INSTITUTO PROFESIONAL DE LAS

AMÉRICAS

BELLAS ARTES
Primera Parte

Nombre:

Numero de Cedula:
 Ejercicio N°1

1.Explique en qué consisten las siguientes técnicas en la pintura:

acrílico, pastel, óleos, pintura mural.
Acrílico: En la pintura acrílica los pigmentos se mezclan con una sustancia plástica
llamada polímero de acrílico. Aunque las pinturas acrílicas se disuelven con agua,
una vez secas son resistentes a ella. Este tipo de pintura, surgido en la primera
mitad del siglo XX, seca muy rápido, cambiando ligeramente su tonalidad cuando
se fija definitivamente.
Como decíamos, la pintura acrílica resulta perfecta para aprender a pintar un
cuadro. ¿Por qué? Básicamente por tres razones:
 Seca muy rápido, con lo que podremos «repintar» por encima en unos
pocos minutos en caso de cometer errores.
 Es bastante económica y no requiere de materiales extras.
 Se disuelve con agua. Es fácil de manipular y mezclar.
Pastel: En la pintura pastel, los pigmentos de polvo se mezclan con resinas,
formándose una pasta seca a la que se le da la forma de un Crayon o cera. De
todas las técnicas de pintura esta es la que peor se adhiere, aunque el efecto que
deja es muy opaco. Se puede utilizar pintando directamente con una barra de
pastel o emplear el polvo que suelta la barra al utilizarla (similar a la tiza) para
aplicar color.
Óleos: La pintura al óleo disuelve sus pigmentos en aceites vegetales. La principal
particularidad del óleo respecto a otras técnicas de pintura es que tarda mucho en
secar. Esto hace que sea genial para realizar mezclas y trabajar colores, pero
puede alargar muchísimo el proceso.
Este tipo de pintura tiene muchas posibilidades, por eso es la más utilizada por
profesionales del arte. Existen diferentes métodos y técnicas para pintar al óleo:

 Pintura por capas vs. pintura directa o húmedo sobre húmedo. La pintura

por capas consiste en crear primero capas delgadas y luego ir
engrosándolas, esperando a que la pintura se seque cada vez. La pintura
directa, por su parte, permite terminar el cuadro en una sola sesión ya que
añade pintura capa sobre capa sin esperar a que sequen. Para usar esta
técnica de pintura al óleo es necesario tener mucha experiencia. Grandes
pintores impresionistas como Van Gogh y Monet la utilizaron en sus obras.
Pintura Mural: Se requiere mucha preparación, equipos y esfuerzo para pintar un
mural, ya que es básicamente una obra de arte grande plasmada directamente
sobre una pared. Es necesario emplear muchas de las mismas técnicas básicas
que las pinturas más pequeñas, pero a mayor escala. Los murales suelen
pintarse por capas y luego se terminan con una capa de barniz que los conserva
para que duren por mucho más tiempo.
1. Escoge un lugar adecuado para tu mural: Los artistas suelen pintar murales
sobre grandes superficies visibles. La superficie más sencilla para trabajar es una
pared plana sin demasiadas obstrucciones. Los pintores dedicados pueden utilizar
casi cualquier superficie para trabajar. Algunos pintores prefieren pintar sobre
metal corrugado, ladrillos o incluso techos. Una superficie irregular puede darle a
tu mural una textura única.
2. Instala andamios o una escalera si no logras alcanzar toda la pared: En la
mayoría de los proyectos de murales, vas a necesitar algún tipo de impulso para
alcanzar las áreas altas
3. Limpia la pared con agua y detergente para eliminar las impurezas. Debes
revisar la pared para detectar indicios de daños, manchas difíciles y otros
problemas que debes tratar antes de comenzar. Mezcla aproximadamente 3
cucharadas de un detergente líquido para ropa o un lavavajillas en un cubo de
agua.

2. ¿Que es el puntillismo y cuáles son sus características

principales?
El puntillismo es una técnica de pintura que se basa en la aplicación sistemática
de puntos de diferentes colores, pues tiene como base las teorías científicas de la
«división del color» según las cuales, la luz que vemos está compuesta por
diferentes colores, los cuales podemos ver en el arcoíris.
Entre las características del puntillismo podemos mencionar:
1. En el puntillismo la imagen adquiere una identidad desconocida.
2. Se encuentra la diferencia entre el boceto y la obra definitiva.
3. Cobra importancia el dibujo, por encima de las manchas de color.
4. La obra inicia al aire libre y termina en el taller, los cuadros requieren de
una extensa y compleja elaboración.
5. Existe gran preocupación por el volumen y las figuras se hacen
geométricas.
6. Se ordena de nuevo el cuadro de forma premeditada.
7. En ocasiones la obra puede ser muy rígida y artificial.
8. No se mezclan los colores ni en la paleta ni en el cuadro. Los puntos son de
color puro y se fragmentó la línea.
9. Solo se emplean colores primarios y el ojo hace la mezcla. Al ver un cuadro
de puntillismo se da la sensación de que la luz emana del cuerpo.
10. Los colores cálidos, las líneas ascendentes y valores claros representaban
la alegría en el puntillismo.
11. Las líneas descendentes, los colores fríos y los valores oscuros
representaban la tristeza para los puntillistas.
12. Las pinturas eran un modelo de orden, claridad y planificación cuidadosa.
13. Por lo general se pintaban puertos, orillas de ríos y escenas circenses.
 14. La teoría del color de los puntillistas establecía que la mezcla de colores los
ensuciaba, haciéndolos tender al negro.
3. Mencione 3 nombres de artistas que representan la técnica del
puntillismo
1. Vincent van Gogh.
2. Georges Seurat,
3. Paul Signac
 Ejercicio N°2.

1. Pintura la siguiente imagen utilizando la técnica del puntillismo

utiliza pilotos de punta fina.
 Ejercicio N°3.

1.Mencione el nombre de 3 pintores panameños.

1. Olga Sinclair
2. Guillermo Trujillo
3. Alfredo Sinclair

2. Escribe la biografía de Alfredo Sinclair.

Alfredo Sinclair Ballesteros (Ciudad de Panamá, Panamá; 8 de diciembre de 1914
- 2 de febrero de 2014) fue un pintor panameño. Es considerado el primer
panameño en explorar el expresionismo abstracto.1
Tuvo su primer contacto con la pintura en el taller del pintor Humberto Ivaldy.
Estudió pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación Ernesto de la
Cárcova en Buenos Aires, Argentina entre 1947 y 1951, bajo la tutela de Jorge
Soto Acebal. Fue profesor de dibujo y pintura en la Facultad de Arquitectura y fue
fundador de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Panamá. Desde 1950
ha estado realizando diversas exposiciones artísticas tanto en Panamá como
alrededor del mundo.
Como pintor trabajó la luz en collage y aplicó técnicas mixtas mediante colores
brillantes. Incursionó en el figurativismo pero se le conoció como el padre de la
abstracción en la pintura panameña. Comenzó su carrera artística usando
referencias semiabstractas a la congestión urbana, así como peces, insectos y
otros animales. En la década de 1970 cambió a una abstracción casi completa,
con cuadros evocativos de tablas bíblicas o paredes de cuevas rupestres.
Posteriormente, tomó como recurso las caras de niños, convirtiéndose en una
característica esencial de sus obras.
Fue nombrado "Ciudadano Ejemplar de Panamá" por los clubes cívicos en 1986.
En 1991 recibió la Orden Vasco Núñez de Balboa en grado de comendador. En
2000 recibió el premio Excelencias en las Artes, por parte del Museo de Arte
Contemporáneo. En 2004 recibió la Medalla Convenio Andrés Bello, siendo el
primer panameño en recibir tal condecoración.
Fue padre de Olga Sinclair, también destacada pintora panameña.
4.Pega 3 obras de Olga Sinclair y 3 de rolos de sedas.

Obras DE OLGA

MANTILLA DE INES

PAISAJE
Obras de rolo de sedas:
5.define las siglas INAC y diga los objetivos de esta institución.
INAC sus siglas significan Instituto Nacional de Cultura: Sus objetivos son
coordinar y fomentar las actividades culturales y folklóricas en todo el país. Es una
dependencia oficial, creada por mandato legal con la finalidad de orientar,
fomentar, coordinar, dirigir y promover actividades culturales a lo largo del territorio
nacional; además de proteger, rescatar, difundir y conservar el Patrimonio Cultural
e Histórico de nuestro país.

6.mencione que servicios ofrece el INAC (museos y escuelas )

utilice la página web de la institución para encontrar repuesta .
administra 23 centros dedicados a la enseñanza de diversas expresiones
artísticas, organiza concursos y becas literarias. Cuenta con 13 centros regionales,
administra el Teatro Anita Villalaz, el Teatro Nacional y el Teatro Balboa, coordina
la Orquesta Sinfónica y el Ballet Nacional, además mantiene 18 museos.
 BIBLIOGRAFIA
https://www.salirconarte.com/magazine/tecnicas-de-pintura/
https://www.caracteristicas.pro/puntillismo/
http://pacificdeveloperspanama.com/5-artistas-panamenos-que-debes-
conocer/
https://es.wikipedia.org/wiki/Alfredo_Sinclair
https://es.artealdia.com/Edicion-Impresa/91_Mayo_2002/Olga_Sinclair
https://www.inec.gob.pa
https://pa.linkedin.com/in/inac-panama-8406934b
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LAS AMÉRICAS

BELLAS ARTES
Segunda Parte

Nombre:

Numero de Cedula:
 Ejercicio N°1

1. explique las características de la pintura en el renacimiento.

Los artistas se inspiraban en las obras clásicas escultóricas para crear sus
personajes. La anatomía física era un punto muy importante, dando al cuerpo
humano un carácter naturalista. Además, reapareció el cuerpo desnudo. Para
crear cuerpos perfectos se estudiaba anatomía y se le daba mucha importancia a
la proporción y a las relaciones anatómicas. Se representaba la belleza física es
su máximo esplendor.
En las obras se utilizan pasajes de la mitología griega y romana para representar
escenas y paisajes. Aunque la temática religiosa no se olvida, esto también se ve
reflejado en representaciones de vírgenes y santos.
El afán por la observación de la realidad se tradujo en encontrar técnicas y
herramientas para plasmarla lo más fiel posible, ejemplo de ello son las veladuras
y el sumito. El objetivo era crear una obra fiel a cómo se estructuraba la realidad
que perciben nuestros ojos. Por esta razón, la perspectiva y la composición visual
adquieren una importancia en mayúsculas. Se utiliza el punto de fuga para dotar a
la obra de profundidad, utilizando la perspectiva lineal o matemática.
En la pintura del Renacimiento se utilizan los colores como herramienta de
creación de profundidad y perspectiva. Por ejemplo, se utiliza el sfumato para
crear unos contornos imprecisos, dando un efecto de lejanía. No vemos los
objetos de una composición del mismo modo, depende de a qué distancia se
encuentren del objeto que mira, es decir, el espectador.

2. Mencione los principales representantes de la época e ilustre.

algunas de sus obras más destacadas. Leonardo Da Vinci Miguel Ángel y Rafael
Sanzio.

3.Mencione las características del estilo barroco español.

Las características fundamentales de la literatura barroca española son la
progresiva complejidad en los recursos formales y una temática centrada en la
preocupación por el paso del tiempo y la pérdida de confianza en los
ideales neoplatónicos del Renacimiento. Asimismo, cabe destacar la variedad y
diversidad en los asuntos tratados, la atención al detalle y el afán de atraer a un
público amplio, de lo que es ejemplo el auge de la comedia nueva lopesca. De la
preocupación sensual dominante en el siglo XVI se pasa a un énfasis en los
valores morales y lo didáctico, donde confluyen dos corrientes: el neoestoicismo y
el neoepicureísmo. El Criticón de Gracián supone un punto de llegada en la
reflexión barroca sobre el hombre y el mundo, la conciencia del desengaño, un
pesimismo vital (pero no exento de esperanza) y una crisis de valores general

4.Escribe una breve biografía de Diego Velásquez y explique cuál

era su estilo y técnica, ilustre.

Diego Velázquez es universalmente reconocido como uno de los

mejores artistas del mundo. Con una brillante diversidad de
pinceladas y sutiles armonías de color, logró efectos de forma y
textura, espacio, luz y atmósfera que lo convierten en el precursor
principal del impresionismo español del siglo XIX.

Las pinturas de Diego Velázquez son simples, directa, sencillas dan sensación
de calma tanto en estilo como en ejecución.Entonces se puede decir que
estilísticamente, Diego Velázquez está más cerca de Caravaggio o de Annibale
Carracci que de artistas más extravagantes como Rubens o Bernini.

El estilo de Diego Velázquez puede caracterizarse por su

simplicidad,sencillez,seriedad, paleta limitada y pincelada floja e
impresionista.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, mejor conocido como Diego Velázquez,

nació en Sevilla en el año 1599. De abuelos portugueses, fue hijo de Juan
Rodríguez de Silva, y de la sevillana Jerónima Velázquez.

La formación artística de Diego Velázquez transcurrió mayormente en su

ciudad natal, Sevilla. Allí recibió clases de dos importantes maestros.
Aparentemente, el primero fue Francisco de Herrera. Después, ingresó al taller
del maestro Francisco Pacheco, quien fue una figura fundamental en su vida y
posterior desempeño.

De hecho, en 1618 se casó con la hija de su maestro, Juana Pacheco, cuando

aún no cumplía los 19 años de edad. Con ella tuvo dos hijas, Francisca e
Ignacia, también nacidas en la ciudad de Sevilla.
Durante su etapa sevillana, Diego Velázquez desarrolló ampliamente los
bodegones, así como escenas de taberna o escenas de cocina y cuadros
religiosos. En todo, Velázquez hacía gala de un naturalismo tenebrista de gran
factura que le mereció amplio reconocimiento.

De esta etapa, de hecho, es su celebrado lienzo El aguador de Sevilla, que le

dio una importante proyección profesional. Este naturalismo de Velázquez
dialogaba con los grandes maestros Caravaggio y Ribera, representantes de
esta tendencia de la pintura que alcanzaba niveles nunca antes explorados.

Alentado por su maestro y suegro, Velázquez viaja a Madrid en 1622 con la

idea de obtener algún cargo al servicio de la monarquía española. Aunque no
logra su objetivo y regresa a Sevilla, pinta en ese tiempo un retrato de Luis de
Góngora que atrapa la atención de la élite capitalina.

Un año después, en 1623, es llamado a Madrid por el conde duque de Olivares

para elaborar un retrato del rey Felipe IV. Gustó tanto que obtuvo el cargo de
maestro de cámara de la corte. Una vez instalado, pudo estudiar a los
maestros de la colección del palacio, como Tiziano, a quien Velázquez
consideraba su pintor favorito.

Bajo la protección real, Velázquez produjo gran parte de su obra. Dadas las
condiciones de ese momento, su producción se circunscribía mayormente a
retratos de la familia real, retratos cortesanos y personalidades destacadas.

Las características más peculiares y representativas de la pintura de Velázquez

son: Empleo de la perspectiva aérea. Profundidad. Pintura "alla prima", es
decir, sin realización de bocetos.

Para analizar la pincelada de Velázquez es necesario empezar por el material que

utilizaba: el óleo. La pintura al óleo de la época no era pintura al óleo como la que
conocemos y usamos hoy en día.

5. Mencione e ilustre 3 de las obras más destacadas de Diego

Velásquez.
6. Mencione las características del rococó y el neoclasicismo.
 Ejercicio N°2
1. Explique los siguientes conceptos en la pintura
contemporánea: El pintor, la provocación, la reproducción de la
imagen, el color, la textura, la forma o la figura.
El pintor: Los pintores contemporáneos asisten a las transformaciones
socioeconómicas de su época y dejan de estar sometidos a la tutela de los
gremios. Su formación puede ser académica o autodidacta, y su relación con el
público es completamente distinta a la existente en el Antiguo Régimen: sus
clientes preferidos ya no son el clero y la monarquía absoluta, sino un mercado de
arte representado por la burguesía, a cuyos gustos pueden responder o no. Si se
anticipan a su tiempo y renuncian a cualquier compromiso con la comercialidad,
buscando el arte por el arte, pueden ser incomprendidos e incluso pasar
penalidades, representando con su propia vida la figura tópica del pintor bohemio,
que se reúne con otros artistas de su misma condición en los ambientes
marginales de los barrios más conflictivos (como el Montmartre de París).
La provocación: El fin confesado de muchos pintores contemporáneos fue «épater
le bourgoise» (escandalizar al burgués), es decir, realizar conscientemente una
provocación mediante la transgresión. La búsqueda de sucesivas formas de
ruptura de las convenciones nunca tuvo fin, porque, cada vez más rápidamente, lo
que era provocador pasaba a ser primero tolerado y después incluido en el
mainstream institucional y del mercado del arte, que era el verdadero estímulo
para que surgieran nuevas provocaciones, quedando cada vez menos espacio
para definir quién era un pintor maldito o dónde encontrar realmente una pintura
underground, independiente o marginal
La reproducción de la imagen: El grabado tenía una tradición secular, pero las
posibilidades de reproducción de la imagen se desarrollan de modo impactante
con las nuevas técnicas de reproducción de imágenes, especialmente a partir de
la fotografía (en desarrollo desde las décadas centrales del siglo XIX).
Posiblemente, el impacto más decisivo de la fotografía fue desincentivar la
tradicional identificación entre arte e imitación de la realidad, y estimular la
búsqueda de otras alternativas, especialmente a través del color, que la fotografía
no consiguió reproducir hasta mucho más adelante
El color: En la larga lucha entre color y dibujo que venía librándose en la pintura
europea desde la Edad Media, el academicismo había sentenciado el triunfo del
dibujo y la línea, concediendo al color un discreto segundo puesto, que ni
romanticismo ni realismo habían subvertido. Únicamente algunas individualidades,
como Goya o Turner,6 dieron a la mancha y al color un puesto protagonista en sus
obras, que caracterizó también a parte de la pintura victoriana posterior; el resto
incluso valoraba la homogeneidad cromática que convertía casi todos los tonos en
pardos, tierras u ocres. Incluso se llegó a decir explícitamente que un buen cuadro
debía tener el color de un buen instrumento musical de madera.
La textura: La pincelada y la mancha son elementos muy importantes en la técnica
de los pintores de la Edad Contemporánea. La pincelada gruesa no es un invento
del impresionismo, la utilizaban muchos maestros antiguos (como Tiziano, del que
se decía que daba directamente los colores con las manos); pero ciertamente el
efecto acabado es uno de los requisitos de la pintura académica. Una conocida
anécdota de Goya describe la impaciencia del maestro por el detallismo con el que
su discípulo Vicente López Portaña estaba haciéndole su retrato de 1826. A esas
alturas, el estilo de Goya, que ya había realizado las pinturas negras, era el de sus
últimas obras en Burdeos. El efecto abocetado fue buscado por otros discípulos de
Goya, como Leonardo Alenza; y se convirtió en una de las señas de identidad de
los pintores rupturistas del realismo y el impresionismo.
La forma o la figuración: Artículo principal: Realismo en el arte.
El impresionismo y el neoimpresionismo reconstruían ópticamente las meras
apariencias. Los postimpresionistas (Cézanne, Van Gogh, y Gauguin, que huyen
de la atmósfera de París en busca de horizontes inéditos) iniciaron desde 1880 la
reconstrucción de las formas, es decir, de la existencia corpórea de las propias
figuras representadas. El cubismo y el constructivismo insistirán en estos
conceptos.
2. Explique las características de los estilos mencionados, en el
párrafo, superior, de la edad contemporánea y ejemplifique con
una ilustración de cada uno de los estilos.
El pintor:
 Se basa en el expresionismo abstracto.
 Busca diferentes formas de expresión.
 Tiene bases provenientes del arte abstracto.
 Sus obras son originales y artísticas.
 Los medios o instrumentos para realizar las obras del arte contemporáneo
son cambiantes y se utilizan nuevas tecnologías.
3mencione aspectos relevantes de los siguientes artistas e
ilustres algunas de sus obras más destacadas
3.1 Francisco goya
3.2Edouard manet
3.3Claude monet
3.4Cezame
3.5Van Gogh
3.6Salvador Dalí
3.7Pablo Picasso
3.8 Diego rivera
3.9Frida Kahlo
3.10Joan miro

4 coloque el nombre del autor de las siguientes pinturas

BIBLIOGRAFIA
https://escuelaartesania.com
https://es.wikipedia.org/wiki/Literatura_espa%C3%B1ola_del_Barroco
https://www.culturagenial.com/
https://www.culturagenial.com/es/diego-velazquez/#:~:text=Diego%20Vel
%C3%A1zquez%20es%20considerado%20el,la%20historia%20de%20la
%20pintura.