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Nombre: Maman
Autor: Louise Bourgeois
Fecha: París, 1911–Nueva York, 2010
Técnica: Escultura
Manifestación artística:

La escultura consiste en una colosal araña de acero de casi 9 metros de altura, que porta
un saco con 10 huevos de mármol en su vientre; su abdomen y su tórax están hechos de
bronce acanalado. Esta es la mayor de una serie de esculturas que Bourgeois creó
basándose en la araña, un qmotivo que plasmó por vez primera en 1947 en un pequeño
dibujo de tinta y carboncillo.

“La araña es una oda a mi madre. Ella era mi mejor amiga. Como una araña, mi madre era
una tejedora. Mi familia tenía un negocio de restauración de tapices y mi madre estaba a
cargo del taller. Como las arañas, mi madre era muy lista. Las arañas son presencias
amistosas que se comen los mosquitos. Sabemos que los mosquitos propagan
enfermedades y son por ello indeseables. De esta forma, las arañas son útiles y
protectoras, como mi madre”.—Louise Bourgeois

1. Los detalles que nos impresionó es como se sostiene pues las patas de la escultura
parecen ser muy delgadas.
2. Parece que las patas tienen músculos humanos
3. Nos pareció increíble como la artista incluye todos los elementos sin que se vea
sobresaturado y como detrás del contexto hace que tenga sentido.
Se puede decir que la obra es 50% figurativa y 50% abstracta, pues a primera vista lo que
podemos ver es una araña pero después de observar con atención no podemos dar cuenta
que en realidad tiene demasiados detalles que son difíciles de descifrar.

Hablando de iconografía lo único que pensamos fue en los huevos demostrando así que se
trata de una madre.

https://www.guggenheim-bilbao.eus/aprende/mundo-escolar/guias-para-educadores/mama

Nombre - Flag-raising on Iwo Jima

Autor - Joe Rosenthal
Fecha - 23 de febrero del 1945
Técnica - Fotografía análoga.
Manifestación artística - Fotografía

- Esta foto tomada el 23 de febrero de 1945 ganó el "Pulitzer Prize" un premio

otorgado por la Universidad de Columbia, este premio reconoce el rodaje, literatura y
composición musical de los Estados Unidos.

- El autor Joe Rosenthal al no poder unirse al ejército debido a una pobre visión,
decidió convertirse en fotógrafo de guerra, esto lo llevó a estar en el el monte
Suribachi en Japón, Iwo Jima; donde tomó una de las fotos más famosas y
reconocidas de la WWII.

- Esta foto fue utilizada como la imagen central de una campaña que recaudó $26
millones de dólares antes de que la WWII terminará el 11 de Julio del 1945, y 9 años
despues se convirtio en el modelo del "Marine Corps War Memorial" en Arlington,
Va; donde se creó una estatua réplica de la foto original.

La obra es figurativa ya que no hay mucho a interpretación propia, es una imagen que con
verla ya te puedes dar una idea de lo que está pasando y cual es su contexto

El contexto histórico de esta obra es la WWII, la guerra más grande y devastadora de toda
la historia de la humanidad donde cada país del mundo fue involucrado de una forma u otra,
el contexto geográfico es la batalla de Iwo Jima, una batalla importante de la WWII en
donde la United States Marine Corps (USMC) y la United States Navy (USN) capturó la isla
y derrotó al imperio Japonés.

El trasfondo político/económico de la obra obviamente es la WWII, el movimiento bélico

más sangriento de nuestra historia, la demarrar era de sangre más grande del mundo, y
batallas que dejarian una cicatriz por el resto de nuestra historia.

Lo que pretende el autor con esta obra es reflejar el deseo de que la gran guerra termine,
como los soldados se tropiezan sobre sí mismos para reclamar la victoria, demuestra que la
mayor victoria no era resultar encima del enemigo para los soldados, sino que la verdadera
victoria era terminar la guerra y regresar a casa con los seres queridos.

La iconografía de la obra consiste en la bandera de los Estados Unidos, un símbolo de

valentía. lealtad y honor, junto con una promesa de riqueza y salud; también encontramos a
los soldados a quienes relacionan con la sensación de sentirse atrapado pero realmente lo
que representa esta obra es el orgullo y honor que sienten los soldados al reclamar la
victoria y por fin ver la oportunidad de regresar a casa cada vez más cerca.

Nombre: St. Denis

Autor: Edouard-Leon Cortés
Año de creación: 1905
Técnica empleada: Pintura
Manifestación artística:

- La obra utiliza colores fríos en la mayoría de lugares, haciendo que la obra se sienta
gris o invernal, en ciertos lugares utiliza colores cálidos, simulando la luz, el calor y
de cierta forma vida. Pues donde hay luz, y calor hay mucha gente, como pudimos
apreciar
- utiliza una técnica como de pinceladas rápidas en la gente, simulando el movimiento,
al igual que en el reflejo de la Luz en el suelo, como el movimiento del agua sobre el
pavimento

- me parece una obra muy interesante como nada es nítido y claro, es un poco
borrosa pero a la vez puedo identificar cada pieza en la obra,no hay detalle en los
rostros de la gente, ni en ningún lugar en particular, pero reconozco todo y me
genera una sensación placentera mirar la obra, no es difícil identificar los elementos.
Es casi como si estuvieras caminando a algún lugar y de reojo ves esto. Es increíble

● La obra es figurativa porque tiene detalles que se pueden apreciar perfectamente,

incluso se puede admirar el tipo de clima que está reflejado en la pintura.

● Contexto histórico
Cortés reflejaba en sus pinturas los cambios que tuvo París en el periodo llamado La Belle
Époque que duró aproximadamente desde 1880 hasta 1914. Dando así la época con un
ideas revolucionarias, reflejando cambios dramáticos.

● Lo que pretende el autor con esta obra es reflejar todos los cambios que ha tenido
paso durante la época dorada, pintó sus diferentes climas y horarios, también en sus
diferentes obras puedes identificar cómo han cambiado los medios de transportes, la
vestimenta y las farolas de gas se convierten en letreros.

https://millerfenwood.com/2020/01/21/edouard-cortes-porte-st-denis/amp/