Artes Figurativas

GRUPO I

Integrantes | Becerra Gareca Jeniffer | 218006608

| Flor Mendoza Vera Lucia | 218019270

| Rivas Paniagua Adriana | 218044933

| Vitale Perez Mariano |

12 | Abril| 2019
Definición
El arte figurativo, también conocido como figurativismo o arte representacional, es
aquel en el que se imita la realidad. Se trata de obras perfectamente reconocibles en las
que el modelo y el natural, la realidad, coinciden sin dar lugar a las dudas.

El término figurativo proviene de figura, pero esto no debe llevar a confusión: los artistas
representan figuras humanas o animales, pero también paisajes y escenas varias.

El arte figurativo se remonta en el tiempo y obedece en la práctica a un concepto

totalmente opuesto al que pone en liza el arte abstracto. En el primero, el que nos ocupa,
todo es obvio, no admite interpretación aunque puede ir más allá, mientras que en el
segundo la subjetividad es protagonista y las elucubraciones tantas como espectadores.

Podemos considerar a la fotografía como el súmmum del figurativismo, puesto que su

imitación de la realidad es hoy en día más objetiva que la que se puede realizar mediante
la pintura o la escultura. Antes del descubrimiento fotográfico en el siglo XIX, el arte
figurativo mantuvo casi siempre su auge sobre otros tipos de expresión artística,
incluyendo en ocasiones ligeras distorsiones por influencia de los cánones y tendencias
dominantes en cada etapa.

 Historia de este tipo de arte

La historia de este estilo de arte es tan larga como puede ser la historia de la
representación, posiblemente uno de las primeras obras de este estilo de arte fue una
figura escultura y tallada cuidadosamente de una mujer, esta obra se descubrió en una
cueva al sur de Alemania llamada “Hohle Fels”. Lo increíble de la dicha obra es que fue
tallada en un colmillo de mamut, por lo tanto la figura por lo menos ha de tener más de
35.000 años de historia.

Otro ejemplo, posiblemente fuera el segundo ejemplo, fue unas pinturas rupestres
halladas en Francia que hacían una representación de la variedad de animales que
existían en esa región. Estas pinturas deben de tener más de 16.000 años de antigüedad.

En la actualidad, se han encontrado obras de este estilo de arte por todo el mundo y de
diferentes culturas y lo más curioso es que probablemente todavía haya miles de obras
más por descubrir.

 Estilos utilizados en esta clase de arte

Las caricaturas: que son obras que deforman lo real a través de dibujos deformados
dando un aspecto real pero distorsionado.

El expresionismo: que muestra lo real, exagerándolo, comenzando esta tendencia

Goya en sus últimas obras, tergiversando la realidad y haciéndola subjetiva, y plasmando
en ella la angustia y una visión trágica del mundo, empleando tonalidades violentas.

El idealismo artístico: se pinta la realidad pero eligiendo lo bello y elegante y

suprimiendo lo vulgar.

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Para ser figurativa es imprescindible que la obra de arte sea representativa de la
apariencia de cosas reales, no estando, el artista, ha copiar e imitar. El tema que quiera
comunicar ha de ser reconocible por su aspecto, pero se puede aproximar a su
representación con distintos énfasis:

- Veracidad: Los elementos de la obra están condicionados a imitar las

apariencias, a dar la impresión de forma y espacio y crear la ilusión de realidad, se
procura representar las cosas tal y como son, con objetividad.

- Distorsión: Los elementos de la obra representan solo las características

generales de las figuras. Se sintetizan los elementos visuales, se deforma o estiliza
acorde con la interpretación que hace el artista de la realidad, se usan formas
más geométricas y sintetizadas, se deforma el referente para resaltar sus rasgos
más característicos.

Actualmente se ha podido observar dentro del arte figurativo se encontraban diferentes

estilos de arte como por ejemplo el Barroco, el Renacimiento y el Realismo, todos ellos
intentaban buscar la capacidad de mostrar la realidad.

Además se ha podido ver diferentes corrientes en el arte figurativo de la actualidad como

pueden ser la de Hiperrealismo y Fotorrealismo

 Características principales del estilo de arte

Las obras de este estilo de arte se reconocen por su aspecto externo del modelo al que
representaban.

Se representaba sobre todo animales, personas, paisajes o flores.

Cualquier artista figurativo, ya sea de épocas anteriores o de la actualidad, tenía el

modelo que debía representar delante de él con lo cual podía comprobar el aspecto de
dicho modelo a medida que iba realizando su obra sin embargo.

También para crear las obras había otros artistas que preferían usar la memoria. Es por
ello, que normalmente el artista figurativo

Se tenía en frente al modelo que debía representar pero antes de finalizar la obra iba a
su taller para terminarla.

Se define por la representación de figuras, entendiendo éstas como objetos

identificables mediante imágenes reconocibles.

Es una manera de decir cosas sin usar palabras, los artistas utilizan las imágenes llenas
de formas, colores, tamaños, texturas para contar y expresar sus ideas, emociones,
preocupaciones y fantasías.

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 I. IMPRESIONISMO

El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX,

cuyo objetivo era una representación del mundo espontánea y directa. Este estilo se
centra en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la
representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. Entre
los impresionistas más destacados encontramos a: Eduard Manet, Monet, Degas, Sisley,
Renoir y Pizarro.

 Características del impresionismo

Preocupación por el volumen.

Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin
perfiles).

Preocupación por el orden y la claridad.

Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la

composición.

Aplicación firme del principio de la mezcla óptica: los tonos son divididos o
descompuestos en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión
lejana normal.

Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros son pintados mediante pequeñas
pinceladas o punteados de colores puros para así lograr la mezcla óptica.

Predilección por asuntos como puertos, orillas de ríos y escenas circenses.

 Arquitectura en el s. XIX

La arquitectura impresionista no existe como tal. Pero en este siglo, podemos encontrar
algunos otros estilos que pueden relacionarse como son el eclecticismo, y los inicios del
modernismo. Algunos aspectos importantes de la arquitectura en esta época son:

- Inicio de las estructuras rígidas como consecuencia de la revolución industrial.

- Inicio del funcionalismo en las estructuras.
- Había una búsqueda de que las estructuras tuvieran estilo por sí mismas sin
necesidad de adornos.
- Arquitectura del acero, surgen estructuras como el Palacio de Cristal en Inglaterra y
la Torre Eiffel en Francia.
- Surge el eclecticismo: suma de las mejores cosas (materiales y estilos).
- Inicio de la era de los rascacielos.

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- Estilos NEO: neoclásico, neobarroco, neogótico…
- Inicio del modernismo.

II. SIMBOLISMO

El Simbolismo es movimiento artístico y literario, que aparece en Francia durante la

segunda mitad del siglo XIX, como reacción al naturalismo, ya que sus características
están más bien dadas por la fantasía. La inquietud que muchos artistas experimentaban
ante las consecuencias de la revolución industrial fue concretizada por el simbolismo, a
través de un idealismo que recuperaba ciertas aspiraciones esenciales del romanticismo,
como la reivindicación del humano frette al sistema. El nuevo movimiento se vinculó,
entonces, al misterio y a la esencia espiritual de los objetos y de los seres, tratando de
dar unos equivalentes plásticos de la naturaleza y del pensamiento, representando seres
rodeados de un aura mágica y paisajes tenebrosos.

El simbolismo tiene como objetivo la búsqueda interior y la búsqueda de la verdad

universal. Se buscaba interelacionar el mundo espiritual y el mundo sensible, haciendo
uso de imágenes que expresaban distintas emmodions.

 Caracteristicas del simbolismo

- Origen : El Simbolismo nace como una reacción literaria contra el naturalismo

y el realismo durante el siglo XIX. Ambos movimientos eran anti-idealistas y
pretendían exaltar la realidad cotidiana. Surge así el movimiento del simbolismo
como una fuerte reacción frente a estos movimientos pues los acusa de
“agotamiento plástico” que logran anular la fantasía y la imaginación.

- Tema principal: La temática principal del simbolismo francés es la

espiritualidad, los sueños y la imaginación.

- Objetivo: El simbolismo tiene como objetivo la búsqueda interior y la búsqueda

de la verdad universal. Se buscaba interrelacionar el mundo espiritual y el
mundo sensible, haciendo uso de imágenes que expresaban distintas emociones.

- Intencionalidad o mensaje: Las intenciones de este movimiento son metafísicas

donde se halla presente el misticismo con la idea de unificarse con lo sagrado.
Intentan evocar expresiones más que manifestar ideas o pensamientos
concretos, pretendiendo despertar la intuición en el receptor.

- Rol del lenguaje: Se considera que el lenguaje es la forma de conocer el mundo.

Por tanto se lo sobrevalora por encima de la percepción.

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 - Musicalidad: Los poemas del movimiento del simbolismo hacen a un lado el verso
(presentan versos flexibles) y se enfocan en la armonía y belleza de la
musicalidad.

- Relación entre lo sagrado y lo profano: El simbolismo hace el intento de hallar

correspondencias entre lo sagrado (divino) y lo profano (mundano). Es decir que
intenta encontrar elementos en común.

- Autonomía del arte: Hace referencia a la independencia del arte en relación al

resto de los ámbitos de la vida.

- Estilo.: Posee un estilo con formas planas y grandes sectores (áreas) provistas de
color. Predomina el color verde y el azul pues son sinónimos de un estilo de arte
distante e intelectual pero a la vez de belleza junto con delicadeza. Intentará
expresar la angustia y el desconsuelo interno del autor. No se limita a un estilo
personal, sino que trasciende nacionalidades, estilos particulares e incluso tiene
un alcance atemporal.

- Uso del símbolo: Tal como su nombre lo indica, este movimiento utiliza un alto
contenido de símbolos con el fin de comunicar emociones. También tiene
características irracionales, fantásticas y subjetivas. Algunos de sus recursos
eran:

 La figura de la mujer. Se coloca a la mujer en un lugar idealizado.

 Lirios. Representan la delicadeza o la melancolía.
 Cisnes. Son símbolos de pureza.
 Pavos reales. Como símbolos de belleza y de vanidad.
 Paisajes. Como la soledad.

III. EXPRESIONISMO

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo

XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, arquitectura,
literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc.

Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, está entre los primeros

exponentes de las llamadas vanguardias históricas. Más que un estilo con características
propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender
el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación
y nivel intelectual. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el
carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX, los expresionistas

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defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del
artista, la expresión frente a la plasmación de la realidad la impresión.

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar

de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de
los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.

 Arquitectura expresionista

La arquitectura expresionista es un movimiento arquitectónico en Europa durante las

primeras décadas del siglo XX en paralelo con las artes visuales y escénicas
expresionistas que especialmente se desarrollaron y dominaron en Alemania.

La arquitectura expresionista es uno de los tres estilos dominantes de la arquitectura

moderna (estilo internacional, expresionista y arquitectura constructivista). En la
década de 1920 El término “arquitectura expresionista” describió inicialmente la
actividad de las vanguardias alemana, holandesa, austríaca, checa y danesa desde 1910
hasta 1930. Hoy el significado se ha ampliado aún más para referirse a la arquitectura de
cualquier fecha o ubicación que exhibe algunas de las cualidades del movimiento
original, tales como; distorsión, fragmentación o la comunicación de emociones
violentas o sobrecargadas.

El estilo se caracterizó por una temprana adopción modernista de materiales novedosos,

innovación formal y una concentración muy inusual, a veces inspirada en formas
biomórficas naturales, a veces por las nuevas posibilidades técnicas ofrecidas por la
producción en masa de ladrillo, acero y especialmente vidrio.

IV. CUBISMO

El cubismo fue una vanguardia artística europea que surgió en el siglo XX en Francia que
cubre las artes y la literatura.

Marcado por el uso de formas geométricas, rompió con los modelos estéticos que sólo
valoraban la perfección de las formas.

El cubismo fue fundado en París por el reconocido artista español Pablo Picasso y los
franceses Georges Braque.

La pintura “Les demoisellers d’Avignon” (o “Las señoritas de Avignon” en español)

Pablo Picasso, se considera el punto de partida de este movimiento innovador.

En general, este arte está marcado por la representación de figuras de la naturaleza a

partir del uso de formas geométricas, promoviendo la fragmentación y descomposición

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de los planos. El artista cubista deja de tener el compromiso de utilizar la apariencia real
de las cosas.

El arte cubista es considerado un “arte mental”, donde cada aspecto de la obra debe ser
analizado y estudiado de modo individual.

Cubos, cilindros y esferas son algunas de las formas usuales en el arte cubista, que se
distingue del arte abstracto por el uso concreto de todas las formas. Influenció otros
movimientos como el futurismo, surrealismo.

 Características del cubismo

Trata la naturaleza o los paisajes con formas geométricas. Así que vienen a ser
representados por objetos en todos sus ángulos en el mismo plano, formando una figura
en tres dimensiones.

En el arte cubista, predominan las líneas rectas, modeladas básicamente por cubos y
cilindros, dada la geometrización de las formas y volúmenes. Se puede considerar un
arte que se centra en ejercicio mental como una forma de expresar ideas. Al romper con
la perspectiva consagrada de las líneas de contorno, la naturaleza pasa a ser retratada
simplificadamente, esto permite a una mayor abstracción de los atributos estéticos de la
obra, al tiempo que rechaza la idea del arte como imitación de la naturaleza pura.

Cabe citar que este estilo abandona distinciones entre forma y fondo o cualquier noción
de profundidad. Las naturalezas muertas urbanas y los retratos son temas recursivos en
este movimiento.

Además se empiezan a descomponer las imágenes en formas geométricas para poder ser
representadas en el arte cubista.

 Fases del arte cubista

El movimiento cubista fue marcado por tres fases:

- CUBISMO ESCENICO(1907 – 1909)

- ANALITICO (1910 – 1912)
- SINTETICO (1913-1914)

Cubismo escénico

También conocido como “cubismo pre analítico”, esta es considerada la fase inicial de
este arte (1907 – 1909), con fuerte influencia del arte africano y debido al uso de formas
simplificadas.

Cubismo analítico

Se considera como el “cubismo puro” y de difícil interpretación, donde las figuras son
descompuestas, a través del uso de diversas formas geométricas.

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Las obras impregnan los tonos monocromáticos, con predominio del verde, marrón y
gris.

Cubismo sintético

La gran característica de esta fase fue la introducción de la técnica de pegado para

reconstruir las imágenes que antes eran descompuestas.

En esta etapa las imágenes pasan a mantener su fisonomía, pero de modo reducido,
presentando sólo lo que es esencial para su reconocimiento.

Arquitectura o pintura, los cubistas buscaron jugar con la geometría y explorar las
posibilidades del espacio y de su tridimensionalidad. Hoy en día, el legado del cubismo
sigue tan vigente como entonces. Aún contamos con una serie de expertos que han
creado edificios que mantienen el estilo del cubismo vivo, un siglo después de su
nacimiento.

 Arquitectura cubista

Reinventando a le Corbusier

Cuando pensamos en arquitectura moderna, a la mayoría le viene un nombre a la cabeza:

Le Corbusier. Conocido por el diseño con formas muy geométricas, en particular, las
formas del cubo, Le Corbusier creó un estilo personal, que ha sobrevivido a su persona.
Un ejemplo de esa continua revisión de su arquitectura es esta casa, con una parte de la
planta superior en voladizo, y haciendo del cubo su seña de identidad.

Una visión contemporánea

Por lo general, la arquitectura cubista se basa en el color blanco. Sin embargo, en estos
ejemplos de la época actual se ha adaptado el cubismo a las tendencias de hoy en día.
Este revestimiento de madera exquisita es visualmente impresionante y una excelente
barrera contra la absorción solar; dado que la mayoría de la casa tiene un acabado en
cristal.

Rompiendo la monotonía del blanco

El uso de la paleta de blancos puede verse hoy en día demasiado fría y aséptica, por eso
en esta casa se ha roto la monotonía del blanco introduciendo una parte de otro color y
material. Utilizando baldosas grises de pizarra en la parte superior, y con los marcos de
color negro de todas ventanas han creado un ligero contraste que marca la diferencia.

Ambigüedad

Uno se pregunta, ¿dónde empiezan o terminan formas? El todo es como una estructura
compuesta de diferentes partes que se monta y se desmonta en nuestra cabeza de una
y mil formas.

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 V. NEO-FUTURISMO

Neo-futurismo es un movimiento de las artes, el diseño y la arquitectura de finales del

siglo XX a principios del siglo XXI. Podría ser visto como una desviación de la actitud
del postmodernismo y representa una creencia idealista en un futuro mejor y “una
necesidad de periodizar la relación moderna con lo tecnológico”.

Este movimiento de vanguardia es un replanteamiento futurista de la estética y la

funcionalidad de las ciudades de rápido crecimiento. La industrialización que comenzó
en todo el mundo después del final de la Segunda Guerra Mundial dio rienda suelta a
nuevas corrientes de pensamiento en la vida, el arte y la arquitectura, que llevaron al
posmodernismo, el neo modernismo y luego el neo-futurismo.

En los países occidentales, la arquitectura futurista se convirtió en Art Deco, el

movimiento Googie y la arquitectura de alta tecnología, y finalmente en el neo-
futurismo.

 Orígenes

Fue iniciado a fines de los años 60 y principios de los 70 por los arquitectos
estadounidenses Buckminster Fuller y John C. Portman, Jr .; Arquitecto finlandés-
americano y diseñador industrial Eero Saarinen, Archigram, un grupo arquitectónico
británico de vanguardia (Peter Cook, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton,
Michael Webb y David Greene) con sede en la Architectural Association, Londres; Grupo
arquitectónico estadounidense de vanguardia ArchiGO, centrado en el Instituto de
Tecnología de Illinois; El arquitecto danés Henning Larsen; El arquitecto checo Jan
Kaplický; El escultor de luz italiano Marco Lodola; El artista conceptual estadounidense
Syd Mead; El guionista de teatro estadounidense Greg Allen y los poetas rusos Andrei
Voznesensky, Serge Segay y Rea Nikonova.

Aunque nunca fue construido, el Fun Palace (1961) interpretado por el arquitecto Cedric
Price como una “máquina neo-futurista gigante” influyó en otros arquitectos,
especialmente Richard Rogers y Renzo Piano, cuyo Centro Pompidou extendió muchas
de las ideas de Price.

 Definición

Neo-futurismo se relanzó en 2007 después de la difusión del “Manifiesto de la Ciudad

Neo-Futurista” incluido en la candidatura presentada a la Oficina de Exposiciones
Internacionales (BIE) y escrito por el diseñador de innovación Vito Di Bari, un ex
director ejecutivo de las Naciones Unidas Organización educativa, científica y cultural
(UNESCO), para delinear su visión de la ciudad de Milán en el momento de la Exposición
Universal de 2015. Di Bari definió su visión neo-futurista como la “polinización cruzada
del arte, las tecnologías de vanguardia y la ética valores combinados para crear una
calidad de vida predominantemente superior “; hizo referencia a la Cuarta Pilar de la

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Teoría del Desarrollo Sostenible e informó que el nombre había sido inspirado por el
informe de las Naciones Unidas Our Common Future.

Jean-Louis Cohen ha definido el neo-futurismo como “un corolario de la tecnología,

siendo las estructuras construidas hoy por subproductos de nuevos materiales para crear
formas previamente imposibles”. Etan J. Alfadle escribió que en la estética neofuturista
contemporánea “la máquina se convierte en un elemento integral del proceso creativo
en sí mismo y genera el surgimiento de modos artísticos que hubieran sido imposibles
antes de la tecnología informática”. La definición de “une architecture autre” de Reyner
Banham es una exigencia de una arquitectura que supere tecnológicamente todas las
arquitecturas anteriores, pero que posea una forma expresiva, como dijo Banham sobre
neo-futurista “Archigram’s Plug-in Computerized City”, la forma no tiene que seguir la
función olvido.”

 Gente

El relanzamiento del neo-futurismo en el siglo XXI ha sido inspirado creativamente por

la arquitecta iraquí-británica Pritzker Architecture Award-winning Zafa Hadid, el
arquitecto español Santiago Calatrava y por Vito DiBari.

Arquitectos, diseñadores y artistas neofuturistas son el arquitecto francés Denis Laming

(fr); Los artistas estadounidenses Josh Hadar, Erin Sparler, Marlow Rodale, Studio-X
Lawrie Masson; Panayiotis Terzis y Miguel Ovalle; el artista del ruido urbano Joseph
Young; El diseñador francés Patrick Jouin, la artista británica Olivia Peake; La
diseñadora japonesa Yuima Nakazato, el artista sueco Simon Stålenhag, el artista
italiano Luca Bestetti y la artista griega Charis Tsevis. El neo-futurismo ha absorbido
algunos de los temas e ideas de la arquitectura de alta tecnología, incorporando
elementos de la industria y tecnología de alta tecnología en el diseño de edificios: la
tecnología y el contexto es el enfoque de algunos arquitectos de este movimiento como
Buckminster Fuller, Norman Foster, Kenzo Tange, Renzo Piano, Richard Rogers, Frei
Otto y Santiago Calatrava.

VI. NEO-PLASTICISMO

El Neoplasticismo es un movimiento artístico iniciado en Holanda en 1917 por Piet

Mondrian. También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo
con el constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las
demás vanguardias (especialmente al cubismo y al futurismo).

Las teorías, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y en
la teosofía, reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas
se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al negro, el
blanco, el gris y los tres primarios.

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  Características

La intención del neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad

de la naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin
embargo, es de una regularidad absoluta. Sus principales características son:

- Búsqueda de renovación estética.

- Lenguaje plástico objetivo y como consecuencia, universal.

- Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente).

- Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento

de llegar a la esencia.

- Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas,

planos y cubos.

- Planteamiento totalmente racionalista.

- Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares

de diversa proporción, siempre verticales, horizontales formando ángulos rectos.

- Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio

logrado por la compensación de las formas y los colores.

- Uso de pocos colores.

- Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y

tonal o neutros (blanco, negro y grises).

- Empleo de fondos claros.

- Pinturas: equilibradas, ordenadas, optimistas, alegres.

- Es una orientación artística antitrágica: arte no como expresión purgativa de

sentimientos trágicos interiores del artista, sino como metáfora visual de
armonía espiritual.

 Arquitectura neoplasticista
Un ejemplo claro de arquitectura neoplasticista es la Casa Schröder de Gerrit
Rietveld y Truus Schröder-Schrader, quien encargó el proyecto para lo que fue
su residencia, y la de sus tres hijos, hasta su muerte en 1985. El requisito principal
era un diseño preferiblemente sin paredes. Ejerció también influencia
sobre Pieter Oud, Walter Gropius, van der Rohe, Le Corbusier...

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 VII. SUPREMATISMO

 Arquitecto

Kazimir Malevich

Nacido en 1879 en Kiev (Ucrania), viajó muy joven a Moscú para ser artista. Allí pasó por
los estilos más modernos: del impresionismo al simbolismo, después al fauvismo,
futurismo y cubismo, hasta dar con un arte propio.

Malevich deseaba instaurar la supremacía de la sensibilidad pura de las formas sencillas

en las artes figurativas, y con tal objetivo fundó el movimiento suprematista, que se dio
a conocer en 1915 a través de la obra Cuadrado negro sobre fondo blanco. A partir de
entonces alternó obras de una austeridad absoluta, como la serie negra, con otras de
mayor animación colorística y más dinamismo y, en ocasiones, dotadas de cierta
sensación de profundidad.

Tras la Revolución de 1917, Malévich abandona la pintura y se dedica a la docencia,

infectando a sus alumnos con las directrices del suprematismo, que derivaría en el
constructivismo. Un nuevo arte para una nueva sociedad.

 Forma y espacio

El suprematismo es considerado un movimiento que se basa en las formas geométricas

eseciales: círculo, cuadrado, tríangulo. En la obra “Circulo Negro” de Malévich 1916 se
evidencia esta característica.

Muchas tendencias aportaron al arte suprematista, por ejemplo: el cubismo, el

impresionismo y el futurismo. Esta corriente ha sido una de las más revolucionarias de
todas las vanguardias ya que ésta cambia totalmente la manera en la que el ser humano
concibe el mundo. Como casi todas las vanguardias ésta también tuvo un manifiesto en
el que se decían las reglas básicas de este nuevo arte.

En los cuadros, el punto de fuga no se sitúa sobre el horizonte, sino en el infinito. Las
formas geométricas son elaboradas en el lienzo en blanco y las ondas de luz en el espacio
se desplazan a diferentes velocidades y pueden ser captadas de diferentes formas.
Cuando los planos se colocan en vertical u horizontal, la composición es estática, y si se
estructuran en diagonal es dinámica. Lo estático y lo dinámico, resaltados por medio del
color y la forma establecían el contenido de la pintura suprematista.

 Funcionamiento

El suprematismo consiste en promover el gusto por la abstracción geométrica y por el

arte no figurativo. Consiste en representar el universo visual lleno de formas geométricas
puras, busca la forma de rehacer el arte convencional buscando la sensibilidad de la
geometría alcanzando un abstraccionismo puro, simple e insuperable.

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  Orden

El suprematismo se puede manifestar en tres fases diferentes:

La primera fase fue conocida como la fase negra, ya que en ella prácticamente todas las
imágenes presentan formas negras pintadas sobre un fondo blanco.

La segunda fase sumó otros colores en sus obras, principalmente el color rojo. Por medio
de una paleta de colores ampliada, jugó con la dimensionalidad y la percepción
produciendo confusión entre lo racional y la realidad.

La fase final del Suprematismo fue la fase blanca, y eran formas blancas pintadas sobre
fondos blancos.

 Características

Las principales características del suprematismo son las siguientes:

- Este tipo de pintura se desvinculaba de la naturaleza y le da origen a una realidad

totalmente original.
-
- El mundo exterior no era útil para el artista.
- Tenía supremacía en la sensibilidad plástica antes que todo fin materialista,
práctico, social, descriptivo o ilusionístico.

- Era un arte con abstracción de formas pues únicamente se utilizaban triángulos,

cuadrados, cruces y círculos.

- Sus formas eran puras y absolutas con armonías sencillas.

- Se utilizaban colores planos que fueran contrastantes, principalmente los colores

primarios y algunas gamas intermedias, blanco y el negro.

- La gama de colores era bastante reducida y principalmente se utilizaba el color

rojo, negro, azul, blanco y verde.

- Tenía un fuerte predominio de fondos neutros, generalmente el blanco.

- Las pinturas proporcionaban una sensación de movimiento y velocidad.

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 VIII. CONSTRUTIVISMO

 Arquitecto

Vladímir Tatlin (Moscú, 1885-1956) es el artista ruso que inicia el Constructivismo

dirigiendo la vanguardia soviética. Le daba a la escultura, pintura, arquitectura,
ingeniería, diseño. Un hombre del renacimiento en plena Revolución Rusa, que contó
con él para ambiciosos proyectos, algunos de los cuales tan grandilocuentes que no
pudieron llegarse a construir.

Le debemos a Tatlin el contrarrelieve, una escultura para colocar en la esquina de una

pared que significó toda una revelación escultórica. El cristal y el acero significaban el
futuro de su país.

Al final de su vida empezó a investigar el vuelo de los pájaros, con el fin de conseguir
uno de los grandes sueños de la humanidad: volar. De hecho inventó una máquina
voladora de energía limpia llamada Letatlin (letat significa volar en ruso).

 Funcionamiento

El Constructivismo se destacó por su carácter utilitario y al servicio de la revolución. Los

artistas buscaron producir cosas útiles, en las áreas de diseño industrial, comunicación
visual y artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista. La imagen más
representativa del movimiento fue el Monumento a la III Internacional de Tlalín.

Los constructivistas se dedicaron al diseño de muebles e indumentaria, decorados

teatrales, exposiciones y todo lo relacionado con la ingeniería y la arquitectura. El
constructivismo llegó a Europa occidental gracias al Lissitzky, e influenció al
movimiento De Stijl, al desarrollo del arte concreto, del minimalismo y de la
arquitectura moderna (particularmente en las construcciones de hormigón armado).

 Características

El Constructivismo coincide con las características de diferentes vanguardias como el

Cubismo, el Futurismo, el Suprematismo y el Dadaísmo.

Esta vanguardia se destacó por:

– Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar
el producto son de gran importancia.

– Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.

– Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas

matemáticamente.

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– Se dedicaron a l diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura
interior, propaganda, ilustraciones, etc.

– La obra se comunica con el espacio que la rodea o penetra. Se valora la simultaneidad

del espacio, el tiempo y la luz.

– La misma consta de elementos (frecuentemente transparentes) de formas geométricas,

lineales y planas.

– Hace hincapié en lo abstracto, pero relacionado con la industria y la técnica.

– Estilo basado en líneas puras y formas geométricas y pesadas.

– Los objetos son geométricos y funcionales.

– Rechaza al arte burgués. Se evitó el ornamento.

– Materiales simples: madera, metal, yeso, alambre, plástico, cartón, vidrio y elementos
modernos que simbolizan el progreso.

– Uso de los colores naranjo, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (tanto en afiches como
en objetos).

– Para la decoración se emplean motivos suprematistas, o sea formas geométricas sobre

un fondo blanco y plano (como en el caso de la cerámica)

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