El actor se adapta al contexto

María Paula Riaño Rodríguez y Valentina Suárez Parra

Facultad de Creación y Comunicación, Universidad del Bosque

Programa de Arte Dramático

Tutor: Jorge Fernando Ospina Sánchez

Mayo de 2021
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El actor se adapta al contexto

Actor adapts to the context

RESUMEN

Para nadie es un secreto que los actores siempre han vivido en un entorno hostil y de crisis,

lo que les ha obligado a cambiar sus métodos para sobrevivir. Con el tiempo, se han visto

obligados a adaptarse a cada contexto, por lo que su forma de actuar y su manera de

relacionarse con el público también han cambiado.

Antes del siglo XIX existían diferentes formas de actuar, pero fue a partir de este siglo que

se empezó a documentar acerca de los métodos de actuación, los cuales al principio fueron

creados para actuar en teatro, pero a medida que avanzaba el tiempo y se crea el cine se

hace una adaptación de estos para implementarlos en la pantalla.

La pandemia del COVID-19 ha planteado nuevos problemas para los actores, obligándoles

a idear diversas estrategias para afrontarla, principalmente a través de herramientas online

en Internet y el uso de las redes sociales.

Palabras clave: Actuación, pandemia, contexto

SUMMARY

It is no secret that actors have always lived in a hostile and crisis-ridden environment,

which has forced them to change their methods in order to survive. Over time, they had

been obligated to adapt to every context, thus their way of acting and their way of relating

to the audience have changed as well.

Before the 19th century there were different ways of acting, but it was from this century

that the methods of acting began to be documented, firstly for drama acting,.later on these
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methods would be adapted and would evolve to be used on the screen, with the invention of

film-making and TV.

The COVID-19 Pandemic has brought new problems to actors, urging them to come up

with a variety of strategies to deal with it, mainly through online tools on the internet and

the usage of social networks.

Keywords: Performance, pandemic, context

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Índice:

Introducción: 5

Reflexión teórico-conceptual 6
Transición del teatro al cine  9
Relaciones y diferencias que tuvieron que vivir los actores durante la gripa Española y el
COVID 19:  13
¿Cómo se está adaptando el actor a la actualidad? 16
Desventajas de las redes sociales y las plataformas: 20
Referencias: 23
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Introducción:

La pandemia del Covid 19 suscitó en nosotras la idea de escribir sobre lo que marcó un

antes y un después en el mundo entero, nuestros hábitos y formas de subsistir cambiaron.

Pero esto no significa que haya sido la primera vez, ya que gracias a los documentos

históricos sabemos que ha habido otras pandemias que han alterado el estilo de vida del

hombre. La reflexión nos llevó a ver que han ocurrido otros hechos que contribuyeron a los

cambios o adaptaciones en la actuación, de carácter técnico, tecnológico y otros lenguajes.

Por medio de investigaciones de carácter cualitativo (entrevistas y artículos) hemos visto

que la posible solución es que los actores tomen las redes sociales y plataformas virtuales

como forma de difusión de su trabajo.

A nivel interpretativo el actor tuvo varios cambios, el más notorio surgió con la llegada del

cine en el año 1895, pues no era lo mismo actuar en un escenario lejos del público, que

frente a la cámara que está a centímetros del actor.

Después del cine surgieron otras posibilidades con la creación de la televisión, y con ella

unas variantes como las novelas y las series. Por último, en la actualidad las redes sociales

y plataformas.
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Reflexión teórico-conceptual

El arte de actuar cambió y se adaptó durante el siglo XX en gran parte gracias a las

propuestas de Konstantin Stanislavski (1863-1938) y Jerzy Grotowski (1933-1999),

quienes se dieron cuenta de cómo unir la experimentación con la reflexión. Algunos de lo

autores que escribieron acerca de los métodos de actuación en el siglo XX son:

Konstantín Stanislavski, quien propone un método de actuación y el trabajo del artista

desde otro punto de vista. Para él era muy importante que el actor experimentara la verdad

a la hora de hacer y vivir cada acción en escena, para esto consideró la cuarta pared como

uno de los elementos más importantes para el actor en el escenario, con esta herramienta

elimina por completo la interacción entre actor y público. Lo único que influye en el hacer

del actor es su relación con los otros actores y los elementos presentes en la escena. “La

verdad está en la escena, no en el patio de butacas.” -Stanislavski (Cap. VIII Fe y sentido de

la verdad)

Con su propia experimentación, Stanislavski se empeñó en encontrar cuáles podrían ser las

soluciones al problema de vivenciar el papel desde un aspecto psicológico. Encontró de

manera parcial que estas soluciones son el subtexto, la memoria emotiva y las acciones

físicas.

Según Pavis, el subtexto es aquello que no es dicho explícitamente en el texto dramático

pero que aparece en la manera de ser interpretado por el actor. Es el sentido que se le da a

las palabras, es la verdadera intención con las que se dicen y por qué son dichas. Este
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subtexto es dado exclusivamente por el actor. Según el mismo autor citado anteriormente,

la memoria emotiva, es el recuerdo de una o varias sensaciones de una experiencia pasada,

este recuerdo traerá consigo los sentimientos que se vivieron en dicho evento. El actor se

entrega a estas emociones para que se puedan representar en la interpretación. Y por último,

tomando al autor citado previamente, se refiere a las acciones físicas como “la serie de

acontecimientos esencialmente escénicos producidos en función del comportamiento de los

personajes, la acción es a la vez, concretamente, el conjunto de los procesos de

transformaciones visibles en escena, y, en el plano de los personajes, lo que caracteriza sus

modificaciones psicológicas o morales” (Pavis, 1983).

Vsévolod Meyerhold, también propuso cambios en el hecho actoral, fue estudiante de

Stanislavski en el teatro de Arte de Moscú, pero por el contrario no continuó con la idea del

naturalismo, de hecho, lo que proponía era “devolver al teatro su teatralidad expresiva, en

oposición con el naturalismo psicológico que comenzaba a instalarse en los teatros.”

(Montero, 2012) 

Meyerhold, no estaba de acuerdo con el concepto de la cuarta pared, así que cambió la

disposición del escenario, los actores podían desplazarse por el público e interactuar con él,

lo cual generó mayor relación y comunicación entre el público y el actor. Este método

incitaba a los actores a conocer sus capacidades físicas, vocales y su respiración ya que por

medio del cuerpo debía generar la emoción que se transmitirá.

Esta idea lo llevó a crear la Biomecánica “que se refiere fundamentalmente al trabajo físico

del actor y a la racionalización de sus movimientos sobre el escenario” (Tejedo, 2014). Para

principios del siglo XX este fue un método que tuvo mucha importancia pues generó más
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habilidades en el cuerpo y voz de los actores, lo cual también ayudó a mejorar la presencia

escénica.

Bertolt Brecht, creador del teatro épico o teatro dialéctico a principios del siglo XX, es uno

de los autores que debemos mencionar especialmente, su método estaba enfocado en la

concientización de la clase trabajadora, se muestra una ruptura a la estructura Aristotélica,

la cual busca una catarsis del público, mientras que la estructura de Brecht iba en contra de

la identificación.

Esta estructura propuesta por Brecht se dividía en tres etapas: expresionista- didáctica-

épica, estas buscaban un distanciamiento entre el personaje y el público, no pretendía

generar una relación o sentimiento, lo que quería era que existiera una reflexión crítica y

una comparación con la realidad. “Los actores de Brecht deben evitar cualquier

emocionalidad excesiva y pueden dejar de actuar para recapitular o dar su opinión y

proporcionar una visión más amplia al espectador.”  (Padilla, 2015)

No podemos dejar de nombrar a Jerzy Grotowski, pues Según Tejedo (2014), a mediados

del siglo XX el autor cuestionó los métodos de los autores anteriormente mencionados,

pues no estaba de acuerdo con que el actor necesitará artilugios para comunicarse. Su

propuesta de método fue “basarse únicamente en el trabajo del actor y su imaginación

creadora”, lo cual ha hecho que el actor tome gran importancia en el ejercicio de la

actuación, pues de esta manera depende toda la representación.En tanto a la relación entre

actor y espectador, en el teatro pobre era variable, a veces el actor se comunicaba con el

público haciéndolo parte de su interpretación o solo lo ignoraba concentrándose en su

escena. 

 
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Transición del teatro al cine 

El cine surge gracias a los hermanos Lumiére el 28 de diciembre de 1895, quienes

proyectaron sus primeras películas que mayormente documentaron la sociedad y

situaciones cotidianas de ese entonces. Pero aparte de ellos, otros lo vieron como una

oportunidad de documentar el arte. Aunque para la fecha en que la cámara se volvió una

realidad para realizar cine, está al igual que el teatro, estaba limitada físicamente, debido a

que permanecía estática todo el tiempo.

Para esta época el cine no era más que grabar una obra de teatro, ya que la cámara

permanecía estática y los símbolos que filmaba eran puramente teatrales, desde la

escenografía y espacio hasta la actuación. El ejemplo más claro y conocido es Viaje a la

luna (1902) de Georges Meliés. El cine estaba muy dependiente del teatro y la actuación

sigue trabajando en pro de los espectadores de la sala y no en pro de la cámara que los

grababa. La cámara era algo todavía muy nuevo para los creadores y no era fácil deducir

que para poder trabajar sobre este nuevo medio, se tenían que adaptar los símbolos que en

el teatro ya se tenían tan claros. El problema consistía en transponer el lenguaje teatral al

cinematográfico.

Grandes cambios durante la transición del teatro al cine involucraron directamente al actor.

Uno de esos cambios es la relación del actor (Emisor) y el público (Receptor), que pasa de

ser directa como en el caso del teatro (el actor trabaja para el público presente en la sala), a

ser indirecta puesto que en el cine la relación entre el emisor y el receptor se rompe, el actor

no puede ver, comunicarse, sentir o recibir retroalimentación del público. El único

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espectador es el director. La información que le llega al público no es inmediata como en el

teatro. Sin embargo, el público sigue identificándose con el personaje y también se

conmueve.

En los inicios del siglo XX el cine se fue convirtiendo en algo más importante, el séptimo

arte no surgió como una necesidad pero marcó un cambio. Las personas lo empezaron a ver

como un espacio para evadir sus problemas. A medida que avanzaba el tiempo el modo de

hacer cine se iba perfeccionando con los avances de la tecnología y la creatividad que

involucra los movimientos de la cámara, las tomas, la angulación y la distancia.

Inicialmente se buscaban actores y actrices de teatro, pues las películas eran mudas y la

acción y los gestos grandes eran necesarios para la narración, pero “La aparición del sonido

causó grandes cambios a nivel actoral porque el cuerpo pierde la expresividad que requería

la ausencia de fonética y exige mayor habilidad verbal y dicción. El rostro se vuelve uno

de los aspectos más importantes para los actores de cine, porque deben impresionar al

público por medio de gestos y expresiones contenidas,.” Rodriguez. (2011). Se debe estar

pendiente también de los movimientos de la cámara y los planos, pues no es lo mismo

actuar en primer plano en donde solo se ve el rostro, que actuar en un plano general donde

se aprecia todo el cuerpo.

Aunque el cine no tiene un método escrito sobre cómo actuar, se influencia por los métodos

del teatro adaptando estos mismos a su propio lenguaje. Uno de los influenciadores más

importantes fue Lee Strasberg.

En los inicios de su carrera es entrenado por Richard Boleslavsky y Maía Ouspenskaya

(ambos estudiantes del mismo Stanislavski), siendo mayormente influenciado por el

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sistema, Strasberg crea su método para la actuación occidental, más específicamente para la

actuación en Estados Unidos.

Transponiendo todo este sistema a su propio método, Strasberg cree que puede desentrañar

varios puntos que el mismo Stanislavski no pudo, como lo es la memoria emotiva, que en

este caso reelabora y divide entre memoria sensorial (relacionada con los sentidos) y

memoria emotiva (relacionada con las experiencias personales), aquí es donde dichas

memorias surgen como motor de la acción, ayudan a que ésta se produzca como resultado

de las emociones que pasan en el interior del actor, produciendo así, el monólogo interno,

el subtexto y el por qué se hace dicha acción. Strasberg afirma que el actor no podía entrar

a jugar con la acción hasta que no aprendiera a reaccionar o a sentir.

Stanislavski fue una gran inspiración para el desarrollo de este método, sin embargo,

Strasberg se cuestionaba sobre muchos temas de los cuales Konstantin Stanislavski no tenía

la respuesta. Una de las cuestiones era por qué el teatro no es tan exacto como la ópera o la

música. Buscando respuestas a esta duda, se encontró con el trabajo de uno de los más

grandes teóricos del teatro, Gordon Craig. Una de sus ideas fue el actor como

“supermarioneta”, un actor preciso en el que cada acción que hiciera fuese justificada y se

pudiera repetir las veces que fuese necesario, sin perder exactitud. Este concepto entra a

jugar un papel muy importante para el método junto con el cine, ya que en el cine se hacían

tomas que necesitaban de la precisión y exactitud del actor para perpetuar cada acción.

Más adelante veríamos que los estudiantes de este método, como Marlon Brando, Al

Pacino, Marilyn Monroe, James Dean, etc. Actuaban más para cine que para teatro. Gracias

a este método las interpretaciones estaban más enriquecidas y dejaban de ser tan
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superficiales; las acciones que ejecutaban eran más contenidas y exactas, convirtiendo a

estos actores como los más solicitados de ese entonces.

Una de las posibilidades de los actores de cine es que las escenas pueden ser repetidas

varias veces, hasta que quede acorde con lo que busca el director, ventaja que tiene frente al

teatro, pues en este no es posible porque es en vivo. Sin embargo, en el teatro se tiene un

orden cronológico de sucesos, lo cual les permite generar sus emociones a medida que

avanza la obra, mientras que en el cine “la actuación es por definición fragmentada y se

compone de momentos muy breves”. (Mauro,2015), el director escoge qué escenas se

graban cada día, y muchas veces no se sigue el orden cronológico.   

A mediados de 1892 surgieron los primeros dibujos animados, los cuales fueron mudos

hasta 1927 cuando la productora de Disney decidió darle una voz a su dibujo principal

Mickey Mouse. Hasta diez años después se crea la primera película de dibujos animados,

“Blanca nieves y los 7 enanitos”.

Esta fue otra alternativa para los actores, pues de ellos dependía que les dieran vida a los

dibujos “a través de su voz y con ella, dotar al personaje de mucho más que sonido, con sus

palabras debían transmitir la energía y la expresión que el personaje requería.” (Ramírez,

2016). Es fundamental que los actores trabajen en su voz, pues es una posibilidad laboral

más.

En 1940 se creó la pantalla verde o croma, que es una técnica en la que por medio de un

fondo azul o verde se puede editar una imagen o video animado, como lo menciona Tovar

(2016). Esta fue una técnica visual que al principio era más utilizada en el cine, pero con el

tiempo fue acogida por la televisión y producciones audiovisuales, con el pasar del tiempo

esta técnica ha evolucionado, hoy en día se pueden ver muchas producciones grabadas en
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un mismo lugar lleno de telas verdes. Para el actor este avance fue un gran reto a nivel

interpretativo, pues, aunque él no ve la locación y los objetos, tiene que recrear la escena en

su imaginación, además de recordar las indicaciones del director.  

En lo concerniente a la televisión se plantean diferencias que atañen a la actuación. En los

años 40 se crean las telenovelas, las cuales se convirtieron en un competidor para el cine, el

propósito de las novelas era conmover al público por medio del melodrama, es decir temas

sentimentales y amorosos. El sufrimiento del personaje genera una catarsis en los

espectadores, la actuación en este medio es exagerada y se enfatiza en el sentimiento del

personaje, se grababa en plano general donde se ve el todo cuerpo.

A finales de los años 60 se empezaron a producir las primeras series. Al principio solo se

diferenciaban de las novelas porque estas no cuentan con una limitación de tiempo , fija en

cuanto a duración total, mientras que las series se dividen en temporadas. Con el tiempo las

series se fueron volviendo más populares que las telenovelas, la interpretación y los planos

de la cámara se parecen cada vez más a los del cine y se busca más naturalismo en la

actuación.

Relaciones y diferencias que tuvieron que vivir los actores durante la gripa Española y

el COVID 19: 

Aunque en Colombia no se tengan archivos que connotan exclusivamente al gremio actoral

durante la epidemia de gripe española en 1918, hay varios archivos que hablan sobre esto

mismo en Norte América. En el caso de la pandemia del Covid 19, desde 2020 se tiene

información sobre lo que han tenido que vivir los actores en Colombia. Realizaremos una

relación y comparación entre estas dos épocas.

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Según el deseret Evening News Deseret (1919), durante la gripe española Estados Unidos

tomó como medida de contención del virus, cerrar sitios en los que había aglomeración de

personas y con poca ventilación, como cines, teatros, escuelas e iglesias no volverían a

abrir hasta nuevo aviso. Los gremios de estos lugares accedieron a cerrar sin ningún

inconveniente, ya que pensaban que sería por poco tiempo mientras se reducía el nivel de

contagio.

Al ver que este tiempo se prolongaba y que muchos otros sitios como restaurantes y cafés

estaban abiertos, los trabajadores de los cines, teatros, iglesias y escuelas mostraron su

descontento, puesto que dichos establecimientos habían cerrado en la mejor época del año

de producción, lo que los llevaría a perder grandes sumas de dinero e incluso a algunos los

llevaría a la quiebra. Los escenógrafos, actores, directores, dramaturgos, etc., habrían

dejado de recibir su sueldo debido a la pausa en la producción de películas y obras, muchos

optaron por hacer otros trabajos para sobrevivir.

La gripe española no solo cambió la actuación para la cámara, también cambió la

perspectiva del teatro para los autores de esa época, ya que sin reunirse en lugar y

representar para el público, no existía el teatro. La epidemia fue un tiempo indudable de

crisis, pero también dio la oportunidad de crear importantes textos que hasta hoy en día

conservamos. Antonin Artaud, (dramaturgo francés) escribió el libro ‘El teatro y su doble’,

en uno de sus capítulos ‘el teatro y la peste’ (cuyo título hace alusión a la enfermedad que

azotaba a la sociedad en ese entonces), en él relata los estragos que provocó la peste de

Cagliari y el cómo una peste, en general, produce efectos terribles en la sociedad, no sólo

en cobrar miles de vidas sino en los efectos que produce en la población sobreviviente. “El

teatro como la peste es una crisis que desemboca en la muerte o en la curación” (Artaud,

2001). Este texto nos da la idea de que así como la pandemia nos genera desolación, terror,
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etc, el teatro también nos debe producir algo similar, nos debe llevar a la catarsis y a la

purificación.

Con la aparición del COVID 19 sucedió exactamente lo mismo, todos los lugares ya

nombrados en la gripe española como los cines, teatros, bares, escuelas fueron los primeros

en cerrar y serán los últimos en regresar. Fabio Rubiano (2021) actor y fundador del Teatro

Petra, habla sobre la historia del teatro y su paso por diferentes momentos de enfermedades

pandémicas, pero aun así ha logrado continuar a lo largo del tiempo, con algunas

transformaciones, además dice que el teatro no se va a transformar a la virtualidad, sino que

seguirá siendo presencial. “La necesidad de reunirse es palpable, alrededor del fuego, de la

mesa, del arte”.

Menciona Fabio que con la llegada del COVID 19, tuvo que esforzarse para seguir

sobreviviendo económicamente, estuvo dictando clases, pidiendo donaciones, abrió

convocatorias y transmitió obras en diferentes plataformas, para él lo que más funciona con

la virtualidad, son las relaciones, pues por medio de estas hay mayor alcance para llegar a

más personas.  

Rubiano (2021) comenta que muchas producciones quedaron en espera, pues no se puede

hacer una grabación o una obra con la cantidad estipulada de personas que pueden estar en

un lugar, por temas de bioseguridad, además hay que tener en cuenta que seguir las normas

de bioseguridad para muchas personas puede ser bastante costoso, tanto en el teatro como

en la producción de televisión y cine. Es importante mencionar que el contacto entre

actores es fundamental y trabajar con tapabocas puede ser incómodo y limita la

expresividad, así como estar a dos metros de distancia. 

El panorama de la gripe Española no era nada alentador, ya que si se trabajaba se podía

comer, pero también había la posibilidad de morir al contraer el virus, y si no se trabajaba

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era más probable morir de hambre que por la misma enfermedad. De acuerdo con el

artículo de The Hollywood Reporter (2020) muchos estudios americanos optaron por

instaurar medidas de seguridad para poder llevar a cabo sus actividades, rociando a las

personas con desinfectante y proveerlos de mascarillas para evitar cualquier contagio, sin

embargo, a pesar de todos estos esfuerzos, algunos actores e involucrados en las

producciones contrajeron la enfermedad y se vieron en la obligación de trabajar enfermos

para poder finalizar las películas. Los estudios de grabación estaban abiertos por periodos

irregulares y no se podía mantener un ritmo de trabajo, lo que provocó la baja producción

de películas y sin estas no había nada que mostrar en los cines.Y si en un caso dado,

hubiera algo para mostrar, los cinemas no podían abrir debido a las medidas de contención

del virus.

Con la pandemia del Covid se establecieron las mismas medidas de bioseguridad y también

agregaron otras como lavado de manos cada 3 horas, tomar la temperatura a la llegada,

traer su comida y hacerse la prueba de covid una vez por semana, sobre todo si el actor está

en una producción de cine o televisión.

¿Cómo se está adaptando el actor a la actualidad?

Durante la entrevista realizada a Jorge Cao actor, poeta y cantante colombiano, mencionó

que ha tenido que recurrir a sus ahorros y emprendimientos para poder seguir, pues el

gobierno nacional no ha brindado ayudas a este sector económico. Después de un tiempo

empezó a utilizar las redes sociales para no perder el contacto con su público. Por este

medio empezó a realizar monólogos cortos de 3 minutos y también a recitar poemas.

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Ahora esta herramienta digital le ha permitido seguir con su arte y trabajo. “La gente

necesita un rato de esparcimiento y emocionalidad” (Cao, 2020).

 La inesperada pandemia nos obligó a cambiar, a optar por diferentes formas de expresarnos

y estar juntos sin estarlo realmente. Para nuestra suerte la tecnología ha tenido grandes

avances, plataformas como Zoom Video, Google Meet, Microsoft Teams, las cuales han

permitido a los artistas poder reunirse sin la necesidad de la presencialidad para seguir

creando. Estas plataformas permiten realizar transmisiones en vivo, donde pueden

compartir estas mismas creaciones.

Las redes sociales como YouTube, Instagram, Facebook, Tiktok, etc. Son plataformas que

muchos actores han comenzado a usar para seguir trabajando desde la virtualidad, están son

una herramienta que ha posibilitado el acceso del público de manera muchas veces gratuita,

como lo menciona Bevilaqua (2018). 

Con la era digital se transformó el trabajo, el internet y las redes sociales han sido

fundamentales en este cambio, ahora cualquier persona con acceso a internet y un

smartphone puede ser creador de contenido y compartirlo con un público que puede estar

en cualquier parte del mundo. Para los  actores de estos tiempos este avance en la

globalización ha sido un progreso importante, pues ahora ellos tienen que encargarse de

aspectos como creatividad, proyección y casting: 

Creativo: Una de las dificultades más grandes que ocasionó la pandemia para los actores en

formación, es la no presencialidad, para esto realizamos una entrevista a Natalia Rubio

estudiante graduada de la Universidad El Bosque, quien para su proyecto de grado en el

2020 tuvo que grabarse junto a sus compañeros desde sus casas.  

Para ella el proceso de aprendizaje actoral por medio de una plataforma virtual, se divide en

dos palabras: confusión e independencia. “Al principio estábamos todos confundidos

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porque no sabíamos cómo hacer para cuadrar los espacios y para trasladar el formato de

obra en línea; La Independencia porque es muy poco lo que alcanza a ver el profesor, uno

ensaya en su propio tiempo y sin compañeros. Siento que todo ese tiempo de ajuste se

hubiera podido usar en una interpretación potente o conectarnos con la obra.”  

Algunas de las afectaciones más notorias, es la pérdida de la relación con el otro, porque

desde la cámara no se puede ver los ojos del otro actor o sentir su energía. Es decir, no hay

una acción- reacción.  Natalia mencionaba que les tocó a ella y a sus compañeros inventar

una nueva forma de actuar, llevada más hacia la palabra.  “Uno tiene que ajustar mucho la

voz y también prestar más atención a lo que es la improvisación en escena, porque hay

muchos ruidos externos que a uno lo sacan del momento y tiene que saber incorporarlos en

la escena y la imaginación.” 

A la mayoría de actores les tocó aprender por su propia cuenta temas como la interpretación

para la cámara, la edición de vídeos, iluminación y escenografía. Según Natalia lo más

difícil de esto es conectar con los compañeros cuando ellos se encuentran en otros lugares,

además de volver a grabar una y otra vez hasta que las reacciones de los personajes

coincidan al unir los videos. Sin embargo, para Natalia, esta nueva etapa tecnológica

también trajo algunos aportes, como conectarse con la creatividad estando solos, mayor

desarrollo de la imaginación y el proceso del actor creador, donde el actor también debe

tener la visión del director.  

Proyección y Casting: Antes los llamados de casting se conseguían por medio de los

clasificados del periódico o con la necesidad de un manager o agencia, además el actor

tenía que ir al casting presencialmente, pero hoy en día hay cuentas de Facebook,

Instagram, Twitter, dirigidas exclusivamente a para publicar castings. La posibilidad de los

actores, hoy por hoy, es crear su propio contenido para compartirlo y enviarlo a los que
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buscan su perfil. Está comprobado que sin la ayuda de grandes equipos de producción o una

cámara profesional, sino con un celular se puede crear. 

Para complementar esta investigación tuvimos el placer de entrevistar a Ana Isabel Castillo,

actriz, creadora y administradora de la cuenta de Instagram @solocastingcolombia. Tiene

un BFA (Bachelor of Fine Arts) con énfasis en actuación de la universidad de Lindenwood.

Ana Isabel nos dice que antes de la pandemia pudo subsistir completamente de la

actuación, pero con la llegada de esta misma ha optado por hacer trabajos diferentes, tales

como: conversatorios enseñando temas de interés para los actores; haciendo traducciones y

escribiendo para una revista en Los Ángeles. Según Ana, independientemente de la

presencia de una pandemia o no, la vida del actor siempre está en la incertidumbre, un actor

como ella puede estar viviendo totalmente de su profesión por un periodo de tiempo, pero

al otro no conseguir nada y optar por hacer otras actividades para sobrevivir.

Nuestra idea de entrevistar a Ana Isabel, principalmente, fue por su página en Instagram

que está dirigida a publicar castings para actores y actrices de todas las edades. Ella nos

contó que la idea nació desde su preocupación al ver que la información (castings y

audiciones) estaba muy dispersa por diferentes medios de comunicación. La idea de Ana

era poder centralizar toda esta información en un solo sitio, y así fue como creó lo que hoy

conocemos como @solocastingcolombia.

Según Ana, las redes sociales y los medios digitales son la principal herramienta del actor

en la actualidad para conseguir trabajo, desde trabajos para proyectos universitarios, hasta

trabajar para grandes productoras. “No es como hace unos años que tocaba literalmente,

pararse y tocar la puerta para que te pudieran ver”, para el actor es sumamente importante

construir su material y compartirlo al público por medio de sus redes sociales, estar a la

vanguardia y ser constante con su trabajo.

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Nos menciona también, que no es suficiente con ser el/la primer/a en aplicar a un casting,

para quedar en el proyecto, la calidad de la audición de sonido, imagen, cuentan, ahora el

actor o actriz debe tener en cuenta aspectos técnicos y actorales al mismo tiempo. Pero

definitivamente aplicar en los castings que más se puedan es la clave, especialmente hoy en

día, que se está haciendo la transición a la virtualidad, y no se depende de condiciones

externas como: el desplazamiento de un lugar al otro, el horario, etc., ya que la mayoría de

castings no necesitan de la presencialidad y se pueden hacer desde casa.

Desventajas de las redes sociales y las plataformas:

Aunque la globalización trajo con ella grandes ayudas digitales para el actor, aún no

cumplen por completo con las necesidades de los actores, como:

1. No hay una comunicación visual

2. No hay contacto corporal 

3. Las velocidades de video y sonido cambian dependiendo del internet, así que

cuando se hace un en vivo desde estas plataformas puede suceder que no llegue a

tiempo y no se entienda lo que se quiere contar.

4. En la mayoría de ocasiones no se cuenta con un equipo técnico de iluminación,

maquillaje, escenografía, vestuario, etc. Es decir, el actor debe encargarse de todo

eso estando en su casa y muchas veces sin saber cómo hacerlo. 

5. Mientras en el teatro, cine y televisión hay una retroalimentación ahí mismo, ya sea

del público en el teatro o del director en el cine y la televisión. En las grabaciones

de las redes sociales como Instagram, Facebook, TikTok, YouTube etc. El actor

debe dar su opinión sobre el contenido, es decir ser su propio director.   

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Conclusiones

Las crisis nos han hecho reflexionar acerca del trabajo del actor y cuál es su repercusión en

la sociedad. Con la llegada del COVID19 nos dimos cuenta, que las personas necesitan del

arte no sólo como forma de distracción, sino como forma de alivio a tan cruel panorama

como lo es una pandemia. La mayoría de la población se vio obligada a quedarse en casa y

con el mínimo contacto humano. De no ser por el internet y el arte, lo anteriormente

mencionado nos pudo haber llevado a la locura. Apreciamos que las industrias del

entretenimiento eran importantes para la vida humana.

Las investigaciones y los hallazgos nos llevaron a observar y darnos cuenta que el actor ha

tenido que cambiar para adaptarse a través del tiempo como forma de supervivencia, pues

como ya lo hemos dicho antes, los avances tecnológicos y las crisis, influyen directamente

en el quehacer del actor, su relación con el público, los métodos de actuación y la difusión

de su trabajo , que están en constante transformación. Pudimos apreciar, además, el trabajo

del actor desde diferentes ángulos por los cuales debe pasar , como el estar en una

inconsistencia laboral la mayor parte del tiempo.

Constantemente el espectador altera sus gustos de lo que quiere consumir y ver, para esto es

importante que los actores evolucionen junto a él. El actor siempre ha estado dispuesto al

cambio y a aprender de éste. Pues como ya sabemos, la actuación ha evolucionado a

medida que avanza el tiempo, ya sea en el teatro, con diferentes métodos de actuación o con

la innovación de la tecnología y sus derivados. Estos avances le han dado más posibilidades

al actor en su trabajo, pues además del teatro, puede trabajar en cine, telenovelas, series,

plataformas de streaming o doblaje de voz.

Desde nuestra investigación podemos concluir que esta pandemia del Covid 19, nos

muestra la importancia de que el actor abarque más conocimientos además de la actuación,

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como dirección, grabación, edición de vídeo, iluminación etc, pues algunas de las cosas que

seguramente van a quedar son el video casting, videos de escenas cortas para redes sociales

y plataformas virtuales, estas seguirán funcionando como herramientas principales para la

difusión, creación y educación.

Aunque el teatro no se va a transformar a la virtualidad, las nuevas plataformas virtuales

como Zoom Video, Google Meet o Microsoft teams, permiten transmitir en directo, lo cual

genera en el actor el mismo nerviosismo y adrenalina que provoca presentarse en vivo. La

imaginación es una de las cosas más importantes para los actores y aún más en estas

plataformas, pues en la mayoría de los casos están solos en su casa y tienen que imaginar

cuál es la reacción del personaje al que le están hablando y qué les respondió.

Al principio la tecnología no se creó como una necesidad, en el caso del cine, pero con las

diferentes crisis que hemos vivido, ésta se ha vuelto vital para seguir avanzando. Pensamos

que por medio de la virtualidad es más sencillo relacionarse y hacer que el arte llegue a más

personas. Antes se tenía que ir al teatro o las salas de cine para ver estas representaciones,

pero con la globalización se puede ver en cualquier lugar donde haya un televisor o

internet.

Los actores han enfrentado muchas situaciones críticas, unas más que otras, que han sabido

superar. No sabemos si llegará otro momento de coyuntura ni tampoco cuándo, para estar

preparados, lo que sí es seguro es que el actor sobrevivirá. Las dificultades, las situaciones

en las que estemos al borde del abismo y la locura, los gobiernos que nos quieran silenciar,

las pandemias y muchas otras situaciones, no serán suficientes para extinguir al arte, porque

donde haya la necesidad de comunicar o expresar algo, ahí estará el hombre, siguiendo sus

instintos, jugando, creando, cuestionando y actuando. Siendo actor.

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