Monografía - Leon Rodriguez Gladys Angie - Fpycf

UNIVERSIDAD NACIONAL DE EDUCACIÓN
Enrique Guzmán y Valle
Alma Máter del Magisterio Nacional
FACULTAD DE PEDAGOGÍA Y CULTURA FÍSICA
Escuela Profesional de Educación Primaria
Carátula
Evolución del arte
Examen de Suficiencia Profesional Res. N° 0571-2021-D-FPYCF
Presentada por:
Gladys Angie Leon Rodriguez
Para optar al Título Profesional de Licenciado en Educación
Área principal: Educación Primaria
Área secundaria: Educación Básica Alternativa
Lima, Perú
2021
Evolución del arte
Designación de Jurado Resolución N° 0571-2021-D-FPYCF
___________________________________________
Dr. Pablo Vega Porras
Presidente
___________________________________________
Dr. Jesús Nazareno Cochachi Quispe
Secretario
___________________________________________
Dra. Josefina Arimatea García Cruz
Vocal
Hojas de firmas del jurado
Línea de investigación: Proceso de innovación y gestión de la calidad educativa

Alma Máter del Magisterio Nacional
FACULTAD DE PEDAGOGÍA Y CULTURA FÍSICA

Dirección de la Unidad de Investigación
“Año del Fortalecimiento de la Soberanía Nacional”
CONSTANCIA DE ORIGINALIDAD
Nº 037-2022-DUI-FPYCF-UNE
El Director de la Unidad de Investigación de la Facultad de Pedagogía y Cultura Física
Hace constar que:
El Trabajo de Examen de Suficiencia Profesional titulado Evolución del arte, ha

sido sometida, en su versión final, al software Turnitin y obtuvo un porcentaje
del 10% de similitud con otras fuentes verificables, lo cual garantiza su
originalidad e integridad académica. Asimismo, se comprobó la aplicación de
las normas APA/Vancouver de acuerdo con las disposiciones vigentes.
Se expide la presente constancia para los fines pertinentes.
La Cantuta, 28 de diciembre de 2022
Gladys Angie León Rodríguez Dr. Willner Montalvo Fritas

Autor Director de la Unidad de Investigación
DNI N° 77143289 DNI N°07295199
iii
Dedicatoria
A Dios, por darme fortaleza para culminar este
trabajo.
A mis padres, Pedro León Rojas y Haydeé
Rodríguez, por estar siempre presente cuando más los
necesito.
A mi esposo, Erick Porras Matos, por su ayuda
sin condición y por confiar en mí.
A mi hijo, Milán, por ser mi luz, dedicación,
esfuerzo y ganas de superación día tras día, buscando
ser siempre un ejemplo para él.

iv
Índice de contenidos
Portada .................................................................................................................................... i
Hojas de firmas del jurado .....................................................................................................ii
Dedicatoria........................................................................................................................... iii
Índice de contenidos ............................................................................................................. iv
Lista de figuras ....................................................................................................................vii
Introducción ....................................................................................................................... viii
Capítulo I. Evolución histórica del concepto de arte ...................................................... 10
1.1 Concepto de arte ...................................................................................................... 10
1.2 Evolución histórica del concepto de arte ................................................................. 13
1.3 Organizadores del área de arte ................................................................................. 17
1.3.1 Expresiones del arte........................................................................................ 18
1.4 ¿El arte como experiencia personal o universal? ..................................................... 19
1.5 Hacia un intento de definición de arte ..................................................................... 24
Capítulo II. Características .............................................................................................. 29
2.1 Las características del arte ....................................................................................... 29
2.1.1 El arte como actividad creativa. ..................................................................... 29
2.1.2 El arte como manifestación cultural de las sociedades. ................................. 31
2.1.3 El arte engloba un conjunto de actividades diferenciadas. ............................. 32
2.1.4 El arte tiene un concepto cambiante a lo largo del espacio y del tiempo. ...... 34
2.2 Las características del arte en función a su clasificación ......................................... 35
2.2.1 Las artes plásticas. .......................................................................................... 35
2.2.2 Artes acústicas. ............................................................................................... 38
2.2.3 Artes literarias. ............................................................................................... 40

v
2.2.4 Artes compuestas............................................................................................ 45
Capítulo III. Visión contemporánea del arte .................................................................. 57
3.1 El arte contemporáneo ............................................................................................. 56
3.1.1 Arte y edad contemporánea.......................................................................... 57
3.1.2 Arte contemporáneo y vanguardismo .......................................................... 58
3.1.3 Arte contemporáneo y posmodernidad ........................................................ 59
3.2 La visión del arte contemporáneo ............................................................................ 58
Capítulo IV. Teoría de la creatividad .............................................................................. 64
4.1 La creatividad .......................................................................................................... 64
4.2 La creatividad como un proceso .............................................................................. 68
4.3 Elementos de la creatividad. .................................................................................... 70
4.3.1 Fluidez. ........................................................................................................... 70
4.3.2 Flexibilidad..................................................................................................... 71
4.3.3 Originalidad. ................................................................................................... 71
4.3.4 Redefinición. .................................................................................................. 72
4.3.5 Elaboración..................................................................................................... 72
4.3.6 Sensibilidad. ................................................................................................... 72
4.3.7 Viabilidad. ...................................................................................................... 72
4.3.8 Capacidad de redefinición. ............................................................................. 73
4.4 Creación e imaginación ........................................................................................... 73
4.5 Creación vs producción ........................................................................................... 76
4.6 Teorías de la creatividad .......................................................................................... 78
4.6.1 Teoría asociacionista. ..................................................................................... 78
4.6.2 Teoría gestáltica y existencialista. .................................................................. 79
4.6.2.1 Teoría gestáltica. .......................................................................................... 79

vi
4.6.2.2 Teoría existencialista.................................................................................... 80
4.6.3 Teorías psicodinámicas. ................................................................................. 81
4.6.3.1 Teoría de la transferencia. ............................................................................ 81
4.6.3.2 Teoría psicoanalítica. ................................................................................... 82
4.6.4 Teoría de las inteligencias múltiples. ............................................................. 83
4.6.4.1 Individuo. ..................................................................................................... 83
4.6.4.2 Trabajo. ........................................................................................................ 84
4.6.4.3 Las otras personas. ....................................................................................... 84
Aplicación didáctica ............................................................................................................ 85
Síntesis ................................................................................................................................. 89
Apreciación crítica y sugerencias ........................................................................................ 90
Referencias .......................................................................................................................... 90
vii
Lista de figuras
Figura 1. La comunicación a través de las artes plástica. ................................................... 12
Figura 2. Evolución histórica de las artes. .......................................................................... 16
Figura 3. El arte como experiencia personal. ..................................................................... 21
Figura 5. La música como arte. .......................................................................................... 33
Figura 6. Arte acústica........................................................................................................ 38
Figura 7. Artes literarias. .................................................................................................... 40
Figura 8. Obra teatral la vida es un sueño. ......................................................................... 46
Figura 9. La danza tradicionales o folclóricas. ................................................................... 49
Figura 10. Recital poético. ................................................................................................... 55
Figura 11. Representativa del arte contemporáneo y vanguardismo. .................................. 57
Figura 12. El arte contemporáneo........................................................................................ 59
Figura 13. La creatividad. .................................................................................................... 68
Figura 14. La cybercultura................................................................................................... 75

viii
Introducción
La presente monografía titulada Evolución del arte se presenta con la finalidad de
brindar conocimientos acerca de las manifestaciones artísticas que han acompañado a la
humanidad en las numerosas sociedades y culturas, ya sea como parte de sus tradiciones,
ya sea con nuevas iniciativas innovadoras. Desde las pinturas rupestres hasta las
innovadoras técnicas de dibujo digital, desde las esculturas griegas hasta la arquitectura del
interior de una nave espacial, el arte acompaña al hombre y ha sido una constante forma de
manifestación que en muchos casos ha posibilitado en el ser humano tener un contacto con
fuente de emoción y armonía de la forma y el fondo.
Sin embargo, definir arte nunca ha sido fácil, las concepciones aprendidas como de
“manifestación de la belleza” o de “aquello que logra emocionar al ser humano sin tener
mayor utilidad práctica” son aplicables seguro a la concepción de alguna época, pero cabe
preguntarse si engloba a todo lo que podemos llamar arte o manifestación artística. Surgen
preguntas como ¿Existe el buen arte y el mal arte o solo uno es arte y el otro no lo es?, o
¿toda manifestación creativa plasmada en una forma que impresiona a los sentidos de
manera positiva puede llamarse arte? Que no son de fácil respuesta, aunque sí de fácil
enunciación.
Se sostiene, entonces, en este trabajo que el arte ha evolucionado, pero quizás más
como concepto y técnica que como expresión, pues es de idéntica validez expresiva como
arte las pinturas rupestres de Altamira, con muy poca técnica en comparación con un
cuadro de Rubens.
Se desarrolla, por ello, en el Capítulo I del presente trabajo, una disertación sobre
las distintas definiciones de arte en el tiempo, con énfasis en las nuevas teorías del siglo
XX en el que el estudio filosófico artístico y estético llegan a poner el tema en vitrina por
ix
un largo tiempo. En el capítulo II, nos acercamos a aquellas características universales del
arte que atañen a las manifestaciones artísticas sin importar lugar, cultura ni época. El
capítulo III se centra en cómo, en el tiempo actual, se define y se hace arte, con especial
incidencia en cómo la tendencia es a desvincular lo “moderno” por lo “contemporáneo”,
sin haber todavía encontrado una manera clara de definir este deslinde. El capítulo IV trata
sobre la “creación artística” a través de una exposición que nos acerca a la definición
moderna de creación, así como los vínculos con el tan mentado caosmos y la imaginación,
determinantes del proceso creativo.
Por último, se da la ejecución didáctica por medio de una clase de aprendizaje,
síntesis, apreciación crítica, sugerencias y referencias.

10
Capítulo I
Evolución histórica del concepto de arte
1.1 Concepto de arte
El Ministerio de Educación (Minedu, 2020) señala que:
Las artes son un sector fundamental de la vida usual y se encuentran en cada uno de
los conjuntos sociales. Integran desde las maneras más costumbristas que se hallan
dentro de la existencia común de una sociedad (mitos, los festejos, los cánticos, los
ornamentos, las artes de utilización, entre otros) hasta las maneras más innovadoras
y actuales, la digitalización animada, el arte integrado con los conceptos
ecológicos, las presentaciones, entre otros (p. 129).
El arte como ejercicios de la persona tuvo, en todos estos años, 2 ideas
completamente diferentes que en la actualidad se van ahondando por la integración de las
diversas sectas con creencias de la cultura moderna.
Hinostroza (2007) manifiesta que:
Una idea que fundamenta el camino del idealismo como un ejercicio del hombre que
se encuentra conectado a una entidad mayor que es Dios, quien creo el Universo, a
la persona y el mundo entero, de modo que, si Este lo desea, uno se convertirá en
artista. Por otro lado, la ciencia expresa que el arte es la forma de conciencia social
11
en que la persona demuestra sus ideas y sentimientos por medio de líneas y colores,
desplazamientos y ritmos, en relación con la vida que lleva, de modo que el arte crece
por medio del ejercicio, en respuesta, el artista se crea por medio de vivencias (p. 7).
Confirmando con Hinostroza (2007), el arte es un sector fundamental de la
convivencia integral porque se puede ver diversas características del comportamiento. Por
ejemplo:
El idioma verbal o hablado y además escrito, considerando que se realiza desde los
inicios de la existencia y sedentarismo de la persona y ha ido creciendo en sus diversas
utilidades, de modo que se ha usado de única herramienta para la socialización a formarse
en lo que se conoce actualmente como arte de la literatura.
Por esto, Hinostroza (2007) expresa: Que en el interior de dicha socialización
integrada se encuentran estos sectores.
• Artes plásticas: manera de comunicarse por medio de las formas, matices,
dibujos y retratos, tallados, monumentos, entre otros.
• Instrucción de la música: otra manera de socialización por medio de los sonidos
musicales, como cantar o bailar.
• Arte del drama o del teatro: manera de expresarse o comunicarse oralmente por
medio de gesticulaciones y desplazamientos (pantomima) (p. 8).
En tanto que Coma, Cross y Tello (2005) indican que:
No hay definición acerca de qué es el arte en sí: mejor dicho, acerca de su
fundamento, qué se encuentra en cada arte y logra conceptualizar como arte a
alguna cantidad de ejercicios de la persona completamente diferentes entre estas
(…). Considerar a algo como arte o de un ejercicio a un ejercicio artístico ha
cambiado con los años y con los diversos pensamientos del arte (p. 64).
12
Lancaster (1990) indica que “ciertos estudiadores en pedagogía toman en cuenta al
arte, arte artesanal y el modelo como 3 elementos diversos y en el tiempo diversos
maestros instruían el “arte” y después “artesanía” posicionaremos agrupados los 3
conceptos con la definición de arte” (p. 15).
Figura 1. La comunicación a través de las artes plástica. Fuente: Recuperado de https://conceptodefinicion.de

/wp-content/uploads/2020/12/arte.jpg
Por lo tanto, Lancaster (1990) afirma:
“Arte” integra este sector de invención con herramientas de arte y de artesanías por
medio de los que socializan sus sentimientos, pensamientos y emociones dados por
el creador y resultante de la comprensión visual de las vivencias del ambiente,
trabajo de capacidad y del sentir del arte adquirido (p. 16).
Es por esto que no se consigue un correcto concepto del arte estableciendo la
interrogante ¿Qué es el arte? Dicha pregunta juzga la idea general, en donde el arte es un
término sin concepto, y luego de esto nos expresa las características que integran un sentir
mundial.
Entonces, Coleman (2012) afirma:
Arte se conceptualiza por 2 pensamientos fundamentales, el concepto y la
materialización, y a ellos se les agrega un 3 elemento, el del entendimiento que

13
todos los visualizadores dan a la creación. Combinando el pensamiento y el arte de
tiempos y géneros diferentes, y de dicha manera nos da un amplio panorama de la
característica universal de las creaciones artísticas (p. 16).
Obteniendo una vista determinada acerca del sentir del arte, lanzándose en el
complicado camino de conseguir un concepto, donde diversos “tratadistas de arte” no lo
consiguieron.
De esta forma, lo expresa Tolstoi (1998):
La estrategia de exposición de Tolstoi empieza por exponer un pensamiento a la
cultura europea y desea romper tradiciones que desearon tener un concepto
adecuado de lo que era el arte. “Arte sinónimo de hermosura” o “Arte sinónimo de
placer” son pensamientos que no le agradan. ¿Qué es el arte? ¿Es arte solamente lo
que nos gusta, lo que nos genera bienestar y que emociona el deseo de nuestra
mente? Tolstoi conecta el arte con una vista no objetiva. Mas no se expresa sobre la
subjetividad que nos genera placer, sino de la que nos expresa sentimientos (p. 80).
Entonces, podemos definir el arte por lo que nos genera una creación en específico,
acabaríamos en un concepto no exacto, semejante a la comida, expresa Tolstoi, no todo lo
que se come nos agrada, no todo lo que nos agrada es beneficioso, de modo que, no todo lo
que no nos agrada, dejaría de significar arte.
Por lo cual, se puede expresar que para Tolstoi hay arte en el mundo, en la alegría
de un pequeño, en un término, expuesto en el tiempo correcto, en la melodía de un sonido,
en cada sector de la vivencia de las personas, más en todo momento y ella se exprese en el
alma sentimental.
1.2 Evolución histórica del concepto de arte
En la época antigua grecorromana, uno de los fundamentales comienzos de la
sociedad del Occidente y primera sociedad que pensó acerca del arte, se toma en cuenta a
14
este como una capacidad de la persona en todos los sectores de producción, siendo casi
una palabra con el mismo significado de “talento”: talento para armar algo, para guiar a
una escuadra, para influir en la sociedad en una discusión, o para realizar medidas
agronómicas. Definitivamente, toda capacidad orientada a normas, a estándares
determinados que la convierten en un sector de conocimiento y crecimiento y excelencia
táctica.
Por otro lado, los poemas, que nacía de estar inspirado, no se tomaba como arte.
De esta forma, Aristóteles lo definió como “seguida disposición a generar algo de
una manera lógica”, y Quintiliano determinó que se trataba de algo “que se basa en una
estrategia y una organización”.
Platón, en el Protágoras, se expresó sobre este, considerando que es la habilidad de
realizar algo mediante la sabiduría, por medio de un conocimiento. Según Platón, el arte
posee un concepto global, es la habilidad de creación de la persona. Casiodoro señaló en el
arte su característica de producción, en relación a normal, indicando 3 finalidades
fundamentales del arte: instruir (doceat), que conmueva (moveat) y dar placer (delectet).
En el Renacimiento, se comenzó a realizar una variación de pensamiento,
distanciando los trabajos y el estudio del arte, en donde se integró por primera ocasión a
los poemas, tomado hasta ese momento como modelo de pensamiento o de profecía para lo
que fue importante la idea, en 1549, en Italia, de la Poética de Aristóteles.
En dicha variación participó de forma considerable el seguido crecimiento en la
ocasión cultural del creador de arte, con razón de la motivación que las personas ricas
prohombres de Italia comenzaron a expresar por la hermosura.
Las creaciones de los artistas consiguieron un innovador estatus de las cosas
orientadas a la belleza y, por esto, el arte se transformó en un modelo de promoción de la
sociedad, aumentándose el mecenazgo del arte y aumentando las colecciones. Nacieron en

15
dicho entorno diversos acuerdos de teoría sobre el arte, así como los de León Battista
Alberti (De Pictura, 1436-1439; De reaedificatoria, 1450; y De Statua, 1460), o los
comentarios (1447) de Lorenzo Ghiberti. Alberti tuvo la motivación de Aristóteles,
queriendo dar un fundamento científico al arte. Se expresó de Decorum, el trabajo del
artista para guiar a las cosas y temáticas del arte a un entorno controlado, de perfección.
Ghiberti es el primero en controlar periódicamente al arte, diferenciando los años antiguos,
tiempo medieval y lo que denominó “renacimiento del arte”.
En el manierismo empezó el arte actual: los temas ya no se expresaban, así como
eran, sino como las mira el creador. La hermosura se hace relativa, se va de la hermosura
única del renacimiento, fundamentada en los estudios, a las variadas hermosuras del
manierismo nacidas de lo natural. Nació en el arte un innovador elemento de creatividad,
expresando lo increíble como lo asqueroso, como se podría comprender en el trabajo de
Brueghel o Arcimboldo.
Giordano Bruno es uno de los primeros ideadores que predeterminó los
pensamientos actuales: Expresaba que la creatividad no tiene fin, no existe inicio ni
limitaciones ni dios ni persona, todo es desplazamiento, dinámico. Para Bruno, existen
artes como artistas, integrando el pensamiento de creatividad del creador de arte. Este no
posee reglas, no se conoce, sino que nace de estar inspirado.
Los próximos crecimientos se realizaron en los años XVIII con las ilustraciones, en
donde empezó a generarse una personalidad del suceso artístico, el arte se separó de las
creencias y de la expresión de fuerza para ser un espejo del deseo del creador, enfocándose
más en las capacidades de sentimiento del trabajo y no en su concepto. Jean-Baptiste
Dubos, en Pensamientos críticos acerca de los poemas y pinturas (1719), inició el sendero
a la relatividad de preferencias, pensando que la belleza no nace del razonamiento, sino de
las emociones. De esta forma, para Dubos, el arte es conmovedor, va al alma de una
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manera más precisa que el saber por razonamiento. Dubos logró la democratización de las
preferencias, en oposición a las reglas educativas, e integró la forma del “genio” como
característica dada por lo natural, que va más adentro que las normas.
Durante la época romántica, nacido en Alemania a fines de los años XVIII con el
desplazamiento llamado Sturm und Drang, venció el pensamiento de genio, el arte es la
demostración de los sentimientos del creador, que inicia a volverse mítico.
Más escritores, como Novalis y Friedrich von Schlegel, pensaron acerca del arte,
en el escrito Athenäum, realizado por estos, nacieron las primeras expresiones de la
personalidad del arte, relacionado con lo natural. Según estos, en una creación de arte se
hallan el alma del creador y su mismo idioma normal.
Figura 2. Evolución histórica de las artes. Fuente: Recuperado de https://gabrielrosselloblog.files.

wordpress.com/2017/01/historia-del-arte
Por lo que Arthur Schopenhauer realizó el tercer tratado de El Mundo como deseo
y expresión de la definición de arte; el arte es un camino para alejarse del sentimiento de
tristeza de la persona. Reconoció saberes en la realización del arte, que es la manera más
honda del saber. El arte es la unión entre el deseo propio y la mente, entre alguna cosa y
persona, logrando un nivel de inspiración de alegría.

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La idea de belleza es un sector de inspiración sin intereses, donde los objetos
expresan en su pureza más honda. El arte expresa en el lenguaje de ser intuitivo, no del
pensamiento, es un complemento para la filosofía, las creencias y la moral. Influenciado
por la filosofía de Oriente, expresa que la persona tiene que separarse del deseo de existir,
del “amar”, que es el nacimiento de no satisfacción.
El arte es la manera de separarse del deseo, de ir más lejos del ‘yo’. Richard
Wagner obtuvo la diferencia entre los sentimientos y el espíritu de Schopenhauer: en
Ópera y drama (1851), Wagner determinó el pensamiento del “escrito de arte general”
(Gesamtkunstwerk), donde se realizaba un resumen de los poemas, el término factor del
hombre, con los sonidos del factor mujer. Pensaba que el idioma antiguo es la vocal, en
tanto que la consonante es un factor de racionalización. De esta manera, el inicio de la
música en el término es un regreso a la capacidad inocente de los antepasados del idioma.
1.3 Organizadores del área de arte
Por medio de la demostración y consideración del arte, los alumnos crean un idear
divergente, su innovación y el desarrollo de fuerza en sus sentimientos, el gozo por el arte,
la identificación y opinión de las expresiones de la cultura dadas de la nación en donde
vivimos y de las demás sociedades. De la misma forma, al experimentar y disfrutar del
arte, los pequeños incrementan y confirman su identidad y forma de ser. Identificando sus
deseos personales y anhelos.
Además, promueven en la persona el hallazgo de sus oportunidades y límites, la
seguridad y confianza en uno solo para demostrar sus mismos sectores de visión con
liberación, el crecimiento de su personalidad, la habilidad de elección, el crecimiento de
comportamientos solidarios con el resto y comportamiento de decisión.
El área de Arte posee 2 organizaciones:

18
1.3.1 Expresiones del arte.
Incentivan en el pequeño y pequeña el crecimiento de habilidades para:
• Dar riqueza a sus sentimientos e ideas emocionales, naciendo de vivencias de
indagación con los sentidos, por medio de su relación con lo natural y su contexto
social.
• Vivenciar con los factores y tácticas fundamentales de las lenguas artísticas, así como
son los elementos naturales, con el objetivo de hallar su oportunidad de demostración.
• Poder expresar de forma espontánea, personalidad individual y social, autenticidad,
creatividad, todo naciendo del ejercicio del arte, desarrollando de manera adecuada los
factores y tácticas del arte, además de las herramientas de su ciudad.
• Dar satisfacción a su deseo de contar sus experiencias, emociones, sentidos,
pensamientos y su opinión del entorno por medio de diversas expresiones en los
gráficos, las imágenes, las esculturas, el modelar, tejer, el bordar imágenes, crear
diseños, armar estructuras, confeccionar, tomar fotografías, los deportes didácticos,
actuar, manejar títeres, pantomimas, la demostración del cuerpo, el baile, las danzas al
cantar, la persecución térmica, el entendimiento de los instrumentos y demás.
• Los ejercicios que se crean de la ejecución de entender se relacionan a los sentimientos,
a la fijación del contexto natural, del arte y visión del mundo.
• La fijación y el entendimiento de dicho contexto se tendría que ejecutar con cada
sentido, así parezca que la visión es la que domina.
• Antemano, en museos, el estudiante tiene que pasear entre las creaciones con una
observación sin críticas, considerando como bagaje la misma vivencia, cuestionar,
cuestionarse y conversar acerca de lo que se observa para encontrar sus contestaciones
para entregar un concepto a cada cosa.

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• Dichas vivencias no son con restricción de establecidos años. Tan motivador podría ser
que los alumnos de 3 años observen una creación de Camino Brent, Sabogal, Pancho
Fierro que la observen los estudiantes de nivel secundario.
• El rango de aproximación a la creación es diferente a los temas que se vean, no son
iguales, más las 2 obtendrían beneficios de las conexiones que establecieron con las
artes
1.4 ¿El arte como experiencia personal o universal?
Existe una creencia generalizada de que las bellas artes no tienen valor universal u
objetivo. Esto es llamado en el arte “concepto escéptico del arte” (Burns, 2013). Como el
escepticismo religioso, el escepticismo del arte expresa duda sobre los “hechos
establecidos” de que la apreciación estética es una especie de experiencia especial, que es
universal, o que las bellas artes eran expresiones de humanidad.
Para aclarar esta situación, han surgido las llamadas “teorías institucionales del
arte”, desarrolladas en la década del 60 por filósofos como Arthur Danto y George Dickie.
En general, estas teorías atacan el problema significativo de la filosofía del arte en ese
momento, definir el arte, en respuesta a los problemas que enfrentan las definiciones
relativas a la esencia del arte.
Dickie (1969) consideró que “un problema importante para la definición del arte
fue la suposición sobre su valor estético. Llamar a algo obra de arte sugiere que es digno
de contemplación” (p. 69).
Además, Dickie (2001) argumentó que:
Si uno piensa que la clasificación del arte es evaluativa, y que todas las obras de
arte son dignas de contemplación, entonces esto sugiere que todas las obras de arte
20
deben encontrarse en el contorno alto de la escalera. Sugiere, por ende, que ser
estéticamente bueno es una condición necesaria para ser arte (p. 95).
Collingwood (1958) sugirió que:
El “arte malo” no era arte, sino el resultado de alguien que intentaba hacer arte,
pero fracasaba. La teoría institucional se ofreció como teoría descriptiva, y así
permitió que el arte pueda ser identificado, independientemente de si se consideró
bueno o no (p. 35).
El desarrollo de Dickie del concepto de un mundo del arte se desarrolló aún más
por sociólogos como Howard S. Becker, que discutió la naturaleza del arte como una
"institución". Becker desarrolló el modelo de arte de Dickie en un sistema de productores,
distribuidores, mercados y críticos, que cooperan juntos para crear arte y establecer su
valor (Becker, 1982). En ese momento, las teorías institucionales aparecieron como un
soplo de aire puro, ofreciendo una nueva área de estudio programático.
Como una revisión al trabajo de Becker, Kimmel (1983) afirmó que, desde el
renacimiento, el arte se ha entendido como una obra de belleza excepcional, producida por
un talento excepcional individual, y, así, conocemos a los artistas por su genio, el arte por
su atemporal belleza, por lo cual la historia del arte académico abunda en prosa efusiva
presagiando la obra de un genio. Kimmel (1983) sostiene que esta visión del arte es en sí
misma una ideología, una construcción social, tanto un producto de su tiempo como el
trabajo que describe, y, como otras ideologías que funcionan como atemporales verdades,
conduce a la mistificación de la obra.
La apreciación estética es, desde este punto de vista, claramente subjetiva o, en el
mejor de los casos, culturalmente relativa. Sin embargo, la verdadera crisis quizás
comenzó cuando Pierre Bourdieu publicó que “La apreciación estética y las bellas artes se
identificaron con el capital cultural de una clase social” (Bourdieu, 1984, p. 64).
21
Figura 3. El arte como experiencia personal. Fuente: Recuperado de

https://www.profesorenlinea.cl/imagenartes/monalisa00.jpg
Después de todo, si el valor artístico y estético es idéntico a las formas en que el
arte institucional, o una clase social específica, valora el arte, hay poca razón para que
cualquier persona que no sea miembro de ese mundo del arte o de esa clase esté de acuerdo
sobre este valor. El mundo del arte en sí mismo comenzó a ser considerado como una
especie de religión de la estética. Bourdieu, en otra parte, argumentó que la apreciación
estética, la actitud contemplativa desinteresada del amante del arte, es producto de la
historia porque el proceso de apreciación estética es inseparable de la aparición histórica

22
de productores de arte motivados por la intención artística, y también es inseparable de la
producción de bellas artes con fines y estándares que son encontrados o creados por el
artista (Bourdieu, 1984). Dentro de la antropología, el debate provocó indignación entre
aquellos que pensaban que toda la gente tenía experiencia estética y que todas las culturas
tenían algún tipo de arte, y aquellos que sostenían que el arte y la apreciación estética eran
culturalmente específicos. Según Gell (1992), la institución artística es simplemente una
religión secular, sugiriendo que el estudio de la estética es para el dominio del arte como el
estudio de la teología es para el dominio de la religión… en la medida en que las almas
modernas poseen una religión, que la religión es la religión del arte, la religión cuyo
santuario consta de teatros, bibliotecas y galerías, y cuyos sacerdotes y obispos son
pintores y poetas, cuyos teólogos son críticos, y cuyo dogma es el dogma de esteticismo
universal.
De lo anterior, deducimos que para la apreciación estética no podría estudiarse sin
participar en esta religión. Más bien, el antropólogo debe adoptar una indiferencia por el
valor estético del arte.
En toda esta polémica, en torno al concepto del arte, Overing (1996) argumentó,
siguiendo al filósofo Alexander Gottlieb Baumgarten que, en 1735, muestra que el
significado estético es intrínsecamente histórico y la experiencia estética no es universal.
Ella sugirió que la institución del arte o el mundo del arte es una especie de culto al
objeto de arte, un objeto sacralizado y apartado de los objetos cotidianos, y afirma que,
dentro de este culto, los artefactos de la vida cotidiana no podían ser bellos: “era solo
cuando un objeto no tenía ninguna utilidad para que pudiera ser bello, solo cuando se
creaba para la sola contemplación de la belleza para que así se convierta en arte” (Overing,
1996, p.86). Durante la década de 1990, Stephen Davies produjo su texto fundamental
Definiciones del Arte, en el que aclaró la distinción entre relatos funcionalistas y

23
procedimentalistas (incluidos los institucionales) del arte y sopesaron cuidadosamente las
fortalezas relativas de las teorías. Si bien las descripciones procedimentalistas del arte
tienen poder explicativo significativo en relación con la forma en que los objetos creados
por la vanguardia, los relatos funcionalistas del arte están mejor equipados para explicar el
valor del arte, basado sobre la experiencia estética distintiva que las obras de arte brindan
al espectador. Por ello, Davies se inclinó a preferir las explicaciones procedimentalistas del
arte mientras rechazaba la cuenta institucionalista descrita por Dickie. Sin embargo, al
final de la década, Davies comenzó a abordar las artes no occidentales con mayor detalle,
explorando la relación entre el arte no occidental y la definición del arte y planteó la
hipótesis de que el arte debería ser considerada una categoría natural en lugar de una
puramente dependiente de arbitrarias convenciones humanas basadas en su aparente
universalidad (Davies, 1991).
Davies (2012) señala que:
Si buscáramos una fuente para la universalidad pretendida, ella probablemente
radique en nuestra biología común y nuestra evolución. La sugerencia no tiene por
qué ser que las artes promuevan la supervivencia de individuos o especies directa o
mecánicamente. Sería suficiente demostrar que el placer que obtenemos de hacer y
consumir arte deriva de nuestra condición, pero sin ser el objetivo de disposiciones
biológicas y estructuras cognitivas que fueron generados para otros beneficios
evolutivos (p. 23).
El primer paso para Davies, entonces, es argumentar que el arte y la estética son
universales. El segundo paso es considerar cómo se consideran conectados con la
evolución humana. Davies concluye que los comportamientos artísticos están arraigados
en la biología humana, pero no llega a una conclusión firme sobre si son adaptaciones o los
subproductos de adaptaciones no artísticas como la curiosidad y la inteligencia.

24
Cualquiera de las dos posiciones conectaría el arte con la evolución. Davies piensa
que los comportamientos artísticos son mundiales en relación a que gran parte de los
humanos son creadores o artistas intérpretes o ejecutantes en un nivel modesto, y tienen
conocimiento y apreciación detallados de un subconjunto de algunos de los géneros de la
cultura. Además, históricamente no existe cultura registrada que no incluye prácticas que
reconocemos como artísticas, incluso si esas prácticas no se diferencian de las
preocupaciones prácticas. Además, incluso, cuando el comportamiento artístico se lleva a
cabo por preocupaciones y funciones prácticas, esto no descarta la apreciación de cómo las
propiedades estéticas y artísticas contribuyen a esa función. Los comportamientos
artísticos son intrínsecamente gratificantes y, con frecuencia, motivadores, incluso cuando
los comportamientos tienen una función o propósito práctico (Davies, 2012).
Consideramos en este trabajo que la definición de arte llega con Davies al formato
más amplio posible, que la universalización lograda es efectiva y que permite cimentar la
definición de arte como “aquella expresión que tiene efectos identificables en la
emocionalidad humana y que pueden ser apreciados por el espectador en cuanto a esa
función” (Davies, 2012, p. 86).
1.5 Hacia un intento de definición de arte
El pasado de la literatura se basa en la no-literatura, en todo momento se encontrará
el pensamiento de que redacciones son desechas en su momento que por cierta razón no
obedecían el canon de dicho tiempo. La problemática es más motivadora cuando,
escrituras echas en su tiempo son muy halagadas en los años próximos. ¿Debido a qué esos
pueden y los demás no? ¿El definidor de literatura Terry Eagleton, en un escrito
denominado What is Literature?, se plantea esta interrogante ontológica.

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En dicha redacción expresa:
“Nuestro" Homero no es igual al Homero de la época medieval, tampoco "nuestro"
Shakespeare con los de sus tiempos; es de echo que distintos tiempos de la historia
han armado un Homero "distinto" y Shakespeare para sus objetivos personales, y se
encuentra en dichos escritos con el fin de valorar o devaluar, aunque no
necesariamente iguales. Todas las obras literarias, en diferentes términos, son
"reescritas", así sea de forma inconsciente, por las sociedades que los leen; en
realidad, no hay redacciones de un texto que no es además una "re escritura".
Ningún trabajo, y ningún examen actual del mismo, de forma simple se puede
extender a innovadores conjuntos de personas sin cambiar, quizás casi
irreconocible, en el proceso; y esta es una de las razones por las que lo que se
considera literatura es un asunto notablemente inestable (Eagleton, 2003, p. 43).
La cita previa expresa 2 factores especiales que, así se encuentren guiados a la
literatura, por último, hablan de una redacción de belleza y el arte visual ingresa en dicho
sector al igual. El primero, es la idea de re escritura y el 2do es el pensamiento de que no
hay redacción que posea una posición confiada. Nuestro Homero no es el Homero de su
época de los años medievales, y no tiene su posición asegurada. Existe un “yo no sé qué”
en Homero que aún se puede re escribir, por ello aún se puede leer (para comprender dicho
pensamiento, se requiere comprender la lectura-escritura como una acción conjunta). De
igual forma para con el arte visual: existe algo en una vasija de Grecia, en las pirámides y
en el Davis de Miguel Ángel, que aún se puede re escribir, mas ¿Qué? La contestación se
podría decir en un solo termino: filosofía.
Las pirámides de Egipto, el Panteón en Roma y la catedral gótica de Notre Dame
son creaciones artísticas ya que consiguen obtener de manera visual una comprensión,
entendimiento, solución y oponerse a la sociedad de ese tiempo. Expresado, en otros

26
términos, consiguieron crear para la vista el pensamiento de su tiempo, de ese momento
que aún se puede re escribir. Al analizar dichos tiempos, esas construcciones se toman
como comunicadores de los que estuvieron en ese espacio, pero en otro momento. No es
gratis que las ejemplificaciones hayan sido construcciones arquitectónicas.
Figura 4. Las pirámides de Egipto. Fuente: Recuperado de https://upload.wikimedia.org/

wikipedia/commons/thumb/a/af/All_Gizah_Pyramids
La razón la explica Benjamin:
Las construcciones han ido junto a las personas desde los inicios de la historia.
Diversas maneras de arte nacieron y murieron. La tragedia se creó en Grecia para
desaparecer junto con estos y reaparecer luego solo en relación con sus normas. El
esos, donde su nacimiento está en los jóvenes, muere en Europa al concluir el
Renacimiento. Las pinturas en tablones son idea de los años medios, y no existe
nada que asegure su tiempo de vida sin interrupciones. Mas el requerimiento que
posee la persona para alojarse sí que tiene estabilidad. El arte de la construcción no
se ha detenido en ningún momento. Su tiempo es más amplia que la de todos los
demás modelos de arte, y su eficiencia al presentarse es fundamental para cada

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ocasión de explicar la conexión de las personas con la creación de arte (Benjamín,
1982, p. 34).
La arquitectura, en diversas ocasiones, puede condensar para la vista el
preocuparse, ocuparse y trabajos de ese tiempo. Pero, de forma general cuando dichos
pensamientos pueden expresarse de forma arquitectónica expresa que el punto medio ya
está cambiando de lugar. Además, ello expresaría que actualmente esta no se toma como
arte, se relaciona más con los ingenieros, ergo del entorno controlador de los estudios.
Pero, así exista el “requerimiento de vivienda” (no únicamente de personas, sino además
los dioses) tiene estabilidad, su postura como expresión beneficiada de la expresión que
domina no se asegura; en el tiempo medieval este era solo un artifex, un laborador manual.
El comprender al arte como pensamiento además expresa las variaciones del
modelo. Una opinión de Benjamín (1982) lo explica así “la variación de la súper
organización que pasa con mucha más lentitud que la infra organización, ha requerido más
de mitad de siglo para lograr la vigencia en cada sector de la sociedad la variación de los
requerimientos de creación” (p. 22).
Benjamín (1982) señala que:
Una analogía obtenida de la Física podría expresarlo más sencillamente: pensemos
que la filosofía es el punto medio de todos los tiempos, de forma evidente, si el
punto medio varía, la imagen variará su postura. Así las variaciones no sean para el
siguiente día, la súper organización se cambia, el punto medio de posiciona en
lugares diferentes. De dicho modo, al estar armándose la arquitectura, que por su
tamaño y su inversión con frecuencia es la que captura el pensamiento del tiempo
más sólidamente, se tendría que interrogar a la filosofía en qué punto se encuentra
su visión, su dirección y en el tiempo en que la contestación posea una pequeña
variación, sin variar existirá una transformación en el arte (p. 24).

28
Continuando el pensamiento previo (arte como filosofía de la visión), la opinión de
Eagleton, además expresaría de qué forma al sacar ciertas expresiones de arte de su
posición de inicio (ejemplificando, los partes de jade o esferas de piedra) dichas dejan de
lado su sentido en relación a la cultura, pero, dentro de ella, consiguen posicionar en
escena el modelo de idear de su sociedad, pero en otra posición no se van a reconocer, al
ser re escritos ya vistos. De ese punto que las partes del jade se muestren en museos, de la
misma forma que las esferas de piedra. ¿Es arte? Sí, en el momento de capturar el
pensamiento filosófico de los que vivieron esta nación, pero en un momento diferente.
29
Capítulo II
Características
2.1 Las características del arte
La investigación particular hecha para el presente trabajo nos ha mostrado que
hablar de características del arte es una tarea que no posee un único rumbo, ya que la
aparente universalidad del arte no lo es tal, como pudimos observar en el capítulo anterior.
Por ello, y a pesar de ello, se ha hecho un intento de enumeración de las características más
generales y universales de lo que es conocido como arte, a saber.
2.1.1 El arte como actividad creativa.
Si bien es evidente que el arte requiere de actividad y de inventiva, es importante
notar que un estudio de la “creación artística” consiste en un estudio semiótico, ya que el
tema de la “valoración” de la creación artística está implicado en esta característica.
El concepto que sirve de eje al entendimiento de la naturaleza artística es el de
“creación”, pues ser capaz de dar cuenta de lo que es "creativo" en un objeto de arte es
también explicar su naturaleza "artística".
La problemática de este concepto se manifiesta en que, si bien los objetos de arte
(poemas, pinturas, novelas, películas, etc.) han constituido un corpus privilegiado de la

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semiótica desde sus orígenes, esta última parece haberse construido precisamente negando
la especificidad artística de estos mismos objetos, para ahogar ellos en el mundo de los
idiomas y la cultura. La semiótica no estudió lo artístico, sino la textualidad, la
discursividad, el semantismo genérico y general de los objetos. Es decir, sería más bien
una semiótica discursiva o textual que se haya aplicado al arte; y que nos faltaría mucho
una semiótica propiamente artística, posiblemente envuelta en discursos o textos, o en
otras cosas, que se definirán más adelante. En otras palabras, parece que la semiótica no se
ha apegado a lo que define al arte y es problemático en él (Tore, 2012).
El mismo autor menciona que la "creación" encaja, precisamente, en lo que define
al arte y le plantea un problema. para estudiar la semiótica "artística" de tal o cual objeto,
su "poeticidad", su "literariedad", su "estética", se ha dirigido solo a los hechos ordinarios
del lenguaje, presentes en cualquier semiótica de cualquier objeto.
Pero la "creación" es una potenciación del acto artístico en cuanto tal, consiste en
una sorprendente negación de lo adquirido, y cuestiona lo regular. Se afirma a grandes
rasgos que la "creación" en el arte es una negación reflexiva: una producción que se opone
a lo que es del orden de producción mismo.
Lo que se llama, desde el romanticismo alemán, "arte", en singular y en ocasiones
con mayúscula, sustituye a un mundo de prácticas artísticas, plurales y diferenciadas en
técnica y función social. Desde la segunda mitad de los años XVIII, el arte se convirtió en
un dominio, es decir: un conjunto único de valores (como, por ejemplo, "originalidad" o
"genio") e instituciones (como, por ejemplo, museos de arte nacionales o salas de
conciertos (Shinner, 2001). Es así que desde fines del s. XIX hasta nuestros días el arte
consiste cada vez menos en objetos-obras y cada vez más en acciones, creaciones. Los
objetos de arte valen entonces como gesto y actuación de un artista.

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Concluye sosteniendo que la característica creativa del aire se manifiesta en la
siguiente formulación: “el arte es un dominio que promueve prácticas que se reinventan”,
donde reinventarse significa “posicionarse en una praxis regulada” (Shinner, 2001, p. 69).
2.1.2 El arte como manifestación cultural de las sociedades.
El arte ha contribuido tradicionalmente a un sentido de comunidad, significado e
identidad (tradiciones, representaciones, actitudes, ritos, medios de comunicación). El arte
y la sociedad están, por lo tanto, inextricablemente ligados. La sociedad aporta
información para el arte, refleja, traduce e imagina en todas sus manifestaciones en este,
creando, por ejemplo, una nueva filosofía de vida, o una crítica social. La naturaleza de la
obra de arte ha cambiado. Además de los objetos físicos, el arte refiere a performances,
eventos, manifestaciones, publicaciones, películas, fotos o videos. Las obras de arte son
temporales o permanentes, forman parte de un proceso o del producto final. A veces un
trabajo es claramente reconocible como arte, pero a veces está disfrazado de otro abrigo.
Los museos y los escenarios no son los únicos lugares designados para el arte. Muchas
veces, el arte encuentra lugar en el medio de la vida cotidiana, en el espacio público.
De la Torre (1997) señala que:
La práctica humana, que solo puede confrontarse teóricamente con un concepto de
naturaleza original, pone al filósofo cultural delante de un enfrentamiento entre
cultura y naturaleza. El arte que se encuentra en una sociedad altamente
diferenciada no es homogéneo, sino al contrario consiste en una multitud de
prácticas divergentes, a menudo contradictorias, que, sin embargo, son sancionadas
de manera muy diferente por la sociedad, estos procesos de sanción social están a
su vez anclados en la cultura (p. 52).

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Para Novaes (1973):
Es así como la manifestación cultural, que significa el arte, produce, a la vez que
riqueza de expresiones, confrontaciones y desarrollo cultural por la dialéctica que
ello genera. Cada nación, pueblo o localidad posibilita un arte diferenciado con
raíces establecidas y variantes en el tiempo de acuerdo a los desarrollo culturales,
sociales, económicos y demás (p. 117).
2.1.3 El arte engloba un conjunto de actividades diferenciadas.
Los caracteres mediante los cuales se manifiesta el arte son variados. Por su
naturaleza, las manifestaciones artísticas están vinculadas a extremidades de nuestro
cuerpo, así como son vinculada a nuestros sentidos, por lo cual utiliza signos naturales.
De esta consideración fluye la primera división principal del arte: bellas artes y
bellas letras. La expresión artística se da a través de letras (literatura), figuras (pintura,
escultura, arquitectura) y sonidos (música).
El objetivo principal del arte de la poesía es la elocuencia de persuadir a través de
un discurso sensualmente perfecto. El medio de hacer que el habla sea sensual es elegir
tales expresiones que traen una multitud de características a la memoria a la vez para
hacernos sentir el significado más vívidamente que el signo. Por ello, las imágenes
poéticas, parábolas y escrituras, e incluso de las palabras poéticas individuales pueden ser
juzgadas y apreciadas. El poeta puede expresar todo aquello de lo que nuestra alma tiene
una idea clara de poder hacer.
Por otro lado, haciendo uso de los signos naturales, las pinturas, esculturas, la
arquitectura, las melodías y el arte de la danza no requieren arbitrariedad para ser
entendidos, como la literatura y la poesía.

33
La música, que se expresa a través de tonos agradables, no puede indicar el
concepto de palabras como una flor, un árbol, etc. Los signos naturales utilizados en la
música se basan ya sea en las herramientas del oído o en las herramientas de la cara. Los
otros sentidos todavía no están familiarizados con las bellas artes. Las bellezas que se
pueden sentir en tonos inarticulados son el orden sensual, la correspondencia de los tonos
individuales con el todo, la relación alterna de las partes entre sí, imitación finalmente de
todas las inclinaciones y pasiones del alma humana. Además, el arte de la música puede
utilizar las múltiples partes de la belleza tonal en secuencia (melodía) o una al lado de la
otra (armonía). De esta forma, los signos naturales que actúan sobre el rostro pueden
presentarse en sucesión o uno al lado del otro, que significa que pueden realzar la belleza a
través del movimiento o de las formas.
Figura 5. La música como arte. Fuente: Recuperado de https://farm4.staticflickr.com/3696/896040

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El arte de la danza lo hace a través del movimiento. Las diversas posiciones de los
pulmones del cuerpo, el movimiento de las partes más externas del cuerpo, están
relacionados entre sí en su secuencia, y juntos hacen un buen conjunto. Las bellezas
expresadas en el arte de la danza son, además del orden y correspondencia de las partes,
las habilidades de los miembros físicos, las imitaciones, las posturas y movimientos en
34
hermosas líneas, y finalmente las líneas de belleza que aparecen y se puede describir con
los pies de los bailarines.
Finalmente, se plasma la pintura a través de las superficies, y la escultura y la
arquitectura a través de los cuerpos. La arquitectura se distingue de las pinturas, al
igual que de las esculturas, en la utilidad de lo que tiene que expresar. Es así que,
fuera de la simetría y la belleza de las líneas y figuras en las columnas, puertas y
ventanas, interviene también principalmente la conveniencia y la solidez de las
edificaciones propuestas. Los magníficos edificios muestran la riqueza, la dignidad
y el poder del propietario, además de que deben tener la apariencia de esplendor y
tener fuerza, porque este es en realidad el propósito final de un edificio. En cambio,
ni la pintura ni la escultura tienen muy en cuenta la condición externa y tener que
crear algo relacionado con la solidez y la durabilidad. Las líneas de belleza en la
pintura tienen un swing mucho más libre que en la arquitectura. Las rigideces de
los contornos en la arquitectura deben tener una firmeza aparente que tanto el
pintor como el escultor deben evitar a menudo. Las bellezas que pueden expresar
pintores y escultores están basadas en el genio y los pensamientos en la invención y
la composición, el estado de ánimo, la imitación de la hermosa naturaleza en el
dibujo con una rica variedad de hermosas líneas y figuras, la vivacidad de los
colores locales, la armonía de su sombreado y la verdad y unidad en la obra
(Mendelssohn, 1957, p. 216).
2.1.4 El arte tiene un concepto cambiante a lo largo del espacio y del tiempo.
A través del tiempo, las culturas y las diversas formas de sociedad humana, el arte
siempre ha encontrado espacio y se ha conceptualizado de diversas formas, como se ha
incidido en el capítulo 1 de este trabajo.

35
El concepto de arte nacido en la Grecia clásica, basado en la perfección de la forma
global, consistía en perfección espiritual en primer lugar y belleza de la forma en el
segundo (ética sobre la estética), este concepto fue cambiando en el renacimiento, donde la
belleza y perfección de la forma estética toma un lugar privilegiado (estética sobre la
ética). Sin embargo, con el nacimiento de movimientos artísticos críticos desde la mitad
del siglo XVIII se da un cambio cuando por primera vez se acuña el término estética y se
capta la racionalidad y la potencialidad personal variable, volviendo el arte cada vez en un
concepto más universal, aunque manteniéndose la idea de la objetividad de la obra
artística. Luego del inicio del pensamiento filosófico artístico en los años XX se llega a la
subjetividad del arte, la cual últimamente se puso en mesa de discusión al hacer un estudio
comparativo entre el arte, la antropología y la sociología.
2.2 Las características del arte en función a su clasificación
Dentro de las características del arte, podemos considerar las siguientes:
Las artes plásticas que comprenden las artes expresivas: arquitectura, escultura,
dibujo y pintura. Así como artes decorativas entre las cuales están la cerámica, el grabado
y la esmaltación. Las artes acústicas comprenden la melodía y la redacción literaria y las
artes integradas son la actuación, baile, cine y TV.
2.2.1 Las artes plásticas.
Al hablar de artes plásticas, se habla de las tácticas de creación de creaciones
artísticas en las que se usan herramientas y factores susceptibles de ser variados,
transformados o cambiados por el creador. Estos elementos se toman en cuentan, por ende,
elementos plásticos, porque le funcionan al creador de materia prima para demostrar su
punto de vista, creatividad o vista determinada de la verdad.

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Las artes plásticas son dichas expresiones de la persona que expresan, con
herramientas plásticas, cierta creación de su creatividad o de su vista de la verdad. Dicho
sector del arte integra creaciones de los sectores de las pinturas, esculturas y arquitectura, y
demás.
Pero, no se puede dejar pasar el que además se toma en cuenta como arte plástico
más disciplinas como las fotos, joyas, creaciones de costurera, cerámicas o las
grabaciones.
• Rasgos de las artes plásticas. Así como se mencionó, las artes plásticas poseen
algunas definiciones fundamentales que establecen su forma particular de demostrar sus
ideas, que son:
- Colores. Los matices se les dan a las creaciones artísticas por medio de coloraciones
y herramientas que, al impactarse por las luces blancas, obtienen cada uno de los
colores. Este matiz expuesto es el que observan nuestros ojos.
- Formas. Esta se relaciona con la medición de los objetos, con sus regularidades e
irregularidades, con sus limitaciones de percepción al verlas.
- Texturas. Esta se aprecia por medio del contacto o de la visión, y se relaciona con
las superficies de las cosas: si son rugosas o lisas, filosas o los sentimientos que
expresan sus capas exteriores.
- Desplazamiento. En ciertas ocasiones, las creaciones plásticas podrían poseer
desplazamientos, como es la situación del creador argentino Julio Le Parc, donde sus
obras pueden activarse por corriente eléctrica para expresarle al público maneras y
matices que hipnotizan.
• Ventajas de las artes plásticas para la pedagogía. Respuestas que nacen de forma
directa del conocimiento de las artes y que motivan en el crecimiento de las habilidades
requeridas para el entorno laboral y la cultura.

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- Aprendizaje de la lectura y el idioma. La educación de las artes termina el sistema
pedagógico creando las habilidades fundamentales del leer por medio de los trabajos
de comprender el código fonético por medio de la relación de los términos, vocales,
oraciones y definiciones, también, incrementa el entendimiento del leer y de la
socialización oral y redactada.
- Matemáticas. La pedagogía de melodías beneficia a poseer habilidades de lógica en
el espacio y espacio tiempo que se requieren para el control de pensamiento e ideas
numéricas.
- Habilidades y talentos importantes del pensamiento. El conocimiento de las
diferentes maneras del arte da fuerza a las habilidades de cognición fundamentales,
como la lógica condicionada, organización de la mente para la resolución de
situaciones e ideas creativas.
- Estimulación para el aprendizaje. El conocimiento del arte incrementa la
indagación por el saber, da fuerza a los objetivos individuales, honda el ser
perseverante, incrementa el ser disciplinado, incrementa la habilidad de enfoque y
aumenta la retención de la escuela.
- Comportamiento en la sociedad. La educación de las artes motiva la fuerza del
amor propio, incrementa la mente de la misma forma de ser y desarrolla las
habilidades de control propio. Dichos factores general un alto nivel de aptitud para la
resolución de conflictos y situaciones, influye un mayor balance hacia el ejercicio
laboral en ayuda y conduce a ser tolerante y empático con la sociedad.
- Entorno de la escuela. La educación y el conocimiento de las artes generan un
entorno de ayuda entre profesores y alumnos simplificando métodos de profesores
innovadores, creando una sociedad educativa adecuada y más nivel de apego con la
sociedad.
38
2.2.2 Artes acústicas.
Se expresan a través de las melodías y se escuchan por medio del oído, estas se
expresan en la música, las que se constituyen de símbolos escritos.
Hablamos de acústica en la música, en dicho aspecto, para llamar a la perfección
enfocada en situaciones corporales de la música, sea en la creación, emitir o al escucharla.
En dichos análisis se consideran elementos subjetivos y objetivos.
La música acústica, en otro sector, es la creada con la utilización de corrientes
eléctricas de ningún tipo. Una guitarra acústica, de dicho modo, usa un cajón resonante
para emitir sus melodías, distinto a una conectada a corriente (que cambia las vibraciones
generadas en diversas señalizaciones de electricidad).
Figura 6. Arte acústica. Fuente: Recuperado de http://2.bp.blogspot.com/-lHPAuLX6tS4/Tlm9rLR9xKI/

AAAg/0SG4o0Q7QJg/s1600/orques.jpg
Además, se habla de contaminantes acústicos para referirnos a una de las
situaciones más fuertes de la actualidad, porque es uno que tiene consecuencias en el

39
bienestar sin darnos cuenta, solamente por pasar los focos de sonido o, aún más,
encontrarnos en estos por grandes cantidades de minutos.
Es fundamental indicar que los contaminantes acústicos es una respuesta que no se
puede evitar de la actualidad, y por ello es un reto muy amplio para las naciones. Se verá
seguidamente los focos más usuales de contaminantes acústicos:
• La Música:
- La música expresa sentimientos diferentes y hondos a los que la oyen. En respuesta,
es una manera de expresarse al grado de las pintura o poemas, de modo que
especialistas lo toman en cuenta como arte. Esta postura expresa que, así las
melodías se creen por complicadas formas de armonías, el factor de creatividad e
ingenio del creador en todo momento se toma como el elemento más significativo.
- La palabra en sí de música nace de Grecia, y tiene por concepto el arte de las musas.
Pues, partiendo de ello, hay algo claro: La música si es arte, de modo que hay
normas y orientaciones que se deben tener para desarrollarla.
- Pero, por su forma de ser arte, dichas orientaciones no son reglas, y se puede
desarrollar la música de la manera en que se nos presente.
- La música es el arte de ordenar los momentos con las melodías. Mas no la totalidad
de melodías (pero podría) sino un conjunto de melodías que ya se concretaron de
forma arbitraria.
- El objetivo de esta es dar una vivencia de sentimiento en el que escucha, pero va más
lejos de ello. La música genera sentimientos, las evoca; de modo que es una
situación muy, demasiado querido actualmente.
- La música posee muchas labores. Ejemplificando, se podría usar para entretener, o
demás como ambiente, de manera que gane riqueza naciendo de una creación en el
cine, por ejemplo.

40
2.2.3 Artes literarias.
La literatura es arte, de modo que trata, de forma fundamental en el control de un
objeto (en esta situación, el idioma), para generar cosas diferentes a los instrumentos de
inicio, dándoles una forma establecida.
Así como cada material del arte no tiene que estudiarse únicamente con palabras de
significado/significante, sino en palabra de modelo (“lo que desea expresar” una redacción,
en oposición a “lo que expresa”).
La creación literaria es plurisignificativa. O sea, mayor que un concepto, sirven
diversos conceptos al mismo tiempo, y posee diversos entendimientos. Eso no significa
que, pero, que podría ser todo material en el que piense un leyente en específico.
El grupo de conceptos se encuentra en unas limitaciones, que son el material de la
indagación de literatura.
No posee un objetivo práctico. Este es uno de los motivos por los que Román
Jakobson (lingüista, fonólogo de la literatura rusa) tomó en cuenta que era parte de un uso
del idioma distinto al resto.
Figura 7. Artes literarias. Fuente: Recuperado de https://fpalmareal.com/wp-content/uploads/2020/12/imagen-

3-1024 x 1024.png
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El arte se encuentra en la literatura. Frecuentemente, esta suele cambiar el entorno en
que se encuentra en nuestro mundo, y no da un sentimiento de placer y atracción, pero en
ciertas ocasiones podría crear preocupaciones y dudas. Dichos rasgos se encuentran
integrados en todas las demás expresiones de demostración de arte.
Uno de los límites que no poseen las demás expresiones de arte con esta es el
lenguaje, lo que la posiciona en un sector desventajoso en oposición a las demás
expresiones artísticas que no consideran dicho límite. Por ello, creo que sí, que esta es un
sector del arte, es la demostración de la persona por medio de los términos redactados.
El sector lógico va a la sabiduría de reflexión, y al sector de la sensación no conduce a las
más fuertes respuestas de sentimiento. De igual forma pasa cuando vemos unas pinturas,
oímos una melodía de música, una estatua o vemos la actuación teatral. El arte se expresa
por medio de diversas demostraciones y es por medio de la literatura y su supervivencia en
los años, en donde se puede sentirse identificado con demás tiempos a través de los
testimonios expuestos en los libros.
En la actualidad, ello está variando, el término en todo tiempo deja su significado
cuando hay otros modelos por medio de los que se puede expresar un término redactado.
Aun agrupando libros de modo virtual, así haya bibliotecas de datos, no va a ser
igual. Las emociones y sentimientos que genera el suceso de ingresar en un repositorio de
libros e inhalar el silencio, el olor de los cuentos que en este lugar descansan, el espíritu de
cada tomo y las historias que poseen, ello es insustituible.
El poder ser parte de un batallón literario, así sea redactando poemas o un libro, así
como todo modelo de expresión literaria nos aproxima a una de las maneras de
demostración de arte más complicada que existe.
Importante es subrayar que dentro de la literatura hay una definición importante
que funciona para lograr realizar una organización de las diferentes novelas. Nos referimos
a la palabra de género literario, que se usa para explicar los variados modelos de libros de
42
este modelo que hay, y que tienen por rasgo características semánticas, de formalidad y
fonología.
En definitiva, se puede expresar que hay como base, 3 géneros de la literatura. El
primero de los mencionados es el que se sabe con la denominación de lírica. En esta
conceptualización, se integran todas las novelas que se expresan por medio de los poemas
y están compuestas por versos. Entre los escritores más fundamentales de este se hallan,
ejemplificando, Rafael Alberti o Federico García Lorca, como el Romancero gitano del
último de los mencionados, además de novelas.
• La lírica. Los escritos líricos tienen por rasgo la demostración de la verdad de la
perspectiva de la persona. Expresan la vista personal e individual de la persona. En
estos el poeta usualmente demuestra sus emociones, ideas, formas de estar o
experiencias, pero además se les podría dar a otra persona distinta. Controla el trabajo
del primer individuo y el comportamiento no objetivo del que narra la obra. En la lírica
el modelo de expresarse perfecto son los versos.
• Rasgos de la literatura
- Nacimiento de la palabra. Literatura nace del latín Litterae (letras, literatura)
y Litterator (profesor de escuela), palabras que vienen de littera (letra) y de dicho
modo se relacionan con esta a un rango semántico. En el primer suceso ya que
integran al grupo de lecturas redactadas de valor estético e histórico, y en el segundo
ya que tiene por trabajo el enseñar el alfabeto.
- Antigüedades. La primera lectura literaria del mundo es la Epopeya de Gilgamesh,
un poema épico de nacimiento en sumaria, escrito en tablas de barro con redacciones
cuneiformes. Pero, como en gran parte de los escritos previos a la creación de la
escritura, es posible que este se expresara de forma verbal. Se cree que dicha
creencia provenga de los años 2800 previos a Cristo. Algo parecido sucede con la
43
Ilíada y la Odisea, epopeyas de fundación helénica dadas a un aedo de denominación
Homero, el que se acusa con frecuencia de ser parte de la esclavitud ciega de los
años VIII a.C. Lo verídico es que los 2 poemas se toman en cuenta, además de
variados relatos que después sirvieron de inspiración a dramaturgos de Grecia
(Sófocles, Eurípedes y Esquilo), como la roca de fundación de la literatura del
Occidente. Hay costumbres viejas además en sociedades milenarias como China,
donde su costumbre en poemas comienza con Qu Yuan y su escrito Lisao (Dolores
lejanos) en la dinastía Shang (1765 a 1122 a.C.).
• Géneros de la literatura. Actualmente, se poseen 4 maneras literarias que se pueden
realizar, llamadas géneros de la literatura: los poemas, la narración, los dramaturgos y
los ensayos. En todos estos podría existir diversas ideas, creaciones y costumbres.
- Narración. Los escritos narrativos son los que cuentan una historia. Siendo cortos
(cuentos, microcuentos) o extensos (novelas), o además de no-imaginación (crónica).
- Poemas. Se comprende por poesías, del modelo que sea, los escritos de reflexión o
descripción que, en vez de contar un suceso o expresar de forma clara cierto modelo
de pensamiento, quieren expresarlo naciendo de metáforas y el juego de lenguas.
- Dramaturgia. Denominados dramaturgia a los escritos llamados a ser expresados de
forma teatral, de modo que tienen una organización completamente diferente a los de
narración (no poseen narrador).
- Ensayo. Los escritos de ensayos discurren de forma poética en relación a una
temática de motivación, se puede expresar que, expresan un conjunto de
pensamientos claramente, y un modelo de exposición individual
• El término poético. Opuesto a lo que se cree, no hay un idioma “más literal” o “más
poético” que los demás, ni términos más usados en los poemas que otros. La distinción
entre idioma poético y el de utilización usual está más en su uso que en su escogencia:
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no se habla de que los textos literarios se encuentren. Escritos en un idioma
rimbombante o muy buscado, es más, diversas de estas se encuentran en un idioma
usual que seguidamente se parece a lo oral. La distinción se halla, de acuerdo a analistas
de la temática como Roman Jakobson, en que el idioma usual actúa como un camino
translúcido, con transparencia, por medio del que aludir y expresar la verdad, y el
idioma poético halla en sus opaques su motivo de ser, logrando que lo notemos de
modo personal en que se escribió. Existe mucho de juego en la acción poética, de
cambios deseados y de variación de sentimientos.
• Verosimilitudes. Lo verosímil es un rango fundamental para los textos de literatura,
sobre todo en la narración. Los leyentes, al comenzar una obra, suscriben un acuerdo de
suspensión por un tiempo de la no credulidad (o acuerdo metaficcional), el que logra
leer relatos no ciertos como si lo fueran, más que al cerrarlo regresarían al mundo de la
imaginación. De dicho modo, el acuerdo pide al leyente entender como verídico lo visto
en el texto, siempre que este no se lo haga imposible. Ahí donde la verosimilitud, o sea,
la igualdad con la realidad, tiene un rol importante. Una lectura literaria va a ser
inverosímil entendiendo de que debe influir en el leyente de que esa realidad que le da
puede existir, así se hable de un mundo increíble. Y ello se logra con respeto a sus
mismas normas, o sea, siendo parecido así por arriba de los otros conceptos. En ocasión
opuesta, se está frente a una lectura inverosímil, que parte el acuerdo de ficción y, por
ello, saca al leyente del encanto del arte.
• Gratuidades. Igual que las demás artes, la literatura no posee la meta determinada y
algún uso. Si bien podría utilizarse como camino para la organización de ideas,
educaciones o sentimientos, la verdad es que la literatura no se constituye con algún
objetivo específico más que el de no dejar de ser literatura.

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• Concepto literario. Se denomina de esta forma al análisis de la ciencia dada de los
cambios de organización del discurso de literatura. Los primeros acuerdos en relación
con ello van desde Platón y Aristóteles, yendo por los amplios analistas occidentales,
los que ayudaron a la literatura para dibujas sus ideas. Conjuntamente con las críticas
literarias y el lenguaje forman la temática de los estudios literarios.
• Crítica de la literatura. Se llama con esta denominación a la actividad de valor y
organización de la generación literaria en una nación en un tiempo determinado. Posee
un papel de divulgación, por medio de escritos y artículo textuales, además de uno de
legitimización, al dividir los textos importantes de los que no se necesitan, tomar en
cuenta herencias, relaciones y organización del corpus literario de un país. Además, con
el pensamiento literario y el lenguaje forman la terna de los estudios de literatura.
2.2.4 Artes compuestas.
Los artes compuestos son la mezcla de las artes mencionadas (acústica y plástica)
son tomadas por medio de variados modelos, entre las que se encuentran la actuación, las
dramatizaciones de música, danzas y poemas.
• Teatral. Sector del arte de escenario conectado con las dramatizaciones, que expresan
redacciones delante de un público utilizando una mezcla de discursos, gestos en el
escenario, sonido, melodías y actuaciones.
• Factores fundamentales del teatro. El teatro, tal como se observa, integra un globo
organizacional del cual sus diversos factores crean un sector que no se disuelve. Dichos
factores, pero, tienen todos ellos rasgos y normas dadas y, en relación del tiempo, de la
forma de ser del director y demás situaciones, es usual que se dé a alguna más
importancia en este grupo.
• Géneros del teatro. El teatro, ha ido variando en diversos géneros y subgéneros. Los 3
fundamentales son las tragedias, comedias y dramatizaciones.

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- Tragedia: Uno de los amplios géneros del drama en la literatura. Textos que
expresan una ejecución de la persona funesta, que seguidamente concluye al morir.
Su objetivo es ser conmovedor para el público, generar una reorganización del
espíritu naciendo del morir.
- Comedia: Otro de los amplios géneros del drama que nació en la Grecia Antigua.
Usualmente se le denominó por 3 elementos que están en oposición a las tragedias:
personas con rangos menores, conclusión alegre y desea generar en el público risas.
Se dirige a la verdad usual de las personas simples.
- Drama: En un sentir global, el drama es el modelo de literatura usado para los
teatros, así la lectura no se represente. En los años XVIII, el drama se cambia en un
género del teatro individual que se expresa como conclusión o intermedio de las
comedias y tragedias. Actualmente, designa el género del teatro que posee por rasgo
la combinación de géneros y subgéneros. Algunos críticos usan el término dramas
para todos los teatros que no se relacionan con algún subgénero específicamente y
que junte cada uno de los modelos del teatro
Figura 8. Obra teatral la vida es un sueño. Fuente: Recuperado de https://i.ytimg.com/vi/

7PKbP9IOebY/maxresdefault.jpg
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• Organización del drama. Los textos del drama se separan elementalmente en
actuaciones y escenificaciones, pero ciertos no poseen esta separación. La adecuada
organización del drama es importante en el conjunto de acciones que son fundamentales
para una pieza de teatro eficaz. Todas las características de la ejecución tienen que estar
establecidas por la conclusión la que se moviliza. En el acto primero, es la situación; en
el segundo, enlace de las acciones; de suerte que, hasta la mitad del tercero, apenas haya
un juicio.
• Acto. Modelos de separación de una obra de teatro en relación al suceso de la ejecución
y del momento. En ciertas ocasiones, el criterio antes del dramaturgo es el tiempo, más
usualmente la división señala las diferentes fases de la ejecución, que de dicha manera
se ven organizadas y relacionadas entre todas. En dicho aspecto se tiene que tener en
cuenta:
- Inicio del problema.
- Realización del problema.
- Clímax y el reconciliarse.
Todos los actos pueden encontrarse separados al mismo tiempo en una o
diversas escenificaciones o dejarlas de lado. La cantidad de actos cambia, pero lo más
común es que en un teatro se tenga dos o tres. Pero, existen ocasiones de una sola
actuación o de sectores que poseen cinco o seis. El modelo para indicar una variación
de actos en un escrito de drama es el término telón. Una exposición concluye cuando se
van cada uno de los individuos o al generarse una variación notoria en el seguimiento
del lugar y tiempo.
• Escena. La conclusión escénica de forma histórica ha pasado por una seguida
ampliación de sentidos. Ha sido igual el espacio de la ejecución que todas las divisiones
de un acto. De esta forma se tiene que una escena está constituida por todas las
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separaciones de un acto en que no mezcla el espacio de la ejecución. En un drama,
todas las escenas se relacionan con lo que pasará luego.
• Cuadro. La organización de cuadros no es usual y no es parte del modelo de
acto/escena, el que funciona de forma preferente en el sector de la ejecución y del
ingreso de los individuos. El cuadro es un modelo de división desde la perspectiva de
las amplias variaciones del lugar, entorno o tiempo. En cada uno de los cuadros se les
da generalmente un ambiente individual.
• Acotación escénica: Así como se muestra, la acotación es la totalidad del texto hecho
por los participantes, usualmente está en cursiva o sombreado) que determina las
cualidades de la escenografía. Lo cual requiere de las acciones de los participantes, sus
gestos, es muestra igual de cómo se sienten, lo cual lo forma como una ayuda en la
tensión del drama. Las acotaciones escénicas al principio de los actos tienen mayor
amplitud dado que se detallan de las cualidades decoradas en donde se dará una
actividad.
• Diálogo. Viene a ser la base de estructura de una pieza de drama en el entorno de mayor
riqueza de expresarse de los actores, tenía una facultad razonable, una lógica
relacionada con el desarrollo de la actividad. En un escrito del drama, el diálogo
muestra el carácter de los participantes, y además indica cómo son y cómo serán más
adelante. Tiene que ser un estímulo para lo que hagan, el diálogo determina al
dramaturgo el dilema de la manera de cómo hablar del pasado, o cómo puede entrar en
el pensamiento para saber lo que piensa el personaje. La falta de un narrador, que, en un
género de literatura como las novelas, cubrían dichos requerimientos, hace que se
necesite diferentes herramientas.
• Coro. En el teatro de la Grecia antigua, esa situación se mejoraba con un coro, que
venía a ser un personaje extra agrupada sin otro objetivo que en la obra comenten todo
49
acerca de lo que se mostró en esta, venía a ser como se expresaba anímicamente, de un
ambiente que englobaba a este y a los demás.
- Dramas musicales. Género donde la base es el avance continuado de la actividad
del drama, dando menos relevancia a las continuaciones cerradas de las raras, entre
otros.
• Danza. Clase de arte en la que se ve la lindura mediante el moverse y la rítmica de la
persona, usualmente con música, como manera de expresarse, de interactuar con la
sociedad, con objetivos de arte, diversión y religión.
Figura 9. La danza tradicionales o folclóricas. Fuente: Recuperado de https://lh4.googleuserc

ontent.com/AWz0IW77u5r8rmgQgfdStxiaP0sGSmEaaffUO
La danza se ha vuelto ahora en una expresión artística que usa a la persona para que
transmita emociones, una acción del cuerpo es un utensilio relevante para el
descubrimiento de la historia que se ha contado a través de esta, los símbolos, las
representaciones de la sociedad, costumbres, entre otros elementos, hasta ahora y ser un
arte con la capacidad de generar cultura, en el ámbito social, extender fronteras y
diversificar la vida dando bienestar de la mente y del cuerpo en la persona.

50
La danza ha logrado una certera identidad en la comunidad, como su religión, que
junta a diversos factores de tradición de la comunidad, como sus religiones, su ritmo, como
se expresa el cuerpo para separar fronteras, las acciones lúdicas, competiciones, platos
típicos, bebidas, muestra de la cultura literaria, vestimenta y diversos elementos que
detallan la cultura de una comunidad.
Una de las elementales comparaciones del tiempo de ahora y los previos hablando
de la danza, es que actualmente es una clase de danza de costumbre dirigida a la
comunidad y no a la religión. El ambiente de la globalización consigue que es una
expresión y se tome de ciertos países respecto de su comunidad, convirtiéndolo en su estilo
de cultura y otorgando como respuesta lo que se tiene como danzas o bailes.
Concluyendo, la danza es el requerimiento del alma, con lo que se viaja a las
emociones hondas para transmitir sentimientos, arte que da salud completa a los individuos
dándoles felicidad y salud.
Esta es la actividad o forma del baile, es acerca de hacer movimientos según la
música que haya que deja que se expresen emociones y creencias. Se piensa que esta fue
de las primeras formas de mostrar el arte en la época antigua del hombre.
Es relevante indicar que las danzas poseen su nacimiento en la prehistoria dado que
en todo tiempo las personas han tenido el requerimiento de mostrar lo que sienten y no
solo hablando, además de eso también a través de lo que viene a ser una forma de
expresarse con el cuerpo. Pero, en dichos nacimientos, la persona iba a la danza como
porción elemental de la religión o para fecundar o pelear en batallas.
La danza requiere de la combinación de diferentes factores el accionar de la
persona necesita un buen control del lugar y nociones de ritmo. La intención del que danza
es que lo que haga vaya acompañando la música, es decir, con un ritmo suave y normal
necesiten de pasos de baile del mismo tono.

51
La expresión del cuerpo también se ayuda del vestuario que tenga cada una.
Es relevante considerar que el manejo del ritmo o de la utilización del lugar es
posible que cambie respecto de la danza que se tenga. Otros elementos que hacen mejor a
la muestra del arte son, por ejemplo, los gestos y el cantar.
Muchas son las clases y géneros de danzas que hay, pero, elementalmente se
separan en 3 partes:
• Danzas tradicionales y folclóricas. – De esta forma, se tiene a las que están con esta
determinación y son las nacidas de la cultura popular de un poblado y que son parte
elemental de su diversidad étnica, entre las cuales se encuentran, el tango, los bailes de
salón, etc.
• Danzas clásicas. - Desde años antiguos hasta ahora se baila esta clase de danzas que se
reconocen porque los que lo realizan tienen que moverse de una manera ligera, con
armonía y de manera perfecta en la coordinación de sus acciones. Aquí encontramos al
ballet y otros.
• Danzas modernas. – La juventud es la que hace esta clase de danzas y lo practican, en
varias ocasiones, se entienden o asocian a una clase de vestimenta. Entre las diferentes
están el break dance, el popping, el funky, el jumpstyle, el moonwalk o incluso el rock
and roll. Se determina como coreografía a una formación de acciones ya establecidas
que se desarrollan al momento de realizar ciertos bailes. Las coreografías mencionan
los movimientos que deben hacerse al bailar, es acerca, de acciones que no tienen
espontaneidad, sino que van acorde a algo establecido. Estas requieren de mucha
importancia en los espectáculos de baile en los que los que lo desarrollan van al
escenario con el deseo de proponer arte en lo que danzan. Las que son de rituales o los
que son informales, por otro lado, no suelen obedecer a alguna coreografía, en esas
ocasiones; los danzantes escogen cómo moverse o de qué manera hacerlo.

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• Características de la danza
- Estética. La danza viene a ser una táctica estética relevante para las personas, por lo
cual los que bailan se adornan, y llevan vestuarios que ayudan o forman la
vestimenta en su totalidad. Esta además repercute en las acciones, actualmente
incluso se usan de manera amplia coreografiadas.
- Coreografía. Esta palabra quiere decir específicamente escritura de danza (coreo=
danza) (grafía = escritura). La coreografía es la base de la danza y bailes estudiados.
Las coreografías deben ser de índole de prácticas, que se van a transmitir de
diferentes generaciones sin transformaciones y con coreografías especiales y de
ocasiones para momentos determinados.
- Danza folclórica. Esta es parte del folclor de cierto lugar, no posee mucha evolución
y es posible que vaya junto con diferentes ropas especiales y música de la misma
manera, además son antiguas.
- Danza biológica. Pese a que sea raro y poco usual, hay esta case de danza y es la
que realizan ciertos animales, aves en su mayoría, para el momento de aparearse o
buscar una pareja, puede que haya cierta reticencia de dicha forma, pero los bailes o
danzas de dichas criaturas son específicamente danzas que se han guardado por
generaciones.
- Danza religiosa. – Es la que es posible encontrar motivada por las religiones y
pueden ser bailables en reuniones y en todo momento hacen alusión a una religión en
específico.
- Danza académica. – Esta es posible su distinción de manera que posee técnicas y
procedimientos establecidos de educación, en esta es posible que se pongan la
totalidad de los anteriores, menos la biológica.

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- Danza clásica. – Esta es el base a las cortes o la nobleza definida en las eras
antiguas, pertenecientes a Europa, en especial en el país francés, italiano, inglés,
español y portugués.
- Danza regional. – Esta es la que está enfocada en lugares específicos, regiones y no
hay o puede encontrarse en algún otro.
- Danza popular. – Es la que se encuentra hecha por los pobladores de cierto lugar
lejos de las clases superiores, es posible que posea rasgos de la religión, el folclor y
de la tradición del lugar.
- Danza contemporánea. - Esta es la que se encuentra expresada en el siglo veinte y
veintiuno, lo cual es actualmente, su diversificación es mucha habiendo africanas,
como también rap, entre otros.
- Danza moderna. – Esta es la que se conforma por el ballet clásico y la manera
alternantes y separadas de esta, es posible determinar límites ya especificados, pese a
que aún existen normas para esto, esta es la danza de mayor uso para el desarrollo de
coreografías, y es posible indicar en los conciertos en las que las coreografías van a
ritmo de la música que toque el autor.
- Danza de festejo. – Viene a ser solamente una parte de la danza de ritos, en la que
no hay manera específica una ceremonia, esta se usa como espectáculo y hace de
relación comunicativa para expresión del cuerpo, esta es diametralmente lejos de lo
que se pone en ciertas ceremonias místicas.
• Poesía. Viene a ser un texto hecho de manera especial en donde sus frases se parten en
los reglones los cuales se denominan versos. Viene a ser un texto corto que utiliza
imágenes, metáforas y leerlas de manera asidua requiere de pensamiento de sistemas,
no solo en la lengua hablando formalmente, sino además en la interpretación, que no
vuelven entendedores de lo que es la utilización de la lengua, debido a que cada

54
interpretación es posible que vaya junto con cuestiones como ¿Qué factores lo basan y
cómo es posible ver si lo que yo entiendo está bien o mal? La primera cuestión nos
lleva al texto mismo y cómo esté asociado, que le da forma al texto. La siguiente nos
pone con el escritor, lo que usó, sus costumbres, estilo, sus dificultades y biografía.
Leer poesía es estudiar para la metodología de la hermenéutica y al tenerla, nos
adentra en los entornos que conciernen al reconocimiento de lo que quiere decir. La
comparación de un lector en sus comienzos y otro de mayor sofisticación viene a ser la
metodología, la habilidad de dar contexto y clarificar las cosas que se tienen como
repetidas o se pueden entender diferente.
Otro factor relevante es continuar con el autor en toda la obra, leer su biografía
individual, saber sus tiempos y manera de dar sentido y en ese entorno la crítica de la
literatura es convertida en una herramienta interesante, también de lo que el que escribe
nos ha dicho de él mismo. Leer poesía es en verdad ver al escritor en su privacidad
máxima, es ver a quién está escribiendo, es sentir como él lo está haciendo y esa fuerza
de empatía es lo que se puede determinar como el alma de los poemas. En otras
palabras, la habilidad de dar un espacio personal sin parpadear y hallar contestaciones
novedosas a las cuestiones que teníamos y tenemos repetidas en la vida como, por
ejemplo ¿Qué es lo que quiere decir amar? ¿Qué es lo lindo, los amigos, el sentir?
Relacionado a diferentes otras cosas dichas.
La poesía además tiene intuición, es cultural en la forma que la totalidad de lo
que se percibe y nomine en el planeta es porción de un sinfín de interpretaciones
relacionadas, y para comprender un texto, se tiene que mojar con la totalidad de los
colores y relaciones que estos logren conseguir. Y de esta manera, los poemas tienen la
habilidad de comprender la interpretación y lo que cuentan, que lo llevan como podría
decirse, como carne al hueso.

55
Una vez, años atrás, en una reunión, una persona hizo la pregunta a Pablo
Neruda cuál era la razón de su poesía Oda a García Lorca “…por qué en ti se pintan de
azul los hospitales y crecen los colegios y los barrios del mar…” ¿Por qué ese color?
Neruda no contestó y se molestó, diciendo que merecía libertad de poesía, pero el color
azul en esta ocasión se relacionaba perfectamente, el cielo, el mar, dado que fue la
voluntad buena de Lorca abrir hospitales, sus entradas y se había encontrado cerca de
los que requerían sanidad y los que estaban mal, dicho significado se confirma por las
posteriores frases de la poesía
“Y crecen los colegios y barrios del mar, y se llenan de plumas los ángeles
heridos, y se tapan de escamas los peces nupciales”.
El término azul es usualmente relacionado con algo triste, pero es posible que se
diga, como en esta ocasión, infinidad.
Actualmente, es posible poner en los cines o en las televisiones como muestras
de arte, porque muestran también la cultura y lo artístico, generalmente.
Figura 10. Recital poético. Fuente: Recuperado de http://diariolaregion.com/web/wp-

content/uploads/2014/03/teatro-recital-ni%C3%B1os.jpg
56
Capítulo III
Visión contemporánea del arte
3.1 El arte contemporáneo
El arte contemporáneo es la agrupación de muestras del arte nacidas partiendo del
siglo veinte.
De esta manera, la definición de arte contemporáneo varía de acuerdo con los años.
Lo cual quiere decir que lo artístico que se da en alguna etapa de la historia es
contemporánea a quienes vivieron en ese tiempo. Por ejemplo, las muestras artísticas de
Da Vinci son contemporáneas para quienes coexistieron con él.
Sin embargo, hay 3 determinaciones que especifican el tiempo partiendo del que se
puede determinar cómo contemporáneas las muestras de arte del tiempo en el que estamos
nosotros, estas 3 son: arte y edad contemporánea, arte contemporáneo y el vanguardismo,
y el arte contemporáneo y la posmodernidad.
3.1.1 Arte y edad contemporánea.
Uno de los criterios más amplios es la de vincular el comienzo de este arte con el
comienzo de la edad contemporánea, terminando el siglo dieciocho con la revolución
ocurrida en Francia (1789-1799).

57
De esa forma, este arte empieza con el romanticismo que se detalla por el énfasis
en la liberación, personalidad, sentimientos subjetivos.
3.1.2 Arte contemporáneo y vanguardismo.
El segundo elemento para determinar un arte como contemporánea viene a ser el
arte que ocurrió partiendo de la eclosión de la vanguardia de los comienzos del siglo XX.
Dichas muestras de arte se diferenciaron por mostrar, formalmente como también
de manera conceptual, diferentes pensamientos que cambiaron la definición de lo artístico,
la separación con lo tradicional o su crítica y vivencia.
Ciertas acciones del arte de esta clase de importancia, de esta manera, vienen a ser
por ejemplo el dadaísmo, fauvismo, expresionismo, neoplasticismo, cubismo, futurismo y
el surrealismo.
Figura 11. Representativa del arte contemporáneo y vanguardismo. Fuente:

Recuperado de https://artmiamimagazine.com/wp-content/ 2017/08/Arte-
contempora-y-moderno-ivam.jpg
3.1.3 Arte contemporáneo y posmodernidad.
Para finalizar, hay el elemento número 3 que nos permite ver desde cuándo
comenzó este arte, en el nacimiento de la posmodernidad, o cuando finalizó la Segunda
Guerra Mundial ocurrida en los años 45.

58
Este es reflejado en la 2da ola de la vanguardia de dichos años, formada por
acciones como el arte pop, el novedoso realismo de Francia, el arte que era conceptual, el
minimalismo y expresionismo abstracto, de igual manera que el hiperrealismo, la
neofiguración, el arte de la calle o urbano, entre otros.
3.2 La visión del arte contemporáneo
Durante las últimas tres o cuatro décadas, se ha gastado mucha energía para forjar
un nuevo término cultural que puede superar el de arte moderno. Cada intento ha fracasado
debido a que han confiado, a sabiendas o no, en aspectos cruciales del paradigma cultural
modernista. Irónicamente, esto ha sido particularmente cierto cuando la oposición a lo
moderno ha sido de lo más hostil.
De una forma algo confusa, el término “contemporáneo” designa el arte que puede
tener algunas décadas, mientras que el modernismo designa una actividad cultural que es
mucho más antigua.
Pascale (2005) cree que:
Ha habido un cambio trascendental: un cambio mundial de lo moderno a lo
contemporáneo. El arte contemporáneo no es solo arte que ocurre ahora; es
sísmicamente diferente del arte moderno y el arte posmoderno, y esta
transformación necesita ser explicada y entendida (p. 36).
Así, intenta proporcionar una explicación ofreciendo un relato histórico del
surgimiento y la división del arte contemporáneo en topologías que dan cuenta de su
diversidad. En primer lugar, delinea las corrientes clave dentro del arte contemporáneo. La
'primera corriente' se halla en el límite mayor de la secuencia escalonada del mundo del
arte y comprende tres sub corrientes: una mezcla inquietante de 'espectacular repetición de
59
tácticas de choque de vanguardia ', una tendencia a la 'remodelación’ y el 'retro-
sensacionalismo'.
Figura 12. El arte contemporáneo. Fuente: Recuperado de https://ep01.epimg.net/elpais/imagenes/

2020/02/21/icon_design/1582281962 _normal.jpg
Pascale (2005) señala que
Este 'espectacularismo', no es incluso limitado al arte; arquitectos, como Frank
Gehry, y Santiago Calatrava, encajan fácilmente en esta categoría. Si bien esta
amalgama parece tener poco en común, considera que toda esta corriente está
contribuyendo colectivamente a una 'estética de la globalización'.
La ‘segunda corriente’ es el llamado arte poscolonial, donde "no hay movimientos
artísticos ", sino que es un arte moldeado por "diversidad, identidad y crítica".
Más abajo en la escala, localiza una contracorriente que es 'específica, pequeña y
modesta’; presumiblemente, esto es el nivel de lo contra institucional, iniciativas
dirigidas por artistas, colectivos locales e iniciativas a nivel de suelo. A menudo
contracultural y contra global, este nivel de operación suele ser más transitoria o
incluso virtual en sus prácticas y operaciones. Estas características definitorias
están lejos de ser coherentes; de hecho, están más a menudo compitiendo o en

60
desacuerdo entre sí. Esto suscita la pregunta: ¿qué hace que el arte contemporáneo
sea contemporáneo? (p. 128).
Después de todo, el arte en cualquier momento particular en el tiempo siempre ha
sido contemporáneo, y todo el arte es, por definición, arte que está ocurriendo ahora. ¿Es
posible, entonces, tener una permanente condición de lo contemporáneo? Se admite
libremente que hay una tensión al intentar dibujar los contornos de algo que se dice que se
diversifica y prolifera exponencialmente e incluso se insinúa que el arte contemporáneo
podría incluso eludir las típicas clasificaciones conceptuales del historiador del arte.
Se afirma, entonces, que la actual 'imagen del mundo' permanece 'formado por la
fricción entre antinomias tan intensas que se resiste a una generalización universal, se
resiste incluso a la generalización sobre esa ´resistencia'. Sin embargo, la 'imagen del
mundo' contemporánea está 'lejos de no tener forma'. Es importante para discernir su
forma tener claro que según la visión contemporánea el arte significa algo significativo y
que la historia burguesa moderna ha llegado su finalización, y, a medida que avanza la
globalización en cámara lenta, el arte contemporáneo se ha convertido, quizás por primera
vez en 'el arte del mundo'. El arte contemporáneo tiene un significado social o político más
amplio, pues el tema de la contemporaneidad no está exclusivamente relacionado con la
historia del arte o las bellas artes.
Por tanto, lo que hace que lo contemporáneo sea contemporáneo es un tema más
amplio que el arte. Hoy, abundan numerosos formatos para que los artistas trabajen y
muestren su trabajo, y, así, piensan en los museos 'como un sitio de eventos entre muchos';
esta movilidad es reciente. Además, casi todas las sociedades se han vuelto
'predominantemente visuales' y está impulsado por la imagen, el espectáculo, la atracción y
la celebridad, y los artistas deben tener en cuenta este impacto visual en una escala lejana
más allá de lo que sus predecesores tuvieron que hacer frente.

61
La sociedad se enfrenta a una nueva escala de economía de la imagen que está
formada y remodelada por una constante lucha entre las urgencias viscerales de inervación,
por un lado, y la deriva debilitante hacia la enervación en el otro. Si las fuerzas que dan
forma al mundo contemporáneo son las de inervación y enervación, entonces estas
características que dan forma a lo contemporáneo son: la comunicación instantánea, la
desenfrenada economía de la imagen y la proliferación de medios de comunicación e
información, comunicaciones y tecnologías.
Lo mencionado no se puede concebir como una sencilla progresión de un sistema a
otro o incluso como un avance. El mundo contemporáneo que se retrata es, por lo tanto,
complejo y contradictorio, y para ordenarlo, es necesario adoptar un enfoque taxonómico,
creando clasificaciones y subclasificaciones, con el objetivo de ser distintas y específicas.
Hay también una predilección por tríadas terminológicas superpuestas para poder conducir
a un tratamiento esquemático de las prácticas artísticas.
El impulso de exponer la ineptitud institucional en lidiar con el arte contemporáneo
en sí conduce a las fusiones reductivas, especialmente cuando las obras de arte se tratan
como meras listas dentro de su itinerario en rápido movimiento.
Según Pascale (2005):
Hoy en día hay un grado de autocontrol y un elevado examen reflexivo, que es una
condición contemporánea: ¿Qué hace que estas preocupaciones sean distintas de las
preocupaciones contemporáneas del arte anterior? Principalmente que son
abordadas, explícitamente, aunque más a menudo implícitamente, no solo por cada
obra de arte a sí misma y a su contemporánea sino también, y definitivamente,
como un interrogatorio a la ontología del presente (p. 77).
Sin embargo, esta explicación no es considerada completamente convincente, ya
que incluye ‘esperanzas anticipadas' en su lista de formas comunes de arte en la actualidad

62
(Achieng'Rabari, Chisikwa y Okwach, 2012). La única explicación alternativa factible es
más polémica: lo que diferencia la situación actual es el cuestionamiento más intenso de la
situación contemporánea en el arte actual. Pero, ¿cómo juzgamos si somos más
conscientes de nuestro predicamento que lo que cualquier generación anterior ha estado en
cualquier otro punto en el tiempo?
La respuesta de Pascale (2005) define la condición de contemporaneidad más
directamente como una experiencia única y simultánea: 'todo ocurre, hoy en día, en el
mismo tiempo', excepto que esta experiencia está impregnada de diferencia: nos hemos
vuelto más intensamente conscientes de esta presencia de diferencia todos a nuestro
alrededor. El argumento principal no es menos equívoco. Si lo contemporáneo equivale a
una ruptura de paradigma, debe constituir un fenómeno distinto al del modernista o de las
culturas tradicionales.
La alineación de lo contemporáneo con el 'giro poscolonial', sin embargo, inclina el
argumento a favor del pensamiento que una ruptura cultural no solo es útil, sino también
progresiva. Irónicamente, la adopción de la comprensión formalista del modernismo, así
como su refutación, constituye un problema, ya que los detractores del modernismo
reiteran regularmente la definición formalista para denunciar el modernismo en su
conjunto, lo cual es un cliché muy gastado y repleto de estereotipos históricos. Basta una
vista superficial del revoltijo de atributos y desafíos típicos generalmente asociado con lo
moderno para discernir cuán limitada es esta vista: experimento formal, dislocación de
sintaxis convencional, infracciones radicales de decoro, alteración de la cronología y orden
espacial, ambigüedad, polisemia, oscuridad, alusión mito poética, primitivismo,
irracionalismo, estructuración por símbolo y motivo en lugar de lógica narrativa o
argumentativa, etc. Esta lista también revela lo difícil que es equiparar estos atributos con
una vista esencial de la modernidad. Pero, el impasse no deriva simplemente de asociar lo

63
moderno con todo lo cultural y críticamente redundante y maligno. Al denunciar lo
moderno, los defensores de nuevos términos intentan regularmente seguir adelante
reclutando un vocabulario crítico-culturales a su causa.
Muchos de los atributos mencionados en el párrafo anterior eran para un tiempo
asociado con lo posmoderno, alter moderno, poscolonial o contemporáneo. Sin embargo,
la mayoría de estos atributos derivan del modernismo, si no del romanticismo francés o
alemán, empero se usan con frecuencia para anunciar los últimos avances culturales-
artísticos. En resumen, los esfuerzos para reclamar cualquier avance en la cultura
modernista desde la década de 1960 han fracasado, porque de una forma u otra han
utilizado precedentes modernistas para intentar superar lo moderno. Los desafíos de la
descolonización son profundos en significado e, igualmente importantes, son las
afirmaciones de la poscolonialidad del arte, y antes de eso, las afirmaciones de la igualdad
de género, y más recientemente los de preservación ecológica, que señalan el límite del
desenfreno industrial al que nos ha llevado la modernización tecnológica.

64
Capítulo IV
Teoría de la creatividad
4.1 La creatividad
El proceso de la creatividad es de las potencias de mayor elevación y dificultad de
las personas, requiere de capacidades de la mente que consiguen agrupar los
procedimientos mentales de menor dificultad, hasta los que se conocen como mayores para
el alcance de algo nuevo.
La creatividad ha estado siempre en nosotros, es una capacidad de la persona, por
lo que se relaciona a su esencia. Pero, por diferentes años, la creatividad como definición
fue ignorado como tema y por eso no se analizó demasiado, es recién hace poco que nacen
algunas teorías nacen un se encargan de hondar más en dichas cosas y se hacen análisis y
estudios acerca de lo que es la creatividad. Comenzaremos indicando y analizando ciertos
pensamientos relacionados con esta definición, es un término que se halla puesto o
entablonado como neologismo inglés normal, pero, dicho entendimiento no se tenía valido
en los diccionarios de Francia que eran comunes, y de la misma manera, no era posible
encontrarlo en el diccionario de la Real Academia Española (RAE, 2014), así como la
definición que ahora nosotros consideramos a la creatividad. Se determina en versiones
actuales y de ahora cuando se incluyó la determinación de creatividad como otros

65
conceptos a los diccionarios. De esta manera, en la edición de 1992, en la página 593, la
RAE lo determina como: la habilidad de inventar, habilidad de hacer inventos, sin
embargo, la Real academia de Francia tuvo una discusión acerca del aceptar o no dicho
vocablo y terminó negándole la posición. Actualmente, está puesto de manera general y su
uso, como es posible verlo, se da en todo el mundo.
Deleuze y Guattari (1991) distinguen tres dominios principales o 'planos que se
cruzan' en el que la creación o creatividad puede ocurrir:
• La filosofía, en la medida en que está involucrada principalmente en la creación de
conceptos, sistemas abstractos de mundos virtuales.
• Arte, incluida la literatura, en la medida en que está involucrado principalmente en la
creación de afectos, encarnaciones sensoriales de posibles mundos.
• La ciencia, en la medida en que interviene principalmente en la creación de
percepciones (encarnaciones sensoriales de mundos funcionales). Las palabras clave
aquí son 'en la medida en que' y 'principalmente', porque en cualquier ejemplo,
especialmente el más significativo y valioso (es decir, el más 'creativo'), lo que ocurre
realmente es una superposición de dominios: los tres modos de pensamiento se cruzan y
entrelazan de manera que se pueda establecer un rico tejido de correspondencias entre
ellos. Es acuñado el término heterogénesis para esta actividad direccional y
multidimensional de la creación
El aspecto crucial de una generación tan creativa es que implica tipos de
transformaciones intrincadamente interdependientes, pero estrictamente impredecibles.
Como resultado, incluso si se conocen las diversas entradas, los resultados precisos
no pueden conocerse de antemano. En resumen, se describe el complejo concepto de la
creación así: “uno de los elementos puede aparecer sin que el otro esté por llegar, aún
indeterminado o desconocido. Cada elemento creado en un plano llama a otros elementos

66
heterógenos, que todavía están por crearse en otros planos: el pensamiento como
heterogénesis (Deleuze y Guattari, 1991).
Un término más general utilizado para describir el proceso de creación es el
llamado caosmos, tomado del novelista James Joyce, quien lo acuñó en Finnegans Wake, y
definido como 'un caos compuesto' (Eco, 1989). Eco, observando que Chaosmos es una
palabra inventada por James Joyce en el que tienes este sándwich entre cosmos, que
significa estructura ordenada y caos. El término es de gran riqueza, ya que capta
nítidamente la paradoja de muchas visiones de la creación y versiones de la creatividad,
tanto antiguo y moderno: las formas en que los tipos de orden (cosmos) emergen de tipos
de desorden aparente (caos) y, a la inversa, la tendencia de clases de orden aparente a
disiparse en desorden, que a su vez puede disolverse o resolverse en otras formas de caos y
cosmos.
Claramente, lo que está en juego es una concepción mucho más amplia y mejorada
de la creatividad. Con igual claridad, estas investigaciones van mucho más allá de las
perspectivas de nuestros anunciantes de automóviles, porque, como observa Deleuze, la
actividad de vender es el pensamiento supremo del capitalismo (Deleuze, 1995).
Como filósofo, su respuesta es defender el tipo de radicalismo creación de
conceptos representada por términos tales como heterogénesis y caosmos. Pero él también
es consciente del papel crucial que deben desempeñar en este proyecto conjunto los efectos
del arte y las percepciones de la ciencia. Algunos de estos últimos están representados en
el croquis de ciencias contemporáneas arriba. Otros, proceden de las artes y estética tal
como se concibe tradicionalmente y se reconfigura radicalmente. Todos proporcionan
alternativas completas y antídotos para el tipo de estética de la mercancía que domina la
escena cultural contemporánea. Para ser más precisos, todos ofrecen formas de ver y
valorar -revisando y revalorizando constantemente- los procesos creativos en la medida en

67
que estos excedan solo el valor comercial del producto creado. Será una pequeña sorpresa
o un gran impacto, entonces, que la 'creatividad' no haya sido un término preferido en la
teoría literaria y cultural de los finales 20 o 30 años. De hecho, durante las finales décadas
del siglo veinte, casi cualquier cosa que hacer con los 'creadores', la 'creación' y la
'creación' fue atacada rotundamente, en la medida en que el rechazo de la ‘creatividad’
puede verse en retrospectiva como uno de los actos fundacionales de un conjunto de
críticas opositoras (marxistas, feministas, poscoloniales, etc.). Ahora que estos enfoques
están establecidos por sí mismos, podríamos volver a visitar su fundación y sopesar lo que
puede haberse perdido o tergiversado, así como preguntar si desde entonces, los críticos
podrían haber encontrado formas de acomodar la creatividad en sus propios términos. Lo
que sigue, entonces, es una especie de 'limpieza del terreno' para establecer la base sobre la
cual una reformulación mejorada y ampliada del concepto de creatividad podría florecer y
para aclarar algunos conceptos erróneos y tergiversaciones actuales.
Por lo que podemos señalar que la creatividad indica a uno de los procedimientos
mentales de mayor sofisticación de todas las personas, lo cual indica que se halla influida
por diferentes vivencias de la evolución en la sociedad, educación y su muestra es
diferente en diferentes áreas. Se determina en distintas maneras y aun en la definición de
dichos conceptos es posible indicar el tiempo de evolución de dichas definiciones
considerando las constantes de ese procedimiento, lo nuevo y el aporte. En sí, la
creatividad es posible abordarla como una cualidad normal de las personas, no se puede
dudar que factores como la mente, los pensamientos que se desarrollan, la individualidad,
las motivaciones, los sentimientos y el afecto, tienen un rol y son elementos singulares en
dicho procedimiento, además, la totalidad de la creación es mejor o menor tamaño y lo que
alienta aún más es que es posible tenerla por cualquier persona.

68
Por lo que la creatividad es una perspectiva requerida en la elaboración de saberes,
debido a que apoya a las personas a que encuentren respuestas a las situaciones
problemáticas de manera nueva y original. La creatividad es la capacidad de hacer de las
cosas algo distinto.
Figura 13. La creatividad. Fuente: Recuperado de https://www.thegoodjob.es/wp-

content/ uploads/2020/09/cambio11.jpg
4.2 La creatividad como un proceso
La creatividad como un procedimiento de ir de un lugar a otro puede terminar.
Indica Penagos (2000) que al hablar del procedimiento de creatividad se indican los
mecanismos y etapas dentro de esta acción. Penagos indica de 4 tiempos del proceso que
se menciona:
• Preparación (obtención de datos).
• Incubación (procesar los datos).
• Iluminación (salen los datos).
• Revisión (examinación de lo que resultó).

69
Rodríguez (1995) está de acuerdo 2 etapas de los que mencionó el autor anterior,
pero indica que hay 6 fases de este procedimiento:
• Cuestionarse: Habilidad para la percepción de lo que hay luego de las superficies y las
apariencias.
• Acopio de información: indagar en datos para que el pensamiento pueda basarse en
datos.
• Incubar: Este es una etapa de silencio, en el que parece ser que no sucediera ninguna
cosa, pero especialmente es donde hay mucha acción, debido a que los pensamientos se
direccionan nuevamente a lo que resulte.
• Iluminarse: Se reestructura el campo de percepción y nace la respuesta del problema, lo
que se determina como “se me ocurrió algo”.
• Elaborar: Usualmente, es labor de lo tecnológico, se pasa a una verdad del exterior o de
fuera.
• Comunicar: Indicado a informar lo que pudimos haber pensado
Según Amabile (1983), el proceso de creatividad son las etapas que nacen en el
tiempo de realizar algo creativo, y son 5 etapas:
• Presentarse: la persona toma los datos relacionados con la situación que debe
solucionar; aquí es relevante estar motivado.
• Prepararse: es acerca de desarrollar, con todos los datos vistos, hacer una opción de
respuesta.
• Generación de resultados: Estas que se fueron generando, tienen que ser originales y
nuevas, ahí influyen los motivos y tareas, como diferentes habilidades de creatividad
que posea la persona.
• Validez: en esta fase se valida si la contestación seleccionada funciona y va acorde a lo
que se quiere y es posible lograr.

70
• Aplicar y decidir: La elección que se toma en la fase previa se va a desarrollar ahora.
Ya con la comparación de su éxito o su fracaso, se finaliza con el procedimiento. Si fue
exitoso, se va a aplicar y, de lo contrario, se regresa a la fase 1 y los datos obtenidos se
añaden a los que se ha podido determinar ahora. Se debe considerar que una situación
es posible dividirla en menores obligaciones que se posicionaran de manera jerárquica.
Lo positivo de la tarea es dependiente de las respuestas logradas en la respuesta de las
subtareas
El individuo, al ir frente a las situaciones, lo realiza de forma divergente o
convergente, al momento de practica en creatividad se va con moldes parecidos a los
usados en la respuesta convergente a situaciones, pero enfatizando los procedimientos de
divergencia más que los otros. En la práctica de la creatividad, es esperado que la acción a
la situación venga a ser buena, sin obstrucciones de emoción, siendo originales, flexibles y
fluidos, que se relacionan con lo que actualmente puede determinarse como: el
pensamiento creativo.
4.3 Elementos de la creatividad
Las capacidades o factores de la creatividad relacionadas con los estilos. Partiendo
de diferentes análisis, indica una lista de capacidades que es posible hallarlas en individuos
creativos, estos elementos vienen a ser:
4.3.1 Fluidez.
Capacidad para la generación de ideas, sin importar si estas son exitosas o no, en
dicho elemento no ingresan los juicios de valor ni prejuicios, tiene que darse toda la
cantidad de ideas que se puedan. La fluidez indaga en diferentes pensamientos para
solucionar temas específicos.

71
Según Guilford (1996), hay diferentes clases de fluidez:
• Fluidez de ideas (determinación contable de ideas)
• Fluidez de asociarse (detallada al determinar las conexiones).
• Fluidez de expresarse (fácil de elaborar enunciados).
4.3.2 Flexibilidad.
La flexibilidad requiere de saber aceptar pensamientos de los otros, y manejar
cambios y revoluciones, plantear de nuevo y diseñar, ser flexible no necesita de solo una
contestación buena en un momento, sino diferentes opciones de contestación, indaga en
transformar la mejor e idear distintas cosas para lo que se determinó.
También, es la variación y diversificación de los pensamientos de producción, nace
la habilidad de idear distinto de una categoría a otra, se tiene las situaciones de distintas
perspectivas. Además, se tiene un cambio, replantear nuevamente o a diferentes posibles
interpretaciones.
Clases de flexibilidad:
• Espontáneas: (Si la persona puede variar el tipo de contestación que otorga).
• Adaptarse: (Si la persona tiene algunas transformaciones para ganar).
4.3.3 Originalidad.
Esta viene a ser la rareza relativa de los pensamientos dados, viene a ser amplia y
dispuesta para dar forma a lo no tan conocido, contestaciones raras, con ingenio y
novedad.
Las vistas prácticas que determinan esa cualidad como especial a la totalidad de
producciones que se originan en procedimientos de creación.

72
Es posible indicar que usualmente se tiene que buscar no solo la razón, sino
también cómo hacerlo.
4.3.4 Redefinición.
Esta se relaciona con el desarrollo de definición de lo que se quiere; sin embargo,
no se detalla solamente la situación, además de eso se indica un pensamiento o cosa
general.
4.3.5 Elaboración.
Esta requiere del desarrollo de los pensamientos tenidos para la solución de manera
creativa de una situación, con siempre un propósito, ideas nuevas o problemas. Requiere
de ver e impulsarse para terminar el desarrollo.
Es la capacidad de la persona para hacer, extender y mejorar el pensamiento.
4.3.6 Sensibilidad.
Esta indica la habilidad que tienen los individuos creatividad para hallar
distinciones, complicaciones, errores o imperfecciones, viendo de esta manera lo que se
tiene que hacer.
4.3.7 Viabilidad.
Es la habilidad de dar pensamientos y respuestas que se puedan desarrollar
prácticamente. Existen diferentes pensamientos que por teoría pueden hacerse pero que en
las prácticas son imposibles.

73
4.3.8 Capacidad de redefinición.
Es la habilidad para la reestructuración de percepción, detalles y demás. El
individuo creador posee la capacidad de cambiar algo en algo diferente.
Los 3 primeros elementos determinados ahora son tarea del pensar de manera
divergente, diferente al que es convergente.
4.4 Creación e imaginación
Tanto 'imaginación', como 'creatividad', es un término asociado con un antiguo
lenguaje crítico que no ha sido favorecido en los círculos teóricos durante las últimas dos
décadas. Una noción de creatividad reformulada radicalmente implica algún
replanteamiento fundamental sobre lo que puede entenderse por imaginación. López
(1995) ofrece una de esas revalorizaciones, y un concepto transformado de la creatividad
es fundamental para su proyecto. Sobre la base de su anterior trabajo teórico sobre la
'poética de lo posible' y su exploración histórica, propone que revisemos y ampliemos
modelos románticos y posrománticos de imaginación a la luz de trabajos recientes en
fenomenología, hermenéutica y deconstrucción. Como dos de sus puntos de referencia,
toma la definición de Samuel Taylor Coleridge de la 'imaginación primaria' como 'la
repetición en la mente finita (humana) del eterno acto de creación en el infinito YO SOY’
y la celebración de Charles Baudelaire de la imaginación poética como 'la reina de las
facultades'. . . que descompone toda la creación y crea un mundo nuevo”. Suspendido así
entre las nociones de lo finito y lo infinito, lo oportuno y lo eterno, lo descompuesto y lo
creado, López ubica su versión, y observa su visión altamente metafórica, de una
imaginación, en una sucesión de momentos que se extienden desde la Antigüedad hasta la
posmodernidad de 'los poderes imaginativos de hacer' de los antiguos griegos a lo
variadamente lúdico (juguetón, parecido a un juego) y modelos performativos

74
(promulgados, autorrealizados) del posestructuralismo contemporáneo y la fenomenología.
Lo que estos procesos tienen en común, insiste López, es 'el poder humano para convertir
la ausencia en presencia, la actualidad en posibilidad, "lo que es" en “algo-diferente-de-lo-
que-es”.
Para López, además, es el aspecto humano de la creatividad lo que está en juego en
una cultura comunicativa altamente tecnificada y omnipresente. Él señala tanto el
presentimiento como la fascinación por lo que él ve como ‘una crisis de identidad para la
imaginación’, más gráficamente expresado en el hecho de que uno ya no puede estar
seguro quién está haciendo nuestras imágenes: un sujeto humano creativo o algún anónimo
sistema de reproducción. Además, López declara que es precisamente en una cyber-
cultura, donde la imagen es la reina suprema que la noción de un ser humano creativo de la
imaginación parece estar más en peligro. Esto puede parecer tan eminentemente sensible o
extrañamente reaccionario; depende en parte hasta qué punto equiparas la imaginación con
una cultura ampliamente humanista y específicamente verbal. Por ejemplo, puede sonar
distintivamente antiguo para aquellos para quienes la cultura del botón pulsador, el clic de
los iconos de la red y los teléfonos móviles es, en todos los sentidos, "prácticamente una
segunda naturaleza". Por otra parte, es precisamente la cuestión de cuán ‘antinatural’ es
esa segunda naturaleza frente a la realidad humana la que es tan irritante. Esto nos lleva a
cuestiones de ética y estética. Para López, tales preocupaciones están en el centro de su
concepción de la "imaginación creativa". Centrándose en la narrativa en particular,
distingue tres formas en las que tanto la narración como la elaboración de la historia,
cuando se lleva a cabo de manera responsable y creativa, nos involucra en actos de
recreación también como creación. Estos son:
• La capacidad testimonial (dar testimonio de un pasado olvidado).

75
• La capacidad empática de identificarse con esas diferencias frente a nosotros (víctimas
y ejemplares por igual).
• La capacidad crítico-utópica para desafiar historias oficiales con historias no oficiales o
disidentes
La 'poética de lo posible' así abre el camino a una "política de lo posible". Es
precisamente en la negativa de López a divorciar las funciones críticas de las creativas que
podemos percibir como base para una estética informada por la ética, y viceversa, y esta
doble ética-estética (política-poética) es común a todos los aspectos anteriores de la
imaginación creativa, no sólo la "crítica-utópica". López continúa el proyecto con estudios
de que abarcan "relato" e "historia", "ficción" y "hechos" (López, 1995). Otros aspectos
del trabajo de López también ayudan a desarrollar modelos de imaginación creativa que
son sensibles a los modismos críticos más antiguos pero que responden a las nuevas
condiciones.
Figura 14. La cybercultura. Fuente: Recuperado de https://cdn.slidesharecdn.com/ss_thumbnails/cibercultura-

160401174802-4.jpg?cb=1459532986
76
4.5 Creación vs producción
Sorprendentemente, casi ninguno de los diccionarios estándar actuales de literatura
y cultura tiene una entrada dedicada a la "creatividad" (Fowler,1990). Entretanto, muchas
teorías modernas de la 'creatividad' dedican mucho más tiempo a los procesos de
creatividad que a hablar sobre sus orígenes o productos. El trabajo de Csickszentmoholyi,
(1996) sobre la creatividad como 'flujo' y Bohm (1998) sobre la creatividad como 'diálogo'
y 'participación' son dos de los más recientes.
Más sorprendente y quizás inquietante, sin embargo, es la total convicción con la
que el término 'creación' es 'suprimido' por Torre (1996) y la certeza igualmente inflexible
con el que se sustituye por el término "producción". Esta es una revolución crítica que
lleva la amenaza, así como la promesa de un mundo completamente nuevo, a la vez que,
parece no haber reconocimiento de los significados intrínsecamente dinámicos y las
diversas aplicaciones ampliables de ambos términos. 'Creación', como se observará con
frecuencia, puede referirse a un producto o un proceso ('una creación' y la 'actividad de
crear') y se puede atribuir a los agentes divinos y humanos, así como a la naturaleza y al
universo en general (de ahí creación y 'la Creación'). También debemos reconocer los
vínculos ricamente sugerentes con procreación (es decir, las relaciones sexuales /
reproducción) y con recreación (en el sentido débil de 'ocio') o re-creación (en el sentido
fuerte de 'rehacer'). El vigor de Torre, tiende a ignorar o restar importancia a los
igualmente ricos y en cierta medida también se relacionaron con complicaciones de ese
término. Especialmente en términos marxistas, son imaginar, digamos, condiciones y
modos preindustriales, industriales o postindustriales de producción: ¿hecha a mano,
impulsada por vapor o mediada electrónicamente? Estos son radicalmente diferentes
modos de "producción", no solo variaciones del mismo proceso.

77
Como Marx habría sido el primero en permitir, con cambios fundamentales en las
condiciones materiales y relaciones sociales, lo que nominalmente es la misma palabra,
cambia también su valor de cambio. Porque de nuevo, en estrictos términos materialistas,
la producción de algo como una comida o un coche es una reproducción humana de
productos que ya existen (alimentos, metal y plásticos), y estos a su vez son una
reproducción humana de materiales naturales (plantas, animales, minerales, aceites) que ya
existen. Las plantas y los animales también son el resultado de "reproducción" en ese otro
sentido, expresamente sexual. Uno puede intentar sortear esto problema con la frase
compuesta 'producción y reproducción' (como en 'fuerzas de ...','condiciones y modos de. .
. '), que también puede servir para fusionar, o manipular, lo complicado y siempre en parte
una distinción arbitraria entre "humano" y "natural"; pero eso todavía se va a la relación
precisa entre "re" y "producción" no declarada y en gran parte no examinada. Entonces, tal
vez sea mejor que reconozcamos que, en realidad, siempre estamos lidiando con una serie
de procesos de re…producción. Aquí los puntos de suspensión son una señal explícita de
que el asunto siempre es ambiguo y atractivamente abierto. En cualquier momento,
podemos sentirnos conmovidos u obligados a llenar, o saltar, el espacio lo mejor que
podamos, pero la forma precisa en que lo hacemos, paradójicamente, dependerá en parte
del momento particular y del modo de (re) producción en el que estamos operando. La
respuesta depende de cuándo y cómo planteamos la pregunta, no solo cuál es la pregunta.
El error de Torre es inclinarse inequívocamente a favor de la 'producción' a
expensas de la "creación". Como táctica subversiva en ese momento, sin duda era
necesaria, por lo que realmente es solo un error si persistimos con él en condiciones
cambiantes. Los problemas obvios, en retrospectiva, es que sus términos son
decididamente binarios y que quiere resolver la dialéctica en confrontar y suplantar uno u

78
otro término (es decir, tesis o antítesis), en lugar de buscar otro término y concepto entre y
más allá (una nueva síntesis).
4.6 Teorías de la creatividad
En cuanto a las diversas teorías o corrientes que analizaremos no son las únicas,
sino ya no hay, hay otras por conocer. El ordenamiento que se determina no es
completamente rígido, hay autores que, respecto a este ordenamiento, son indicados en
diferentes corrientes, respecto al tema en todas estas, por lo cual, se habla de diferentes
teorías de ser creativo.
4.6.1 Teoría asociacionista.
Las personas hallan en la relación una manera de ir creciendo su conocimiento del
entorno. Según las cualidades de la producción que se han determinado en análisis que en
los resultados de creatividad nacen las relaciones que vienen a ser remotas, conexiones
determinar partiendo de pensamiento liberados y con originalidad, respecto a dicha
corriente, lo creativo se distingue de los que no en 2 factores elementales: lo jerárquico de
las relaciones y la potencia de estas.
El procedimiento de libre relación necesita para mostrarse que se invente un
ambiente óptimo para desarrollarlo, de manera que tenga un camino de lo creativo.
Hace mucho en los años setenta, 2 analistas: Mednick (1962) y Maltzman
(1960), desarrollaron valiosos estudios al pensamiento relacionado con el adentrarse en el
análisis de lo que es lo creativo. Mednick determina a esta como relaciones direccionada a
interacciones novedosas, lo cual viene a ser un poco más creativo al tener mayor lejanía de
los factores que se asocian.

79
Las distinciones personales para las conexiones de creatividad reposan en la
habilidad de la persona para dar “asociaciones remotas” o las que poseen no tanto en
relación común.
Respecto a esa vía, la cantidad de conexiones que se dan especifica la cantidad de
creatividad del individuo, y cuando son remotas las conexiones, es mejor el resultado.
Además, indica Maltzman (1960), se pusieron como objetivo “el análisis de los
elementos que incentivan lo original y la suposición de asociación” (p. 85). Los cuales
vieron el valor que poseen las motivaciones tenidas en entornos de familia y sociedad,
como la motivación mala que estos pueden dar. Partiendo de dicho entendimiento se
fueron creando diferentes juegos de creatividad que van ayudando al desempeño del
potencial de creatividad. Una de las clases de acciones son las “parejas de nombres”: a
mayor distancia de los participantes de esas parejas, mayor se promueve el desempeño de
lo creativo y más originalidad tiene el resultado.
4.6.2 Teoría gestáltica y existencialista.
4.6.2.1 Teoría gestáltica.
Existe una potente analogía entre el procedimiento de idear de manera creativa y el
de percepción, entender que son las relaciones, de los factores que se perciben, dando
conexiones casuales o formales. Respecto a esa corriente, el procedimiento tiene mayor
creatividad y el producto de mayor novedad al marcarse nace el cambio de ordenamiento,
la diversificación de relaciones. Werthimer (1912) puso directamente partes de la
psicología de la Gestalt al procedimiento del idear de creatividad.
Él indica que una situación se toma con una figura con apertura, y produce en el
que idea en una tensión que inmediatamente impulsa el restablecer el balance, es decir, a la
figura cerrada.
80
Además, usa el vocablo de creatividad como sinónimo de productivo, y tiene al
enfrentamiento a una situación se parece a un mapa de muestra parecida a una figura con
apertura.
Entonces, lo que quiere decir cambiar de manera productiva la manera de plantar al
nacer, comenzar una indagación mediante una clase de hilo que conduce, a través del que
las percepciones no se aíslan, pero se relacionan o conectan de manera directa con la que
viene a continuación.
Hay que conocer cómo ver de una manera diferente una situación: sacar la
costumbre normal y cambiar como se percibe.
4.6.2.2 Teoría existencialista.
Para este pensamiento, el hallazgo de las situaciones es tan relevante como hallar
las respuestas y el hallazgo al comienza de la situación es lo que diferencia a los que crean
de los que no, las personas en dichos momentos tienen que encontrarse en el momento de
poder ir sometidas a la situación con la totalidad de lo que a eso se refiere, sin dejar la
liberación para poder manejar ellos los pensamientos de solución.
Es relevante que en dicho tiempo de “encuentro” se quiebra el balance individual
como en la totalidad de la situación, lo motiva a la indagación de una respuesta que es la
que va a restablecer el balance. El hallazgo de la persona con su mismo entorno, con el
ambiente y con lo que posibilita lo creativo.
May (1995) indica un encuentro de la persona con su ambiente, como motivador de
la creatividad. El propósito de ser visto y absorbido por la persona, las distinciones nacen
en cómo se observa y cómo se actúa. Existen personas que viven con menos o más
distinciones de algunas cosas o personas, pero para otros, son completamente indiferentes.
81
En un contexto de un ambiente social, May (1995) indica que: toda situación tiene
límites y la pelea con estos es fuente verdadera de la creatividad. Las instancias de la
mediación de problemas en las que el participante tiene que ser muy creativo para
conseguir la paz de los que contienden, se refiere a lo que aquí se menciona.
La definición de “encuentro” es dada por Ponce (2002) que indica que la persona
creativa es la que se encuentra en apertura al ambiente, esta actitud tiene que entenderse
como relación de la persona y el entorno, el individuo creativo es el que se encuentra alerta
y acciona según su ambiente, esa acción le da una recepción mejor y dispone de manera
extensa al hallazgo, después de la manera en la que se determina dicha relación en el
contexto de la sociedad, además no es con la calidad en la que esta se determina.
Por eso, se indica la definición de que lo creativo se determina como la necesidad
de relacionarse con el ambiente.
Hay una pelea existencial de 2 motivaciones que se dan en la persona, el estar con
apertura al ambiente y el de quedarse en su entorno privado, familiares. Lo creativo quiere
decir el éxito de estar con apertura, captando, acerca del enfoque íntimo, junto con lo
normal que es lo cercano.
4.6.3 Teorías psicodinámicas.
4.6.3.1 Teoría de la transferencia.
Guilford y Strom (1967) desarrollaron una ayuda de explicación de su pensamiento
un molde de formación del pensamiento, el factor elemental para comprender su idea: el
cubo del saber. Su teoría, denominada el cambio o movimiento, es una idea
específicamente mental que indica que la persona creativa se encuentra con motivación por
el impulso mental de analizar las situaciones y hallar respuestas a estos.

82
El molde de Guilford, fundamentado en el estudio combinatorio, trata de 3 factores,
debido a que toda actividad mental tiene que estar calificado por una acción, un tema o
relleno y una respuesta, estas 3 determinaciones nacen formadas, dado por los contenidos
de la mente, sus acciones y respuestas.
En un eje se halla en los contenidos de la mente, en donde mejora la comprensión.
En otro diferente se halla las actividades de la mente. El aprender a actualizar el
conocimiento que se halla en la mente, el pensar de forma divergente es lo que da la
posibilidad de muchos novedosos pensamientos, de apretura, y de lo contrario el
convergente hace que los pensamientos se enfoquen solo en un pensamiento. Para
finalizar, la examinación da los datos sobre cual es mejor y más cercano a lo verdadero. En
un enfoque distinto se muestran las respuestas del pensar.
Para Guilford, lo creativo es un factor del aprender y conocer, es agarrar novedosos
datos. Lo creativo, por lo tanto, es parte de los factores elementales del aprendizaje y por
eso es posible obtenerse y darse, por lo que ya se determina, a diferentes estudios o
propósitos.
4.6.3.2 Teoría psicoanalítica.
El fundamento es la definición freudiana de sublimación. Esta es el procedimiento
dado por Freud (1908) para detallar algunas acciones de las personas que pueden no estar
relacionadas con la sexualidad pero que encuentran potencia en la fuerza del deseo sexual.
Freud determinó como una acción de sublimación, en principal, el análisis mental y la
acción del arte. Se indica que “la pulsión puede ser sublimado en cuanto se derive a un
novedoso propósito, que no es sexual, y apunta a propósitos de la sociedad que se han
valorado” (Bohm, 1998, p. 52).
Este procedimiento de movimiento de la libido se considera como el nacimiento de
toda acción de lo creativo. La habilidad de sublimar lo creativo, que al inicio Freud le dio
83
de manera exclusiva a los del arte, luego se la puso o la cambió al que contemplaba lo
artístico.
Según a donde se posee la repercusión del procedimiento de creatividad de Freud
que se determina en la mente, ahí nacen las respuestas con creatividad.
4.6.4 Teoría de las inteligencias múltiples.
Gardner (1988) señala que la persona creativa es un individuo que soluciona
situación regularmente, tiene respuestas o determina novedosos temas en un tema, de
manera que al inicio es tenido como novedoso, pero terminando va a ser tenido como un
entorno cultural determinado.
Gardner tiene a lo creativo como un cambio de diferentes disciplinas que no está
para abordar desde un comportamiento como hasta ahora se ha tenido.
Dicha determinación se fundamenta en que lo creativo es un cambio polisémico y
de muchas funciones, pese que Gardner tiene como motivo de su formación es inevitable
que, en su análisis de lo creativo, enfatice más en los elementos de personalidad y haga
utilidad de los enfoques de la biología, de la epistemología y la sociología para determinar
una agrupación.
La sistematización de Gardner posee 3 enfoques:
4.6.4.1 Individuo.
El citado autor distingue el entorno del menor con dotes, pero sin forma, y lo que
significa crecer, confiado de su persona. Le da relevancia a lo sensible para con las
maneras en que el autor utiliza la cosmovisión de los menores de edad.

84
4.6.4.2 Trabajo.
Se refiere a los temas o estudios en donde el que crea labora: el sistema de
símbolos que utiliza analiza o crea diferentes.
4.6.4.3 Las otras personas.
Tiene en consideración la conexión de la persona que crea con los demás en el
planeta. Pese a que algunos laboran aislados, siempre que haya algunas personas es
importante. Analiza a los familiares, maestros, en el tiempo de educación, como los que lo
ayudaron o han dado vida en tiempos del crecimiento de la creatividad.
En su trabajo Mentes creativas, Gardner (1995) tiene, como una ciencia social, la
vida y obra de 7 profesores de creatividad actual, todos estos seleccionados indican una de
las clases de saber por este mostradas. Gardner indica que las respuestas de creatividad a
las situaciones se dan mayormente si las personas tienen una dedicación y acción pura
llena de placer que al recompensarlo o por requerimientos de afuera. El conocimiento va a
ser determinado como con creatividad, da límite de las opciones de creatividad.

85
Aplicación didáctica
SESIÓN DE APRENDIZAJE N.º 01
I. DATOS INFORMATIVOS
1.1. Institución Educativa : I.E. RICARDO BENTÍN
1.2. Grado y Sección : 1ero primaria
1.3. Área Curricular : Arte y cultura
1.4. Profesora : León Rodríguez, Gladys Angie
1.5. Fecha : 17 de junio del 2021
1.6. Duración : 90 minutos
II. PROPÓSITOS DE APRENDIZAJE Y EVALUACIÓN:

INSTRUMENTO DE
ÁREA COMPETENCIA CAPACIDAD CONOCIMIENTO DESEMPEÑOS
EVALUACIÓN
Indaga y vivencia los lenguajes Indaga pensamientos de manera
artísticos. libre partiendo de su mente, su
Desarrolla proyectos partiendo vivencia y visión, y es parte de
ARTE Y CULTURA
de la lengua del arte. Halla vivencia distintas maneras los factores que tiene el arte,
Lista de cotejo
de inventar usando cosas como como acciones, formas,
Expresa de manera espontánea
papeles de origami combinados y coloraciones y sonidos, que es
sus emociones, cómo ve el Origami
usaos con otro tipo de posible que use o repita para dar
entorno, usando tácticas de los
herramientas del salón. a conocer algo.
tipos de arte que hay para
formar de mejor manera su ACTITUD
trabajo y poner de manera Se responsabiliza de lo que usa y de lo que hace.
creativa y con gozo su enfoque Hace su tarea y actividad en los tiempos que la maestra
interno. determina.
86
III. SECUENCIA DIDÁCTICA

FASES DEL
MOMENTOS ESTRATEGIAS RECURSOS T
APRENDIZAJE
• Su maestro los saluda. Imágenes 20“
• Repasan las normas del salón Cartel
- Prestamos atención a la clase.
- Tenemos respeto de lo que dicen los otros. Música
- Alzamos la mano para hablar. Alcohol
Motivación y • Se hace un juego “simón dice” con el propósito de tener la concentración de los Mascarilla
exploración estudiantes. (se pedirá, alcohol, mascarilla, protector facial) protector facial
• Oyen atentos el relato “El conejo que deseaba hallar un tesoro” (Anexo Nº 01).
INICIO Impresiones
• Contestan las preguntas:
- ¿Quiénes aparecen en el cuento?
- ¿De qué trato el cuento?
- ¿Quién acompaño al conejo en su viaje a nuevas aventuras? Papel
• ¿Crees que el comportamiento del conejo fue el mejor?

• ¿Qué harías si te pasara a ti?
Problematización
• Conversan acerca de lo que dicen y hallan la temática: “Hoy aprenderemos a
elaborar origami recreando una historia”.
• La profesora colocara una canción (ejercicio de gimnasia cerebral) Música 60“
• La maestra detalla el proceso para hacer con papel de origami un barco y un Papel
Construcción del
conejito (Anexo 02). Origami
PROCESO conocimiento
• Se da a los menores 2 hojas de papel de origami para que realicen su origami Hojas de colores
guiados por la maestra. Goma
Transferencia • Hacen un barco y el conoce con papel origami viendo lo que enseña la maestra. Tijera
87
• Se hace el procedimiento de metacognición mediante preguntas: Papel

- ¿Qué pudiste aprender hoy?
SALIDA Evaluación ¿Qué complicaciones viste para elaborar el barco y el conejo con papel de 10”
- Lápiz
origami?
IV. BIBLIOGRAFÍA
• Ministerio de Educación (2018). Diseño Curricular Nacional de Educación Básica Regular, Lima Perú. Recuperado de
http://www.minedu.gob.pe/curriculo/pdf/programa-curricular-educacion-primaria.pdf
………………………………….…………. ……………………………………………….
Gladys Angie León Rodríguez Yessica L. Perales Montañez
DOCENTE DIRECTORA I.E. RICARDO BENTIN
88
Lista de cotejo
Área : Arte y Cultura FECHA: 17/06/2017

Competencia Desarrolla proyectos partiendo de la lengua del arte Grado y 1ero
Capacidades Indaga y vivencia los lenguajes artísticos sección primaria
Actividad de “Hoy aprenderemos a elaborar origami
aprendizaje recreando una historia.”
Criterios de evaluación
Reconoce los Elabora de
Escucha con pasos para manera
atención el cuento inventar cosas adecuada el
relatado. mediante el papel origami
origami. en la invención
de cosas.
Nº APELLIDOS Y NOMBRES SÍ NO SÍ NO SÍ NO
1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
10.
11.
12.
13.
14.
15.
16.
17.
✔ Lo hace. • No lo hace.
89
Síntesis
Las manifestaciones artísticas han acompañado al ser humano desde sus inicios en
las numerosas sociedades y culturas, ya sea como parte de sus tradiciones o con nuevas
iniciativas innovadoras en su vida. El arte educativo apoya al desempeño del
procedimiento de educación, como a determinar el comportamiento mental en los alumnos
en las distintas tareas que haga, dado que da el nacimiento de destrezas, capacidades y
reconocimiento de las personas.
Dentro de las características del arte tenemos que tener en cuenta las actividades
creativas, las manifestaciones culturales de las sociedades y el conjunto de actividades que
este engloba a lo largo del espacio y tiempo ya que estas son cambiantes estas
características universales del arte que atañen a las manifestaciones artísticas sin importar
lugar, cultura ni época.
En la visión contemporánea del arte, deberemos tener en cuenta como en el tiempo
actual se conceptúa y se hace arte, con especial incidencia en cómo la tendencia es a
desvincular lo “moderno” por lo “contemporáneo”, sin haber todavía encontrado una
manera clara de definir este deslinde. Ya que conforme pasa el tiempo estas
manifestaciones artísticas van cambiando.
La creatividad artística es una de las potencialidades de mayor elevación y
dificultad de las personas, requiere de capacidad del pensar que deja que se integren los
procedimientos de mente de menor complicación, hasta los tenidos como mayores para el
alcance de un pensamiento novedoso dando paso a la imaginación, determinantes de
proceso creativo
90
Apreciación crítica y sugerencias
Que los docentes del nivel primario deben estar capacitados para poder desarrollar
e incentivar en sus estudiantes las habilidades y capacidades artísticas y, según como
crece, necesita de una buena preparación y una correcta orientación usando metodologías y
diferentes estrategias. Por lo que es necesario que el docente esté capacitado.
Que los docentes del nivel primario deben conocer las diversas características del
arte para poder así desarrollar en sus estudiantes, conozcan cuáles son las manifestaciones
artísticas y culturales de la sociedad. Así como el conjunto de actividades creativas que
podemos desarrollar.
Los docentes se capaciten en las diversas manifestaciones artísticas desarrolladas
por los seres humanos, sino también tengan conocimiento de las últimas tendencias
artísticas que se viene dando, para así poder tener una visión más amplia de cómo va
evolucionando el arte. En la visión contemporánea del arte, deberemos tener en cuenta
como en el tiempo actual se define y se hace arte, con especial incidencia en cómo la
tendencia es a desvincular lo moderno por lo contemporáneo.
Que lo artístico y creativo son definiciones que se complementan debido a que van
siempre juntas, por lo que el maestro tiene que motivar y desarrollar la percepción,
concentración, mente, ideas y, además, la totalidad del imaginar, durante el procedimiento
del enseñar y aprender de los alumnos para que mejoren su creatividad.

91
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UNIVERSIDAD NACIONAL DE EDUCACIÓN

Enrique Guzmán y Valle

Alma Máter del Magisterio Nacional

FACULTAD DE PEDAGOGÍA Y CULTURA FÍSICA

Escuela Profesional de Educación Primaria

Evolución del arte

Examen de Suficiencia Profesional Res. N° 0571-2021-D-FPYCF

Gladys Angie Leon Rodriguez

Para optar al Título Profesional de Licenciado en Educación

Área principal: Educación Primaria

Área secundaria: Educación Básica Alternativa

Designación de Jurado Resolución N° 0571-2021-D-FPYCF

Línea de investigación: Proceso de innovación y gestión de la calidad educativa

FACULTAD DE PEDAGOGÍA Y CULTURA FÍSICA

Hace constar que:

El Trabajo de Examen de Suficiencia Profesional titulado Evolución del arte, ha

Se expide la presente constancia para los fines pertinentes.

La Cantuta, 28 de diciembre de 2022

Gladys Angie León Rodríguez Dr. Willner Montalvo Fritas

A Dios, por darme fortaleza para culminar este

A mis padres, Pedro León Rojas y Haydeé

Rodríguez, por estar siempre presente cuando más los

A mi esposo, Erick Porras Matos, por su ayuda

sin condición y por confiar en mí.

A mi hijo, Milán, por ser mi luz, dedicación,

esfuerzo y ganas de superación día tras día, buscando

ser siempre un ejemplo para él.

Hojas de firmas del jurado .....................................................................................................ii

Índice de contenidos ............................................................................................................. iv

Lista de figuras ....................................................................................................................vii

Introducción ....................................................................................................................... viii

Capítulo I. Evolución histórica del concepto de arte ...................................................... 10

1.1 Concepto de arte ...................................................................................................... 10

1.2 Evolución histórica del concepto de arte ................................................................. 13

1.3 Organizadores del área de arte ................................................................................. 17

1.3.1 Expresiones del arte........................................................................................ 18

1.4 ¿El arte como experiencia personal o universal? ..................................................... 19

1.5 Hacia un intento de definición de arte ..................................................................... 24

Capítulo II. Características .............................................................................................. 29

2.1 Las características del arte ....................................................................................... 29

2.1.1 El arte como actividad creativa. ..................................................................... 29

2.1.2 El arte como manifestación cultural de las sociedades. ................................. 31

2.1.3 El arte engloba un conjunto de actividades diferenciadas. ............................. 32

2.2 Las características del arte en función a su clasificación ......................................... 35

2.2.1 Las artes plásticas. .......................................................................................... 35

2.2.2 Artes acústicas. ............................................................................................... 38

2.2.3 Artes literarias. ............................................................................................... 40

2.2.4 Artes compuestas............................................................................................ 45

Capítulo III. Visión contemporánea del arte .................................................................. 57

3.1 El arte contemporáneo ............................................................................................. 56

3.1.1 Arte y edad contemporánea.......................................................................... 57

3.1.2 Arte contemporáneo y vanguardismo .......................................................... 58

3.1.3 Arte contemporáneo y posmodernidad ........................................................ 59

3.2 La visión del arte contemporáneo ............................................................................ 58

Capítulo IV. Teoría de la creatividad .............................................................................. 64

4.1 La creatividad .......................................................................................................... 64

4.2 La creatividad como un proceso .............................................................................. 68

4.3 Elementos de la creatividad. .................................................................................... 70

4.3.1 Fluidez. ........................................................................................................... 70

4.3.3 Originalidad. ................................................................................................... 71

4.3.4 Redefinición. .................................................................................................. 72

4.3.6 Sensibilidad. ................................................................................................... 72

4.3.7 Viabilidad. ...................................................................................................... 72