REPORTE DE EXPOSICION GRUPO 7

El arte de la edad moderna

Al hablar de arte en la Edad Moderna nos referimos al período que va desde el

final de la Edad Media hasta el estallido de las revoluciones políticas y
económicas a finales del siglo XVIII. Una época con enormes cambios
filosóficos y políticos que tienen su reflejo en el arte renacentista y barroco. La
afirmación del individualismo y la valoración de la persona humana tienen
reflejo en el impulso que reciben los artistas que abandonan el anonimato
medieval y mejoran su situación al amparo de los grandes mecenas. Frente a la
La deshumanización de la figura humana durante la Edad Media en el
Renacimiento se buscará la belleza y en el Barroco el naturalismo. Durante el
período medieval las figuras daban poca sensación de volumen por falta de
modelado y por la visión frontal o de perfil sin escorzo.

Con la Edad Moderna las composiciones presentan simetría, relaciones de

proporción, perspectiva con punto de fuga central, las figuras presentan
tratamientos volumétricos. En la arquitectura aunque se siguen construyendo
edificios religiosos aunque ya no tan grandes como en el gótico y se comienzan
a edificar edificios civiles como palacios, ayuntamientos, hospitales, etc. El
diseño de las edificaciones ya es consciente, aparece el concepto de proyecto, el
poder representar fielmente la realidad mediante la perspectiva.

¿Qué características tiene el arte de la Edad Moderna?

1. Propio del arte occidental. El arte moderno surge en Europa como

consecuencia de la Revolución industrial y se extiende hasta Estados Unidos
manteniéndose como un fenómeno occidental.
2. Contraposición al arte académico entendido como la tradición artística
clásica occidental.
3. Interés por otras culturas. Si bien el arte moderno se opone a las tradiciones
occidentales del arte académico, una de sus fuentes de inspiración y
experimentación son las tradiciones artísticas de otras culturas.
4. Innovación constante. Se experimenta con nuevos temas, materiales,
técnicas y procesos.
5. Desarrollo del comercio del arte. Conceptos como el marchante o la galería
de arte que nace y se desarrolla junto al arte moderno.

El Renacimiento

Es el nombre dado en el siglo xix a un amplio movimiento cultural que se

produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI. Fue un periodo de
transición entre la Edad Media y los inicios de la Edad Moderna. Sus
principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se
produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. La
ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este
movimiento, que se extendió después por toda Europa.

El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que

determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El término
«Renacimiento» se utilizó reivindicando ciertos elementos de la cultura clásica
griega y romana, y se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la
cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de
predominio de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la
Europa medieval. En esta nueva etapa se planteó una nueva forma de ver el
mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes, la
política, la filosofía y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por el
antropocentrismo.

Característica
El “retorno a la Antigüedad”, o sea, la recuperación de la tradición filosófica,
artística y política de la Grecia y la Roma clásicas, que durante siglos el
cristianismo había tenido por pagana. El rechazo al dogmatismo cristiano y el
inicio de una nueva relación con la naturaleza, mediada por la ciencia. Esto a la
larga condujo al nacimiento del humanismo, que reemplazó a la fe por la razón
como valor supremo, y en lugar de Dios puso al ser humano como centro del
universo.
Las artes fueron patrocinadas por las altas clases sociales (ya no sólo por la
Iglesia) a través del mecenazgo. Esto financió una importante cantidad de
artistas de la época, y les permitió incursionar en obras de arte de temática no
religiosa o no cristiana.
 Arte renacentista
El arte renacentista se puede organizar en períodos históricos y estéticos
distintos:

● El Cinquecento o Renacimiento pleno. Conocido también como Alto

Renacimiento, fue el período propiamente clasicista del arte renacentista, en el
cual surgieron sus grandes artistas: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael, y se dio el
apogeo de la pintura y escultura del momento.
● El Seicento o barroco italiano. Cuyas obras buscaron activamente el exceso,
la confusión, el contraste, la mezcla de materiales pictóricos o plásticos, a través
de lo cual se esperaba contrarrestar los influjos iconoclastas de la Reforma
protestante y de La Revolución científica. Predominaron las obras devocionales
y los artistas polifacéticos.

Rococo
¿Qué es el arte rococó?
El rococó fue un movimiento artístico de origen europeo francés, que
desarrollaba un estilo provocador y alegre, además del exceso de decoración.
Poseía un alcance que arropaba a la pintura, las artes decorativas, la arquitectura
y la escultura. El nombre Rococó proviene del término “Rocaille”, técnica
decorativa de jardines empleada con el uso de guijarros y conchas marinas,
especialmente popular en Francia y en Italia durante el siglo XVII. Dicho
efecto, produjo que se le adjudicará el término Rococó a este estilo, por los
efectos logrados.

¿Cómo surgió el arte del Rococó?

Su desarrollo comenzó a principios del siglo XVIII, durante el periodo de
transición entre el movimiento Barroco y el arte neoclásico. A pesar de que
estas corrientes tienen en común el interés del detalle, este se diferencia por su
estilo dramático y solemne por la diversión y el placer. Tal era el hecho de
diversión, que el Rococó no respetaba al Estado y mucho menos a la Iglesia.
Para el periodo artístico, era más importante realzar la cotidianidad y la
sensualidad, que los detalles temporales y espirituales. Los temas más
representativos en el periodo del Rococó, fueron las aventuras sentimentales,
las diversiones de la élite europea ociosa, las escenas pastoriles y la vida
doméstica.
Todas ellas poseían una conexión con la experiencia, a pesar de lo edulcorada de
las escenas. Sin embargo, aunque no le daban mayor importancia, seguían
representando escenas mitológicas, religiosas e históricas, pero retirándose su
solemnidad. Para este estilo, quedaba en el olvido la temática didáctica y
moralizante que realizaban. Para ello, cada planteamiento artístico tenía que ser
representado bajo un filtro de cotidianidad, agregándole el toque de placer y
gracia.
Arquitectura:
La arquitectura pasó de la grandilocuencia barroca a un gusto más delicado, de
formas gráciles y con preponderancia de espacios pequeños, de ambientes de
recogimiento pensados para el bienestar y el confort. Se puso de moda lo
exótico, especialmente el gusto por el arte oriental. Dichos espacios, además de
ser pequeños, eran trabajados por los artistas con mayor intimidad, gracias a la
utilización de formas gentiles y delicadas. Así mismo, el uso de la decoración se
destacó por la imaginación y el ingenio. Con relación a las aplicaciones doradas
que desprendían luminosidad y alegría, estuvieron regularmente a la orden del
día, siempre al servicio de las varias opciones en curvas con motivos marinos y
florales, además de toda clase de sinuosidades. Por ejemplo, el arquitecto
Germain Boffrand de origen francés, fue el que inició la introducción del
Rococó en su país, e incluso lo puso al servicio de la orden monárquica, a pesar
de que en ocasiones iniciara proyectos religiosos. Algunos de ellos son, El
Castillo de Lunéville, El Hotel de Soubise en Paris, El conservatorio de
Versalles y el Place Vendôme de Paris.
Escultura del Rococó
La escultura en el Rococó tuvo un papel importante, principalmente porque
destacaba, a diferencia del barroco, la disminución de las dimensiones, al igual
que aumentar la delicadeza y la suavidad en el tratamiento de los movimientos y
las texturas. Frecuentemente se utilizaba la porcelana, la madera y el yeso a
pesar de que se continuaba trabajando con el mármol.

Pintura del rococó

La pintura proveniente del Rococó fue un éxito del rubenismo que sobrepasó al
poussinismo. El primer término, se conoce como aquella corriente de artistas
pictóricos que prevalecieron el color sobre el dibujo, debido a que se inspiraron
del pintor barroco y de origen flamenco, Pedro Pablo Rubens, quien nació en
1577 y murió en el año 1640. En segunda instancia, el Poussinismo se reconoce
como la corriente que le daba más importancia al dibujo sobre el
 color, por influencia que se recibía del artista Nicolás Poussin de origen
Francés, nacido en 1594 y fallecido en 1665. Esto significa que el colorismo era
característico de los artistas de este movimiento; además, que su carácter de
gracia y placidez contrastaba con el drama del barroco. Principalmente la
pintura refleja la vida de la corte, las banalidades, el entretenimiento, los juegos,
las aventuras amorosas y la vida cotidiana.

El neoclasicismo
El término neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar al
movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales
de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en
la filosofía y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos
de la cultura. La arquitectura neoclásica era más racional, de signo funcional y
un cierto aire utópico, como vemos en los postulados de Claude-Nicolas Ledoux
y Étienne-Louis Boullée. Conviene distinguir dos tipos de arquitectura
neoclásica: la de herencia barroca, pero despojada de excesiva decoración para
distinguirse de la arquitectura rococó; y la propiamente neoclásica, de líneas
austeras y racionales, sobria y funcional.
Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol
blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas
antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza que
Winckelmann había encontrado en la estatuaria griega.
La escultura, de lógico referente grecorromano, tuvo como principales figuras a:
Jean-Antoine Houdon, retratista de la sociedad prerrevolucionaria (Rousseau,
Voltaire,Lafayette, Mirabeau)
Antonio Canova, que trabajó para los papas y la corte de Napoleón
(Paulina Borghese como Venus, 1805-1807)
Bertel Thorvaldsen, muy influido por la escultura griega, consagrado a la
mitología y la historia antiguas (Jasón con el vellocino de
oro, 1803).
Otros nombres destacables serían John Flaxman, Johann Gottfried Schadow,
Johan Tobias Sergel y Damià Campeny.
La pintura mantuvo un sello austero y equilibrado, influido por la escultura
grecorromana o figuras como Rafael y Poussin. Destacó especialmente
Jacques-Louis David, pintor «oficial» de la Revolución Francesa.
La claridad estructural y el predominio del dibujo sobre el color son algunas de
las principales características formales de la pintura neoclásica.
 La literatura se caracterizó por la sencillez, la claridad y la armonía que tenían
como objetivo transmitir el pensamiento ilustrado. No se aceptaba el arte por el
arte, sino que una obra tenía que transmitir valores que ayudaran al ser humano
a superar sus limitaciones y además se rechazaban los conocimientos impuestos
y solo se admitían los que podían conocer a través de la razón y experiencia.