LA EXPRESION DRAMATICA DEL ACTOR EN EL CINE COMO POTENCIA

COMUNICATIVA

SANDY PAMELA SUÁREZ CARVAJAL

TRABAJO PARA OPTAR POR EL TITULO DE COMUNICADORA SOCIAL CON

ENFASIS AUDIOVISUAL

CAMPO AUDIOVISUAL

ASESOR DANIEL CAMARGO

PONTIFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANA

FACULTAD DE COMUNICACIÓN Y LENGUAJE

BOGOTA

2010
 INDICE

I. INTRODUCCIÓN ……………………………………………………………… 3

II. JUSTIFICACIÓN ………………………………………………………………. 4

III. OBJETIVOS …………………………………………………………………… 5

IV. EL TEATRO ………………………………………………………………….. 6

V. DRAMATURGIA …………………………………………………………….. 16

VI. Emociones tras la pantalla grande EL JUEGO DRAMATICO DEL CINE

Análisis de escenas clímax en la cinematografía …………………………………… 23

-Ladrón de Bicicletas ……………………………………………………………….. 23

-12 Hombres en Pugna ……………………………………………………………… 28

-Mar Adentro-De Todos Los Demonios Del Hombre ……………………………… 32

-Fresas silvestres-Persona...…………………………………………………………. 36

VII. TECNICAS ACTORALES

-Konstantin Stanislavski ……………………………………………………………. 39

- Jerzy Grotowsky ………………………………………………………………….. 41

-Bertolt Brecht ……………………………………………………………………… 43

VIII Entrevistas Para Directores Que Emplean EL Método

-Rodrigo Triana ………………………………………………………………….... 46

-pepe sanchez ……………………………………………………………………… 47

-Alessandro Basile ………………………………………………………………… 48

IX Entrevistas Para Actores que Reconocen el Método Actoral

-Marcela Benjumea ………………………………………………………………… 49

-Carlos Manuel Vesga ……………………………………………………………… 50

1
-Fabio Velásquez …………………………………………………………………… 51

X. PRODUCTO 3¨45 ………………………………………………………………...52

XI. CONCLUSIONES………………………………………………………………54

XII. BIBLIOGRAFÍA……………………………………………………………….55

XIII. CORRECCIONES................................................................................................58

XIV.ANEXO OBLIGATORIO.....................................................................................62

2
 CAPITULO I
INTRODUCCIÓN

Este trabajo de grado pretende investigar los factores escénicos con los que trabaja el
actor, los cuales emplea en el campo cinematográfico para trasmitir con su cuerpo
diferentes emociones, narraciones con las cuales desea persuadir al Espectador,
generando en este diferentes formas de sensibilización expresados en risa, lagrimas,
sorpresa, terror; Reafirmando la idea de cine como elemento audiovisual para trasmitir
mensajes por medio de ficción o realidad.

Con la lectura del siguiente escrito el anhelo que deseo transmitir es el reconocimiento
del arte de la actuación y como esta trasciende a modo de emisor de mensajes en la vida
del ser humano, dando momentos de imaginación y entretenimiento en los cuales la
experiencia misma del ser humano se verá reflejada en la propuesta del actor, Director
y Guionista. Una vez establecido tal recuento se realizará una visión crítica frente a
diferentes Métodos actorales, presentándose el teatro en un acompañamiento desde sus
orígenes hasta su invención dentro del cine, esta propuesta de análisis genera una
interesante percepción de la comunicación a través del cuerpo artístico del actor como
instrumento comunicador en el mundo. Por lo cual el objetivo central será reconocer
tales elementos en los que el espectador logra entrar en el juego dramático que le
presenta la pieza audiovisual.

3
 CAPITULO II
JUSTIFICACIÓN

El deseo de trabajar el Método del actor en el cine para transmitir mensajes al

espectador bajo la interpretación, es una tarea como comunicadora, estudiante de
actuación y Productora audiovisual, proponiendo hallar la naturaleza de las técnicas o
métodos y su uso en la puesta en escena cinematográfica. La información que encontré
de trabajos de grado solo presentan de manera corta la idea, por ello quiero dedicar esta
parte de mi carrera al estudio e investigación del tema, para lograr contribuir en la
propuesta de comunicación audiovisual que se presenta en el cine por medio del actor y
del personaje, interviniendo entonces en el conocimiento de los elementos actorales y
cinematográficos que logran en el espectador una gama de sensaciones imprescindibles,
perdurables, efímeras, pasionales dentro de esta comunicación corporal y sensitiva.

Lo primordial en este trabajo de grado es compartir el oficio que ejerce el actor y que
por medio del cine llega a la vida del espectador y la conmueve, generando cambios
dentro de sus emociones, por ello saber ¿qué elementos se emplean?, ¿que trabaja el
actor? ¿Que existe de similar con nosotros como espectadores?, ¿que nos arraiga a la
pantalla y nos captura por instantes dándonos cambios para toda la vida?. El desarrollo
de este proyecto se centra en las fascinantes posibilidades que tiene el ser humano para
lograr comunicarse, trasmitiendo mensajes desde el cuerpo para lograr sensibilizarse
frente al universo.

4
 CAPITULO III.
OBJETIVOS

• Reconocer el potencial comunicativo que existe en la Actuación a partir de los

métodos actorales que sensibilizan al espectador por medio de la construcción
de personajes para cine.

• Analizar las características actorales en diversas obras cinematográficas que

trascienden en la historia audiovisual por el trabajo actoral empleado.

5
 CAPITULO IV
El TEATRO

El teatro como elemento vital dentro de las funciones universales del hombre, pues es
quien se manifiesta a la razón artística del ser, superando la realidad cotidiana, creando
un espacio mental y corporal posible en el que ha de existir un escenario que sirve
como estructura para lograr generar acciones instauradas por un cuerpo (actor),
estableciendo nuevas expectativas dirigidas estrictamente a una audiencia quien se
pretende sensibilizar. El teatro es una mágica herramienta conocida dentro de la
sociedad en la cual se expresa de manera visual, auditiva y espacial diversas propuestas
de realidad o ficción, el teatro precede la representación, garantiza un juego de una
imitación con rasgos simbólicos que pueden narrar diversos y muy divergentes temas
en los cuales la realidad y ficción no presentan fronteras al momento de crear la obra de
Teatro.

Para ahondar en el tema es preciso retomar la historia en la que se presenta a Grecia en

el siglo IX a.C. La tragedia griega en la cual un narrador, o “rapsoda”(empleaba
mascaras), contaban historias que sucedían muchas de estas en periodos de tiempo no
mayores a 24 horas, se conoce por la historia al poeta ciego Homero quien por medio
de este método narra y presenta la creación de obras impecables como la odisea y la
Ilíada, pues eran de vital importancia en este medio oral y en la sociedad griega. otro
punto fundamental fue el desarrollo de un auge festivo pues las raíces dionisiacas y el
festejo entre hombres y mujeres para alabar al dios del vino de las bacanales y el arte, de
las cuales se acredita la creación de “komos o dionisiacas campestres” 1 la sátira, había
mucho desborde de alegría, canciones, bullicio en las que formaban además ciertos
bailes que influían contacto entre todos para seguir un ritmo seguir un ritmo, tales
danzas se llevaban a cabo con ciertos aditamentos como bastones adornados con hojas
de parra y hiedra, tanto las mujeres como los hombres solo ofrecían gritos y cantos pero
no existía entonces diálogos congruentes entre sí, cuando entonces Tepsis un poeta y
sacerdote griego introdujo un personaje que sobresaliera y pudiera mantener una
secuencia con el coro por ello este comienzo de diálogos anticipo la apertura al drama .

1
Aida Andrade Varas, Elementos del teatro, México, Editorial trillas 2007. Pág. 26.

6
Esta iniciativa en la que se emplea la tragedia en el cuerpo del actor y se da uso a un
monologo refiere a diferencia de la sátira, pues esta replanteaba la narración y la hacia
cómica y burlona, cada uno de los autores que presentaban tales “obras” debía tener en
cuenta el número de estas no sobrepasara las cuatro y dentro de estas una sátira debía
aparecer para aliviar al publico que presenciaba las tres tragedias anteriores.

Las tragedias griegas se consolidaron a través del tiempo en la importancia del

protagonista como personaje sensato, leal, sano, el “héroe trágico” 2 atado a la muerte
por naturaleza u orden “divina”, lo que sucede en el espacio de la narración debe ser de
manera presencial de tal forma que no se pierda el mínimo detalle frente al espectador,
todo el acompañamiento del coro se reconoce en la mediada que en la narración existían
batallas, heridas, muertes. Como dato importante que se pretende resaltar es: la
prevalencia de cautivar al espectador al preocuparse por las emociones que este emita a
tal punto de buscar en ello la compasión como elemento permítase llamar “amarillista”
y a su ves buscar en este la sensación de espanto todo con el fin de buscar en este una
Catarsis lo que se reconoce como la “purga” 3 en el que un evento en este caso la
tragedia logra inmiscuirse íntimamente a este espectador de tal forma que le permite
purificar sus propias pasiones.

Los autores griegos como lo fueron Esquilo( 525-456 a.C.), quien encabeza la lista de
los tres mas importantes dramaturgos griegos en la historia, traba sobre el prologo para
conocer la tragedia , sus personajes tienen la oportunidad de vivir bajo sus decisiones y
bajo estas descubrirán si son las correctas o no muestra de ello además representa en
sus obras a los dioses no como figuras perfectas sino con una ambivalencia entre lo
sagrado y lo profano Prometeo Encadenado al cual Zeus condena por haber ayudado a
los hombres en búsqueda superación entregándoles el fuego y traicionando a los demás
Dioses, lo que pagara por la eternidad en una cima de una montaña en la cual los buitres
le devoraran el hígado, renovándose en la noche para esperar por el castigo todos los
días.

Otra de sus obras que ejemplifica su predilección hacia lo tradicional es Las Suplicantes
quienes piden a su rey la oportunidad de decidir por sus posibilidades sexuales frente a
2
Ibid. Pag 26

3
Nerio Tello, Alejandro Ravassi, Historia del teatro, Buenos Aires Argentina, Era naciente 2006, pag 18

7
los hombre, el rey pide una votación parea saber que opina su pueblo, gesto democrático
frente a estas mujeres llamadas las suplicantes, Esquilo trabajo dentro con una serie de
obras en las que la muerte, traición juegan también un papel importante, se encontraron
de este dramaturgo alrededor de siete.

Sófocles (496-406, a.C.) es conocido por ser el trágico griego mas importante quien
tiene como objetivo primordial destacar la voluntad humana para descubrir los
designios del destino a partir de ella, obras como Edipo rey narran las peripecias de
Edipo a quien busca el asesino de su padre sin saber que fue el quien lo hizo , en la
búsqueda se casa con su madre Yocasta, ambos al saber la verdad por el adivino
Tiresias, deciden lo peor, ella se suicida y el se arranca los ojos , esta pieza como aporte
incluye al tercer actor llamado “tritagonista” 4 pues el segundo ya lo había establecido
Esquilo llamado “deuteragonista”5. De Sófocles conservaron también siete tragedias,
dentro de estas las tragedias mas reconocidas es Antígona es quien evoca los derechos
ante un hermano muerto en batalla haciéndole los honores, pues ella dictamina la
necesidad de obrar bien por amor hacia la familia no por venganza como se ve en la
mayoría de las tragedias sin embargo no es bien recibida por su ideal, su suegro decide
dejarla presa en una cueva antes de enterrarla viva , ella decide suicidarse lo que
conlleva a una cadena de suicidios de su prometido hijo de quien la encarcela y su
madre esposa de el tirano Creonte también, esta obra represente la revelación ante el
poder, Creonte reflexiona demasiado tarde ya que a perdido su hijo y a su esposa.

Por último Eurípides(480-406 a.C.), es quien en sus obras además del despliegue
técnico que continua luego de Sófocles, crea frente a una realidad popular, lo que sucede
ante el destino no es dictaminado ante los ojos de los oráculos dado que estos pierden
sus poderes, Eurípides se centra en la continuidad del mundo social en Grecia, en lo
sencillo que puede deteriorarse la democracia, se considera a este como uno de los
dramaturgos que no cumple a cabalidad la tragedia , por lo que este tiene el coro aparte
de la acción, algunos episodios son incongruentes y no solucionan el desarrollo
dramático. Las Bacantes es una tragedia en la que la propia madre mata al rey Penteo
su hijo pues esta seducida por Dionisio, este llega a tal evento pues no cree en la
importancia de Dionisio lo encarcela y luego las bacantes lo liberan Agave junto con las
4
Ibid Pag 13
5
Ibid Pag 11

8
bacantes acuden a un rito, Penteo anhelando saber que van a hacer se disfraza de mujer
y cae ante las manos de las bacantes ya seducidas por el Dios , Penteo pide a la madre
que no lo mate pero ella esta enceguecida cuando descubre que es su hijo es demasiado
tarde pues ya ha sido descuartizado. Orestes es una tragedia que como la mayoría narra
la furia que queda tras el asesinato de su padre a manos de el amante de su madre, el
quiere vengar su muerte y regresa asesinando al amante de su madre, además junto con
Electra su hermana juran vengarse, pues siempre estuvieron separados Orestes no esta
muy seguro pero es finalmente lo hace, cuando es capturado Orestes no es condenado
el asume y habla de porque lo ha hecho siente que ha cumplido y descanso pues están
muertos lo que mataron a su padre.

Las tragedias griegas llevaron consigo un montaje teatral entre mascaras, vestuarios,
maquillaje que se perfecciono con el tiempo y en cada uno de los dramaturgos, al inicio
con Esquilo las puestas en escena siempre respetando la noción de coro corifeo hasta
Eurípides quien lo transforma pues usa plataformas por medio de poleas para enaltecer a
los personajes. Otro de los puntos significativos que se consolido y se uso fielmente en
la dramaturgia fueron las tres unidades que también son reconocidas anteriormente por
Aristóteles. Una de ellas la unidad de acción: solo existe y se narra un relato dramático.
Unidad de lugar: se debe referir al el mismo lugar narrado en la historia de lo contrario
debe ser reconocido y en distancia considerable. Unidad de tiempo: la narración
dramática es en un tiempo no mayor a veinticuatro horas.

Los griegos hacen un aporte fundamental al teatro mundial tanto en oriente como en
occidente la oportunidad de promover , exaltar y crear nuevas formas de expresión hasta
la actualidad a variado notablemente explicare mediante teatros los diversos
conglomerados sociales que han nacido a través de esto.

Por lo tanto muchos acontecimientos históricos se fortalecieron con la evolución

teatral , El teatro clásico del cual se ha expresado por medio de los comportamientos
humanos en los que la resolución de conflictos, con el mundo , lo social, relaciones
familiares hasta aspectos íntimos no se han apartan mucho de la realidad de todos los
tiempos pasados y hasta ahora venideros, por lo cual el teatro clásico aprecia los
cambios y los continua plasmando en sus personajes no solo en la dramaturgia sino
también en la actualidad, El teatro Medieval luego de la caída del imperio romano es

9
de los pioneros en occidente en hacerse cargo de las puestas en escena dada la
posibilidad de narrar hechos religiosos que permitían a los feligreses entender siendo un
elemento académico de uso frecuente ejemplificar la sagrada familia, las festividades
religiosas, crucifixión, resurrección o eventos como la navidad, son parte de los eventos
de técnica teatral que se usaban para tales fines. Los dramas litúrgicos se fueron
convirtiendo en principio en el que pasaron de estar en un recinto restringido a un
publico popular ahora mas asequible por la lengua, sin embargo no era una época de
auge para el teatro el cual lo sostuvieron “los actores ambulantes” 6 quienes trabajaban y
se proponían a mantener el trabajo artístico vigente sin los parámetros muchas veces
establecidos por la iglesia en la medida que era solo Dios el centro del mundo, el teatro
no solo en esta época debe atribuírsele el esquema de propagación tan amplio en el que
se puede llegar a presentar con elementos de recordación para ganancias de índole
cultural, religiosa ,política.

Teatro del renacimiento: (XIV-XV Y XVI) se establece con ciertas características

arquitectónicas dan paso al arte desde luego Ahora bien por la época se reconoce al
hombre como centro del mundo desplazando la idea religiosa que había sido instaurada
anteriormente los dramas presentaban ahora apartes de los cuales se sostendría en la
medida que el tema, el argumento la trama se convierten en piezas de las obras, las
cuales son presentadas en teatros de zonas limitadas. La tragedia humanista que hacen
uso de unidades dramáticas las cuales se mantuvieron pero no crearon otro tipo de
teatro que tuviera trascendencia después del teatro oficial conocido también conocido
como religioso

El teatro isabelino: (siglos XVI-XVII) Inglaterra se encuentra bajo el reinado de Isabel

I, quien se quedara en el trono luego de su padre el rey Enrique VIII, ella por 45 años se
encontrara bajo la corona, el teatro para los ingleses en esta época se ve respaldado
pues ya no hay tanta invención religiosa, ahora prima la creatividad de los dramaturgos
y la escogencia del pueblo. Ahora bien para esta época las presentaciones en diversos
lugares de la sociedad se hacen más numerosas, el teatro se presenta como evento
festivo.

6
Ibid Pag 24

10
Esta clase de teatros por lo general tenia palcos para los nobles, estos teatros tenían
consigo varios pisos en los que continuaba por lo general la obra, el publico era muy
numeroso también y lograban ver desde todos los ángulos los actores que eran
profesionales y mas reconocidos para esta época, como Isabel es gran admiradora de
este arte permite que se construya uno en 1575, el cual ya maneja luces artificiales para
sus presentaciones. Los mas destacados en esta época fueron Christopher Marlowe
reconocido como el primer dramaturgo ingles con obras dramáticas como : la matanza
de parís, que como tema central trabaja la muerto de millares de protestantes por parte
de la iglesia católica quien no permitía tales comportamientos sociales , quien esta en
contra no tenia mas posibilidades que morir al ser descubierto . otra de las grandes obras
es la trágica historia del doctor Fausto, pues es este personaje quien tiene la
oportunidad de salir de lo bajo y ascender a lo material dando su alma al diablo y quien
es condenado por el mismo a la eternidad Fausto maldice su final pero tiene la
posibilidad de hablar con ángeles quien lo intentan guiar pero este finalmente cae y
corre con la suerte de sus actos, esta clase de obras que tiene la noción de lo humano y
no lo sagrado es muy bien recibida por el publico quien encuentra en estas
acontecimientos de sus vidas es decir ideas oscuras, o carnavalescas.

Sin embargo el dramaturgo ingles mas importante, William Shakespeare quien gracias a
su cauteloso estilo en cada personajes haciéndolos únicos, impresionantes, pudientes o
de rangos militares superiores, lo que llama la atención hasta el día de hoy pues su
legado continua presentándose alrededor del mundo año tras año, el teatro en el que
trabajo Shakespeare fue el Globo quien hace alusión a su nombre a su arquitectura, algo
que se destaca de este maestro es el profundo conocimiento del teatro pues no solo era
dramaturgo, también actor, adaptador, lo que ayudo al trabajo y reconocimiento de cada
uno des sus personajes dentro de las 37 creaciones conocidas de las cuales se ha hablado
toda la historia por sus exquisitos diálogos que han permanecido y resonado a través de
la historia personajes con características particulares como ,Otelo el moro de Venecia
quien es victima de traición por su esposa quien se ve con el lugarteniente, este
personaje que se desenvuelve en un espacio cargado de guerras y de desprecios
iniciados por el padre de esta, reinan en esta obra los celos de Otelo hace su esposa
Desdémona.

11
Macbeth, el anhelo de este por gobernar según lo que han dicho las brujas y el
constante apoyo de su mujer lady Macbeth (quien al final muere, luego de permanecer
impaciente y con la culpa), para que asesine a Duncan el rey y su marido pase al trono,
los hijos de rey no creen y hasta el final logran cobrar venganza y matarlo. Es una obra
que trabaja venganza, impulsos, pasiones y deseos de poder. Hamlet, un personaje que
distingue los riesgos que no debe tomar, confirma la muerte de su padre a manos su
tío, quien lo hace para quedarse con la madre de Hamlet y pasar al trono, luego de ello
confronta la existencia y el devenir humano en sus monólogos, Hamlet logra cobrar la
promesa que le hace al fantasma de su padre de vengar su muerte, al enterarse de que el
rey ahora quiere matarlo Hamlet logra herirlo pero ya ha sido herido con una espada
envenenada ahora este hace que tome el veneno con el que iba a matarlo ambos mueren
y la reina también pues bebió vino envenenado, Hamlet muere finalmente antes de
morir designa el trono al príncipe Fortimbrás, Hamlet es enterrado con todos los
honores.

Romeo y Julieta la obra mas maravillosa llevada a la pantalla grande y recibida muy
bien no solo en la época sino también hoy por los espectadores, una obra que relata el
amor prohibido de dos jóvenes cuyas familias son enemigos a muerte, los Capuleto y
los Montesco, ambos empiezan a tener su amor a escondidas pues seria imperdonable
que lo supiesen sus padres, pero el odio de las familias se hace notorio cuando el primo
de Julieta reta a Romeo, pero se niega y el amigo Mercurtio con Teobaldo deciden
enfrentarse a muerte, de lo que se aprovecha Teobaldo matando al amigo de Romeo
quien luego se venga de este. pero el amor de ambos es mas fuerte y deciden casarse a
escondidas pero la posibilidad de que esto sea aceptado es imposible, por ello Julieta
quiere someterse a beber una droga para que la crean muerta y así poder permanecer
con Romeo, finalmente Romeo no alcanza a enterarse de la idea de Julieta y cree que
ella esta muerta al saber esto el se toma un veneno y muere ella al despertar y darse
cuenta de esto decide suicidarse junto al cadáver de su esposo con una daga. Finalmente
cuando esto sucede las familias Montesco y Capuleto deciden dejar la rivalidad.

Comedia del arte se conoció en Europa en el renacimiento se da para burlar los

burgueses entra no solo las posibilidades de tener diversos personajes que emplean
mascaras sino también para mantenerse ejemplo de ello: el arlequín, polichilena,
patelán, el dotore, las cuales son grandes, coloridas y de formas grotescas, es una

12
comedia para el pueblo, lleno de personajes con rasgos de estereotipos, por general esta
comedia del arte tiende con sus historias a incorporar al espectador , dando a
oportunidad de que este sepa el desenlace. Los temas no son de caballeros, se presentan
las miserias humanas, esta comedia no dura mucho tiempo como movimiento teatral, es
mas un pasaje histórico del teatro

Teatro español siglo de oro (siglo XVII) Por Europa se ve y se da cuenta de lo popular
aun mas, en el teatro español los actores ambulantes que llegan a las calles para contar
lo cotidiano, según este teatro español es posible usar varios personajes que se repiten
ante los montajes, buscando lugares comunes, en este teatro todos los tramas eran
empleados y las historias religiosas tenían relevancia, pues era un pueblo creyente.los
autores mas representativos de la obra española. Miguel de cervantes, novelista, poeta,
hito de la historia por el Quijote de la mancha, trabajo también la dramaturgia, inicia
en su época con algo de comedia una de sus primeras obras el retablo de las maravillas,
con su ilustre pinta sarcástica. Lope de vega, con su corte amplio ante la dramaturgia , al
crear sus obras pensando en una alegría popular, en la cual el regocijo proclama el
pueblo, lo muestra su obra Fuenteovejuna, en la que se le da muerte al dictador y gana
el saber popular que no quieren vivir bajo el poder antagónico de la clase dominante.
Calderón de la barca este dramaturgo es quien da el final al siglo de oro español, busca
en sus obras descubrir a loas personajes tras desmantelarlos por apariencias, busca mas
allá de lo común una de las mas reconocidas la vida es sueño , da la polaridad de la fe y
la saber, el protagonista leva una carga dramática y además se enfrenta al mundo, vive
el desengaño, aquel que deja de creer, la metáfora inquietante en pensar la vida como
sueño, aquel personaje Segismundo que concluye ante las apariencias del actuar es decir
mantenerse como ”cristiano y obrar bien”. 7

Teatro profano (aprox. siglo XVII), este teatro no es muy recibido por la iglesia, dado
que no apoya la doctrina religiosa, los actores de estas compañías intervenían haciendo
uso de su elemento corporal gesticulando para lograr por medio de sus farsas contar
entretenidas piezas, Lope de rueda con sus obras, el Deleitoso, Eufemia.

El teatro Romántico, se presenta ante la historia como un teatro permisivo a la hora de

crear relatos, uno de los puntos sobresalientes es los personajes quienes están en
7
Ibid Pag 41

13
muchas de las obras en desacuerdo con su destino, amores no permitidos, personajes
degradados ante lo social, en este teatro el “secreto” o chisme es de vital importancia
pues es por ellos se conoce muchas veces la verdad. José zorrilla de Don Juan tenorio,
una historia que inicia con la apuesta de dos hombre para saber quien “triunfa” mas con
las mujeres y con el dinero don Juan gana la apuesta, sin embargo el perdedor busca la
revancha y así propone seducir a una novicia, este tipo de obras trabaja la vida cotidiana
de personajes tangibles , en esta obra don Juan tiene un amor imposible que es doña
Inés, pero ella no puede estar sin el y muere de amor, luego de mas apuestas en la obra
doña Inés hace una con Dios para que su amor se arrepienta a final los dos personajes
logran llegar al cielo, tras varias complicaciones en vida.

Teatro hispanoamericano, sus orígenes se reconocen en principio por los indígenas

quienes llevaban a cabo rituales en los que no solo involucraban a los Dioses sino que
también veían en estos espacios la manera de trascender dentro de su cultura, con sus
rasgos y tradiciones propias, anteriormente la colonización cambio muchos de estos
rituales pues la evangelización se presento ante estos con obras teatrales en las que
muchas veces no se lograba interpretar lo que el colono trasmitía.

Para hablar de este Teatro del siglo XX, dado que existían nuevas invenciones
(“electricidad, nuevas tecnologías” 8 se debe hablar también del Realismo, Naturalismo,
el primero aporto en el teatro moderno lo particular que se compone al expresar entre la
obra y su espectador la “contemporaneidad” .Ahora el teatro naturista, instaura
narraciones convencionales en las que el destino y la realidad mantienen esquemas de
espacios tradicionales, la segunda se refiere a la literatura pues propiamente emerge de
esta, es fascinante al retratar todos los males sociales lo mordido enmarca al naturalismo
pues las conductas se exploran siendo vivaces, exageradas y vulgar, se habla también
del drama naturalista que se incorpora a un ambiente en donde los personajes son mas
tangibles, con pasiones expresadas. Los autores representativos en esta época iniciando
con el realismo son, Henrik Ibsen, finales siglo XIX, dramaturgo noruego leva una
postura frente al estado poco amigable pues cree que ”un individuo libre puede hacer
mucho por si mismo, mientras que la sociedad puede hacer muy poco por el” 9
demostrando también en su obra la casa de muñecas obra celebre por su mensaje en el
8
Andrade Varas, Op Cit, Pag 39.
9
Tello Ravassi, Op Cit, Pag 80

14
que la importancia de la mujer por revelarse ante el marido, deja ver a la mujer Nora
como una muñeca que se queda en casa sin desarrollar un proceso de vida, Nora ante su
marido decide retractarse, muestra entonces el autor como existe la posibilidad de no
obedecer ante la voluntad del hombre en su papel del marido. Antón Chejov (1860-
1904) nació en Rusia este dramaturgo quien se interesa por dejar a los personajes en
una soledad , con pocas emociones , monótonos los cuales representaron la Rusia
dividida y perdida, los personajes de Chejov narran historias en las que la frustración, el
poder perdido y la revelación son partes de las comunas vivencias sociales, las tres
hermanas es una obra que describe la vida absurda de estas quién solo llevan vidas
inertes en las que desean otro destino pero que finalmente caen a la calle perdiendo lo
que tenían , esta obra no solo dictamina corrientes humanas sino también del contexto
ruso.

En este nuevo siglo replantean la mirada sobre el texto ante la escena, su contenido el
drama, la prosa ahora son sugeridas por un director de escena que se encarga de llevar a
cabo una conceptualización de lo que se quiere mostrar en escena , por ello su trabajo de
estructurar la imagen junto con la obra para darle trascendencia (visualmente), Cabe
destacar que desde el teatro clásico la idea de manejar sobre la escena lo estrictamente
necesario como vestuario o mascaras era indiscutible, pues el valor a la palabra del actor
encarnaba la comunicación entre este y el publico, si en escena se tenia un trapo y el
actor juraba que era su fortaleza este convenio y aceptación de parte del espectador
adelantaba el juego dramático dando posibilidades de mantenerlo mas concentrado en la
obra pues el cuerpo del actor llevaba junto con este todo el protagonismo. Este punto
convertido en una discusión del punto de conexión interpretado y es reconocido hasta
hoy como la teatralidad, la representación de los cuerpos en la escena y su contenido
estético.

CAPITULO V
DRAMATURGIA

Es uno de los conceptos más importantes a la hora de referirnos al teatro pues a partir de
aquí nace la narración, parte por parte que luego construirá la puesta en escena
constituida y representada principalmente por actores. La dramaturgia se concentra en
el texto, por ello se habla del dramaturgo pues es la figura profesional que escribe y

15
plantea las obras. Una ves se centra el escrito es viable darle características y personajes
referentes a un género teatral, la descripción de estos se da de la siguiente manera:

Comedia: Es un genero que centra su drama a partir de lo extravagante, pues conquista

al espectador a través de lo humorístico, la comedia se distingue pues en la mayoría de
sus finales este es feliz, hecho que contribuye con sus personajes quienes son de corte
llamativo, fuera de lo común, dentro de una sociedad; se puede hablar de este genero
como burlesco a las desgracias del otro, el enredo, el secreto son puntos característicos
dentro de las obras, uno de los autores, que trabajo la comedia fue Moliere, este autor
Francés “ Era un autor de farsas con talento, incluso refinamiento, que hacia reír a
10
expensas de los médicos, de los maridos engañados,” con obras como las preciosas
ridículas, la escuela de los maridos, Don Juan, Tartufo, personajes que se direccionan a
la hipocresía y que hablan de engaños, líos de amores, profesionales que se han hecho a
medias, y servidumbre que se burla de los nobles.

Tragedia: La relevancia de este genero se designa en puntos claros en la medida que el

destino compone una pieza primordial y a partir de allí, los personajes deben afrontan
la voluntad de sus actos, las ironías de sus vidas, la fatalidad de su existencia, el
sinsabor de sus deseos, anhelos, sentimientos, la tragedia indica que el personaje esta en
constante lucha no solo consigo mismo (psicológico), sino con su destino (social,
afectivo).

Drama: se interesa por temas diversos en los que no solo se representa lo cómico o lo
infeliz de un personaje que atraviesa por situaciones trágicas, en el drama hay varias
posibilidades, de alguna manera estos personajes deben luchar contra sus represiones
sociales, la mente de estos es inquietante pues sus diálogos dictaminan su
comportamiento, conviven en situaciones cotidianas y deben desarrollar su vida en los
episodios que se les presenten.

Tragicomedia: Emplea elementos trágicos en donde los personajes pueden tener

peripecias pero se alimenta de estas para que en el desarrollo de la obra los espectadores
puedan disfrutar de un personaje agobiado, pero de rasgos cómicos El desenlace de la
tragicomedia no evita situaciones trascendentales para los personajes quienes deben
10
Moliére, Jean Baptiste, Historia de la literatura, Barcelona, Editorial planeta. s.a. 1994, Pag XIX

16
atravesar por situaciones impredecibles que por lo general tienen tendencia al
sufrimiento.

Farsa: Es un relato que se desarrolla en poco tiempo e incluye a los personajes en

momentos en donde la mentira prevalece, la farsa emplea temas cómicos que se
presentan ante el destino como también angustiantes. Este genera se da a través de la
historia para polarizar las obras religiosas que para entonces se presentaban , los
personajes principales por lo general engañan a los demás personajes de su entorno
social, pero pueden caer ante las trampas que ellos mismos instauran y pueden ver la
contra cara de la moneda.

Melodrama: Es una pieza en donde prevalece el amor, ya sea prohibido o falso, por lo
general los melodramas son de corte muy sentimental, emplean diálogos en donde se ve
el romanticismo, los deseos encarnados en los personajes, se ven a lo largo de la pieza
pues son reiterativos e incasables.

Esperpento: “Para referirse a una conjunción de géneros en una misma obra; el

esperpento mayor es la muerte, aparece como síntesis del melodrama y la farsa” 11
Estos géneros teatrales han acompañado la historia de la dramaturgia, hoy en día son
característica primordial a la hora de escribir un texto dramático, desembocando en la
relación del texto, lo dramático desde la acción, culminando en la pieza teatral.

EL TEXTO DRAMATICO.

El texto dramático es escrito por el dramaturgo, quien desarrollara una acción en un

tiempo y lugar, anteriormente habíamos discutido las tres unidades desarrolladas en la
tragedia, ahora discutiremos los elementos expresados en la poética de Aristóteles, en
donde este expresa, que el dramaturgo antes de escribir cualquier obra debe apreciar e
interpretar el contexto en el que vive.

11
Andrade Varas, op cit, Pag 48

17
 “Unidad de tiempo = Acción + Espacio + Catarsis + Peripecia + Anacnórisis + Acción
Dramática + Personajes”12

Para explicar este proceso se debe recordar que la catarsis debe ser expresada por el
público; Anacnórisis, está presente luego de la anterior, “es el reconocimiento del
suceso”13 la peripecia, se presenta en el personaje como respuestas a actos equívocos
llevados por su voluntad que lo llevan al infortunio; la acción dramática, es la
reiteración que en el drama existe la acción, la vida y la muerte, siendo esta el punto en
donde culmina tal acción, pues es una forma de desarrollar el drama. Los personajes se
desarrollan en una cotidianidad festiva o desgraciada, pues su destino ya esta marcado,
por ello la escogencia del personaje es casi nula. Las obras de teatro tienen como fin
trabajar el conflicto, por esto mismo el dramaturgo debe recurrir a este elemento
siempre en sus piezas teatrales.

Destacar aspectos en los que aparece el tema, es referirnos netamente a las ideas en
donde no existe un limite pues obra propia de un autor, por supuesto esta no aparece sin
el argumento, el cual es la estructura, este es iniciado por un conflicto anterior, todos
estos puntos de vista son predeterminados por el autor, es decir el dramaturgo, quien
debe desarrollarlos de manera concreta, para lograr expresar su idea.
La dramaturgia como concepto global debe ser entendida como la infraestructura de
cualquier drama, pues permitirá el alineamiento de un acto creativo para ser
representado luego por medio de la teatralidad.

12
Ibid, Pag 49

13
Ibid Pag 49

18
19
 “PAPEL DEL CINEMATOGRAFO COMO ARTE Y COMO MEDIO DE
EXPRESIÓN CULTURAL”

El cine es la representación de la realidad invocada por el lente de una cámara y por un

director que desea narrar la perspectiva de su mundo, el cine nos permite ser un filtro de
información, ya sea para destacar características sociales o por el contrario para
representar una idea de ficción frente a las realidades culturales.

La imagen, la musicalización, el guion, el montaje, los efectos especiales son

herramientas empleadas para destacar diferentes visiones que logran sensibilizar al
espectador, es allí donde me detengo y resalto estas inimaginables puertas de poder que
llevan a cambiar la noción de una persona, replantear su existencia y determinar su
admiración a diversos actores o directores universales. El cine es el camino más
asombroso en el arte audiovisual pues genera otra realidad, la crea en una plataforma
subjetiva y de allí logra manejar como un títere las ambiciones del espectador.

Élie Faure, ensayista e historiador francés a lo largo de su vida expuso la importancia de

las artes en el desarrollo humanístico del hombre, dio las suficientes herramientas a
través de sus letras para convertir su visión poeta en una razón de arte y vida, como lo
escribió en el prefacio de su libro “la función del cine 14” su admirador Charles Chaplin:
“con el don de discernir, en lo que la vida ofrece de mas banal, lo extraordinario y la
belleza15”

Considero el arte cinematográfico como el abordaje perfecto para exponer al director

como emisor de un mensaje y al espectador como receptor, que absorbe y se deja
seducir por lo que ante sus ojos aparece. Sin embargo diferentes puntos de vista son
14
ELIE FAURE, LA FUNCIÓN DEL CINE,ARGENTINA,EDITORIAL LEVIATAN 1956. PROLOGO
EDMUNDO E. EICHELBAUM.PAG 15.
15
Ibid pág. 10.PREFACIO CHARLES CHAPLIN.

20
creados para mostrar las diferentes formas de percibir al mundo, según sus creencias o
culturas en donde se debe adaptar este arte; es decir, el cine en América latina a tenido a
lo largo de la historia un desarrollo concentrado en países como lo son México o
argentina, en otros países latinoamericanos ha sido a un paso mas lento y con un
concepto de practicas sociales mas amplio enfatizando en un producto documental.

Ahora bien el cine comercial americano, con la variedad de montajes que presenta lo
que enmarca son diferentes puntos de vista frente a la ciencia ficción, tergiversada en
muchos casos a lo que es la literatura y la noción real de esta, en comparación con otros
géneros y contextos cinematográficos culturales, Dado que enfatiza la ciencia ficción
considerándola en principio como la búsqueda de una argumentación científica que
compruebe la existencia de otros seres, por supuesto el cine americano no busca
convertirse en un argumento de autoridad por lo que se ve o narra, el cine americano
propone entretener al espectador con un personaje, montaje u efectos que logren seducir
y convencer a quien va al cine y adquiere una boleta ,Hollywood se ha convertido en la
industria mas efectiva a la hora de hablar de cine comercial; sin embargo ponentes del
séptimo arte reprochan el manejo y la comercialización de este cine, por la importancia
que dejan a las ganancias, a la venta de taquilla, asumiendo la narrativa con una visión
mas asequible a todo tipo de espectador. ”el film americano es un arte nuevo, lleno de
perspectivas inmensas, promisorio de un gran porvenir16”

Por otro lado La cultura europea bajo ancestros tan fuertes como los el teatro se
manifiesta en principio con diversos movimientos, el neorrealismo italiano uno de los
mas recordados por ejemplo, destaca la posguerra, la desgracia que deja esta, el hambre
y la perdida de conciencia ante el dolor humano, este proceso marca la historia universal
y de allí se puede retomar “memorias” de lo que sucedió en la sociedad mediante este
acontecimiento. “es la fuerza de este tipo de vivencias, sin duda, la que le dio tanta
firmeza en sus intuiciones, como para permitirle afirmar , con tanta anticipación el cine
italiano llegaría a rivalizar con la cinematografía norteamericana por su vigor y en la
medida que se apartara de ciertos preconceptos de su tradición cultural 17”

16
Ibid pág. 57
17
Ibid pág. 21 PROLOGO EDMUNDO E. EICHELBAUM

21
La realidad social a través de la historia ha permanecido junto con este arte en diferentes
periodos, este proceso ha sido acompañado de una manera audiovisual como forma
artística o política comunicativa para cada postura en determinadas sociedades. Según
Élie Faure “Todas las artes mueren por la generalización de los talentos que les permite
mantener, afinar y, a fin de cuentas banalizar ese gusto 18”

El cine es el canal más brillante para comunicar las desigualdades en los diferentes
sectores de la sociedad, además es el medio más eficiente para transmitir los deseos
surrealistas “el cine incorpora el tiempo al espacio. O mejor: el tiempo gracias a el, se
transforma realmente en una dimensión del espacio. Podemos ver mil años después de
que halla saltado del camino bajo el galope de un caballo, una nube de polvo levantarse,
extenderse disiparse o la humareda de un cigarrillo condenarse y retornar al éter. 19”

Hablar de cine es hablar de un arma visual que puede traer consigo cambios,
renovaciones. Este ejemplo demuestra lo que se puede hacer con las sociedades y
culturas tomar parte de ellas y expresar en que condiciones se desarrollan que nos
distancia o se nos asemeja, como replantear la organización social.

La solución del cine se encuentra en notificar la realidad social los puntos de quiebre y
una posible solución, el cine es la herramienta pacifica que con una imagen logra
ilustrar la realidad, el cine es la posibilidad de contar con imágenes , música, montaje lo
que pasa y lo que no se debe repetir, el cine mas importante no es el que presupueste
mas dinero en su producción, si no por el contrario el que se permita contar algo al
espectador y hacerlo soñar, gracias a la actuación que lleva al espectador a este clímax,
es el personaje el que conmueve que traduce las líneas de un guion en sentimientos,
lagrimas, risas, dolor, es el personaje quien crea el cine para trasmitir al espectador, es la
odisea de persuadir es el arte de transmitir.

18
Ibid pág. 41
19
Ibid pág. 62

22
 EL CINE, LA REALIDAD A TRAVÉS DEL LENTE CAMBIANDO EL
UNIVERSO, EL LADRÓN DE BICICLETAS.

Cuando se trabaja la interpretación actoral en una obra cinematográfica, se procura

tener personajes emblemáticos, que logren llegar al espectador conmoviéndolo ante su
interpretación. A lo largo de los años diversas actuaciones han sido llamadas históricas;
gracias a su narrativa audiovisual, al desarrollo de los personajes que se presentan en la
película, que llegan a hacer sentir al espectador de una forma particular en la que al acto
comunicativo es presente a través de las emociones.

Teniendo en cuenta esta afirmación, se buscara como índice primario el cine como arte
fundamental para la existencia del mundo audiovisual, dado que el hombre percibe el
mundo, se dice que lo imita a través del lente y de esta manera es más eficaz su
aprendizaje, una vez el hombre genera razón sobre lo que ve, lo disfruta, asimila, y
critica decidiendo sobre la moral que le corresponde. El hombre no solo quiere trabajar
en el arte cinematográfico una idea que le permita ver su entorno con base en una
imitación, aquellas películas que presentan personajes con los cuales el espectador se
siente identificado, o piensa en seres queridos que se le asemejan a este. Una idea del
cine comercial o de bajo presupuesto, en los diversos continentes encaja Cuando se
sugiere una realidad en la que el mundo explora desventuras, traiciones, sobre aquel
sueño con el que inicia, este método puede ser llamado por Platón como lo aparente, El
también formula otra intervención sobre la mimesis que vincula lo que se piensa, se
narra a lo que se anhela, todo se escribe tal como se quiere, el literal, muchas de las
narraciones cinematográficas se centran en esta idea platónica en donde el personaje
tiene un objetivo desea cumplirlo y deberá sobrepasar las penurias que lleguen a su
destino, este tipo de personaje- común o héroe, por lo general llega al espectador con
mayor conmoción, pues supera las desventuras del destino.

De esta manera se da lugar a la realidad comandada a partir de la visión del cine, en la

que se esclarecen las realidades diversas, de lo que es, se ve y se interpreta, por medio
de una historia, un personaje.

El libro de teorías documentales para el cine documental en chile, pronuncia:

23
Otra de las teorías hace referencia a la retórica abarcadora utilizada por los
realizadores para poder captar los múltiples estímulos que entregaba la realidad. La
mutabilidad de las situaciones reclamaba a personas con iniciativa: los realizadores
actuaron apropiándose se de la realidad y su manera de hacerlo fue mediante el
registro, ellos capturaban todo y lo reciclaban para que fuera comprensible de otras
maneras20.Al leer este diagnostico de la retorica abarcadora comprendemos entonces,
que esa mimesis es también técnica para narraciones no solo de ficción sino por el
contrario obras de la vida real de donde nace el neorrealismo italiano, expresionismo
alemán, entre otros movimientos cinematográficos, que no siendo documentales , se
apropian de la realidad para mostrarla a partir de la narrativa audiovisual.

Entonces decir que el cine hace hasta el último esfuerzo por develar el misterio de la
realidad, evitando la mirada subjetiva seria referirse a Andre Bazin, se puede decir que
si el cine no contempla la realidad no sería este arte, debido a ello las expresiones
artísticas deberán en todos los ámbitos cinematográficos encargarse de crear situaciones
–reales-, visibles en las sociedades, existen dobles, así perduran tras los años los
personajes, las personas pueden sentirse aludidas e identificarse, son anécdotas de la
vida es decir el cineasta se sienta con su lienzo a pintar la obra maestra es casi una
fotografía con vida eso genera la exactitud en el cine, no todos los cineastas cuenta la
vida “real”, a otros más contemporáneos les interesan las historias, que cuentan algo,
pero con elementos de ciencia ficción, efectos, maquillajes, montajes, etc. muy
diferentes a la trama clásica de mimesis.

Si pensamos el cine desde la representación de la realidad documentarla produce una

movilización masiva de sentimientos, estos nacen del espectador y ayudan a estimular
las pasiones del hombre, el cine no solo a través de la historia ha sido para recrear las
corrientes universales, la búsqueda de hacer sentir la gente en su propia dimensión,
husmear en sus ideologías y a modo de propaganda política incentivar protestas
sociales. En la segunda guerra mundial es visible notarlo. Supongo el concepto de
Neorrealismo que nace en Italia, como respuesta a la miseria de la postguerra, al

20
José Román (Santiago, 1940), como guionista, un influyente crítico cinematográfico, función que ha
ejercido en el diario La Tercera y en las revistas Primer Plano, Enfoque y Apsi. Texto El Cine Alemán y
la Tendencia Expresionista.

24
fascismo que oscureció y margino la vida de personas entre ellas cineastas que querían
contar a su patria, al –mundo-, sus historias como autobiografías de sus desconcertantes
vidas, de la violencia y maltrato que vivieron, por ello los espectadores de esta tipo de
películas convocan voz a voz, el acompañar las ideologías que registran también como
suyas.

Vittorio De Sica,Director cumbre del neorrealismo italiano, con su película “El Ladrón
de Bicicletas” enmarca este movimiento. Esclarece cualquier duda que se tenga frente a
las acciones realizadas por los actores naturales o de academia, la historia cuenta con
tres personajes principales el papá Antonio Ricci interpretado por el actor Lamberto
Maggiorani, la madre María Lianella Canell y el hijo Bruno Enzo Staiola; la pobreza de
esta familia que con el único recurso que puede sobrevivir es gracias a una Bicicleta,
dado que con esta Antonio lograra el sustento para su familia, sin embargo la realidad y
la pobreza por la que vivía Italia en esa época estaba vigente y desgraciadamente a
Antonio le roban la bicicleta, su único medio para sobrevivir junto con su familia, de la
cual debe cuidar de sus hijos, Bruno, su bebe , su esposa, esta sinopsis, que ciertamente
cuenta la película , y que tiene un varias sorpresas y un final injusto, lleva a este hombre
quien junto a su hijo emprenderán la búsqueda por la bicicleta , dejando ver la
desolación de un padre, la desesperación de una madre, la ingenuidad de un pequeño, en
una de las escenas finales cuando capturan a Antonio quien intenta robar una bicicleta,
es visto y capturado delante de los ojos de su hijo, es una actuación de estos personajes
impecable pues logra transmitir al espectador el desespero y la desesperanza, a través
de miradas, llanto, vacio. Trayendo a colación al maestro del arte teatral Jerzy
Grotowski, no se necesito de maquillaje, luces y artefactos escénicos para transmitir con
el cuerpo de estos actores su historia, casi como un teatro pobre, se persuade al
espectador con una sensatez irrepetible.

Siguiendo la línea de movimientos cinematográficos culturalmente varían dependiendo

del director, una muestra de ello, el Expresionismo Alemán y una de sus obras
magistrales Dirigida por: Robert Wiene: justifica un paralelo;

25
“El Gabinete del Doctor Caligari”, film tomado por el autor como modelo del período
expresionista. Lo extraño es que durante todo el estudio las referencias teóricas o
tomas de posición están muy ligadas a cierta corriente “realista”, siendo Kracauer y su
libro “De Caligari a Hitler” el primer referente, pero también Bazin, con su formula
comparativa entre el “cine realidad y el cine imagen”, siendo el expresionismo el
modelo por excelencia de este último tipo de cine. se termina privilegiando un aspecto
menor (que es algo así como defender la especificidad cinematográfica de “El
Gabinete…21”

Esta discusión argumenta en una obra varios autores. El expresionismo alemán y su

interés en el montaje se expresa en la obra cinematográfica “El gabinete del doctor
caligari”, para muchos espectadores esta obra es muy teatral, varios críticos afirman que
el director Wiene, inicio su carrea en teatro por ello su obra maestra es tan particular, no
hablan los personajes, pero sus expresiones son muy dicientes, sus acciones son híper,
en diferencia al anterior film que mencione, esta historia rebaza las nuevas pretensiones
del cine para la época.

Pero estas reconocen el valor cultural, con el tiempo diferentes cineastas han decidido
que corriente abordar, unos el surrealismo, o neorrealismo, realismo, no todos se volcán
a un solo camino depende de la historia de cada uno de estos, los deseos, ánimos y
directrices que quieren tomar en sus vidas Como Genero Artístico inconfundible. El
cine aporta ideas estéticas que corroboran las historias, por supuesto cada tema debe
acompañarse de entes artísticos que dirigen las escenografías vivas. Sin embargo la
intención de aprender el arte del cine, no es campo sencillo, a partir de lo que
experimente cada ser, este debe percibirá la realidad uniforme plasmarla y darle toques
coyunturales, mágicos, misteriosos, lo importante es contar una historia, narrar una vida,
crear en el espectador esas ganas de llorar, gritar, reír, motivar a realizar algo con sus

21
Libro Teorías del cine documental en Chile: 1957-1973: Instituto Fílmico de la Universidad Católica y
Centro de cine experimental de la Universidad de Chile.

26
propias vidas, por eso el cine es técnica también ,cada director se diferencia por su
forma de narrar audiovisualmente, ejemplos claros:

David Lynch comenta: “Todo director tiene unos cuantos trucos técnicos particulares.
Por ejemplo, a mi me gusta jugar con los contrastes; me gusta utilizar objetivos que den
una mayor profundidad de campo; y me gustan los primerísimos planos”.

Jean Luc Godard: “Encontrar dónde situar la cámara en una escena determinada es
tarea difícil, en realidad no hay reglas, no hay principios en los que te puedas basar. Sin
embargo, una cosa de la que me he dado cuenta es que si realmente no sé dónde poner la
cámara, eso significa que algo va mal: la escena no es buena, la posición de los actores
no es buena, el diálogo no funciona… Actúa como una especie de alarma, un
mecanismo de advertencia 22”.

Finalmente la expresión más hermosa del actor es aquella que se puede pintar sobre una
pantalla llegando a ser cuento audiovisual, con pedazos de vida, interpretaciones
memorables, recuerdos inolvidables, ese es el trabajo del actor, acompañado y orientado
por un director y un guion.

22
Lecciones de cine: Él cine según http://www.lafuga.cl/libros/lecciones_de_cine/

27
 12 ANGRY MEN DIRIGIDA POR: SIDNEY LUMET

Iniciar un análisis como resultado de la interpretación de cada uno de los personajes

que se presentan en esta película, enfatizando el trabajo actoral del estadunidense Henry
Fonda quien a lo largo de su vida participo en decenas de películas, convirtiéndose así
en un icono actoral de la historia. La participación en esta película se presenta como
analogía al método stanislavskiano, dado que cada uno de los personajes lleva consigo
una memoria emocional que transcurre a lo largo de la película, es un reconocimiento al
trabajo en escena y a la construcción de un personaje a partir de una psicología.

La sinopsis, se necesita saber la sentencia de un joven, acerca de si es culpable o no del

asesinato de su padre, para someterlo a pena de muerte, la narración de esta película
inicia en un tribunal, luego se dirige a un cuarto (en el que se desarrolla toda la cinta).
12 Jurados (entre ellos Henry Fonda) deben decidir con la suerte de un personaje
(joven) del cual solo se presenta apenas un plano del rostro unos segundos y del que
se cree es el asesino de su propio padre, tras encontrase el cuerpo de este con una
puñalada de 10 cm de profundidad en el pecho. A partir de allí la película inicia su
desarrollo con estos 12 sujetos los cuales personifican diversos rolles dentro de la
sociedad.

Uno a uno los jurados van mostrando sus rasgos, para este caso que deben sentenciar:
uno de los primeros encamina la discusión en la que el prejuicio se hace notar desde el
punto de vista humano hacia un grupo determinado de la sociedad de la que este
personaje prefiere ”exterminar”; Este primer jurado muestra inicios de su personalidad
lo que Stanislavski llamaría en su método la idea de unidades y objetivos; gracias a su

28
afán pues solo esta presente con la necesidad de salir rápido del dictamen dado que lo
espera un partido al cual no desea faltar y lo hace saber. Luego de unos minutos en los
que los 12 jurados se organizan dan inicio a la votación de la cual el líder pregunta
como hacerla y uno de estos comenta que es mejor que sea con votos(levantando la
mano) si están a favor o en contra, aceptando esto el líder, hacen la votación y de los 12
jurados 11 aciertan que es culpable y 1 no(quien en la cinta será el único que mantendrá
su voto Henry Fonda), todos sorprendidos y desconcertados le piden que de sus motivos
con los cuales este se presenta y aclara como es el caso: En esta escena el personaje de
Henry fonda controversial, serio inicia su explicación sin estar seguro de si es o no
culpable el joven, pues el aclara lo siguiente, existen 2 testigos mujer-vecina(asegura
ver todo), anciano-vecino(escucha gritos: “te voy a matar” ve al supuesto asesino hijo
correr por las escaleras) estos aseguran saber que el joven es el asesino pues lo vieron,
otro jurado se enfada y será también miembro del prejuicio del primer jurado, este
personaje desmerita a casi todos los jurados siendo el mas patán y ruin quien(lleva
detrás de su arrogante personalidad un dolor por un hijo quien no ve hace 2 años)* otro
de los rasgos mas importantes del método de stanisvlaski la memoria emocional,
comportándose bajo las circunstancias dadas, sin embargo se esta desahogando por
medio de dictar sentencia a este otro joven quien le recuerda a su hijo, Este asegura que
una de las pruebas mas sobresalientes es la navaja la cual solo la podía tener el joven
pues era “única” en su clase, lo cual es desmentido por David Henry Fonda, cuando
muestra una navaja exactamente igual lo que hace que el mayor(edad) de los jurados
cambie de opinión y decida que su voto es a favor del joven desde esta segunda
intervención el personaje de David quien lo interpreta fonda maneja una sicología
enigmática pues se concentra en decirle a los jurados que no es seguro que el joven halla
asesinado a su propio padre pues las pruebas están llenas de dudas.

La precisión y concentración de este personaje para enfrentarse a los otros 11 hombres

emocionalmente comprometidos y con una particularidad ligada al comportamiento
social de estos, guían la película a un punto de incógnita, duda e interés al publico por lo
que sucederá, cabe recordar que esta película fue rodada casi por completo en un solo
set el cuarto donde deliberan, lo que confirma el trabajo actoral de los personajes.

Este jurado pasa de discriminar; recordando este termino como rechazo absoluto frente
a un grupo social pero sin la noción de exterminarlo, los hombres consternados por el

29
nuevo resultado se preguntan entre si, pues ninguno sabe quien es el “traidor” que
cambio de voto. la rabia del juez testarudo hace que explote frente a otro jurado que
anteriormente había comentado que su juventud fue en un barrio joven y pobre, este
solo niega que el fue, el juez mayor asegura que fue quien cambio el voto dejando en
ridículo al juez testarudo quien maneja la memoria afectiva en su personaje, Por tal
razón el juez que tuvo una infancia en un barrio similar cambia de voto a no culpable, El
juez mayor anota también la idea de David pues solo tienen evidencia circunstancial,
¿como pueden estar tan seguros de algo que ninguno vio? , lo que hace tambalear las
declaraciones de los 2 testigos mencionados anteriormente, dado que el testigo anciano
es muy viejo y no pudo oir tan claro y caminar tan rápido y que la mujer no usaba lentes
y vio todo claramente, ambos con el tren pasando en la noche lo que hacia que las
pruebas fueran menos exactas, esto hace que discutan y se refieran a como puedo ser el
asesinato, David va probando a cada uno de los jueces al pedir otra votación luego de un
pequeño descanso queda empatados 6 de los jurados dan su voto por la culpabilidad del
joven y otros 6 votan por que no es culpable.

La homogeneidad del grupo se veía muy desdibujada ya que David continuaba

insistiendo y preguntando a cada uno de los jueces para demostrarles que no había
ninguna certeza, uno de ellos reiteraba su negativa puesto que el acusado había
mencionado que estaba en cine y no se acordaba de las películas ni de los actores
entonces David lo confronta(esta escena genera una aprobación del personaje que Fonda
interpreta) nuevamente hace que cambie también su voto además por la discusión que
tiene de los testigos sobre todo de la mujer quien sin usar gafas había reconocido toda
tan evidentemente , esto es poco creíble. Al convocar una nueva votación que da como
resultado 9 jueces a favor y 3 en contra los cuales llenos de incógnitas sugieren
desacreditar las intervenciones de David y ahora de sus seguidores, el juez testarudo con
su idea etnocentrista insiste en la culpabilidad de joven (desgraciado por su vida e
infancia), David nuevamente presenta las probabilidades de sentenciar al joven por algo
que no se “sabe” con plena seguridad lo que hace que cada uno de los jueces se reponga
a la idea de la no culpabilidad de joven, ahora en la última votación están 11 contra uno
el juez testarudo es el único que queda con su sentencia de culpabilidad, en una
discusión con David le dice las mismas palabras que se supone dice el joven a su padre
“te voy a matar” , lo que crea un malestar en este haciéndolo una vez mas quedar como
un insolente estúpido, la presión de los demás jueces y la notoria idea de no saber a la

30
perfección lo que sucede hace que el mas arrogante de los jueces decida votar que es
inocente generando un profundo llanto pues recuerda a su hijo y por ello mantiene tal
rabia al joven a quien se culpa, enfatizando la vida interna de los personajes este quien
se confronta varias veces con David lleva la carga emocional mas fuerte de los jurados ,

David el que más conmoción genera en la mente de todos los presentes en el cuarto
donde se desarrolla la película maneja el perfil mas tranquilo y misterioso dejando que
la película tenga sus puntos de giro justificados por su s intervenciones.

Las ideas con las que se inicia la discusión y los roles de cada uno de los hombres los
cuales se direccionan hacia el desinterés, los recuerdos, la inseguridad, son puntos
claves en los que se reflexiona tal noción pues solo son percepciones que pueden ser tan
erradas que solo llegan a crear prejuicios. Finalmente los personajes con rasgos
sicológicos estereotipos sociales, Dejando 12 jueces que representan los constantes
roles sociales y dejando una incógnita en la que no se sabe cuando esclarecer y manejar
las “dudas racionales” pasando de el prejuicio a la discriminación del joven marginado
en la vida. David presenta rasgos del método constantemente pues emplea en escena y
su personaje corrobora uno de los puntos mas sobresalientes de este que es la escucha
de lo que se habla en escena el potencial actoral de este personaje se basa toda la
película en ello. La concentración como otro punto impecable en le actuación de estos
personajes en la que sobresale la de Henry Fonda, con su personaje, dentro de un perfil
natural pero que genera incertidumbre y que a partir de allí lidera a los demás con la
sencillez, precisión en la construcción del personaje.

31
 DE TODOS LOS DEMONIOS DEL HOMBRE- MAR ADENTRO

Analizar esta obra cinematográfica Dirigida por el maestro Alejandro Amenábar es

muy interesante cuando se mantiene presente la conducta audiovisual que este maneja.
Por ello, analizar sus películas es algo que requiere precisión, además de un
encantamiento para desdoblar la naturaleza y estrategia con la que este pretende hacer
de sus películas obras enmarcadas de rasgos en los cuales se precise la idea de cine
clásico, a través de su historia y la actuación de sus personajes tan viscerales y reales.

Lo primordial al desarrollar este análisis es pensar como Amenábar trabaja sus historias,
qué lo motiva trabajar en un proyecto y hacer de éste una obra reconocida; en la
mayoría de sus películas logra entre verse sus intenciones sobre el concepto clásico de
inicio, nudo y desenlace. Amenábar se especializó desde el inicio de su carrera
trabajando en sus obras cinematográficas, una idea en la cual el desenlace de las
historias sólo llegase hasta el final para lograr un punto de giro, es decir, que éste se
especializó en crear historias en las que el inicio es lento presentando así a todos sus
personajes, por ello no es común ver la acción desde el inicio de sus películas tales

32
como Tesis (1996),abre los ojos (1997) y cortometrajes como La cabeza (1991),
Himenóptero (1992).

En su primera década como director se dedicó a profundizar sobre la psicología de sus

personajes y así incremento la expectativa para los espectadores: sólo hasta el desenlace
de sus historias (antes cada una de sus encarnaciones vivía a partir de sí mismo
situación que desembocaba, la mayoría de veces, en finales tradicionales). Los
personajes de su primera década son sometidos de manera tal a la tensión incremental
que es sólo hasta el desenlace que logra liberarlos. Sin embargo, al realizar el
largometraje Los Otros (2001) sobrepone todas las percepciones que se tenían frente a
sus trabajos previos, no solo por el presupuesto de realización de esta película, sino por
el criterio con que maneja la trama, dejando una incógnita desde el primer minuto de su
film hasta el último, a diferencia de lo que había hecho anteriormente; en esta película
dosifica la tensión que antes usaba en el desenlace, y ahora es desde el inicio que se
aplica la tensión sobre sus personajes. Esta nueva estrategia narrativa pareciera que la
incluye en cada una de sus penúltimas películas.

Las características principales de los personajes de la película (Los otros) se

manifiestan orquestadamente. Amenábar recibe comentarios favorables y desfavorables
por este film: sus personajes parecieran sacados de una idea “hitchcockiana”, por
películas como no en vano realzan su pasión por Hitchcock Y kubrick, además muchos
de ellos son personajes “normales” que de algún modo han vivido eventos
desconcertantes o sorpresivos en sus vidas.

Pero no solo esta idea de misterio y desequilibrio sobresale en el manejo de sus

personajes y sus historias: El carácter sentimental complejo que incluye en todas sus
películas y la muestra de la muerte hacen gala de sus obras, muestra de ello Mar
Adentro, en donde los temas primordiales ( son notorios por la historia de un hombre
que en su cama lleva postrado 30 años quien lo interpreta el actor español Javier
Bardem y donde su decisión final para salir de su depresiva vida, es la eutanasia y su
única forma de morir dignamente, ya que es una determinación tomada por el mismo,
pero que finalmente fracasa, requiriendo la ayuda de alguien mas-Rosa-), Amenábar
recopila en Mar Adentro la historia real, toda la información con los seres queridos y
realiza esta película que conmovió muchas personas por la magistral actuación de

33
Javier Bardem y la maravillosa historia contada por Amenábar, que por su temática
logra además de todo premiarse con oscar de la Academia,14 premios Goya entre otros
reconocidos galardones internacionales.
A partir de esta obra Amenábar nos muestra como la idea central de su trabajo es
trasmitir emociones que logren generar sensaciones en el espectador tales como
compasión, frustración, victoria, amor etc.

Las películas de Amenábar y su estructura narrativa, nos ofrecen un rasgo mas

contundente sobre el cine clásico, por ejemplo: el denotar en sus películas las fortalezas
de sus personajes, que a pesar de las peripecias que profesan durante sus propios
desarrollos narrativos y además que sus relaciones con otros personajes dentro de la
historia, sean cotidianas creíbles y narradas.
La idea de luchar a pesar de todo lo que sucede a su alrededor. Estos Siempre
encuentran aliados para lograr salirse de sus embrollos, creo que por ello la estructura
clásica encaja de manara similar en muchas de sus películas, ya que existe siempre una
motivación un deseo, además de obstáculos y posibles antagonistas que hacen que las
tramas de este director sean tan interesantes, confirmando así la poca intención de
presentar en sus películas ideas de ciencia ficción o historias de narraciones no lineales,
dado que este siempre mantiene un lugar determinado para sus personajes, en muy
pocas de sus obras usa diferentes espacios, sus herramientas como realizador son por lo
general flashback, o “ recuerdos” es decir no desdibuja su figura del cine clásico, por
ello el análisis de Alejandro Amenábar como director, desemboca en una muestra
excepcional de cómo lo cotidiano puede convertirse en una obra cinematográfica a
partir de los elementos enseñados por el cine clásico.

“El actor que trata de llegar a un estado de autopenetración, el actor que se revela a si
mismo, que sacrifica la parte mas intima de su ser, la mas penosa aquella que no debe
ser exhibida ante los ojos del mundo debe ser capaz de manifestar su impulso. Debe ser
capaz también de expresar mediante el sonido y el movimiento, aquellos impulsos que
habita la frontera que existe entre sueño y realidad” la actuación de Alejandro Bardem,
es magistral conecta al espectador con la realidad visceral de una vida alejada del
mundo por un accidente, una constante tristeza y un anhelo por morir, dejando todos los
sueños con los que vive este personaje romántico y conmovedor.

34
Las diversas escenas de esta película muestran al espectador la fragilidad de la vida y
las ironías de esta .otros personajes aparecen allí, julia o rosa, el hermano, sobrino,
padre y cuñada de Ramón, todos cargando la penuria de su ser querido. Siendo parte de
la historia cada uno con su dolor interior que solo se muestra ante el espectador, y que a
su vez es reconocido por el personaje central Ramón. Una de las escenas mas
impactantes, la escena en la que rosa su amiga, su amor le ayuda a morir, como ramón
lo deseo durante tantos años, dignamente, esta una de las mas impactantes que muestra
la película, pues diversas emociones se sienten, pues se conoce el amor tan profundo
que tiene rosa por ramón, es tan inmenso que lo ayuda a morir dignamente.
Ramón este personaje que trasmite a partir de sueños y poesías su tristeza y
desconsuelo, llega al espectador con su trabajo actoral, con su representación de un ser
que fue real esto a su vez hace de este un roll mas exigente, dado que debe transmitir un
mensaje complejo, en mi opinión como espectador lo logra este actor fielmente,
llegando al sentimiento mas sensible del espectador, justificando la comunicación entre
una película, la interpretación de un actor y la percepción del espectador.

En esta película el trabajo del actor logra proponer rasgos del método Grotowski con
relación al comportamiento humano, dado que tiene trascendencia en su discurso
político y social frente a la dignidad humana. Existe un distanciamiento como
analogía al rompimiento de “la cuarta pared” según Grotowski ; el personaje de Ramón
habla acerca de temas sociales como la eutanasia, reprochando la postura religiosa, y
jurídica de su país logrando generar en el espectador un cuestionamiento sobre estos
temas.

35
 INGMAR BERGMAN FRESAS SILVESTRES ANALISIS

Ingmar Bergman en dos de sus obras maestras Fresas silvestres y Persona, nos expresa el tema
relacionado a la perdida de la fe religiosa “silencio de Dios” en la película fresas silvestres
Bergman, retoma nuevamente su lógica creativa de renombrar las situaciones que en la vida se
presentan como lo son :el pasado, la vejez, la infancia, en esta logra conmover al público a partir
de un sueño del personaje principal Isak Borg en el que ve su muerte, teniendo tal
“premonición “en cuenta, para trasladarse a recibir un premio este decide tomar camino y lo
hace en coche pues le permitirá a su mente recordar lugares y seres con los que transcurrió su
vida, emprendiendo el camino decide regresar a su hogar el cual tiene como sello el espacio
lleno de fresas salvajes(estas que se repiten también en el séptimo sello), además es allí donde
se llevan a cabo varias experiencias amorosas, tal viaje lleva a feliz termino el desenlace de las
memorias dado que muestra la perspectiva intima del profesor que revive cada paso de su vida
recordando amores y la relación que mantuvo tanto con sus padres como con su hijo.

36
Entra a su pasado para mirar hacia adelante sin miedo. Dentro de sus prejuicios mentales que
más allá lo llevaran a liberarse de sus temores, Bergman en esta película, creo yo, recurre a la
insistencia del silencio divino pues cada uno manifiesta en si mismo la opresión de su ser, por lo
que se puede considerar que la “necesidad absoluta, de adaptarse no solo al mundo real, sino a
todo mundo posible23” , es la prioridad de quienes permanecen bajo la desprotección religiosa es
decir se enfrentan a lo que aparezca delante de si sin juzgar su procedencia o resultado. Jugando
un poco con los recuerdos y por supuesto con la mente del personaje en el que flashbacks
recurrentes argumentan una vida llena de situaciones y espacios para lo natural: nacer, crecer y
morir, pero vale la pena recalcar la ultima ¿porque al profesor la muerte le generaba tanta
incertidumbre?, este punto también permite analizar la carencia de la fe en la película, pues no
esta la condición de lo cíclico ni lo divino sencillamente ocurrencias que de alguna manera
tocan los tallos existenciales e los personajes.

Persona otra obra reina de este cineasta sueco narra la historia de una actriz de teatro, quien
interpretaba el personaje de Electra, un día decide dejar de hablar sin motivo alguno, ella es
internada en un hospital en el cual conoce a una doctora, la cual le asigna a una enfermera para
que se lleve a esta paciente a su casa de verano, allí encontrara en Alma, la enfermera, una
mujer extrovertida quien además le compartirá los secretos mas íntimos. Elizabeth quien decide
mantener su silencio empieza a cambiar de actitud hacia su acompañante, Dando ciertas
características gestuales en las que atiende a cada una de las historias que le narra Alma, ambas
logran crear un espacio dentro del film en el que los deseos se convierten en presas tangibles de
la imaginación, ejemplo de ello cuando Alma siente que Elizabeth entra a su habitación y la
acaricia, ella entre dormida no logra reconocer la presencia, preguntando a Elizabeth si estuvo
allí, sin embargo ella lo niega (gestos).

Un punto de giro esencial en el guión es cuando Elizabeth entrega una carta a Alma, para que se
la lleve a la doctora, para comentarle como continua con su estado de salud, en el camino Alma
no aguanta la tentación y decide abrirla, leyendo la misma se da cuenta que Elizabeth a escrito
cada uno de sus secretos sintiéndose entonces traicionada y enfadada, decide regresar y
confrontar a Elizabeth, quien sigue sin responder ni una palabra a las ofensas de Alma. Lo
interesante de estos dos personajes es la disociación de caracteres, en los que una representa lo
23
LA CULTURA DE LOS 900 A CARGO DE REMO BODEI GIOVANNI JERVIS PAG; 215.

37
enigmático, lo pasivo; mientras que Alma represente la ingenuidad; tales rasgos se verán aun
mas notorios luego de las múltiples discusiones en las que Alma retara una y otra vez a
Elizabeth, pero a cambio solo tendrá silencio, pero solo un grito ahuyentará el silencio, Alma
reprochara toda la vida de Elizabeth en momentos de furia incontrolables, no obstante recurrirá
a abalanzarse sobre ella y a pedirle perdón por cada uno de sus insultos. “Si pequé, no fue por
orgullo sino por ligereza; no fue de malicioso sino de ingenuo 24” esta cita seria una excelente
frase para resumir el comportamiento de Alma frente a Elizabeth, pues la figura de ella se
mantiene en un patrón superior. Induciendo casi que por inercia a Alma, la cual accederá
también a comportarse casi como Elizabeth, en presencia del esposo de esta, llevando a un acto
sexual su papel.

Al indagar por el comportamiento de los personajes es posible mirar La Enfermedad como un

punto de vista dado las conductas de estos, podríamos intervenir este significado en “ Un
evento morboso extraño a la vida del hombre que no explica el origen del desorden psíquico
como condición interna a la naturaleza humana; mientras por otro lado este mismo desorden
podía ser visto como vinculado con la creatividad, con el arrojo vital o con un necesario
anticonformismo25”, entonces estaríamos hablando de personajes “normales” pero con una salud
mental valorable desde mi punto de vista, una vez mas en esta obra Berman hace alusión al
pasado a la infancia, Elizabeth tiene un hijo que no quiere ver , no quiere ser madre, por lo tanto
la practica religiosa no existe dentro de este personaje desdibujado fraternalmente.

Recurriré entonces a pensar la existencia de Dios en la actualidad, como un sectarismo

provisional en el cual cada individuo decide lo que anhela, las tradiciones y costumbres perdidas
por la carencia de persistencia y la nueva idea de dioses tangibles hacen de la conducta humana
y la fe practica totalmente quebrantada por lo moderno, dejando lo rustico como transito de la
historia por lo tanto un “Hecho social es toda manera de ser, fijada o no, susceptible de ejercer
una coacción exterior sobre el individuo o bien, que es general en la extensión de una sociedad
dada conservando una existencia propia independiente de sus manifestaciones individuales 26”, la
existencia de Dios se configura dentro de lo irracional y se direcciona a la espiritualidad dejando

24
EL CRISTO DE ESPALDAS, EL CABALLERO CALDERON, PAG; 165.

25
LA CULTURA DE LOS 900 A CARGO DE REMO BODEI GIOVANNI JERVIS PAG; 266

26
DURKHEIM LAS REGLAS DEL METODO SOCIOLOGICO, PAG; 29.

38
claro que quien interviene en la tierra es el hombre mas no la divinidad, lo que lleva a
reflexionar las posibilidades de invalidar la noción personal para convertirse entonces en
miembro de un colectivo efímero como lo es hoy la sociedad.

TECNICAS ACTORALES.

KONSTANTIN STANISLAVSKY GENIO DEL METODO ACTORAL

Nació en Moscú en 1863 y murió en 1938, actor, director, teórico del teatro, quien fundo
el teatro de arte en su ciudad natal, enfocando toda su vida a la investigación y

39
construcción de un sistema actoral, con el paso de los años constituyendo un método,
sobre las herramientas claves para una interpretación sensible, realista hacia el
espectador. Dejando a su paso un legado teatral que trabaja la conciencia del actor en
escena, tras una investigación, de los instrumentos que posee el actor, su corporalidad,
su gestualidad y su voz.

El estudio en este método se encarna en la viveza del personaje, el cual debe ser
provisto del actor por la información y referencia que se tenga sobre el personaje, otro
punto que se reconoce en este método, es la pregunta hipotética sobre todo lo que lo
rodea (el mágico si) que busca la lógica de una propuesta interior en la que este actor
tenga toda la libertad de construir la ideología del personaje.
El método Stanislavkiano usado en el Actors Estudio de Nueva York creyó y sostuvo
este legado en la preparación de los actores mas influyentes de nuestra época, Marlon
Brando, Al Pacino, Robert de Niro, quienes con su trabajo dieron una justificación en la
cual el método actoral es razón fundamental en la construcción de un actor tanto en la
vertiente teatral, televisiva o cinematográfica. Es importante recordar que este método
trabaja fielmente las siguientes fibras humanas en el actor:

• Concentración: El actor debe mantener un punto de conexión con su personaje

dado que de esta forma se convierte, se relaciona y propone como el personaje

• Circunstancias dadas: Son los puntos que conoce el personaje y de los cuales
debe llevar un registro, que se ha propuesto anteriormente, de quien crea el
personaje, el perfil, su psicología, su puesta en escena.

• Sentido de verdad: Respetar las leyes a las que se compromete el actor cuando
adquiere un rol donde debe diferenciar lo orgánico y lo artificial de todo el
trasfondo escénico de donde nace su interpretación.

40
• Relajación: Un actor debe ser consiente de cada una de las partes que
conforman su organismo dejando su cuerpo en un punto de relajación física,
mientras participa de la construcción del personaje.

• Memoria sensorial/afectiva: Es un trabajo de reconocimiento de sensaciones

que participan de menor a mayor grado en las que se visualiza al personaje junto
con sus acciones y relaciones motrices.

• Comunicación y contacto: ( la improvisación) que tenga el actor en el momento

de relacionarse con otros personajes de la historia sin alejarse del guion en el que
participa.

• Unidades y objetivos: Que características puede usar el actor que le sirvan para
desarrollar en su interpretación diferentes niveles de comportamiento, frente a su
mundo escénico e ideológico.

• Estado mental creativo: El actor llega a un punto en donde memoriza una

secuencia de emociones en las que trabajo anteriormente y de las cuales puede
llevar a cabo este complejo rol, en el que prevalece la noción de un personaje
real.

• Trabajar con el texto: Trabajar con el texto del libreto teniendo en cuenta la
postura del autor, participando desde una interacción social y cultural con los
rasgos y la mentalidad que se ha propuesto en el libreto.

• Lógica y credibilidad: El trabajo de actor, es un oficio de metodología y

construcción, en la que debe manifestarse una interpretación real, completa y
significativa donde el personaje es “tangible”.

41
 El método Stanisvlasky propone un trabajo autentico en donde la comunicación
hacia el espectador es directa y persuasiva, dado que trabaja un conglomerado de
objetivos, emociones que insisten en la sensibilización del ser humano.

JERZY GROTOWSKI DE LA DESNUDEZ DEL ACTOR

Director y teórico teatral polaco, quien desde muy joven creo su compañía llamada las
13 filas y que con el paso de los años dejo de ser llamada así para ser nombrada teatro
laboratorio, en el que prevalecía los acontecimientos en la escena. Grotowski trabajaba
la acción del personaje “El teatro solo existe en ese momento en que el actor realiza
algo y un espectador lo ve, es el proceso de la vida única e irrepetible, la relación actor –
espectador27”

El espectador debe acceder a una comunicación fuerte efusiva que debe trasmitir el
personaje, el teatro pobre propuesto por Grotowski crea nuevas formas de pensar el
oficio del actor, la noción en la que este debe ser el elemento principal en la escena
erradicando la ambientación el vestuario dentro de una propuesta escénica, Grotowski
creyó, fielmente, en el trabajo desnudo que debe proponer un actor, no se necesita de
grandes muebles para hablar de un personaje burgués, ni de ropa sucia para representar
la miseria.

El actor debe tener consciencia de su cuerpo como instrumento, valorar sus capacidades
para la propuesta de un personaje, la construcción debe ser responsable respuesta de un
trabajo y un ejercicio en la que el actor asume el compromiso complejo de crear en su
propio cuerpo otro ser humano para entregárselo al espectador. “El cuerpo esta dentro
de la “conciencia transparente” se mueve, reacciona de manera extremadamente precisa
podemos decir que actúa en los limites de una grado muy grande de vigilancia. El
movimiento y el cuerpo están dentro de la “conciencia transparente” que esta en reposo
y que es espacial”.28

27
http://www.proverbia.net/citasautor.asp?autor=120

28
Ibid pag 18 - 19

42
Grotowski afirmo la importancia entre la interioridad la forma de pensar y
desenvolverse “de ser” en la escena, es decir, el actor es otro personaje, vive como tal,
no solo exteriormente, porque es allí donde la consciencia del actor, interpretando un rol
es impecable. En el cine la comunicación entre el personaje y el espectador llega gracias
a las emociones que le provoca dicha interpretación, el actor de la pantalla repite varias
veces la toma, con la misma carga emocional; en el teatro sin embargo, no requiere tal
sistema pero busca un fin común; trasmitir un mensaje y persuadir al espectador.

La elaboración de una personaje para cine, reconociendo que en este medio, los
presupuestos son supremamente elevados, no debe interferir a la hora de crear un
personaje, es decir, Grotowski nos propone el cuerpo del actor, la gran elaboración del
personaje en la escena; si trasladamos esta postura a un personaje cinematográfico nos
referimos al abandono de su ambientación escénica, dejándolo desnudo frente al
desarrollo del personaje en la escena en donde la autonomía prevalece a los hecho
escénicos; soy yo como actor, me olvido del exterior banal y construyo con este cuerpo,
la respiración de ese personaje, la vista, las emociones, los ideales, las texturas, los
movimientos que deben repetirse fielmente según la necesidad del director, tanto en la
preparación como en los ensayos de una obra teatral, como en el rodaje de una obra
cinematográfica

43
BERTOLT BRECHT MÁS ALLA DE UNA INTERPRETACION ACTORAL

Poeta y dramaturgo alemán nace en Ausburgo 1898-1956, desde joven mostro su

fascinación por la escritura interesado por la memoria política y social de su país y
Europa. Reacciono con su teatro llamado épico en donde sus personajes constantemente
representaban un compromiso social y político, esta clase de teatro llevaba al espectador
a replantear su papel como ciudadano.

Empleo una técnica conocida como el distanciamiento en la que el actor desarrolla su

personaje para persuadir al espectador, no con interpretaciones caricaturescas o de
semejanzas, típicas de personajes representativos, por el contrario el distanciamiento
que propuso Brecht , era de sacar una emoción que hiciera pensar al espectador sobre, el
recorrido histórico, diversas ideologías sociales

Conocido también por sus ideas revolucionarias, que surgen por su ideología marxista,
que por lo general procuraba incluir dentro de sus poemas y piezas teatrales, se atribuye
esta postura dado que Brecht participo en la primera guerra mundial, como enfermero, y
quienes investigaron su vida reconocen la constante incomodidad y cambio que
proponía Brecht frente a las ideas de violencia.

Este dramaturgo trabajo un punto muy importante dentro de la comunicación dado que
su propuesta de trasmitir un mensaje recaía también en preguntarse el porque de este, es
decir, este método Brechtiano trascendía entre el entretenimiento de personaje a
espectador; dado que presenta una temática exclusivamente de tipo político – social, por
ello la importancia del trabajo de los actores de este método, pues se enfocan en
entretener y hacer pensar al espectador. En la comunicación cinematográfica la
persuasión política ha sido notoria durante periodos de guerra, sin embargo, no es la
propuesta de Brecht el manifestar y cambiar ideologías políticas.

44
El cine a través de la historia ha propuesto con la elaboración de personajes no solo
entretenimiento sino también una forma de comunicación que haga pensar al espectador
interviniendo mental y emocionalmente dentro de su entorno cultural y social.
“Hay hombres que luchan un día y son buenos. Hay otros que luchan un año y son
mejores. Hay quienes luchan muchos años, y son muy buenos. Pero hay los que luchan
toda la vida, esos son los imprescindibles”28

La calidad humana de este director sobresalió por la preocupación que existe entre el ser
humano y su interacción con el mundo, inhabilitando posturas emocionales vagas y
promoviendo nociones de comportamiento social frente al consolidado histórico.

45
____________________

2
8 http://www.proverbia.net/citasautor.asp?autor=120

Formato Entrevista
Dirección:

Director-sobre el método actoral

• ¿Cree usted que el trabajo del actor se diferencia por el método actoral que
desarrolle?

• ¿Que relación existe entre el guionista, el director y el actor al construir un

personaje?

• ¿Considera que los métodos actorales deben estar expresados por el actor y
Orientados por la dirección?

• ¿El método actoral es la escuela para lograr interpretar un personaje?

Actor:

Actuación-sobre el método actoral

• ¿Desarrolla la construcción de sus personajes empleando algún método

actoral?

• ¿Qué puede diferenciar el trabajo de un actor que emplea métodos actorales y

otro que trabaja sin ellos?

• ¿Qué métodos actorales conoce?

• ¿Qué método Actoral emplea para construir su personaje?

46
Dirección: Rodrigo Triana

Director-sobre el método actoral

• ¿Cree usted que el trabajo del actor se diferencia por el método actoral que
desarrolle?

R.T: Cuando se busca un personaje y se llama a casting, uno busca un tipo de persona
que se mueve, siente de tal forma y cuando aparece cada actor debe existir un dialogo
con el director, para saber como piensa, percibe, de allí diferencias que tiene cada
actor como técnica y como persona que de ese actor con su personalidd, rasgos me
sirva para adaptarlo al personaje que busco.

• ¿Que relación existe entre el guionista, el director y el actor al construir un

personaje?

R.T: Guionista escribe, director adapta a la persona con la que en este caso” escojo
para trabajar “y el actor trabaja…desde lo físico, corporal, el gesto. Si el guion esta
bien escrito, en estas tres etapas sigue correctamente.

• ¿Considera que los métodos actorales deben estar expresados por el actor y
Orientados por la dirección?

R.T: El actor debe tener técnica, debe saber como buscar sus emociones conocerlas
saber como sacarlas, así la gente lo puede sentir y tu lo orientas con todo lo que el te
propone.ahi métodos como el Clown, actores que buscan desde lo físico y luego
construyen sus emociones, técnicas Sstanislavki, Grotowski, actores que conocen su
prehistoria, como ira su futuro… pero mas importante “la intuición” un actor debe
tenerla importantísimo,

• ¿El método actoral es la escuela para lograr interpretar un personaje?

47
R.T: Es el estilo de cada artista, ahí actores naturales y uno dice como llega a esas
emociones, ellos se conocen. El actor debe saberse mover tiene que contar con su
cuerpo, un actor debe ser observador de la sociedad.

Actor- Director: Maestro Pepe Sánchez

Actuación-sobre el método actoral

• ¿Desarrolla la construcción de sus personajes empleando algún método

actoral?

P.S: claro que sí, hay sistemas tan opuestos como el método Stanislavskiano, otros
emplean la interioridad, Brecht y el Distanciamiento ve el personaje desde afuera … lo
que si no creo es que se tomen estas escuelas o métodos como formulas , es peligroso es
un riesgo, quedarse allí, pues el actor se tropieza con diferentes necesidades

• ¿Qué puede diferenciar el trabajo de un actor que emplea métodos actorales y

otro que trabaja sin ellos?

P. S: si lo aplicamos a televisión más preciso en el cine o en el teatro cada uno tiene sus
consecuencias, pues existen varias lecturas, la primera del director, luego el actor hace
otra lectura, el publico otra, cada uno tiene una mirada diferente es una cadena de
aceptaciones, si no existe un método y el publico lo acepta! igual debe existir una
preparación.

• ¿Qué métodos actorales conoce?

P.S: Los que te mencione, yo parto de la base que no hay mejor personaje que lo
construya un actor, uno verdadero, que tenga pasionalismo, “ el actor sabe lo que tiene
que hacer y yo como director sé lo que no tiene que hacer, el actor debe ser una
persona creativa por excelencia.

• ¿Qué método Actoral emplea para construir su personaje?

P.S: La creación del personaje es disciplina, si lo creo adquiero un proceso riguroso, considero
el mejor método el teatro, es fundamental un actor que trabaje su buen método va a llegar

48
mucho más rápido a la construcción del personaje. El actor entre mejor dominio tenga mejor
mejor trabaja con excepción actores no logran adaptarse a la técnica y eso trae problemas.

Director: Alessandro Basile

Director-sobre el método actoral

• ¿Cree usted que el trabajo del actor se diferencia por el método actoral que
desarrolle?

A.B: Si, me parece que entre más sepa el actor mucho mejor, si acumula toda esa
información, el actor es bueno, este no debe tener mascaras debe ser puro, real, tiene
que conocer su Oficio. De ahí depende un buen producto.

• ¿Qué relación existe entre el guionista, el director y el actor al construir un

personaje?

A.B: En un universo ideal de libretista a actor la misma propuesta, es ofensivo que el

libretista prepare su obra y el actor no responda, lo relevante es que si se prepara un
libreto en Marte y se presenta el trabajo en África todos lo entiendan, pero en la
industria no se contempla esa comunicación jerárquica lo que importa es el producto

• ¿Considera que los métodos actorales deben estar expresados por el actor y
Orientados por la dirección?

P.S: Me parece pedante que el actor se aproxime y le hable al director de lo que le

gusta lo que no, porque no, porque si. El actor sabe cómo es su trabajo y respeta la
orientación del director, por supuesto deben comunicarse, en el teatro por ejemplo ahí
construcción de personajes, en el ambiente industrial el director vela porque la
historia se cuente verazmente.

• ¿El método actoral es la escuela para lograr interpretar un personaje?

A.B: El método actoral es parte del trabajo del actor, muchos factores influyen es como
ser profesional debe estar en constante entrenamiento, a la vanguardia de lo nuevo, el
buen actor construye a partir de su talento y lo perfecciona.

49
Actriz: Marcela Benjumea

Actuación-sobre el método actoral

• ¿Desarrolla la construcción de sus personajes empleando algún método

actoral?

M.B: Los conozco algunas veces están presentes en mi trabajo sin embargo, No empleo
un método actoral en especial, como diría Eugenio Barba:”cuando un actor esta
grande realiza su propio Método.

• ¿Qué puede diferenciar el trabajo de un actor que emplea métodos actorales y

otro que trabaja sin ellos?

M.B: Las armas, los métodos actorales son armas con las que te puedes defender, son
la cantidad de defensas con las que un actor trabaja, si un actor no trabaja algún
método no tiene defensas, esta a la deriva.

• ¿Qué métodos actorales conoce?

M.B: Peter Brook, Stanislavski, Grotowski, no solo es el método… es que el actor

necesita entender de si mismo entender que somos un “material banco” que debe tener
una voz, un intelecto, para poder entrenarse. No solo existe un (1) método, porque este
se transforma dependiendo de las necesidades, por ejemplo si este personaje llora,
como maneja la respiración con que rango de conciencia lo hace. Porque ese personaje
tiene que crear unas necesidades especificas para lograr que su trabajo sea creible.

• ¿Qué método Actoral emplea para construir su personaje?

M.B: cada actor necesita de un entrenamiento diferente, para descubrir que necesita.
El trabajo del actor no solo es una preparación de 4 años, es investigar, “el trabajo del
actor es recrear seres humanos es tan complejo como la vida”. Para construirlo todo es

50
valido lo importante es la naturalidad, lo necesario no es imaginar al personaje es
encontrar el centro de este, su historia, su memoria.

Actor: Carlos Manuel Vesga

Actuación-sobre el método actoral

• ¿Desarrolla la construcción de sus personajes empleando algún método

actoral?

C. V: Me considero un actor Brechtiano, asumo como actor todo para contar una
escena, en comparación con stanislavsky, yo me distancio, no creo en stanislavsky … es
como un mago una persona que tiene un truco, no busco en mi experiencia me fijo mas
en las características, el personaje se construye a partir de todo lo físico primero la
acción y luego la emoción.

• ¿Qué puede diferenciar el trabajo de un actor que emplea métodos actorales y

otro que trabaja sin ellos?

C.V: Escuche a un autor hablar de la supermarioneta y una frase” para hacer el teatro,
hay que matar al actor, el actor debe convertirse en una marioneta, es un instrumento
que deja sacar lo mejor del actor. yo me pongo en las manos del director somos
marionetas, somos sensitivos de egos , instrumentos de tocar, yo soy un instrumento que
tiene el Director.

• ¿Qué métodos actorales conoce?

C.V: Stanislavky vivencias, Eugenio Barba la investigacion, Brecht distanciarse del

personaje. la academia es absolutamente necesaria, da herramientas para aproximarse
con mas idea a todos los personajes.

• ¿Qué método Actoral emplea para construir su personaje?

51
C.V: El trabajo del actor es vender un truco, la versatilidad de actores como Gary Grand,
James Stuart, Marilyn Monroe, la tradición europea occidental se preocupa por transformar
sus personajes. Hacia esta parte del mundo la idea de memoria “ cuando pienso en dolor,
pienso en mi abuela” creo que no es el camino del actor.

Actor: Fabio Velásquez

Actuación-sobre el método actoral

• ¿Desarrolla la construcción de sus personajes empleando algún método

actoral?

F.V: Disciplina, no hay un método actoral sin disciplina tiene que ver con Grotowski,
se debe adquirir unas herramientas una metodología para asumir el oficio de actor, no
quiere decir que sea mediocre con un método. Barba habla de la pre-expresividad es
decir el actor logra adquirir un personaje mantenerlo afinado como su instrumento,
cuando dicen: 3, 2,1 ese actor se olvida de todo y se convierte en el personaje, como
dice Cesar Badillo:” vuélvase bruto no piense actué”.

• ¿Qué puede diferenciar el trabajo de un actor que emplea métodos actorales y

otro que trabaja sin ellos?

F.V: El resultado de esa actuación, no que pierda validez sino que cuando un actor
madura en este oficio debe manejar su método y participar de las técnicas que existen.

• ¿Qué métodos actorales conoce?

F.V: Stanislavski, acciones físicas plantea herramientas por ejemplo el “mágico si”, si
yo fuera ese personaje, si yo fuera, la memoria emotiva de la que es padre. El
distanciamiento de Brecht. Lee strasberg su técnica de preparación hacia la verdad,
búsqueda de la verdad.

• ¿Qué método Actoral emplea para construir su personaje?

52
F.V: Depende del personaje, yo estuve en una obra de teatro expresionista y se
trabajaban dos conceptos la presentación que es aquel quehacer escénico yo como
Fabio me presento y la representación yo asumo ese personaje como si lo fuera. Todo lo
que yo logro en ese momento en que circunstancias trabajo, con quien interactuó eso es
stanislavski. L a intuición es tan importante para realizar las acciones para
sistematizar.

PRODUCTO

1. A partir de mi experiencia personal:

STORY LINE: 3 Actores, 3 Métodos Actorales, Orientados por un Director desarrollan una
puesta en escena Dramática en donde la corporalidad es la pieza fundamental de esta
experiencia teatral, que profundiza en el cuerpo como herramienta comunicativa.

SINPSIS: En un pequeño teatro tres actores inician un calentamiento corporal, cada

uno tiene un roll dramático, participa un Director quien los orienta en el primer
ejercicio; luego cada actor empieza a descomponer su cuerpo para lograr intervenir con
el otro logrando una pequeña puesta en escena dramática. El cuerpo y el juego
Dramático constante durante todo el ejercicio.

GUION

Espacio

En un teatro se reúnen tres actores y un director para participar de un pequeño ejercicio

en donde el cuerpo del actor suma importancia. En ropa de trabajo negra, cada uno
inicia su calentamiento corporal, descompone su cuerpo y da una propuesta de
personaje cual participen los otros 2 Actores.

Distribución en el Teatro:

Publico –Silletería

. . .
53
Germán H. Sandy S. David F.

Personajes:

Mario es Contagiado de V.I.H - Madre de Mario Desesperada - Pareja de Mario

• Poster- Puerta

Perfil Personajes:

Mario es Contagiado de V.I.H : Un joven de 21 años, moreno, pelo largo, manos

grades, se acaba de enterar de que fue contagiado de sida, le afana ser hijo único, pero
no soporta la protección de su madre.

Madre de Mario: una mujer de 36 años, Desesperada una madre sobreproctectora no

quiere dejar ir a su hijo, lo necesita junto a ella, es su única Motivación de vivir.

Pareja de Mario: Un hombre de 24 años tímido, callado, desilusionado se entera que

su pareja fue contagiada de V.I.H, asume que no fue su culpa, siente total desconsuelo y
vergüenza.

Escena 1

Fundido a Negro : Frase sobre el Teatro.En plano Abierto vemos Cuatro Cuerpos en
posición neutral, inician una secuencia de movimientos en los cuales cada parte del
cuerpo inicia un entrenamiento para estar dispuestos al Clímax de la puesta en escena
Dramática en donde intervienen los tres personajes.

Escena 2

Se presenta cada uno de los métodos que empleara cada actor para el desarrollo de su
personaje. El uso de una cámara en mano donde se proponga intervenir al espectador.
Planos americanos de los personajes, planos Cerrados de los rostros, cada uno de los
personajes reconoce su carga Dramática.

Escena 3

Acompañamiento de la cámara en los personajes, se ha presentado ha Mario con su

pánico, La madre de Mario desesperada no quiere perder a su hijo, siente un profundo
dolor. La pareja de Mario llena de ira, solo el sabe que no contagio a Mario.

Escena 4

Clímax, cada uno de los personajes se encuentra en la escena, muestra su relación

visceral con el otro, desesperación, dolor, ira, desconsuelo… Calma

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Fundido a negro Frase. Analogía de terminar de interpretar un personaje, todo tiene su
final.
Finaliza Con un solo personaje desconsolado, llora, se dirige hacia una puerta en
profunda Melancolía. FIN

CONCLUSIONES

• Los Métodos Actorales son una herramienta de fortaleza para comunicar en el

momento de adquirir un personaje, dado que son la recopilación de la
experiencia, el rigor y el trabajo del actor.

• La Comunicación Corporal es uno de los medios mas influyentes para

comunicar, a través del cuerpo se logran transmitir toda clase de mensajes, es
una oportunidad de sensibilizar al espectador, por medio de nosotros mismos
como seres humanos.

• El cine es un arte fascinante en donde la magia de la actuación convierte las

películas en guías permanentes de comunicación, una película puede tener
décadas, pero la narración queda vigente para siempre por el mensaje.

• Con mi propia experiencia logro apreciar el valor comunicativo que es tiene el

cuerpo. El Cine, como canal la trasmisión de mensajes se convierte en una
puerta abierta de recepciones, perdurables en la existencia humana.

• El oficio del Actor en el mundo, es una tarea invaluable dado que se encarga de
presentar una parte de nosotros mismos pero reflejada, como el cine. Es una
herramienta para pulirla con ella se puede transformar la ideología del mundo.

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 BIBLIOGRAFIA

• Historia del teatro/Neiro Tello. Alejandro Ravassi Año de publicación 2006

• Un actor se prepara/ Konstantin StanislavskiAño de publicación 1953

• La construcción del personajeAño de publicación 1999

• El arte escénico/ Konstantin Stanislavski Año de publiaciòn 1987

• Hacia un teatro pobre/ Jerzy Grotoswk Año de publicación 2006

• El cine/ antonin artaud Año de publicación 1988

• El sentido del cine/ Sergei Eisentein Año de publicación 1986

• ELIE FAURE, LA FUNCIÓN DEL CINE,ARGENTINA,EDITORIAL

LEVIATAN 1956. PROLOGO EDMUNDO E. EICHELBAUM

• Moliére, Jean Baptiste, Historia de la literatura

• Nerio Tello, Alejandro Ravassi, Historia del teatro

• Aida Andrade Varas, Elementos del teatro

• José Román (Santiago, 1940), como guionista, un influyente crítico

cinematográfico, función que ha ejercido en el diario La Tercera y en las revistas
Primer Plano, Enfoque y Apsi. Texto El Cine Alemán y la Tendencia
Expresionista.

56
• Libro Teorías del cine documental en Chile: 1957-1973: Instituto Fílmico de la
Universidad Católica y Centro de cine experimental de la Universidad de Chile.

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58
 ROMAN JAKOBSON COMUNICACIÓN COMO FUNCIÓN POETICA
PUNTOS DE DESARROLLO A PARTIR DE LA OBRA EPISTEMOLOGICA DE
ROMAN JAKOBSON
¿QUE HACE QUE UN MENSAJE VERBAL SEA UNA OBRA DE ARTE?
“EL ENFOQUE EN EL MENSAJE COMO TAL, CONCENTRARSE EN EL
MENSAJE POR SI MISMO, ES LA FUNCIÓN POETICA DE LA LENGUA” 1
Cuando existe un proceso comunicativo y se desarrolla en principio un “acto
determinado de comunicación verbal –acto de habla” 2, aparecen según
Jakobson seis procesos de desarrollo:
• Locutor(Hablante, codificador, emitente; poeta, autor, narrador) 3

Dentro de la propuesta del marco teórico de esta tesis, es de suma importancia

tener en cuenta el roll del autor en este caso: Guionista, Director y Actor dado
que junto con ellos y gracias a estos se podrá desarrollar el ejercicio
comunicativo a partir de un elemento Audiovisual: Cine. El locutor tiene el
primer factor para lograr desarrollar una comunicación desde la narrativa
audiovisual y la composición actoral.
• Alocutario (descodificador, oyente, destinatario; lector, interprete) 4

La perspectiva de la propuesta en la tesis “La Expresión Dramática del Actor

en el cine Como Potencia Comunicativa”, frente al espectador se centra en la
noción de Emisor, pues este se encuentra concentrado frente a la pantalla en
la cual recibe el mensaje, este –lector- puede recibir el mensaje como lo
plantea el Director y el Actor a través de un guion, sin embargo el lector o
emisor puede recibir contrariamente el mensaje o no recibirlo. La importancia
en el cine del espectador es que gracias a este se genera comunicación, dado
que se hace parte de un ejercicio en el que el cuerpo del actor se encarga de
trasmitir diversas emociones.
• Código(sistema)5

Las -palabras- *lengua como código, dentro de la construcción de narraciones

desencadenan una sistematización de oraciones que hacen parte del signo
que se comunica al Espectador en términos de códigos; la cinematografía
presenta una variable en cuanto a procesos de diversos formatos, es decir los
códigos en un producto Audiovisual se distinguen por las funciones de este:
Lenguaje Cinematográfico gracias a la *lengua= Español de donde nacen
subcodigos El Guion, El Actor, el montaje.
• Mensaje (El Discurso Dado El texto) 6 Jakobson le da una relevancia
a esta pues sugiere la “función poética”.

“La Estructura verbal de un mensaje depende en primer lugar de la función

predominante”7
“La poesía es: El uso de la lengua por excelencia en que la función dominante
es la orientación hacia el mensaje”8
En la cinematografía el discurso dado o el mensaje, es la parte fundamental en
la recepción de mensajes por ello los componentes audiovisuales: el guion, los
libretos, el roll de los actores. La historia es aquello que predominara en la
persuasión de lo audiovisual hacia el espectador. Sin embargo este factor no
logra permanecer dentro del proceso comunicativo sin respuesta a los
anteriores. En los métodos actorales y en las películas mencionadas en el
trabajo de grado el discurso trabaja diversas problemáticas sociales: Mar
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Adentro Sobre la Eutanasia, El Ladrón de Bicicletas La postguerra, Fresas
silvestres.
• Contexto (Referente)9

Respecto a las diversas obras cinematográficas incluidas en el trabajo de

grado, el referente según Jakobson debe ser claro para el lector, dado que
gracias a este el mensaje y la función de la poética se consolidan, pues logra
generar en el espectador un entendimiento. Las películas planteadas y los
métodos actorales tienen como referentes el cuerpo y la noción de existencia
humana por ende la intención y la persuasión hacia el espectador.
• Contacto/”un canal físico y una conexión psicológica entre
hablante y destinatario”10

Permite la comunicación entre las dos partes este canal se plantea como el
cine en ámbitos generales y en lo particular como el cuerpo del actor, en el
teatro y los métodos el instrumento principal es la voz y el cuerpo, aquí se
argumenta la importancia de este en el caso de proceso comunicativo pues el
contacto o Fáctica basada en hechos es para el receptor (conativa) una
mensaje recibido y por ende una reacción positiva o negativa. Este último punto
en las narraciones Audiovisuales permite la puesta en escena de imágenes y
actores desde un Montaje generando tal canal físico desde una conexión
psicológica.
_____________________________
1. Roman Jakobson, Arte Verbal, Signo Verbal, Tiempo Verbal, Editorial lengua y
Estudios Literarios, Mexico, 1992. Pág. 195
2. Ibíd., Pág. 195
3. Ibíd., Pág. 195
4. Ibíd. pág. 195
5. Ibíd. Pág., 196
6. Ibíd., pág. 196
7. Ibíd., Pág. 196
8. Ibíd., Pág.196
9. ibíd., pág. 196
10. ibíd. pág. 196

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Gracias a los anteriores procesos en el mensaje, se trasmite 6 funciones
Según el estudio De Román Jakobson:
• Emotiva “Expresiva”-Emisor

• Conativa (Apelativa) –Receptor

• Metalingual “Metalingüística”*código en el cual se trasmite

• Poética ”estética”-Mensaje

• Referencial” denotativa”-Contexto*Captable

• Fática-Contacto. 11.

__________________________________
11. Roman Jakobson, El Marco Del Lenguaje, Editorial, Lengua Y Estudios Literarios,
México 1988 pag.81

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