humor neurótico característico considera un páramo
Woody Allen, Diane
de Allen, y puede haber sido un reflejo cultural. Al recibir una invitación para
Keaton, Tony Roberts
cómico de los altibajos de su relación presentar un premio por televisión allí,
ANTES en la vida real con Keaton. responde: “En Beverly Hills no tiran la
1933 Los hermanos Marx, una También es en gran medida un basura. Lo convierten en programas de
gran influencia en Allen, elaboran sopa documento de su tiempo y lugar, televisión”. Y cuando Annie expresa su
de pato (p.48). Más tarde utiliza centrándose como lo hace en las deseo de ir a Los Ángeles, Aly lo ve como un
preocupaciones de la intelectualidad de defecto de su personalidad.
un clip en su película Hannah and Her
Manhattan de finales de la década de
Sisters (1986).
1970, con sus opiniones prolijas y Al mismo tiempo, sin embargo,
1973 Escenas de un competitivas sobre el significado del reconoce que está atrapado por la
matrimonio, de Ingmar arte, el cine y la literatura. Alvy satiriza personalidad que le ha dado Nueva
Bergman, muestra los altibajos su pretenciosidad y al mismo tiempo se deleitaYork.
con ella.
de una pareja casada de forma
hiperrealista.
Creo que una relación es como un tiburón.
DESPUÉS
1993 Allen y Keaton se reencuentran ¿Sabes? Tiene que avanzar constantemente
en la pantalla por última vez hasta o muere. Y creo que lo que tenemos entre manos
la fecha en Manhattan Murder
Mystery del director.
es un tiburón muerto.
Alvy Singer / Annie Hall
ANNIE SALÓN 241

Qué más ver: 8½ (1963) ■ Mi noche en casa de Maud (1969) ■ Escenas de un matrimonio (1973) ■ El durmiente (1973) ■
Manhattan (1979) ■ Hannah y sus hermanas (1986) ■ Deconstruyendo a Harry (1997) ■ Blue Jasmine (2013)
El ensimismamiento del conjunto

neoyorquino es fundamental para Annie Woody Allen Director/Actor
Hall, y Alvy lo personifica. En muchos
Nacido como Allen Konigsberg en comedias slapstick antes de
sentidos, la película es una evolución de la
Brooklyn, Nueva York, en 1935, el origen desarrollar obras influenciadas por
rutina de standup de Allen, en la que hacía
judío de Woody Allen en Nueva York se películas de autor europeas. Allen
comedia a partir de sus propias
convertiría en un tema clave en sus películas. continúa haciendo una nueva película casi
inseguridades y preocupaciones. Él empezó
La película comienza con un
Se dedicó a escribir chistes para periódicos y todos los años.
monólogo ante la cámara en el que Alvy televisión antes de convertirse en comediante
resume sus problemas con las mujeres a principios de la década de 1960, Películas clave
citando el famoso comentario de creando monólogos que se basaban en su
Groucho Marx: "Me gustaría mezcla de intelecto y dudas sobre sí mismo. 1977 Annie Hall
Nunca quiero pertenecer a ningún club que En 1965 ya hacía películas, empezando 1979 manhattan
tenga a alguien como yo. por 1986 Hannah y sus hermanas
para un miembro.” De su primera esposa,
Allison, Alvy dice más tarde: “¿Por qué inútil, ya que las relaciones que encuentra dice: 'Bueno, ¿por qué no lo entregas?' Y el
apagué a Allison Portchnik? Ella son fugaces y no particularmente chico dice: 'Lo haría, pero necesito los huevos'”.
era—ella era hermosa. Ella estaba significativas. Una pareja atribuye la felicidad a En este caso, los huevos son amor y Annie
deseoso. Ella era realmente... inteligente. su mutua superficialidad y al hecho de que no es el amor de la vida de Alvy. Annie Hall es el
¿Es el viejo chiste de Groucho Marx? tienen “nada interesante que decir”. análisis de Allen sobre cómo el amor sale mal.
“Necesitamos los huevos” Al final, Alvy tiene que admitir que cómo se rompen los huevos. ■
A lo largo de la película, Alvy Las relaciones son "totalmente irracionales,
explora qué hace que una locas y absurdas... pero supongo que Alvy (Woody)
relación sea exitosa y por seguimos pasando por eso porque la Allen) sigue siendo
mayoría de nosotros necesitamos la ayuda". retrocedido a
qué fracasan, incluso
Annie (Diane
preguntando a personas huevos." Esta es una referencia a un
Keaton), pero está
al azar en la calle. chiste en el que un hombre va al condenado a fracasar en
Pero psiquiatra y le dice que su hermano cree todas sus relaciones.
que es un
parece que pollo. “El doctor
su búsqueda es
242
LA FUERZA ES FUERTE
CON ESTE
GUERRA DE LAS ESTRELLAS / 1977
expresión mágica del sueño

EN CONTEXTO “Érase una vez…” Estrella americano, enfatizando el poder
Así comoWars
los cuentos decon
comienza hadas
unacomienzan con
tarjeta de título del individuo.
GÉNERO
que dice "Hace mucho tiempo en una
Ciencia ficción, aventura.
galaxia muy, muy lejana..." Con estas Mezclando géneros
DIRECTOR palabras, el público es transportado a un Para cualquier fanático de las películas, la
universo de cuento de granjeros alegría del éxito de taquilla de Lucas es su
jorge lucas
heroicos, caballeros en duelo, sirvientes enfoque de urraca del género. Star Wars
ESCRITOR cómicos, señores oscuros, rebeldes es una aventura de ciencia ficción, un
jorge lucas oprimidos y princesas encerradas en cuento de hadas, un western, una
lo profundo. , mazmorras oscuras. George película de guerra, una epopeya de
ESTRELLAS
Lucas combina estos elementos para relatar una
samuráis, una comedia cómica e incluso una tragedia de Sh
Mark Hamill, Harrison
Cuento desafiantemente americano. y todo esto combinado en una sola película
Ford, Carrie Fisher, ObiWan Kenobi, el gran maestro Jedi accesible para cualquier persona desde
Alec Guinness
(interpretado por Alec Guinness), es los cinco años en adelante. En definitiva,
una fusión de guerreromago y autodidacta. es una estupenda introducción a las
ANTES
ayudar al gurú, mientras que “la Fuerza” es un infinitas posibilidades de la imagen en movimiento. ■
1971 La primera película de
George Lucas, THX 1138, es una Princesa Leia
fábula de ciencia ficción ambientada (Carrie Fisher)
en un futuro distópico vigilado por androides. se une a
Luke Skywalker
DESPUÉS (Mark Hamill)
1980 Lucas deja vacante la para luchar
silla de director de El Imperio contra el malvado

Imperio. Se vuelven
Contraataca, la primera secuela de Star
cercanos, pero les
Wars, que formó el “Episodio V” tienen guardada una gran sorpre
de un arco narrativo.
1983 La Guerra de las Galaxias inicial

La trilogía concluye con El regreso del
Jedi. Le sigue en 1999 La
amenaza fantasma, la primera de tres Qué más ver: Flash Gordon (1936) ■ La fortaleza oculta (1958) ■
precuelas. Lawrence de Arabia (1962) ■ El imperio contraataca (1980)
AÚN NO
ENTIENDES CON
QUÉ ESTÁS
LIDIANDO, ¿verdad?
EXTRANJERO / 1979
El cartel fue
EN CONTEXTO dos años después diseñado para no
Alien fue de
liberado
Star Wars, que revelar nada al
GÉNERO público, y la película
había reavivado el apetito de
Ciencia ficción, terror revela la forma del
Hollywood por el espacio. Al
extraterrestre
DIRECTOR igual que Star Wars,
sólo poco a poco
presentaba naves para aumentar
RidleyScott
espaciales, planetas distantes la tensión.
ESCRITORES y efectos especiales
Dan O'Bannon, innovadores. A diferencia
Ronald Shuset de Star Wars, sin La dura
embargo, era aterradora: protagonista Ripley.
ESTRELLAS
una historia de pesadilla Los espectadores
Sigourney Weaver, nihilista que giraba en torno al extraterrestre más que acudieron
inquietante a la película esperando
del cine.
Tom Skerritt, John Hurt, El proyecto se llamó originalmente pistolas láser y robots divertidos se
Ian Holm Bestia Estelar. Tenía un guión de llevaron una sorpresa.
ANTES
película B sobre un polizón alienígena
1974 El concepto de Alien.

a bordo de una nave espacial llena de Terror de lo invisible
humanos. Sin embargo, en manos El extraterrestre es la verdadera estrella
Se origina en la película estudiantil
del director Ridley Scott, este concepto de la historia, a pesar de que Scott mantiene
Dark Star de Dan O'Bannon.
aparentemente poco original se convirtió oculto a su monstruo durante la mayor
1975 En Tiburón, Steven Spielberg en algo nuevo en el género de ciencia parte de la película. El espectador
genera pavor con sólo breves ficción: una película de terror oscura vislumbra su mano espinosa, su baba
vislumbres del tiburón. y siniestra con sangre, muertes temblorosa, el brillo negro de su cráneo. El
violentas e imágenes psicosexuales la imaginación del público
DESPUÉS completa el resto. El terror proviene de su
extrañas. Scott aportó un realismo
1986 La secuela de Alien, Aliens innovador y sombrío al diseño de la nave silencios aterradores e insoportables,
de James Cameron tiene espacial, contrató al artista surrealista y el conocimiento, gracias al lema
múltiples monstruos. suizo HR Giger para diseñar el icónico de Alien , de que "en el
espacio,para
extraterrestre y eligió a una mujer (Sigourney Weaver) nadie el puede oírte
papel de la gritar". ■
1992 En Alien3, Ripley se estrella en
un planeta prisión, donde los
Qué más mirar: ¡Eso! El terror del más allá del espacio (1958) ■ Tiburón (1975,
extraterrestres causan estragos entre
págs. 228–31) ■ La cosa (1982) ■ Aliens (1986) ■ Prometeo (2012)
los canosos reclusos.
244
ESTÁ MUY LINDO AQUÍ AFUERA.

ES EL LUGAR MÁS
FUENTE DEL MUNDO
ACOSADOR / 1979
El significado
EN CONTEXTO grandes artistas, de la película
Como todo
ruso ha sido discutido
GÉNERO interminablemente
director andréi
ciencia ficción desde su
A Tarkovsky le
estreno. El
DIRECTOR preguntaban a menudo propio Tarkovsky
Andréi Tarkovski
donde encontró se negó a dejarse involucrar.
las ideas para su
ESCRITORES
películas. El propio
Arkady Strugatsky y Boris Tarkovsky, sin
Strugatsky (guión y novela) embargo, no creía Vale la
que el tema de la pena
inspiración fuera mencionar
ESTRELLAS
realmente un tema de discusión. estas cosas,
Alisa Freyndlikh,
“La idea de una película”, ya que
Aleksandr Kaydanovsky,
dijo una vez, “siempre me explican en
Anatoly Solonitsyn viene de una manera cierta medida
ANTES de una manera muy la actitud
ordinaria y aburrida, indirecta del propio dire
1966 Anatoly Solonitsyn protagoniza
poco a poco, por fases su arte, del que habló él mismo en su
Andrei Rublev, de Tarkovsky, sobre
bastante banales. Contarlo sólo libro de 1986 Sculpting In Time, cuyo
un iconógrafo medieval.
sería una pérdida de tiempo. título es la metáfora perfecta de su
1972 La película Solaris de Realmente no hay nada técnica cinematográfica. Una
Tarkovsky inicia un período prolífico. fascinante, nada poético en ello”. película de Tarkovsky es en
La visión pesimista de Tarkovsy cierto modo como una pieza de
DESPUÉS
sobre el arte en general también puede escultura del artista británico
1986 En su última película, El Henry Moore: las abstracciones
parecer sorprendente. “Es obvio que
sacrificio, un hombre negocia con Dios significan tanto como las realidades,
el arte no puede enseñar nada a nadie”,
para salvar a la humanidad.
afirmó, “ya que en 4.000 años la humanidad y lo que se omite a menudo tiene
no ha aprendido nada de nada”. tanto significado como los elementos que quedan

Qué más ver: 2001: Una odisea en el espacio (1968, págs. 192–93) ■ El color de las granadas
(1969) ■ Solaris (1972) ■ Armonías de Werckmeister (2000)
Cuando un hombre piensa en el pasado,

se vuelve más amable.
El Acosador / Acosador
Stalker, como muchas de las otras películas por los extraños fenómenos con los que se
de Tarkovsky, fue adaptada de una obra existente, topan después de que los Visitantes se
en este caso, la novela Roadside Picnic de han ido.
1971 de
Arkady y Boris Strugatsky, que describe lo inexplicable Andréi Tarkovski
las consecuencias Inusualmente para la ciencia ficción de la época, Director
de una serie de incursiones la Visitación en sí no fue de interés en la
extraterrestres, denominada Visitación, en novela; ni lo es para Tarkvosky. Su interés por el Nacido en 1932 en una familia de
seis zonas del mundo. género de ciencia ficción dio lugar a otra obra poetas y escritores en la ciudad
Los detritos casuales que quedaron atrás maestra, Solaris, pero utilizó la forma para soviética de Zavrazhye, Andrei
por los Visitantes invisibles se compara en el libro adaptarla a su gusto. Tarkovsky decidió emprender una
con “el desorden habitual” que queda carrera en el cine cuando tenía
fines artísticos. De hecho, la lenta apertura
poco más de veinte años. Inscribirse
en un picnic: “corazones de manzana,
para estudiar dirección en el Estado de Moscú
envoltorios de caramelos, restos carbonizados de Stalker ni siquiera intenta explicar qué ha
Instituto de Cinematografía, donde
de la fogata, latas, botellas, el pañuelo de alguien, dado lugar al
también estudió Sergei Eisenstein,
la navaja de alguien, periódicos rotos, monedas,
realizó su primer cortometraje
flores marchitas recogidas en otro prado”. estudiantil en 1956: The Killers,
El “Escritor” (Anatoly Solonitsyn) se coloca
una corona de espinas en la cabeza adaptado de un cuento de Ernest
Así como los detritos de un picnic desconciertan— mientras los hombres esperan en la sala de Hemingway.
y amenaza—los animales que teléfonos mientras están en La Zona. Como El primer largometraje de
Encuéntralo, también los humanos están perplejos. muchas imágenes de la película, la alusión es oscura. Tarkovsky, Ivan's Childhood, lanzó
una carrera de alto perfil de películas
de autor elegantes y llenas de matices.
Después de un comienzo lento (sólo
dos largometrajes en la década
de 1960, incluido el aclamado Andrei
Rublev), recuperó el tiempo perdido
en la década de 1970,
comenzando con la historia
espacial Solaris. Caracterizadas
por tomas largas y simbolismos
misteriosos, sus películas plantean
profundas preguntas existenciales
sobre la vida y su significado.
Murió en París en 1986.
Películas clave
1962 La infancia de Iván

1966 Andréi Rublev
1972 Solaris
1979 acosador
246 ACOSADOR
entidad misteriosa llamada "La Zona". A primera parte de la película, pero su esposa El Stalker yace herido cuando los hombres
entran por primera vez a La Zona. Mientras
estas alturas no se sabe nada sobre sus todavía le ruega que no entre en La Zona y
se aventuran en lo desconocido, con el
orígenes, su propósito o su naturaleza excepto teme por su seguridad.
sonido del agua goteando, Stalker lo
que todo lo que entra a La Zona no vuelve a Él ignora sus preocupaciones y se dirige a describe como “el lugar más tranquilo del mundo”.
salir, y que ha sido sellada por las autoridades encontrarse con sus dos clientes, conocidos
y custodiada por la policía militar. simplemente como el Escritor y el Profesor, que
quieren viajar a La Zona, escuchando que tiene Cuando el trío llega a The Zone, la película
poderes extraños y posiblemente mágicos. repentinamente cambia del sepia a los colores
¿Qué es lo que se esconde en The del mundo moderno: "Estamos en casa", dice
La zona es algo que Tarkovsky no desea Stalker. Pero los hombres aún no han
revelar. Como el título de llegado a su destino final.
Sculpting in Time sugiere que le interesa
el tiempo, algo que utiliza mucho: los relojes Dentro de La Zona, donde los aspectos prácticos
de sus películas. normales de la vida ya no se aplican y parecen
alrededor de las tres horas. Él ocurrir muchos fenómenos extraños e
comienza en las afueras de la historia, donde el La quintaesencia de los inexplicables, hay un lugar llamado La
personaje principal (interpretado por Aleksandr espacios de Tarkovsky, la Habitación. Cuando lo encuentran, el Stalker
Kaydanovsky) se prepara para ir a trabajar. La Zona, es el lugar al que uno les dice, con entusiasmo y asombro: “Vuestro
palabra "acosador" sugiere amenaza, pero en acude para ver sus deseos deseo más preciado se hará realidad
este mundo del futuro cercano, un Stalker es más íntimos. Es, en aquí…” y agrega: “El deseo que más os ha
a la vez un ladrón que intenta sacar definitiva, el cine. hecho sufrir”.
artefactos de contrabando de La Zona y un guía Roberto pájaro
que está dispuesto a acoger a otros. Sin embargo, no es The Room.
de Cine
Andrei Tarkovsky: , 2008
Elementos en sí lo que concierne a Tarkovsky, pero
la llegada de sus personajes a su
Entrando a la zona límite. ¿Qué es lo que realmente quieren? ¿Y
El mundo de Stalker es pobre y decadente, qué encontrarán dentro? En este punto,
un hecho que se refleja en la cinematografía Stalker silencia su aspecto de suspenso y se
sepia utilizada en el convierte en un
Mi conciencia quiere vegetarianismo. entrevista, “pero somos juzgados por

personas que no quieren entender
para conquistar el mundo. Y mi el trabajo en su conjunto
subconsciente anhela un trozo de o incluso mirarlo. En lugar de ello, aíslan

fragmentos y detalles individuales, se
carne jugosa. ¿Pero qué quiero? aferran a ellos y tratan de demostrar
que hay algo especial y principal
El Acosador / Acosador
en ellos. Esto es un delirio”.
Drama existencial postapocalíptico, en el Película, viene sin explicación. Para hacer realidad su cruda
que sus tres protagonistas hablan de Uno podría ver a Stalker visión, Tarkovsky buscó un lugar
sus vidas y destinos, que recuerda a como respuesta soviética a 2001: adecuadamente sombrío para Stalker
Samuel Beckett. Odisea en el espacio, de Stanley Kubrick, y lo encontró en Estonia, en una
obra Esperando a Godot (1953). que plantea la pregunta: "¿Adónde vamos antigua central hidroeléctrica y una fábrica
a partir de ahora?" Pero en cuanto a si que arrojaba productos químicos tóxicos
¿Qué sigue? Tarkovsky estaba haciendo algún río arriba. Él, su esposa y el actor
La sección final trata de la comentario sobre la vida en la Unión Soviética, Anatoly Solonitsyn sucumbieron más
La esposa y el hijo de Stalker, Unión o vida en la Tierra, el propio director tarde al cáncer, posiblemente debido a la
finalmente acercándose al rostro de su se negó a dejarse arrastrar: contaminación en el lugar. ■
hija mientras ella yace con la cabeza En su opinión, una verdadera obra de arte
sobre la mesa de la cocina, mirando no debe reducirse a sus componentes e
Después de que los hombres echan suertes,
tres vasos que parecen tintinear bajo su interpretarse de manera tan simple. "No se elige al Escritor para ingresar a un
mirada mientras pasa un tren. Como muchas somos juzgados por lo que hicimos o túnel de metal en La Zona. El túnel los
de las imágenes de Tarkovsky queríamos hacer", dijo en un lleva hacia la misteriosa Habitación.
248
HAY QUE TENER

BUENOS HOMBRES.
BUENOS HOMBRES TODOS
BOTA DAS / 1981
W.
olfgang Das Bota se ha
EN CONTEXTO Petersen estrenado como película y
El arranque como miniserie de televisión
GÉNERO
(The Boat) es una película de con escenas adicionales.
Thriller de acción En 1997, se estrenó una
acción ambientada casi
versión del director de 209 minutos.
DIRECTOR en su totalidad en
Wolfgang Petersen el espacio más
estrecho y claustrofóbico Mediterráneo. Das
ESCRITORES Boot no es una película
imaginable: un submarino
Wolfgang Petersen (guión); alemán durante un solo viaje sobre héroes; sus
Lothar en la Segunda Guerra Mundial. personajes son todos
Günther Buchheim (novela) La historia sigue las hombres corrientes cuya
inquietudes de la tripulación supervivencia depende
ESTRELLAS
de tal manera que nuestra unos de otros. "Tú
Jürgen Prochnow,
atención, como la de ellos, Tenemos que tener buenos hombres”, dice el
Herbert Grönemeyer,
queda atrapada dentro de este vicio capitán apolítico y curtido en la batalla.
Klaus Wennemann
submarino de hierro y remaches. "Buenos hombres, todos ellos".
ANTES Después de una breve escena en la que el
1953 The Cruel Sea, de Charles La tripulación se divierte en un bar francés antes ¿Una película bélica contra la guerra?
de una misión que parece llenarlos, y el LotharGünther Buchheim, en cuya
Frend , la historia de una
espectador, con una sensación de perdición novela se basó la película, la criticó por ser
corbeta británica que protege un
inminente, el U96 sale de La Rochelle y se demasiado emocionante para transmitir el
convoy de los ataques de submarinos,
adentra en las profundidades del Atlántico mensaje pacifista que pretendía. Esto se
establece el género de suspenso
Norte. ahí el barco hizo eco de la opinión del director francés
naval de la Segunda Guerra Mundial.
intercepta convoyes aliados, sufre graves daños François Truffaut, quien dijo que una
DESPUÉS en un ataque con carga de profundidad y luego verdadera película contra la guerra era
2009 La tensa película de guerra hace un peligroso intento de deslizarse imposible porque tales películas inevitablemente
de Samuel Maoz, Líbano, que sin ser detectado en el
cuenta su historia enteramente

desde el interior de un tanque
El mar no puede reclamarnos, Henrich.
israelí, es comparada por los
críticos de cine con Das Boot . Ningún barco está tan en condiciones de navegar como el nuestro.
Capitán LehmannWillenbrock / Das Boot


Qué más ver: En el que servimos (1942) ■ El mar cruel (1953) ■ Sobre nosotros, las olas (1955) ■ El enemigo de abajo
(1957) ■ ¡ Hundir el Bismarck! (1960) ■ La caza del Octubre Rojo (1990) ■ Crimson Tide (1995) ■ Líbano (2009)
Los nervios se tensan mientras los

mecánicos intentan desesperadamente encontrar
una manera de reflotar el submarino antes de
que sea aplastado por la presión de la profundidad.
hizo la guerra emocionante. No todos los

críticos estuvieron de acuerdo con Buchheim.
El público salió agotado de la película.
físicamente y emocionalmente.
La película de Petersen no depende de
secuencias de acción emocionantes,
aunque las hay. Más bien, oscila entre
momentos tensos de peligro y el tedio de
semanas de caza infructuosa, en las que las
relaciones entre los miembros de la
tripulación se vuelven tensas. La
influencia de la película está en su
psicología más que en sus secuencias
de acción.
Como decía su eslogan, es “Un viaje al
borde de la mente”.
dentro de un submarino real (en tierra Estallido de remaches cuando el barco se
Poniéndonos en el barco firme), que podría inclinarse hasta 45 grados sumerge a una profundidad peligrosamente
El poder de Das Boot surge de la para simular una inmersión repentina. Dos baja. En segundo lugar está la
determinación del director por lograr Las técnicas contribuyen al mayor cinematografía de Jost Vacano. A pesar del
realismo. Él hace que los espectadores realismo. El primero es un uso innovador espacio reducido, Vacano utilizó una cámara portátil para
comprender lo que era estar en un del sonido. Cuando los destructores crear una sensación de intimidad,
submarino en tiempos de guerra, sobrevuelan el submarino, lo único que entrenándose para correr a través de
intentando reparaciones desesperadas, oímos en el silencio son los pitidos del espacios estrechos y sobre mamparos.
quedándose sin oxígeno y sin tiempo. sonar que suenan en el casco, o los gemidos El efecto que creó ha influido
La película se rodó casi en su totalidad. ferrosos y toda una generación de películas. ■
Wolfgang Petersen Director

Wolfgang Petersen es el principal director de el prestigio para dirigir thrillers de Hollywood
películas de acción de Alemania. como In the Line of Fire con Clint
Nacido en Emden, Alemania, en 1941, estudió Eastwood, Outbreak (1995) con Dustin
teatro en Berlín y Hoffman y el popularísimo Air Force One
Hamburgo, antes de matricularse en la con Harrison Ford, Gary Oldman y
Academia de Cine y Televisión de Glenn Close.
Berlín, tras lo cual se dedicó a hacer
películas para televisión. En 1974 dirigió su
primer largometraje, el thriller One of the Other
of Us, y luego, en 1977, la controvertida Die Películas clave
Konsequenz, una película sobre el amor gay.
Pero se hizo un nombre con Das Boot, que 1981 El arranque
le dio 1993 En la línea de fuego
1997 Fuerza Aérea Uno
HE VISTO
COSAS
USTEDES NO LO HARÍAN
CREER
Blade Runner / 1982
252 CORREDOR DE HOJAS
EN CONTEXTO Corredor, Roy Batty (Rutger

Cerca del final de Blade
Hauer), un fugitivo prófugo en
GÉNERO
un futuro cercano de Los Ángeles,
Thriller de ciencia ficción
pronuncia sus últimas palabras a un ex
DIRECTOR policía llamado Deckard (Harrison Ford). Tan conmovedor como cualquier película
"He visto cosas que ustedes no de ciencia ficción que conozco... un
RidleyScott
creerían", dice suavemente. “Atacar
cine negro que desemboca en tragedia.
ESCRITORES barcos en llamas desde el hombro David Thompson
Hampton Fancher, David Webb de Orión. Vi brillar los rayos C en la Haz visto…? , 2008
Peoples (guión); Philip K. Dick (novela, oscuridad cerca de la puerta Tannhäuser.
Hacer Todos esos momentos se perderán en el
¿Los androides sueñan tiempo, como lágrimas en la lluvia. Tiempo De morir."
con ovejas eléctricas? ) El discurso ataca una moraleja.
Este es un dilema, porque Roy Batty
ESTRELLAS
no es humano: es un "replicante", un
Harrison Ford, Rutger androide diseñado mediante Metrópolis de Lang (1927) hasta el
Hauer, Sean Young, bioingeniería por científicos misterioso obelisco negro que remata
Daryl Hanna industriales de la todopoderosa Tyrell Corporation.2001: Una odisea en el espacio (1968) de
Se supone que los replicantes son Stanley Kubrick. Mientras que Blade Runner
ANTES
máquinas, pero el deseo de Batty de vivir y también brilla con visual
1979 La primera incursión de Ridley
cuestionar la naturaleza demuestran que poesía, es el lamento de Batty, unas pocas
Scott en el futuro es la película de
tiene conciencia. Para Deckard, un detective líneas de diálogo semiimprovisados, lo que
terror y ciencia ficción Alien.
especialmente entrenado (Blade Runner) realmente consolida el lugar de la
DESPUÉS cuyo trabajo es cazar y liquidar replicantes película en la historia del cine. Las palabras
2006 La novela de Philip K. Dick rebeldes, esta comprensión es particularmente articulan una pregunta que se cierne
relevante. sobre la enigmática obra maestra de Scott:
A Scanner Darkly, sobre un futuro
Si Batty puede sentir pena y anhelo, ¿en qué ¿qué significa ser humano?
en las garras de una guerra total
se diferencia de sus creadores? Blade Runner está ambientada en
contra las drogas, se adapta como
2019, muy lejos de las audiencias que
un thriller parcialmente animado.
hicieron fila para verla por primera vez en 1982.
2012 Ridley Scott regresa a la Una pregunta pendiente En el momento de su estreno, la película
ciencia ficción con El cine de ciencia ficción suele ser presentaba un nuevo tipo de futuro, una
Prometheus, una precuela de la memorable por sus inolvidables imágenes extraña fusión de elementos familiares:
franquicia Alien . visuales, desde el robot edificios corporativos del tamaño y forma
María cobra vida en Fritz de zigurats babilónicos; el
Minuto por minuto

00:07 00:31 01:02 01:44
León dispara al Blade Runner Rachael visita a Rachael dispara a Leon para Después de una persecución
Holden, quien lo ha estado Deckard en su salvar a Deckard. De regreso por los tejados, Batty salva a
probando para ver si es un apartamento. Él le al apartamento de Deckard, Deckard de caer. Batty luego se
replicante. cuenta sobre sus hacen el amor. sienta y muere.
recuerdos para mostrarle que
es una replicante.
00:00 00:15 00:30 00:45 01:00 01:15 01:30 02:00
00:17 00:50 01:22 01:52

Deckard pone a prueba a Rachael Deckard rastrea a Zhora hasta Sebastian ayuda a Batty a Como Deckard y Rachael
y descubre que ella es una un bar donde actúa con una conseguir una audiencia con Al salir de su apartamento, recoge un
replicante. Tyrell le dice que no serpiente. Tyrell. Batty le pide a Tyrell más unicornio de origami. ¿Gaff conoce sus
sabe lo que es. Él la persigue y la mata a tiros. vida, pero le dicen que no es sueños? ¿Eso lo convierte en un
posible. replicante?

Qué más ver: Metrópolis (1927, págs. 32 y 33) ■ 2001: Una odisea en el espacio
(1968, pp.192–93) ■ Brasil (1985, p.340) ■ Ghost in the Shell (1995) ■ Gattaca (1997)
Ridley ScottDirector
Ridley Scott es un director

británico, nacido en 1937, cuyas películas
combinan un estilo visual genial con
una narración dinámica y el descaro de
Hollywood que complace al público. A su
primer largometraje, The Duellists, le
El diseñador genético JF Sebastian En Blade Runner, el futuro es un lugar siguió rápidamente el horror de
(William Sanderson, izquierda) ayuda a en el que los humanos y las máquinas ciencia ficción Alien y lo futurista.
Pris (Daryl Hannah) a llegar a Tyrell. se han vuelto casi indistinguibles. La
Tiene una enfermedad de envejecimiento
robótica, los sistemas informáticos activados Distopía Blade Runner, dos clásicos del
prematuro que hace que los replicantes simpaticen con él. cine moderno.
por voz, los implantes biónicos, la inteligencia
Durante la década de 1980, Scott
artificial y la programación genética son parte
se estableció como un
bulliciosos mercados nocturnos como los de de la cultura y todos están controlados por
cineasta muy trabajadora, pero no fue hasta
Tokio en los años 1980; las malas calles megaentidades corporativas sin rostro.
la innovadora roadmovie femenina de
de la ficción policial pulp de posguerra; la
1991.
arquitectura en ruinas de Los Ángeles del siglo En esta época deshumanizada, las personas Thelma y Louise que vino
XIX. Los autos voladores ofrecen a los se ven obligadas a someterse a un examen
cerca de igualar el éxito de su doble acto
espectadores una visión futurista, pero son similar al polígrafo (la “prueba de Voight de ciencia ficción. Una década más
piloteados por policías militaristas, símbolos Kampff”) para demostrar que son humanos. tarde volvió a tener un gran éxito,
de miedo más que de progreso. Los replicantes son el producto final de retrocediendo en el tiempo con la epopeya
esta sociedad humana sombríamente romana Gladiador.
mecanizada. Parecen y actúan como En 2001, Scott dirigió la película de guerra
Visión distópica personas, pero no son personas. Black Hawk Down, basada en una
Para los cinéfilos más acostumbrados Tienen una esperanza de vida limitada (cuatro incursión estadounidense en
al escapismo de Star Wars (1977), la visión años en el caso de Batty) y son criados "fuera Mogadisio. Regresó a la ciencia ficción
en 2012 con la precuela de Alien, Prometheus.
de Scott de un futuro cercano mezclado del mundo", con prohibición de visitar la Tierra.
es desorientadora. En su descripción de la Deckard cree que estas desafortunadas criaturas
relación de las personas con las nuevas no son más que autómatas, hasta que se
tecnologías, la película conserva su poder de enamora de Rachael durante su búsqueda
desconcertar. de . Películas clave
1977 Los duelistas
No es fácil conocer a tu 1979 extraterrestre

1982 Cazarecompensas
creador. 1991 Thelma y Luisa

Gladiador 2000
Roy Batty / Blade Runner
254 CORREDOR DE HOJAS
Batty lleva a Deckard a un lugar seguro

antes de sentarse y poner fin a la persecución.
Sabe que su tiempo casi ha terminado y
finalmente renuncia a las ganas de
continuar.
dice Batty mientras cuelga al maltratado

Deckard desde un tejado.
"Eso es lo que es ser un esclavo".
Batty y sus compañeros replicantes están
organizando una revolución, obligando a sus
creadores a verlos como poseedores de almas
que necesitan liberación. El jefe de policía
Bryant (M. Emmet Walsh) los ha calificado de
inhumanos y los ha llamado "trabajos de
piel". Se los “retira” en lugar de
matarlos, y la sociedad los trata en
consecuencia.
Blade Runner es profético: prevé un
mundo inmerso en la tecnología, una
expansión urbana en la que los humanos
Batty y sus tres asociados, que han venido a la verdad mientras la interroga. También siente adoptan las máquinas como extensiones
Tierra en busca de algo más, un miedo persistente de que sus de sí mismos. Como
respuestas. Rachael (Sean Young) es una propios recuerdos puedan su visión del mañana se acerca, las preguntas
empleada de Tyrell que, inusualmente, no También será una ilusión. ¿Es Deckard un de la película se vuelven más insistentes.
sabe que es una replicante; recuerda haber ¿Replicante también? ¿Cómo lo sabría? ¿Cuánto tiempo pasará antes de que nuestros
crecido. Deckard le dice que esos recuerdos son propios inventos comiencen a pensar,
falsos, copiados de la sobrina de su creador, Crisis de identidad humana cuestionar y sentir como nosotros? ¿Cómo
pero no puede desterrar sus propias dudas Blade Runner es un retrato de la humanidad responderemos a su despertar?
persistentes: Rachael, como Batty, como todos sumida en una crisis de identidad, pero la Cuando se refieran a nosotros con amargura
los replicantes, es un ser vivo, y Deckard película de Scott también preocupa como “ustedes”, ¿podremos mirarlos a los ojos
siente la agitación de este con inhumanidad. “Vaya experiencia o tendremos demasiado miedo de ver nuestro
vivir con miedo, ¿no?” propio reflejo? ■
¿Es Deckard un replicante?

Muchos fanáticos de Blade Runner especulan que Deckard es un replicante.
Hay varias pistas posibles.
Humano replicante
• Los replicantes son ilegales en la Tierra; ¿Por qué Tyrell • Los ojos de Deckard brillan de color naranja (como lo hacen los
permitiría que Deckard operara de forma independiente y por replicantes) en algunas escenas.
qué la policía emplearía un replicante? • Rachael le pregunta a Deckard si ha realizado la prueba

• Deckard no responde al unicornio de origami que Gaff de VoightKampff; él no responde.
deja afuera de su habitación y su implicación de que es
• Cuando Roy, un replicante, salva a Deckard de caerse
un replicante. del tejado, grita "¡Kinship!"
• El libro original de Philip K. Dick afirma explícitamente • Deckard sueña con un unicornio; Blade Runner Gaff coloca un
que Deckard es humano.
unicornio de origami fuera de su habitación, insinuando que los
• Ford respalda esta opinión. recuerdos de Deckard están implantados.
• Scott afirma que Deckard es un replicante.
La película se estrenó
por primera vez con una
voz en off de Deckard que
explicaba la trama y un
final optimista.
En 2007, se lanzó una
“versión final” en la que
ambos fueron
eliminados a petición de Scott.
256
NO PUEDO DESCUBRIR SI
ERES UN DETECTIVE
O UN PERVERTIDO
TERCIOPELO AZUL / 1986
EN CONTEXTO
GÉNERO
Suspense, misterio
DIRECTOR
David Lynch
ESCRITOR
David Lynch
ESTRELLAS
Kyle MacLachlan, Isabella

Rossellini, Dennis Hopper,
Laura Dern
ANTES
1957 La ventana indiscreta de Alfred
Hitchcock explora la naturaleza del Jeffrey (Kyle MacLachlan) se
subversivo, Terciopelo Azul encuentra atrapado en el armario
voyeurismo mientras un fotógrafo en de Dorothy cuando llega Frank.
Rico, inquietante y
es la historia de un
silla de ruedas espía a sus vecinos. Debe mirar impotente lo que sucede.
estudiante universitario arrastrado a
la parte más sórdida de su ciudad natal después de
1977 El primer largometraje de encuentra una oreja humana cortada en un campo. su obra maestra posterior, Mulholland
Lynch, Eraserhead , es un horror Dr. En cambio, sigue la estructura
Desde su extraordinario 1977
surrealista filmado en blanco y negro. En su debut con Eraserhead, de un cine negro pasado de moda,
DESPUÉS David Lynch se ha convertido en en el que el curioso pero estricto joven
1980 El hombre elefante es el
un género en sí mismo, un maestro en estudiante Jeffrey (Kyle MacLachlan)
combinar lo impactante, lo se enamora de la sana Sandy
sensible drama de la vida real
cómico y lo surrealista en lo que (Laura Dern), pero también se siente
de Lynch sobre un hombre desfigurado.
parecen visiones directamente del subconsciente.
atraído por la cantante de club
2001 Mulholland Dr. es el misterio neo Sueños cinematográficos (o pesadillas). nocturno Dorothy (Isabella Rossellini),
noir de Los Ángeles de Lynch sobre En todo caso, Blue Velvet es una quien está atrapada en una relación
una aspirante a actriz. de sus películas más sencillas, sin abusiva con el villano psicópata Frank
la compleja estructura de (Dennis Hopper). Esta dinámica es claramente

Qué más ver: Peeping Tom (1960, p.334) ■ Eraserhead (1977, p.338) ■ Lost Highway
(1997) ■ Mulholland Dr. (2001, p.342) ■ Inland Empire (2006)
un retroceso a la era negra, aunque Lynch añade La inocencia es tan mentira como el
una visión muy moderna de la desviación aparentemente perfecto patio delantero del
sexual y el voyeurismo. prólogo.
La repulsión que sentimos al presenciar las Blue Velvet aborda el terror de una manera
perversiones de Frank se ve amplificada por la nueva. Su depravación no se deriva de las
afición de Lynch por los tropos del cine negro, armas y la sangre, sino del sexo utilizado
de modo que el público siente que está como vehículo para los peores aspectos
corrompiendo algo que todos conocen. de la humanidad. Se ve al héroe, Jeffrey,
escondido en un armario, un voyeur espiando
a Dorothy. Frank es una amenaza física, pero
El horror debajo su sadomasoquismo es lo que lo hace David Lynch Director
Uno de los temas estilísticos favoritos de
David Lynch nació en 1946 en Missoula,
Lynch es la artificialidad de la posguerra. él aterrador. Este momento clave, que nos
Americana y la oscuridad que Montana, un pequeño pueblo no muy
coloca en el armario con Jeffrey mientras éste
diferente a los que aparecen en sus
yace debajo de él. La escena inicial transcurre observa a Frank violar a Dorothy, es uno de
películas. Su
a través de un jardín suburbano idealizado, con los momentos clave del cine.
Su ópera prima, Eraserhead, fue un
cercas blancas y limpias y flores en flor, cuyo exámenes más éxito de culto que le llevó a Hollywood,
dueño sufre un derrame cerebral mientras inquietantes
donde dirigió El hombre elefante.
riega sus plantas. La mascota de la de
familia se apresura a beber el agua de la desviación y Duna. Este último fue un
manguera desechada, mientras el disparo se sexual, además fracaso, pero restableció su carrera
adentra más en la hierba para revelar una de ser el momento con el éxito crítico de Blue Velvet y
colonia de hormigas buscando comida sin cuando Lynch
descanso. perfeccionó sus la serie de televisión surrealista Twin
El mundo superficial es un barniz de temas, tonos y oscuridad Picos. lo ha hecho desde
felicidad, debajo del cual existen bajeza, lucha y distintivos. ■ siguió un camino singular,
violencia. creando películas

que
Este tema es
continuó en el Sólo él podría haberlo
hecho.
uso del director de
música. De Blue Velvet
de Bobby Vinton en el título.
En la pista de In Dreams de Roy Orbison,
Películas clave
Lynch secuestra canciones inocentes de
anhelo romántico y las yuxtapone con la
1977 Cabeza de borrador
sexualidad rota de Frank, llegando incluso a
1986 Terciopelo azul
hacer que cite la letra mientras golpea a 1990 Salvaje de corazón
Jeffrey. 2001 Mulholland Dr.
Es casi como si la música
2006 Imperio interior
Tienes aproximadamente El terciopelo azul del título

¡Un segundo de vida es una bata que Frank
obliga a Dorothy a usar
amigo! mientras la viola. Para
Lynch, lo típico es utilizar
Frank Booth / Terciopelo azul algo bello con un fin corrupto.
258
¿POR QUÉ SOY

YO Y POR QUÉ NO TÚ?
ALAS DEL DESEO / 1987
Historia de un ángel, cansado

EN CONTEXTO Inspirado porRainer
poesía de el visionario
Maria Rilke y de su inmortal vida de cuidados, que
guión del dramaturgo se enamora de una trapecista de circo.
GÉNERO
Peter Handke, Wings of Desire y de otro, interpretado por Peter
Nuevo cine alemán
(Der Himmel über Berlin) de Wim Falk, que ya encontró
DIRECTOR Wenders es a la vez una satisfacción al cruzar.
Wim Wenders conmovedora alegoría de Berlín
(apenas dos años antes de la caída Los ángeles Damiel (Bruno Ganz) y
ESCRITORES del Muro) y un conmovedor estudio de Cassiel (Otto Sander) son una presencia
Wim Wenders, Peter la necesidad de amor y lo que significa ser humano. Eslael
invisible en vida de las personas.
Handke, Richard Reitinger
ESTRELLAS
Bruno Ganz, Solveig

Dommartin, Otto Sander,
Curt Bois, Peter Falk
ANTES
1953 Tokyo Story de Yasujiro
Ozu muestra la vida cotidiana como
una lucha de silenciosa desesperación.
1972 Andrei Tarkovsky medita

sobre la existencia con
Solaris, una película de ciencia
ficción de ritmo lento.
DESPUÉS
1993 La secuela de Wenders de Wings
of Desire es ¡Lejos, tan cerca!

Qué más ver: La Belle et la Bête (1946, págs. 84–85) ■ Es una vida maravillosa (1946, págs. 88–93) ■ Andrei Rublev (1966) ■ Alicia en las
ciudades (1974) ■ The American Amigo (1977) ■ El matrimonio de María Braun (1979)
El cine es un medio
muy, muy poderoso.
Puede confirmar la idea de
que las cosas son maravillosas
tal como son o puede
reforzar la concepción de
que las cosas se pueden cambiar.
Wim Wenders
Mirando desde lo alto

Al comienzo de la película, dos ángeles, Damiel
(Bruno Ganz) y Cassiel (Otto Sander), El cartel de la
contemplan la ciudad de Berlín desde lo alto, película muestra
deslizándose por el aire o posados sobre los al ángel Damiel en
grandes monumentos de la ciudad. lo alto de Berlín, en lo
alto de la Estatua de
la Victoria.
Están allí para escuchar y observar, Los amplios
como lo han hecho desde mucho antes de planos de la
que se construyera la ciudad. película ofrecen una
Su función es dar a las personas esperanza vista de ángel de la ciudad.
o la intuición de que no están solas. Sin
embargo, no pueden intervenir directamente y sueños, casi como si estuvieran escuchando ¿Por qué estoy aquí?
y no pueden experimentar nada físicamente fragmentos de diferentes estaciones de radio Al comienzo de la película hay un
por sí mismos. mientras giraban el dial: padres preocupados poema, escrito por Handke, que explica por
por su hijo, los recuerdos de una víctima del qué. “Cuando el niño era niño, no sabía
La película se desarrolla en un Holocausto. A veces se puede sentir a los que era un niño. Todo estaba lleno de vida
ritmo medido. Es paciente, como los propios ángeles, pero sólo los niños pueden verlos. y toda la vida era una”. Más adelante en la
ángeles cuando escuchan los película, el poema continúa: “Cuando el
pensamientos, miedos y pensamientos humanos. niño era niño, era el momento de las siguientes
preguntas: ¿Por qué soy yo y por qué no
tú?
Sacar todos los demonios de la tierra
¿Por qué estoy aquí y por qué no allí?
de los transeúntes y expulsarlos al mundo. Los ángeles, que conocen las
Ser un salvaje. respuestas a estas preguntas, están de

alguna manera desamparados. Es posible que
Marion / Alas del Deseo sepan y vean todo mientras miran
260 ALAS DEL DESEO

En la película se exploran temas físicos
y metafísicos de la dualidad. Marion,
autorreflexiva y solitaria, es el
equivalente terrenal del ángel
Damiel.
es la decisión correcta, porque Peter Falk,

un ángel que cruzó hace mucho tiempo,
es un testimonio viviente de satisfacción.
Al cruzar, no ha perdido su lado espiritual
sino que reúne lo espiritual con lo
material, el niño con el adulto.
Todavía puede sentir la presencia de los

ángeles y dice: "No puedo verte, pero sé
que estás aquí".
Finalización vs espontaneidad
Los papeles de Damiel y Cassiel fueron
escritos por Peter Handke, ya que
Wenders sentía que los ángeles
debían hablar en un lenguaje elevado, pero
el papel de Peter Falk es casi
desde lo alto, como muestra la película Capta el placer de los experimentos completamente improvisado. Falk
con sus vertiginosas tomas aéreas. cotidianos con la identidad que están más interpreta una versión de sí mismo, un
Pero no sienten nada de los simples allá de los ángeles. actor americano que está en Berlín para rodar
placeres sensuales del ser humano, la una película sobre su pasado nazi.
alegría de lo mundano, una división que Separaciones Los niños en las calles
se muestra cinematográficamente Wings of Desire trata sobre dualidades y Llámalo "Columbo", por
filmando cada escena con los ángeles separaciones. Ambientada en una el
en blanco y negro. ciudad dividida artificialmente por el
En una escena improvisada, Peter Muro de Berlín, lo
Falk se prueba varios sombreros con espiritual está
un director de vestuario, un acto sencillo que separado de
lo sensual, como
lo celestial de lo Detective de televisión en el
mundano, los hombres de las serie que había convertido a Falk en
mujeres, los adultos de los niños. Por una presencia famosa en la pantalla.
encima de todo, la película trata sobre En un momento dado, Wenders se dio cuenta
cómo todos estamos separados unos de Falk haciendo bocetos de extras.
La película es como la Decidió incorporar esto a la película e hizo
otros y una profunda sensación de soledad la atraviesa.
música o un paisaje: Cuando el ángel Damiel comienza que Falk improvisara una voz en off, que
despeja un espacio en Para enamorarnos de la bella pero gana resonancia por su aspereza: "Estas
mi mente y en ese espacio solitaria trapecista Marion (Solveig personas son extras, personas extra",
puedo considerar preguntas. Dommartin), intuimos que deberían dice Falk. "Los extras son muy
Roger Ebert estar juntos. El proceso es lento y al final pacientes".
Chicago SunTimes , 1998 Damiel finalmente debe elegir si renunciar El contraste entre el guión refinado y
o no a su condición de inmortal para ensayado de los ángeles y la tosca
poder experimentar un amor físico espontaneidad y mundanidad de las
por esta mujer. Se anima al escenas con Falk representa las dos
espectador a creer que esto mitades de la vida humana que deben
unirse.

Marion es trapecista en un circo en
quiebra. Vive en una caravana y lleva
una existencia solitaria bailando sola y
deambulando por las calles de Berlín.
Wim Wenders
Director
Nacido en Düsseldorf, Alemania, en
1945, Wim Wenders es
conocido por su cine exuberante
y lírico. Estudió medicina y
filosofía en la universidad antes
de abandonarla para convertirse
en pintor.
Sin embargo, el cine se convirtió en
su principal objetivo y se matriculó
en la Universidad de Televisión y
Cine de Múnich (HFF). Wenders
pronto se convirtió en uno de los
figuras destacadas del
movimiento del Nuevo Cine Alemán.
El director saltó a la fama por
primera vez con su largometraje El
miedo del portero al penalti, basado
en una novela de Peter Handke. La
película en inglés Paris, Texas, con
Wenders dedicó su película guión de Sam Shepard, le dio
meditaciones llenas de anhelo
fama internacional. También ha
a tres “ángeles del cine”, directores espiritual. Rainer Maria Rilke escribió una vez
realizado documentales, el
cuyo trabajo lo inspiró. El primero es que “El placer físico… es una gran más exitoso de los cuales
Yasujiro Ozu, quien mostró cómo experiencia interminable que se nos da: el
fue Buena Vista Social Club,
representar la silenciosa desesperación conocimiento del mundo, la plenitud y la sobre un grupo de músicos
de lo mundano. gloria de todo conocimiento”. La alegría de ancianos en La Habana, Cuba.
El segundo, François Truffaut, demostró Falk por la simple experiencia de probar el
cómo filmar la realidad de los niños café es espiritual y le lleva a casa la idea de
como una experiencia profunda. El que tener alguna experiencia es una maravilla
tercero, Andrei Tarkovsky, creó un ritmo de estar vivo. ■
Películas clave
lento.
1972 El miedo del portero al

penalti
Todo el lugar está lleno de aquellos que 1984 París, Texas
Están soñando el mismo sueño. 1987 Alas del deseo
1999 Buena Vista Social Club
Cassiel / Alas del deseo
262
PENSÉ ESTO
SÓLO PASÓ
EN EL CINE
MUJERES AL BORDE DE UN NERVIOSO
DESGLOSE / 1988
la década de 1940. Mira al pasado, pero

EN CONTEXTO un ataque de nervios la comedia de la película también es
Mujeres al borde de al borde de un
(Mujeres emocionantemente contemporánea. El
GÉNERO
ataque de nervios) es la historia de Madrid posfranquista es el escenario
Comedia dramática Pepa (Carmen Maura), una actriz perfecto para su farsa maníaca, con
DIRECTOR española que dobla las voces de EE.UU. Almódovar preparando tramas secundarias
Pedro Almodóvar películas con su infiel novio, Iván que involucran a terroristas árabes, taxistas
(Fernando Guillén). Su relación locos por el baile y sopa con pastillas para
ESCRITOR no es tanto una historia de amor dormir. Sin embargo, el material bullicioso
Pedro Almodóvar como una farsa de portazos. está plagado de la atención del director.
sentido característico
ESTRELLAS
Ataque de pánico de humanidad. ■
Carmen Maura, Antonio
Quizás sea apropiado que el
Banderas, Julieta Serrano.
significado del título de la
María Barranco
película se pierda en la
ANTES traducción. Los ataques de
1980 Almodóvar hace su nervios del título español
hacen referencia a un
debut juguetón y de ultrabajo
ataque de pánico, un estado de falta de aire que
presupuesto con Pepi, Luci, Bom y
director pedro almodóvar
otras chicas como mamá.
se mantiene a un ritmo
alocado inspirado en las
DESPUÉS comedias “locas” de Hollywood de
1999 Todo sobre mi madre, uno
En el
de los mejores de Almodóvar, lleva a
apartamento de
ebullición todos sus temas. Pepa, una Candela
2002 Hable con ella, de (María Barranco)
suicida se distrae
Almodóvar , es un thriller romántico con Carlos (Antonio
y controvertido sobre dos Banderas).
hombres que cuidan de dos
mujeres, ambas en coma. Qué más ver: Matador (1986) ■ ¡Átame! ¡Atarme! (1989) ■ Tacones altos (1991) ■ Carne
viva (1997) ■ Volver (2006) ■ La piel que habito (2011)
SER FELIZ NO LO ES
TODO TAN GENIAL
SEXO, MENTIRAS Y VIDEO / 1989
(James Spader), MacDowell) está casada con el viejo

EN CONTEXTO El protagonista de Sexo, amigo de Graham, John (Peter
grahammentiras y cintas de Gallagher), quien la engaña con su
GÉNERO
vídeo, es joven, guapo, hermana. Ann y John ya no hacen
drama independiente inteligente... e impotente. Sólo logra el amor y Ann cree que el sexo
DIRECTOR satisfacción sexual cuando ve está sobrevalorado. Al principio,
vídeos que ha hecho de horrorizada por las inusuales
Steven Soderbergh
conocidas que hablan de sus predilecciones de Graham, acerca
ESCRITOR fantasías sexuales. Ana (Andie de las cuales él es encantadoramente
Steven Soderbergh abierto, Ann pronto se abre ante la
cámara y en el proceso descubre
ESTRELLAS
que no es exactamente quien pensaba que era.
James Spader, Andie La película lanzó la carrera.
MacDowell, Peter Gallagher, del director Steven Soderbergh, quien
Laura San Giacomo
se convertiría en uno de los talentos
ANTES más impredecibles del cine
estadounidense. De manera
1974 Una mujer bajo la
igualmente significativa, fue vital para
influencia, de John Cassavetes, es
encender una nueva ola de cine
financiada por el director que independiente estadounidense. Después de que su p
hipoteca su casa; le valió una
Palma de Oro, el éxito de Soderbergh
nominación al Oscar.
ayudó a sentar las bases para
DESPUÉS creadores como Spike Lee, Richard
1991 Slacker, de Richard Linklater y Quentin Tarantino, que
Linklater , es un paseo libre por trabajan fuera del sistema de estudio. ■
Austin, Texas, que recibe elogios en
medio de un renovado interés por Escrita en una semana y realizada
los nuevos jóvenes cineastas con un presupuesto reducido, Sexo,
estadounidenses. mentiras y cintas de vídeo logró, no
obstante, alcanzar un éxito de taquilla.
1998 Soderbergh logra un
gran éxito con Out of Sight, Qué más ver: Do the Right Thing (1989, p.264) ■ Slacker (1991) ■ Reservoir Dogs
protagonizada por George Clooney. (1992, p.340) ■ Safe (1995) ■ In the Company of Men (1997)
264
LA TEMPERATURA DE HOY
Voy a levantarme
100 GRADOS
HACER LO CORRECTO / 1989
malestar. La historia se desarrolla en

EN CONTEXTO drama de la vida urbana Nueva York, en el diverso barrio
Pocas películas
con tanto capturan
éxito comolaDo the de BedfordStuyvesant en
GÉNERO
Right Thing de Spike Lee. La historia Brooklyn, donde la tensión racial nunca
Drama
está impulsada por la indignación está muy por debajo de la superficie. A
DIRECTOR por la discriminación racial, pero la medida que aumenta la temperatura, el
Lee Lee película transmite su mensaje con una barniz de civilidad comienza a
energía chisporroteante y una negativa resquebrajarse y se muestra un montaje
ESCRITOR a ofrecer soluciones fáciles. Desde la de personajes lanzando una corriente de
Lee Lee primera escena, en la que un DJ de radio anuncia la racial directamente a la cámara,
abuso
ola de calor que envuelve a sus cada uno con el rostro lleno de odio.
ESTRELLAS
oyentes, el malestar físico de Mookie, interpretado por el propio
Spike Lee, Danny Aiello,
los personajes es una metáfora de la Lee, trabaja como repartidor de pizzas
Ossie Davis, John Turturro
para Sal (Danny Aiello). Anteriormente
ANTES visto como un hombre tolerante, Sal desata
1965 En The Hill, dirigida por Sidney su propia diatriba verbal cuando jóvenes
negros organizan una protesta después
Lumet, aumentan las tensiones
de una discusión sobre por qué su
raciales entre los soldados en el
restaurante solo muestra fotografías de
intenso calor del desierto de Libia.
Do the Right Thing no pide a sus italoamericanos, cuando la mayoría de sus clientes son
1986 She's Gotta Have It es la comedia audiencias que elijan un bando; es Los ánimos se tensan, la protesta se
de Lee sobre una chica de Brooklyn que hace escrupulosamente justo para ambas convierte en violencia. Cuando llega la
malabarismos con tres pretendientes. partes, en una historia en la que es policía, todo el barrio amenaza con
nuestra propia sociedad la que no es estallar en el caos.
justa.
DESPUÉS
Roger Ebert Do the Right Thing es una
1992 Lee hace Malcolm X, una
película llena de vida pero plagada de
película biográfica aclamada por la ambivalencia. Incluso en una
crítica del activista radical de derechos civiles. comunidad racialmente diversa,
2006 Inside Man es la exitosa se dice, existe un límite preocupante
película de Lee sobre un atraco a la tolerancia de cualquiera. ■
a un banco en Wall Street, protagonizada
por Denzel Washington. Qué más ver: El cardenal (1963) ■ Fiebre de la selva (1991) ■
Malcolm X (1992) ■ 25th Hour (2002) ■ Inside Man (2006) ■ Selma (2014)
ELLA TIENE CARA DE

BUDA Y EL CORAZÓN
DE UN ESCORPIÓN
LEVANTAR LA LINTERNA ROJA / 1991
sus admiradores como una parábola

EN CONTEXTO formalidades tradicionales de feminista, el director Zhang Yimou insiste
Con su retrato del
el pasado, levanta el rojo en que no era ninguna de las dos cosas.
GÉNERO
Lantern inicialmente parece más arcaico de lo que realmente Su uso del color rojo quizás se vea mejor
Drama histórico
es: está ambientado en la década de 1920, en la era de los como una metáfora de los efectos
DIRECTOR señores de la guerra antes de la llegada de China. restrictivos del comunismo chino después de la repres
Guerra Civil de 1927. Songlian (Gong Li) que siguió a las protestas de la
Zhang Yimou
es una adolescente sin un centavo Plaza de Tiananmen de 1989.
ESCRITORES que se convierte en la cuarta
Ni Zhen (guión); concubina del Maestro Chen. Rivales, Esperanzas desvanecidas
Su Tong (novela) las cuatro mujeres viven en una tregua Traicionada por sus rivales y una
incómoda, pero Songlian pronto descubre doncella celosa, Songlian se vuelve loca.
ESTRELLAS
Cambia su elaborada túnica por su
que ella es el objetivo de una conspiración secreta.
Gong Li, He Saifei, Cao Aunque la película fue inicialmente blusa blanca de escuela, ajena a las
Cuifen, Jingwu Ma vista por sus críticos como una versión linternas rojas que se encienden para
ANTES turística de la historia china y por mostrar a quién elige el maestro cada noche. ■
1984 Zhang Yimou es el director Las
de fotografía del drama histórico linternas
Yellow Earth de Chen Kaige. rojas simbolizan la
desesperada
esperanza de
1987 Red Sorghum, el debut de cada concubina
Zhang, gana el primer premio en el de que el
Festival de Cine de Berlín de 1988. Maestro la favorezca sobre las
1990 El drama rural de Zhang, Ju

Dou , es la primera nominación de
China al Premio de la Academia a la
Mejor Película en Lengua Extranjera.
DESPUÉS
2002 La epopeya de artes marciales
Qué más ver: Uno y ocho (1983) ■ Tierra amarilla (1984) ■
wuxia de Zhang , Hero, es un éxito mundial.
El viejo pozo (1986) ■ Sorgo rojo (1987) ■ Ju Dou (1990)
PEQUEÑO
MUNDO
1992–PRESENTE
268 INTRODUCCIÓN
Quentin Tarantino Los directores daneses David Lynch continúa explorando

Su ópera prima, el Lars von Trier y narrativas no lineales Ang Lee trae wuxia
elegante thriller Thomas Vinterberg hacen en Lost Highway; a una audiencia
Reservoir Dogs, un “voto de castidad” Curtis Hanson evoca el internacional
anuncia un nuevo talento artístico con su espíritu del cine negro con LA con Crouching
confiado. Manifiesto Dogma 95. Confidential. Tiger, Hidden Dragon.
1992 1995 1997 2000
1994 1996 1998 2002
Con una historia de Quentin Joel y Ethan Coen La primera La vida de las
Tarantino, Oliver Stone encuentran calidez en película Dogma de pandillas contemporáneas
sorprende y desafía al una historia de violencia Vinterberg , se retrata vívidamente en
público con la violencia gélida con Fargo, Festen, está rodada Ciudad de Dios, mientras
de Natural Born Killers. mientras que David con una cámara digital portátil.
que Pandillas de Nueva
Cronenberg provoca al público con Crash. York describe el crimen del siglo XIX.
wuxia pero propósito hecho por su

final de su amplio recorrido en la El director taiwanésestadounidense Ang
A medida que este libro
historia se acerca
del cine, al
el tiempo Lee será accesible al público
ha venido a presentar a Quentin Tarantino. alrededor del mundo. Desde Brasil, la
A principios de la década de 1990, los Ciudad de Dios de Fernando Meirelles
cineastas disponían de un siglo de películas a aplicó la arrogancia estilística de Martin
las que rendir homenaje y reutilizar. Tarantino:
Cuando la gente me Scorsese a una historia ambientada en las
un cinéfilo que llenó sus películas
pregunta si fui a la escuela de favelas de Río.
cine, les digo “no, fui al cine”.
con interminables empujones y guiños a ese
Quentin Tarantino Revolución digital
pasado, fue una figura controvertida desde Una revolución menos anunciada también
el momento en que el mundo vio su debut agitado en los últimos días del siglo XX. Desde
Reservoir Dogs. Pero nadie podía cuestionar los albores del cine, los cineastas habían sido
el entusiasmo que generó. precisamente eso: el cine no era sólo el
nombre de una forma de arte, era lo que
físicamente entraba en las cámaras y los
Más allá de Hollywood norma para que los amantes del cine celebren proyectores.
A partir de la década de 1990, Hollywood fue las películas del sudeste asiático, En 1998, el drama familiar danés Festen,
cada vez más parte de una historia más Turquía, India y América Latina. filmado según las reglas del manifiesto
amplia. El público curioso miraba más allá y, en Las culturas chocaron, con un efecto glorioso: Dogma 95, se convirtió en la primera película
lugar de ocasionales éxitos de taquilla, se el tigre agazapado y el dragón oculto de alto perfil rodada en vídeo digital, que
estaba convirtiendo en el fue un espectáculo de artes marciales entonces se utilizaba principalmente en
impregnado de la tradición china de películas caseras baratas.
MUNDO PEQUEÑO 269
The Hurt Locker le otorga El Hobbit: Un viaje

Peter Jackson completa su exitosa un Oscar a la directora inesperado de
trilogía El señor de los anillos ; Guillermo del Toro Kathryn Bigelow ; Danny Jackson es el primer
Tarantino continúa mezcla fantasía con realismo Boyle añade un toque de largometraje comercial
mostrando una invención crudo en su drama español estilo Bollywood a Slumdog filmado a una alta velocidad
elegante con Kill Bill: El laberinto del Millionaire. de fotogramas de 48
Volumen 1. fauno. fotogramas por segundo.
2003 2006 2008 2012
2003 2007 2011 2013
El innovador y violento Paul Thomas Anderson cuenta Érase una vez en Anatolia, En Gravity, Alfonso
thriller de Park Chanwook, una historia de petróleo y del director turco Nuri Bilge Cuarón utiliza la última
Oldboy, trae el cine codicia en su epopeya Ceylan, narra los sombríos tecnología informática para
surcoreano histórica There Will deberes de un equipo de producir una aventura
a una audiencia Be Blood. homicidios. espacial en 3D
internacional. visualmente impresionante.
videocámaras. Nada volvería a ser lo La energía irregular de sus efectos Los niños de un pueblo alemán en 1913
mismo. En el corto plazo, los cineastas ahora especiales es ideal para una historia sobre utilizaron la tecnología digital para borrar
tenían cámaras tan la guerra de Irak. Más significativo, quizás, fue los signos perdidos de la vida moderna.
Pequeños y ligeros, podían moverse por que su directora, Kathryn Bigelow, se En la superproducción Gravity, en
las escenas con una agilidad ilimitada. convirtió en la primera mujer en ganar un cambio, nada era lo que parecía; su aventura
Para algunos (entre ellos Tarantino), la Oscar como Mejor Directora. en el espacio exterior había sido filmada
pérdida de la película fue una tragedia principalmente con una solitaria Sandra Bullock
continua. Para otros, lo digital puso la efectos de computadora encerrada durante meses en una “jaula”
realización cinematográfica en manos Durante gran parte del curso de este frente a una pantalla verde, “espacio”
de personas que de otro modo nunca En el libro, los “efectos especiales” eran que se agregaría más adelante.
habrían podido permitirse el lujo de llevar sus exclusivos de cierto tipo de películas: Sin embargo, Georges Méliès seguramente
ideas a la pantalla, e hizo que las riquezas espectaculares de gran presupuesto, los Hemos sonreído al descubrir que todavía
de la historia del cine fueran accesibles a hijos (e hijas) de King Kong y el nos emocionábamos con los viajes a las
cualquiera que tuviera una tarjeta de memoria. animador Ray Harryhausen. Para estrellas. Si bien estaba firmemente ligada
La revolución digital no sólo transformó entonces, se hacían películas de todo tipo a la tierra, también habría admirado
la forma en que se filmaban las películas, frente a las computadoras. El cine Boyhood : filmada durante unos días cada
sino que también cambió la forma en que se hipnóticamente austero del director año durante 12 años para mapear el viaje
veían, ya que la proyección digital silenciosa alemán Michael Haneke no podría de un niño por la vida, sonaba como un truco.
reemplazó al tradicional zumbido de los haber estado más lejos del éxito de taquilla
35 mm. del verano lleno de aditivos; sin embargo , De hecho, te recordaba, con enorme
Otras barreras también estaban cayendo. The White Ribbon, su relato de extraños poder, lo que era ser humano. Que mejor
The Hurt Locker era una película que, en sucesos entre emblema
2008, parecía increíblemente moderna. para el cine podría haber? ■
LA VERDAD
ES TÚ ERES EL DÉBIL. Y YO SOY
LA TIRANÍA DE
HOMBRES MALVADOS
FICCIÓN PULPA / 1994
272 FICCIÓN PULPA
Pulp Fiction, que mantuvo el entusiasmo

EN CONTEXTO El fanático
A principios de los y empleado
años depelícula
1990, una una verbal de su predecesor pero
tienda de videos llamado Quentin también introdujo una estructura
GÉNERO
Tarantino, originario de Knoxville, Tennessee, deslumbrantemente inventiva y
Thriller tuvo un impacto sísmico en el cine estrellas de Hollywood de primer nivel.
DIRECTOR estadounidense. Aunque personajes El estilo profano y despreocupado de
Quentin Tarantino como Richard Linklater y Spike Lee Tarantino fue como una inyección de
habían aportado nuevas e interesantes adrenalina en el corazón, un motivo que
ESCRITORES ideas al cine estadounidense, hacía mucho aparecería en Pulp Fiction. Parte de lo que
Quentin Tarantino, Roger tiempo que éste no se sentía peligroso. lo convirtió en una novedad fue su enfoque
Avary (historia); Quintín Tarantino se mudó al sur del género. Así como Reservoir Dogs había
Tarantino (guión) California, y su debut como director de reinventado la película de atracos, Pulp
Reservoir Dogs me pareció realmente muy Fiction tomó las convenciones de la
ESTRELLAS
peligroso: una historia criminal malhablada y Película de serie B: un asesinato entre
John Travolta, Samuel L. empapada de sangre que también era mafiosos, un boxeador que se lanza en
Jackson, Uma Thurman, Bruce increíblemente divertida. Dos años picado y un sicario en busca de
Willis después, Tarantino siguió con redención, y los reutilizamos de maneras
ANTES nuevas y brillantes. El resultado tiene la
El thriller negro de 1955 Kiss carga estilística de una película de
género sin dejar de ser una experiencia
Me Deadly presenta una
cinematográfica genuinamente original e innovadora.
maleta brillante que se cree que
inspiró la de Pulp Fiction.
Cambio estructural
DESPUÉS Uno de los elementos icónicos de Pulp.
La ficción es su uso de lo no lineal.
1997 Al igual que Pulp Fiction,
Jackie Brown de Tarantino narración de historias. Al fracturar la
narrativa, Tarantino no permite que la
entrelaza un gran elenco y
audiencia se adapte a los ritmos
muchos elementos de la trama.
tradicionales de visualización
2003 Juego de venganza Kill Bill
ve a Tarantino elevando a Uma
Vincent Vega (John Travolta) hace pareja con
Thurman a un papel protagónico
Mia Wallace (Uma Thurman) en Jack Rabbit
empapado de sangre. Slim's para realizar algunos movimientos de
baile cómicamente clichés.
Minuto por minuto
00:20 00:54 01:43 02:13

En un trabajo para Marsellus Al regresar a su casa Butch escapa del calabozo, Julio y Vicente
Wallace, Jules y Vincent disparan a después de la noche de pero regresa con una espada Llegue al restaurante para
unos hombres que se han llevado fiesta con Vincent, Mia para liberar a Marsellus. desayunar. Jules habla de
una maleta de Marsellus. accidentalmente sufre una Luego se va en la bicicleta de su milagro y anuncia que
sobredosis de heroína de Zed. dejará el negocio.
Vincent. La lleva a su dealer
para que le dé una inyección de adrenalina.
00:00 00:30 01:00 01:30 02:00 02:34
02:01
Se llama al Lobo para limpiar 02:22
00:24 01:29 el desorden después de que Pumpkin toma la
En el club de Marsellus, Butch Butch regresa a su apartamento Vincent le dispara billetera de Jules y le
acepta caer. para buscar su reloj. Encuentra accidentalmente a Marvin pregunta sobre el caso.
Cuando se marcha, Vincent y un arma y le dispara a Vincent mientras Marvin está Jules permite que Pumpkin
Jules llegan vestidos con camisetas cuando Vincent sale del baño. en el asiento trasero del auto se vaya con la billetera pero
y pantalones cortos. con Vincent y Jules. sin el estuche.
PEQUEÑO MUNDO 273

Qué más ver: Kiss Me Deadly (1955, p.134) ■ Shoot the Piano Player (1960) ■ Band of Outsiders (1964) ■ Blood Simple (1984,
p.339) ■ Reservoir Dogs (1992, p.340) ■ Romance verdadero (1993) ■ Jackie Brown (1997) ■ Go (1999)
Este cartel
icónico de
Ficción pulpa
imita las portadas
de las novelas
policiales de
mala calidad
de las que toma
su título, hasta
el precio de
10 centavos y
el muy despreciado
apariencia.
274 FICCIÓN PULPA
un thriller criminal. En lugar de una

historia con un comienzo, un Nadie va a lastimar a nadie. Aquí seremos como
desarrollo y un final identificables, la tres pequeños Fonzies .
película presenta una estructura
¿Y
segmentada en la que se cuentan tres historias cómo es Fonzie ?
independientes.
desincronizados entre sí. El director tiene
Jules / Pulp Ficción
cuidado de garantizar que
Cada segmento se siente como parte de
un mundo, por lo que conecta las en la trama de las tres historias, por Evita deliberadamente proyectar su propio
historias a través de los personajes ejemplo, y los protagonistas clave de una sentido del bien y del mal en sus personajes.
secundarios: el capo de la mafia Marsellus. historia aparecen como protagonistas en otras El ejemplo más revelador de esto se
Wallace ocupa un lugar destacado tramas. Vincent Vega (John Travolta), encuentra en una de las secuencias
que pasa gran parte de la primera hora como anteriores de la película, en la que Vincent
personaje principal, pasa a un papel secundario y Jules hacen su primera aparición. El público
a medida que avanza la película: aparece los ve por primera vez mientras mantienen una
Preludio a
"El oro para un breve (y desafortunado) cameo en la conversación discreta sobre comida rápida,
Mira” 1 historia de “The Gold Watch” en el que durante la cual parecen personajes
aparecen personas lavadas. el boxeador carismáticos y simpáticos con los que es
Butch Coolidge (Bruce Willis), luego juega divertido pasar el rato.
Preludio a el papel secundario de su compañero Jules
“Vincent Vega y Mia Winnfield (Samuel L. Jackson) en el Sin embargo, son asesinos profesionales
Wallace” segmento final, mientras este último experimenta que van camino de conseguir un éxito y,
un despertar espiritual. tras su conversación, se les muestra haciendo
algo monstruoso, algo que tradicionalmente se
“La bonnie El resultado de este desmontaje. consideraría malvado. Este encuadre de sus
Situación" La estructura es que Pulp Fiction no se personajes obliga a los espectadores a
trata de un personaje o historia en
particular, sino que es casi una pieza de aceptar la imparcialidad de Pulp Fiction
Prólogo El Comedor humor, diseñada para evocar la sensación
de Los Ángeles y los personajes hábiles
pero sórdidos que viven allí. En el
Al final de cada segmento, el impulso de
Epílogo El comensal la historia se detiene y el
La película se reinicia en otro lugar, con
otras personas, en un momento
indeterminado.
“Vincent Vega y Mia
Wallace”
moralidad amoral
Los thrillers sobre crímenes no son conocidos por
Preludio a historias sobre individuos moralmente

"El oro honrados que hacen el bien, pero además
Mira” 2 de tener héroes y
personajes claramente identificables.
villanos, la mayoría de
ellos tienen una idea clara de
“El reloj de oro”
lo que está bien y lo
que está mal, incluso si
eso no siempre cumple con la
Pulpa Ficción La narrativa no lineal.
letra de la
comienza en el medio. Cuando sus
capítulos están ordenados ley. En Pulp Fiction, sin
embargo, Tarantino
cronológicamente, ¿la historia parece menos abierta?
PEQUEÑO MUNDO 275
postura y los condiciona para la

La mejor manera de apreciar la película es
simplemente enviarla y seguir adelante.
Pulp Fiction, en todo su obsceno

gloria, es quizás uno de los mejores
Te embriagas con eso...
ejemplos en el cine de cómo la
entusiasmado por el
originalidad y la audacia triunfan.
Hubo muchos obstáculos redescubrimiento de lo
entre el establishment crítico y la película,
placentera que puede ser una
película. No estoy seguro de
desde su lenguaje hasta su violencia y su tema
(de hecho, fue famosa y polémicamente haber conocido a un
derrotada en el Oscar a la Mejor cineasta que combinara disciplina
Película de 1995 por el mucho más
Quentin
y control con pura alegría como lo hace Tarantino
Tarantino.
convencional Forrest Gump de Steven
Owen Gleiberman Director
Entretenimiento , 1994
Semanalmente
Spielberg), pero su popularidad duradera
demuestra que Funciona perfectamente Quentin Tarantino nació en Knoxville,
como escaparate del talento de Tarantino Tennessee, en 1963. Después de
como cineasta, con la estructura abandonar la escuela secundaria
rota que permite que momentos singulares
a los 15 años para seguir una carrera
como actor, una reunión con el
de talento del director se vuelvan prominentes
productor Lawrence Bender lo
en lugar de perderse como parte del todo. Si
desvió a escribir guiones. Su
Si estás buscando una versión nueva primera
y fascinante del trillado territorio del inframundo La película Reservoir Dogs le valió el
criminal, no hay nada mejor que reconocimiento internacional y su
siguiente película, Pulp Fiction,
Ficción pulpa. ■ también ganó la Palma de Oro.
lo que le valió el Oscar al Mejor
Guión Original.
Desde entonces, Tarantino ha
hecho películas en una variedad de
géneros, desde thrillers de venganza
en la serie Kill Bill hasta películas
de guerra con Bastardos sin gloria .
(2009) y Westerns con Django
Unchained. Sus películas siguen
teniendo buenos resultados tanto con
la crítica como con el público.
Películas clave
1992 Perros de reserva

1994 Pulpa de ficción
2003 Kill Bill: Volumen 1
2012 Django desencadenado
Aunque lo están apuntando con una

pistola, Pumpkin (Tim Roth) está a punto
de presenciar un momento de
iluminación verdaderamente inusual
cuando Jules promete cambiar sus costumbres.
276
Siento que algo

importante está sucediendo
a mi alrededor. Y
ME DA MIEDO
TRES COLORES: ROJO / 1994
Colores: El rojo es el ex juez, Joseph Kern (JeanLouis

EN CONTEXTO parte final de Krzysztof Trintignant). Valentine y Kern
Tres La trilogía de Kieslowski forman una relación extraña, tal
GÉNERO
basada en los tres colores de los franceses que, si no se hubieran perdido
Drama
bandera: roja, blanca y azul. por apenas 40 años, es posible
DIRECTOR Cada película explora uno de los que se hubieran enamorado.
Krzysztof Kieslowski
tres ideales de la Revolución
Francesa: libertad en azul (1993), Observador solitario
ESCRITORES
igualdad en blanco (1994) y, en rojo, fraternidad.
Kern ha dimitido de su carrera.
Krzysztof Kieslowski, Red es la más cálida y Cansado de juzgar, ahora simplemente
Krzysztof Piesiewicz comprensiva de las tres películas, quiere ser un observador. Él
ESTRELLAS
y presenta una actuación conmovedora
de Irène Jacob como Valentine. mira la vida
Irène Jacob, JeanLouis
Ambientada en Ginebra, Suiza, la
Trintignante
película, llena de rojo simbólico, cuenta
ANTES lo que al principio parecen ser
1987 En Blind Chance, historias de vidas separadas, hasta
Kieslowski explora la influencia que emergen conexiones más
del azar y la elección en tres historias profundas. La historia central
alternativas sobre un hombre que toma es la de una joven
modelo, Valentine, que
un tren.
accidentalmente atropella
1991 Kieslowski colabora por a un perro con su
primera vez con Irène Jacob en La coche. Lleva al perro con su dueño, un solitario.
doble vida de Veronique.
Valentine (Irène
DESPUÉS
Jacob) descubre
2002 El último guión de que la perra
Kieslowski, Heaven, está dirigido por que hirió está
Tom Twyker y protagonizado por Cate preñada. Kern
Blanchett. Había sido escrito como el le da el perro
cuando ella
primero de una nueva trilogía. se lo devuelve.
PEQUEÑO MUNDO 277

Qué más ver: Cenizas y diamantes (1958, págs. 146–47) ■ Tenemos que matar este
amor (1972) ■ Europa, Europa (1990) ■ La doble vida de Veronique (1991)
Krzysztof Kieslowski
Director
El director polaco Krzysztof

Kieslowski es conocido por sus
conmovedoras meditaciones
sobre el espíritu humano. Nació en
Varsovia en 1941. Su padre padecía
desde sus ventanas y escucha las Kern (JeanLouis Trintignant)
reevalúa su vida tras conocer a tuberculosis, por lo que su
conversaciones telefónicas de sus
Valentine. Pero antes de poder darle infancia fue nómada, ya que
vecinos. Eventualmente resulta que
el consejo que cree que necesita, la familia se desplazaba por
uno de aquellos a quienes escucha a
primero debe hacer él mismo lo correcto. sanatorios. A los 16 años intentó
escondidas es un joven juez, Auguste, el
formarse como bombero, luego
vecino de Valentine a quien ella nunca como técnico de teatro y
conoció. Lo que sustenta la película es una preocupación finalmente se matriculó en la
En un extraño eco del propio pasado de Kern, por la fraternidad de las almas humanas a escuela de cine de Lódz. Hizo
Auguste es traicionado por su compañera través del tiempo y el género. Esos documentales en la década de
Karin, la chica del clima. vínculos pueden perderse fácilmente 1960 que tenían la habilidad de
Kern convence a Valentine para debido a conexiones falsas, como las líneas transmitir mensajes subversivos
Intenta enmendar su relación con su novio telefónicas que parecen unir a Valentine y su que las autoridades pasarían
en Inglaterra. Ella sigue su consejo, pero amante y que Kern escucha a escondidas, y desapercibidos. Su primer gran
el destino tiene planes diferentes, como las ventanas a través de las éxito, La doble vida de Veronique,
uniendo a Valentine y cuales el juez espía, que dan la ilusión de exploró las emociones
contacto pero hacen que la conexión real sea humanas a través de las
vidas de dos mujeres idénticas,
imposible. Sólo una vez que el cristal se
una polaca y otra francesa.
su vecina. rompe se puede restablecer un vínculo
Luego siguió con su alabado
real, una conexión física real entre las
Trilogía Tres Colores antes de
personas.
anunciar sorprendentemente su
Sin embargo, los dos personajes principales
retirada. Murió repentinamente en
logran relacionarse entre sí de una manera 1996, con sólo 54 años.
que enriquece las vidas de ambos, y esta
verdad clara agrega un sentimiento cálido al
enigmático final de la película. No hay un Películas clave
sentido obvio o un mensaje claro que
1988 Un cortometraje sobre matar.
deba ser absorbido a medida que pasan los
Decálogo de 1989
créditos finales, simplemente una reflexión
1991 La doble vida
impresionista sobre las vidas que hemos
de Verónica
estado escuchando a escondidas durante un
1994 Tres colores: rojo
breve tiempo. ■
278
OCUPATE DE VIVIR
O Ocuparse de morir
LA REDENCIÓN DE SHAWSHANK / 1994
Los bajos
EN CONTEXTO una película
trata conque ingresos de
taquilla
el triunfo del
GÉNERO iniciales de la
espíritu humano sobre
Drama película se
la adversidad tiene que vieron
DIRECTOR recorrer una línea delicada. rápidamente
Frank Darabont Si se juzga mal el equilibrio compensados
entre dignidad y por siete
ESCRITORES nominaciones
sufrimiento, el triunfo
Frank Darabont (guión); al Oscar y
se sentirá vacío o no valdrá
una popularidad duradera e
esteban la pena, tanto para el
Rey (cuento) protagonista como para el
público.
ESTRELLAS
en el shawshank
Tim Robbins, Morgan
Redemption, con su
Freeman, Bob Gunton
historia de un hombre
ANTES condenado a cadena 1947, Andy es un hombre sensible y
1979 Escape de Alcatraz perpetua en una prisión dirigida por un reflexivo. Su fuerza no es física; se deriva
director corrupto, el director Frank de su creencia en el derecho
cuenta la historia real de una
Darabont logra el equilibrio perfecto. inviolable del individuo a la justicia y a un
fuga de prisión.
La película enfatiza la humanidad trato humano, que le permite mantener su
1983 La mujer en la habitación sobre la brutalidad y se ha convertido integridad incluso cuando su situación
es la primera película de Darabont, en una de las películas más populares parece desesperada.
también basada en una historia de Stephen King. jamás realizadas sobre el poder de la confianza en uno mismo.
Aunque Andy está atrapado en un
sistema que busca aplastarlo e
DESPUÉS
Prisionero poco convencional institucionalizarlo, el público tiene la
1995 Tim Robbins dirige Dead
En su personaje principal, Andy Dufresne impresión de que es más libre que
Man Walking, la historia de un (Tim Robbins), la película subvierte al muchos de los que están en libertad.
hombre condenado a muerte. duro protagonista de dramas Nunca pierde la esperanza de que la
1999 Darabont filma King's The carcelarios anteriores como Cool Hand vida pueda mejorar, ya sea haciendo
Green Mile, otro drama carcelario,
Luke (1967) o Escape from Alcatraz campaña para mejorar la biblioteca de
(1979). Un exbanquero condenado la prisión o haciendo un trato con uno de
ambientado en la década de 1930.
por asesinar a su esposa y a su los guardias más brutales para
amante en darles una cerveza a sus compañeros presos después
PEQUEÑO MUNDO 279

Qué más ver: Cool Hand Luke (1967) ■ Midnight Express (1978) ■ Escape from Alcatraz (1979) ■ The Shining (1980, p.339) ■ Sleepers (1996) ■ The
Green Mile (1999) ■ The Majestic ( 2001) ■ La niebla (2007) ■ Un profeta (2009)
Es esta esperanza la que impulsa a Andy

a darle la vuelta a la brutal Frank Darabont Director
Warden Norton (Bob Gunton), que explota
el hijo de cuento. Esto le valió el
las habilidades contables de Andy para lavar
inmigrantes reconocimiento mundial y una
dinero. Cada noche, Andy destroza la
húngaros, nominación al Oscar. Dirigió más
pared de su celda para llevar a cabo una
Frank Darabont adaptaciones del trabajo de King
fuga que lleva 20 años en desarrollo. Su nació en en The Green Mile y The Mist,
determinación también inspira a su amigo
1959 en un campo de refugiados antes de trabajar en la serie de
Red (Morgan Freeman) a encontrar su en Montbéliard, Francia, y se mudó con televisión de terror The
propia redención. su familia a los Estados Unidos Walking Dead entre 2010 y 2011.
cuando era un bebé. Comenzó su
carrera con varios trabajos en escenarios Películas clave
pagando el precio de películas, incluido el de asistente de
Por el contrario, su compañero de prisión producción en la película de terror Hell Night. 1994 El Shawshank
Brooks Hatlen (James Whitmore) (1981). Su primer largometraje Redención
depende tanto de las certezas de la vida completo fue The Shawshank 1999 La Milla Verde
carcelaria que teme su liberación. 2007 La niebla
Redemption, una adaptación de Stephen King.
Cuando Brooks sale
en libertad condicional en 1954, se le lo que hace que la Compañero de vida Red (Morgan
muestra intentando cruzar una calle, impactado fortaleza de Andy sea tan milagrosa. Freeman) se siente atraído por
El shawshank la férrea determinación de
por la velocidad del tráfico, abrumado en un
mundo enorme. Brooks es Andy (Tim Robbins) no
La redención sugiere que es
Estar destrozado. La voz en
Ni débil ni cobarde, pero no sabe cómo posible que una persona se off lenta y mesurada de Red
afrontarlo. aferre a su autoestima. como el narrador
El tiempo en prisión valer la pena incluso en las de la película añade a
puede cambiar circunstancias más extremas, y su sombría dignidad.
a las personas, mantener su humanidad incluso
a menudo para frente a las circunstancias más extremas.
peor, y esto es trato inhumano. ■
280
¡HASTA EL
INFINITO Y MÁS ALLÁ!
HISTORIA DEL JUGUETE / 1995
©Disney∙Pixar
Story es una película El atractivo se deriva de sus
EN CONTEXTO histórica: fue la primera película completa personajes muy originales y su trama:
Juguete largometraje para utilizar una historia de amigos simple pero
GÉNERO
imágenes generadas completamente por conmovedora con muchos chistes excelentes.
animación, aventura computadora (CGI) en lugar de la Desde el principio, Pixar se propuso
DIRECTOR animación tradicional dibujada a mano. ser moderno y optó por no buscar
Juan Lasseter Pixar, el nuevo estudio detrás de la película, inspiración en los cuentos de hadas y las
convenció a los cinéfilos de las posibilidades leyendas, elementos básicos de las
ESCRITORES del CGI sin depender únicamente de su películas animadas de Disney. De hecho, el
John Lasseter, Pete novedad tecnológica. De hecho, gran parte de laconflicto
películacentral en Toy Story es entre
Doctor, Andrew Stanton, lo viejo y lo nuevo. Un niño, Andy, descarta
Joe Ranft (historia original); su juguete favorito, Woody, un vaquero
Joss Whedon, Andrés del Viejo Oeste, cuando le regalan un Buzz
Stanton, Joel Cohen, Alec Lightyear, un juguete futurista de un
Sokolow (guión) guardabosques espacial. Los críticos
han sugerido que la dificultad de
ESTRELLAS
Woody para aceptar el nuevo juguete,
Tom Hanks, Tim Allen con sus aparatos y láser, y su actitud
de mal humor reflejan los temores de
ANTES
la audiencia de que el exceso de CGI
1991 La Bella y la Bestia de
reemplace la muy querida animación
Disney utiliza algo de CGI.
clásica. La película muestra que Woody puede coexisti
DESPUÉS es un lugar para la nostalgia junto con
1998 CGI avanza en Bichos, el cuento de el progreso, particularmente cuando se trata
Lasseter sobre una colonia de hormigas. de un paquete tan bueno como Toy Story. ■
1999 Toy Story 2, la primera película

totalmente digital, es otro gran éxito. Woody observa con envidia cómo
Buzz Lightyear cautiva a los juguetes.
2007 Ratatouille combina CGI con Buzz no tiene idea de que es un juguete
una trama atrevida y original. de niño: uno de los chistes que impulsa la trama.
©Disney∙Pixar
2012 Lasseter produce una versión

Qué más ver: Monsters, Inc. (2001) ■ Los Increíbles (2004) ■ Toy Story 2 (1999) ■
3D de La Bella y la Bestia. Ratatouille (2007) ■ WALL∙E (2008) ■ Toy Story 3 (2010)
PEQUEÑO MUNDO 281
LO QUE IMPORTA NO
ES CÓMO CAES.
ASÍ ES COMO ATERRIZAS
LA HAINE / 1995
EN CONTEXTO Haine (Odio) es una película

La de Mathieu Kassovitz
impulsada por la ira de
GÉNERO
tres jóvenes de un complejo de viviendas
Drama
marcado por disturbios en las banlieues.
DIRECTOR (suburbios pobres y de gran altura) de Todos los niños de
Mathieu Kassovitz París. Kassovitz ganó el premio al todo el mundo tienen los
Mejor Director en Cannes, pero su mismos problemas: en Londres,
ESCRITOR violencia y sus críticas a la policía la Nueva York, París, donde sea.
Mathieu Kassovitz hicieron enormemente controvertida. Mathieu Kassovitz
Los tres hombres son todos hijos
ESTRELLAS
de inmigrantes: Vinz (Vincent Cassel)
Vincent Cassel, Hubert
es judío, Hubert (Hubert Koundé) es
Koundé, Saïd Taghmaoui
negro, Saïd (Saïd Taghmaoui) es
ANTES árabe, y la ira en la película se ve
1993 Café au Lait, la primera película alimentada por la marginación de
las minorías. El desencadenante de Bickle, en la película Taxi Driver de
de Kassovitz, está influenciada por
She's Gotta Have It de Spike Lee. la acción es un bavure (desliz) Martin Scorsese, está decidido a
de la policía, que golpeó a Abdel, vengarse de la policía. Pero cuando Vinz
DESPUÉS uno de los amigos del trío, hasta dejarlo en se
coma.
da cuenta de que no es un asesino, los
2001 Como actor, Kassovitz tres se ven arrastrados a una espiral de
protagoniza la exitosa comedia Amélie. Una espiral de violencia violencia que involucra a la policía y matones racistas.
Tales bavures eran inquietantemente La cruda fotografía en blanco
comunes en Francia en ese momento, y negro, filmada principalmente en
2011 Rebellion, un thriller ambientado
y Kassovitz dice que comenzó a las banlieues, y la intensidad de las
en la Nueva Caledonia francesa, es un
escribir la película el 6 de abril de actuaciones, particularmente de Cassel,
éxito de crítica para Kassovitz, con le dan a la película crudeza y realismo.
1993, el día en que un joven de Zaire,
algo de la ira que alimentó a La
Makome M'Bowole, fue asesinado a Pocas películas han capturado la
Haine. división entre los que tienen y los que
tiros bajo custodia policial. En la
2014 En Girlhood, la directora película, Vinz, que se basa en el vigilante Travis
no tienen de manera tan intransigente. ■
francesa Céline Sciamma cuenta otro
drama de las banlieues, desde la Qué más ver: Los 400 golpes (1959, pp.150–55) ■ Do the Right Thing (1989,
p.264) ■ Amélie (2001, pp.298–99) ■ Ciudad de Dios (2002, pp.304 –09)
perspectiva de una niña.
282
NO ESTOY SEGURO DE ACUERDO

CONTIGO CIEN
POR CIENTO EN SU POLICÍA
TRABAJA AHÍ, LOU
FARGO / 1996
EN CONTEXTO
GÉNERO
Drama criminal, comedia
DIRECTORES
Joel Coen, Ethan Coen
ESCRITORES
Joel Coen, Ethan Coen
ESTRELLAS
William H. Macy, Frances McDormand,

Steve Buscemi, Peter
Stormare
ANTES
Grimsrud (Peter Stormare) y
1984 El primer largometraje de los
se desarrolla al ritmo lento y Showalter (Steve Buscemi) son un par
Coen, Blood Simple, es un cine negro de tontos desventurados. Todo lo
Fargo es constante
una farsa de
trágica que
un glaciar.
en el que la gente corriente es que hacen los mete aún más en problemas.
Comienza con un vendedor de
conducida a la destrucción por su propia codicia.
automóviles llamado Jerry Lundegaard
DESPUÉS (William H. Macy), que necesita Dakota, en los pequeños
2013 Otro cuento de invierno, desesperadamente dinero para pueblos de Fargo y Brainerd, y
Inside Llewyn Davis de los Coen salvarse de la bancarrota. Jerry en la sombría carretera que los
es la historia de un compositor con contrata a los matones canosos conecta. Durante el secuestro,
mala suerte en Nueva York. Showalter (Steve Buscemi) y Grimsrud Grimsrud mata accidentalmente a un
(Peter Stormare) para secuestrar a su grupo de personas, y él y Showalter
2014 En Kumiko, la cazadora pronto descubren que es difícil
esposa (Kristin Rudrüd) y promete dividir
de tesoros de David Zellner, una el rescate con la pareja una vez deshacerse de los cadáveres en un
mujer japonesa va en busca de terminado el trabajo. Es un plan simple, clima tan frío que no se pueden cavar
un tesoro a Minnesota pero, como ocurre con la mayoría de las cosastumbas y ladecarne
en la vida Jerry,nosale
se pudre. Grimrud
terriblemente mal.
después de ver Fargo, creyendo El crimen de Jerry juega en contra encuentra una solución novedosa para esto
que es real. la cegadora naturaleza blanca del problema en el audaz acto final de la
invierno en Minnesota y el norte película, pero no antes de que Brainerd
PEQUEÑO MUNDO 283

Qué más ver: Blood Simple (1984, p.339) ■ Miller's Crossing (1990) ■ The Hudsucker Proxy (1994) ■ The Big Lebowksi
(1998) ■ The Man Who Wasn't There (2001) ■ True Grit (2010) )
Como cineastas, los hermanos Coen son

Joel y Ethan Coen Directores maestros en equilibrar risas y escalofríos,
y gracias a sus elementos de thriller
joel y ethan géneros como punto de partida, antes
criminal y su paisaje invernal, Fargo es una
Coen tiene de expandirse en una dirección
de sus obras más escalofriantes. El tono
obtuvo más de 20 propia y crear una atmósfera fuera
está fijado en
aclamaciones de lugar, divertida y aterradora que
En la toma inicial, cuando la cámara mira un
películas. Después de su primero, es completamente propia.
el elegante thriller Blood Simple, automóvil, el de Jerry, abriéndose camino a
sorprendieron a sus admiradores con través de la tormenta de nieve. Comienza
Películas clave
Raising Arizona, una comedia una partitura musical cargada de fatalidad
negra romántica, y desde entonces 1984 Sangre simple arriba, y esto no parece una comedia:
han confundido las expectativas, 1991 Barton Fink desde el principio hay indicios de terror.
fusionando oscuridad con risas. Los 1996 Fargo
Coen suelen utilizar otras películas y 2007 No es país para viejos Marge es el corazón de la historia.
Su embarazo es un símbolo de
La policía encuentra a sus víctimas al acento que sugiere que es un poco paleta. esperanza en el páramo blanco de la
costado de la carretera. La jefa de Pero Marge está claramente al tanto. Con traición y la carnicería.
policía es Marge Gunderson (Frances cuidado, rastrea el rastro de los desastres Aunque nunca corre un peligro real, persiste
McDormand), quizás la única detective hasta Jerry, quien no está soportando bien el temor de que la violencia de la película la
muy embarazada en la historia del cine. la presión. El estudio de Macy sobre el supere. Pero los hermanos Coen logran
estrés (visible en el primer plano del mantener su magistral acto de equilibrio
extremo izquierdo) es divertido y en medio de la carnicería, el nihilismo del
detective poco común perturbador, caso obligado a coprotagonizarlo con la
Como todos los demás en Brainerd y y convierte el acento regional profundamente arraigada decencia de
Fargo, Marge tiene un estilo campechano. campechano en un ritmo Marge. ■
escandinavoamericano de desesperación.
Marge (Frances
McDormand) inspecciona
Hay más en la vida que
el cuerpo de un
policía estatal. Su actitud
un poco de dinero, ya sabes.
provinciana oculta ¿No lo sabes?…
una aguda inteligencia.
Simplemente no lo entiendo.
Marge Gunderson / Fargo
284
TODOS HEMOS PERDIDO

NUESTROS HIJOS
EL DULCE MÁS ALLÁ / 1997
Buscar reparación es una manifestación de

EN CONTEXTO La mayoría detragedia;
los dramas se acumulan
pocos hasta
comienzan con la desesperación en su propia vida, mientras
sus consecuencias. canadiense lucha por hacer frente a la pérdida de su
GÉNERO
La película del director Atom Egoyan trata sobre propia hija a causa de la adicción a las drogas.
Drama
las consecuencias de dos tragedias,
DIRECTOR entrelazándolas en una sutil meditación sobre Buscando cierre
la culpa del sobreviviente. Stevens encuentra su pareja en Nicole (Sarah
Átomo Egoyan
En un pueblo de la Columbia Británica, Polley), una joven de 15 años que estaba en el
ESCRITORES 14 niños han muerto cuando el autobús en el autobús pero sobrevivió. Contrariamente a sus
Átomo Egoyan (guión); que viajaban se deslizó hacia un lago helado. expectativas, Nicole no tiene rabia; en cambio,
Russell Banks (novela) El abogado Mitchell Stevens (Ian Holm) se siente abandonada, en un pueblo
sospecha de negligencia e intenta construir fantasma destrozado por el dolor. Su sabotaje
ESTRELLAS
un caso contra la compañía de autobuses de su caso con una declaración totalmente
Ian Holm, Sarah Polley,
y su conductora, la horrorizada y por lo inesperada es la recompensa de esta seductora
bancos caerthan
demás inofensiva Dolores (Gabrielle Rose). película. Por qué lo hace es algo que tanto
ANTES El intento de Stevens de persuadir a los Stevens como el espectador deben
1994 Exotica, una historia ambientada lugareños reacios a reflexionar. ■
en un local de striptease de Toronto, nicole sobrevive

atrae la atención internacional sobre el el accidente pero
trabajo de Atom Egoyan. queda paralizado.
En cierto sentido,
DESPUÉS también lo está el
2002 Ararat, el drama de Egoyan pequeño pueblo
desgarrado por la
sobre el genocidio armenio de 1915,
pérdida de los niños que murieron
obtiene elogios de la crítica pero
enfrenta problemas de distribución
debido a la presión política de
Turquía, que niega el genocidio.
2009 Chloe, un thriller erótico

protagonizado por Liam Neeson
y Julianne Moore, es el mayor éxito Qué más ver: Short Cuts (1993) ■ Exotica (1994) ■ Breaking the
comercial de Egoyan. Waves (1996) ■ Ararat (2002) ■ Mystic River (2003) ■ 21 gramos (2003)
PEQUEÑO MUNDO 285
ECHO DE MENOS MI
PADRE
ESTACIÓN CENTRAL / 1998
su amiga indignada: “Él estará mejor”. Que

EN CONTEXTO El gran hit de Salles fue Dora finalmente encuentre su conciencia y
En su lanzamiento en 1998,
inmediatamente Walter
nominada arregle las cosas no es una sorpresa, pero
GÉNERO
al Oscar a la Mejor Película en lo que destaca es el naturalismo y la
Drama facilidad con la que se desarrolla la
Lengua Extranjera. La historia de un
DIRECTOR huérfano que busca a su padre puede historia. Cuando el intento de Dora de
Walter Salles parecer una película sentimental de llevar al niño de vuelta con su padre fracasa,
Hollywood, pero en manos de Salles es ella deja de intentar burlar al destino y
ESCRITORES una mirada a menudo oscura y siempre simplemente desempeña su papel: una
Marcos Bernstein, lúcida a la pobreza de las grandes ciudades, vez que fue una mensajera renuente,
João Emanuel Carneiro, a la que se le añade autenticidad por el se asegura de que este paquete llegue
Walter Salles hecho de que su estrella infantil, Vinícius a su destino. ■
de Oliveira, estaba ganando dinero
ESTRELLAS
como limpiabotas en Río de Janeiro cuando Salles lo vio.
FernandaMontenegro,
Vinícius de Oliveira
Un viaje
ANTES Aunque se trata de un niño, Jesué
(de Oliveira), que está perdido, solo
1996 Tierra extraña
en Río después de que su madre Esta no es una película
(Tierra extranjera) es la primera
muriera en un accidente de tráfico, la conmovedora sobre una mujer
película destacada de Salles y se
Estación Central (Central do Brasil) que intenta ayudar a un
proyecta en más de 40 festivales de
no es tanto la historia de su viaje patético huérfano, sino una
cine de todo el mundo.
emocional como la de Dora. (Fernanda película dura sobre una mujer
DESPUÉS Montenegro), su reticente tutora. Dora que sólo piensa en sus propias neces
2004 Diarios de motocicleta, sobre la trabaja en la estación titular, escribiendo Roger Ebert
vida del joven Che Guevara, cartas para personas analfabetas que
confían en ella para enviarlas por
aporta a Salles otro éxito
internacional. correo, pero pocas llegan al buzón,
ya que Dora no tiene conciencia. Cuando
2012 On the Road de Salles , una vende a Jesué a una agencia de adopción ilegal, cuenta
adaptación cinematográfica de la
icónica novela de Jack Kerouac,
Qué más ver: Foreign Land (1996) ■ City of God (2002, págs. 304–09) ■
es un fracaso comercial. Carandiru (2003) ■ Slumdog Millionaire (2008, págs. 318–19)
286
POR EL
HOMBRE QUE MATÓ
MI HERMANA
FESTEN / 1998
movimiento. Siguiendo las reglas

EN CONTEXTO de cineastas daneses Dogmas, la película se desarrolla en un
GÉNERO El 13 de marzo de 1995,
se unieron parauncrear
grupo
un escenario: un hotel familiar que organiza
manifiesto artístico. Había la cena del 60 cumpleaños de un patriarca.
drama familiar
Hay muchas reglas en este documento, Sus tres hijos separados regresan para
DIRECTOR pero la idea central detrás del movimiento la ocasión y oscuros secretos.
Thomas Vinterberg Dogma 95 fue la eliminación del están expuestos. La claustrofobia y el
artificio del cine. Eliminando muletas y intenso realismo del estilo de filmación
ESCRITORES
dispositivos creativos, desde la música se suman a la atmósfera de olla a
Thomas Vinterberg, hasta tropos dramáticos superficiales presión que se va acumulando
Mogens Rukov como el asesinato, el objetivo era gradualmente durante el proceso.
ESTRELLAS purificar las películas, contar historias que
Ulrich Thomsen,
se centraran completamente en los El discurso
Festen subvierte las convenciones sociales,
personajes y el momento en el que se encuentran.
Henning Moritzen,
Thomas Bo Larsen
La primera película Dogma, Festen quizás de manera más reveladora en
(La Celebración), fue Tomás su uso de un discurso formal para
ANTES La contribución de Vinterberg a la exponer las verdades bajo el barniz de familiaridad.
1960 JeanLuc Godard aporta
un estilo cinematográfico nuevo Thomas Vinterberg Director
y radical a À bout
de soufflé. tomás Kristian Levring y Søren Kragh
Vinterberg Jacobsen. Su película Festen fue
DESPUÉS nació en la primera y la más exitosa del
1998 La segunda película de Copenhague, movimiento, y fue recibida con
Dogma es Los idiotas, de Lars von Dinamarca, atención internacional.
en 1969. Después de graduarse de la aclamación, incluido el premio del jurado
Trier , sobre un grupo de amigos que
escuela nacional de cine de en Cannes.
fingen estar discapacitados para
Dinamarca en 1993, hizo su debut
divertirse.
cinematográfico con The Biggest Heroes, Películas clave
1999 La directora estadounidense una road movie que fue aclamada en
Harmony Korine realiza la primera su Dinamarca natal. Posteriormente 1996 Los héroes más grandes
formó el Fiesta de 1998
película Dogma no europea, Julien
Movimiento Dogma 95 con sus 2003 Todo es cuestión de amor
DonkeyBoy. 2012 La caza
colegas directores Lars Von Trier,
PEQUEÑO MUNDO 287

Qué más ver: Los 400 golpes (1959, pp.150–55) ■ À bout de souffle (1960, pp.166–67) ■ Breaking the Waves (1996, p.341) ■ Los idiotas (1998) ■ Julien
DonkeyBoy (1999) ■ El rey está vivo (2000) ■ Querida Wendy (2004) ■ La caza (2012)
Al eliminar el artificio, Festen era una Festen fue una de las primeras
película conscientemente “pequeña”, en la películas en utilizar cámaras digitales, lo
tradición de la Nueva Ola francesa. Él
que le da la sensación de ser un vídeo
Su realización costó poco más de 1 millón de dólares.
familiar sin concesiones, que sitúa al
espectador en el centro de la tormenta
familia cuyas conversaciones privadas han emocional. Al hacerlo, hace que el público olvide
estado llenas de mentiras durante tanto que está viendo una “película”. No hay pistas
tiempo, tiene sentido que la estructura musicales que indiquen a los espectadores
El artificio del discurso se convierte en el lugar cuándo deben enfadarse, ni escenas de
para encontrar la honestidad. venganza empoderadoras. La película presenta
la desintegración de una familia con un mínimo
Anarquía y orden de comentarios del director, dejando al
El principio de Dogma 95 fue una muy público libre de decidir qué sentir, cuándo
necesaria eliminación de la frivolidad horrorizarse o asombrarse. Al brindarle al
disfrazada de broma de castigo, librando espectador tanta confianza, Festen deja una
al cine de adornos demasiado familiares huella emocional conmovedora. ■
para llegar directamente al alma de la pieza.
No menosprecies a mi familia, ¿entiendes?

cortesía. Los discursos tradicionales son a
menudo una conversación artificial que es Michael / Festen
usado para enmascarar una agenda o mantener
la paz, se presta a la deshonestidad.
En Festen, sin embargo, es donde los
personajes son más honestos.
Una vez que golpean una copa de vino con un
tenedor, desnudan su alma.
En su primer discurso, Christian (Ulrich
Thomsen), el hijo mayor del patriarca Helge
(Henning Moritzen), acusa a su padre de
cometer un terrible crimen contra sus hijos
años antes, uno que finalmente provocó la muerte
de su hermana gemela. En este momento,
Christian no tiene miedo, pero unos
momentos después su padre le habla en
privado y la máscara regresa: Christian se
disculpa y se retracta. La fiesta y los discursos
continúan. Para
Después de hacer una acusación terrible

y muy pública contra su padre, Christian
(Ulrich Tomsen, centro) es expulsado a la
fuerza de la fiesta de cumpleaños del
patriarca por su hermano menor Michael
(Thomas Bo Larsen, izquierda).
288
EL MIEDO DE TODOS
TOMA UNA VIDA DE
SU PROPIO
RINGÚ / 1998
La película de
EN CONTEXTO occidental Nakata inspiró un nuevo
Como ocurre con muchos
horrores— género de escalofriantes
GÉNERO japoneses, varios
Poltergeist (1982) y
Horror de los cuales
El Proyecto Blair Witch
fueron rehechos por
DIRECTOR (1999), por ejemplo— Hollywood. En estas
Hideo Nakata La película de Hideo Nakata. películas de “terror
Ringu (El Anillo) saca sus J”, el terror es menos
ESCRITOR escalofríos del folclore explícito, se basa
Hiroshi Takahashi (guión); menos en los
y leyenda: en este caso un
viejo cuento de samuráis “sobresaltos” y se deja más a la ima
Koji Suzuki (novela)
transferido al Japón urbano
de hoy en día. La película la cinta dura solo
ESTRELLAS
está basada en la exitosa unos segundos
Nanako Matsushima, novela de Kôji Suzuki de 1991. y contiene
Hioyuki Sanada, Rikiya Ôtaka, del mismo nombre, extrañas imágenes
Yôichi Numata, que a su vez fue de un círculo de luz, una mujer
Miki Nakatani
Inspirado en una conocida cepillándose el cabello, un hombre con la
ANTES historia de fantasmas del siglo XVIII cabeza cubierta, un pictograma visto en un
sobre una sirvienta, Okiku, que es primer plano de un ojo, todo reproducido en
1996 Don't Look Up, el primer
asesinada por su señor. el crujido estático de un video degradado
largometraje de Nakata, no es un éxito
Tomando un elemento clave de las y muy visto. Después de cada visualización
de taquilla pero le da el prestigio
películas de terror estadounidenses en las de la cinta, el espectador recibe una
crítico para dirigir Ringu.
que los adolescentes se sienten atraídos llamada telefónica que le informa que
DESPUÉS por objetos o lugares tabú o prohibidos, morirá en siete días. Una semana después
1999 Nakata completa la Ringu se refiere a una cinta de vídeo que están muertos, con los rostros deformados
historia con Ringu 2. se está pasando por las escuelas de provincia. Elpor un terror inimaginable.
2002 Nakata dirige Dark

Water, que, al igual que sus No es de este mundo. es de sadako
dos películas anteriores, es una
nueva versión de Hollywood.
furia. Y ella nos ha puesto una maldición.
Ryuji Takayama / Ringu
PEQUEÑO MUNDO 289

Qué más ver: Kwaidan (1964) ■ Poltergeist (1982) ■ Actriz fantasma (1996) ■ Rasen (1998) ■ Kairo (2001) ■
Dark Water (2002) ■ One Missed Call (2003) ■ Juon: The Grudge (2004) ■ Pulse (2006) ■ It Follows (2014)
Reiko, una periodista, mira fijamente

la estática que marca el final de la cinta
de vídeo mortal. En unos momentos,
sonará su teléfono y una voz misteriosa le
informará de su destino.
historia de fondo, por lo que el

enfoque cambia de las muertes prematuras
de adolescentes al intento de Reiko de
corregir la injusticia cometida contra
Sadako en el pasado y levantar su
maldición. Y, sin embargo, se avecinan
momentos virtuosos de terror que
pondrán la piel de gallina e imágenes que
atormentarán al espectador mucho después de ver esta
Aunque Hollywood produjo una nueva
versión que se podía ver en 2002, no
pudo inspirar el mismo temor.
La figura de Sadako se convirtió
un ícono instantáneo e influenciado
todo un género. Las imágenes se
basan en los fantasmas yurei japoneses:
El elemento de terror adolescente Al mismo tiempo, la historia regresa al tiene el rostro pálido y el cabello
inicialmente parece ser una mala pasado para descubrir los terribles largo y enmarañado, lo que sugiere que
dirección, ya que Ringu rápidamente secretos que han comenzado a filtrarse su cadáver no recibió ritos funerarios
se convierte en una historia de en el presente. (las mujeres japonesas eran tradicionalmente
detectives, y la periodista Reiko Como ocurre con otros horrores enterradas con el cabello recogido,
(Nanako Matsushima) se interesa en el japoneses que Ringu inspiró más tarde, no suelto). En esto, la película explora el
caso después de descubrir que su sobrina existe una perspectiva de redención; choque entre los cuentos populares
es una de las últimas víctimas. Volviendo Aunque es claramente un espíritu antiguos y la modernidad japonesa,
sobre los últimos pasos de la niña, Reiko malévolo, Sadako (y Okiku en el cuento con el terror del fantasma escondido en
encuentra la cinta de vídeo y la mira. Luego popular original) tiene un espíritu comprensivo. algo tan prosaico como una cinta de vídeo. ■
tiene siete días para evitar su propia
muerte: una carrera contra el tiempo Hideo NakataDirector
para descifrar las misteriosas imágenes
que ha visto. Por casualidad, el hijo Nacido en zonas rurales en un nuevo género de terror japonés,
adolescente de Reiko también ve la cinta, Okayama en el Jhorror, en el que
lo que aumenta aún más las apuestas. 1961, Hideo Las protagonistas femeninas son
Nakata trabajó acechadas por los fantasmas de las
Fantasmas del pasado durante siete años. niñas. Continuó la fórmula con Dark
Con Reiko cada vez más cerca de resolver como asistente de dirección antes Water de 2002.
el misterio, casi parece que Nakata va haciendo su debut con la película de terror
a abandonar el elemento de terror por y fantasía de 1996 Don't Look Up (o Ghost Películas clave
Actriz). Consiguió su reputación
completo, mientras Reiko comienza a
internacional con Ringu, cambiando el 1996 No mires hacia arriba
reconstruir la historia de una famosa
género del protagonista del cuento en el 1998 anillo
psíquica que perdió sus poderes cuando
que se basa. Ringu marcó el comienzo 1999 Ringu 2
su hija, Sadako (Rie Inô), nació. Para
2002 Agua oscura
UNA ESPADA
POR SÍ MISMO
NORMAS NADA. SÓLO
COBRA VIDA
EN MANOS HABILITADAS
TIGRE AGACHADO, DRAGÓN OCULTO / 2000
292 TIGRE AGACHADO, DRAGÓN OCULTO
Los críticos notaron la forma en que

EN CONTEXTO y Sensibilidad (1995), La parecía capturar una China idealizada,
Películas quetormenta
incluyen de
Sentido
hielo (1997) y una China de sueños. Como admitió
GÉNERO
Cabalgando con el diablo (1999) impulsaron el propio Ang Lee, un lugar así nunca
Wuxia (Artes marciales)
a Ang Lee a la lista A de directores de existió realmente. Pero la
DIRECTOR Hollywood. Así que fue una decisión valiente combinación de romance, secuencias
hacer de su próximo proyecto una película de ballet de artes marciales y cinematografía
Ang Lee
de artes marciales ambientada en la poética creó una película que atrajo al
ESCRITORES antigua China con diálogos público occidental. Sin embargo, en la
Hui Ling Wang, James enteramente en chino mandarín. Sin propia China la respuesta inicial a la
Schamus, Tsai KuoJung (guión); película fue menos positiva y la
embargo , Tigre y Dragón Oculto justificaban el riesgo.
Wang La película está basada en un wuxia. apreciación de sus méritos tardó en llegar.
Dulu (historia) novela (ver recuadro a continuación),
escrita en la década de 1930 por el autor Entre los wuxia más conocidos
ESTRELLAS
chino Wang Dulu, el cuarto título de su serie en Occidente están las series Érase una
Chow Yunfat, Michelle CraneIron de cinco partes . En Estados vez en China , consideradas unas de las
Sí, Zhang Ziyi, Unidos y Europa, la película fue un éxito mejores del género. Muchos críticos
Chang Chen comercial y de crítica instantáneo y chinos vieron a Ang Lee, a pesar de sus
ANTES ganó el Oscar a la mejor película extranjera. raíces chinas, como un turista
cultural que se subió al carro de los wuxia y
1991 Érase una vez en China,
se equivocó. Las secuencias de artes
protagonizada por Jet Li, inicia una
marciales eran mansas, se quejaron. Se
locura por las películas wuxia en Asia.
habló demasiado y no se hizo suficiente.
1993 The Wedding Banquet, de Ang En su opinión, Ang Lee estaba
Lee , es nominada al Oscar a la complaciendo la necesidad del público
mejor película en lengua extranjera. Es un buen examen: occidental de
cómo contar una
DESPUÉS implicación emocional.
historia con un sentido global.
2004 La visualmente impresionante Ang Lee Sin embargo, involucrar al público
película wuxia de Zhang Yimou , emocional y psicológicamente es
House of Flying Daggers, también precisamente lo que Ang Lee pretendía.
protagonizada por Zhang Ziyi, está Creía que las películas populares
claramente dirigida al público occidental. de artes marciales apenas habían
comenzado a explorar el verdadero significado.
Wuxia películas
Las historias de Wuxia son una antigua tradición década de 1960 cuando se
en China. La palabra wuxia significa guerrero convirtieron en un fenómeno en China. En
caballeroso y surgió por primera vez la década de 1990, cineastas de Hong
durante la dinastía Ming (13681644). Como los Kong hicieron la serie Érase una vez en
caballeros de los romances europeos, wuxia China , protagonizada por el héroe popular
Wong Feihung (interpretado por Jet Li,
Combinaba la búsqueda de la perfección izquierda).
personal con habilidad en el combate. Tigre agazapado, dragón escondido
Los gobernantes Ming y Qing intentaron cambió la naturaleza de los wuxia en China,
suprimir las historias wuxia debido a su énfasis con películas como La casa de las dagas
en la justicia social, pero siguieron siendo voladoras (2004) de Zhang Yimou que
enormemente populares. cuentan una historia más psicológica que las
Se hicieron las primeras películas wuxia. películas de acción anteriores.
en la década de 1920, pero fue en la
PEQUEÑO MUNDO 293

Qué más ver: Érase una vez en China (1991) ■ Drunken Master II (1994) ■ Sentido y sensibilidad (1995) ■
Hero (2002) ■ La casa de las dagas voladoras (2004) ■ Brokeback Mountain (2005) ■ Lujuria, precaución (2007) ■ La vida de Pi (2012)
Minuto por minuto

00:06 00:34 1:11 1:34
Shu Lien entrega la legendaria espada Li Mu Bai se enfrenta a Lo interrumpe la procesión nupcial Después de batirse en duelo
Green Destiny a Sir Te en Beijing. Jade Fox por envenenar a su de Jen y la insta a regresar con con Jen, Li Mu Bai lanza
Allí conoce a la joven Jen Yu, que maestro. Jade Fox mata al él al desierto. Ella huye Green Destiny sobre una cascada.
siente envidia del estilo de vida policía que la estaba siguiendo. disfrazada de niño. Jen Yu lo persigue y es salvada
guerrero de Shu Lien. por Jade Fox.
00:00 00:20 00:40 01:00 01:20 01:40 02:00
1:45
00:10 00:50 1:26 Herido por uno de los
Un ladrón enmascarado roba Lo, un bandido, se cuela en el Jen rechaza la amistad de dardos de Fox, Li Mu Bai
Green Destiny del estudio de Sir dormitorio de Jen Yu. En un flashback, Shu Lien y la pareja se bate expresa su amor por Shu
Te y Shu Lien lo persigue lo vemos atacando su tren de en duelo espectacular. Shu Lien Lien. Jen le pide a Lo
por los tejados de equipaje en el desierto y los dos se gana, con una espada rota en que pida un deseo. Luego
Beijing. enamoran. la garganta de Jen Yu. salta del monte Wudang.
Jen Yu es una hábil artista marcial.

Después de perseguir a Lo, un apuesto
bandido que le ha robado el peine, se
encuentra en su campamento en el desierto
rodeada de bandidos y se enfrenta a cada
uno de ellos en una secuencia de lucha acrobática.
de wuxia. Para llegar al meollo de su

papel en la psique china, sintió que tenía
que “usar el pensamiento freudiano o
Técnicas occidentales para analizar lo
que... está oculto en una sociedad
reprimida: la tensión sexual, los sentimientos
prohibidos”. En otras palabras, utilizó
conscientemente un enfoque occidental
del cine para descubrir un significado
psicológico detrás de la acción.
Quedó sin decir

La mayoría de las películas wuxia anteriores
lanzaban al espectador directamente al combate.
Sin embargo, Crouching Tiger, Hidden Dragon
comienza con un diálogo de cinco minutos
de duración entre un noble espadachín,
Li Mu Bai (Chow Yunfat) y una guerrera, Shu
Lien (Michelle Yeoh). La historia está
ambientada en el siglo XVIII, durante la Prefiero ser un fantasma vagando a tu
dinastía Qing. Li Mu Bai se ha retirado de la
lucha y se ha unido a un monasterio como
lado como un alma condenada que
camino hacia la iluminación, pero ni él ni Shu entrar al cielo sin ti. Gracias a tu amor,
Lien pueden dejar de lado su amor mutuo,
o
nunca seré un espíritu solitario.
Li Mu Bai / Tigre agachado, Dragón escondido
294 TIGRE AGACHADO, DRAGÓN OCULTO
confesar sus sentimientos. Ambos pei), el asesino de su antiguo maestro, Jen Yu rechaza la oferta de amistad
están limitados por nociones de honor. sea el culpable. Por lo tanto, antes de Shu Lien y el duelo de pareja. Shu
Estos deseos tácitos aumentan la tensión de que pueda revelar su corazón Lien lucha con todas las armas disponibles,
sexual entre ellos. a Shu Lien, Li Mu Bai debe recuperar pero cada una es destruida por Jen
Yu empuñando Green Destiny.
“Tigre agazapado, dragón escondido” Green Destiny y vengar la muerte
es una expresión china que alude a de su maestro.
una situación llena de peligro. En una espectacular persecución aérea,
En la película de Lee, el principal Mujeres guerreras En está de hecho Jen Yu (Zhang Ziyi),
de estos peligros es el deseo sexual este punto de la narrativa, queda claro una joven y apasionada noble que ha
reprimido. Justo cuando Shu Lien y Li que Lee está haciendo un segundo gran sido entrenada en secreto en
Mu Bai parece a punto de superar el alejamiento de la tradición cinematográfica brillantes pero incontroladas habilidades
decoro y declarar su amor, Li wuxia al poner a las mujeres en primer de combate por la villana Jade Fox, también una muje
La espada de Mu Bai, Green Destiny, es plano. El ladrón de espadas, que aparece El aliado de Li Mu Bai y sus dos
robada, y él sospecha de su esquivo saltando por los tejados de la Ciudad adversarios son tres mujeres fuertes que
archienemigo, Jade Fox (Cheng Pei Prohibida. tienen papeles importantes en la trama y
la lucha. Es el amado Shu Lien de Li
Mu Bai quien interpreta el habitual
Los luchadores también tienen reglas. Amistad, papel masculino del espadachín
sublime con emociones similares al Zen.
confianza, integridad. Cumple siempre tu control. Jen Yu y Jade Fox son
promesa. Sin reglas no sobreviviríamos por sus oponentes fuera de control.
Jen Yu está en rebelión violenta
mucho tiempo.
contra las convenciones sociales y
Shu Lien / Tigre agachado, Dragón oculto caballerescas Li Mu Bai y Shu
PEQUEÑO MUNDO 295
Para los estándares sólo lo hace porque

de Hollywood, el presupuesto de la desea sexualmente.
la película de Ang Lee era pequeño:
17 millones de dólares.
Jade Fox fue una vez
Los ejecutivos del estudio
un estudiante de Li Mu Bai
quedaron desconcertados cuando
recaudó 128 millones de
viejo maestro, pero lo mató
dólares sólo en Estados cuando intentó
Unidos y casi 215 millones aprovecharse sexualmente
de dólares a nivel internacional. de ella. Su hostilidad como
personaje, y su furia y
venganza, también
Gravamen en vivo. Ella podrían tener un origen
desprecia su sexual. Toda la historia está
autodisciplina o, como impulsada por corrientes Ang Lee Director
ella lo ve, su sexuales subyacentes.
autorepresión. "Deja de hablar Nacido en 1954 en Taiwán, Ang
como un monje", responde ella, cuando Li Luchas fantásticas En otra Lee se graduó en la Escuela
Mu Bai intenta aconsejarla. desviación de la tradición del
Nacional de Artes de Taiwán
que la espada es un estado de ánimo. antes de mudarse a Estados
género, las escenas de lucha no
Unidos. Su primer éxito crítico
Ha tomado un amante, Lo (Chang Chen), están tanto escenificadas como
vino con la boda
un bandido, con quien tiene intimidad sexual, coreografiadas, convirtiéndose en
Banquet, la primera de varias
y desafía a su familia (impensable en China extraordinarios ballets aéreos. En la películas realizadas con
en ese momento) al escapar en su noche de secuencia más impresionante, con Li guionista James Schamus.
bodas de un matrimonio respetable y Mu Bai luchando contra Jen Yu entre Lee regresó a Taiwán para hacer Eat
concertado con un noble. bambúes que se balancean, el efecto no se Drink Man Woman
logró con trucos informáticos sino con los (1994), un éxito comercial
Jen Yu reconoce que actores volando sobre cables. El resultado y de crítica. Su
Las habilidades marciales de Li Mu es más enigmático que violento y captura adaptación de Sentido y
Bai son mayores que las de Jade Fox y el misterio y la poesía de una antigua China sensibilidad de Jane Austen (1995),
ella lo quiere como su maestro. mítica. ■ con un guión de la estrella de
Cuando él acepta, ella dice que él la película, Emma
Thompson, reveló su alcance.
A la tragedia The Ice Storm y al
drama de la Guerra Civil
Principales escenas de lucha estadounidense Ride with the
Devil (1999) les siguió Crouching
Tiger, Hidden Dragon and The Hulk
(2003). Ganó un Oscar al Mejor
Jen Director con Brokeback
ecerapa
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anarae
odnea
Mountain (2005), sobre la relación

gay entre dos vaqueros. Un
segundo Oscar llegó en 2012.
Li Mubai
con La vida de Pi.
Películas clave
Shu Lien
1993 El banquete de bodas
1997 La tormenta de hielo
2000 tigre agazapado,
Dragón escondido
zorro de jade 2012 La vida de Pi
296
¿NO
RECUERDAS TU NO
DESAPARECIDO / 2001
película para ganar un Oscar. También fue

EN CONTEXTO L os animadores del Tokyo's
Studio Ghibli, entre ellos el una obra maestra de su género, un glorioso
cofundador Hayao Miyazaki, vuelo de imaginación basado en la idea de
GÉNERO
ha estado haciendo películas tremendamente "la puerta mágica" que se encuentra en gran
Animación, fantasía. inventivas desde 1986. Con un estilo de parte de la ficción infantil. Los niños a
DIRECTOR animación muy distintivo influenciado por la menudo ven la realidad como algo de lo que
Hayao Miyazaki tradición manga de los cómics japoneses, deben escapar, y la genialidad de El
Studio Ghibli ha ampliado los gustos del público viaje de Chihiro es permitir que el niño que
ESCRITOR de todo el mundo. todos llevamos dentro haga precisamente eso.
Hayao Miyazaki
El viaje de Chihiro de Miyazaki trajo
ESTRELLAS Después de un largo viaje en tren,
Comercial mundial de Ghibli
Chihiro y el misterioso NoFace (izquierda)
Rumi Hiiragi, Miyu Irino,
Éxito y también aclamación: fue la primera toman té con Zeniba, la hermana gemela
Mari Natsuki
animación en un idioma extranjero. de la codiciosa y controladora bruja Yubaba.
ANTES
1979 El castillo de Cagliostro, la
historia de un astuto ladrón, es la
primera película de Miyazaki.
1984 Nausicaä del Valle del Viento

protagonizada por una princesa
pacifista en un mundo postapocalíptico;
su éxito lleva a la creación del Estudio
Ghibli, hogar de una serie de éxitos de
animación.
1997 La princesa Mononoke es la

primera película de Miyazaki que
utiliza gráficos por computadora.
DESPUÉS
2013 The Wind Rises cuenta la historia
de vida ficticia del diseñador de aviones
Jiro Horikoshi.
PEQUEÑO MUNDO 297

Qué más ver: Laputa: El castillo en el cielo (1986) ■ La tumba de las luciérnagas (1988) ■ El servicio de entrega de Kiki (1989) ■
La princesa Mononoke (1997) ■ El gato regresa (2002) ■ El castillo ambulante de Howl (2004)
La extraña ciudad por la que Más tarde revelan su lado solidario y

deambula Chihiro es el hogar de las humano. Incluso NoFace, el espíritu
legiones de demonios, espíritus y tranquilo que se convierte en el villano del
dioses de Japón, donde los
segundo acto de la película, también es
humanos se convierten en animales.
retratado con simpatía, en su deseo de
Chihiro evita el hechizo, pero sus padres no.
conectarse con Chihiro y su
Intenta darle regalos para ganársela. La
Al final de la película, el tiránico imaginación ilimitada que Miyazaki utiliza para
Yubaba todavía domina, y aunque crear sus mundos fantásticos se
Chihiro logra escapar, muchos corresponde con su entrañable compasión
otros quedan atrás. por sus personajes (sus fortalezas y
defectos, sus sueños y miedos) y esto
A pesar de toda la sensación de nos permite preocuparnos por ellos como
asombro de la película, es esta base si fueran seres humanos.
en la realidad, esta negativa a blanquear profundamente mientras nos maravillamos ante ellos. ■
los elementos más oscuros de la vida,

lo que hace que El viaje de Chihiro
sea más conmovedor que muchos
otros cuentos de fantasía. No se
trata de derrotar al mal y crear una
utopía, sino simplemente de sobrevivir y
encontrar momentos de felicidad y Esta maravilla visual es
compasión dondequiera que puedas. producto de una imaginación
Un aspecto subversivo de El feroz e intrépida cuyas
viaje de Chihiro en comparación con creaciones no se parecen
otros trabajos de Miyazaki y el género Todos tienen una historia a nada que hayas visto antes.
fantástico en su conjunto es que el reino El viaje de Chihiro se esfuerza por retratar a Kenneth Turan 2002
de la fantasía que se presenta aquí es a sus personajes de manera imparcial y Los Ángeles Veces ,
menudo todo menos majestuoso. Si bien moda matizada. A menudo presenta a los
presenta magia maravillosa y criaturas personajes bajo una luz bastante dura.
sobrenaturales, la película también se desde la aparentemente antipática compañera
centra en la desgarradora existencia de trabajo Rin hasta Zeniba, la hermana y
cotidiana de la protagonista, una niña de 10 compañera bruja de Yubaba, solo para
años llamada Chihiro, mientras es puesta a
trabajar en una casa de baños dirigida por
Hayao MiyazakiDirector
la bruja. Yubaba.
Hayao Miyazaki nació 20 años después, con la princesa
verdadera fantasia en Mononoke. El viaje de Chihiro, su
Si bien los reinos mágicos representados en Tokio en 1941; él y continuación, le valió un Oscar y fue
la ficción infantil suelen ser más peligrosos su familia quizás su película mejor recibida.
que el nuestro, poblados como están por fueron evacuados The Wind Rises, de 2013, fue su última
monstruos extraños y terribles, también para escapar de los bombardeos película.
tienen una importante ventaja: los estadounidenses contra ciudades japonesas.

Miyazaki consiguió su primer trabajo Películas clave
personajes que deambulan por ellos a
menudo tendrán la oportunidad de ganar la en animación en 1963 y debutó como director
en 1979 con 1997 La princesa Mononoke
corona. o corregir algún error terrible. En
El Castillo de Cagliostro. Saltó a la fama 2001 El viaje de Chihiro
Spirited Away, sin embargo, no hay muchos 2013 Se levanta el viento
mundial casi
cambios:

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John Farndon es miembro literario real de la Universidad Anglia Ruskin de

muchos best­sellers internacionales como ¿ Crees que eres inteligente? y tradujo

49 No se alarmen señoras y señores, 76 ¿Cómo te atreves a llamarme

rey kong 78 Hace calor aquí junto a la

132 Cuando esté mejor iremos a mirar

1950­1959 Pater Panchali

173 Chico, te amo. Hueles a gasolina Los hagas un servicio.

pelear aquí. ¡Este es el cuarto de El discreto encanto de la

una revolución El Espíritu de la

281 No es así como te caes 310 La risa y el mundo 344 ÍNDICE

analiza y rinde homenaje a algunas Aún no sé qué voy a contar.

Contando historias de imágenes en movimiento. A partir de ahí, la

fantasmas, prisionero de mis sueños. Un par de décadas después de A

1894 1914 1920 1922

1902 1916 1920 1922

Había comenzado a entretener al público El cine como arte.

El primer thriller de Alfred El ángel azul de Josef von

1924 1927 1927 1930

1925 1927 1929 1931

Los pintores también se sintieron atraídos por su oficio en el vodevil americano

Son llevados ante el rey de los

1899 Cenicienta es la primera

Los cortometrajes de Méliès eran simplemente

Cuando llegan a la luna, los científicos

los utilizados en Intolerancia. Fue un

Se recreó el patio central de Babilonia con

Para algunos críticos, el efecto es casi

26 EL GABINETE DEL DR. CALIGARI

Hans Janowitz, Carl Mayer

Werner Krauss, Conrado

DESPUÉS Gabinete del Dr. Caligari El sonámbulo Cesare, que, según se

dramaturgo Aristófanes, pero aún no monje tramposo que ejercía una

Caligari, el “maestro” de Cesare, afirma que su primeros planos siniestros, en su mayoría

Este fue uno de los

Serguéi Eisenstein de 1905, cuando los marineros con una de sus

Nina Agadzhanova estilo futurista

Un carruaje baja las escaleras y pasa

Pasos de Odesa. Ahora conocidas como

ESTA CANCIÓN DEL

compañero que ha sido seducido

ANTES O'Brien) es un país honesto. destinado a ofrecer un clima igualmente

1922 Nosferatu de Murnau ayuda a

Historia sensacionalista de Amanecer Fue una de

Sin embargo, todavía hay mucho drama

Incapaz de llevar a cabo el asesinato, el

LOS QUE TRABAJARON SABÍAN

Alfred Abel, Gustavo

desolado thriller de Lang y von

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¿Debo decir ahora que me

EN CONTEXTO de payasadas inexpresivas.

pasar por una prueba agotadora.

1957 Otto Preminger adapta al cine

Sermón, advirtiendo de los peligros

1932 Dietrich y von Sternberg

visita a Erwin, un taxista, y a su

muchos bestsellers internacionales como ¿ Crees que eres inteligente? y tradujo

19501959 Pater Panchali