Arte conceptual: la crisis del objeto artístico

Lo que se valorará es la idea, el proceso y lo que tiene el artista en mente. Finales de los 60 va a suponer un
momento en que hay gran cantidad de movimientos, que se va yuxtaponiendo más que en los años 50. Hay
una verdadera proliferación de pequeños movimientos donde hay una gran impopularidad del objeto. Todo
este mundo conceptual va a coincidir con gran parte de los movimientos que hemos estado viendo hasta
ahora, como el pop arte o el minimal art. Los años 70 son el momento de apogeo y en 1975 será cuando
finalice.

Las corrientes que se encuentran en este periodo de tiempo serán el arte conceptual (idea), body art y arte
de acción o happening (el cuerpo humano será el elemento que utilice el artista para transmitir su idea) y el
land art o arte ecológico y arte povera (entorno, es donde tenemos ese mundo que se abre hacia unos
campos impensables). Hay una crisis del objeto en beneficio de la idea y lo que el artista tiene en su cabeza.

El denominador común de todas estas tendencias es el cansancio del objeto artístico tradicional, es decir, un
objeto creado y que tenga una identidad material, que tenga una presencia definida y haya sido hecho a
través de una manipulación (tanto artesana como industrial). El objeto tradicional es un objeto para la
contemplación, que se exhibe y que el propio espectador puede ver tantas veces como desea. Por tanto,
estos nuevos movimientos son movimientos que no llevan muchas obras al museo pues no es un arte hecho
para estos lugares.

El arte conceptual tiene en sí mismo una crítica a todo ese mundo mercantil, del
mercado del arte, al objeto que tiene un valor, a la especulación… pues el arte
siempre ha estado unido a este tipo de cosas. Estos artistas quieren que el arte no
sea comercial, que no se pueda comprar. Sin embargo, es obvio que sí se ha
podido comprar. El proceso creativo es lo que realmente es la obra.

El arte conceptual propiamente dichos surge a finales de los 60, alcanza su

apogeo a finales de la década y finaliza hacia
1975. El acto creativo es la idea, el proceso.
Duchamp será uno de los precedentes con su
Fuente (1917). Hay una ruptura con el arte tradicional. También como
precedentes se encontrará Magritte con Ceci n’est pas une pipe (1919)
donde nos muestra la idea que tiene el artista de la imagen de pipa que
tiene en su cabeza. La categoría de arte es siempre ese concepto, ya no
tiene que ser algo tangible.

Hay bastantes artistas que seguirán este ejemplo. Uno de estos será Piero
Manzoni quien contribuyó a este protagonismo de la idea. Se dedicó a exponer y
vender sus propios excrementos: Mierda de artista (1961). Lo que hizo fue
enlatar su propia mierda en 90 recipientes de metal, y las etiquetó, numeró y
firmó para venderlas al peso, al precio del oro. El concepto de arte ha llegado a
tal punto que se puede comprar a precio millonario los excrementos de un
artista. Este está criticando el mercado del arte, está queriendo defender la idea
del artista. Este artista también vendía frascos con su sangre.

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Otro artista será Yves Klein, quien hizo una exposición en 1958 que era Vacío, no
había nada. Es una forma de superar las artes tradicionales, de llevar al extremo
este tipo de arte. Se está desmaterializando la materia hasta el punto de
desaparecer.

Rasgos a tener en cuenta:

- Cansancio del objeto artístico tradicional a favor de la idea perseguida por el artista.
- Su carácter efímero o la inexistencia de objeto material hacen que las fotografías de los actos o las
grabaciones audiovisuales, las declaraciones de los artistas, los catálogos de exposiciones, etc. son
las únicas fuentes o documentos que nos ayudan a recomponer el proceso creativo y la obra
misma.
- Actitud crítica respecto al mercado del arte y a la vergonzosa especulación comercial a la que había
sido cometido el arte.

Hay dos tendencias en el arte conceptual: la lingüística y tautológica, que es repetir un mismo pensamiento
de distintas formas; y la tendencia mística, que es el subjetivismo y abandono al subconsciente, vinculada al
pensamiento zen.

Tendencia lingüística

Uno de los mayores representantes será Joseph Kosuth

(1945). Realiza Una y tres sillas (1965), el primer código es un
código objetual, que es la propia silla. El segundo es el código
visual: la fotografía de la silla. El tercer código es el verbal,
que es la definición de la silla. Hay un triple código de
aproximación a la realidad. Para estos artistas el arte no
necesita más que presentarse y se presenta exponiendo que
la idea de obra de arte y la obra de arte, es lo mismo. Al
presentar el objeto, el artista pregunta al espectador: “¿En
cuál de los tres conceptos se encuentra la identidad del
concepto?”.

Tendencia mística

Está vinculado al pensamiento zen y predomina el mundo del inconsciente y de lo subjetivo. El

representante principal será Joseph Beuys (1921-1986), que ha sido una figura muy enigmática. Fue un
hombre muy polifacético: era escultor, dibujante, creador de instalaciones, happenings, docente… Sobre
todo luego fue un gran activista político de izquierdas, muy comprometido. Düsseldorf se convierte en uno
de los grandes focos del momento. Su propia imagen y puesta en escena acompañará a Beuys toda su vida.
Se habla de él como si fuera un monje o un chamán, tenía su propia manera de interpretar la ropa que se
ponía. Es una de las figuras más legendarias de nuestra época y es considerado como el eje principal de la
escuela de Düsseldorf. Hay quien dice que a partir de él, empieza otra etapa en el arte.

Nació en un pequeño pueblo de Alemania y su padre era comerciante, católico practicante. Este ambiente
dominó siempre su vida en su casa. Esto hizo que fuera un hombre rebelde, que rápidamente se marchó de

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casa y empezó a trabajar en trabajos muy diferentes. Protestó contra esa normativa y rigidez del ambiente
familiar. Desde siempre pintó, le gustaba dibujar y tenía buenas dotes. Sobre todo hacía acuarelas. Le
gustaba leer literatura romántica, donde había componentes espirituales y mágicos, orientados hacia ese el
mundo del chamanismo. Le interesaban mucho las cuestiones filosóficas. Con todos estos elementos fue
conformando su personalidad.

Hay un dato interesante de su vida que la condicionará: en la Segunda Guerra Mundial tuvo que alistarse en
el ejército, concretamente en la aviación alemana de Hitler. Allí tiene un accidente, pero sobrevive. Le
recogieron unos nómadas tártaros, le untaron de sebo y le envolvieron en fieltro, manteniéndole caliente.
De esta manera le salvaron la vida, lo que le quedó grabado para siempre. Para él, el sebo y el fieltro
tuvieron un sentido de renacimiento. Continuó sirviendo para el ejército alemán. Cuando vuelve a Alemania
ya tenía la firme intención de dedicarse al arte, en torno a 1946.

En 1961 es cuando tiene de manera oficial un puesto de profesor de escultura en la Academia Nacional de
Düssendorf. A partir de este momento se enfrentará continuamente a las normas establecidas. Desarrollará
una labor nada convencional con sus alumnos, rechaza a figura de catedrático como persona de una
autoridad muy fuerte pues le recordaba a su padre, rechaza la idea del profesor subido en una tarima
hablándoles de lo que debían hacer… Él pensaba que el profesor debía estar más ligado a la actividad de
los estudiantes. Debía ser capaz de aprender de ellos como núcleo de cristalización de ideas. En estos años
en los que está de profesor, vive muchos momentos importantes en relación con la cultura y con el arte. Es
una de las ciudades donde hay más movimientos rompedores. En 1961 nace Grupo Zero, que será donde se
realizará el primer happening en esta ciudad. Es un ambiente realmente enriquecedor que va asimilando.

En 1962 se celebra una noche muy importante para el arte de esta época: la noche fluxus. Era la noche
fluxus neodadá música, que era una velada a base de música pero muy anti-clásico, primaba la libertad y el
trabajo colaborativo. Él estará con este grupo y conocerá a algunos de estos representantes. Participará en
muchas exposiciones, empieza a realizar acciones, a tener un grupo de alumnos alrededor… Lo curioso de
estos exalumnos es que no se parecen. La gran aportación de Beuys es que les enseña a ser libres y que sigan
su propia tendencia natural a expresar lo que llevan dentro. Su vida estará impregnada de sentimiento
político. Para él, la relación entre arte y política es incuestionable, considera que el arte es política. La
política de alguna manera es inmanente en el hombre, ese sentimiento de vivir en comunidad y las ideas. De
hecho, fundará un partido: el Partido Estudiantil Alemán en 1967.

Introduce nuevos sistemas de enseñanza que se caracterizan por la interdisciplinariedad. Los artistas
intercambian conocimientos y se sienten libres para hacer lo que quieran. Todo esto llevará a un claro
enfrentamiento con las autoridades de la academia. Hay una serie de profesores que quieren que se vaya y
que hablan del peligro que supone para la enseñanza de los alumnos. En 1972 es expulsado de la Academia.
Tras todo esto, lleva el caso a los tribunales y gana. Estos tribunales obligan a la Academia a readmitirle, pero
ahora será él el que no quiera estar. Llegará a fundar una universidad libre.

Sus ideas. Su lenguaje

- Beauys es un activista, interesado por la política artística y cultural. Por eso no es posible separar lo
político de lo artístico. Precisamente porque el arte s factor decisivo en la formación del ser humano,
es la conquista de su libertad personal, en la lucha contra la alienación, no puede desligarse de lo
político.

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 - Su lenguaje se sitúa entre el minimal arte, el arte conceptual, el Body Art, las Acciones y el arte
Povera.
- Sus obras se caracterizan por el sentido enigmático y simbólico, teñidas a su vez de cierto misticismo
oriental.
- A través de sus acciones efímeras y pobres, crea una estrecha relación entre el arte y la vida,
provocando a la sociedad consumista. Rechaza la mercantilización de la obra de arte, a favor de los
valores espirituales.
- Utilizó todo tipo de medios expresivos: fotografías, fieltro, cobre, motores eléctricos, harpilleras,
miel, margarina, grasa… animales vivos o muertos.

Silla de sebo (1963) donde elige uno de sus materiales fetiches: la grasa. En la silla ha sentado un trozo de
grasa, lo que llama la atención del espectador. Lo que pretende es llamar la atención e interés de los
visitantes. La silla es de madera, tosca y vieja. El sebo ocupa casi la totalidad de
la silla y tiene forma de triángulo. Estamos ante algo blando. El inconsciente es
algo que está en eterno movimiento y transformación, es algo consustancial a
la propia vida. El sebo nos está hablando de una materia natural que se
transforma, endurece o ablanda. Es algo que no es estático y no se puede
asociar a lo racional. Este tránsito físico de la materia, esta materia que puede
transformarse, habla del nuestro propio movimiento interior. Él está reflejando
en este tipo de objeto extraño ese mundo interior que tenemos en continua
transformación: son los estados de ánimo del hombre, pues van cambiando.
Ese mundo de los pensamientos y sentimientos está representado aquí por el
artista. Para él, el sebo es un elemento regenerador y está asociado a la vida.
Lo que prima es la idea que nos transmite la silla con el cebo encima.

Trineo (1969), se trata de un trineo de madera, manta de fieltro,

cinturón, linterna y escultura de grasa son objetos que transmiten la
idea de lo efímero y de algo cambiante. Excepto la linterna, todo son
elementos naturales.

Dentro de lo que hace Beuys, lo más característico serán sus acciones:

- Opta por un tipo de acción personalizada, estructurada y premeditada, que requieren un esfuerzo
físico y mental notable, así como un tiempo en general largo.
- Cada acción posee un tiempo propio, en general largo.
- Actúa acompañado de otros artistas, generalmente músicos.
- Sus argumentos siguen unas directrices precisas. Se relacionan con cuestiones a veces históricas y
espinosas.
- Sus acciones son especie de rituales impenetrables. El artista tiene algo de sacerdote o chamán que
oficia en busca de la verdad.
- No se requiere la intervención del público. Este es mero espectador que parece contemplar un acto
religioso. De ahí que se aparte del concepto de happenings acercándose a los performances.

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 - Con sus gestos, movimientos o forma de hablar, y el empleo de materiales con poderes mágicos o
terapéuticos: fieltro, grasa, miel, polvo de oro, animales vivos o muertos…, contribuye a crear un
ambiente mágico o simbólico en el que la revelación se hace posible.

Cómo explicar los cuadros a una liebre muerta es una acción que tiene lugar
en la Galería Schmela en Düsseldorf el 26 de noviembre de 1965. Para
empezar, se cubre la cabeza con miel y después lo que hace es espolvorear
con polvo dorado por lo que adquiere un aspecto de escultura sagrada
(riqueza espiritual). El hombre no debe dejarse alienar, sino que debe tener
su propio criterio. En sus brazos lleva una liebre muerta con la que habla.
La liebre está representándolo a él mismo, por lo que él está hablando
consigo mismo de arte. También habla de resurrección, es decir, hay un
acontecimiento.

El artista caminaba con la liebre por la sala en absoluto silencio, el cual solo
se rompía por la plataforma metálica que lleva en uno de sus pies. Con un
pie, cuando anda, suenan unas pisadas metálicas pero arrítmicas. Juega con toda una simbología: el fieltro
que aísla y protege, pero también incomunica; el sonido metal como una llamada de atención, para llamar la
mente. El público ve esta sala desde las ventanas, no están dentro de la propia sala donde está el artista.
Cuando la actuación haya terminado, entrarán los espectadores. Hay una distancia entre lo que está
haciendo él y el público. Empieza a hablar con la liebre en bajito, de forma casi inteligible, explicándole los
cuadros que están en la sala. Incluso, coge la pata de la liebre y hace que toque el cuadro. Para él, la vida
nunca está separada del arte.

Habla del significado del arte, pero también del significado de la vida y la muerte. La liebre simboliza el
trasunto vital, el ir de la vida a la muerte. En este caso, la liebre está muerta por lo que estaríamos ante una
idea negativa, pero a su vez estaría llamando a la resurrección. Está haciendo una especie de catarsis, de
grito personal, en el cual quiere transmitir una serie de ideas al público, pero no lo hace directamente pues
la gente no quiere escuchar. Lo hace a través de la liebre, que es un ser incontaminado por la sociedad
capitalista y era la intermediaria de lo que él quería expresar.

Me gusta América y a América le gusto (1974) es la

acción más espectacular. Se centró en la relación que
el artista mantuvo durante tres días completos con un
coyote. Se encerró dentro de un espacio vallado
dentro de una galería. Elige al coyote porque este es
un animal totémico, sagrado para los indios. Lo que
quiere es reconciliarse como americano, como
persona con ellos, lo que hace a través del coyote. Por
ello, para él el coyote es un símbolo de América. Se
envolvió en unas telas de fieltro y llevaba un bastón para poder protegerse. Hubo una aproximación entre el
artista y el animal durante esos tres días: el animal le atacó en repetidas veces.

Beuys abrió las puertas a una nueva percepción de la manera de entender el arte. El arte conceptual se basa
en corrientes anteriores, pero aquí se da un paso más. Desaparece la obra de arte y entra lo efímero, lo
único que quedan son vídeos o fotografías del acto.

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Happening:

- Término acuñado en 1959 por Allan Kaprow: “Algo espontáneo, algo que simplemente ocurre”.
- Es una acción, un “acontecimiento”, en el que el artista prepara un guion, con fecha y escenario,
pero los detalles se dejaban a la libre elección de los actores-espectadores. Hay, pr tanto, un cierto
grao de improvisación/no controlada.
- El público puede intervenir, eliminando la distancia de la contemplación.
- Sus raíces están en el estudio del artista, no en el teatro, aunque puede acompañarse de música,
danza, teatro, artes plásticas…

Allan Kaprow fue el gran iniciador de los

happenings. Realiza 18 happenings in 6 parts
(1959), cada parte contiene tres
acontecimientos que ocurren a la vez. Al final
de la representación se escucharán dos
toques de campana, no habrá aplausos hasta
después del sexto set. Las instrucciones iban
diciendo a qué sala había que cambiar y
cuándo, así como el cambio de asiento o
cuándo debían moverse. Las salas se habían
formado colocando láminas de plástico semitransparentes, en ocasiones pintadas. El público aporta también
su propia personalidad. A veces se tocaba música, se pintaba, mirando hacia diferentes partes, se trasladan
cosas de un lado a otro… Los visitantes se convierten en accesorios e instrumentos del artista, a través de los
cuales este realiza su plan.

Lo que siempre quería era manifestar que el arte era algo activo, participativo, una manera de sentirse libre.
El caos frente a todo lo racional. Los happening se asocian al rechazo a una sociedad que ha cambiado, que
es consumista y donde todo está establecido. Promueve la originalidad y la libertad, así como acabar con el
utilitarismo de la materia. A veces los happenings tienen a Pollock como referencia. El happening supuso un
esfuerzo confiado en poner al servicio de todos los hombres los recursos de la tecnología, haciéndolos
conscientes por medio del arte.

Performance:

- Es una acción artística o representación, con una cuidada preparación, como las obras de teatro.
- Tiene su antecedente en los futuristas, dadaístas y surrealistas, que escenificaban acontecimientos
provocadores y humorísticos. |También en los happenings|
- Está ligado al Happening, al Fluxus, al Body art y, en general, al arte conceptual.
- No cuenta con la participación del público, aunque sí puede acompañarse de música, danza…

Las fotografías, vídeos, manifiestos, etc. permiten que happenings y performance perduren. Se reconocen
como arte a finales de los 60 o principio de los 70. Pronto fueron absorbidos por las galerías y
posteriormente por los museos.

Stuart Brisley con su performance Y, por hoy…nada (1972) está

centrada en humillarse y dañarse a sí mismo, igual que Beuys
empleaba la liebre, aquí emplea su propio cuerpo. De significados

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complicados y profundos donde casi siempre aparece el mundo del capitalismo y consumismo como algo
morboso. Esta obra en concreto, el artista se mete en una bañera llena de entrañas de animales, en la que
pasa horas y horas; la performance duró 15 días, se metía en la bañera durante dos horas. Realiza una
película basada en este trabajo, llamada El trabajo que libera o El trabajo os hace libres, este era el título de
los carteles de los campos de concentración de los nazis, es una crítica a todo esto, pero también a ese
engaño general de la sociedad actual, capitalista, de que el trabajo te hace libre, cuando en realidad te
convierte en alguien alienado. Es una reflexión sobre la muerte, así como el goce que te produce el
capitalismo, a través del cuerpo expresa sufrimiento, él mismo se autoinmola.

Diez días (entre el 21 y 31 de diciembre de 1973), la comida que él se comería en este tiempo la entrega a la
gente, dejan despojos, por lo que durante ese tiempo no come, ayuna durante estos 10 días.

También en el mundo británico hay algunas performances más simpáticas, como las de Gilbert and Georges,
su obra más emblemática es Escultura cantarina (1973), se ponen el rostro dorado y se colocan sobre un
plinto, a modo de esculturas, y hacen que cantan una canción de un musical. Están haciendo una
performance, pero expresando otro tipo de preocupaciones, la idea del artista, todo lo que hace debe
considerarse arte. Se plantea esa cuestión de la relación entre el creador y lo que crea, que sea lo que sea es
arte.