Tecnología de la Imagen y Diseño Digital 2022

INDAGACIÓN SOBRE LAS RELACIONES ESTABLECIDAS, EN LA EVOLUCIÓN

HISTÓRICA EN LOS CAMPOS DEL ARTE, LA CIENCIA Y LA TECNOLOGÍA

Lic. Elisabet Porrini

“En un tiempo muy distinto del nuestro, y por hombres cuyo poder de acción sobre las cosas era
insignificante comparado con el que nosotros poseemos, fueron instituidas nuestras Bellas
Artes y fijados sus tipos y usos. Pero el incremento sorprendente de nuestros medios, la
flexibilidad y la precisión que éstos alcanzan, las ideas y costumbres que introducen, nos
aseguran respecto de cambios próximos y profundos en la antigua industria de lo Bello.
En todas las artes hay una parte física que no puede ser tratada como antaño, que no puede
sustraerse a la acometividad del conocimiento y la fuerza modernos. Ni la materia, ni el espacio,
ni el tiempo son, desde hace veinte años, lo que han venido siendo desde siempre.
Es preciso contar con que novedades tan grandes transformen toda la técnica de las artes y
operen por tanto sobre la inventiva, llegando quizás hasta a modificar de una manera
maravillosa la noción misma del arte.»
Paúl Valéry, Pièces sur l'art -1932- La conquéte de l'ubiquité)

Si hablamos estrictamente de la relación Arte y Tecnología hablamos de la evolución del

hombre, su experimentación y la puesta en práctica de técnicas de transformación de la
materia prima. Los avances tecnológicos que desarrolló el ser humano durante el Paleolítico
fueron la respuesta a necesidades de supervivencia específicas, como cazar, cortar la carne de
las presas, desenterrar raíces para comer, protegerse del ataque de animales, guarecerse del
clima frío, calentar la comida o la vivienda, etcétera.
Es prácticamente imposible saber qué impulsó a los seres humanos a realizar las primeras
manifestaciones artísticas que han llegado hasta nosotros. No sabemos cuáles fueron sus
propósitos o qué pensaban que estaban haciendo, pero si sabemos que desde las eras más
primitivas han desarrollado tintas y pinturas con un grado de sofisticación que aún hoy nos
asombra.
La humanidad, ha expresado y ha dejado su legado sobre la piedra usando técnicas
aerográficas similares a las que se utilizan hoy en día. Es indudable que el hombre ha dispuesto
desde épocas remotas de una serie de instrumentos, procedimientos y técnicas, así como de
ciertas condiciones de eficacia, habilidad y saberes, los cuáles le han permitido establecer y
desarrollar esta relación ancestral.
Aquello que hoy denominamos “arte”, y que, en épocas remotas se encontraba más ligado a la
religión o la magia que a lo puramente artístico, se ha desarrollado al mismo tiempo que el
dominio por el hombre de diferentes herramientas y diferentes materiales.
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Evolución de la imagen en la historia de la humanidad

Una imagen (del latín imago) es una representación visual, que manifiesta la apariencia visual
de un objeto real o imaginario. Las imágenes han cumplido diferentes funciones a lo largo de
la historia como ser representativa, la simbólica, la semántica, la epistémica y la estética.

Cada época se ha caracterizado por la utilización de la imagen para expresar sus propios
valores culturales, es decir, para representar sus ideas y creencias.

Tenemos registros de la humanidad a partir de las pinturas rupestres. Es en ellas donde se

encuentran las primeras manifestaciones de plasmar la imagen y su interacción con el
entorno. Expresiones místicas que favorecen la caza, ritos de iniciación, advertencias para una
cultura nómade o simplemente reflejo de la vida diaria son varias de las teorías que justifican
estas manifestaciones.
Siglos después el hombre agrupado en sociedad desarrolla el “arte pictórico” como forma de
representar su convivencia y creencias. Los egipcios pintaban las tumbas de sus faraones con
representaciones mitológicas y escenas de la vida cotidiana, como la caza, la pesca, sus
celebraciones. En el arte Griego se pueden ver los deportes y juegos de la época y sus temas
más recurrentes eran los guerreros, las luchas y las danzas.
Los romanos decoraban sus villas con frescos de bodegones, mitos, paisajes, naturaleza
muerta, escenas cotidianas y retratos de la clase imperial. En el siglo V la pintura cristiana
adornaba las iglesias con la idea de contar la vida de Jesucristo, la Virgen y sus Santos.
En la Edad Media, todos los aspectos de la vida estaban influidos por la religión y la Iglesia era
una institución con un fuerte poder político. El poder y la influencia de la Iglesia en la Edad
media se extendió al ámbito cultural.

En la pintura renacentista, la ventana es la perspectiva, la mirada a través, la pirámide visual

imaginaria que llega hasta el objeto. Aquí cobra tanta importancia el objeto representado
como el sujeto que mira. La perspectiva se convierte en la estructura del espacio, la luz en la
realidad física y los volúmenes y masas confieren la concreción de los objetos y las cosas.
En este período se introducen los temas profanos, mitológicos y de la naturaleza y las
imágenes ya no son únicamente propiedad de la iglesia, sino de una nueva clase social en
despegue: la burguesía. La pintura renacentista responde a una nueva concepción del mundo,
a un nuevo antropocentrismo en el que se destaca la individualidad del sujeto y la ilusión y el
deseo de éste de apropiarse y comprender la realidad.
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El “descubrimiento” de América es algo muy importante. Nace el interés por la naturaleza, la

armonía de las composiciones por medio de la aplicación de leyes teóricas. Nace el humanismo
(Anhelo de acercamiento racional a la naturaleza) con Erasmo de Rotterdam y el estudio como
método científico en ámbitos muy variados : Anatomía, geometría, astronomía . Del
geocentrismo y teocentrismo medieval se pasa a la cultura antropocentrista. Nace también el
capitalismo, hay más intercambio comercial, más oferta, más demanda. Y con él aparece una
burguesía acomodada. El artesano se convierte en artista, y aparece la figura del mecenas

La popularización de la imagen no llegó hasta el siglo XIX. Hacia 1839, el daguerrotipo (uno de
los primeros procedimientos para fijar fotografías) permitió una reproducción instantánea de
la imagen, transformando la concepción de la imagen, más asequible y barata para más gente.

La evolución ha continuado hacia una imagen al alcance de todos: cámaras web, fotografía
digital, teléfonos móviles, etc. Aún hoy, el ser humano trata de conseguir la imagen que más
exactamente represente la realidad.

El arte, la técnica y la ciencia

“Sin la técnica el hombre no existiría ni habría existido nunca. Así, ni más ni

menos” (Ortega y Gasset, Meditación de la Técnica, 1939)

Un momento importante en esta relación es en la Grecia antigua, donde arte y tecnología

estaban tan íntimamente vinculados que había un solo término para denominar estas
disciplinas: “tekné” separándose estrictamente de las ciencias.
Entendían por tekné una habilidad mediante la cual se hace algo, se transforma una realidad
natural en una artificial según reglas, y por eso se puede transmitir y aprender. La tekné era la
relación de un conjunto de acciones para alcanzar un fin, la ciencia en cambio era la búsqueda
o contemplación de la verdad; la tekné manejaba la realidad, la ciencia daba razón del porqué
de esa realidad y es capaz de imaginarse realidades más allá de la experiencia. Una y otra
tenían sus ámbitos de actuación perfectamente diferenciados; más aún, eran incompatibles
ni siquiera complementarias: la tekné era cosa del entendimiento, la ciencia de la razón.
Podemos decir entonces que el arte occidental nunca ha estado realmente alejado de lo
tecnológico, sino que ha evolucionado paralela e inseparablemente de la tecnología del
momento, que desde ese punto vista siempre ha sido "nueva". Ciertamente en campos
artísticos clásicos como el grabado o la fundición en bronce, por poner sólo un par de
ejemplos, se ha recurrido a la tecnología del momento.
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Sin embargo, si hablamos de la relación entre ciencias naturales y técnica, notamos que ésta
ha ido fluctuando a través del tiempo pero que estableció en el Renacimiento su periodo más
fructífero. Todas las obras de arte del Renacimiento poseen unas características comunes
debido a que los artistas tienen ideas comunes que quieren expresar. La primera y más
importante de estas ideas es la voluntad de hacer del arte una ciencia. Esto se consigue
construyendo el cuadro a partir de las reglas matemático-geométricas de la perspectiva.

Poco a poco la técnica comienza a investigar, metódicamente, se enreda con la ciencia y pasa
a ser cosa de técnicos, no de artesanos o de obreros.
Leonardo Da Vinci, artista, inventor y científico, es el representante más paradigmático de este
período. Este hombre del Renacimiento, se interesó en investigar y desarrollar todos los
saberes y habilidades disponibles en el horizonte de su tiempo, sin discriminar disciplinas o
campos de producción. Su genio creativo realizó un sin número de aportaciones a la ciencia:
bocetos surgidos de sus investigaciones sobre la anatomía humana, magistrales anotaciones
científicas y dibujos, esquemas y planos depositados en treinta y un volúmenes manuscritos -
hoy conservados en varios museos como París, Milán, Turín, Madrid y en colecciones privadas,
y estudiados por artistas y científicos de todas las épocas-.

El progreso técnico libera al individuo en múltiples aspectos de su vida, produce espacios de

ociosidad, libera de preocupaciones inmediatas y aumenta el tiempo dedicado a las tareas del
espíritu. Este proceso de emancipación de la naturaleza que la técnica lleva a cabo, posibilita al
hombre una existencia cada vez más autónoma respecto a ella, al mismo tiempo que produce
una humanización del mundo natural. Con sus espectaculares logros, la humanidad alimentó
una ilimitada confianza en la técnica. El hombre comenzó a soñar con posibles mundos
tecnológicos creados por él mismo.

En la actualidad, la tecnología y la ciencia son plataformas poderosas para generar arte. Las
nuevas tecnologías, tanto analógicas como digitales, aportan al arte una nueva sensibilidad a
la hora de representar y pensar las imágenes y otros productos artísticos. El movimiento, el
espacio y el tiempo no son sólo una sugerencia, sino la base material de estos nuevos
formatos artísticos.
Además de desarrollarse en el tiempo y el espacio, la obra tecnológica combina lo real con lo
virtual. En algunos casos la propia tecnología que utiliza se convierte, incluso, en el objetivo
mismo para ciertos artistas, los cuales tienden a analizar cómo se manifiestan estas relaciones
entre arte y tecnología, desarrollando modos y códigos nuevos para una representación de la
realidad.
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No cabe duda de que ha sido el registro “automático” de las imágenes, fijas o móviles, así
como su reproducción los que han servido de motor para la incorporación de la tecnología,
tal como hoy la entendemos, en el arte. Quizás en cierta medida han sido necesidades
creativas las que han generado ciertas innovaciones tecnológicas. Podríamos decir que la
fotografía fue la puerta de entrada de la tecnología “dura” en el campo artístico y que una
gran parte de los medios que se utilizan en el arte actual son, al menos en cierta medida,
descendientes de ella.

Orígenes y desarrollo de las Nuevas Tecnologías aplicada a la imagen

En el Siglo XVIII la Revolución Industrial aceleró el desarrollo de la producción en diferentes

áreas, y generó grandes adelantos en la producción de maquinaria y de nueva tecnología.
Nacen importantes inventos, y con ellos importantes cambios que marcan profundamente la
historia de la humanidad. Con los avances obtenidos de la creación de la hiladora multibovina,
que optimiza sobremanera la producción textil, sumado al gran aumento del comercio que
estimularon los más rápidos y eficientes transportes surgidos con invención de la máquina de
vapor, se da inicio a la producción y distribución industrial en gran escala, la cual reemplaza
casi por completo al trabajo manual.
El impacto del automóvil, el tranvía, el teléfono, el cinematógrafo, el avión y la red ferroviaria
alteró las dinámicas sociales. Las distancias se acortaron, el concepto de tiempo se modificó y
el dinamismo y la aceleración, adquirieron un papel predominante en lo cotidiano.

LA FOTOGRAFÍA ( mediados del siglo XIX)

La cámara oscura y las sustancias fotosensibles eran conocidas por los científicos desde la
edad media y mucho antes. Se tiene registro que la cámara oscura, era utilizada incluso en la
Antigüedad, en los siglos V y VI a. C. Sin embargo, recién en el siglo XIX esa tecnología derivó en
la invención de artefactos más similares a la fotografía. Entre ellos se difundieron
principalmente el daguerrotipo, el heliograbado y la cianotipia.

La existencia de estas técnicas previas fue imprescindible para el desarrollo de la fotografía Lo

que es indudable es que cuando la sociedad burguesa en ascenso necesitó un modo de
autorrepresentación económico, rápido, preciso y automático, acorde a la sensibilidad de esta
clase que había protagonizado la revolución industrial y la francesa con un proyecto racional y
cientificista, la fotografía toma protagonismo y aparece como parte de la evolución social y
cultura.

El primer intento fotográfico experimental de éxito fue el heliograbado, descubierto por

Joseph Niépce alrededor de 1820. Este químico francés utilizó una cámara oscura donde
exponía durante ocho horas una superficie de papel, cristal y metales como el estaño, el cobre
y el peltre.
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El resultado era una impresión más o menos clara de lo observado. Pero como no se había
resuelto el tema del fijado, las imágenes obtenidas así se acababan perdiendo lentamente. En
1825 obtuvo la primera imagen permanente utilizando una mezcla de betún de Judea como
mezcla fotosensible.

Estas experiencias fueron heredadas por Louis Daguerre, socio de Niépce, quien en 1837
desarrolló y difundió en el mundo el daguerrotipo.

El daguerrotipo

Es la primera técnica fotográfica usada para captar imágenes mediante una cámara, con una
resolución y claridad extraordinarias, incluso para los estándares actuales. Su inventor fue el
francés Louis Daguerre, socio de Niépce –de ahí su nombre–, quien la introdujo en 1839.

Los más de tres millones de daguerrotipos que se hacían al año mientras se usó esta técnica
fotográfica en el siglo XIX tienen un valor histórico incalculable, puesto que son las primeras
imágenes que tenemos de muchos lugares, y para poder preservarlas es necesario entender los
mecanismos físico-químicos que las producen”

Para tomar la ‘fotografía’ o daguerrotipo se usaba una placa de cobre (era más barato)
recubierta de plata pulida, que se hacía fotosensible mediante vapores de yodo, bromo y
cloro.(es decir la imagen se formaba sobre una superficie de plata pulida como espejo) Después
se introducía en una cámara oscura y se exponía a la luz, lo que favorecía la formación de
nanopartículas de plata de uno o dos nanómetros. Estas crecían hasta los 100 nanómetros
durante el revelado con mercurio, y finalmente la imagen se fijaba sumergiendo la placa en una
solución acuosa de tiosulfato.

Este desarrollo tecnológico presenta muchos inconvenientes. Al principio los tiempos de

exposición eran muy largos. Por ejemplo, 10 minutos con luz brillante; por ello en 1839 solo se
tomaban vistas exteriores. Pero esos tiempos se redujeron progresivamente mediante el uso
de lentes Petzval y de «aceleradores químicos»,2 con vapores de bromo y cloro. A partir de 1841
los retratos pudieron realizarse en menos de un minuto.
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Por otro lado, al ser piezas únicas. No permiten tirar copias al no existir un negativo apropiado.
En realidad, un daguerrotipo es a la vez negativo y positivo, pudiendo verse de una u otra
forma según los ángulos de observación y de incidencia de la luz que recibe. Pero un
daguerrotipo se puede reproducir, como cualquier otro objeto, fotografiándose de nuevo.

Las imágenes resultantes son frágiles. No se deben tocar fuera de su estuche o caja de
protección, porque se dañan irreversiblemente. Se deben conservar sin abrir los estuches.
Generalmente, la imagen original está invertida lateralmente, como en un espejo. Los vapores
de mercurio del revelado son muy perjudiciales para la salud.

Entre los años 1836 y 1838 Daguerre realizó numerosos ensayos previos a la divulgación. Por
ejemplo, en abril o mayo de 1838, obtuvo la conocida vista titulada Boulevard du Temple, con
una exposición de cerca de 10 minutos. Esta imagen está considerada la primera fotografía en
la que aparecen siluetas de personas: un limpiabotas y su cliente, en el ángulo inferior
izquierdo, ampliando la vista. Anteriormente Daguerre había tomado otras vistas de París y
realizado bodegones.

L’Atelier de l'artiste (El taller del artista), 1837 París, Boulevard du Temple, en abril o
mayo de 1838,

En julio de 1839 el gobierno francés compró este procedimiento para que todo el mundo
pudiera usarlo libremente y sin patentes. Muchos periódicos publicaron la noticia y el método a
seguir en todos los continentes. Se realizaron demostraciones públicas en varios países; entre
ellas se pueden señalar las realizadas ese mismo año en Portugal, España, Brasil y Estados
Unidos. En 1840 en México y Uruguay y en 1841 en Colombia por Jean Baptiste Louis Gros.
Entre las primeras cámaras comerciales fabricadas, siguiendo las recomendaciones de
Daguerre, estaban la fabricada por su cuñado Alphonse Giroux y la construida por los
hermanos Susse.

Los daguerrotipos fueron coetáneos con otro procedimiento fotográfico que se difundió
menos por tener una patente. Las primeras copias fotográficas se lograron en 1840, cuando
William Fox Talbot desarrolló el calotipo. Este sistema permitía obtener negativos de papel de
la imagen fotográfica. Estos podían ser positivados sobre otra hoja de papel, humedecido en
una solución ácida de nitrato de plata. Luego se introdujo la cianotipia, que producía copias del
original.
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En 1851 Gustave Le Gray introdujo un nuevo mecanismo fotográfico: el colodión húmedo.

Consistía en derramar esa sustancia entre dos láminas de vidrio y luego revelar en sulfato de
hierro amoniacal. Desde entonces se inicio la masificación de las imágenes fotográficas con
este método, que imperó hasta 1885.

La resistencia de los impresionistas

La cámara fotográfica fue el primer dispositivo tecnológico del que se apropiaron los artistas.
En un comienzo, los pintores tomaban fotografías como modelos para pintar, pero
cuestionaban el estatuto artístico de la fotografía por el hecho de que no implicaba un trabajo
manual sobre la materia.
Los impresionistas siempre fueron muy peculiares en la manera de dictar sus leyes, en el
sentido que existían más personas viviendo en las excepciones que en las mismas reglas, al
menos en lo que respecta a la composición del color. Una curiosidad interesante es que los
pintores impresionistas no consideraban el negro como parte de su paleta cromática, ya que
se debía representar los tonos oscuros a través de la combinación de colores y no con una sola
tonalidad; pero curiosamente el negro era el color de composición preferido de célebres
miembros de esta corriente, como Auguste Renoir (para quien el negro era “el rey de todos los
colores” y Vincent Van Gogh, quien decía que el que intente suprimir el negro “no tiene nada
que hacer”.

Una de las razones del rechazo del negro era, justamente, que desde la pintura podían ofrecer
algo que la fotografía todavía no podía lograr: la impresión del color; el crear una pieza
artística donde los efectos ópticos de los colores lo eran todo. Además de posibilitar algo
distinto al realismo fotográfico, los impresionistas empezaron a plantearse por primera vez el
desinterés de una narración pictórica “de modelo” para investigar el campo de la percepción
del color y sus efectos, la transmisión de sensaciones y sentimientos, etc. Pero, a pesar de esta
“guerra enmascarada” hacia la tecnología fotográfica muchos de estos artistas utilizaban
estas nuevas técnicas para lograr un mejor resultado en sus creaciones.

Edgar Degas, la fotografía y una pasión oculta

Soltero y sin hijo, trabajaba celosamente recluido en su estudio. Cuando la vista empezó a
fallar, en el pináculo de su carrera artística, el genio impresionista recurrió a la cámara
fotográfica para reflejar su temática preferida. “Las bailarinas.” Para saber sus secretos hubo
que esperar hasta su muerte en 1917, momento en el que fue examinado todo cuanto había en
su estudio y ahí es cuando se descubrieron todos sus secretos y obsesiones.
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A sus 61 años, Degas, viajaba a todos lados con su cámara y un trípode. Invitado a cenar en
casa ajena, sacaba su cámara nada más terminar los postres y situaba a los invitados en el
salón como si fueran modelos. Como las películas de la época exigían exposiciones muy
largas, requería a los retratados que permanecieran inmóviles mucho tiempo mientras él
daba las instrucciones. Se tiene registro de más de cuarenta fotografías tomadas por el
artista y solo cuando la fotografía artística creció en importancia durante el siglo XX los
estudios comprendieron el valor de estas como parte de su obra.
Para sus pinturas, aprovechaba la técnica fotográfica, superponiendo placas para luego
componer con ellas los bocetos

Recién en las primeras décadas del siglo XX, artistas pertenecientes a las vanguardias
históricas, comienzan a valorar la fotografía como material artístico en sí y no simplemente
como registro o documentación. Con el tiempo, la fotografía será empleada también como
medio para registrar y documentar performances, happenings, y obras de arte conceptual.
Los inventores Joseph Nicéphore Niépce, Henry Fox Talbot y Louis Daguerre no parecen
haber conocido o utilizado la palabra «fotografía», sino que se refirieron a sus
procedimientos como «heliografía» (Niépce), «calotipo» (Talbot) y «daguerrotipo»
(Daguerre).
En 1888 George Eastman presentó la primera cámara fotográfica Kodak. Como empleaba
carretes de película fotográfica, revolucionó para siempre el mundo de la fotografía
haciéndola accesible para cualquier persona, no sólo fotógrafos profesionales.
Con la invención de la película fotográfica, las placas de vidrio entonces dejaron de usarse. Sin
embargo, volvieron a ser necesarias durante un período en 1907, ya que eran el único método
para hacer fotografías a color, usando varias placas monocromas de vidrio.
La fotografía no volvió a ser la misma. Las cámaras comenzaron a utilizarse fácilmente, sin
necesidad de formación profesional. En 1931 se inventó el flash, que permitía fotografiar de
noche o en situaciones de poca luz. En 1948 se difundió la fotografía instantánea o polaroid,
que se revelaba en apenas 60 segundos.
La fotografía digital apareció después de la revolución tecnológica de la segunda mitad del
siglo XX, en 1990. Este proceso reemplazó la película fotosensible por sensores electrónicos
que realizaban la misma función, y eliminó la necesidad de revelado.
El término fotografía sirve para denominar tanto al conjunto del proceso de obtención de
esas imágenes como a su resultado: las propias imágenes obtenidas o «fotografías.
Actualmente la fotografía ocupa un lugar central en el campo de las artes visuales y son
múltiples los usos y propuestas estéticas que emplean esta técnica.
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EL CINE
Nacido a fines del siglo XIX, al incorporar la imagen en movimiento, revolucionó todos los
modos anteriores de producción de imágenes y comunicación trayendo un nuevo espíritu de
experimentación en el arte. La primera proyección fílmica exhibida al público tuvo lugar en
París el 28 de diciembre de 1895. Consistía en una proyección de la salida de unos obreros de
una fábrica en Lyon. Fue grabada por los célebres hermanos Lumière, quienes en un año
produjeron más de 500 películas de no más de un minuto de duración. A esa primera
proyección acudieron apenas 35 personas, pero la voz se corrió muy rápidamente en París y
pronto hubo multitudes deseosas de ver el nuevo invento, anunciado como Cinématographe
Lumière. También es célebre la anécdota de que una de sus primeras proyecciones involucró
la filmación frontal de un tren que llegaba a la estación. El público asistente, temeroso de que
el tren los atropellara, huía de la sala.
Para que la invención de los Lumière pudiera existir, numerosos descubrimientos tuvieron
que darse previamente. Algunos incluso se remontan al siglo XVI, cuando el sacerdote alemán
Atanasio Kircher inventó la linterna mágica, un aparato de imágenes rotativas que simulaba el
movimiento y servía para entretener a los niños.
En el siglo XVIII, Gaspard Robert popularizó la proyección pública de imágenes pintadas sobre
placas de cristal, que bautizó como Fantasmagories. En el siglo XIX hubo más experimentos
con imágenes en movimiento. Uno de los más importantes fue el estroboscopio (1833) de
Simon von Stampfer que permitía ver a velocidades muy lentas (o quieto) un objeto que
giraba sobre sí mismo.
En 1874 fue inventada la fotografía. Basándose en este invento, el francés Jules Janssen creó
el “revólver fotográfico”, un antepasado de la cámara fotográfica de hoy. Poco después, el
estadounidense Edward Muybridge logró reproducir el galopar de un caballo a partir de
fotografías tomadas en serie de su carrera.
Pero el cine como tal sólo fue posible cuando Thomas Alva Edison inventó la bombilla
incandescente en 1889, y luego el kinetógrafo, un aparato que sincronizaba el sonido y la
captura de una imagen, intentando capturar el momento vivido. Este último dio pie a la
posterior inclusión del audio en el cine.

La magia de Georges Méliès

Uno de los grandes precursores del cine fue Georges Méliès. Debido al entusiasmo que le
causó, decidió invertir en la tecnología de los hermanos Lumière. Propuso importantes
innovaciones que cambiaron el carácter naturalista, realista y pasivo de las grabaciones de los
Lumière.
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Por el contrario, Méliès creaba historias de ficción dotadas de efectos especiales,

escenografías de cartón, maquillaje y saltos en la edición. Se trataba de fábulas infantiles y
relatos fantásticos, gracias a los que aún hoy es recordado como el “mago del cine”. Entre
ellas estuvieron “Viaje a la luna” (1902) y “El viaje imposible” (1904), inspiradas en los libros de
Julio Verne.

León Gaumont y Alice Guy Blaché

Otros importantes precursores del cine a finales del siglo XIX fueron León Gaumont y Alice
Guy Blaché, su secretaria y asociada. Esta última, luego de presenciar las proyecciones de los
hermanos Lumière, convenció a su jefe, quien era dueño de una venta de aparatos
fotográficos, de incursionar en el cine.
Juntos emprendieron la producción de filmes, que la propia Guy guionaba y filmaba, entre
ellos uno de los primeros largometrajes de ficción: La fée aux choux, “el hada de las coles” en
1896. En estos primeros filmes había una importante presencia de técnicas teatrales, y
posteriormente se incorporó tintura por primera vez, permitiendo que las imágenes fueran a
color.

Charles Pathé
Pathé fue otro emprendedor del cine fruto de las exhibiciones de los hermanos Lumière.
Fabricó sus propias cámaras con las que inició sus producciones. Además intentó combinar el
fonógrafo con el cinematógrafo, para captar audio y vídeo al mismo tiempo, aunque sin
mucho éxito.
Posteriormente, sí prosperó en el mundo empresarial del cine: fundó la primera empresa
cinematográfica que combinó las tres ramas de la industria del cine: producción, distribución y
exhibición, llamada Pathé Frères (“Hermanos Pathé”).
En esta empresa tuvieron lugar muchas innovaciones del lenguaje cinematográfico, como los
planos cinematográficos cercanos, no generales. Se debieron especialmente a Ferdinand
Zecca, quien hacía de actor, director, guionista y decorador.

Cine mudo y cine sonoro

Ya en 1902, Edison dio los primeros pasos hacia el registro de audio e imagen a la vez, aunque
con muy poca calidad todavía. Además, gracias al cronófono de León Gaumont en 1910, la
posibilidad de incluir sonido en los filmes comenzó a vislumbrarse.
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Sin embargo, el cine fue mudo durante sus primeros 30 años. Se continuó acompañando las
proyecciones con música en vivo hasta 1927, cuando el primer largometraje sonoro fue
posible, a través de la sincronización de un disco reproducido al mismo tiempo que el film.
Esta primera película sonora fue El cantor de Jazz de la Warner Brothers en Estados Unidos.

El cine a color
La invención del cine a color fue una preocupación de los pioneros del cine, que como Méliès
procedían a colorear uno por uno los fotogramas de sus filmes. Era una técnica muy poco
eficaz y costosa.
Sin embargo, en 1915 apareció Technicolor, una compañía que trabajó durante años en la
producción de sistemas fílmicos a base de colores primarios, que permitieron inicialmente
insertar secuencias de color en filmes de blanco y negro. Recién en 1929 se proyectó el primer
largometraje a colores: On with the Show!
En 1932 se incorporó un tercer color a la paleta y se logró un sistema en base a los tres
primarios, que daba grandes resultados. Fue empleado por Disney en sus animaciones.
Finalmente este sistema fue reemplazado en 1950 por el propuesto por la empresa Eastman
Kodak, mucho más sencillo y eficaz.

El cine digital
El espíritu del cine cambió enormemente luego de la aparición de las computadoras. El mundo
digital permitió, por un lado, la filmación directamente en formatos digitales mucho más
flexibles y de mejor rendimiento.
Por otro lado, se incorporaron efectos especiales digitales, que no requerían de tramoyas y
artificios técnicos, sino de programas de computación y post-producción. Además se crearon
nuevas técnicas de animación y nuevos formatos fílmicos, generando una verdadera
revolución en la industria.

LA TELEVISIÓN
En la década del ’50 ya se había convertido en un medio de comunicación de masas, llevando
las imágenes en movimiento a los hogares. La imagen televisiva es una señal eléctrica en la que
están registrados los trazos luminosos de lo real, invisibles para el ojo antes de su emisión. La
posibilidad de realizar transmisiones televisivas en vivo elimina la distancia temporal entre el
registro y la visualización. Esta distancia temporal es ineludible en el caso de la fotografía y del
cine, ya que se trata del registro de imágenes fijadas a un soporte por procedimientos
químicos, cuyo movimiento se consigue por medios mecánicos. La creación y registro de la
imagen de televisión y de video se efectúa, en cambio, por procedimientos electromagnéticos.
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Para que los primeros pasos de la televisión pudieran darse fue necesario una serie de
hallazgos tecnológicos como la fotografía, el cine, el teléfono y la radio.

Origen de la televisión
La historia de la televisión inicia con la invención del disco de Nipkow en 1884: un aparato que
consistía en un disco metálico y una fuente de luz, que servía para proyectar sobre láminas de
selenio la luz proyectada por los objetos.
Fue un primer intento por capturar imágenes en movimiento, aunque no logró llevarse
eficazmente a la práctica. Pero sirvió para el desarrollo de los primeros sistemas de televisión a
principios del siglo XX.
La primera experiencia televisiva exitosa ocurrió en 1925, cuando el escocés John Logie Baird
logró sincronizar dos discos de Nipkow, unidos a un mismo eje. Usando uno como transmisor y
otro como receptor, transmitió eficazmente la imagen de la cabeza de un maniquí a 14 cuadros
por segundo. La experiencia se replicó ante la Royal Institution de Londres en 1926. En 1927
Baird logró transmitir la misma imagen a lo largo de 438 millas, usando un cable telefónico. En
1928 volvió a hacerlo, esta vez de Londres a Nueva York, a través de las ondas hertzianas
La primerísima transmisión televisiva la hizo el propio Baird en su laboratorio, pero fue apenas
con fines promocionales o demostrativos. En 1927 la BBC produjo las primeras emisiones de
programación, que no se emitía en un horario regular. En 1930 se hizo la primera transmisión
simultánea de audio e imagen en blanco y negro.

En 1931 se creó la primera emisora de televisión, en Alemania, en casa de Manfred von

Ardenne. En 1932 se iniciaron las emisiones regulares en París, aunque la calidad de la imagen
no superaba las 60 líneas y era en blanco y negro.
Para recibir las primeras emisiones televisivas con programación pautada habría que esperar
hasta 1936 en Inglaterra, o a 1939 en los Estados Unidos. Las primeras transmisiones regulares
de TV electrónica ocurrieron en 1937 en Francia e Inglaterra.
A mediados del siglo XX se produjo la era dorada de este medio, cuando empezó a difundirse
en el mundo entero y surgieron diversas estaciones de emisión en cada uno de los países del
mundo. En 1953 se creó Eurovisión para conectar vía microondas las estaciones de los países
europeos, y en 1960 se crea Mundovisión, en un intento por hacer lo mismo a escala global.
En este período la TV llegó a América Latina y se hizo sumamente popular. En consecuencia, se
fundaron las primeras emisoras nacionales de cada país y nacieron los que luego serían grandes
consorcios televisivos privados
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En la segunda mitad del siglo XX, a partir de la revolución electrónica, el desarrollo de los
medios digitales fue estrechando el vínculo entre el arte, la ciencia y las nuevas tecnologías.
Actualmente el uso de las computadoras y de Internet como instrumento para la creación,
reproducción y difusión de la expresión artística, constituye un nuevo nexo entre el arte y las
nuevas tecnologías.

La Radio

Precursora de la televisión y de las comunicaciones a grandes masas en tiempo real, su

descubrimiento fue casi de casualidad. A finales del siglo XIX se vivían años de incertidumbre
política en gran parte del mundo, con guerras que amenazaban la estabilidad de las grandes
naciones de la época, lo que impulsó a una gran parte de científicos, universidades y
laboratorios a tratar apresuradamente de encontrar un nuevo sistema de comunicaciones que
no necesitase cables para transmitir la información, el principal inconveniente del telégrafo.

Basándose en las experiencias previas de Hertz a partir de 1886, diferentes grupos de

investigación buscaron fórmulas para alcanzar esta telegrafía sin hilos y lograr así una ventaja
militar sobre sus rivales, gracias entre otras cosas a la posibilidad de comunicarse con las tropas
a largas distancias y especialmente con los navíos en alta mar.

Aunque tradicionalmente se atribuye el mérito del invento de la Radio a Marconi, la verdad es

que sistemas similares o algunas de sus partes estaban siendo desarrollados en diferentes
lugares del mundo de forma simultánea. la Radio pronto pasó del mundo militar al civil
permitiendo el acercamiento de la información y la música a las masas, que ya nunca más
estarían aisladas del resto del mundo.

La considerada como primera transmisión radiofónica del mundo se realizó en la Nochebuena

de 1906, desde Brant Rock Station, Massachusetts, en la que se pudo escuchar la canción "Oh
Holy Night" y unos pasajes recitados de la Biblia. A partir de ahí los sistemas de radiodifusión se
fueron extendiendo progresivamente por el mundo, aunque no fue hasta la década de 1920
cuando comenzaron las primeras transmisiones regulares con programas de entretenimiento

Posteriormente, hacia 1937 aparecieron los primeros sistemas basados en modulación de

frecuencia (FM) que complementaron a los de modulación en amplitud (AM) y que permitieron
minimizar los problemas de interferencias y reducir la estática en los receptores debida al
propio equipamiento y a las condiciones ambientales
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Utilización de la tecnológica por parte de las Vanguardias artísticas

Muchos artistas, de principio del siglo XX, protagonistas o no de los movimientos Futuristas y
Dadá, se caracterizaron por una posición antagónica respecto a las categorías del sistema del
arte, cuestionaron los lugares y las formas de producción del arte y la cultura.

El Movimiento Futurista, debido a su concepción de un arte relacionado con el progreso, las

máquinas y la industrialización, y el movimiento Dadá por su proposición revolucionaria de un
arte sin la tradicional búsqueda de sentido, sus objetos provocativos y profundamente
contrarios al mercado burgués de las galerías, encontraron en las nuevas tecnologías de su
contexto nuevas y poderosas herramientas para sus particulares intenciones e intereses.

El futurismo -a pesar de algunas posiciones enfrentadas a la utilización de la fotografía y el cine

como estrategias artísticas- fue el primer movimiento artístico, antes que el expresionismo y el
surrealismo, que asimiló el descubrimiento del cinematógrafo en sus planteamientos estéticos
y formales .

En 1895 en Francia, el invento de los hermanos Lumiere generó mucha curiosidad y

expectativas también del otro lado de los Alpes donde, entre la Emilia y Romagna y la Toscana,
un grupo de jóvenes inquietos, fascinados por la filosofía de Nitzsche, las propuestas
wagnerianas de materialización de la música y más tarde por las teorías sobre "El espiritual del
arte" de Kandinsky, se proponían experimentar con el nuevo invento.
Ya en el Manifiesto del cinema futurista del 1916 se plantea la necesidad de "Liberar al
cinematógrafo como medio de expresión", haciendo de él un medio eficaz para el nuevo arte,
infinita e inmediatamente "más vasto y más ágil que todos los demás". Uno de los objetivos
principales era alcanzar la "poli expresividad" hacia la cual aspiraban las "más modernas
investigaciones artísticas".
Muchos proyectos cinematográficos de estos años se quedaron en propuestas: poesías
visuales, cinema abstracto, cortos documentales sobre las ciudades que se volvían cada día
más caóticas por los automóviles, las motos, las fábricas. Eran proyectos seguramente
marcados por la corriente futurista pero muy lejana del concepto de cine como arte, que
invitaban más bien a experimentar con la cámara. Quizás sea muy atrevido considerar a las
producciones cinematográficas relacionadas con el movimiento futurista las primeras
expresiones de arte en movimiento pero sin duda las teorías, que se proclamaron en los
diferentes Manifiestos con relación al cine, marcaron una neta distinción entre el cine
comercial y la búsqueda de formas expresivas innovadoras. Después de la publicación de un
segundo Manifiesto dedicado al cine, donde se denunciaba la difusión, por parte de los
norteamericanos y los franceses, de películas obsesionadas por la perfección fotográfica y
basadas principalmente en situaciones dramáticas muy convencionales, en 1938, termina la
parábola de Movimiento Futurista.
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Casi contemporáneamente y tal vez influidos por las dificultades de comunicación y movilidad
de la guerra, así como por los conflictos políticos y sociales que abrumaban a una Europa de
estados nacionales enemistados entre sí, surge en 1916 el Movimiento Dadá. Bajo premisas
parecidas al futurismo, aunque contrarias a los nacionalismos y al espíritu de guerra, desde
Zúrich hasta New York y Berlín este movimiento promulgará otra revolución en el campo de
las artes.
Los dadaístas al realizar "las veladas" con materiales artísticos heterogéneos en el interior de
una secuencia de acciones efímeras, como la lectura dramatizada, la danza, el canto, la música
o la pantomima que los mismos artistas escenificaban, y de proyecciones de cortometrajes -ya
que aún no existía una denominación como la de videoarte-, quisieron protestar en contra del
sagrado concepto académico del arte y crear lo que hoy podríamos definir como una interface
entre las artes escénicas, las artes visuales y sonoras.
Entre las propuestas destacan la literaria, con la creación de poemas fónicos y los llamados
poemas simultáneos donde los participantes recitaban al mismo tiempo, y la revalorización de
la técnica del collage propuesta por los cubistas Pablo Picasso y Georges Braque.

Los fotomontajes dadaístas.

"Preso de un afán innovador", escribía Raoul Hausmann, "necesitaba también un nombre para
esta técnica, y con George Grosz, John Heartfield, Johannes Baader y Hannah Hóch, decidimos
llamar a estas obras photomontages." (Dawn A. 2002).

El término Fotomontaje fue inventado por los dadaístas berlineses justo después de la
Primera Guerra Mundial. Si bien existen antecedentes de este tipo de técnica entre cubistas y
futuristas, fueron los dadaístas quienes los implementaron no como accesorio sino como
parte fundamental en sus obras.
La técnica del fotomontaje está emparentada al collage ya que consiste en recortar y pegar
sobre un soporte figuras, recortes de diario y de tipografías. Este tipo de producción
pretendía reaccionar en contra de las obras de arte pintadas al óleo, consideradas
irrepetibles y exclusivas. Sus obras salían de lo mecánico, de lo tecnológico (de allí montaje,
que significa construir, ensamblar), constituían un "provocador desmembramiento de la
realidad" (Dawn A. 2002).

"La chica hermosa", Hannah Höch, 1920 Sin título" o "El avión asesino", Max Ernst, 1920.
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Man Ray Despreocupado pero no indiferente

Emmanuel Radnitzky, o Man Ray como se le conoce mundialmente. Adquiere una cámara
fotográfica en un principio para reproducir sus obras plásticas, pero su inquietud hizo que
hoy en día tenga su hueco en la historia de la fotografía. Con Duchamp y Picabia creó el Dadá
newyorkino, realizando obras experimentales que coqueteaban con todo tipo de soportes
para la creación de obra artística. Así es como tras su instalación en París, al ver que su obra
no encontraba mercado, empezó a crear sus famosos "rayogramas".Éstos son creaciones
fotográficas que son realizadas sin la intervención de una cámara
Al igual que Mohogoly-Nagy comienza a realizar fotografía artística y trabaja con
sobreimpresiones y montaje. Es decir, manipulan el material fotográfico con fines artísticos3.
Ese reconocimiento como artista fotográfico le dio oportunidad de realizar retratos a los
personajes más relevantes de la cultura de su época. Al mismo tiempo sigue con sus
naturalezas muertas y sus pinturas y esculturas surrealistas cuando el Dadá se fractura y
comienza su andadura por el maravilloso mundo del Surrealismo.
Las mujeres fatales y sus desnudos son recurrentes en su obra. De hecho gracias a la
inspiración de su modelo y amante Kiki de Montparnasse, nació una de sus obras más
emblemáticas, "Le Violon d'Ingres", que refleja en una sola imagen todo lo que este creador
es para el arte. Porque se respira pintura por esa pose que nos traslada inmediatamente al
pintor Ingres, tan admirado por Man Ray, pero a su vez nos mete de lleno en ese juego de
dobles lecturas, convirtiendo el cuerpo de la mujer en un gran violonchelo por medio de esas
"efes" añadidas posteriormente en edición. Idea, inspiración, creación, diseño, fotografía,
pintura.

Le Violon d'Ingres
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El cine estuvo presente en las vanguardias pictóricas con diferentes características, y si los
futuristas lo utilizaron bajo su poética del dinamismo, de lo mecánico y de lo abstracto, los
dadaístas rescataron de él sus potencialidades lúdicas y de diversión provocativa.
Entre los directores más representativos destacan Marcel Duchamp con la película Anemic
cinema, René Clair con Entre acte, Viking Eggeling con Sinfonía Diagonal, Man Ray con
Regreso a la razón, Fernand Léger con Ballet mecanique y Hans Richter con Wormittagsspuk
(Fantasmas a la hora del desayuno). Los experimentos cinéticos de Duchamp se centraron
sobre la posibilidad de filmar los objetos en movimiento desde diferentes puntos de vista
para resaltar su múltiple expresividad. Con esta finalidad desde 1920 utilizó un Rotoscopio
compuesto por un motor y un disco giratorio, en el cual mostraba en forma de hélice frases
escritas y formas circulares que constituirán después el tema central de Anemic Cinema,
cortometraje este donde el movimiento de círculos concéntricos da la sensación de
profundidad. Por su convergencia con las propuestas del movimiento Dadá, una las películas
más significativas del período fue "E´Acte", del reconocido director francés René Clair, la cual
realizó en colaboración con Francis Picabia, responsable del guion, y Duchamp, Man Ray y
Eric Satie entre los actores. Se trató de una producción hecha especialmente para el
"Intermedio “del espectáculo "Relache", de la Compañía de danza sueca de Rolf de Maré
que se presentó el 22 de noviembre de 1924 en el Theatre des Champs Elysées. Evento que
puede considerarse un precursor de las manifestaciones artísticas de los años 60, como los
happening o los Environment, por su propuesta de interacción en un mismo espectáculo de
diferentes lenguajes y expresiones artísticas.

Walter Benjamín en su texto de 1936 escribía: "Con los dadaístas la obra de arte se volvió un
proyectil. Se proyectó sobre el espectador. Adquirió una calidad táctil. En esta forma ha
logrado satisfacer la necesidad del cine cuyo elemento particular es justamente lo tangible que
se funda en el cambio de los lugares donde se desarrolla la acción y de los emplazamientos."5
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Dentro de los Surrealistas, Salvador Dalí (1904-1989) fue un artista español interesado por la
ciencia y el pensamiento científico durante el pasado siglo. Por todos es conocida su
fascinación por el psicoanálisis, la teoría de la relatividad, la ciencia del ADN, las estructuras
matemáticas, la genética y la física cuántica, que ha quedado reflejada en su obra artística y
literaria. Dalí se apropió artísticamente del tema y le dedicó varias pinturas, producidas entre
los años 1955 y 1978. Entre éstas se encuentran: •
Paisaje con mariposas (Paisaje surrealista con ADN)

“Galacidalacidesoxyribonucleicacid”

5
A OBRA DE ARTE EN LA ÉPOCA DE SU REPRODUCTIBILIDAD TÉCNICA Walter Benjamín (1936)
•“Árabes desoxirribonucleicos”

•“Hommage á Crick et Watson” Paisaje con mariposas (Paisaje surrealista con ADN).

Para los años sesenta el grupo Fluxus integrado por artistas de Estados Unidos y de Europa,
contribuyó en forma definitiva al surgimiento de un concepto de obra de arte
interdisciplinario, donde la música, los ruidos, el espacio escénico y las representaciones,
tanto reales como virtuales, adquieren relevancia y fuerza comunicativa para un amplio
público.
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El Pop Art es otro antecedente de importancia. Al igual que en la pintura y en la escultura pop,
muchas de sus obras en nuevos medios hacen referencia a la cultura comercial, cuando no
están directamente inmersas en ella. Del mismo modo que el artista pop Roy Lichtenstein,
reproducía la iconografía del cómics en sus cuadros, el dúo artístico Thomson y
Craighead6sampleó el tan conocido videojuego Space Invaders en Trigger Happy de 1998. Pero,
mediante la reproducción de imágenes de anuncios, cómics y revistas con técnicas artísticas
(como óleo sobre lienzo, por ejemplo), el Pop Art en última instancia, se distanció de la cultura
popular en la que estaba inspirada.

Por el contrario, los artistas de las nuevas tecnologías tienden a trabajar con los mismos
medios de los que se sirven en lugar de reacondicionarlos en formatos más acordes con las
convenciones del mundo artístico.

Hacia finales de los años sesenta del siglo XX, la desmaterialización del arte nos enfrenta con
un tipo de práctica artística desprovista de toda herramienta tecnológica: el arte conceptual.
Puramente reflexivo, pone el acento en la “idea” o “concepto”, sin necesidad de una
expresión material concreta. Sin embargo, inclusive el arte conceptual, hace uso de la
tecnología (la fotografía, por ejemplo) para registrar sus acciones y performances, siendo
ésta, en muchas oportunidades, la única fuente de documentación que nos permite acceder a
la obra e, incluso, su único soporte.
El arte de los nuevos medios tiene marcadas semejanzas con el videoarte. La emergencia del
videoarte se vio propiciada por la aparición a finales de la década de 1960 de las primeras
cámaras de video portátiles las Porta Pack la cual capto la atención de artistas como Joan
Jonas, Vito Acconci, Bruce Nauman y otros.

Una generación mas tarde, la aparición de los primeros navegadores catalizó el nacimiento del
arte de los nuevos medios como movimiento.
Sus integrantes vieron en Internet lo que sus predecesores descubrieron en la cámara de
video: una herramienta artística accesible con la que exponer la relación cambiante entre
tecnología y cultura.

El arte en la era de la distribución digital

La tecnología ha irrumpido en la sociedad, ha ocupado cada una de las zonas que estaban
libres en nuestra forma de vida y ha modificado nuestra manera de pensar y actuar frente a la
gran mayoría de nuestros hechos cotidianos. Este nuevo milenio nos permite a través de
Internet acelerar muchos de los procesos y medios de comunicación. Podemos acceder a la
información necesaria sin importar de qué rincón del mundo provenga. Desde que Internet
comenzó a expandirse y popularizarse han cambiado las formas de comunicación y se han
acelerado los flujos de información.
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Una de las diferencias más grandes que existe entre los medios tradicionales y la red de redes
es que, esta última, invita desde su concepción a un verdadero intercambio de recursos,
«busca interlocutores y ofrece diálogo». A través de este medio se permite una completa
participación tanto de los autores como de sus lectores.

El año 1994 fue clave en la historia de la tecnología mediática y la cultura digital. Netscape
presento su primer navegador comercial con el que se sellaba la transformación de Internet
convirtiéndose en popular medio de comunicación publicación y comercio. Términos como
Red, Web, ciberespacio y puntocom se convirtieron en habituales del habla popular en todo el
mundo y dio la impresión de que se avecinaba un importante cambio estructural en la
sociedad.

Desde 1994 hasta 1997 año en que el Net Art o arte de la red fue incluido por primera vez en la
exposición Documenta X de Kassel (Alemania) el arte de los nuevos medios existía
relativamente aislado del mundo artístico. Las lista de correo electrónico y las paginas Web
servían de canales alternativos para el debate, la promoción y la exhibición de las nuevas
obras multimedios, lo cual permitió a los artistas crear una escena artística on line que
abarcaba tanto el arte contemporáneo como la cultura digital.

Los avances en el software y hardware de los ordenadores personales hicieron posible la

aparición del arte de los nuevos medios allá por los 80 y como consecuencia varios artistas de
otras disciplinas se vieron atraídos hacia las nuevas ventanas proporcionadas por la tecnología
emergente integrando en ellas las bases formales y conceptuales de su anterior disciplina.
Muchos artistas optaron por utilizar Internet para distribuir documentación sobre sus obras,
publicar fotografías o digitalizar obras, otros vieron en la Red un medio de expresión en si
mismo y un espacio nuevo para la intervención artística.9

En 1995 un artista esloveno llamado Vuk Cosic identifico la expresión NETART aceptada por los
artistas y personas afines al floreciente arte de los nuevos medios que comparada con otro
tipo de alternativa artística era mucho mas conveniente por ser mas barata, accesible y
gratuita. Solo se necesitaba creatividad, acceso a Internet y herramientas de producción
veloces.

La producción de imágenes numéricas basada en los adelantos técnicos de la informática ha

invadido todo los campos de producciones audiovisuales (fotografía, pintura, cine, video,
música) generando un cambio de las prácticas, de los conceptos y de la cultura. La imagen
digital es una producción de síntesis y análisis numérico de imágenes, imágenes compuestas
integradas en soportes de almacenamientos y de difusión: memorias ópticas, transmisión vía
satélites.
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Román Gubern, plantea una consideración interesante a tener en cuenta: “...El píxel es una
unidad de información y no una unidad de significación, y debido a esta condición es meramente
perceptivo y presemiótico. Pero un grupo orgánico de píxeles puede configurar una unidad
semiótica, si aparecen investidos de valor semántico...la imagen almacenada como matriz
numérica sólo resulta perceptible por la vista cuando se manifiesta y expande en soportes tales
como la pantalla o el papel. De manera que en la infografía existe una dualidad entre la imagen
latente e imagen manifiesta, como ocurre en la imagen videográfica...” 10

Las experiencias visuales contemporáneas y los contenidos afectivos en ella explotados

(museos virtuales, espectáculos vías Web, etc.) sostienen una singular forma de comunicación
que no crea comunidad. “….Del automóvil a la televisión, todos los bienes seleccionados por el
sistema espectacular son también las armas para el reforzamiento constante de las condiciones
de aislamiento de las "muchedumbres solitarias". El espectáculo reproduce sus propios supuestos
en forma cada vez más concreta. …El origen del espectáculo es la pérdida de unidad del mundo, y
la expansión gigantesca del espectáculo moderno expresa la totalidad de esta pérdida: la
abstracción de todo trabajo particular y la abstracción general del conjunto de la producción se
traducen perfectamente en el espectáculo, cuyo modo de ser concreto es justamente la
abstracción. En el espectáculo una parte del mundo se representa ante el mundo y le es superior.
El espectáculo no es más que el lenguaje común de esta separación. Lo que liga a los espectadores
no es sino un vínculo irreversible con el mismo centro que sostiene su separación. El espectáculo
reúne lo separado, pero lo reúne en tanto que separado. La alienación del espectador en beneficio
del objeto contemplado (que es el resultado de su propia actividad inconsciente) se expresa así:
cuanto más contempla menos vive; cuanto más acepta reconocerse en las imágenes dominantes
de la necesidad menos comprende su propia existencia y su propio deseo. La exterioridad del
espectáculo respecto del hombre activo se manifiesta en que sus propios gestos ya no son suyos,
sino de otro que lo representa. Por eso el espectador no encuentra su lugar en ninguna parte,
porque el espectáculo está en todas. 11

Las nuevas tecnologías, tanto analógicas como digitales, aportan al arte una nueva sensibilidad
a la hora de representar y pensar las imágenes y otros productos artísticos. El movimiento, el
espacio y el tiempo no son sólo una sugerencia, sino la base material de estos nuevos
formatos artísticos. Además de desarrollarse en el tiempo y el espacio, la obra tecnológica
combina lo real con lo virtual
Los artistas han desarrollado proyectos en los que se reflexiona sobre la tecnología y sus usos
y efectos en la cultura y la sociedad, recurriendo por lo general a usos no convencionales de
los medios, o manipulaciones de la tecnología. Aunque para muchos este ámbito resulte
prácticamente desconocido, son muchos los artistas que actualmente trabajan en él.
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Producción y Circulación de Arte en la Web

La Web 2.0 se refiere a una nueva concepción de páginas web basada en contenidos
compartidos y producidos por los propios usuarios o navegantes de la página.
El término Web 2.0 se utilizó por primera vez en el año 2004, cuando Tim O'Reilly y Dale
Dougherty, de la editorial estadounidense especializada en libros de tecnología OReilly Media,
utilizaron este término en una conferencia en la que expusieron sobre el renacimiento y
evolución de la Web.
Un sitio Web 2.0 permite a sus usuarios interactuar con otros usuarios o cambiar contenidos
del sitio web, en contraste con los sitios web no interactivos en los que los usuarios se limitan
a la visualización pasiva de información que se les proporciona.
Como su nombre lo indica, la Web 2.0 es la evolución de una Web anterior, la Web 1.0, que es la
Web tradicional y que se caracteriza porque el contenido e información de una página o sitio
es producido por una persona, el editor o webmaster. Esos contenidos son, una vez
publicados, visitados por los navegantes, que no tienen la posibilidad de modificarlos, opinar
sobre ellos o agregar contenidos nuevos.
La Web 1.0 es estática, es decir, los datos que se encuentran en ella no se pueden cambiar, se
encuentran fijos, no varían, no se actualizan. En el modelo de la Web 2.0, en cambio, la
información y los contenidos son producidos directa o indirectamente por los usuarios del
sitio web y son compartidos. Anteriormente, internet era unidireccional, es decir, la
información era más bien de corte explicativo y no permitía la interacción directa entre los
usuarios. Con la Web 2.0, se ha convertido en bidireccional y permite la interacción de todo
tipo de contenidos, sean estos videos, imágenes, textos, e incluso el almacenamiento y
edición de archivos online y en tiempo real.
La Web 2.0 pone a disposición de millones de personas herramientas y plataformas de fácil uso
para la publicación de información en la red. Actualmente, la Web 2.0 está relacionada con
nuevas tecnologías que permiten que cualquier persona que no sepa nada sobre
programación web pueda, por ejemplo, gestionar su propio blog y publicar sus artículos de
opinión, fotos, videos, archivos de audio, etcétera, y compartirlos con otros portales e
internautas.

La Web 2.0 ha contribuido a la democratización de los medios al hacer que cualquier persona
tenga las mismas posibilidades de publicar noticias que un periódico tradicional. De hecho,
existen experiencias de grupos de personas que crean blogs que reciben más visitas que las
versiones web de muchos periódicos.

La Web 2.0 ha reducido, además, los costos de difusión de la información ya que se puede –
utilizando ciertas páginas que lo permiten– tener gratuitamente una emisora de radio propia,
un periódico y hasta un canal de videos.
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Compartir información, subir archivos a la red, escribir (colaborar en la producción de

contenidos por medio de wikis, blogs y otras herramientas). - Reescribir la información
(editar). Escuchar y hablar (participar en video o teleconferencias por medio de
herramientas como: Skype, YouTube entre otras). Participar en redes sociales con
actividades que podemos realizar por medio de la web 2.0

El uso de este tipo de web es principalmente para proporcionar información de forma

rápida y en cualquier momento, en cualquier parte del mundo. Esta generación nos da
grandes ventajas que no se pueden obtener con los métodos tradicionales. Algunas de los
beneficios de su uso involucran a diferentes servicios como Educación en Línea (e-
Learning), Podcast, VideoBlogs, Mapas interactivos, Juegos on-line., Comercio electrónico
(e-commerce) y Sistemas de mensajería instantánea.

LA TECNOCULTURA: NUEVAS SENSIBILIDADES ARTISTICAS

El Internet y las grandes superautopistas de la información y la multimedia, están cambiando

nuestras percepciones espacio-temporales, la sensibilidad, transformando nuestra noción de
relación personal, lanzándonos a una imagen de interlocutores virtuales, simulados.
Cibernautas, internautas, los artistas trabajan hoy con procesamientos diferentes a los de hace
veinte años.
Las hiperrealidades de las redes y sus hiperespacios están generando una nueva sensibilidad
apenas vislumbrada por nosotros, y no sabemos aún cuáles serán sus dimensiones. Se hará
necesario construir nuevas brújulas y nuevas cartografías para caminar por los espacios
globales que nos esperan. Tendremos que estar preparados para asumir de forma más vital y
profunda las nuevas categorías que el arte está presentando y presentará en las próximas
décadas. Las nociones de heterogeneidad, discontinuidad, de fragmentación, simultaneidad,
diferenciación, simulación, de pastiche, bricollage y de lo aleatorio, se irán acentuando cada día
más entre las producciones estéticas, ante lo cual debemos poseer una actitud despierta para
observar tanto sus debilidades como sus grandezas.

Estamos ante un cambio tecno-cultural que modifica " las nociones de ‘arte’, de ‘ciencia’, de
‘técnica’, de ‘hombre’, de ‘espacio’, de ‘tiempo’, de ‘materia’, de ‘cuerpo’, de ‘realidad’, etc...
abriéndolas a significaciones profundamente renovadas". ( A. Renauld,1996,17). Nuevas
imágenes-pixel; nuevos imaginarios pantallizados que generan una visualidad cultural distinta a
la tradicional y que modifican lo axiológico, lo epistemológico y lo estético." No hay duda de
que las nuevas imágenes expresan al mismo tiempo estas dos dimensiones de existencia:
tecnificación, industralización de lo imaginario por una parte pero también, al mismo tiempo,
imaginario tecno-cultural activo, creativo, capaz de hablar culturalmente ( y no sólo manipular
técnicamente) las técnicas y los procedimientos del momento, de abrir nuevos
espacios/tiempos para una nueva era de lo sensible..."

Nuevos paradigmas están dando razón a la secularización y a la pérdida del aura en el arte
tradicional moderno. Si es cierto que la perspectiva renacentista nos brindó una analítica del
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espacio; la fotografía decimonónica una familiarización con lo hiperreal, y el cine una analítica
del movimiento, lo digital y lo computacional nos brindan una analítica de las relaciones
abstractas virtuales.(Piscitelli,127).Esto genera un desafío para emplear nuevas técnicas
artísticas. Los ciberartes, por ejemplo, abren nuevas "ventanas utópicas" donde se pueden
realizar collages electrónicos que pulverizan de una vez por todas a los géneros artísticos
tradicionales. Mezclas de sonidos, textos, imágenes elaborando una cibermirada, visiones
digitales. Herramientas tecno-artísticas tales como los lápices gráficos, los scanners,
sintetizadores, impresoras laser a color, libros electrónicos con hipertextos, archivos, cursores,
programación de menúes, bases de datos, etc., cambian el proceso artístico y de alfabetización.

Entramos, de este modo, a la escritura computacional donde la velocidad del programa y de la

impresora supera a la pluma y a la máquina de escribir, borra la firma, la subjetividad creadora,
se pasa de la palabra escrita con sangre a la letra electrónica. Con una amalgama tan grande de
posibilidades, lo computacional va haciendo desaparecer el concepto moderno del Yo Creador
individual, transformando también la relación espectador-arte, pues éste puede a la vez crear la
obra, programarla, desfigurarla a su antojo. Con ello desaparece la era de la interpretación y se
entra a la era de la programación, subordinando el lenguaje al cálculo, a los modelos numéricos
proteiformes

Nuevas Posibilidades

La revolución informática fue y sigue siendo-la que acarreó grandes cambios y multiplicó las
modalidades en los formatos artísticos de los últimos años. Como sostiene Ana Abramovsky,
“Mientras que las imágenes, erráticas, se multiplican, y a medida que las prácticas de mirar
varían y se complejizan, la voluntad de ver cada vez más convive con cierta descalificación y
desconfianza ante la cultura visual. Desafiando la distinción entre las “bellas artes”, como forma
cultural elevada, y el resto de las manifestaciones visuales masivas y populares, los estudios
visuales incorporan a sus análisis todas las formas de arte, diseño, el cine, la fotografía, la
publicidad, el video, la televisión o internet.
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BIBLIOGRAFIA:

- Mark Tribe/Reena Jana, Arte y Nuevas Tecnologías, Editorial Taschen

- Nicolás Bourriaud, Postproducción, 3º Ed. Editorial Adriana Hidalgo
- Jean Baudrillard, El Complot del Arte, Amorrortu Editores
- Román Guber, del Bisonte a la realidad Virtual, Editorial Anagrama
- Guy Debord, "La sociedad del espectáculo" (Valencia, Pre-textos, 1999, trad. José Luis
Pardo).
- Autores Varios, Usos de la Ciencia en el Arte Argentino Contemporáneo, Papers Editores
-Fernando Hernández, De que hablamos cuando hablamos de cultura visual?, Educasao
Realidade, Julio 2005 (curso conectar igualdad)
-Tecnología de la Comunicación y la información en la escuela, Cuadernillo
- Vera REx Conectar Igualdad. Alfabetización Tecnológica, , Conectar Igualdad.
-Dussell Quevedo Educación y Nuevas Tecnologías , Conectar Igualdad.
-Abramovsky Ana. El lenguaje de las imágenes y la escuela

Webside:

www.virose.pt/vector/b_03/lourdes.html: ALGUNAS CUESTIONES SOBRE ARTE Y TECNOLOGIA

www.redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/act_permanentes/.../t_tecart.htm : La
relación entre arte y tecnología. El siglo XX: de las vanguardias históricas y el cine
experimental al Arte total

hwww.oei.es/pensar Iberoamérica/colaboraciones05.htm Comunicación y Cultura en el siglo

XXI o la era del acceso, Fabrizio Volpe Prignano,

https://culturaaudiovisualsanblas.jimdofree.com/cultura-audiovisual-i/imagen-y-
significado/evoluci%C3%B3n-de-la-imagen/

https://www.caracteristicas.co/historia-del-cine/#ixzz7MxBPrpYS