SERVICIO NACIONAL DE APRENDIZAJE

CENTRO DE FORMACIÓN
DE ACONDICIONAMIENTO FISICO Y CULTURAL

JUAN PABLO CACERES SANCHEZ

ACTUACION

INSTRUTORES: SANDRA PATRICIA

FORERO
. JOSE ALBERTO FERREIRA

2020
BOGOTA DC- BOGOTA DC

Konstantin Stanislavsky
 fue actor, director escénico y pedagogo teatral. Fue el primero en articular de forma sistemática un método de
actuación realista, llamado sistema stanislavski.
Este método es el resultado de muchos años de esfuerzo para determinar como una persona puede controlar el
rendimiento en los aspectos mas intangibles e incontrolables del comportamiento humano, tales como las
emociones y la inspiración artística.
El director afirmaba que el actor debe vivir una acción, no representar una ficción; debe realizar sus acciones
como un ser humano lo haría en la vida real Desarrolla una investigación meticulosa y el actor trabaja desde un
principio con objetos reales, que son parte integrante de la acción escénica.
Para lograr esto, se utiliza la memoria emocional. El recuerdo de una vivencia personal semejante ayuda a
experimentar en el escenario una emoción análoga a la del personaje
Para stanislavsky la concentración es muy importante ya que con esto podremos descubrir la base sensorial del
trabajo (aprender a memorizar y recordar sensaciones, comúnmente llamada memoria sensorial o memoria
afectiva, aprendiendo a trabajar desde pequeñas sensaciones, expandiéndola, técnica llamada para el “esferas
de atención”. Responder a la imaginación aprendiendo a pensar como el personaje que estamos
interpretando. De esta forma, los objetivos del personaje conducen las acciones físicas del actor.

Relajación
Más del 55% de los mensajes en una comunicación son enviados por medios no verbales.

Concentración
Stanislavski diferenciaba entre la atención o concentración interna y la externa. La atención externa estaba
dirigida a los objetos materiales fuera del actor, y la atención interna en el imaginario creado por el actor

Comunicación y contacto
Sin violar el contenido del libreto desarrollar la habilidad de interactuar con otros personajes
espontáneamente. La comunicación es el primer problema en los equipos de trabajo. Desarrollar la
comunicación efectiva y espontánea es fundamental para lograr un intercambio claro, y directo.

Unidades y objetivos
Desarrollar la habilidad de definir cada unidad del rol, por un deseo activo de objetivos, en lugar de una mera
idea literaria.

Circunstancias dadas
Desarrollando la habilidad de usar las habilidades anteriores para crear el mundo del libreto por medio de verdad
y medios orgánicos.

Estado mental creativo

Es importante mencionar que stanislavski buscó constantemente nuevos puntos de vista, con el fin de encontrar
siempre formas de interpretación más eficientes para el actor.

Vsevolog Meyerhold

Vsévolod Emílievich Meyerhold fue director teatral, actor y teórico ruso, impulsor de la biomecánica teatral.
Para meyerhold el teatro no tenía que acomodarse a la psicología ni tampoco a las ideas, sino convertirse en un
brillante divertimento, un juego alegre similar al cine de Chaplin, que admiraba profundamente. El actor debe
poseer fe. El teatro de meyerhold se opone a la repetición que supone el método de las acciones
físicas, considera que un actor no tiene que repetir los gestos del pasado, sino que cada vez tiene que construir
libremente una nueva escena. Sobre la atención en la respiración y su relación con respecto a los sentimientos
vividos, que recoge las influencias de la filosofía oriental en la contemplación del hombre con una visión
integradora que supera la dicotomía(que es la división de un concepto o una materia teórica en dos aspectos,
especialmente cuando son opuestos o están muy diferenciados entre sí) cuerpo-mente, que prevalece en
nuestra cultura occidental, sobre todo a partir del siglo XVII cuando la filosofía racionalista acentúa el papel de la
razón.
este autor es reconocido como verdadero innovador tanto en lo que se refiere a los modos de interpretación
como a la puesta en escena. Se considera que fue el primer director teatral en sentido moderno, fue el primero
en cambiar la disposición de la sala permitiendo que los actores se desplacen por el público, modificando el
concepto de la cuarta pared.
Esta cuarta pared es un velo, bueno no es precisamente un velo sino más bien su intención es que separa la obra
que se presenta al público, y salvo condiciones muy precisas no debe romperse para así evitar que la atención del
espectador se distraiga o el actor pierda su personaje, no debemos ni ser consientes de ella ni hacerla consiente
al espectador.
 Su preocupación por la expresión del cuerpo como fuente generadora de emoción y movimiento, lo llevó a crear
la biomecánica cuya ley fundamental es que todo el cuerpo participa en cada uno de nuestros
movimientos. Puesto que la creación del actor es una creación de formas plásticas (esto se habló en clase formas
platicas y obras), el actor debe conocer y perfeccionar la mecánica de su propio cuerpo. En su trabajo con actores
incorpora los conocimientos del teatro no japonés y del teatro chino, utiliza elementos del Music-hall, del circo y
también del cine.

Jerzy Grotowski
Para grotowski el trabajo del actor se inspiró inicialmente en la biomecánica y en un tipo un poco forzado del
estilo avantgarde (significa vanguardia, es decir las personas u obras que están por delante de las tendencias y
son innovadoras. Este estilo se relaciona con el arte, la cultura y la política. representa un empuje de los límites
de lo que es normal y rompe con lo establecido considerándolo obsoleto, por lo que sustituye las tendencias
clásicas por otras más innovadoras.)
Grotowski sostiene que el actor es "la base del teatro", puesto que es el quien genera el vínculo entre la obra y el
espectador. adoptaron un método de investigación del comportamiento escénico que fuese más allá de la
 incorporación de una variedad de técnicas que se quedaran solo en el desarrollo de destrezas corporales

Durante esta primera etapa creativa de grotowski, el Teatro Pobre se presenta como el concepto macro que
alberga a su vez otros términos que particularizan la visión del Maestro sobre el trabajo del actor, los cuales han
sido considerados como las bases sobre las cuales la labor escénica del actor comenzaría a transformarse en un
camino sin retorno, en una búsqueda que daba inicio al éxodo del teatro dramático al postdramatico. El teatro
puede existir sin maquillaje, sin vestuarios especiales, sin escenografía, sin un espacio separado para la
representación (escenario), sin efectos de iluminación y sonido, etc. No puede existir jamás sin la relación actor-
espectador
Para esté influidor de la formación actoral el modelo perfecto de actor se gestaba en la comprensión y adopción
de dos niveles que debían incorporar
1. Este primer nivel tenia que ver con el método de entrenamiento físico que surgieron a partir del trabajo
de stanislavski que decían que el actor podría abordar en su quehacer teatral por medio del
entrenamiento.
2. El segundo nivel es la técnica, que insistía al actor liberar su energía espiritual, sobrepasando la forma
externa de las técnicas tanto del movimiento corporal como de la interpretación.

Bertolt Brecht
Este escritor alemán, dramaturgo y poeta, fue el creador de una de las propuestas más renovadoras del género
teatral en el siglo XX. Su aportación dramática se conoce entre los estudiosos de la literatura con el nombre de
teatro épico. (Este teatro consiste en salirse de la línea y se dirige hacia el público)  En realidad, se trata de un
teatro didáctico y político con el que pretende concienciar al público de la necesidad de transformar la
sociedad. Además, rechaza el teatro tradicional porque, según él, busca, y consigue, que el espectador se
identifique con la trama argumental de la obra, lo cual le va a impedir razonar y profundizar en lo que está
contemplando.

"Su sentido es decir aquello que tiene importancia desde el punto de vista social"

Para evitar este proceso, brecht buscará el distanciamiento del espectador respecto a lo que contempla en
escena, porque, lo que más le importaba no era la empatía que el público pudiera tener con un personaje, sino
dejar claro que se trataba de una ficción y que, entendido esto, el público tomase una posición sobre lo que
estaba viendo. mezcla la tragedia y la farsa, la seriedad y el humor, el lirismo y la burla, además de romper la
tensión dramática con canciones, comentarios dirigidos al público, carteles, etcétera. Con sus obras y la técnica
teatral empleada, brecht crea un teatro político, a la par que didáctico y ameno. Invita al público a ver una obra
no ficticia, sino real, y consigue que este tome una actitud crítica respecto a lo que ha visto en el
escenario, distanciándose de lo representado, convirtiendo lo visto en escena en acción y transformación social.

Su concepción del teatro fue evolucionando al mismo ritmo que su pensamiento político. Pero brecht también
escribía poesía. Aunque su gran éxito público lo obtuvo con el estreno de su obra teatral la ópera de los tres
 centavos, una crítica disparatada, pero muy ácida, de la sociedad burguesa. En ella está patente ese deseo del
autor de educar al público, de revelarle las falsedades de un orden político.
Brecht desarrolló su teoría a lo largo de toda su vida activa en el teatro, desde sus inicios como
dramaturgo, debiendo aportaciones de otros intelectuales de la época, destacando el aporte del escritor y crítico
ruso Viktor Sklovki en quien ya se encuentra el concepto de distanciamiento entre el artista y su obra, y del
dramaturgo Meyerhold, quien lo utilizara más concretamente como el distanciamiento del actor con su
personaje. El teatro épico va más allá de la consideración de mero estilo, se trata de una teoría global que incide
ya en la concepción misma de lo que debe ser y significar el Teatro, para ocuparse igualmente de su forma y de
sus contenidos. En su fundamento, es un teatro comprometido. Según sus propias palabras, algo que nunca
contradijo conscientemente fue los objetivos sociales que se marcó con su trabajo como dramaturgo.

Así, el teatro épico no es meramente formalista, Brecht cuida la forma, pero puesta al servicio de objetivos. La
actuación en el teatro épico necesita que los actores interpreten sus personajes de manera convincente, por el
contrario, convencer ni a la audiencia ni a ellos mismos de que son en realidad los personajes que
interpretan. Brecht pensaba que era importante que las opciones de los personajes fueran evidentes e intentó
desarrollar un estilo de actuación en el cual era evidente que los personajes elegían una opción en lugar de
otra. También es característico del teatro Brecht, que reúne un conjunto de rasgos y además que conforman una
catadura o actitud del personaje, en la cual subyacen la época y los conflictos sociales a los que debe hacer
frente.

Brecht se tuvo que instalar en Suiza, pues tenía prohibida su entrada en Alemania. Volvería a comienzos de 1949
para instalarse en el Berlín Oriental, en la República Democrática Alemana. El último decenio de su vida lo dedicó
fundamentalmente a redactar escritos teóricos, realizar adaptaciones de obras de autores clásicos y a estrenar
las propias. Por razones políticas, en España el teatro de Bertolt Brecht fue absolutamente silenciado.

Eugenio Barba

La antropología teatral es un estudio del trabajo del actor y su finalidad es servir a este, ya sea un actor que
forma parte de una cultura teatral regida por normas. Dentro del mundo religioso, la fe se sostiene de la oración
que ya es en sí misma una proyección de energía con un sentido claro. Hay una imagen precisa a la que nos
dirigimos y en la inmovilidad del cuerpo, la energía se hace presente desde la palabra y el presente, así como en
la meditación profunda. En estos momentos hay una conexión de la mente y nuestro cuerpo y nos permite
emanar energía.
Barba recuerda este universo que en su infancia lo marco y que posteriormente guiado por su intuición iría a
buscar en otras culturas ancestrales donde encontró los principios de la antropología teatral y la filosofía sobre el
teatro que quería desarrollar y crear. Barba llama a Grotowski un reformador del teatro, así como
Mayerhold, Brecht son ellos los que rompen en su momento con una forma de hacer teatro y deciden no ver el
futuro, sencillamente viven en la transición, en un viaje constante que a su vez se transforma en la investigación
diaria, donde no hay formula ni puntos de llegada. La transición es la creación de su propio teatro.
Una de las cosas que rescata de todo este proceso de observación es el confirmar que el actor necesita
apropiarse de una técnica corporal para desarrollar su presencia en el escenario, para potenciar su energía. Es
esta apropiación donde el actor encuentra la posible transición entre su presencia cotidiana, siendo este
concepto uno de los puntos de partida de la Antropología Teatral.
Referente a los puntos de partida de teatro danza el eje también es interno es el momento previo al
entrenamiento, cuando el actor esta dispuesto a iniciar su trabajo donde no cabe ningún estimulo distractor al
igual que grotowski, barba piensa que el actor en principio es un conjunto de máscaras, es decir, un caparazón
que si bien le funciona en su cotidianidad estar armando para el trabajo extra que exige que el teatro no es
funcional para lo cual entrara un una lógica distinta, en otra forma de vida y de pensar.