¿Qué tal si hacemos una Película?

ESCUELA NORMAL SUPERIOR

DALMACIO VÉLEZ SARSFIELD

TP N° 6 - Espacio Curricular (Taller):

LENGUAJE
DIGITAL
Y AUDIOVISUAL
Tema: ¡Hagamos un corto!

Profesorado de Educación Primaria

Profesor: Arq. Adrián Rivarola
Ciclo lectivo: 2021
 ¿Qué tal si hacemos una Película?
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¿QUÉ TAL SI
HACEMOS UNA
PELÍCULA?
Manual para la construcción de una película
de cortometraje. Desde la idea inicial hasta la
pantalla.
 ¿Qué tal si hacemos una Película?
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HOLA

El cine es de todas las artes la más grupal y participativa. Solo un

gran equipo garantiza una buena película, Artistas, técnicos, actores, se
sumergen juntos en una gran aventura en la que deberán convivir,
compartir y sobre todo poner una gran dosis de energía positiva para que
todo funcione; poner lo mejor de cada uno y aceptar al otro tal como es.
En un clima de gran incertidumbre como es el trabajo creativo en
general sola la unión y la tolerancia harán posible el milagro de fabricar
una película.
Lo mas importante depende 100 % de ustedes: el Guión primero y la
Producción después.
El corto será visto por personas que no los conocen, que no saben
quienes son ustedes, como piensan... y que esperan ver una buena historia.
Por eso este escrito intentará ser una primera ayuda, de modo que su guión
no se quede apenas en el deseo de ser una buena película.
¿CÓMO ARMAN LA HISTORIA?
En el cine profesional, sobre todo el que se hace en Hollywood, el
Guión se crea sin pensar demasiado en límites.
Si hace falta una batalla entre dos ejércitos de la época
de las Cruzadas, la Productora conseguirá extras, vestuario,
armamento, etc. Y si no, los creará por medios digitales.
Las masas combatientes de «El Señor de los Anillos» no
existen en la realidad, salvo los grupos reducidos que se toman
de cerca.
En el Cine de Bajo Presupuesto como el que harán ustedes, como el
que hacemos nosotros, tales recursos no están a nuestro alcance. Dicho de
otra forma, hay que trabajar con lo que tenemos. No quiere decir que saldrá
algo malo. Por el contrario, puede salir algo muy bueno si está bien
aprovechado.
Un director francés llamado Françoise Truffaut filmó una
película llamada «La Habitación Verde» en una sola casa.
Era una casa abandonada a la cual arregló por dentro en
forma precaria (yeso, pintura, muebles, etc.) pero el público creyó
que había filmado en muchos lugares, ya que cada habitación
representó un lugar distinto.
El trabajo de guión no es la última etapa de una aventura literaria,
sino la primera etapa de la gran aventura cinematográfica, dice Jean Claude
Carrière, uno de los mejores guionistas del mundo.
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Las películas nacen en medio de las neblinas de la imaginación, pero
su primera forma real es ESCRITA. Aunque claro como dice Raymond
Chandler -un capo de la escritura- La preocupación por las palabras en sí
misma es fatal para el buen cine. Las películas no están hechas para el
lucimiento literario. (¡Y lo dice un escritor!) En todas las películas el
primero en morir es el guionista. Todo queda en las manos del director.
Un gran director de cine como John Casavettes (Gloria, Una mujer
bajo influencia, Opening Nigt) refiriéndose a los cortes necesarios para
mejorar el montaje descartando material YA FILMADO es categórico
“Uno no debe enamorarse jamás de una escena o de un personaje. A la hora
de cortar hay que ser brutal”.
Otra grande de la escritura de guiones como Callie Khouri, la
guionista de Thelma y Louise, nos dice: “Escribir guiones es el único
medio en que muchos otros, ninguno de los cuales es escritor, suponen que
pueden decirle al escritor qué es exactamente lo que el escritor quiere
decir.”
En el modelo clásico de Guión literario o Libro Cinematográfico solo
hay indicaciones de cambio de escenario o lugar de la acción y breves
descripciones de la acción. El eje de todo el relato esta en los diálogos.

¿PARA QUÉ Y CÓMO SE ESCRIBE EL GUIÓN?

El guión en el mundo audiovisual, une y pone en relación, todo el
proceso de creación y producción y sus diferentes protagonistas. Como
toda manifestación de la creatividad puede desarrollarse, crecer,
especialmente en la práctica efectiva del oficio. Toda historia se conforma
con tres elementos que no pueden faltar: Personajes, conflicto y universo.

Personajes (Protagonista):
Puede ser uno o varios. En derredor de él o ellos gira toda la historia.
Cada personaje quiere algo. Y por eso que quiere va a hacer cosas que
harán mover la historia. Se puede pensar en Héroe o antihéroe.
La motivación es la principal característica del personaje (por que
hace lo que hace y no hace lo que no hace). Sobre lo que hacen
especialmente frente a dilemas, es decir: si elijo A pierdo B; o cuando se
opta por el mal menor: -A o -B
Por eso los personajes secundarios son funcionales a la historia y a
los protagónicos o principales. Por eso generalmente se refieren a los
principales, que solo hablan de si mismos en la intimidad o el uno al otro.
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Hay otros personajes en la historia, pero tiene participaciones
limitadas y siempre en función de la historia del Protagonista.
Hay varios tipos de Personajes (protagónicos, secundarios, bolos,
extras, corales – personajes colectivos como la hinchada de un equipo, los
pasajeros de un ómnibus, etc.-)
Conflicto:
Si el Protagonista quiere algo y lo consigue sin problemas, no
tenemos historia sino una crónica de hechos. Para que haya historia, tiene
que haber Conflicto. Y el Conflicto sólo se da si el Protagonista quiere
algo y no puede conseguirlo al principio, porque alguien o algo se lo
impiden.
Si es alguien, tenemos un personaje clave, el Antagonista, el que
encarna las fuerzas que se oponen al Protagonista.
Si es algo, el Protagonista está peleando contra una circunstancia que
no le deja cumplir su objetivo. (La sociedad, las leyes, la naturaleza, o su
propio Yo, etc.).
Para que haya historia, el Protagonista debe desarrollar acciones para
conseguir lo que quiere. Otros personajes pueden ayudarlo o combatirlo,
según lo que éstos quieran.
Puede ganar o no, pero tarde o temprano una de las dos fuerzas
terminará ganando. Allí el Conflicto se habrá resuelto y la Historia habrá
terminado.
Universo:
Aunque suene demasiado grande la palabra, Universo es el ambiente,
grande o pequeño, donde sucede la historia. Puede ser el mundo de todos
los días, puede ser un mundo especial.
Es fundamental que este Universo tenga leyes o códigos que el
espectador conozca o pueda reconocer rápidamente mientras ve el corto,
para que sepa cómo “funciona” el mundo en este corto en particular para
poder entender mejor por qué los personajes actúan de tal o cual manera,
etc.
Un escritor llamado Ernest Hemingway dijo una vez:
“Escribir es fantasear sobre aquello que se conoce y se ama”.
Para hacer una historia situada en lugares exóticos, creando un
mundo diferente, futurista, etc. hay que tener el atrevimiento de inventar,
crear universos nuevos, en fin, experimentar con la función básica del arte,
es decir adelantarse en el tiempo.
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Y para ello es mejor que cuenten historias propias, que tengan que
ver con la vida que viven, con algo que hayan conocido, que les hayan
contado, etc. imaginándolas “en el futuro”
Y más allá de la dificultad de encontrar los recursos, pregúntense
hasta qué punto ustedes conocen bien esos mundos que quieren representar.
Lo fundamental es la verosimilitud. La gente se la “tiene que creer” y
para eso lo mas importante es la coherencia. Si todo encaja la “mentira”
será aceptada por todo. Sin esto todo el publico empieza a ”ver” cada cosa
por separado; y eso pasa por que la historia “no funciona”
La historia puede ser o una Idea original (con narrativa básica, hasta
3 personajes y 2 ó 3 sets en de una misma locación (lugar de filmación)
casi la realización ideal en cortometraje) o una adaptación de alguna idea
ya desarrollada en otro formato – un cuento escrito, una canción, una obra
de teatro, una nota periodística, alguna historia que escuchamos relatada
por alguien, etc. Esto ultimo requiera una “traducción” al lenguaje de cine,
y la verdad es que cada adaptación requiere un tratamiento particular
haciendo la actividad bastante compleja.
¿CÓMO LA VAN A CONTAR?
Una cosa es la Historia y otra cómo la contarán. En ese sentido, cada
historia tiene su propio recurso narrativo en forma de trama. Hay tres tipos
básicos de formatos de tramas
Súper trama Narrativa lineal y clásica protagonista y antagonista.
Mini trama varias historias paralelas, muchos personajes y muy
complejos, finales “abiertos”
Anti trama relato complejo sin historia en formato clásico
La estructura narrativa es la sucesión de acciones con la suficiente
“tensión dramática” (acción versus reacción u oposición). Un entramado
cada vez más complejo, cada vez más intenso.
Primero lo mejor es un tratamiento lineal y cronológico, simple y
directo, después habrá tiempo para buscar variantes: (un largo flash back o
recuerdo; un salto para adelante en el tiempo, o un mosaico de muchos
dibujos y colores mostrando fragmentos sin ninguna resolución, o talvez
segmentar en dos o más relatos paralelos que se juntan al final
La Idea narrativa: (la historia) esta integrada por la sucesión de
acciones o acontecimientos. Una buena historia es aquella cuyo tema atrapa
el interés de la audiencia, la sorprende y moviliza. Manteniendo y haciendo
crecer la atención y el interés en la misma gracias a la velocidad, la
diversidad y la variación en el ritmo y de la acción. Una buena historia es
aquella que logra crear personajes verosímiles, ricos en matices, fuertes y
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tiernos al mismo tiempo. Estructura clásica que confirma las aptitudes
perceptivas del espectador.
La Trama de una película se apoya en la estructura narrativa del
Argumento que debe tener por o menos estos cinco espacios
Presentación-Punto de giro-Desarrollo-Clímax-Final
Presentación de los personajes y lugares
Puntos de giro (algo inesperado sucede, cambiando y alterando el
equilibrio de la situación inicial. Verdadero inicio de la historia, la acción)
Desarrollo dramático (intento de volver a la situación inicial o lograr un
nuevo equilibrio)
Clímax (el alma en un hilo, escena obligatoria, confrontación mayor)
Final (cierre, mejor final el que nadie imagina otro)

Pueden elegir contarla en forma Lineal, esto es respetando los

tiempos de la historia. VER COMO EJEMPLO “Se vende” en los cortos de
nuestra web.
También pueden partir del final y retroceder al pasado de ese
momento una o varias veces. Eso se llama estructura Quebrada.
Un ejemplo está en «El Señor de los Anillos: El retorno
del Rey», cuando se ve a Smeagol antes de convertirse en
Gollum.
Él y un amigo encuentran el anillo, pero Smeagol mata
al amigo para quedarse sólo él con el anillo. Allí comienza a
convertirse en Gollum.
Sin embargo, ya hemos visto a Gollum como esa criatura
monstruosa que va siguiendo a Frodo y Sam. El relato ha hecho
una breve visita al pasado y de inmediato vuelve a contarnos la
historia.

Otra forma de contar es en Contrapunto o Paralelo. El relato hace

que los personajes sigan distintos caminos, estén en distintos lugares, vivan
distintas situaciones y todo se va contando en forma alternada. Eso sí, las
distintas historias que se narran deben tener un punto de unión al final.
VER COMO EJEMPLO “PREdestinaDOS” de la producción de Cortos de
Genios

El ejemplo más claro está en «El Señor de los Anillos».

Desde que la comunidad del Anillo se disgrega, a veces se
muestra lo que hacen Frodo y Sam, otras lo que hacen Aragorn,
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Legolas y Gimli, otras lo que hacen Merry y Pippin, Gandalf,
etc. Otro gran ejemplo es Babel (solo para mayores)

Deben escribir su historia casi como si fuese un cuento, con varias

diferencias. Como en un corto sólo se ve y se oye, todo lo que se quiera
contar debe expresarse de esa manera, con acciones físicas. No debe haber
reflexiones del pensamiento interior ni descripciones bonitas, sólo la acción
y la esencia de los diálogos. Nada más.
Este escrito previo se llama primer tratamiento. Y no debe pasar de
una carrilla. El primer tratamiento debe dividirse en párrafos separados por
punto y aparte. Cada uno de ellos debe tener una unidad de acción que
comience y termine, para que de lugar a otra.
Una alternativa es que dos situaciones se desarrollen en forma
paralela, en dos lugares diferentes, pero que tienen afinidad. Aún así, cada
acción debe tener su párrafo separado
Secretos entre los muros (proyecto de 2008)
Agregado por Silvia Beatriz GÓMEZ ZAFFINI el 2008-05-04 Córdoba

1- Yack entra a la Biblioteca. Se dirige a Lupita la bibliotecaria. Le entrega

el libro “Crimen y Castigo” y se va. Lupita descubre una carta que cae del
libro y la lee. A Yack le escribe su primo Maqui, para contarle el plan que
tiene de asesinar a su tía Rosita para cobrar la herencia. A partir de este
descubrimiento, Lupita queda involucrada en la trama de este plan secreto.
2- Pasados unos días, Yack vuelve a la Biblioteca. Esta vez le pide a Lupita
el libro “Manual de Disecciones de los Cuerpos”. Este dato le confirma a
ella su sospecha. Busca el libro y se lo da.
3- Una tarde de la semana siguiente, Lupita sale de trabajar, ve a Yack en la
Plaza, hablando por su celular. Ella se queda disimuladamente entre las
plantas y escucha. Él afirma que no van a quedar rastros de la Rosita, y
confirma día, hora y lugar en que el trabajo se va a realizar. Ella, aunque
horrorizada con lo que acaba de escuchar, trata de memorizar los datos del
plan macabro, y decide asistir a la cita.
4- Lupita en el lugar de la escena, sigue a Yack y a Maqui. Escucha su
conversación. Yack dice evocar recuerdos al pensar en la Rosita; parece
arrepentido. Maqui lo anima.
Frente a ellos está estacionado un camión, del que varios operarios
descargan herramientas sobre la vereda. También descorren los tabiques
que tapan una antigua casona de color rosado. En su fachada, sobre la
puerta principal, con letras descoloridas por el tiempo todavía puede leerse:
LA ROSITA.
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UNA PALABRA SOBRE LOS DIÁLOGOS
Generalmente se cae en la trampa de los diálogos, que es necesario
evitar. Muchas veces se usan los diálogos para que los personajes cuenten
lo que debería ser mostrado. Así son las malas películas. También se
usan los diálogos para explicar cosas. Peor. El espectador entiende mejor
si le muestran. Si le van a dar una lección, se aburre. Hagan diálogos, no
discursos. Muestre, no explique
Y tengan en cuenta que los personajes tienen pulmones como
cualquier ser humano. Nosotros hablamos con frases breves. Decimos más
con el tono o con el gesto que con la palabra en sí. Si ponen una parrafada
enorme sin puntos ni comas... el actor se quedará sin aire.
CÓMO SE ARMA EL GUIÓN
La construcción puede ser a partir de una Idea original o la
adaptación al cine desde otro formato.
1.- Definir y redondear la Idea que es una suma
Tema + Premisa + Argumento.
El tema son cuestiones que siempre suenan como muy importantes y
que uno generalmente imagina como palabras mayores, las dice y escribe
siempre acompañadas del artículo y/o en mayúsculas. El Amor, El Odio,
La Familia, La Violencia, etc. etc. La premisa es el punto de vista personal,
lo que quiero decir sobre el tema. Y el argumento es la historia o trama que
utilizo para representar el tema desde mi premisa. Para lograrlo debo
cumplir los pasos siguientes;
a.- Primer tratamiento o Borrador del primer impulso (una carilla)
b.- Sinopsis. Días después realizar una síntesis del primer
tratamiento resumiendo a media carilla mediante un reordenamiento
jerárquico para que afloren las cosas más importantes. Desarrollar varias
cronologías probables
c.- Story line = Resumir la idea a tres o cinco líneas para sintetizar la
idea (no marketing). Darla a conocer a amigos y escuchar todas las
opiniones (No discutir ni defender la idea… ESCUCHAR!!!).
d.- Libro cinematográfico: Desarrollar la sinopsis en forma de libro
cinematográfico detallando toda la historia en acciones, con descripciones
de lugares y caracterización de personajes todo traducido a acciones físicas
que muestren esa caracterización en forma de narración continúa con
muchos verbos y sustantivos, sin adjetivos, en voz activa y tiempo
presente, frases cortas describiendo acciones y lugares hasta que la historia
funcione. El cine es ante todo un arte temporal, después estético o plástico.
Por ultimo crear los diálogos.
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Lo óptimo es una locación, uno, dos, tres personajes, una historia
narrativa escueta en el tiempo narrativo, con mucha originalidad y
sorpresas al final del relato.
El Libro Cinematográfico

El libro cinematográfico relata en detalle toda la historia. Clara

presencia de protagonista y antagonista. Describe lugares y personajes.
Relata las acciones.
Un Libro Cinematográfico se divide en escenas, que son unidades de
espacio. Dicho de otra manera, cada escena se encabeza con el nombre que
le damos al lugar donde vamos a filmar.
En cada escena se pone, en forma separada, lo que hacen los
personajes y lo que dicen los personajes. Y cada escena va numerada con el
número de orden que tendrá al final en el corto.
El Libro Cinematográfico siempre debe escribirse completo, porque
es el que le sirve a todo el mundo de guía. (De ahí su nombre –Guión- guía
grandota!!!)
Hacen parte del Libro Cinematográfico
a.- el Desarrollo Dramático (las motivaciones que generan las
acciones de los personajes)
b.- la Estructura Narrativa de la historia. (Presentación-punto de giro-
desarrollo-clímax-final) A partir de esta estructura se elabora el guión
técnico.
La motivación es la principal característica del personaje (por que
hace lo que hace y no hace lo que no hace). Principalmente en las acciones
físicas se puede “traducir” para el público la forma de ser de un personaje
sumado claro al vestuario, maquillaje, etc.
La estructura narrativa es la sucesión de acciones con la suficiente
“tensión dramática” (acción versus reacción u oposición creciente). Cada
vez más complejo, cada vez más fuerte. La confección de los diálogos dejar
mas para el final
Cuando tenemos todo el libro cinematográfico completo
comenzamos la construcción del guión técnico porque si no tenemos un
panorama general de lo que será el filme completo, podemos perdernos en
el detalle. Será la primera versión de nuestra película con forma de cine!!!!!
Para ello no debemos olvidarnos que siempre la técnica tiene que
estar sometida a los requerimientos de la acción dramática y la estructura
narrativa que la sustenta.
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Con el Libro en la mano hacemos el Casting y Scouting. O esa la
elección de actores y lugares (locaciones) respectivamente.
Teniendo el esto pasamos a la confección del guión técnico.
El Director ha estado previamente en el lugar, ha decidido los
emplazamientos tanto de actores como de cámara y diseña lo que se llama
una Planta de Rodaje. Luego decide qué se va a filmar y cómo.
El Director de Fotografía piensa como serán las luces, la
“ambientación general” en acuerdo con el director de arte, etc.
El productor ejecutivo prevé la logística, la seguridad, las
necesidades técnicas y etc.…
El Guión Técnico es hecho por un equipo formado por:
Guionista / Director / Productor Ejecutivo y el Director de Arte
Entre todos elaboraran el Guión Técnico. Si consideran que tienen
sólo ocho minutos finales, no les llevará demasiado tiempo. El vocabulario
y la nomenclatura en la construcción del Guión Técnico debe ser lo mas
estricta posible. Guión Técnico de audio e imagen “cortado” en:
Escenas – Tomas -Secuencia:
Unidad conceptual de espacio y tiempo. En cortometraje generalmente la
acción es de una o muy pocas secuencias
Las secuencias son divisiones dentro de la Sinopsis, para destacar los
distintos momentos dramático-narrativos. Un Guión Técnico se divide en
escenas y tomas.
Escenas: se refiere a todos los acontecimientos que se suceden en un
mismo lugar (viene de “escenario”) deben ser señalizadas según sean
Interior – Exterior - Día – Noche (noción de continuidad)
Toma: coincide el tiempo real y narrativo. Toma larga es el plano
secuencia (cine por excelencia) El tamaño de los planos jerarquiza o
esconden elementos funcionales a la historia.
En la toma se superponen tres tiempos
> Real
3 tiempos > Psicológico (cabeza del espectador) percepción
> Narrativo (cuanto dura la historia)

Transiciones: paso de toma a toma. Es en las transiciones donde

podemos saltar en tiempo y espacio hacia delante (flash forward) o atrás
(flash back)
Corte directo Continuidad absoluta de tiempo y espacio
Barrido: desplaza una imagen por otra.
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Fundido (va o viene de negro)
Fundido encadenado una imagen se desvanece en otra
Tal vez se sientan tentados a resolver una escena en una sola toma,
para terminar rápido. De hecho, algunas escenas pueden tener una sola
toma, como la de un personaje que dice una breve frase.
Pero muy distinto es cuando toda una acción con varios personajes
está filmada desde un solo punto de vista de cámara.
Esa toma, que en el lenguaje cinematográfico se llama “Plano
Secuencia”, son muy cinematográficos pero atención: son difíciles de hacer
desde el punto de vista técnico y más difícil de lograr desde el punto de
vista expresivo. Son demasiadas las cosas que hay que hacer antes de
filmar y se requiere un equipo humano, entre actores, técnicos y
productores, que funcione como un reloj suizo.
En general, dado que son cortometrajes para Internet o televisores
comunes, lo conveniente es que los planos generales tengan poca duración.
Así, un paisaje grande, o escenas donde los actores aparezcan pequeños,
pueden aparecer, pero no conviene que duren demasiado.
Es mejor que la mayoría de las tomas sean primeros planos, figuras a
la mitad o, cuando mucho, desde las rodillas hacia arriba.
Primero porque se apreciará mejor la expresión del rostro.
Segundo, porque es posible aproximar más las fuentes de luz y
compensar las sombras, cuando éstas son muy intensas.
Tercero, porque de esa forma el micrófono podrá acercarse más y
tomar los diálogos en forma más clara.
Cuarto porque al ver menos escenografía, es más fácil que ésta sea
intervenida en función de nuestros requerimientos
El Guión Técnico:
El Guión técnico pone en palabras las imágenes que deseo, mediante
recursos accesorios como el Story Board, lay outs, fotos, croquis, plantas,
etc.
Se divide también en escenas como el Libro Cinematográfico; sólo
que cada escena está separada en dos o más columnas. A la izquierda se
describe la Imagen (lo que se ve) y a la derecha el Sonido (lo que se oye).
Asimismo, la columna de la Imagen se divide en tomas. Hay otros
formatos de guiones con más columnas.
Cada Toma está numerada por orden. Se describe no sólo lo que
aparece en la misma (Personajes y Acciones) sino cómo está encuadrada
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(Plano), desde dónde está encuadrada (Ángulo) y si la cámara se mueve o
está fija (Movimiento). De esa manera, se tiene en claro cuántas y cuáles
tomas se rodarán y no se olvidará de ninguna.
Eso no quita que también se hagan algunas tomas adicionales
llamadas “Tomas de Recurso”. Puede ser un primer plano de un actor que
no habla, pero que tiene un gesto importante, un detalle de algo en escena,
etc., planos generales de situación y/o transición.
Estas tomas no están marcadas en el Guión Técnico; pero al
momento de la Edición, se ven cosas que antes no se habían visto. Esas
tomas no planeadas pueden servir para resolver un problema de
continuidad.
El “Story Board”:
Son una serie de dibujos, como si fuese una historieta; sólo que todos
los cuadros tienen el mismo tamaño y forma que la pantalla. Dentro de
cada cuadro hay un dibujo aproximado de cómo será cada toma, su
composición, sus movimientos, etc.
Por lo general, se usa el Story Board en tomas complejas, cuando hay
que hacer efectos visuales o se tiene que dar una idea de cómo será la
composición final. Debe incluir los códigos actualizados de las trucas
electrónicas del cine digital.
No es necesario que el dibujo sea preciso o realista. Basta con que de
una idea lo más aproximada de lo que se verá después. (Bosquejo)
TECNOLOGIA
La irrupción del mundo digital, la democratización de la imagen, el
desarrollo de medios libres y alternativos como la red de redes que es hoy
la Internet, la proyección de productos audiovisuales en espacios no
convencionales y su libre circulación en DVD, pen-drives, discos
extraíbles, notebooks etc. etc. dieron un formidable impulso a la
producción cinematográfica. Cualquier hijo de vecino hoy puede hacer
cine. Una cámara en la mano o mejor aun en el trípode, una caña para
colgar el micrófono, luces y pantallas para rebotar y domesticar la luz, una
claqueta para organizar el montaje… mil ideas en la cabeza, un grupo
genéticamente completo para llegar al viejo y maravilloso “silencio que
rodamos, graba sonido, luces, anda cámara, ACCION!!
Técnica de cámara y luces. Planos, ángulos y movimiento de cámara,
Triángulo básico de iluminación. Fotografía de Cine.
Cámara Componentes Mecánicos, Electrónicos y Ópticos
Ángulos de cámara Gran angular Normal Teleobjetivo (zoom)
Como determinar planos. El formato del cine más apaisado que la TV.
Cuadro cinematográfico: Composición Áurea. Las reglas de composición.
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Lectura del cuadro. El peso visual. Carácter bidimensional de la imagen y
el recurso de la iluminación y la cámara para generar profundidad.
Esconder y mostrar
Nomenclatura básica de planos Plano general (PG) Primer plano (PP)
Plano medio (PM) Plano detalle (PD) Plano americano (PA)
Contraplano y planos de reacción. Plano secuencia
Zoom óptico y electrónico
Panorámica ó paneo: movimiento, horizontal o vertical sobre eje
Travelling = cámara que anda, se traslada, puede combinarse con zoom y
panorámicas.
Grúa = cámara que se eleva
Steadycam = cámara que anda suspendida (planeando)
Foco y profundidad de campo depende de la relación entre: Diafragma
/Distancia del objeto/ Angulo de cámara/
Manejo de la profundidad de campo. Realzar y esconder formas. Técnica
de desfoque o foco selectivo y fondo flow
Cámara posición Picado Contrapicado Cenital Nadir Normal Composición
Cámara + dirección de la acción + fotografía
Plano Corto / Tiempos Cortos = velocidad
Plano Largo (planos abiertos) / Tiempos largos = quietud.
Estático  Dinámico Frontal  Con perspectiva
Movimiento interno de los personajes en el cuadro + mov. de cámara
Iluminación Triangulo básico, claves de iluminación, construcción
dramática de atmósferas con la luz. Luz Natural o Artificial Filtro para
Compensar. Pantallas Refractarias.
White–balance papel blanco para lectura del tipo de luz predominante
(natural o artificial)
El Zoom es un conjunto de lentes que, ya sea con una tecla o una palanca,
permite acercar o alejar la imagen. Técnicamente es muy fácil de usar.
Expresivamente, es terriblemente difícil.
El buen uso del Zoom está en la puesta en foco (tarea del Camarógrafo) y
en la búsqueda del mejor encuadre (tarea del Director y del Director de
Arte). Ambas cosas se hacen antes de filmar.
Usar el Zoom dentro de una toma filmada tiene dos funciones:
1.- Cuando el Zoom cierra desde un plano amplio hacia un detalle, es
porque se intenta destacar el mismo por encima del conjunto.
2.- Cuando el Zoom abre desde un detalle hasta un plano amplio que
muestre el ambiente, ubicará ese detalle en el ambiente donde se encuentra.
En ambos casos, el Zoom debe partir de un encuadre fijo y terminar en un
encuadre fijo, no debe cortarse a la mitad ni en la toma ni en la edición. Se
utiliza generalmente “usando” el movimiento de un actor o un objeto, un
auto por ejemplo, dentro del cuadro. Si se combinan varios o con otros
planos en movimiento tipo panorámicas el corte puede ser en movimiento.
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No obstante, el uso del Zoom debe ser limitado, ya que se corre el riesgo de
marear al público, como sucede con muchas imágenes tomadas por
operadores de cámara en noticieros, video social o programas de TV
También hay que tener cuidado de no usar el Zoom si éste es digital. El
Zoom digital es un falso zoom, ya que se logra ampliando los puntos de la
imagen, con perdida total de calidad. El que vale es el Zoom óptico, que
funciona en base al desplazamiento de las lentes.

La Cámara en movimiento.

Hay dos movimientos de Cámara: Panorámicas y Travelling.

Panorámica es cuando la cámara está fija y gira sobre el eje del trípode. La
Panorámica puede ser horizontal (de izquierda a derecha o viceversa),
vertical (de arriba a abajo o viceversa) o combinada.
Travelling es cuando la cámara se desplaza, ya sea en un carrito, en un
aparato llamado “Steady Cam” o directamente en manos del camarógrafo.
Puede ser lateral (hacia izquierda o hacia derecha, hacia arriba o hacia
abajo), frontal (hacia adelante o hacia atrás) o circular (en derredor de
algo).
Más allá de que tengamos los medios para hacer esos movimientos
correctamente, siempre hay que preguntarse si nos sirven o ayudan para
contar lo que queremos contar. Toda la técnica esta supeditada a las
necesidades dramáticas del guión.
Un mal uso que sabe darse a los movimientos es el de la “cámara loca”,
una cámara que se mueve para cualquier lado, se sacude mientras filma,
distorsiona toda la imagen y no la deja ver con claridad. Si se trata de
expresar una situación especial del personaje o de la historia, pase; pero
recuerden que no debe durar mucho. Si pasa mucho tiempo el espectador
puede marearse o aburrirse, ya que está deseando que la imagen se
estabilice.
Para ver lo que se hizo en el rodaje se copia e3l material a DVD y con una
planilla especial que irá en un apéndice, se reunirán el Director y el
Director de Arte. Ambos verán el material filmado. Avanzando,
retrocediendo, deteniendo la imagen, etc. Verán así qué les sirve y qué no
les sirve. Anotarán, en una planilla, el Time Code de inicio y final de la
toma que han seleccionado, incluyendo la claqueta y dejando un margen
posterior de algunos segundos desechando las tomas con problemas
técnicos. Reciclaje creativo del material. Técnica de los mejores momentos,
fluidez y preeminencia de lo actoral, los tiempos narrativos y psicológicos.
Fluidez del relato, alternancia de planos

EQUIPO DE DIRECCION
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El Guionista:
Es quien escribe el Libro Cinematográfico en forma completa.
Pueden ser uno o varios, es conveniente que no sean más de tres.
Su tarea fundamental es redactar de manera clara y sencilla la
historia que el Director convertirá en película.
Para ello debe ajustarse lo mejor posible al método sugerido dado
que escribir para cine requiere una habilidad muy particular y que solo con
la tarea sistemática, organizada y mucho intercambio en el grupo las
probabilidades de un buen resultado final son mayores. El mayor vuelo
posible, la inventiva y la creatividad. Después llegara el momento de
ajustarse a las posibilidades reales de producción.

El Director
Semblanza de un director de cine.
El tipo se levanta las solapas del saquito viejo y gastado para
disimular el frío mientras decide inventar un mundo. Solitario al igual que
el Dios que navega en la Eternidad, ay va un director de cine rodeado de un
extraño aire distante. “En el primer día Dios creo el mundo para que los
hombres como Él hiciéramos películas” piensa mientras amasa sus
fantasías. Hoy comemos faisán, mañana me como las plumas. Con el
corazón les habla a los actores, con la cabeza manda a los técnicos. Con los
productores prefiere escuchar más que hablar. Paradójicamente nada de lo
pide y a veces exige es capaz de hacer. No actúa, no hace foco en la
cámara, no sabe de maquillaje, no sabe bien lo quiere pero tiene que tomar
todas las decisiones y encima tener variantes para cuando se equivoque.
Sabe que todos esperan que su tenacidad y su talento logren fabricar una
gran película. Ese es el deseo de todo el equipo y por supuesto su mejor
fantasía. El directos es el alma de cada película
El Director tiene la autoridad que le confiere el grupo mediante la
elección y tiene también la responsabilidad de hacerlo bien. Debe tener
carácter previsor preparando variables como respuesta a los imponderables
del tiempo y la propia dinámica del rodaje. Liderar para que todos se
sientan contenidos y evitar la perdida de energía.
Él es quien tiene más información del proyecto y unifica los
esfuerzos de todo el equipo; decide qué se filma y cómo se filma en el
rodaje y además las tomas de Recurso (contraplanos o planos de reacción)
y en función de los imprevistos que nunca faltan, las tomas adicionales
(nuevas tomas que se agregan para resolver el imprevisto).
 ¿Qué tal si hacemos una Película?
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Supongamos que hay una escena entre tres personajes.
Dos de los actores han llegado, pero falta el tercero.
Éste avisa, por su celular, que ha tenido un problema e
irá más tarde. Y uno de los actores que llegó a tiempo ya avisó
que debe irse a cierta hora.
El asunto es que es imposible que los tres actores estén
juntos al mismo tiempo.
Entonces el Director deberá filmar la escena con los dos
actores que están, reemplazando al que vendrá más tarde pero
poniendo al suplente fuera de cuadro.
Cuando mucho, si el actor que debe irse antes debe
saludar al que vendrá después, que extienda la mano y luego se
filme un detalle de dos manos estrechadas en saludo, manos
que pueden ser de cualquiera.
Que el actor que se quedará haga de “enlace” entre uno
y otro, de modo que no afecte la continuidad.
Cuando llegue el actor faltante -y el otro ya se haya ido-
el Director repetirá la escena pero reemplazando al que se fue.
El actor que permaneció es el que permitirá unir las dos
situaciones en una misma escena.

Y lo más importante: es el único que decide cuando una toma es

definitiva o valida y cuando hay que hacer una nueva retoma. También
tiene poder de decisión, aunque compartida con el editor en el momento de
armar el corte final.
Cinematografía:Una toma es muy lograda cinematográficamente
cuando combina acertadamente el Movimiento Interno del Cuadro (Puesta
en escena de los actores) + el Movimientos de la Cámara (lo que genera
diversos planos).
Se debe filmar siempre pensando en tres tomas. La anterior, la que
estamos rodando y la siguiente, es decir de donde vengo y a donde voy para
evitar en la edición el choque visual que generan dos planos iguales o con
movimientos desencontrados. Este cuidado y atención especial lo debemos
tener tanto en el guionado técnico cuanto en el rodaje.
Son tareas prioritarias de dirección
1° generar posibilidades para la creación garantizando la unidad estética y
artística de la obra
2º En las reuniones preparatorias antes del rodaje elije entre las opciones
propuestas por el equipo la mejor
 ¿Qué tal si hacemos una Película?
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3º Auxilia al productor ejecutivo en la confección del desglose de guión en
columnas organizado por escenas (producción, de arte, de técnica, de
actores)
4° decidir y comandar el rodaje
5° Scouting / Casting / Define locaciones y actores
6|° Luego que la historia “funciona” el guión se “corta” por escenas (guión
literario) junto al equipo se hace el desglose general del proyecto
(supervisado por el productor) para ver claramente todos los requerimientos
de arte y también medir la presencia de personajes (cuanto aparece cada
uno de los actores/personajes) y los detalles de continuidad como por
ejemplo la alternancia de días y noches. Toda esta información nos
permitirá armar un buen plan de rodaje.
El director debe usar lenguaje emotivo con los actores. Exceptuando
el que se representa a sí mismo (Carlos Sorin, la mayoría de los cortos de
CdG´s) los actores se dividen en orgánicos (los que componen el personaje
a partir de asociaciones que ellos establecen con sus propias vivencias y
experiencias) y los actores mas funcionales que imitan o representan con
técnicas mas que con sus emociones orgánicas. Claro que para cada
situación o personaje el actor adecua. En el cine lo “actoral” depende no
solo del propio actor sino también (a veces demasiado) del trabajo del
director.
El director (con la ayuda y asistencia del monitor del proyecto) se
dirige a los técnicos y asistentes con la mejor terminología técnica posible
en base a los planos que están definidos en el guión técnico. El tamaño de
los planos guarda directa relación con las necesidades dramáticas del relato
(planos actorales y/o planos de situación o escenográficos) con la
alternancia necesaria para dar buena fluidez y ritmo a la narración
audiovisual. El asistente de dirección es el encargado de la Continuidad
En rodaje cuenta con un 1º y 2° ayudante; el primer ayudante asiste a
los actores y el segundo confecciona las planillas de rodaje El director es el
único responsable de evaluar lo correcto e incorrecto en cada toma
considerando las necesidades estéticas, técnicas y dramáticas del guión.
Scouting: elegir lugares, teniendo en cuenta principalmente el
silencio del lugar, la privacidad, la seguridad personal y equipamiento y
lógicamente la correspondencia con guión.
Casting: elección de determinado actor para cada personaje
(considerando edad, físico, recursos actorales, etc)
Raccord: Es la idea de normalidad en las acciones filmadas en
varios planos y tomas. Esto se logra principalmente respetando el eje en la
dirección de la acción y el eje de las miradas.
 ¿Qué tal si hacemos una Película?
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¿QUIÉNES QUIEREN ACTUAR Y DE QUÉ?
Una de las profesiones más maravillosas de este mundo es la del
actor. Poder ser otro u otros, pero siempre después volver a uno mismo es
fascinante. Prestar el cuerpo y el alma para dar vida a un personaje que un
guionista y un director imaginaron.
Hay personas que tienen una excelente imagen, la cámara se
“enamora” de ellas. A su vez son expresivos de rostro y cuerpo. Pero a
veces mejor que no hablen, porque son de terror. No son capaces de darle
el tono adecuado a las palabras. Recitan los parlamentos, etc. También
están los otros, los que no tienen una imagen agradable; pero cuando actúan
son capaces de conmover a todos.
¿Habría que rechazarlos por eso? No, pero sí darles el lugar
adecuado para aprovechar lo mejor que tienen. Y aún así, por bien que
actúen, por buena imagen que tengan, no todos pueden hacer todo. No
existe el actor que pueda desarrollar todos los personajes.
Otra cosa a tener en cuenta: En el Teatro, un joven puede hacer de
viejo y un viejo de joven. En Cine, cambiar el aspecto de un actor para
que represente otra edad, es muy caro y difícil. Se necesitan expertos
para hacerlo y no siempre sale bien. Por eso, es necesario que cada actor
interprete a un personaje de su edad, sobre todo cuando se trata del primer
trabajo. Y es mejor que tenga un papel donde se sienta cómodo.
También hay que tener en cuenta su grado de compromiso y
responsabilidad. Hay personas que no son confiables porque dicen que
estarán y faltan, no cumplen, cuidados especiales para esa situación.
¿QUÉ LUGAR SERÍA BUENO PARA FILMAR?
Esto es algo muy difícil de decir. La cámara no “ve” igual que el ojo
humano. Lugares que no llamarían la atención a nadie resultan hermosos en
cámara, así como a veces paisajes bellos no responden de igual forma en
una filmación.
Eso sucede porque, entre otras cosas, la cámara limita la visión a
un cuadro. Por eso es que, cuando se elige un lugar para filmar, hay que
verlo como lo vería la cámara. Usar entonces cuando hacemos scouting una
cámara o al menos encuadrar con las manos. Así se reproduce la visión
“encuadrada” de la cámara y podremos tener, viendo con un solo ojo, una
idea de cómo responderá.
Un rincón encuadrado puede dar la idea de un palacio, una cueva,
una celda, etc. Sólo se ve eso y el espectador, que no sabe lo que hay más
allá del “cuadro”, interpreta lo que sugerimos en la toma.
Pero eso no es suficiente.
 ¿Qué tal si hacemos una Película?
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Por motivos prácticos, es necesario que el lugar de filmación
(locación, en el idioma cinematográfico) no esté a más de una media hora
de viaje y que en total no se propongan más de dos lugares. Recuerden que
el “mejor lugar” es aquel que permite trucar de tal manera que su buen
aprovechamiento pueda generar en la película múltiples y diferentes
escenarios o decorados.
Además, de bello para la cámara y funcional para la historia el lugar
debe cumplir otros requisitos.
Que tenga energía eléctrica, por si hay que filmar de noche o hay que
ahorrar batería de cámara. Alejado de fuentes de ruido (avenidas, fabricas,
fuentes de agua). Esto es porque usaremos sonido directo en los rodajes.
En las tomas obligadas por guión en lugares ruidosos preveamos la
ambientación sonora en la edición evitando diálogos en planos cortos pues
los doblajes son muy difíciles.
Que sea accesible y sencillo de llegar, muy bien señalizado por si las
personas deben llegar por separado o a distintas horas.
Que sea un lugar con seguridad. Si no la tiene, habrá que contratar
policías de adicional, uniformados para proteger a la gente y los equipos.
No se confíen si no quieren tener sorpresas desagradables.
Y sobre todo que, cuando vayan a filmar, el lugar no haya cambiado
demasiado desde que lo vieron por última vez.
El Director de Fotografía
Es responsable, con el Director de Arte de la parte visual y estética del
corto. Según los encuadres que determine el Director, marcará la posición
de las luces, las relaciones entre los personajes y el fondo, etc. También
cuidará junto al camarógrafo que nada extraño aparezca en cuadro
(micrófono, reflejos, objetos, sombras, etc.). El director del cortometraje
con lenguaje técnico se dirige a los técnicos y asistentes en base a los
planos que están definidos en el guión técnico. El tamaño de los planos
guardan directa relación con las necesidades dramáticas del relato (planos
actorales y/o planos de situación o escenográficos) con la alternancia
necesaria para dar buena fluidez y ritmo a la narración audiovisual.

La Producción
La producción comprende todas las tres fases de la creación de una
película. PRE / PRO / POST (Antes del Rodaje, el Rodaje y después del
Rodaje.)
 ¿Qué tal si hacemos una Película?
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Al sumar Idea Narrativa (Tema-Premisa-Argumento) e
Idea de Producción (Desglose de Requerimientos)
surge la factibilidad y la dimensión exacta de un proyecto.
Recién en esta instancia es conveniente hacer los ajustes necesarios
para dimensionar el tamaño exacto del proyecto, llegando incluso a
eliminar escenas que no tengan una buena correspondencia entre el peso
narrativo y el esfuerzo de producción para realizarlas. Se diseña la
producción considerando los Recursos Humanos, la Capacidad Operativa y
el Presupuesto y/o la potencialidad de impacto en el público.
El Diseño de producción debe responder todas las preguntas como
¿Cuáles son las necesidades de mi guión? ¡Quien va a hacer esto o aquello?
¿Como y donde se hace tal cosa?
El Productor
El productor es el que resuelve conflictos, observa el grado de
factibilidad y aporta una nueva visión sobre el guión
→ Generar condiciones
La función de la Producción → Potenciar ideas
→ Resolver conflictos
Desglose: desmenuzar al máximo el guión para ver todos los
requerimientos y el grado de factibilidad.
Locación Escena Actores Arte Técnica Horas

→ Requerimientos de Técnica
Plan de rodaje (evitar moverse) según → Disponibilidad de los Actores
→ Locaciones
Tener siempre opciones = el plan “B”
Productor general: el dueño nominal de las películas a producir. En
este caso puntual es la Cooperativa de Trabajo Imaginario Limitada que es
la responsable del proyecto Cortos de Genios. Invierte recursos propios o
los consigue, para viabilizar la actividad. Lo primero que hace es elegir al
Coordinador General que coordina la actividad. Este se encarga de los
contratos con los profesionales que llevan adelante el proyecto así como
también coordina los productores regionales y monitores de cada uno de
los proyectos
 ¿Qué tal si hacemos una Película?
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El Productor Ejecutivo
Tiene varias funciones.
1.- Coordinar y organizar el Rodaje general. (Permisos, credenciales)
2.- Coordina y gestiona recursos para cubrir los costos operativos de
los que tiene que hacerse cargo el grupo (pago a actores en el caso de ser
profesionales de la actividad y gastos de logística en el día de rodaje)
3.- Tener fonos, mail y direcciones de cada participante (Agenda)
Las comunicaciones al equipo para asegurar su presencia deben
hacerse dos veces; con anticipación y el mismo día.
4.- Se asegura que, en cada día de Rodaje, estén todos los elementos
humanos y materiales necesarios para ese día. (Según plan de rodaje
y Desglose general)
5.- Maneja el dinero para las emergencias, así como recabar facturas
y certificados de pago de todos los gastos que lleve el Rodaje.
6.- Organiza la reunión para la Edición o armado final del corto.
7.- Rinde cuentas de lo gastado.
8.- Reparto de copias del Guión: Actores, Productores y Técnicos
deben tener una copia cada uno, para orientarse.
9.- El “catering” consiste en comida para los que intervienen en la
filmación, de forma que se alimenten en una pausa del día, servicio de café,
te y algún complemento para las personas que circunstancialmente no están
trabajando en ese momento. No debe ser nada sofisticado, pero tampoco
debe faltar. Contribuye al buen desempeño del equipo.
Al ser tan importante la labor de un Productor Ejecutivo, es
conveniente que tenga asistentes en los cuales pueda delegar algunas de sus
tareas, sin perder por eso la coordinación general.
El Productor Ejecutivo resuelve todo lo que hay que hacer. Lleva
adelante el proyecto y acompaña al director en todas las fases de la
construcción de una película PRE – PRO – POST
Cuenta con dos ayudantes
Jefe de producción = esta en la filmación
Director de producción = responsable de logística (transporte y
alimentación)

El Director de Arte
El director de arte busca hacer un reconocimiento de las herramientas
necesarias, los códigos y los medios expresivos para concebir el diseño
total de la imagen de la película. Lo que se diseña y construye es parte de lo
que se quiere decir. La base de la dirección artística es la escenografía, los
 ¿Qué tal si hacemos una Película?
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decorados, pero también es elegir los paisajes, diseñar la caligrafía de un
personaje, decidir qué marca de tabaco tiene que fumar, decorar su casa,
saber qué muebles tiene que tener, cómo tiene que vestir. Dar personalidad
a un personaje de ficción, eso es la dirección artística. Crear todo un
mundo, una atmósfera, un clima que ayude a contar dramáticamente una
acción, una historia.
¿QUÉ COSAS LES GUSTARÍA MOSTRAR?
Es posible que alguien tenga algo para aportar. Puede ser un auto, un
objeto raro, una ropa especial, etc. Puede ser útil o no. Habrá que ver cómo
responde ante cámara y si es pertinente a la historia.
Si es lo suficientemente atractivo, puede ser tenido en cuenta para
formar parte de los elementos de Utilería, o sea ser manipulados por los
actores, si es ropa entrara en Vestuario, si es una elemento u objeto
escenográfico entrará para Escenografía.
Todos estos elementos contribuyen fuertemente a la credibilidad de
la historia y ayudan mucho a los actores en la composición de los
personajes.

Nociones de Dirección de Arte en Cine

Una película es, desde su génesis, arte en tres dimensiones,
donde el espacio y el diseño de la imagen conforman el universo que será
narrado a través de la cámara convirtiéndose en un hecho artístico. Si esa
imagen es bocetada y reconocida desde el principio, todo se habrá
enriquecido porque el director y los actores, los directores de fotografía e
iluminadores, tendrán más recursos y el resultado final conformará un solo
lenguaje que une texto, espacio, luz y color.
El Director de Arte ocupa uno de los puestos más importante y
complejos de una producción audiovisual, teniendo que coordinar con los
diferentes departamentos desde el Director hasta los Attrezzistas.
(Elemento que manipula el personaje cuando realiza actividades ligadas a
su profesión u oficio). El Director de Arte domina temas tan diversos que
van desde como realizar un presupuesto, materiales a utilizar y lo más
importante como poner su creatividad al servicio del producto que está
realizando.
Partiendo de la lectura del guión se comienza a construir "la
imagen" con la búsqueda de referencias: Pictóricas, fotográficas, filmes,
etc. pasando por los distintos estadios de selección, corrección y auto
corrección, se arriba al clima general de la historia que se quiere trasmitir.
Se buscan referencias en las bibliotecas, en revistas y libros, en
los mercados de usados, en los lugares de diseño, los que ofrecen objetos
 ¿Qué tal si hacemos una Película?
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de época o de actualidad, se hace un registro fotográfico de todo aquello
que sirva para ambientar la historia. Se identifican sitios en la ciudad
(locaciones). Se representa en un diseño, se lo pone en escala y se organiza
la documentación. Se estructuran las propuestas y se ensaya algo muy
importante: hacerlo posible. Y claro… ver cine, ver teatro, exposiciones,
opinar y generar opinión...
Además de los principios generales de la composición, que se
aplican tanto a la pintura, a la música y a otras formas de arte combinadas
como en el teatro, hay varios principios específicos y muy prácticos que
rigen estéticamente para el arte en la realización de cine. Son “reglas” que
han de tenerse como experimentales, relativas y adaptables a cada nueva
situación dramática según esta se presente.
El espacio cuenta con tres dimensiones que al plasmarse en una
pantalla se convertirán en una imagen bidimensional. El director de arte
trabajará los distintos elementos para no perder el efecto tridimensional.
Los distintos elementos para no perder esa sensación:
- color
- formas
- texturas
- perspectiva
- luces
- sombras
- vestuario
- superposición de objetos
- movimientos de los personajes para diferenciar los distintos
planos.
- profundidad de campo
El director de arte se vale entonces para componer de los
recursos pictóricos más los propiamente cinematográficos. Este espacio que
crea el director de arte, hace a los personajes y a la acción dramática, debe
también tener en cuenta las posiciones de cámara y las luces que funcionan
en este espacio para diseñar el espacio físico total.
El director es el que decide, como un pintor, que porción del
espacio queda dentro del cuadro y a diferencia de la pintura este espacio es
dinámico, se materializa gracias al tiempo. El espectador está inmóvil
frente a una pantalla plana, donde la cámara con sus puntos de vista,
angulaciones y movimiento, mas los recursos escenoplásticos, le harán
 ¿Qué tal si hacemos una Película?
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creer que esta frente a un espacio tridimensional que en realidad no existe.
(ver Manual de Dic. de Arte en nuestra web material soporte de Aula
Virtual)
FILMANDO
Lo más aconsejable es que Director, Productor Ejecutivo, Director de
Arte visiten la locación antes. El Productor Ejecutivo deberá asegurar su
disponibilidad para el día que vengan a filmar. Eso significa averiguar
permisos, gestionarlos, comprobar si no hay actividades inesperadas ese
día, etc.
Por su parte, Director y Director de Arte verán el lugar planeando la
Puesta en Escena (movimiento de actores, emplazamientos de cámara,
encuadres), posibles intervenciones (pintura, revestimientos, agregados),
etc. El Jefe Técnico deberá revisar que haya electricidad y, junto con el
Productor Ejecutivo, la Seguridad del lugar.
El día del Rodaje, Director, Productor Ejecutivo, Director de Arte y
Jefe Técnico llegarán primeros al lugar con sus asistentes y elementos de
trabajo. La excepción está dada con el Productor Ejecutivo y/o sus
asistentes, si deben coordinar o auxiliar la llegada de los actores.
Mientras vienen los actores, el Director recordará al Jefe Técnico
cuáles serán los movimientos de los actores y los distintos emplazamientos
de cámara. El Jefe Técnico y el Director de Arte, con asistentes, se
encargarán de instalar luces, conexiones, elementos de Utilería o
complementos de Escenografía, etc.
Cuando llegan los actores, que ya conocen el guión y sus
parlamentos, se hace un breve ensayo de movimientos.
Al momento de rodar, conviene rodar primero las tomas en Plano
General, donde los actores representen la escena de principio a final. No
importa si se olvidan los parlamentos. Sirve para coordinar mejor entre
todos.
Luego se filmarán a los actores, en planos cercanos, repitiendo sus
acciones y parlamentos. Aquí sí que será importante el buen registro de
sonido. Lo correcto es que los actores repitan milimétricamente no solo los
textos sino también y muy especialmente los movimientos y la velocidad
con que los realizan. La intensidad gestual y la velocidad de los
movimientos disminuyen con forme el tamaño del plano a rodar. Una
caminata en plano corto necesariamente para poder unirse con otro plano
mayor debe tener velocidades menores. Un gesto en plano general debe ser
mas acentuado que en un plano menor.
 ¿Qué tal si hacemos una Película?
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Luego se filmarán los planos detalles que sean significativos para la
historia. Y finalmente los planos de recurso -no contemplados en el guión-
que pueden ser útiles a la hora de editar.
Si un actor se traba a la mitad de su monólogo, no debe permitirse
que comience de nuevo si la toma está lograda. Que siga desde el punto de
la traba hacia el final. La unión de estos planos se logra con un pequeño
injerto de un contraplano con imagen del otro personaje escuchando.
El Director puede seguir el desarrollo de la escena en directo, con sus
propios ojos; pero es preferible que el Director de Arte la siga a través de
un monitor o el display rebatible de la cámara.
De esa forma tendrá la seguridad que los elementos de la
composición de imagen se mantienen en su sitio, que no haya elementos
indeseados, etc.
Si nota algún problema, deberá “alertar” al Director. Solo el director
es el que puede interrumpir una toma. Pedir el corte!
La claqueta es un instrumento que siempre debe usarse. En la pizarra
debe escribirse el número de escena y el número de toma, para que se vea
claramente al principio. Se la filma, la filmación no se interrumpe mientras
se la retira y el Director grita “acción”. En ese momento los actores
interpretan.
Al dar el golpe de claqueta todos “entran en clima” nadie habla ni
siquiera se mueven, salvo los actores y técnicos de audio e imagen cuando
esté previsto. Es fundamental para el buen resultado del trabajo.
Algo más con respecto al sonido. Sólo se tomará aquel sonido que
sea sincrónico con las imágenes, más un poco de “sonido ambiente”.
Los sonidos cuyas fuentes no estén visibles en ningún momento (o
que estén pero no puedan emitirlos) se agregarán después en Edición.

Si los personajes están escuchando una radio, ésta

deberá estar apagada aunque los actores finjan escucharla.
Luego se agregará la locución.
Si fuera de escena hay un tiroteo, los actores harán
como que se ocultan y sienten miedo, o están respondiendo el
fuego. El sonido de los disparos se agregará después.

Cada Rodaje tiene sus propias realidades, sus propios problemas, sus
propios imprevistos. No es posible hacer una regla general para todos.
Hemos dado aquí unos lineamientos generales. Quedará, a los que se
encuentren en el terreno, encontrar la solución que más se ajuste a la
 ¿Qué tal si hacemos una Película?
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situación respetando férreamente las líneas jerárquicas. Mandan el
Productor y el Director,… se debe evitar el debate y las discusiones. Al
tratarse de cuestiones artísticas todo es muy subjetivo y permite múltiples
interpretaciones. Por eso el grupo cuando eligió el guión a filmar y los roles
debe considerar seriamente que va a hacer cada uno. Y sobretodo lo mejor
es elegir colegas queridos y apreciados por todos para los roles claves.
LA MÚSICA
La denominación de Séptima Arte viene desde los inicios del cine.
Las seis primeras o anteriores artes son: pintura, arquitectura, escultura,
poesía, danza y música. Aun en su primerísima infancia, cuando el cine aun
no hablaba ya tenía música, una pianola al pie de la pantalla acompañaba
las imágenes.
Con la madurez de los años, el desarrollo y fortalecimiento de su
propio lenguaje y el avance tecnológico, el cine gustosamente incorporó a
los músicos que en la actualidad (cuando ya casi no existen películas sin
música original) participan activamente llevando al pentagrama las
emociones dominantes de personajes y escenas, alimentando así los
suspiros, lagrimas y carcajadas en la platea. El tiempo paso pero hoy, al
igual que el antiguo y esforzado ejecutante de pianola los músicos
continúan trabajando con un ojo en la pantalla y otro en la platea.
Preferentemente no se debe poner música de discos, sino que la
música debe ser ejecutada especialmente para la película. Si no es, también,
compuesta especialmente para la película, el compositor debe haber
fallecido más de cien años atrás. Como este trabajo tendrá una difusión
pública, habrá que pagar derechos por la música.
Si el compositor es el mismo ejecutante, habrá que pagar lo que
corresponde. Si el compositor falleció hace más de cien años, habrá que
pagar un mínimo. Hay que pagar también al ejecutante. Por eso, en tanto la
música sea sólo para este trabajo, no pagará por grabación comercial.
BUENA SUERTE
Esperamos haber servido, con este escrito, para que ustedes puedan
encarar mejor su proyecto. Sabemos que es insuficiente, que cada proyecto
tiene sus particularidades y que es prácticamente imposible hacer una regla
general para todos. Lo más importante es creer positivamente que mi
trabajo sumado al de todos será siempre para mejor. El trabajo colectivo es
la esencia del cine. De todas las artes esta es la que involucra a todas las
anteriores por eso es llamada de séptima arte… (Pintura, escultura,
arquitectura, danza, música, literatura…)
Cualquier hijo de vecino hoy puede hacer cine. Una cámara en la
mano o mejor aun en el trípode, una caña para colgar el micrófono, luces y
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pantallas para rebotar y domesticar la luz, una claqueta para organizar el
montaje… mil ideas en la cabeza, un grupo genéticamente completo… o
sea, compuesto por el gordo, el flaco, el talentoso el voluntarioso y
organizado, el que manda, el que no desiste, el creativo que le encuentra la
vuelta a todo; etc. Solo juntos y organizados podremos dar vida al viejo y
maravilloso juego creativo…

“silencio que rodamos, graba sonido, luces, anda cámara...”

¡ACCIÓN!