Producción Audiovisual 2021

Producción Audiovisual 2021
Proyecto
Audiovisual
Producción como:
• Acción concreta
• Resultado de esa acción concreta de producción
• Resultado del proceso comunicacional
Es un concepto que aparece con el cine durante su conformación
como industria y sector productivo de la economía. Cobra
relevancia la figura del productor ejecutivo o de la productora .
Podemos entender a la producción audiovisual como la

“organización, control y coordinación de los diferentes procesos
de elaboración de un film, programa de televisión o producto
audiovisual, en general, con el fin de
obtener la mayor calidad con el mínimo de
tiempo y costes posibles, mediante la Fuente: teoría y
correcta gestión de los recursos técnica de la
materiales, técnicos, humanos y producción
financieros, cuyo objetivo es obtener un audiovisual – Marzal
adecuado equilibrio entre costes e y López
ingresos, con el fin de obtener
beneficios”.
Es una obra audiovisual compuesta por imágenes y sonidos, los

cuales están registrados en cualquier tipo de soporte. Esa obra
audiovisual puede corresponder a los géneros de ficción o
documental y su formato puede ser unitario (única entrega),
seriado (compuesto por capítulos independientes) o episódico
(varios capítulos donde hay una evolución de la historia).
Cada película es un prototipo único e irrepetible por la alta

complejidad.
Exige una importante inyección de capital. La recuperación de la
inversión es lenta, ya que depende de la explotación comercial
del producto.
No hay una relación unívoca y proporcionada entre la inversión
de una producción y la calidad. No hay criterio universal para el
éxito comercial. No hay fórmulas mágicas.
El consumo de contenidos audiovisuales en el hogar es un hábito

cultural que se adaptó de manera muy versátil a la irrupción de
los nuevos formatos digitales. No sólo todos los argentinos
siguen mirando la televisión, sino que, además, se están
consolidando nuevas vías de consumo, como YouTube y Netflix.
Sin importar la edad, el nivel socioeconómico ni la región
geográfica, ver televisión sigue siendo una práctica cotidiana y
doméstica.
Entendemos como “workflow” a los flujos de trabajo, es decir, a

la secuencia de estados que realiza un determinado proyecto
Es el conjunto de operaciones de una actividad que define
tareas y cómo fluye la información generada a través de cada
una de ellas.
Una película tiene aspectos intangibles y tangibles. Si vamos a
organizar empresarialmente el desarrollo de un
proyecto, es necesario encontrar una forma
Un proyecto de bajar a tierra los aspectos intangibles.
es una
potencialidad Un proyecto es una potencialidad de una
de una película
película
Es el conjunto de procesos sistematizados según ciertos

estándares, que se realizan en una etapa previa a la
preproducción y cuya finalidad es la obtención de los recursos
necesarios para producir y comercializar una película y sus
productos auxiliares.
Productora
• Procesos artísticos: como trabajamos la pieza
• Procesos administrativos
• Procesos de marketing: como vendemos la pieza
• Procesos de producción
Procesos artísticos
• Premisa • Escaleta
• Sinopsis • Guion
• Tratamiento
Procesos Administrativos
• Legales
• Contables
Procesos de Marketing
• Precio • Producto
• Comunicación • Análisis FODA
• Distribución
Procesos de Producción
• Presupuesto
• Teaser
A lo largo de las etapas de desarrollo, producción y

comercialización de productos audiovisuales un mismo proyecto
• Proyecto
• Película
• Negocio
Es un proyecto durante el desarrollo, una película durante la
producción y un negocio durante la comercialización.
Es la etapa previa al desarrollo propiamente dicho. En esta fase

nos concentramos principalmente en organizar y obtener los
recursos necesarios para desarrollar un proyecto: armado del
equipo de desarrollo (recursos humanos) y búsqueda de
financiamiento para el desarrollo (recursos de capital).
Una vez que obtenemos los recursos para desarrollar un

proyecto ponemos en marcha el desarrollo propiamente dicho.
Se trata de la etapa más intensa del desarrollo donde los cuatro
tips de procesos funcionan en paralelo demandando el trabajo
de todo el equipo.
Comienza cuando ya tenemos una carpeta de proyecto. Con esta

carpeta el Productor Ejecutivo sale a buscar recursos para la
producción de la película.
Estos recursos pueden ser humanos (actores, director, equipo
técnico, etc.) o de capital (co-productor, aportes en especie,
aportes en trabajo, préstamos, etc.).
Dos circuitos alternativos: hay Hay además laboratorios de

películas que aspiran al éxito desarrollo y fondos a los que
comercial industrial y otras se puede presentar el
que aspiran al éxito en los proyecto. Por eso la
contextos de festival y cine importancia de la carpeta de
arte. desarrollo.
Es la etapa donde se deben asegurar las condiciones óptimas

para la realización. La preproducción es una instancia de
organización para que la etapa de rodaje pueda realizarse de
forma eficaz y sin errores. Aquí también se realizan los trámites
para conseguir locaciones, alquiler y contrataciones de equipo
técnico, entrenamiento coral, ensayos, etc.
Una vez terminado el plan de rodaje entramos en la etapa de la

producción propiamente dicha. En esta instancia se recopilan
todos los elementos auditivos y visuales que formarán parte de
la producción final. Es el registro de entrevistas, contextos
(acompañan y agregan información al tema) y la búsqueda de
materiales complementarios (imágenes de archivo).
Es donde se empieza a concretar la realización de lo pautado
en el guion. Podemos decir que es la comprobación de lo
establecido en la preproducción y a la vez permite incorporar
ciertos elementos que pudieran ser importantes. Una producción
exitosa es el resultado de una adecuada planificación previa.
Primero se hace un visionado completo del material grabado y

de archivo, para la confección final del guion de edición, para
optimizar tiempo y calidad en la edición de imagen y sonido.
Luego se pasa a la etapa de edición final, donde se decide el
orden definitivo (y duración) de los planos; y aparecen los
procesos de sonorización, la gráfica, efectos especiales.
La postproducción es un conjunto de operaciones realizadas
sobre material grabado para obtener la versión completa y
definitiva de la realización audiovisual. Es la forma final del
producto. Se tiene en cuenta el orden de los planos, el ritmo y

la sonorización. El resultado debe quedar listo para transmitir.
Iniciamos esta etapa con la obtención de la primera copia

positiva (copia “A” si se trata de un producto terminado en
material fílmico o “master” si es en formato digital) con la
imagen y sonido definitivos. La película se estrena en salas y
luego de algún tiempo baja de cartel. El producto luego pasa a
la pantalla chica y puede ser exhibido por muchos años más.
Existe un límite que está dado por los derechos que el productor
tiene sobre el producto audiovisual, y de la normativa de la ley
de propiedad intelectual 11.723 de Argentina. Luego de 70 años,
tras la muerte de todos los autores, la obra pasa a “dominio
público”.
El puntapié inicial no está dado por la aparición de una idea, sino

por la aparición de las personas que la crean y la prueban. No
debemos visualizar al equipo como un grupo de personas, sino
como un conjunto de roles a cubrir.
Artísticos Marketing
• Guionista Editor • Director de Marketing
• Consultor de guion • Diseñador Gráfico
• Jefe de investigación • Guionista Teaser
Administrativos Producción
• Asistente de producción • Director de producción
• Abogado • Director Teaser
• Contador • Equipo técnico Teaser
Es importante tener en cuenta que cuando se habla de productor

se hace alusión generalmente a una empresa (una persona legal)
pero a veces se refiere a una persona física a cargo de un
proyecto, del cual actúa como “director-guionista-productor”.
• Productora: empresa/persona legal
• Productor: persona física
Se considera productora o productor a toda aquella empresa o
persona física que cumple con las condiciones:
1. Aporta la totalidad de los recursos
2. Asume el riesgo comercial
3. Detenta la titularidad sobre el proyecto
4. Responde legalmente por el mismo
5. Representa la máxima instancia de decisión
Los objetivos principales del productor ejecutivo en la etapa de

desarrollo de proyecto son asegurar la rentabilidad y obtener el
financiamiento necesario para las etapas de desarrollo,
producción y comercialización. Es una especie de gerente
general del proyecto
Objetivos
• Asegurar la rentabilidad del proyecto
• Obtener financiamiento para desarrollo, producción y
comercialización.
Elabora
• Presupuesto de producción SL
• Plan financiero de desarrollo
• Plan financiero de producción
Objetivos Elabora
Guionista Contar buenas historias que • Premisa
resulten interesantes para el • Sinopsis
público
Formatear documentos de • Tratamiento
guion • Escaleta
• Guion
Guionista Contar buenas historias que • Informes de guion

editor resulten interesante para el • Premisa
público
• Sinopsis
• Tratamiento
• Escaleta
• Guion
Jefe de Proporcionar información Informes de

investigación necesaria para los procesos investigación
de elaboración, el forma audiovisuales y no-
precisa, clara, contextualizada audiovisuales
y por orden de importancia
Director de Asegurar el máximo potencial • Plan de marketing
marketing de comercialización de la • Presupuesto de
película y sus productos marketing
auxiliares
Comunicar eficazmente el • Briefings de
proyecto proyecto
• Matriz FODA
Director de Asegurar la eficacia del • Presupuesto de

producción proyecto en términos desarrollo
económicos y de producciones • Desglose, plan de
rodaje y
presupuesto de
producción BL
• Pre trailer
Carpeta
Audiovisual
Su finalidad es interesar al lector
Sintetiza la esencia de la historia y deja en claro:
• Género
• Protagonista
• Conflicto Dramático
• Espacio y tiempo
• Gancho
• ¿Queda claro cuál es • ¿Cuenta la idea en

el género? lugar de explicarla?
• ¿Queda claro quién • ¿Genera en el lector
es el protagonista? intriga, interés,
• ¿Podemos responder deseos de saber
a la pregunta: qué más?
quiere el • ¿Tiene algo
protagonista y que novedoso, original,
se le opone? único, diferente al
resto?
La sinopsis debe contar la

historia, no explicarla. La • De la historia
historia debe ser auto
explicativa; si el guionista • Se centra en el “qué”
necesita explicar al lector • Plantea la estructura
para que la entienda, dramática
entonces o bien la historia
no es clara, o bien el
guionista no sabe hacer su
trabajo.
• Arco completo de la historia; inicio, desarrollo,

resolución. Compuesto por los núcleos argumentales
(entre 5 y 8). Macroestructura.
• Punto de vista: a través de quién accedemos a la
historia
• Información sobre los personajes principales.
• Conflicto central
• Tono: Quizás sean rasgos generales o detalle particular
que ayude a configurar el cosmos- género, estilo de tu
película.
Un guion literario es la descripción de las escenas que

conforman el relato de una historia. Cada escena se detalla
haciendo uso de los tres elementos siguientes:
• Encabezado de escena
• Descripción de la acción
• Diálogo
• Da la información sobre dónde y cuándo transcurre la

acción que tiene lugar en esa escena. Consta de tres
partes:
• La abreviatura “INT” o “EXT”, que indica si la acción
transcurre en interiores (espacios cerrados) o exteriores
(espacios abiertos).
• El lugar concreto en el que transcurre la acción.
• La palabra “DIA” o “NOCHE” o cualquier otra que queramos
usar para indicar el momento del día.
En uno o más párrafos describiremos, de forma concisa, la

acción que tiene lugar en la escena. Lo haremos en tercera
persona, con los verbos en presente y, muy importante, de
manera que lo que narremos resulte visible y/o audible. La
primera vez que aparezca el nombre de un personaje en el guion
lo escribiremos en mayúsculas y aprovecharemos para su edad
justo a continuación, entre paréntesis. Las descripciones de
aquellos sonidos y/u objetivos que tengan relevancia en la
historia las escribiremos también en mayúsculas.
En uno o más párrafos mostraremos las palabras que pronuncian

los personajes. Cada párrafo de diálogos lo precederemos del
nombre del personaje correspondiente, en mayúsculas. Para
informar de cualquier gesto importante que el personaje haga
mientras habla o del tono con el que habla, emplearemos una
acotación, que escribiremos justo bajo el encabezado, entre
paréntesis (también la podemos insertada en el parlamento).
A veces, es el documento que marca la diferencia, y hace que

el proyecto resulte de interés.
Indica:
• ¿Por qué es necesario contar esta historia?
• ¿Y por qué soy yo el indicado para contarla?
• ¿Qué es lo que me motiva a contarla?
• ¿Cómo surgió?
• ¿Por qué es urgente hacer esta película, y no otra?
Es la pregunta por el por qué quiero
contar esta historia: por una cuestión
personal o por algo más grande. Cuanto más auténticos
seamos más fácilmente
De que va: tema, cuál es el corazón encontraremos un público
de la película. Para qué estamos para nuestro proyecto.
haciendo está película: de dónde
viene el corazón de la película. Aún
más cuando somos el director: por qué esta película y no otra.
Listado de personajes con la

persona que los
representara. Incluir foto. Indicar en qué etapas se
gastará la plata del
presupuesto.
Locaciones por usarse en la
producción audiovisual. Incluir
foto.
Presentación del proyecto, breve, de 5 minutos. En los que en

muy poco tiempo, y con máxima claridad debo presentarme a
mí y a mi película.
Presentación
Quién soy. Qué soy (guionista-director-ambos)
De qué va mi película a grandes rasgos (temáticos): corazón del
proyecto. Qué temas toca, de qué habla.
Historia
Brevísima descripción de la historia, únicamente sus núcleos
fundamentales.
Estética
Breve descripción de tono, género (si lo trabajara). Referencias.
Estado del proyecto
• Etapa en la que está el proyecto.
• Ruta recorrida hasta el momento por el proyecto.
• Costos.
• Si cuenta o no con un productor ya implicado en el
proyecto.
• Aportes (si ya los tuviera)
• Breve descripción del diseño de producción pensado.
De la idea
al guion
Cuando tenemos el equipo de desarrollo debemos tener una idea.

La idea constituye la génesis del proceso de desarrollo de guión;
a medida que avanzamos en el mismo, el equipo de guión le da
forma y la convierte en una obra. En este largo y complejo
proceso, se producen diferentes documentos que permiten a los
guionistas acercarse a la concreción de la obra.
Todo comienza con una premisa y sigue con una sinopsis, un
tratamiento, una escaleta, y finalmente, un guion.
Las buenas ideas pueden surgir a partir de una infinidad de

fuentes; un sueño, una revelación, una experiencia personal, una
propuesta inesperada, una noticia, etc.
La generación de ideas es algo muy personal, sin embargo,
existen técnicas que permiten estimular la generación de ideas.
Podemos combinar el “brainstorm” con la aplicación del
pensamiento lateral y vertical como técnica.
Las buenas ideas tienen un componente de ambos tipos de
pensamiento
• Pensamiento vertical: desde la racionalidad
• Pensamiento lateral: fuera de la zona de confort.
Debemos conseguir una buena proporción de ambos tipos de
pensamiento
1. Definición de tarea (pensamiento vertical)

2. Tormenta de ideas (pensamiento lateral)
3. Evaluación y selección (pensamiento vertical)
4. Redefinición de tareas (pensamiento vertical)
Es una frase de máximo 100 palabras que resume la esencia

de la historia y busca que el lector se interese por el proyecto.
Debe dejar en claro el género, el protagonista, el conflicto
dramático principal, el tiempo, el espacio y cuál es el gancho.
Se escribe en tercera persona del presente y, en lo que posible,
debe reflejar el estilo de la historia.
La premisa debe contar la historia, pero no explicarla
Sintetiza la esencia de la historia y deja en claro:
• Género
• Protagonista
• Conflicto Dramático
• Espacio y tiempo
• Gancho
El género hace referencia a un conjunto de patrones

reconocibles en ciertos tipos de historias que son compartidos
entre el autor y el público, y que se van construyendo a través
del tiempo, a medida que ese diálogo evoluciona.
• Historia de amor • Trama de redención
• Película de terror • Trama de castigo
• Épica moderna • Trama de pruebas
• Western • Trama educativa
• Bélico • Trama de desilusión
• Trama de madurez
Géneros “madre”
• Comedia
• Policial
• Drama social
• Acción/aventura
Supra-géneros
• Drama histórico • Ciencia Ficción
• Biografía • Género deportivo
• Docudrama • Fantasía
• Falso documental • Animación
• Musical • Película de arte
Debemos dejar en claro en la • Nombre

premisa de quien es la • Edad
historia. Del protagonista,
debemos indicar algunos • Rol dramático
datos mínimos • Objetivo
El conflicto dramático principal debe ser expuesto de una forma

clara y sencilla:
¿Qué quiere el protagonista y qué se le opone?
En la premisa debe haber alguna referencia al tiempo y al

espacio. Si se trata de una historia contemporánea no es
necesario aclarar el tiempo, pero sí es recomendable aclarar el
lugar o espacio en donde se desarrolla la acción. Si no se aclara
se asumirá que se trata de una historia a nivel local.
El gancho en general tiene una relación directa con lo original o

inusual; pero puede ser cualquier elemento que genere interés.
Puede tratarse de cualquier elemento de la historia que genere
interés en el lector por saber más acerca del proyecto.
El arte de contar historias con el objetivo de producir un efecto

en quienes las escuchan. No hay una receta mágica para contar
historias interesantes. Es clave organizar la información de modo
que se logre mantener la atención del público y provocar un viaje
emocional con tres picos de tensión. La estructura más conocida
es la propuesta por Aristóteles: principio, medio y fin.
El paradigma de Syd Field propone una estructura clásica de

tres actos: planteamiento, confrontación y resolución.
El planteamiento inicia la historia y debe enganchar al
espectador generando curiosidad o suspense, el nudo desarrolla
el punto de partida encaminado hacia una conclusión y el
desenlace cierra la historia de forma satisfactoria capturando
a la audiencia con una sorpresa o un giro final.
• Acto I: planteamiento
• Acto II: Confrontación
• Acto III: Resolución
Arquitrama:
Implica una historia construida alrededor de un protagonista
activo que lucha permanente contra fuerzas externas
antagonistas en la persecución de su deseo, a través de un
tiempo continuo, dentro de una realidad ficticia, coherente y
causalmente relacionada hasta un final cerrado, de cambio
absoluto e irreversible.
• Causalidad • Conflicto externo
• Final cerrado • Realidad coherente
• Tiempo lineal • Protagonista activo
Minitrama Antitrama
• Final abierto Conflicto • Casualidad
interno • Tiempo no lineal
• Protagonistas múltiples • Realidades incoherentes
• Protagonista pasivo
El monomito o mito único, también conocido como viaje del

héroe, es un término utilizado por el antropólogo y mitólogo
estadounidense Joseph Campbell para definir el modelo básico
de muchos relatos épicos de todo el mundo. Campbell sostiene
que los héroes de muchos mitos de tiempos y regiones dispares
comparten estructuras y desarrollos fundamentales.
En 2002 un especialista en análisis y estructura de guiones de

Hollywood, Christopher Vogler, escribió un libro llamado “El viaje
del escritor” orientado a la industria del cine. En este manual
trasladó la propuesta de Campbell y sus ejemplos mitológicos a
ejemplos modernos de películas clásicas y contemporáneas.
Redujo el monomito de Campbell de 17 a 12 pasos.
1 El mundo ordinario. Nos presenta el mundo ordinario y la
vida normal del héroe.
2 La llamada a la aventura. Sucede algo que incita al héroe
a dejar el mundo normal y embarcarse en una aventura.
3 El rechazo de la llamada. El héroe, por miedo a lo
desconocido o falta de confianza en sí mismo, no quiere
participar en la aventura (aunque hay héroes resueltos que
no atraviesan esta etapa).
4 Encuentro con el maestro o mentor.
5 Cruce del primer umbral: Es cuando el héroe por fin se
decide a emprender la aventura y da el primer paso para
embarcarse en ella.
6 Pruebas, aliados y enemigos. Es el corazón de la historia,
donde se dan a conocer los aliados y los enemigos y se
viven aventuras.
7 Acercamiento a la cueva más profunda / A la guarida del
enemigo: Es cuando el protagonista se adentra en el lugar
o situación que le llevará a conseguir su objetivo en la
historia.
8 La odisea o el calvario. La batalla o prueba definitiva
donde el héroe ha de triunfar o fracasar definitivamente;
un juego de todo o nada.
9 El premio o recompensa. El héroe obtiene lo que había

venido a buscar (consigue el tesoro, mata al malo, rescata
a la princesa, etc).
10 El camino de regreso. El héroe es perseguido durante el

camino de regreso, o tiene complicaciones para volver (Por
ejemplo: puentes que se caen o muros que se derrumban).
11 Resurrección. Es el clímax de la historia. Es el momento

definitivo en el cual el héroe tiene un último encuentro con
la muerte (puede ser literal como metafórico) y sale
airoso. Se llama "resurrección" porque después de esta
experiencia el héroe ha cambiado: tiene más experiencia,
seguridad en sí mismo o sabiduría.
12 El retorno con el elixir. El héroe vuelve a casa con el premio
obtenido (ya sea físico o intangible).
Dan Harmon decidió adaptar la estructura narrativa del

monomito de Christopher Vogler en 8 sencillos pasos, para
facilitar la adaptación de los argumentos a formatos más
cortos. Los ochos pasos son los siguientes:
1. Un personaje está en su zona de confort
2. Pero quiere algo
3. Ingresa en una situación poco familiar
4. Se adapta a ella
5. Consigue lo que quiere
6. Paga un alto precio por ello
7. Vuelve a la situación familiar
8. Siendo alguien diferente
Tiene las mismas características que la clásica pero no

tiene puntos de giro. Consiste en el planteo, desarrollo y
resolución del conflicto dramático principal. Permite contar
una historia completa en pocos segundos, pero no genera
impacto en el espectador
Provoca cierto impacto. Consiste en “cortar” la historia en
el primer o segundo punto de giro
Las estructuras alternativas:

• Cuentan más de una historia
• Cada historia tiene un protagonista
• Cada historia tiene un conflicto dramático propio y
está basada en la estructura clásica.
Hay estructuras secuenciales y de múltiples protagonistas
Es el personaje base del núcleo dramático principal, el héroe de

la historia. Ese protagonista puede ser una persona, un grupo de
personas, o cualquier cosa que tenga condiciones de acción y
expresión.
Un personaje tiene su historia previa: infancia, adolescencia,
sufrimientos, alegrías, etc.
Factores en la construcción de un personaje:
• Físico. Edad, peso, altura, color de cabello, etc.
• Social. Clase social, religión, familia, trabajo, etc.
• Psicológico. Ambiciones, deseos, frustraciones,
sensibilidad, percepciones, etc.
El conflicto designa al embate entre fuerzas Sin conflicto,

y personajes, a través del cual la acción se no hay acción.
organiza y desarrolla hasta el desenlace. El Sin acción, no
conflicto es la célula básica del drama, la hay drama.
matriz.
Podemos dividir el conflicto de personaje
en tres categorías:
1. El personaje puede estar en conflicto con una
Todo relato fuerza humana, o sea estar en conflicto con otro
requiere de hombre o grupo de hombres.
verosimilitud 2. Puede estar en conflicto con fuerzas no-
humanas, es decir, con la naturaleza u obstáculos.
3. Puede estar en conflicto con él mismo, con la
fuerza-intrínseca
El espectador no puede creer un relato si no comprende lo que

sucede en la historia.
La información proporcionada debe ser universalmente
expresiva y comprensible.
La compresibilidad es en particular importante en el cine porque
se muestra sólo parte del relato de acuerdo con una selección
de información; depende de nuestra capacidad de proveer,
entender y anticipar las partes faltantes.
El público quiere enterarse de hechos
El relato nuevos e interesantes que deben contener
debe ser medidas y valores de conocimiento
comprendido universal. El conocimiento más universal
entre todos los seres humanos es la
experiencia emotiva.
Todo lo que un relato necesita para

ser creíble es poder haber ocurrido El relato debe ser
o ser posible que hubiera ocurrido. probable
Cuanto más crea el espectador en
el relato, más seriamente lo tomará.
Si es improbable se sentirá estafado y
resentido.
El espectador debe estar interesado.

La identificación se origina en el deseo de tomar parte en la
vida de otra gente. El guionista debe facilitar esta necesidad
del espectador creando personajes que le permitan
identificarse. Una vez establecida la identificación, el
espectador toma partido.
No confundir
Historias que resulten creíbles verosimilitud con
La verosimilitud es la apariencia de realismo.
verdadero que tiene una representación
de la realidad. Una historia es verosímil
cuando, por más que sea una ficción, da la impresión de ser
cierta.
La verosimilitud dependerá de que, una vez establecido el
contexto, la historia se desarrolle de manera coherente con ese
contexto. La verosimilitud permite que el espectador se interese
por la mentira que estamos contando.
La verosimilitud se debe trabajar en todos y cada uno de los

elementos que conforman la ficción. Se deberá tener en cuenta:
• Personajes
• Acciones
• Escenarios
• Diálogos
El taumatropo (1824)
Se trata de un juguete óptico que
se utiliza para producir ilusión de
movimiento en las imágenes. Se
considera que el taumatropo fue
inventado por John Ayrton Paris en
el siglo XIX, con el propósito de
explicar el principio de persistencia
de la visión (persistencia retiniana).
Este postulado sostiene que una imagen permanece en la retina
humana una décima de segundos antes de desaparecer por
completo.
El zoótropo o “tambor mágico”
Este artilugio fue inventado en 1834 por
William George Horner. Este invento consistía
en un tambor con algunos cortes que en su
interior tenía una tira de imágenes. Cuando el
cual al ser girado hacía que los dibujos
parecieran moverse mágicamente.
El praxinoscopio
Se trata del sucesor del zootropo. Fue una
creación de Émile Reynaud en 1877.
Consiste en un tambor giratorio con un
anillo de espejos colocado en el centro y
una tira con dibujos situada en la pared
interior del tambor. Al hacer girar el tambor
la secuencia de imágenes se refleja en el
espejo y se produce la ilusión de
movimiento.
Zoopraxiscopio (1879)
Este artefacto diseñado por Eadweard Muybridge utilizaba una
luz para proyectar imágenes secuenciales de un disco de cristal,
de modo de crear una ilusión óptica de movimiento. Se considera
el antecesor del cinematógrafo.
Cuando se habla del nacimiento del cine se toma como

referencia la fecha del 28 de diciembre de 1895, en la que se
proyectaron al público las primeras películas realizadas por los
hermanos Auguste y Louis Lumière, en la memorable sesión
realizada en el Salón Indio del Gran Café de París.
Louis y Auguste Lumière revolucionaron la industria y el arte de
la imagen con sus inventos sucesivos de la foto instantánea, las
películas de cine y el autocromo en color.
El kinetoscopio
Los inventores Thomas Edison y Willian Dickson crearon a finales
de la década de 1880 un dispositivo que permitía la visualización
de bandas de imágenes continuas, sin la posibilidad de
proyectarse en una pantalla.
Georges Méliès (1861-1938) fue uno de los más importantes

creadores de la época del cine mudo. Más que un realizador fue
un mago que utilizó el invento de los hermanos Lumière para
crear trucos de ilusionismo en la Francia de comienzos del siglo
XX.
Mèliés fue el pionero de muchas técnicas cinematográficas. En

una de sus películas más célebres, Viaje a la Luna de 1902,
presenta una gran cantidad de efectos especiales que, en la
época, se llegaban a considerar magia.
Empalme
Una de sus mayores creaciones fue el empalme, al filmar una
escena en la calle, su cámara se atascó generando la sensación
de que un objeto se transforma en otro. Así fue como Meliès
comenzó a utilizar esta técnica en películas en las que, por
ejemplo, se representaban espectáculos de magia, pero el
verdadero efecto de ilusionismo lo lograba con la edición.
Disolvencia narrativa
Otra técnica descubierta por el director fue la disolvencia
narrativa, un recurso que utilizaba para expresar cambios de
tiempo y que podía utilizarse para ir de atrás hacia adelante en
la historia sin necesidad de seguir el lapso real.
Esta técnica narrativa toma en préstamo muchos de los

procedimientos de escritura del teatro del siglo XIX, en los que
los manuales redactados por los guionistas se inspiran por lo
demás directamente.
Este estilo clásico privilegia la continuidad del relato, el realismo
de la representación y la intangibilidad. Poco a poco va
eliminando las intrusiones del narrador, que recuerdan al público
que se le está contando una historia, y que le impiden sumergirse
en la ficción.
También restringen severamente la libertad frente a la
progresión cronológica de la trama.
El sistema de estudios de Hollywood es la producción

cinematográfica en los "estudios", las instalaciones propias de
una productora cinematográfica. Bajo este sistema la industria
del cine llegó a su apogeo, período también conocido como la
Edad de Oro (o Era Dorada) de Hollywood.
La primera proyección comercial de películas con sonidos

completamente sincronizados ocurrió en la ciudad de Nueva York,
en abril de 1927 (El cantante de jazz). En los primeros años
después de la introducción del sonido, las películas que
incorporan diálogos sincronizados fueron conocidas como
películas sonoras.
En 1896 se realiza la primera proyección cinematográfica en el

país.
Eugenio Py, con suficiente experiencia como fotógrafo, filmará
los primeros metros de película virgen en el país; con la máquina
Gaumont, filma en diecisiete metros “La bandera argentina”
(1897).
Uno de los temas preferidos desde los comienzos del cine,
especialmente en Europa, fueron los hechos históricos; la historia
fue trasladada a la pantalla de manera teatral.
“Nobleza Gaucha” (1915) es el primer film de gran importancia
en los comienzos del cine de ficción de la Argentina. La industria
se comienza a asentar compitiendo con el sainete teatral y
adaptando sus formas al nuevo lenguaje audiovisual que se
empieza a conformar.
La televisión se constituye como medio de masas en 1950. Las

primeras emisiones públicas fueron realizadas en Inglaterra en
1927 y en Estados Unidos en 1930.
Su origen está en el disco Paul Nipkow (1884) y el tubo de rayos
catódicos (1897) de Carl Braun. Se desarrolló la televisión
mecánica de la mano de James Baird y la televisión electrónica
con el iconoscopio de Vladimir Zworykin.
Es una institución social, pública o privada, y una industria

cultural. Es un dispositivo audiovisual de generación y distribución
de imágenes, información y publicidad.
“Lo televisivo”
Un modo distintivo de ser de la TV y de invadir el escenario
mediático y social, y de conectarse con audiencias e interpelar
las.
Modelo americano Modelo europeo

Organizado en grandes redes Organizado en televisoras
privadas, conocidas como públicas, controladas por los
networks, financiadas por la gobiernos y busca brindar
publicidad y que buscan la una TV de “servicio” al
mayor cantidad de audiencia. ciudadano. No hay
oficialmente publicidad.
La TV llega al país en 1951 de la mano del

empresario Jaime Yankelevich, director
de Radio Belgrano y pionero de la
radiofonía en el país.
La primera televisora fue Canal
7, hoy llamada Televisión Pública Los especialistas advierten
Argentina. La transmisión que con la llegada de las
inaugural fue el discurso de nuevas tecnologías hubo un
Eva Perón en el acto por cambio en el soporte: se
el Día de la Lealtad, el modifica el acceso
17 de octubre de mediático y la oferta a los
1951. discursos televisivos. Y a su
vez, cambia la construcción
de la figura del destinatario
y de su práctica espectorial,
que es cada vez más
interactiva.
Se refiere a la presentación del proyecto ante potenciales

inversores, coproductores o miembros de un comité de
selección. Es una práctica habitual en los mercados paralelos a
los festivales de cine o encuentros de profesionales y empresas
audiovisuales.
El pitching no busca contar toda la historia sino vender el
proyecto. Junto con la premisa y el pre trailer, busca persuadir
al interlocutor de que realice una determinada acción. Por
ejemplo, que invierta en nuestro proyecto.
Es importante que el interlocutor sepa quiénes somos, cuál es

nuestro rol y cuál es nuestra preparación, experiencia y
trayectoria. A su vez debemos destacar la profesionalidad,
trayectoria y experiencia del equipo de desarrollo y la Productora
a la que representamos
Es el cuerpo central del pitching. Podemos estructurar este

espacio en introducción, la historia y los elementos adicionales
del proyecto.
Introducción
Resume la historia y sus elementos más atractivos. Hay que dejar
en claro el género y el gancho. Podemos además hablar sobre
la originalidad de la propuesta.
Historia Pedido final y cierre

Se deben contar los aspectos Se debe explicar clara y
más relevantes de la historia, concisamente qué queremos
similar a una premisa. de nuestro interlocutor:
Debemos mencionar: ¿necesitamos un inversor? un
distribuidor para
• El tiempo y el espacio comercializar en Europa? un
de la historia coproductor para el
• Protagonista y proyecto?
personajes principales Realizamos el cierre con el
• Su rol dramático de la agradecimiento y el aporte
historia de nuestros datos para que
• Conflicto dramático se contacten con nosotros.
principal Nos aseguramos de obtener
los datos de contacto de
Además de los elementos nuestros interlocutores para
adicionales del proyecto, es hacer seguimiento.
decir, los elementos que
agregar valor al proyecto.
El término parte del supuesto de que, en los minutos que dura

un viaje de ascensor, debemos ser capaces de contar la idea
de nuestro proyecto y despertar el interés de la otra persona
• Define tu proyecto
• Describe la competencia
• Habla de tu cliente
• Expone el problema
• Plantea la solución
Lenguaje y Narrativa
Audiovisual
La clave del éxito de una narración audiovisual es la fluidez, la
continuidad con que el espectador ve la sucesión de planos sin
reparar en los continuos cambios de puntos de vista.
La continuidad visual o raccord se define como la relación de
continuidad entre un plano y su precedente y/o siguiente.
La sucesión entre un plano y otro debe resultar natural. En
general, no debe existir ningún tipo de salto indeseado que
desorienta al espectador y la mejor manera de asegurar esto es
mantener la continuidad.
• Fallo de raccord: es popularmente conocido como un fallo
técnico de continuidad en una escena. Puede ser de
vestuario, gesto, objetual, etc.
Es una línea invisible dibujada a través de dos actores en el

centro de una escena, convirtiéndose en el diámetro, llamado el
eje de acción, de un semicírculo. La regla preserva la línea de
vista en una secuencia de diálogo y, de forma crucial, mantiene
la dirección de la pantalla (para que un personaje se le vea
siempre por la derecha y al otro por la izquierda).
Eje de acción
Planos medios y Planos medios y

primeros planos B primeros planos A
Plano general de A y B
Si un personaje sale de plano hacia la derecha, la continuidad

indicaría que en el plano siguiente debería entrar por la izquierda
para mantener la dirección de movimiento. Por otro lado, cuando
dos personajes hablan entre sí, uno debería mirar hacia la
derecha y el otro a la izquierda para dar la sensación de que
están mirándose entre sí. (Antes del amanecer)
Apartarse de estas leyes también construye sentido y debería
utilizarse en favor de la impresión que se quiere construir en el
espectador.
Debe existir una continuidad a partir del sonido directo y de los

ambientes y atmósferas que se añaden. El cine y el audiovisual
convencionales se basan en la creación de escenas a partir de
múltiples tomas, el plano y el contraplano se hacen en tomas
separadas cuyo sonido hay que homogeneizar para crear un
“plano sonoro” que una los diferentes planos.
• Sonido que desaparece progresivamente
• Sonidos yuxtapuestos
• El lugar de la fuente de sonido.
Hay un montaje discontinuo desde el nivel del guion cuando se

presenta una elipsis en la historia ya sea para quitar las partes
que no importan al relato o para eclipsar aquello a descubrirse
a lo largo de la historia. Sin embargo, esto no implica
necesariamente una discontinuidad visual.
Ralentí/aceleración
El ralentí es un efecto visual que permite ralentizar
artificialmente una acción con el fin de aumentar el impacto
visual o emocional. La aceleración, o cámara rápida, es la
técnica opuesta, que permite aumentar artificialmente la
velocidad de una acción o precipitar movimientos. Al modificar
la velocidad natural y realista de una acción, se está
evidenciando el artificio cinematográfico y de esa forma
generando una discontinuidad visual.
Salto de eje
El salto de eje se produce cuando no se respeta el eje de acción
imaginario que se establece entre dos personajes que
interactúan o en la línea de desplazamiento entre uno de ellos y
un objeto presente en la escena. El salto de eje puede dificultar
el seguimiento de la acción por parte del espectador.
Sin embargo, muchas veces se utiliza como recurso para generar
incomodidad en el espectador en escenas que lo requieren. El
salto de eje suele utilizarse para reforzar el malestar de un
personaje o reforzar la violencia de una acción.
Jumpcut
Se trata de un corte abrupto en una misma toma que,
literalmente, salta en el tiempo y rompe con la continuidad. Es
una técnica de edición cinematográfica accidentalmente
descubierta por Georges Mèliés en 1896. Un día, rodando un
plano en la calle, la cámara se detuvo, y después continuó
rodando. Al ver el metraje, Mèliés descubrió que, en el salto, los
objetos habían cambiado de sitio: un vehículo había
desaparecido y había sido reemplazado por otro en el mismo
encuadre.
Este recurso se sigue utilizando en la actualidad. En las películas
que responden a una propuesta clásica, suele utilizarse para
acentuar la incomodidad del espectador o trabajar el
nerviosismo de los personajes.
Es importante tener en cuenta todos estos recursos para

generar continuidad y discontinuidad y pensar de qué manera
pueden jugar a favor de nuestras propias historias.
Según la distancia, la situación y la

inclinación de la cámara, se pueden Se lo llama
conseguir diferentes expresiones de la comúnmente
realidad. plano
La acción de seleccionar la parte de
imagen que importa a la expresión buscada
se llama “encuadrar”.
El encuadre es la selección de la realidad que se quiere registrar.
Muestra un gran escenario o una multitud. El sujeto no se puede

ver o queda diluido en el entorno, lejano, perdido, pequeño,
masificado.
Tiene un valor descriptivo. Brinda más relevancia al contexto que
a las figuras.
Contexto por sobre sujeto.
Muestra con detalle el Encuadra justamente a la

entorno que rodea el sujeto o figura entera del sujeto a
al objeto, como un amplio tomar, es decir, se podría
escenario. decir que el plano abarca
Se utiliza para describir a las justo desde la cabeza a los
personas en el contexto en el pies.
que están.
Se denomina también plano medio largo. Encuadra desde la

cabeza hasta las rodillas.
Se llama “americano” porque era utilizado en las películas de
vaqueros para mostrar al sujeto con armas.
Este plano se encuadra desde la cabeza Se utiliza mucho

a la cintura. Se correspondería con la cuando se muestra
distancia de relación personal. Distancia una conversación.
adecuada para mostrar la realidad entre
dos sujetos.
Encuadra al sujeto desde la cabeza hasta la mitad del torso.

Este plano nos permite aislar una sola figura dentro de un
recuadro, y descontextualiza de su entorno para concentrar en
ella la máxima atención.
En el caso de la figura humana, recogería el rostro y los

hombros. Este tipo de plano, al igual que el plano detalle y el
primerísimo primer plano, se corresponde con una distancia
intima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad
respecto al sujeto.
Es un plano cerrado del rostro Normalmente está reservado

de un personaje. La cara a planos de impacto
abarca todo el encuadre, emocional, ya que nos
incluso a veces aparece acercamos a personas
cortada por la frente o por el exageradamente.
mentón.
Este plano se utiliza para Es el más habitual. Muestra al

destacar un elemento que en personaje de frente a la
otro plano podría pasar cámara, o generalmente, con
desapercibido, pero que es una leve inclinación hacia la
importante que el espectador derecha o hacia la izquierda.
se dé cuenta para seguir
correctamente la trama.
Muestra al sujeto de perfil. Se utiliza para diversas situaciones.

Generalmente muestra a dos personajes interactuando.
Se ve al personaje de espalda a la cámara o al espectador.

Podemos ver lo que él ve, seguir sus pasos y ser sus cómplices.
Muchas veces nos convertimos también en testigos, vemos lo
que él hace.
Se sitúa la cámara por detrás del hombro de uno de los

personajes, dejando ver el rostro del otro o simplemente un
paisaje, una puerta o un objeto, pero sin perder la presencia de
quien está de espaldas al espectador. Es el plano más utilizado
cuando dos personajes mantienen un diálogo.
En este tipo de plano la La cámara muestra lo que ve

cámara se sitúa como si el sujeto. Cumple la función
quien mirase por ella fuese de ojo. Esta técnica no nos
un objeto. Da la sensación de convierte en espectadores ni
que el objeto tiene vida cómplices de la situación,
propia y que la cámara se sino en el personaje mismo.
encuentra dentro de él. Se
utilizan trucajes.
La angulación se refiere a la posición de la cámara, de manera

que se pueda “manipular” el plano para crear cierto efecto en
el resultado final.
• Cenital o vuelo de pájaro
• Picado
• Normal
• Rasante (roza el piso)
• Contrapicado
• Supina o nadir
La angulación es la diferencia entre el nivel de la toma de vista
y el del objeto filmado. Las figuras cambian según el ángulo
desde donde se las mira, se modifica su significado. Los sujetos
pueden mostrar emociones totalmente diferentes según desde
donde los enfoque la cámara.
Normal
La cámara enfoca al personaje de
forma perpendicular al suelo. La
cámara está situada a la altura de
los ojos de los personajes,
independientemente de su
postura. Es el más utilizado.
Picado
La cámara está a un nivel más alto respecto al personaje. La
cámara está inclinada hacia el suelo. Se utiliza para describir un
paisaje o un grupo de personajes. Expresa inferioridad,
humillación, ruina, fatalidad, etc. También percibe al sujeto
filmado como alguien débil, frágil e inofensivo.
Rasante
La cámara está ubicada al ras del suelo
Contrapicado
La cámara está a un nivel más bajo que el personaje. La cámara
está inclinada hacia arriba. Se utiliza para exaltar la magnitud o
superioridad de lo que se muestra. Físicamente alarga los
personajes, crea una visión deformada.
Invertido o flip over Plano holandés
La cámara está invertida La cámara se ubica de forma
muestra los objetos al revés. inclinada. No se respeta el eje
horizontal. Se utiliza para
expresar inestabilidad e
inseguridad.
En los primeros años del cine, la cámara estaba fija. Poco a

poco fue adquiriendo movimiento y perdiendo estatismo. Marcel
Martil sistematizó los movimientos de cámara según sus
funciones.
Acompañamiento de un personaje u objeto en movimiento:

creación de un movimiento ilusorio en un objeto estático.
Descripción de un espacio o una acción con sentido dramático
unívoco.
Definición de las relaciones espaciales entre dos elementos de

la acción: relieve dramático de un personaje o de un objeto
importante. Expresión subjetiva del punto de vista de un
personaje. Expresión de la tensión mental.
La cámara permanece fija sobre un

trípode y solo gira en su eje izquierda Como norma general,
a derecho y viceversa. Si es en debe efectuarse con
vertical se llama tilt o basculamiento. velocidad lenta,
En ese caso la cámara se mueve de partiendo de un
forma vertical sobre su propio eje, de encuadre fijo y
arriba hacia abajo y viceversa. terminando con otro
Puede describir un espacio estático o fijo.
bien puede seguir a un personaje en
su trayectoria. También puede poner en relación con los
elementos del campo con el fuera de campo.
Es una panorámica tan rápida que no da tiempo de ver que

imagen recoge. Se utiliza muchas veces como transición para
cambio de emplazamiento elíptico de los personajes.
Es un movimiento de la cámara en el espacio tridimensional que

consiste en un desplazamiento de la cámara horizontal y
verticalmente respecto al eje del trípode que la soporta. Permite
el acercamiento o alejamiento al sujeto. Se conserva la misma
perspectiva y profundidad de campo. Mantiene el mismo ángulo
de lente.
Se llama travelling paralelo cuando se acompaña al personaje,
sin que varíe el plano de encuadre. También se puede hacer el
acercamiento (travelling aproximativos) o de alejamiento (de
acompañamiento). Y en el circular se realiza un movimiento en
circulación a la escena. Estos movimientos pueden hacerse con
cámara en mano, al hombro, trípode con ruedas, con rieles, o
por medio de grúas.
Permite, mediante el constante o progresiva, sin

desplazamiento de las lentes, saltos o titubeos, y el
cambiar la distancia focal, movimiento debe ir de un
con lo que se puede plano de encuadre hasta
seleccionar a voluntad desde encuadrar otro plano de la
la visión que proporciona un escala sin quedar reducido a
objetivo angular hasta la de movimientos cuya variación
un teleobjetivo. de encuadres no sea
Como regla general, el zoom significativa.
debe accionarse a velocidad
Mediante la composición
se pueden transmitir
Denominamos composición a la sensaciones de equilibrio,
organización de los elementos que paz, armonía, ritmo,
van a estar dentro del encuadre. tensión, desequilibrio, etc.
Componer es agrupar, ordenar
todos los valores visuales tomados aisladamente para obtener
imágenes con sentido, según una idea guía, un estilo dirigido a
alcanzar un efecto estético, informativo o narrativo
determinado.
Cuando hablamos de composición hacemos referencia a la
construcción o confección de la imagen para que el espectador
distinga con claridad lo que es significativamente importante a
efectos comunicativos.
Estructuramos jerárquicamente los puntos de interés de la
imagen, clasificaremos, seleccionaremos, destacaremos los
elementos cruciales.
Componer implica seleccionar los motivos en En la práctica la

tamaño y cantidad, combinarlos y entrelazarlos composición
de modo que se resalte lo principal de lo puede ser por:
accesorio y se dirija la atención (recorrido diseño,
visual) al centro de interés, equilibrando pesos disposición o
y valores (tono y contraste) de forma que se selección.
obtenga la claridad visual y la expresión
deseada.
Si bien no existe una fórmula para la belleza, hace siglos los

artistas descubrieron un principio ampliamente aceptado para
las proporciones armónicas (la
sección dorada)
Esta proporción es el número
irracional que vincula dos
segmentos de la misma recta. La
divina proporción basada en la
espiral de Fibonacci.
Se divide a la pantalla en tres partes iguales en el sentido

horizontal y en el vertical, las líneas divisorias se cruzan en
cuatro puntos llamados “puntos fuertes” que resultan ser los
puntos en que mejor se resaltan los centros de interés. Los
sujetos principales se colocan sobre estos puntos.
La regla de los tercios orienta
sobre el modo de disponer en el
horizonte en el cuadro. Si lo
situamos en el centro, provocaría
una sensación de simetría
excesivamente estática, carente
de ritmo y expresividad.
Con la incorporación del sonido a la imagen, el cine experimentó

un gran salto expresivo. El sonoro complementa, integra y
potencia la imagen visual y contribuye al realismo.
El poder evocador de la música, la concreción de la palabra que
marca el sentido exacto del discurso, el realismo que aportan
los ruidos del ambiente, el dramatismo del silencia, constituyen
recursos expresivos que, como convenciones, deben ser usados
con eficacia y profesionalidad por los constructores de los
mensajes audiovisuales.
Su relación no es de subordinación ni de singularidad sino de

complementariedad, lo que hace posible la creación de un todo
unificado que ha de plantearse desde el momento del inicio del
guion.
El sonido nunca debe ser sustitutorio de la imagen, sino que debe
acompañarla e integrar.
La banda sonora (palabra, música, efectos sonoros y
ambientales y silencio) condiciona activamente la forma en que
percibimos e interpretamos la imagen.
“Una ilusión que se encuentra, para

empezar, en el corazón de la más
importante de las relaciones entre
sonido e imagen: la del valor añadido”.
-Michel Chion
El sonido puede encauzar La banda sonora puede

nuestra atención de forma aclarar el hecho de la imagen,
específica dentro de la contradecirlo o hacerlos
imagen, dirigiendo la lectura ambiguos. En cualquier caso,
de los puntos de interés: nos la banda sonora puede y
indica lo que debemos mirar. debe entablar siempre una
relación activa con la banda
de la imagen.
• El sonido facilita la continuidad y la fluidez narrativa, al

eliminar los rótulos escritos intercalados.
• Permite una gran economía de planos, al poder representar
elementos ausentes del encuadre por su sonido en off, sin
necesidad de visualizarlos.
• Desplazaba el protagonismo del plano hacia el
protagonismo de la escena (actuación y diálogos).
• Permite la introducción de un narrador oral.
• Aporta una valoración dramática del silencio.
• Introduce el rico universo acústico de los ruidos, no solo en
función mimética, sino también dramática y expresiva.
El sonido no es otra cosa que la sensación producida en el oído

por las variaciones de presión generadas por un movimiento
vibratorio que se transmiten a través de medios elásticos.
Dentro de ciertos límites estas variaciones pueden ser
percibidas por el oído humano. El sonido tiene tres atributos
fundamentales: intensidad o nivel, tono y timbre.
Intensidad
La intensidad da idea de la cantidad de energía acústica que
contiene un sonido. Las vibraciones de amplitud mayor producen
mayores presiones y depresión sobre la membrana timpánica del
oído, de ahí que las sensaciones sonoras sean de mayor
intensidad. Se mide en decibelios.
Podemos distinguir entre umbral de audición (mínimo) y umbral
de intensidad dolorosa.
Tono
Es la cualidad de los sonidos que permite su distinción entre
agudos y graves. Está determinado por la frecuencia.
Timbre
Es la característica del sonido que hace que los instrumentos
musicales que interpretan una misma nota produzcan diferente
impresión en el oído.
El sonido tiene también unas dimensiones derivadas del modo en

que se relaciona con otros elementos de filme. El sonido ocupa
una duración temporal, por lo que tiene un ritmo.
Tiene una determinada fidelidad según cómo se relaciona con la
fuente visualmente percibida. La fidelidad no se refiere a la
calidad de la grabación sino al grado en que el sonido es fiel a
la fuente que le imaginamos.
La música juega un papel fundamental tanto en la narración

como en la estética de las películas. Hay dos maneras de
introducir música en una escena: como música diegética o como
música extradiegética.
El sonido diegético puede ser en pantalla

o en off dependiendo de si la fuente está Forma
dentro o fuera de campo. parte de la
El sonido en off como la imagen puede narración.
sugerir un espacio que se extiende más
allá de la acción visible. También es
sonido diegético cuando se utiliza el sonido para representar lo
que está pensando un personaje.
Una característica del sonido diegético es la posibilidad de
sugerir la perspectiva sonora.
Se trata de la sensación de distancia espacial y localización
análoga a las pistas.
La música se añade para realzar la acción de una película es el

tipo más común, el sonido no diegético. Este sonido procede de
una fuente externa al espacio de la
historia.
Forma parte
La música acompaña la acción, pero no de la escena,
pertenece a ella. Los personajes no la pero los
escuchan teniendo sentido solo para el personajes no
espectador. la escuchan
Falsa diégesis: a veces una melodía que
empieza como diegética termina volviéndose incidental.
• La música puede • Posee una función

cumplir diferentes psicológica
funciones en una • Caracteriza personajes
producción audiovisual y situaciones: el
• Ambienta y leitmotiv.
contextualiza la historia • Sirve como contrapunto
• Conecta distintos psicológico de lo que
planos pertenecientes a ocurre en la pantalla.
una escena ayudando a • Anticipa situaciones
percibirlas como una
unidad
Leitmotiv
Es una herramienta artística que se halla asociada a un
contenido determinado. Este elemento debe estar presente a lo
largo de toda una obra.
Además de ser un elemento artístico, es también un recurso
narrativo. En el cine se plantean leitmotiv sonoros que
representan a personajes o situaciones sin que estos tengan que
aparecen en pantalla, sirviendo de soporte para el curso de la
historia. Un leitmotiv puede ser una palabra, frase, gesto, objeto,
armonía o melodía musical.
Valor añadido por la música
Por valor añadido designamos al valor expresivo e informativo
con el que un sonido enriquece una imagen dada, hasta hacer
creer, en la impresión inmediata que de ella se tiene o el
recuerdo que de ella se conserva, que esta información o esta
expresión se desprende de modo “natural” de lo que se ve, y
está ya contenido en la sola imagen.
Empática Anempatica
La música expresa Muestra por el contrario una
directamente su participación indiferencia ostensible ante
en la emoción de la escena, la situación, progresando de
adaptando el ritmo, el tono y manera regular, impávida e
el fraseo, y eso, ineluctable, como un texto
evidentemente, en función de escrito y sobre el fondo
códigos culturales de la mismo de esta “indiferencia”
tristeza, de la alegría, de la se desarrolla la escena, lo
emoción y del movimiento. que tiene por efecto, no la
Podemos hablar entonces de congelación de la emoción
música empática (de la sino, por el contrario, su
palabra empatía, facultad de intensificación, su inscripción
experimentar sentimientos de en un fondo cósmico”.
los demás).
Hay músicas que no son ni empáticas ni anempáticas, que tienen

o bien un sentido abstracto o una simple función de presencia,
un valor de poste indicador, y en todo caso, sin resonancia
emocional precisa.
El efecto anempático, la mayoría de las veces concierne a la
música, pero puede utilizarse también con ruidos. Por ejemplo,
en una escena muy violenta o tras la muerte de un personaje,
sigue desarrollándose un proceso cualquiera.
(ruido de una máquina, zumbido de un ventilador, chorro de una
ducha, etc) como si no pasara nada.
La iluminación es el elemento base de todas las técnicas visuales

y un elemento indispensable para sugerir la sensación de
tridimensionalidad de que carecen todos los medios de
representación de la realidad sobre dos dimensiones.
Con las técnicas de iluminación se persigue un acercamiento a
la representación en tres dimensiones. Una parte fundamental
del impacto de una imagen se debe a las técnicas de iluminación.
La luz es mucho más que la luz que nos permite ver la acción.
El reparto entre zonas claras y oscuras de una imagen es
fundamental en la composición de cada plano, y además dirige
nuestra atención hacia los elementos encuadrados, los gestos y
la acción.
Las técnicas de iluminación contribuyen considerablemente al
mantenimiento de determinadas estéticas, a la transmisión de
sentimientos.
“La iluminación es un recurso formal que adjetiva

el material escénico de la imagen, enfatizando y
distorsionando su aspecto original. Desde el punto
de vista de realización, la iluminación se presenta
como un verdadero proceso creativo”.
Desde un punto de vista artístico y expresivo, la iluminación

influye en la creación de efectos ambientales. Sugiere
atmósferas variadas. Afecta de forma selectiva a los
elementos de la escena realzando unos y ocultando o reduciendo
otros.
La manipulación de las fuentes luminosas hace posible la
simulación de situaciones climatológicas distintas o el cambio de
estaciones.
La iluminación cumple con En el plano connotativo, la
una doble función: en el plano iluminación facilita la
denotativo hace posible al evocación de nuevos
espectador la lectura de la contenidos y permite la
gestualidad del actor, de los profundización en el sentido
movimientos, etc, es decir, último del discurso.
posibilita el visionado de la
imagen.
Luz natural
La luz natural, proveniente del sol, directa o dispersa por las
nubes, es muy utilizada en la toma de imágenes, no obstante, su
uso puede ser problemático, por las siguientes razones:
1. Imprevisibilidad del carácter de la luz solar en cuanto a su
cronometración.
2. Rápido cambio de la temperatura de color de este tipo de
luz en el transcurso del día.
3. Cambio paulatino de la dirección de la luz, que afecta a la
situación de la sombra en objetos inmóviles.
4. Diferencia de la duración de la luz diurna en invierno y en
verano.
5. Distinta angulación del sol respecto a la tierra según las
estaciones del año.
6. Imposibilidad de adaptación total de la fuente luminosa a
las necesidades de iluminación.
7. Necesidad de utilizar, a menudo, fuentes luminosas de

apoyo (luz artificial) para aclarar sombras provocadas por
la luz solar o para crear algunos efectos.
Luz artificial
La luz artificial permite un control más exacto de los parámetros
que intervienen en la iluminación de un objeto: potencia lumínica,
suavidad o dureza de la luz, control de luces y sombras,
direccionalidad del foco luminoso, temperatura del color, filtraje,
etc.
Luz dura y suave
La luz directa del sol, en un cielo despejado, produce violentas
sombras que se traducen en grandes diferencias de contraste
entre las zonas más o menos luminosas. En el extremo opuesto,
un cielo nublado dispersa la luz solar proporcionando una
iluminación sin sombras.
El primer caso corresponde a una luz dura mientras que el
segundo ejemplifica una iluminación de carácter suave.
En la iluminación artificial, la luz dura se obtiene con la utilización
de focos muy direccionales asociados a fuentes de iluminación
puntuales. Esta luz recorta vigorosamente los perfiles de los
objetos y, dado que los rayos luminosos irradiados por este tipo
de fuentes siguen una trayectoria paralela, su intensidad
decrece exactamente en relación con el cuadrado de la distancia
respecto al foco productor
El triángulo básico de iluminación se compone de:

• Una luz principal
• Una luz de relleno
• Una luz para la espalda o contraluz
• Luz principal o luz clave. Determina la atmósfera de la
escena. Es la más fuerte y se sitúa en un ángulo de tres
cuartos. Las sombras serán fuertes o suaves, dependiendo
de lo cerca que esté del personaje.
• Luz secundaria o de relleno. Es más suave que la principal.
Se coloca generalmente en el lado opuesto de la luz clave
y su objetivo principal es el aclarar las fuertes sombras
que origina la luz principal.
Para resaltar el efecto tridimensionalidad se emplea la luz de
contra o contraluz que es un tipo de fuente que ilumina por
detrás al sujeto. Actúa
Nuevos formatos
narrativos
“No estamos ante
una época de
Un recorrido por transmedia, redes cambios, sino
sociales y contenido on-demand. ante un cambio de
época”. Leonardo
Da Vinci.
Contacto con aparatos tecnológicos
desde temprana edad. Al momento de
pensar el contenido desde los medios, no lleva
a pensar cual es el tiempo que tienen los usuarios para aprender
a utilizar estos contenidos.
En la década de los 80 había un puñado de canales de medios
(televisión, radio, diario), hoy en día si sumamos las redes
sociales y las plataformas nativas estamos hablando de un sin
fin de canales. Existen muchas más posibilidades para contar
historias.
Metáfora ecológica para tener dos interpretaciones del mundo

de los medios en este nuevo marco
La media ecology es un Nacida alrededor de 1960, de

enfoque que integra el nivel la mano de Marshal McLuhan
macrosocial (los cambios en y Neil Postman, esta
el ecosistema de medios) con metáfora acepta al menos
el micro individual (los dos interpretaciones:
cambios cognitivos y
perceptivos en los sujetos). • Los medios como
Estudia el impacto que ambientes
producen los medios, y las • Los medios como
tecnologías en general, sobre especies.
la cultura de las sociedades
a lo largo de la historia.
Carlos Scolari
Tenemos viejos medios que se encuentran tranquilos. Había
radio, diarios, y la televisión era la que dominaba los canales de
medio. Sin embargo, al igual que en el ecosistema de los seres
vivos, al incluir nuevos medios (nuevas especies), el ecosistema
cambia.
La ecología de los medios puede sintetizarse en una idea básica:

• Las tecnologías, en este caso, las tecnologías de la
comunicación, desde la escritura hasta los medios
digitales, generan ambientes que afectan a los sujetos que
las utilizan.
En esta interpretación los medios crean un ambiente que rodea
al sujeto y modela su percepción y cognición.
McLuhan
Marshall McLuhan sostenía que los efectos de la tecnología “no
se producen a nivel de las opiniones o conceptos, sino que
alteran las ratios del sentido y los patrones de percepción de
manera constante y sin ningún tipo de resistencia”.
Se pretende analizar las transformaciones perceptivas y
cognitivas que afectan a los usuarios de los medios
Según McLuhan “los medios interactúan entre sí. La radio cambió

la forma de las noticias tanto como alteró la imagen en las
películas sonoras. La televisión causó cambios drásticos en la
programación de la radio”.
McLuhan resume esta segunda concepción en uno de sus
famosos aforismos:
“Ningún medio adquiere su significado o
existencia solo, sino exclusivamente en
interacción constante con otros medios”.
Es interpretación de la metáfora ecológica podría definirse
como la dimensión intermedia de ecología de los medios.
En esta interpretación, los medios de comunicación son como
“especies” que viven en el mismo ecosistema relaciones entre sí.
La difusión de la World Wide Web, el desarrollo de una nueva

generación de medios digitales interactivos y los procesos
mediáticos de convergencia e hibridación renovaron el interés
por un enfoque integrado de los medios de comunicación. La
ecología de los medios propone temas, conceptos y preguntas
que enriquecen las conversaciones científicas sobre la
comunicación digital interactiva.
Cambios en la nueva ecología de medios

Esta nueva ecología mediática está determinada por dos
factores esenciales
• La web participativa 2.0
• Los dispositivos móviles
Por una parte hay una sociedad organizada noe n una aldea, sino
en varias. Cada individuo forma parte de varias aldeas, y de
manera líquida cambia la aldea en cada momento de la forma
que más le conviene. Y además no sólo asume el papel el
receptor sino también de emisor (llamado prosumidor).
• Prosumidor: produce y consume.
Se generan gracias al entorno de convergencia digital nuevas

posibilidades para contar relatos. Las historias se expanden en
distintas plataformas.
Desde la llegada de Internet, los medios reorganizaron sus

redacciones, modificaron sus rutinas de trabajo y cambiaron el
modo de contar historias.
“El planeta Medios vive una conmoción de una intensidad nunca
antes conocida. El impacto del meteorito “Internet”, comparable
al que hizo desaparecer a los dinosaurios, está provocando un
cambio radical de todo el ecosistema mediático y la extinción
masiva de diarios de la prensa escrita”. Ignacio Ramonet
La web 2.0 permitió el desarrollo de plataformas y herramientas
digitales para la creación, publicación y distribución de noticias
en un nuevo entorno, caracterizado por la multiplicidad de
soportes, lenguajes y actores. En este contexto, aparece la
narrativa transmedia o transmedia storytelling, una forma
comunicativa contemporánea que incluye interactividad,

movilidad, interdiscursos, la participación de los usuarios, la
circulación por las redes sociales y la blogósfera.
Las narrativas transmedia son una nueva clase de estructuración

de los relatos. Cada medio hace una contribución única para la
construcción del relato.
“En la forma ideal de la narrativa transmedia, cada medio hace
lo que mejor sabe hacer: para que una historia puede ser
introducida en una película, se expandió a través de la televisión,
novelas y cómics, y su mundo podría ser explorado y
experimentado a través del juego” (Henry Jenkins).
Implica construir un universo narrativo y comunicativo alrededor
del contenido original, que lo enriquece, lo complementa, y
proporciona múltiples canales de entrada a la historia, que
pueden funcionar independientemente.
Carlos Scolari
Carlos Scolari define a estas activo en ese proceso de
narrativas como “un tipo de expansión”.
relato en el que la historia se Cada medio hace lo que
despliega a través de mejor sabe hacer y a la vez
múltiples medios y da lugar a las audiencias, que
plataformas de comunicación son las grandes
y en el cual una parte de los protagonistas en estas
consumidores asume un rol nuevas formas de narrar.
Los 7 principios de esta narrativa
En su blog, Jenkins define los siete principios de la narrativa
transmedia como:
1. Expansión vs profundidad 4. Construcción de mundo
2. Continuidad vs multiplicidad 5. Serialidad
3. Inmersión vs extracción
6. Subjetividad
7. Ejecución
Por una parte, una narrativa transmedia es un relato que se

cuenta a través de múltiples medios y plataformas.
Pero además tienen la particularidad que una parte de sus
lectores se propone ampliar su mundo narrativo con nuevas
piezas textuales.
La expansión de un universo narrativo deja de ser patrimonio de
su creador.
Una narrativa transmedia puede ser sintetizada a través de la
fórmula:
• Narrativa transmedia (NT)+Industria de medios
(IM)+Contenido generado por usuarios (CGU)
Fandom
El canon es el mundo de los contenidos oficiales, cubiertos por
el copyright y donde priman las lógicas comerciales.
El fandom, en cambio, es el reino de los fans.
Nos encontramos con mundos narrativos que se expanden a
través de múltiples medios y plataformas con la complicidad de
sus fans.
Rockin’1000 (Italia)
El proyecto original era publicitar, a partir de una narrativa
transmedia, el deseo de tener el concierto en la pequeña ciudad.
La respuesta del suceso de Rockin’1000 fue consolidada a
partir de la aceptación del propio Foo Fighters en hacer el
concierto, en video publicado también en YouTube.
“Si en la ecología de los medios, las audiencias eran media-
centres, en la nueva ecología son narrative-centred” Carlos
Scolari
El centro está en la narrativa porque se centra más en el relato

que en medio.
Es un lenguaje contemporáneo que ofrece al usuario una

posibilidad de navegación física y/o virtual, de retroalimentación,
de reconstrucción, de participación a través de contenidos
distintos, complementarios y relacionados entre sí.
Es una estrategia narrativa que ofrece, a partir de distintas

plataformas de lenguaje, el mismo mensaje adaptado a las
limitaciones de cada plataforma.
Normalmente, el crossmedia es adoptado por procesos
publicitarios, dado que la idea es no cambiar el mensaje de
ninguna manera.
En cambio, en el transmedia no hay control absoluto de hacia
dónde van los procesos y los discursos mediáticos.
Transmedia tampoco es lo mismo que hipermedia o multimedia.
• Hipermedia > es arquitectura mediática.
• Transmedia > es lenguaje comunicacional.
Aunque en el transmedia tenga hipermedia, en el hipermedia no
necesariamente encontramos transmedia.
La telenovela es el producto generar una narrativa más

audiovisual más importante cercana a las generaciones
nacido en América Latina. post-web.
Si la telenovela quiere seguir Las webnovelas son
ocupando lugar central en sus productos seriales
estrategias deberán compuestos por episodios de
adaptarla al nuevo corta duración destinados a
ecosistema de medios y, su distribución y consumo en
sobre todo, comenzar a las plataformas digitales.
La fanfiction estalla en las plataformas sociales (Facebook en

primer lugar, pero también en Wattpad) y adopta diferentes
formas, desde interminables relatos escritos que repiten la
serialidad televisiva hasta parodias audiovisuales en Youtube,
pasando por mashups y formatos híbridos que combina, por
ejemplo, las telenovelas latinoamericanas con personajes de
manga o anime japones.
A partir de pantallas móviles e interactivas ahora el usuario

puede llevar en ellos la televisión, el cine, el álbum de
fotografías,la grabación de música y hasta la pc.
Se ofrecen nuevas posibilidades y desafíos narrativos.
El dispositivo móvil facilita la producción mediática de los
ciudadanos.
Las imágenes de lo cotidiano ocupan espacios comunicaciones
colectivos y abiertos como los medios sociales.
La producción desde el móvil es posible. Presenta limitaciones y

nuevos interrogantes.
Es una propuesta metodológica desarrollada en torno a cuatro

puntos nodales
• El mundo de la historia
• El diseño de experiencias de usuario
• Las plataformas que se utilizaran para el storyelling
• El plan para la ejecución del proyecto.
El tráiler de una película es una pieza audiovisual que publicita

la película. No hay una receta para construir de forma “correcta”
un tráiler, pero podemos tener en cuenta determinados
aspectos.
Primero, en los primeros segundos del tráiler, el público debe
tener una idea del género de la película, el personaje principal y
la atmósfera.
Ejemplo: whiplash
Whiplash nos da una enorme cantidad de información sobre la
película, que Andrew es el centro de la película, que la película
tiene un componente romántico y que Fletcher tiene una relación
de profesor o mentor con Andrew.
Luego presenta el conflicto principal de tu película: los puntos

centrales de la historia. La pieza busca responder preguntas
como: ¿Qué evento dramático sucede para poner en marcha la
trama?, ¿Cómo hace sentir esto a los personajes? y ¿Cómo
trata de resolver el conflicto el personaje principal?"
A medida que el tráiler se acerque al ¿Cuál es la pregunta o

final, recalca el mensaje central de la idea que tu película está
película. El público debe poder tratando de relatar al
reconocer el tema principal de la pieza público?
audiovisual. Hay que mostrar de qué se
trata la película, no en términos de la ¿Cómo puedes reducir el
trama sino en términos del subtexto. conflicto principal de la
película a una sola línea o
Los últimos segundos del tráiler son una imagen memorable?
oportunidad para terminar con una
línea o imagen memorable. Hacemos
referencia a un gancho tentador para hacer que la idea de ver
la película sea aún más irresistible. Puede ser una frase
ingeniosa, una imagen provocativa, un diálogo atrapante o unas
tomas emocionantes en secuencia, pero que no revelen
demasiado sobre la trama de la película.
Casi todos los tráilers terminan con créditos e información sobre
la película. Generalmente se hace referencia a las personas, los
estudios y las productoras detrás de la película. Tener en cuenta
que las películas empiezan con pantallas breves para mostrar la
información de la empresa productora. La mayoría de tráilers
usa los primeros segundos para mostrar estos logotipos y
empezar a establecer el ambiente del tráiler o tocando el audio
de diálogos de la película.
El medio televisivo se encuentra inmerso en un proceso de

profunda redefinición.
Vivimos en trance de adaptación a un entorno multi pantalla,
social y ubicuo marcado por la movilidad.
Los celulares inteligentes hoy nos dan una instancia de movilidad
para ver series y películas. Es un consumo on demand.
Es una estrategia de publicidad, que camufla el producto dentro

de un contenido el interés de nuestro público, sin marca visible
a priori, pero con un mensaje que, al menos de forma indirecta,
habla del producto o servicio.
Si tenemos 30 minutos, queremos escuchar una historia que nos
atrape, que nos emocione o nos enseñe, en lugar de un
comercial. La gente ya no quiere comprar un producto, sino una
experiencia.
El marketing de contenidos se convierte así en una pieza
publicitaria que no sigue el modelo tradicional de publicidad, y
ser:
• Un documental • Un sitio web
• Un evento, un libro • Un artículo de perfil
• Un juego online periodístico
• Una aplicación • Un video en Youtube
En su libro “Contagious”, Jonah Berger propone las 6 variables

que potencian la viralización de contenidos de marca.
• IS= Social Currency: cuánto mejor me haga ver ante los
demás un contenido, más lo compartiremos con otros.
• IT= Triggers: cuánto más asociado a disparadores
(triggers) que tengan una alta frecuencia de repetición o
que demuestren ser conceptos ya instalados, más se
hablara de mi producto (o más se consumirá).
• E= emotion: cuánto más emociona algo, mas lo difundimos
entre amigos y conocidos. Nota: Berger hace una salvedad
importante, compartimos las emociones que nos excitan y
energizan y no aquellas que nos hacen “bajar un cambio”,
como la tristeza.
• IP= Practical value: los contenidos informativos que nos

brindan valor práctico se comparten porque queremos
hacerles un bien a nuestros amigos y conocidos.
• IS= Stories: al final de cuentas, las buenas historias ganan.
Pero, a tener en cuenta: la marca debe ser parte integral
de la historia. Si una historia puede contarse sin hacer
referencia a la marca, no será efectiva en términos de
marketing
Se denomina así a la estrategia de incorporar videos a tu

marketing de contenidos.
Otro concepto a tener en cuenta es el de social video: un tipo
de video diseñado especialmente para ser difundido a través de
las redes sociales.
Se busca crear piezas “compatibles” y optimizadas para las
particulares de cada red social.
¿Por qué utilizar el video?
El video impulsa las conversaciones y las ventas
• Tener un video en una página de aterrizaje puede
incrementar hasta un 80% las conversiones
El video construye confianza
• Un 98% de los usuarios web dicen haber visto un video
explicativo para aprender más sobre un producto o
servicio.
Google ama los videos
• Tienes 53 veces mayor probabilidad de tener un ranking en
la primera página de Google usando videos originales.
El video fomenta los shares sociales
• Un 76% de los usuarios web aseguran que compartirán un

video de una marca con sus amigos si fueran entretenido.
Desde su creación en 2005, Youtube se ha convertido en la

plataforma de vídeo por excelencia a nivel mundial. Cada día se
visualizan +1000 millones de horas de video en la plataforma.
Youtube no es vista como una red social.
Seo en youtube
• Título y descripción acorde
• Enlaces entrantes
• Inserciones en blogs y webs
• Señales sociales
• Keywords
Es una de las redes de vídeo Esta red aporta interesantes

más importantes de la novedades en el sector del
actualidad, con nada menos vídeo marketing gracias a los
que 100 millones de horas de GIF, y, desde 2015, los
visualización al día. vídeos nativos.
Brinda un autor reproducción Twitter arrasa en los móviles
de los vídeos a medida que el y puede ser útil para gran
usuario recorre su sección de variedad de formatos de
últimas noticias. contenidos.
La red reina de la fotografía La red del fantasma tiene un

también se atreve con el público especialmente joven.
vídeo. Cada día se visualizan en
Su audiencia es esta red más de mil millones
principalmente femenina y de historias y más de
menor de 35 años. 400000 millones de “snaps”.
Lanzó su función de vídeo en Los videos en esta red duran
2013. Inicialmente estaban segundos así que debemos
limitados a 15 segundos, ser breves.
aunque ahora se pueden
ampliar.
De acuerdo con eMarketer, más de un tercio de los usuarios de

internet dice ver videos en vivo en línea, con Facebook Live como
el canal más popular, seguido por YouTube y sus transmisiones
en vivo.
Permite a los espectadores girar la cámara de forma virtual

para cambiar su punto de vista, lo que les permite sumergirse
en el contenido.
De acuerdo al eMarketer, más de la mitad de los usuarios piensa
que los videos en 360 son atractivos y más de un tercio dice
que sería más fácil que participen en un video de 360 grados
que con otros formatos de video sociales.
Vine, la primera red social

Es un video en vivo de 360 con videos en bucle ya no
grados que combina los existe, pero su legado sigue
elementos de interacción y la vivo en la funcionalidad de
realidad virtual de un video grabación en bucle disponible
de 360 grados con la en Twitter e Instagram.
inmediatez de la transmisión
en vivo
Son videos que no necesitan

durar para siempre. Se trata Para contenido de alta
de crear contenido oportuno definición y calidad,
y al momento que especialmente en formatos
desaparecerá después de más amplios, probablemente
publicarse. Se puede utilizar sea mejor publicar en
Snapchat o las historias de YouTube o Vimeo, ya que
Instagram. cuentan con soporte
completo de videos en HD
(1080p) y Ultra HD 4K.
¿Qué es un video viral?

Un contenido viral es aquel que se difunde de forma
multitudinaria en internet, como un virus, ya sea a través de
Internet, ya sea en redes sociales, correo electrónico, mensajería
instantánea, etc.
Los contenidos que se vuelven virales suelen ser aquellos que

apelan a las emociones. En su mayoría son de carácter
humorístico y normalmente nunca nacen con la intención de que
se vuelvan virales.
La viralidad es la consecuencia de la adecuación y coherencia
de una serie de parámetros o elementos que se han sabido
mezclar de manera correcta y poner en el lugar correcto
condicionado por una serie de potenciadores y la elección o
combinación de unas vías evolutivas que por experiencia natural
se van estableciendo como modelos socialmente aceptados.
Cuando esta fórmula consigue estimular una Call to Action
poderosa bajo un grito “compartelo”…Entonces se genera la
viralidad. (Juan Sanchez Bonet)
Para ser viral, el video ha de experimentar un crecimiento de
visitas en 2-3 días que alcance el millón, aproximadamente.

Producción Audiovisual 2021

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Podemos entender a la producción audiovisual como la

Es una obra audiovisual compuesta por imágenes y sonidos, los

Cada película es un prototipo único e irrepetible por la alta

El consumo de contenidos audiovisuales en el hogar es un hábito

Entendemos como “workflow” a los flujos de trabajo, es decir, a

Es el conjunto de procesos sistematizados según ciertos

A lo largo de las etapas de desarrollo, producción y

Es la etapa previa al desarrollo propiamente dicho. En esta fase

Una vez que obtenemos los recursos para desarrollar un

Comienza cuando ya tenemos una carpeta de proyecto. Con esta

Dos circuitos alternativos: hay Hay además laboratorios de

Es la etapa donde se deben asegurar las condiciones óptimas

Una vez terminado el plan de rodaje entramos en la etapa de la

Primero se hace un visionado completo del material grabado y

producto. Se tiene en cuenta el orden de los planos, el ritmo y

Iniciamos esta etapa con la obtención de la primera copia

El puntapié inicial no está dado por la aparición de una idea, sino

Es importante tener en cuenta que cuando se habla de productor

Los objetivos principales del productor ejecutivo en la etapa de

Guionista Contar buenas historias que • Informes de guion

Jefe de Proporcionar información Informes de

Director de Asegurar la eficacia del • Presupuesto de

• ¿Queda claro cuál es • ¿Cuenta la idea en

La sinopsis debe contar la

• Arco completo de la historia; inicio, desarrollo,

Un guion literario es la descripción de las escenas que

• Da la información sobre dónde y cuándo transcurre la

En uno o más párrafos describiremos, de forma concisa, la

En uno o más párrafos mostraremos las palabras que pronuncian

A veces, es el documento que marca la diferencia, y hace que

Listado de personajes con la

Presentación del proyecto, breve, de 5 minutos. En los que en

Cuando tenemos el equipo de desarrollo debemos tener una idea.

Las buenas ideas pueden surgir a partir de una infinidad de

1. Definición de tarea (pensamiento vertical)

Es una frase de máximo 100 palabras que resume la esencia

El género hace referencia a un conjunto de patrones

Debemos dejar en claro en la • Nombre

El conflicto dramático principal debe ser expuesto de una forma

En la premisa debe haber alguna referencia al tiempo y al

El gancho en general tiene una relación directa con lo original o

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En 2002 un especialista en análisis y estructura de guiones de

9 El premio o recompensa. El héroe obtiene lo que había

10 El camino de regreso. El héroe es perseguido durante el

11 Resurrección. Es el clímax de la historia. Es el momento

Dan Harmon decidió adaptar la estructura narrativa del

Tiene las mismas características que la clásica pero no

Las estructuras alternativas:

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Todo lo que un relato necesita para

El espectador debe estar interesado.

La verosimilitud se debe trabajar en todos y cada uno de los

Cuando se habla del nacimiento del cine se toma como

Georges Méliès (1861-1938) fue uno de los más importantes

Mèliés fue el pionero de muchas técnicas cinematográficas. En

Esta técnica narrativa toma en préstamo muchos de los

El sistema de estudios de Hollywood es la producción

La primera proyección comercial de películas con sonidos