EPSG

JUSTIFICACIÓN DE LAS 5 OPCIONES A

OPTAR PARA LA REALIZACIÓN DEL
TRABAJO

GRADO EN TURISMO Y TADE

Asignatura: Recursos Culturales

Profesora responsable de la asignatura: Dra. M. Luisa Escartín
Integrantes del grupo: Escrihuela Mosqueira, Mariana (10) ; Paulet Monzó, Noemi (38) ; Rey Martí,
Mireia (40) ; Vicens Louzao, Alicia (46).
Primer responsable: Paulet Monzó, Noemi. Teléfono: 722252290. Correo electrónico:
npaumon@epsg.upv.es
Segundo responsable: Vicens Louzao, Alicia. Teléfono: 675050351. Correo electrónico:
Aviclou@epsg.upv.es
Primera opción: 17 - PINTURA Y ESCULTURA BARROCA EN ESPAÑA.
CARACTERÍSTICAS. RELIGIÓN E ICONOGRAFÍA. AUTORES. ESPECIAL ESTUDIO DE LA
OBRA DEL PINTOR Y GENIO DIEGO DE SILVA Y VELÁZQUEZ.

El barroco empezó a surgir y coger fuerza alrededor del año 1600, además, es considerado para
muchos el “Siglo de Oro” no solo a nivel artístico sino también a nivel literario. Durante el siglo
XVII, la pintura española alcanzó un gran nivel de calidad y categoría al igual que sus autores. La
arquitectura fue perdiendo peso al mismo tiempo que la pintura encabezaba el movimiento artístico
del momento. Durante este periodo, los pintores buscaban la plasmación “antigua” del artista
albertiano, sabio y exquisito. Por esta misma razón, no solo encontrábamos artistas con gran talento y
técnica sinó también a un artista con afán de aprender. Este afán conllevó a la creación de academias
artísticas para la mejora e incluso creación de nuevas técnicas como el estofado. Los patronos más
importantes siguieron siendo los monarcas y los papas, dando lugar a colecciones reales de gran
asombro como las de El Escorial. Todas estas pinacotecas eran privadas y de acceso restringido, pero
aun así, eran fuente de inspiración para muchos artistas españoles, estando en la cabeza de ellos el
mismo Velázquez. Velázquez se formó en Sevilla, con Herrera el Viejo y con Pacheco. Este último no
quería únicamente transmitirle las alambicadas teorías italianas y la manera de pintar de allí, sino
también a copiar del natural, a mirar a su alrededor y a captar la vida cotidiana. De esta manera, La
vieja friendo huevos o el Aguador de Sevilla fueron una completa ruptura con lo que se estaba
haciendo en esos momentos en España y demostraron la virtuosidad y talento del artista. Por otro
lado, la escultura española carecía de figuras y temas mitológicos por lo que, un Apolo y Dafne era
inconcebible en la España del siglo XVII. Los temas religiosos y funerarios eran los más demandados.
Por añadidura, la escultura española, aunque tuvo un abundante desarrollo del bulto redondo, fue
bastante escasa la exenta, hecha para ser contemplada por todos los lados. Los materiales que se
empleaban era la madera y la piedra, además del alabastro. Mayoritariamente, eran policromadas pero
se necesitaba de la ayuda de pintores debido al material.
Con toda esta información creemos que es un tema al que se le puede sacar mucho jugo. Ocurre en un
periodo dónde el arte español alcanza su máximo esplendor y en el que aún hoy en día sigue presente,
como por ejemplo en las procesiones. Queremos dar un enfoque de vista dinámico y de la manera más
sencilla de entender. Por lo que respecta a Velázquez, queremos ofrecer y enseñar algo más que Las
Meninas así como analizar varias obras emblemáticas que posee y que son un gran desconocido para
muchos. Con toda esta información, estamos ansiosas de descubrir mucho más de la España del siglo
XVII.

Bibliografía

Bendala Galán, M., Bango Torviso, I., Borrás Gualis, G., Yarza Luaces, J., Marías, F., Bustamante
García, A., Rodríguez de Ceballos, A., Navascués, P., Quesada Martín, M., Pérez Rojas, J. y García
Castellón, M. (2003). Manual del Arte Español. Madrid. Sílex

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Segunda opción: 14 - PINTURA DEL RENACIMIENTO ITALIANO. QUATTROCENTO Y
CINQUECENTO ETAPAS. AUTORES. ESTUDIO DETALLADO.

Pocas épocas en la historia han abarcado un espectro tan amplio de cambios en la sociedad como el
Renacimiento. Fue una ola que empapó la raíz del pensamiento humano, así, se dieron cambios en
arte, ciencia, filosofía, religión y sociedad. Comenzó en Italia a finales de la Edad Media (s. XV), se
propagó rápidamente por toda Europa y permaneció durante 2 siglos.
La pintura renacentista es un estilo pictórico caracterizado por haberse desarrollado en el periodo del
Renacimiento y presentar una contraposición total al oscuro periodo precedente, el gótico. Por
primera vez, los artistas comenzaron a firmar sus obras y se hicieron famosos, maestros universales de
la pintura provienen de este periodo y sus obras son apreciadas hasta hoy.
El Renacimiento supone la vuelta a los ideales del mundo clásico representados a través de valores
como el antropocentrismo, la nueva visión de la naturaleza y el poder de los nuevos clientes del arte:
los mecenas. Si hubiera que elegir una familia como prototipo de mecenas, sin duda alguna habría que
citar a los Médicis de Florencia. Esta familia consiguió afianzar su dominio en la ciudad durante toda
la primera mitad del siglo XV, fundando la primera Academia. Lorenzo de Médicis, apodado El
Magnífico (1449-1492), y Cosme I de Médicis (1519-1574) patrocinaron a los grandes artistas
florentinos del Quattrocento.
Diferentes etapas históricas marcan el desarrollo del Renacimiento: el Quattrocento que comprende el
Renacimiento temprano (s. XV), y el Cinquecento referido al Alto Renacimiento (s. XVI). Leonardo,
Miguel Ángel, Donatello y Rafael son los principales exponentes de este movimiento artístico de los
siglos XV y XVI.
Los artistas que pertenecieron al Renacimiento han dejado un legado y un patrimonio a la humanidad
de valor incalculable. El matrimonio Arnolfini, de Jan van Eyck (1434), Entrega de las llaves del
cielo a San Pedro, de Perugino (1482), El nacimiento de Venus, de Sandro Botticelli (1482-1485) o la
La última cena, de Leonardo da Vinci (1498) son algunas de las magníficas pinturas de este periodo.
Es por esta razón por la que se ha escogido la pintura del Renacimiento como una de las opciones para
la realización del proyecto. En Italia, concretamente la ciudad de Florencia como la cuna del
Renacimiento, posee grandes joyas pictóricas con las que sería muy interesante trabajar así cómo
investigar el contexto histórico en el que se encontraba el país además de entender el significado de
sus obras y la razón por la que se realzaba la figura del hombre, el nuevo concepto de belleza
plasmado en las obras de arte, el naturalismo o técnica pictórica Sfumato así como la utilización de los
colores empleados. Dos siglos de máximo esplendor en el que el grupo trabajaría aprendiendo y
descubriendo grandes obras y grandes artistas.

Bibliografía

Cultura Genial. (17 de 02 de 2023). Cultura Genial. Obtenido de

https://www.culturagenial.com/es/renacimiento/

Enciclopedia Concepto. (17 de 02 de 2023). Concepto. Obtenido de https://concepto.de/renacimiento/

Escuela de Postgrado de arte, artesanía y oficios. (17 de 02 de 2023). Obtenido de
https://escuelaartesania.com/pintura-del-renacimiento/

mh education. (17 de 02 de 2023). mh education. Obtenido de

https://www.mheducation.es/bcv/guide/capitulo/8448169603.pdf

World History Encyclopedia. (17 de 02 de 2023). Obtenido de

https://www.worldhistory.org/trans/es/2-1628/el-color-y-la-tecnica-en-la-pintura-del-renacimien/

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Tercera opción: 16 - ARQUITECTURA BARROCA EN EUROPA. BERNINI. OTROS
AUTORES. ESPECIAL ESTUDIO DE ALEMANIA, FRANCIA, ITALIA Y ESPAÑA. LA
FANTASÍA DE “EL ROCOCÓ”.

El barroco se originó en el arte italiano. En cuanto al tiempo, se extendió desde el siglo XVI hasta la
primera mitad del siglo XVIII. Esto se debe a una crisis general de origen económico, demográfico,
político y religioso.
La palabra barroco se deriva del portugués barroco, que significa "cuentas de forma variable o
irregular", originalmente peyorativo, y se refiere a un nuevo estilo que carece de orden y reglas. En
algunos países europeos como Francia e Inglaterra, así como en otras partes del norte de Europa, hubo
un movimiento racionalista directamente arraigado en el Renacimiento, llamado clasicismo barroco.
En el siglo XVIII, se desarrolló en Francia un movimiento arraigado en el estilo barroco, aumentó su
fortuna y se basó en gran medida en las artes decorativas conocidas como rococó, que finalmente se
adoptaron y exportaron a gran parte de Europa. Contrariamente a la teoría de que el movimiento
barroco se originó a partir del manierismo, fue el Renacimiento tardío el que finalmente dio origen al
movimiento barroco. De hecho, la arquitectura manierista no fue lo suficientemente revolucionaria
como para desarrollarse completamente, espacialmente, más que superficialmente, desde los estilos
antiguos a los estilos populares y los nuevos lenguajes de la Reforma. Pero en otras obras, Miguel
Ángel fue influenciado por la escuela manierista, por lo que fue solo después de que terminó la
escuela metodista que Miguel Ángel fue redescubierto como el padre del barroco. El nuevo estilo se
desarrolló en Roma y alcanzó su apogeo entre 1630 y 1670; a partir de ahí el barroco se extendió a
Italia y al resto de Europa. La influencia del estilo barroco no se limitó al siglo XVII; el llamado estilo
rococó, surgido a principios del siglo XVIII, no sólo fue una continuación del primer estilo, sino que
podría decirse que es la última etapa del barroco.
Además, todo esto se complementa con un interior de efectos fantásticos: luces que ocultan sus
fuentes, perspectivas imaginarias y trampantojos que amplían el espacio detrás de las bóvedas;
enormes llamaradas de gloria que parecen desaparecer, revelando el mundo celestial. La mentalidad
neobarroca daría alas a las amplias avenidas que conectan los lugares importantes de la ciudad,
destacadas por plazas, fuentes y edificios importantes, y tendía a crear grandes e impactantes espacios
para los visitantes, expresando claramente la grandeza de la ciudad. La Iglesia se encarna en su
capitel.

Bibliografía

Arquitectura Barroca en Italia: Bernini y Borromini vivirarte. Available at:

http://jmnavarron.blogspot.com/2013/12/arquitectura-barroca-en-italia-bernini.html (Accessed:
February 18, 2023).

Imaginario, A. (2020) Arquitectura Barroca: Características y estilo, Cultura Genial. Cultura

Genial. Available at: https://www.culturagenial.com/es/arquitectura-barroca/ (Accessed: February
18, 2023).

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Cuarta opción: 13 -ESCULTURA DEL RENACIMIENTO. QUATTROCENTO Y
CINQUECENTO. AUTORES DESTACADOS. GHIBERTI, DONATELLO, VERROCHIO,
ALBERTI, MIGUEL ÁNGEL, OTROS.

El Renacimiento supuso una transformación cultural que se empezó a desarrollar a mediados del siglo
XIV en Italia, bajo el término Rinascimiento. El Renacimiento se divide en 2 etapas, el Quattrocento
(s. XV) y el Cinquecento (s. XVI). Si en algo destacó este periodo de renaceres fue en la plasmación y
la persecución del arte grecorromano. Así pues, el arte empezó a cobrar un sentido más
antropocentrista y a unirse, junto con la ciencia, con la formación científica. De esta manera, cada vez
las obras artísticas comenzaron a aproximarse a la naturaleza a través de la matemática. Por otro lado,
la corriente filosófica del humanismo empezó a coger tanto peso que teorizaron esta creencia del ser
humano como centro de todo en el arte. Todas estas corrientes dieron lugar a esculturas dignas de
admirar y con un gran estudio de la anatomía. Se empezaron a abrir cadáveres para poder estudiar la
musculatura; cosa imposible siglos atrás debido al gran peso de la religión. Autores como Miguel
Angel, Donatello y Ghiberti tuvieron un prestigio muy alto por sus increíbles e imponentes obras, así
como las técnicas empleadas. La proporcionalidad, el cánon de nueve cabezas, el contrapposto,
movilidad y expresividad son algunos términos que detallaremos en profundidad durante la
realización de este tema.

Analizaremos grandes obras como David de Donatello, sin duda de las más importantes debido a las
características formales que esta presenta y su temática religiosa que se siguió representando en el
Cinquecento con Miguel Angel y años más tarde con Bernini.
Respecto a la temática, se siguieron representando temas religiosos pero los desnudos, los bustos y el
retrato ecuestre se empezaron a usar con más fuerza. El material empleado fue principalmente el
marfil y el bronce, usando en este último el proceso de la cera pérdida. Las esculturas no siguieron el
mismo patrón del todo durante los periodos del Quattrocento y el Cinquecento. Durante el
Quattrocento, las esculturas eran más exentas y con mucha más proporcionalidad, en cambio, durante
el Cinquecento, tendían a ser más monumentalistas, dinámicas y utilizar con mayor frecuencia la
forma serpentinata de Praxíteles. Estamos ansiosas de saber qué nos deparará las esculturas de este
periodo tan clásico y novedoso al mismo tiempo.

Bibliografía

Charles, V. (2012). El Renacimiento. Parkstone International

Triadó Tur, J., Pendás García, M., Triadó Subirana, X. (2016). Història de l’art. Vicens Vives

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Quinta opción: 10 – ARTE GÓTICO. RELIGIÓN E ICONOGRAFÍA. ETAPAS. ESCUELAS.
ARQUITECTURA, ESCULTURA, PINTURA, VIDRIERAS. LOS LIBROS O CÓDICES
MINIADOS.

El nuevo surgimiento de este estilo se trata de la unificación del arte y la teología surgida en Europa
durante el año 1100. Este tipo de arte hizo que ya no sea solo parte de un monopolio de la religión,
sino que también perteneciese tanto al hombre como a la naturaleza. De hecho, fueron la monarquía y
la burguesía, así como la aristocracia y la iglesia, las que impulsaron conjuntamente el proceso de
humanización del arte, que luego alcanzó su apogeo en el siguiente período histórico de la época
moderna, el Renacimiento.

La arquitectura gótica respondía a la dicotomía de la luz y la oscuridad. La claridad está bien y Dios
es la luz de la vida misma. En cambio, el mal acecha en la oscuridad.

En la Edad Media, sólo cierta minoría de personas sabía leer y escribir. Los agricultores, pastores,
artesanos y sirvientes únicamente imágenes e ilustraciones. Así recibieron la primera y única
catequesis, el conocimiento visual de Dios. Esculturas, vidrieras, rosetones, retablos y frescos les
hablaron de la vida de Jesús y de los santos.

El gótico se originó en la Francia medieval tardía y desde allí se extendió al resto de Europa. Sin
embargo, cada país ha absorbido elementos de su cultura y por lo tanto tiene características
específicas dentro de cada país.
Algunas de las características más llamativas del arte gótico son, entre otras, la estética de la luz, la
aplicación de nuevas técnicas arquitectónicas como las bóvedas de crucería o los arbotantes y
contrafuertes, y una de las características más importantes es el carácter didáctico del arte.

El motivo de la elección de este tema para la elaboración del proyecto de la asignatura se debe a que,
entre otros, encontramos muy curiosa la relación (tanto en esta época como a lo largo de la historia)
entre el arte y la iglesia, que, aunque no se sea una persona practicante de la religión es fácil darse
cuenta de la cantidad de poder e influencia que tenía la iglesia en aquella época.
Eso sí, por lo poco que sabemos del tema (y es por ello que queríamos realizar este tema para una
profunda investigación) sabemos que siempre ha existido como una fuerte dependencia entre el ser
humano y la creencia entre un ser divino al que se pueda “justificar” las causas de sus acciones o de
las ocurrencias que le pasan.

Bibliografía

Altuna, J. J. (18 de 02 de 2023). AUÑAMENDI EUSKO. Obtenido de AUÑAMENDI EUSKO:

https://aunamendi.eusko-ikaskuntza.eus/es/historia-del-arte-gotico/ar-68046/#

Francisco. (03 de 01 de 2013). Profesor Francisco. Obtenido de Profesor Francisco:

https://www.profesorfrancisco.es/2013/01/arte-gotico.html

Imaginario, A. (18 de 02 de 2023). Cultura Genial. Obtenido de Cultura Genial:

https://www.culturagenial.com/es/arte-gotico-obras-caracteristicas

Puig,F. (12 de 05 de 2022). Rtve. Obtenido de Rtve:

https://www.rtve.es/television/20220512/descubre-luz-tan-importante-arte-gotico/2347580.shtml