Segundo parcial de Psicologia

Clase 4
WINNICOT
REALIDAD Y JUEGO: cap 5 y n7

-Que es la creatividad
Creatividad: estilo de vida en el que se desarrollan actividades creativas
en la vida cotidiana, le provee al sujeto tiene la sensación de que la vida
vale la pena ser vivida
-Que es el acatamiento
Acatamiento: sentimiento de inutilidad, se da por una actitud de
obediencia a las normas sociales, se aplasta el deseo. el sujeto tiene la
sensación de que la vida no vale la pena ser vivida
Ambas en extremo pueden llevar a la locura

-Donde se ubica la experiencia cultural

Donde se ubica la experiencia cultural? Hay una matriz que se genera
mediante el juego, en donde se ubica la experiencia cultural, no se
encuentra ni adentro ni afuera, en un espacio de borde, no hay YO. No
hay algo que diferencie al sujeto del resto del mundo

- Que es el objeto transcicional

Que es el objeto transicional: es un objeto que elige el niño y que esta a
su alcance, que acompaña al niño en la diferenciación del yo no yo y
con este objeto el niño realiza los fenómenos transicionales.
Transición: construcción del YO
La creatividad, un estilo de vida

En este texto Winnicott ubica la idea de la creatividad como una coloración de toda la
actitud hacia la realidad exterior. Es una forma de vida, la percepción creadora es lo que hace
que un individuo sienta que la vida vale la pena ser vivida.
Opone creatividad a acatamiento. Dice que en este último, el sujeto reconoce el
mundo como un lugar en donde tiene que encajar, implica un sentimiento de inutilidad del
individuo.
Sostiene que vivir de forma creativa es saludable y que el acatamiento es una base
enfermiza para la vida, si bien ambos extremos son patológicos.
Winnicott ubica la importancia del ambiente en el desarrollo de la creatividad, ya que
solo un ambiente lo suficientemente bueno ofrece las herramientas necesarias para el
desarrollo de la misma.
La primera manifestación del vivir creador es el juego. El juego no es una cuestión de
realidad psíquica interna ni de realidad exterior, no está adentro ni afuera. El juego se genera
en el espacio transicional.
El objeto transicional es la primera posición del niño y lo acompaña en la transición
de la no diferenciación yo-no yo hacia la diferenciación yo-no yo. Sienta las bases de la
actividad lúdica del sujeto y por tanto de sus herramientas para la creatividad.

Cap 5
< -que es la creatividad?desarrollar actividades creativas en la vida cotidiana, dejar jugar a la
imaginación con diferentes actividades diarias.
¿Qué es el acatamiento? obediencia absoluta a las normas sociales y esto produce un
aplastamiento del deseo

Winnicott considera que la creatividad es un aspecto fundamental del desarrollo humano.

Según su enfoque, la creatividad surge en el contexto de las experiencias tempranas del niño
y su relación con los cuidadores principales. El autor destaca la importancia de un ambiente
favorable y de cuidadores que proporcionen un espacio de juego y exploración seguro y
confiable para que el niño pueda desarrollar su creatividad.

Winnicott sugiere que la capacidad de ser creativo se origina en la capacidad del niño para
integrar y transformar sus experiencias internas y externas. A través del juego espontáneo, el
niño puede explorar diferentes aspectos de su realidad, experimentar con nuevas ideas y
formas de expresión, y encontrar soluciones imaginativas a los desafíos que encuentra.

Cap 7- La ubicación de la experiencia cultural.

< repaso de clase-
La experiencia cultural, se aloja en el espacio de juego que se forma a partir de los fenómenos
transicionales, se va generando una matriz donde se va alojando la experiencia cultural, es un
espacio que no está ni adentro ni afuera del sujeto
El objeto transicional, es un objeto, que ayuda al niño a la construcción desde la
diferenciación yo no yo, y con este objeto el ni;o va construir los fenómenos transicionales
Winnicott reconocía que la cultura y el entorno social tienen un impacto significativo en la
formación de la identidad y en el desarrollo de las personas.

< - Winnicott sostiene que la experiencia cultural influye en cómo los individuos se
relacionan con su entorno, cómo se definen a sí mismos y cómo interactúan con los demás.
En su obra, examina cómo los elementos culturales, como las normas sociales, las creencias
compartidas y los sistemas de significado, moldean el desarrollo individual y la forma en que
las personas experimentan el mundo.

Además, Winnicott considera que la cultura proporciona un marco para el desarrollo de la

creatividad y la capacidad de juego. La cultura proporciona una serie de referencias, símbolos
y prácticas que enriquecen la experiencia humana y permiten la expresión creativa y la
construcción de significado.

Winnicott reconocía la influencia fundamental de la cultura en el desarrollo humano y su

importancia para la formación de la identidad y la expresión creativa.
En su trabajo, Winnicott también destaca la importancia de los objetos transicionales y la
capacidad de simbolización en el desarrollo de la creatividad. Los objetos transicionales,
como mencioné antes, actúan como facilitadores de la transición entre el mundo interno y
externo, y pueden desempeñar un papel crucial en la expresión creativa.

Clase 5
-Pichon Riviere: El proceso creador

-Que es el objeto estetico/artistico

Que es el objeto estético/el objeto artistico: es el objeto que el artista
recrea a partir de los restos de lo reprimido del objeto original, lo cubre
mediante un velo
¿Cuál es el objeto estetico?
es diferente el objeto artistico es el que el artista recrea a partir de un objeta
original reprimido?y el objeto estetico? se pueden llamar de las dos maneras

-Cual es el objeto siniestro

Que es el objeto siniestro: es el objeto original que se vuelve siniestro e
insoportable para el yo social, por ende es reprimido.
¿Cuál es el objeto siniestro? es aquel original que estaba reprimido y se vuelve
insoportable para el ser social? se reprime xq se vuelve insoportable, paradigma
social, algo de los mandatos sociales se modifica y deja de ser aceptado
-Por que surge el obj movilCaract del proceso creador(art normal y alienado)
Porque surge el objeto móvil y que consecuencias trae: surge para
calmar las angustias de la muerte, pero como consecuencia genera mas
angustias y ansiedades.
Porque surge el objeto movil? y que consecuencias trae surge despues de la
guerra para calmar la angustia de muerte producida por esta, genera nuevas
angustias de muerte diferentes a las originales

-Caract de la produccio(art normal y alienado)

Proceso creador del artista normal:, aparece de forma controlada

Proceso de producción del artista normal: produce por placer, para otros
juega con los colores, tiene movimiento, tiene dinamismo, se reconoce
un estilo.
Proceso creador del artista alienado: es automatico, necesario y
permanente, cree que modifica la realidad con su pensamiento mágico.
Proceso de producción del artista alienado: Estereotipo, repeticion en
serie. Imágenes estáticas, miradas vacias

caracteristicas del proceso creador (distintas a la de produccion) artista normal

-el artista en el desarrollo de su obra aprende, se reconoce el estilo del artista
-produce x placer
-de manera controlada y temporaria,
-produce para otros, para mostrar su obra, ve más allá, a través de la obra nos
muestra, es un agente de cambio
proceso de producción en el alienado
-sucumbe a
-proceso de creador automático, es una necesidad, cuando la persona está
atacada por su padecer necesita producir.
El artista alienado cuando produce, como agente de cambio, cree que modifica
la realidad de una manera mágica. un exceso de esto es pintar una ventana y
creer que la puede abrir.
MODO DE PRODUCCION
-produce x necesidad
-produce para sí mismo
-no busca comunicar
-estereotipo, no hay aprendizaje, no hay estilo como en el artista normal
-es automático

caracteristicas de la producción del artista normal

-tiene movimiento
-las miradas tienen contenido
-uso del color para jugar con la imagen, uso de luces y sombras
-se puede reconocer el estilo del artista en las diferentes obras

Alienado
-imagenes estático,
-mirada vacía
-rigidez en la expresión
-uso del color para expresar con el caos que lo atormentan, no para jugar c el
color

-Cuales son los motivos por las cueles se usan activ creativas en tratramientos
Motivos por los que se usan las actividades creativas en un tratamiento
psiquiatrico: como entretenimiento, método diagnostico, herramienta de
terapia, info del paciente.

Pichon-Rivière consideraba que el proceso creador era fundamental para el

desarrollo humano y la construcción de la identidad. Según su perspectiva, el
proceso creador implica la capacidad de una persona para generar nuevas ideas,
formas de pensar y soluciones a los problemas. Este proceso creativo se basa en
la integración de las experiencias personales, las influencias socioculturales y
las interacciones con los demás.

En su obra, Pichon-Rivière exploraba la importancia de los vínculos sociales y

la influencia de la cultura en el proceso creador. Sostenía que la interacción con
otros individuos y la participación en contextos culturales y sociales brindaban
oportunidades para la expansión de la creatividad.

Además, Pichon-Rivière también consideraba que el proceso creador estaba

estrechamente relacionado con la capacidad de simbolización y la imaginación.
A través de la simbolización, las personas podían representar sus experiencias
internas y externas de manera simbólica, lo que les permitía explorar nuevos
significados y perspectivas.

En resumen, Pichon-Rivière enfatizaba la importancia del proceso creador en el

desarrollo humano y la construcción de la identidad. Reconocía que el proceso
creativo se basaba en la integración de experiencias personales, influencias
socioculturales y vínculos sociales.

-Zito Lema. Conversaciones con Enrique Pichon RIviere

Teoría del vínculo: Pichon-Rivière desarrolló una teoría del vínculo que
destacaba la importancia de las relaciones interpersonales en el desarrollo
humano. Podría haber discutido los conceptos clave de su teoría y cómo se
aplican en la práctica clínica y social.

Psicología social: Pichon-Rivière también fue conocido por su enfoque en la

psicología social. Podría haber hablado sobre la importancia de los contextos
sociales y culturales en la formación de la identidad y el comportamiento
humano.

Psicoterapia y grupoanálisis: Pichon-Rivière fue un defensor del grupoanálisis

como una forma de terapia. Podría haber compartido su perspectiva sobre los
beneficios de trabajar en grupo y cómo se pueden abordar los conflictos y
dificultades individuales en este contexto.

Educación y salud mental: Dada su visión holística del ser humano,

Pichon-Rivière también podría haber discutido temas relacionados con la
educación y la promoción de la salud mental en diversos entornos, como la
escuela y la comunidad.

El proceso creador
En este libro Pichón Riviere ubica la relación entre el objeto estético
original, objeto oculto-mágico siniestro y la locura. El objeto estétco original
que había sido reprimido culturalmente y emerge del inconsciente es
re-conocido, re-descubierto y re-creado por el artista, pero por su
característica de retorno de lo reprimido si no es lo suficientemente velado
puede generar ansiedad llegando a la vivencia de lo siniestro. Esta situación
puede generar situaciones hostiles llegando a la destrucción del objeto
estético o a la destrucción simbólica del artista, por medio de la crítica
destructiva.

Cuando el objeto estético original no emerge la actividad adquiere el

carácter de estereotipo.

Define el objeto artístico como aquel que nos crea la vivencia de lo

estético, de lo maravilloso, con ese sentimiento subyacente de angustia, de
temor a lo siniestro y a la muerte, y que por eso mismo sirve para recrear la
vida.

El objeto estético es producto de un proceso que consigue la

reconstrucción del objeto previamente desmenuzado, a través de una técnica
específica, como si fuera un rompecabezas, todo dependerá de como se
coloquen las piezas y del sentido que se busque con ellas. Cuando el
movimiento es dirigido hacia la unidad y tiene la forma de espiral dialéctica
surgirá la creación.

Riviere ubica el surgimiento del objeto móvil en un momento

determinado de cambio social, y dice que surge pata resolver ansiedades
generadas por este cambio, pero termina generando nuevas ansiedades,
hasta llegar a dar la sensación de lo siniestro como si las máquinas fueran a
pensar solas. (Vemos en las películas que las computadoras exterminan a la
raza humana). El trabajo con el movimiento es un modo de elaboración de la
angustia que provoca la muerte. Toda la tarea del creador es la recreación a
través del movimiento del sentimiento de muerte conciente e inconsciente.

En relación con el arte hace una diferenciación entre el psicótico y el

genio creador. El psicótico sucumbe ante la presión del inconsciente, mientras
que el genio es capaz de exteriorizarlo, proyectando su emoción en su obra,
comparte. Y ubica el ejemplo de Picasso del cual dice que trata de encontrar
en el cubismo la síntesis existente entre sus dos mundos, interponiendo entre
ellos una pantalla de geometría para protegerse de una revelación demasiado
completa de sí mismo.

El artista normal logra a través de la elaboración conciente de lo

inconsciente, transmitir al espectador una realidad particular de armonía.
Aprende, modifica sus modos de expresión y su estilo. Las acciones de
alienado son estereotipadas.

En relación con lo social el artista tiene que abordar los mismos

problemas que se le plantean al resto pero con la diferencia que él se
anticipa, y por esta anticipación se le adjudican características de agente de
cambio. En ese punto se desplazan sobre él las ansiedades, como si él fuera
el portavoz de todo lo subyacente.

El vínculo que el artista establece entre su yo y el objeto artístico, es

que su mensaje representa la reconstrucción de un mundo que es propio y de
todos. Así es como lo siniestro se transforma en maravilloso, el contenido y la
forma en su síntesis recrean una nueva estructura.

También marca la diferencia entre el proceso creador del artista normal

y del alienado y dice que en la persona normal el proceso creador aparece en
forma controlada y temporaria, mientras que en el psicótico es automático,
permanente y en cierto modo una necesidad. La obra del alienado participa
de las características del pensamiento mágico, la del artista normal no carece
de magia. El artista normal no crea para transformar el mundo de una manera
delirante, sino que su propósito es describirlo de un modo metafórico.

El artista alienado está impulsado a crear con el fin de transformar el

mundo real, no busca un público ni trata de comunicarse. Sus formas de
expresión permanecen rígidas, trata de reparar el objeto destruido durante la
depresión desencadenada por la enfermedad.

Es característico en la obra de un alienado la inmovilidad de la imagen,

vaciamiento de la mirada, la rigidez en la expresión y los estereotipos.

Las actividades creativas de los enfermos mentales pueden utilizarse

de diferentes maneras: - como entretenimiento

- Método diagnóstico.
- Obtener información sobre los cambios del paciente
durante el tratamiento.
- Como herramienta de la terapia, ya que a algunos
pacientes les resulta mejor expresarse de ese modo.

Generalmente detrás de una obra de arte hay una conciencia alterada

como

Subestructura. Pero en el artista normal la subestructura (elementos

emocionales) es casi coincidente con la superestructura (elementos
conceptuales) en tanto que en el alienado la distancia es mayor y deformante.

Destaca el concepto de unidad (integración), para diferenciar arte

normal, de arte patológico y da el ejemplo de Picasso, este pintor se ha
atrevido a investigar su inconsciente al punto de frecuentar la muerte, la total
desintegración en la creación artística, ha elaborado lo maravilloso, porque ha
sabido recomponer, reintegrar, recrear la vida. No ha sucumbido a su
inconsciente como si sucumbe un artista psicótico.

Hay una profunda relación entre arte y locura, en el punto que muchas
veces concretar la obra de arte es el medio para mantener la salud psíquica.

Clase 6.

-WEBER. La psicologia del arte

Que es la psicología del arte? La psicología del arte es el estudio de los

estados de consciencia y los fenómenos inconscientes correlativos a la
contemplación y a la creación de una obra de arte.
-La psicología del arte es el estudio de los estados de consciencia y los
fenómenos inconscientes correlativos a la contemplación y a la creación
de una obra de arte.

Que dice weber que la psicologia del arte es y no es?

NO es la estética (la estética estudia esencialmente los juicios de valor)
mientras que la psicología del arte apunta a la existencia del artista, NO
es la filosofía del arte porque deja afuera al objeto mientras que la
psicología del arte se instala en lo subjetivo y lo concreto de lo vivido
NO es la ciencia del arte, porque la ciencia en tanto a reglas se
desentiende del sujeto. NO es la crítica del arte porque se dice que es
arte que no lo es.

Que métodos utiliza la psicología del arte?

Utiliza la introspección, y toma tres metodos de la psicología
experimental: la selección (objetos preferidos por mayor cantidad de
sujetos) la de producción (los sujetos hacen las figuras que consideran
más bellas) la de los objetos usuales. (de los cuales se podrían extraer
las leyes del gusto). Toma cosas de la psicología fenomenológica ( el
análisis de las significaciones de aquello que es pensado en los
conceptos y afirmado en los juicios), y del psicoanálisis (explora las
capas inconscientes del sujeto).

Cuales son las condiciones dominantes en la pintura?

Toda obra de arte requiere para realizarse un conjunto de condiciones
dominantes, que responden a dos cuestiones: ¿Cuales son?
(fenomenología de la obra) Y ¿Porqué son? (ontología de la obra).
El conjunto de las dominantes que hacen posible una obra de arte
diversifica el recuerdo afectivo del espectador y del artista y les permite
recobrar capas del pasado anteriores a la formación de la memoria.
En la pintura son el espacio, la forma, el color, la luz y sombra.
Cuales son las dominantes de la pintura?
-el espacio el color y las formas, la luz y la sombra
-características de la visión próxima y la visión lejana
el dato visual cercano, se define bien la forma los colores los bordes
lejana hay definición de bordes colores y formas pero no se ve tan bien

Caracteristicas de la región próxima y lejana de la visión del adulto:

La región próxima se ubica con objetos que presentan un determinado
espesor, volumen, localización precisa, una textura definida, colores,
aristas y separaciones abruptas.
Y la región lejana esta poblada de siluetas de las que se infieren pero no
experimentan solidez, espesor, distancia al observador, y cuyos colores
y contornos ofrecen algo misterioso e inaccesible.

-Relacione la vision del niño y la de adulto:

El sentido de la vista empieza con la distinción entre luz y oscuridad,
pasa a la percepción de un espacio, y luego a la percepción de los
colores.
El desarrollo de este sentido requiere de la acomodación, la
convergencia y la coordinación táctil-visual. Pero el niño recién nacido
no tiene completamente mielinizado el sistema nervioso por lo cual no
puede hacer la mayoría de las adaptaciones musculares que logra el
adulto.
Podríamos decir que la visión desarmada del niño, se acerca más a
la visión lejana del adulto. La visión infantil nos orienta en las formas de
la visión estética del adulto. Cuando el artista se relaciona con el orden
de la visión infantil ycrea a partir de eso emociona y ofrece resonancias
estéticas.
-QUÉ ES LA PSICOLOGÍA DEL ARTE Y NO ES?
Algunas disciplinas que la psicología del arte no es: No es la estética (la
estética estudia esencialmente los juicios de valor) mientras que la
psicología del arte apunta a la existencia del artista
no es la filosofía del arte porque deja afuera al objeto mientras que la
psicología del arte se instala en lo subjetivo y lo concreto de lo vivido
no es la ciencia del arte, porque la ciencia en tanto a reglas se
desentiende del sujeto.
no es la crítica del arte porque dicen que es arte que no es,
mientras que en la psicologia no hay juicio de valor
no es critica de arte porque la critica de arte, nos dice que es arte y que
no

Cuales son los metodos de produccion que usa?

Diferentes métodos de estudio: La introspección, los tres métodos que

toma de la psicología experimental: método de selección, producción y
método de objetos usuales
El método de selección: tiene que ver con los objetos elegidos por la
mayor cantidad de sujetos.
Método de producción: los sujetos producen las figuras que consideran
más bellas.
Método objetos usuales: de los objetos que se eligen usualmente se
podrían extraer las leyes del gusto.
Estos métodos no son suficientes, por lo que in
Estos métodos no son suficientes, por lo que insiste en usar el método
de la psicología fenomenológica: un análisis de las significaciones de
aquello que es pensado en los conceptos y afirmado en los juicios.
(Un objeto de análisis consiste en la aclaración completa de la
significación) se eleva la introspección a una categoría de ontología,
pero lo que nos interesa es la determinación esencial de los fenómenos

El ultimo método que toma es el del psicoanálisis porque toma las capas
inconscien
El ultimo método que toma es el del psicoanálisis porque toma las capas
inconscientes del sujeto: va a decir que la obra de arte es tal si y solo sí
tiene valor para una consciencia y para un inconsciente que la considere
como tal.
Relacione el dato visual del adulto con el dato del ni;o
explicar la relación de cómo ki ve el ni;o todo borroso cuando nace,
explicar lo del músculo ocular que no está desarrollado entonces el
bebe ve todo borroso.

La Psicología del arte

Weber define a la psicología del arte como el estudio de los estados de
conciencia y de los fenómenos inconscientes, correlativos a la creación
y contemplación de la obra de arte.
Ubica que la psicología del arte no es la estética, ni la filosofía del
arte, ni la ciencia del arte, ni la crítica; aunque tiene puntos de encuentro
con cada una de estas disciplinas.
La psicología del arte es la placa giratoria en la cual convergen la
totalidad de las lineas de fuerza que atraviesan el dominio de las bellas
artes. De ahí su complejidad y la variedad de sus métodos, uno de los
cuales es la introspección (análisis del sujeto que contempla la obra),
pero la introspección debe ser superada, requiere ir más allá, entonces
va a ubicar otras teorías con sus respectivos métodos:
Psicología experimental intentó aplicar tres métodos:
¥ El de selección (objetos preferidos por mator cantidad de sujetos)
¥ El de producción (los sujetos hacen las figuras que consideran
más bellas)
¥ El de los objetos usuales. (de los cuales se podrían extraer las
leyes del gusto).
La psicología fenomenológica, cuyo método es un análisis de las
significaciones, de aquello que es pensado en los conceptos y afirmado
en los juicios. El método fenomenológico eleva la introspección a la
categoría de una ontología, pero lo que interesa es la determinación
esencial de los fenómenos. La significación fenomenológica no es la
misma en todas las edades ya que resuena de manera diferente.
El psicoanálisis explora las capas inconscientes del sujeto.
La obra de arte solo es tal si tiene realidad para una conciencia y
un inconsciente considerándola como tal.
Toda obra de arte requiere para realizarse un conjunto de
condiciones dominantes, que responden a dos cuestiones: ¿Cuales
son? (fenomenología de la obra)Y ¿Porqué son? (ontología de la obra).
La emoción estética constituída en la infancia es el germen de las
creaciones del artista.
El conjunto de las dominantes que hacen posible una obra de arte
diversifica el recuerdo afectivo del espectador y del artista y les permite
recobrar capas del pasado anteriores a la formación de la memoria.
Cada dominante estética restablece para nosotros el análogo de
alguna estructura sensorial o aperceptiva arcaica. Cada dominante
estética modula el tema impersonal de la visión infantil y nos permite
comprender la esencia y las diversas estructuras de la obra de arte en
tanto tal.
Las dominantes de la pimtura encierran en sí las diversas
potencias del universo visual en estado naciente y nos restituyen el
recuerdo inconsciente de las diferentes fases por las cuales pasó el
aprendizaje del espacio, de los colores y las formas. El sentido de la
vista se desarrolla, comienza con la distinción entre luz y oscuridad,
pasa a la percepción de un espacio donde el color parece excluído, y
luego a la percepción de los colores.
El desarrollo de este sentido requiere de la acomodación, la
convergencia y la coordinación táctil-visual (óculo-manual). Pero el niño
recién nacido no tiene completamente mielinizado el sistema nervioso
por lo cual no puede hacer la mayoría de las adaptaciones musculares
que logra el adulto.
En el dato visual del adulto podemos ubicar al menos dos
regiones:
〈 La región próxima con objetos que presentan un determinado
espesor, volúmen, localización precisa, una textura definida, colores,
aristas y separaciones abruptas.
〈 La región lejana poblada de siluetas de las que se infieren pero no
experimentan solidez, espesor, distancia al observador, y cuyos colores
y contornos ofrecen algo misterioso e inaccesible.
Podríamos decir entonces que las operaciones necesarias:
acomodación, convergencia y coordinación visual-táctil cumplen un
papel más importante en la percepción de los objetos próximos que de
los objetos lejanos. La visión desarmada del niño, se acerca más a la
visión lejana del adulto.
 Existe una alianza curiosa entre la espacialidad y la
indeterminación por un lado y el alejamiento y el color por otro. Estos
aspectos de la visión infanti nos orientan en las diversas formas de la
visión estética del adulto. La estética natural existe en el espacio
independiente del arte y anterior a él.
La naturaleza resulta un pintor infalible en tanto se relaciona en el
orden de las formas y los colores con la modalidad de la visión infantil.
El espacio y los contornos son vaporosos sin contornos netos, sin
localización definida. Pocas veces en la vida adulta encontramos reales
de este tipo, pero cuando sucede emociona, ofrece resonancias
estéticas.

Clase 7:

GESTALT

Explique frase “todo es mas que la suma de las partes”

Caract de las leyes particulares -son 4
Cuales son las leyes generales-son 2

Explique porque el todo es mas que la suma de las partes?

El cerebro percibe totalidades en forma de configuraciones, lo percibido
deja de ser un conjunto de manchas y se torna en un todo coherente.
Asi, cada parte pierde el valor que tiene en el contexto. Algunas partes
no son percibidas. Por eso el todo es mas.

Características de las leyes de la Gestalt:

Noactuan en modo independiente, aunque se las enuncie por separado
actúan simultáneamente creando resultados difíciles de diferenciar. Se
ajustan a las variables del tiempo y el espacio (subjetividad) y son
sensibles al aprendizaje.

Leyes particular de la Gestalt:

• Ley de cierre o de la completud: las formas acabadas y cerradas
son mas estables
• ley de contraste: la posición relativa de los diferentes elementos
incide sobre la atribución se cualidades.
• ley de proximidad: los elementos tienden a agruparse con los que
se encuentran a menor distancia
• ley de similaridad: los elementos que son similares tienden a ser
agrupados
• ley de continuidad: los elementos son conectados a través de
lineas imaginarias en lugar de ver puntos o grupos de puntos.
• ley de movimiento comun o destino común: los elementos que se
desplazn en la misma dirección tienden a ser vistos como un grupo.

Leyes generales o principios de la Gestalt:

• figura y fondo, figura es lo que resalta y se destaca en su relacion
con otros elementos y fondo es todo lo demás
• buena forma, los elementos son organizados en figuras lo mas
simples que sea posible. Simétricas y regulares.

1- El todo es mas que la suma de las partes; axioma de la gestalt

la combinacion de las partes, en el conjunto, aparecen plus que hace
que el todo sea mas que la suma de las partes, tiene que ver la
percepcion y en cuanto a las cuestiones del conocimiento. La gestalt
dice que tiene que ver con la percepcion del todo y en donde hay un
plus de ganancia.

2- Cuales son las caracteristicas de las leyes de la gestalt?

-actuan simultaneamente
-se ajustan a variables tiempo espacio
-funcionan en simultaneo
-se pueden aprender
dos leyes generales
-figura y fondo, la figura es el elemento que resalta y el fondo es todo lo
demas
-buena figura
explicacion chiquita del texto de leone
( importante diferenciar generales de particulares y poder explicar c u )

Atención-Percepción-Imagen-Imaginación Reproductora e Inventora-El

sujeto y la percepción
 La percepción de cualquier persona se encuentra muy ligada a la
atención. Es decir que la actividad cognitiva que comienza con la
percepción probablemente no tendrá continuidad si no se activa el
proceso atencional.
Esta diferencia se manifiesta cuando decimos que no es lo mismo
“ver” que “mirar”. Es decir que la percepción se diferencia de la
atención, porque esta última implica una cierta intencionalidad.
Se define la atención como un mecanismo que pone en marcha
una serie de procesos u operaciones gracias a los cuales somos más
receptivos a los sucesos del ambiente y llevamos a cabo una gran
cantidad de tareas de forma más eficaz.
La atención humana es un fenómeno complejo y puede ser de
varios tipos. Se han hechos clasificaciones de las distintas modalidades
de la atención según diferentes criterios. Así, se distingue entre atención
selectiva o dividida, según atendamos a un solo conjunto de estímulos o
a varios al mismo tiempo.
Por ejemplo, usamos una atención dividida cuando escuchamos
música y estudiamos a la vez. En el caso de una atención selectiva,
atendemos a una cosa después de la otra, primero estudiamos y
después escuchamos música. Según el objeto, la atención se puede
dirigir a aspectos externos a nosotros mismos, pero también a
cuestiones internas (sensaciones internas) o que tengan que ver con
nuestros recuerdos o sentimientos.
Las modalidades sensoriales implicadas en la atención suelen ser
la visual y la auditiva. Pero también podemos atender en relación con
otras modalidades sensoriales como el gusto, el olfato, el tacto.
La atención, al igual que la percepción puede ser voluntaria o
involuntaria. Esta última es la atención que se produce en forma
automatizada.
Por último, se pueden distinguir entre atención consciente o no
consciente, según esté presente o no la consciencia en el acto
atencional.
La atención tiene relación con los procesos cognitivos
(percepción, memoria, inteligencia) y afectivos (motivación, emoción) y
ejerce una función de control sobre ellos.
 Algunas de las funciones de la atención son:

Aumentar la posibilidad de recibir los estímulos

Contribuir a una objetivación de la realidad externa e interna
Facilitar el funcionamiento de otros procesos psicológicos
Contribuir a ejecutar las tareas que encontramos en la interacción con la
realidad

En síntesis la atención es un proceso de carácter intencional que nos

permite controlar y organizar las demás funciones cognitivas.

IMAGEN Y PERCEPCIÓN

Para hablar de imaginación, debemos hablar de imagen. La imagen es

la representación de un objeto en ausencia de este, o también la
representación de un objeto anteriormente percibido.
La imagen es un estado secundario ya que depende de un estado
primario que es el dato sensorial que nos da la percepción.
La actividad de la imaginación puede manifestarse al servicio de la
conducta intelectual o de la conducta afectiva. En el primer caso, es
soporte en la elaboración de los conceptos y está ligada a la percepción
y a la memoria. Ligada a la inteligencia llegan a sus manifestaciones
más complejas en la invención y en la creación artística.
En el área afectiva, la imaginación cumple un papel expresivo, a través
de ella el objeto demuestra sus deseos, sus motivaciones, sus
conflictos. Combina y transforma las imágenes como para expresar
libremente sus afectos. Las formas en que esta actividad aparece son:
las fantasías, los sueños, la imaginación colectiva.

IMAGINACIÓN REPRODUCTORA E INVENTORA:

La imaginación reproductora es aquella que se limita a reproducir la

sensación o percepción que hemos vivenciado y que ahora se
encuentra ausente.
Pero la imaginación no se limita a reproducir un objeto anteriormente
percibido, sino que es capaz de combinar dos o más imágenes y
producir representaciones mentales que no tienen objetos reales
correlativos, este tipo de imaginación es “creadora”. Es decir que la
imaginación creadora es la capacidad de producir imágenes
provenientes de datos sensoriales, construyendo mentalmente
conjuntos que no hemos conocido por nuestros sentidos.

El sujeto y la percepción

La comunicación visual implica tres factores indisociables: el ver, el

representar (hacer visible), el interpretar (el saber). La comunicación
visual implica una reflexión sobre los propios saberes como productor y
sobre los saberes de los espectadores, es decir una reflexión sobre la
cultura visual que cada representación pone en juego. Por cultura visual
entendemos el entramado de códigos que regulan los comportamientos
físicos y mentales sobre lo visible.
Schnaith distingue tres planos de codificación en una cultura visual: el
plano perceptivo, el representativo, el cognitivo. Estos planos están
vinculados entre sí por una dialéctica de transformaciones mutuas y
recíprocas.
En el proceso social, los cambios que afectan a cualquiera de
estos órdenes repercuten en los otros. Por ejemplo las transformaciones
en el terreno de las artes que implicaron el impresionismo o la difusión
de la imagen fotográfica y ahora la imagen digital (plano representativo),
generaron una nueva forma de percibir (plano perceptivo), la
interpretación psicoanalítica de los sueños realizada por Freud (plano
cognitivo) influyó en la iconografía surrealista (plano representativo), la
nueva sensibilidad en relación con la percepción del cuerpo y de los
sentidos favorecen otras formas de saber.
La percepción en la comunicación visual es el punto de encuentro
y de choque de las teorías culturales que interpretan la percepción como
un proceso simbólico de construcción de significados y de las teorías
empiristas de la percepción, que buscan establecer las leyes naturales
de la percepción humana.
El objeto de la percepción nunca es un objeto abstracto sino un
objeto culturalmente coordenado, es decir significado por la cultura. Por
lo tanto, se lo percibe dentro de un campo de significaciones en el que
se destaca como figura.
 El sujeto de la percepción nunca es una tabla rasa donde se
imprimen los estímulos provenientes del exterior. En el acto de mirar, el
sujeto siempre es activo y pone en juego múltiples aprioris: pulsiones,
representaciones inconscientes, supuestos culturales, ideologías,
estereotipos cognitivos, experiencia personal. El acto de mirar nunca es
simple, es una actividad compleja donde todos los factores intervienen
de diversas maneras: superponiéndose, interfiriéndose.
Toda experiencia perceptiva será captada según la estructura
perceptiva que cada cultura elabore. Hoy se dice que los hombres que
pertenecen a culturas diferentes no sólo hablan lenguas diferentes sino
que habitan mundos sensoriales diferentes.
Gombrich dice “no hay ojo inocente”. Goodman señala “El ojo
llega siempre viejo a su obra, obsesionado por su propio pasado, por
viejas y nuevas sugerencias del oído, de la nariz, de la lengua, de los
dedos, del corazón y del cerebro…El ojo selecciona, excluye, organiza,
discrimina, asocia, clasifica, analiza, construye… nada se ve
desnudamente o desnudo”.
El ojo siempre llega a su tarea cargado de un “saber” complejo y
como configuración cultural de la sensibilidad.
En la mirada inmediata, se cuelan numerosos pre-juicios de orden
personal, histórico, cultural.
Se trata de un saber construido a lo largo de la historia personal,
que se ha ido acumulando no de forma sistemática en la consciencia y
en la sensibilidad, al que contribuyen los procesos históricos, los
cambios sociales, las revoluciones históricas, etc.
La mirada está socialmente informada, conformada por la cultura y
determinada por la historia personal del que mira.
CLase 8:
ANZIEU.

1- Cuáles son las 5 fases del proceso creador?

a- El sobrecogimiento creador: este estado es necesario que se

produzca en el momento oportuno de una crisis interna, generalmente
se trata de una contingencia de lo real que marca un antes y un
después en la vida del sujeto. Se produce una disociación del Yo
temporal, la cual es aprovechada por el artista para crear.Esto es algo
que el artista hace a solas.

b-toma conciencia de los representantes psíquicos inconscientes, estos

representantes forman nexos Aquí es necesario la presencia de un
interlocutor que sirva de

c-Instituir un código y hacer que tome cuerpo. Bajo la jurisdicción del Yo

Ideal, relaciona esos representantes del material inconciente formando
un código que por un lado decodifica ciertos datos de la realidad del
sujeto y por otro lado codifica permitiendo generar una obra original.
Escribir el codigo, y elegir el material, con el cual voy a producir la obra.
3 formas
-proyeccion del cuerpo propio
-
-

En esta fase se pone a prueba, bajo el ideal del yo

d-Es una formacion de compromiso, el que rige la obra, es el super yo,

es quien. Hay conflictos de intereses por eso es necesario el
superyo.esta mediando y esta acreditando tambien si esta bein
e- produce efectos en el espectador o en el artista o en ambos, y
cuando conmueve, puede producir un quiebre y esto puede derivar en
un nuevo proceso creador
-
El Trabajo creador
Anzieu hace un análisis del proceso creador y dice que el trabajo de la
creación artística pasa por cinco fases cada una de estas tiene
características particulares:
1- El sobrecogimiento creador: este estado es necesario que se
produzca en el momento oportuno de una crisis interna, generalmente
se trata de una contingencia de lo real que marca un antes y un
después en la vida del sujeto. Se produce una disociación del Yo
temporal, la cual es aprovechada por el artista para crear.
2- El sobrecogimiento creador: este estado es necesario que se
produzca en el momento oportuno de una crisis interna, generalmente
se trata de una contingencia de lo real que marca un antes y un
después en la vida del sujeto. Se produce una disociación del Yo
temporal, la cual es aprovechada por el artista para crear.
3- Instituir un código y hacer que tome cuerpo. Bajo la jurisdicción del
Yo Ideal, relaciona esos representantes del material inconciente
formando un código que por un lado decodifica ciertos datos de la
realidad del sujeto y por otro lado codifica permitiendo generar una obra
original.
4- La composición propiamente de la obra: Este trabajo es una
formación de compromiso en la que intervienen restos inconcientes con
material conciente y solo puede llevarse a cabo con el apoyo del
Superyo: el estilo utiliza la estrategia propia de los mecanismos de
defensa inconscientes; los pentimenti, los retoques, las variantes, la
consulta de documentación, etc.
5- Presentar la obra al público: la obra de arte produce efectos sobre
aquel que la contempla estimula la fantasía conciente, desencadena
sueños, acelera un trabajo de duelo, promueve un trabajo de creación,
de tal forma en algunas ocasiones el círculo se cierra sobre sí mismo.

El común de los hombres no dispone de este abanico de posibilidades

de funcionamiento. Fracasa al recorrer el ciclo completo. El artista tiene
la capacidad de cambiar varias veces de registro de funcionamiento
durante el curso de trabajo de creación y de mantenerse en el mismo
registro tanto como sea pertinente. Ello supone cierta libertad de juego
entre subsistemas psíquicos bien diferenciados y bien afirmados.

ANZIEU
5 fases del trabajo creador:

1. Sobrecogimiento creador: división del yo, una parte se mantiene

consciente, en la realidad y la otra se sumerge al inconsciente. Tiene
una capacidad de tolerar la angustia, esta fase es en soledad.

2. Toma de conciencia de los representantes psíquicos

inconscientes, la parte del yo que fue en busca de lo inconsciente en la
fase 1, posiciona lo que trajo en la consciencia. Los representantes se
asocian y forman nexos con otros representantes

3. Instituir un código y elegir un material con el cual se va a producir

la obra, se materializa, toma cuerpo.

4. La composición propiamente dicha de la obra: formación de

compromiso en la que intervienen restos inconscientes con el material
consciente, se lleva acabo con el apoyo del super yo, quien media y
acredita la posibilidad de hacer lo que estamos haciendo.

5. Presentacion de la obra al publico: produce efectos en el

espectador y en el mismo artista, genera cosas. Conmueve y puede
producir un nuevo quiebre que puede llevar a un nuevo proceso creador,
ya sea del mismo artista o de otra persona espectante. El circulo se
cierra sobre si mismo