Historia del Arte en la Edad Moderna

Listado de obras de arte importantes para el examen

Tema 1. Viejos ropajes para nuevos tiempos. Renacimiento en Italia

Cúpula de Santa María de las Flores es una obra arquitectónica de Filippo

Brunelleschi que ubicamos en el Renacimiento italiano durante el Quattrocento
y que actualmente se encuentra en Florencia. En cuanto a sus características, se
alza sobre un tambor octogonal de piedra revestido de placas de mármol con un
óculo en cada uno de sus lados. La cúpula en sí, cuyas ocho caras están cubiertas
de tejas rojas planas, tiene un aspecto esbelto gracias a su perfil apuntado y en
la unión de sus nervios aparece una linterna como punto de fuga y con volutas.
Además de inspirarse en los sistemas de construcción romanos y en la tradición gótica, se convirtió en
el referente visual para la ordenación urbanística de la ciudad, en símbolo de una nueva arquitectura y
unificó y centralizó el espacio del edificio. Finalmente, con respecto a su autor, además de realizar
otras obras como la Capilla Pazzi, fue considerado el padre de la perspectiva lineal y un genio
ingeniero tras realizar esta obra, además que sigue siendo una de las figuras más importantes de la
historia de Florencia y uno de los padres fundadores del Renacimiento italiano.

Fachada de Santa María Novella es una obra arquitectónica de Leon

Battista Alberti que ubicamos en el Renacimiento italiano durante el
Quattrocento y que actualmente se encuentra en Florencia. En cuanto a
sus características, es una fachada, a modo de telón delante de una iglesia
gótica, que presenta un cuadrado que se utiliza como módulo para las
proporciones y tiene una escala menor en el cuerpo inferior de la fachada. Además, es importante
resaltar la taracea de mármoles de colores como recurso cromático con el que expresa esa armonía
entre las partes y el todo, las columnas se utilizan con un sentido ornamental, el frontón y la entrada
son otros elementos clásicos y, definitivamente, los dos aletones consiguen otorgar la armonía entre el
cuerpo ancho inferior y el cuerpo estrecho superior. Finalmente, con respecto al autor, además de
realizar otras obras como el Palacio Rucellai, destacó como genio renacentista en todas las artes y por
imitar a una naturaleza cuya ley perfecta y principal es la armonía frente al caos social, basándose en
cálculos matemáticos y geométricos para obtener la máxima armonía y proporción.

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 Templete de San Pietro in Montorio es una obra arquitectónica de
Donato Bramante que ubicamos en el Renacimiento italiano durante
el Cinquecento y que actualmente se encuentra en la Academia de
España en Roma. En cuanto a sus características, presenta órdenes
griegos y una forma redonda y perfecta que toma como referencia de
un Tholos de la Antigüedad Clásica, aunque se le añade una cúpula
(muy importante como elemento que da prestigio a la obra) y una
linterna gracias a los avances tecnológicos. También hay que saber
que las columnas entre sí no tienen la misma distancia, aunque hacen
el efecto de simetría. Como dato curioso, esta obra, que se considera
española en suelo español, fue pagada por los Reyes Católicos y hecha donde San Pedro fue
martirizado, que además tuvieron en cuenta el tema de las luces y solsticios. Finalmente, con respecto
a su autor, además de realizar otras obras como la Basílica de San Pedro del Vaticano, destacó por ser
el mayor arquitecto de su época y por crear espacios armoniosos y proporcionados, además de jugar
con la perspectiva y la profundidad.

Villa Capra “La Rotonda” es una obra

arquitectónica de Andrea Palladio que ubicamos
en el Renacimiento italiano durante el
Cinquecento y que actualmente se encuentra en
Vicenza. En cuanto a sus características, cada
una de las cuatro fachadas se articula a partir de
unas escalinatas pronunciadas que conducen
hacia un pórtico de seis columnas de orden
jónico, con el entablamento correspondiente y un frontón triangular rematado con una estatua en cada
vértice, además de que en el centro del edificio se levanta la cúpula que cubre la sala circular central
de la mansión. Dicha arquitectura está sobre una planta simétrica en forma de cruz griega, por el hecho
de que al cuadrado de la construcción se añaden cuatro pórticos. Con esta obra, Palladio reprendió el
estilo arquitectónico de los templos romanos y lo aplicó a edificaciones civiles, iniciando así la
recuperación de las antiguas villas romanas; se toma como referencia para próximas y en el interior
hay salas temáticas. Finalmente, con respecto a su autora, además de realizar otras obras como la Villa
Foscari, destacó por diseñar villas a medida y casas de campo para los aristócratas del noreste de Italia,
con la simplicidad y la simetría en el centro de cada creación.
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 Gattamelata es una obra escultórica de Donatello que ubicamos
en el Renacimiento italiano durante el Quattrocento y que
actualmente se encuentra en la Plaza del Santo en Padua. En
cuanto a sus características, está inspirada en la Estatua ecuestre
de Marco Aurelio del siglo II y refleja al general en el momento
de pasar revista a las tropas conteniendo la fogosidad del caballo
con las bridas y llevando en su otra mano el bastón de mando, así
que demuestra grandeza, ya que solo se representaban a caballo a los emperadores. En general, la
composición tiene un ritmo ondulado marcado por algunas partes del caballo como la cola o la cabeza
y este ritmo se equilibra con la vertical del condottiero y la diagonal del bastón de mando. Además,
muestra serenidad, pero también como herencia del retrato romano un gesto serio y autoritario y, por
tanto, tiene una función funeraria-propagandística. Finalmente, con respecto a su autor, además de
realizar otras obras como David, destacó por su fuerza innovadora en el campo de la escultura
monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro
de un plano mínimo, denominándose stiacciato.

Tercera Puerta del Paraíso es una obra escultórica de Lorenzo Ghiberti

que ubicamos en el Renacimiento italiano durante el Quattrocento y que
actualmente se encuentra en el Baptisterio de la Catedral de Florencia.
En cuanto a sus características, cada panel combina escenas en alto y
bajo relieve en los que se ha combinado diferentes efectos de luz que
inciden sobre las figuras. Las escenas en primer plano resaltan lo
suficiente como para que podamos apreciar su rango jerárquico dentro
de la composición y las posiciones de cada figura, aunque lo que más destaca es la articulación de las
más adelantadas con el fondo paisajístico de cada escena. Las distintas texturas permiten apreciar la
cercanía o lejanía de los distintos elementos en una sucesión infinita de planos, utilizando además la
perspectiva lineal y desarrollando la aérea. Todo esto surge tras un concurso en el que se debía
continuar el trabajo hecho por Andrea Pisano en el siglo XIV y someterse al modelo precedente
respetando la estructura de relieves organizados en pequeñas escenas enmarcadas por una moldura
gótica, y es así como Ghiberti ganó representando el Sacrificio de Isaac. Finalmente, con respecto al
autor, además de realizar otras obras como la Segunda Puerta, destacó por mantener un vínculo entre
el arte medieval-antiguo, por lo que siempre se reconoce la abstracción gótica en su obra y también
sobresalió en la orfebrería.

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 David es una obra escultórica de Miguel Ángel que ubicamos en el
Renacimiento italiano durante el Cinquecento y que actualmente se encuentra
en la Galería de la Academia en Florencia. En cuanto a sus características, se
trata de una pieza que pretendía dialogar con la tradición de las figuras
simbólicas que habían realizado Donatello y Verrocchio y como insignia para
el palacio. A grandes rasgos, representa a David con una honda en la mano
para alentar al que gobernase la ciudad a defenderla y regirla con el mismo
ímpetu con el que David protegió a su pueblo frente a Goliat. Con un tamaño colosal, se muestra un
profundo conocimiento de la estatuaria antigua en el trabajo preciso de la anatomía humana, en el
cálculo de las proporciones, en la posición general de la figura y en la misma formulación del desnudo.
Además, el contraste entre la serenidad y la idealización del rostro y la tensión y la definición
anatómica de las manos apunta a la acentuación de la vocación expresiva y dramática de los medios
formales. De hecho, la cuestión está especialmente presente en la mano en descanso, pues en ella no
había necesidad de representar la tensión de los músculos y las venas, salvo que con ello se quisiera
anticipar la acción posterior. Por tanto, la escultura enseña por un lado la culminación del proceso de
reconstrucción de los modelos clásicos del Quattrocento y una primera apertura a los nuevos del
Cinquecento. Finalmente, con respecto al autor, además de realizar otras obras como Frescos de la
Capilla Sixtina, destacó como genio renacentista en todas las artes, realizó estudios anatómicos para
reflejar idealmente el cuerpo humano, sus obras están dotadas de una gran fuerza física y espiritual
donde avanza hacia el manierismo con la inclusión del movimiento y la terribilità.

La Trinidad es una obra pictórica de Masaccio que ubicamos en el

Renacimiento italiano durante el Quattrocento y que actualmente se
encuentra en la Iglesia de Santa María Novella en Florencia. En cuanto a sus
características, se ve desarrollado el sistema perspectívico y una capacidad
enorme para convertir el muro en un entorno tridimensional con una
profundidad notablemente delimitada por la arquitectura, así como ofrece
una imagen simbólica de arco triunfal y una determinación precisa del
espacio y un marco adecuado para las figuras religiosas gracias a la bóveda de cañón. Destaca un punto
de vista bajo que otorga monumentalidad a la representación en San Juan Evangelista y la Virgen,
mientras que el Crucificado y Dios tienen uno frontal; así aumenta la cercanía emocional de estas
figuras con el público. Finalmente, con respecto a su autor, además de realizar otras obras como El
tributo de la moneda, destacó por conseguir la perspectiva matemática heredada por Brunelleschi,
creando así un efecto ilusionista que se pondrá muy de moda en el Barroco.
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 La Gioconda es una obra pictórica de Leonardo da Vinci que ubicamos en el
Renacimiento italiano durante el Cinquecento y que actualmente se encuentra
en el Museo del Louvre en París. En cuanto a sus características, se trata de
un óleo sobre tabla donde emplea las líneas para constituir formas cerradas y
así representar más fácilmente la figura femenina, cuenta con una perspectiva
aérea donde lo lejano está más difuminado que lo delantero y un naturalismo
idealizado con un conocimiento sobre la anatomía humana. Además de que
se aprecia el claroscuro y la técnica del sfumato en los contornos de los ojos o la boca, es un arte
figurativo en el que no se busca el movimiento, cuenta con una técnica minuciosa en la que es
imposible distinguir la individualidad de las pinceladas y se divide en dos planos: el primero es la
dama sentada en un sillón y el segundo, aunque parece que se funden, es un paisaje inspirado en los
Alpes de cuando Leonardo viajó. Ya por último, hay que destacar la misteriosa sonrisa de la mujer, la
mirada que parece que te sigue, el modelado diáfano y la diferente sensación que produce el horizonte,
pues si lo miras desde la izquierda parece más bajo que en el derecho, haciéndola así más o menos
erguida. Como dato curioso, este retrato individual muestra a la esposa de Francesco del Giocondo
quien hizo el encargo, pero también se dice que podría ser un autorretrato de da Vinci travestido o una
amante de un miembro Médicis. Finalmente, con respecto al autor, además de realizar otras obras
como La última cena, destacó por ser un actor fundamental en la transición del Quattrocento al
Cinquecento italiano, además de que fue un “uomo universale” e influyó considerablemente en
posteriores maestros del arte, pues aunque comenzó similar a Andrea del Verrocchio con rigidez y
dureza, evolucionó hacia un estilo más libre, de modelado más suave en el que incluyó efectos
atmosféricos. Robos + actual protección; muchas copias; fondo negro; comparación con el Prado;
importancia.
Frescos de la Capilla Sixtina es una obra pictórica de
Miguel Ángel que ubicamos en el Renacimiento italiano
durante el Cinquecento y que actualmente se encuentra en el
Vaticano. En cuanto a sus características, está dividida en nueve paneles que representan las escenas
del Génesis y las figuras están influenciadas por la perspectiva escultórica del artista y también se
percibe la importancia del dibujo, al igual que el conocimiento de la anatomía humana, así como
movimiento y una gran energía; crea una arquitectura fingida. Finalmente, con respecto al autor,
además de realizar otras obras como David, destacó como genio renacentista en todas las artes, realizó
estudios anatómicos para reflejar idealmente el cuerpo humano, sus obras están dotadas de una gran
fuerza física y espiritual donde avanza hacia el manierismo con la inclusión del movimiento y la
terribilità.
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 Carlos V vencedor en Mühlberg es una obra pictórica de Tiziano que
ubicamos en el Renacimiento italiano durante el Cinquecento y que
actualmente se encuentra en el Museo Nacional del Prado en Madrid. En
cuanto a sus características, está inspirada en la Estatua ecuestre de Marco
Aurelio del siglo II y representa al emperador que conquistó casi todo el
mundo católico conocido hasta la época, momentos antes de la victoria
contra los príncipes protestantes de Alemania y los Países Bajos que se habían aliado contra el dominio
imperial. El autor dota a la imagen de un aura casi sagrada y con un gesto determinado, además de que
podemos apreciar su colorido característico con los rojos y ocres, un tratamiento especial en la
armadura con los brillos y en el paisaje con una gran variedad de tonos y matices, una atmósfera de
serenidad gracias a la luz del atardecer, un ritmo estático y una expresión idealizada del emperador
como propaganda. Además, con esta obra inaugura un género que triunfó en el Barroco: el retrato real
a caballo. Como dato curioso, la armadura está en el Real Museo de armas de Madrid y, de hecho,
Tiziano tuvo acceso a ella en directo o a través de otra pintura; es una obra con suficiente fuerza que
no necesita mostrar la guerra para expresar su triunfo. Finalmente, con respecto a su autor, además de
realizar otras obras como Dánae recibiendo la lluvia de oro, destacó por su pincelada decidida,
enérgica y muy expresiva, convirtiéndose en el miembro más destacado de la Escuela Veneciana y
manejó como nadie las composiciones asimétricas y sin jerarquía.

Retrato de Felipe II es una obra pictórica de Sofonisba Anguissola que

ubicamos en el Renacimiento italiano durante el Cinquecento y que
actualmente se encuentra en el Museo Nacional del Prado en Madrid. En
cuanto a sus características, la autora ha conseguido eliminar todo el
aparato del retrato de corte que se centraba en los elementos simbólicos
que rodeaban la figura, pues ahora se centra en la cara y las manos del
rey que destacan sobre el fondo, además de que presenta el modelo
clásico de retrato regio español. Sin embargo, corta la figura a la altura
de la cintura y el sillón apenas aparece, además de que la mano del rey
que se apoya en el sillón originalmente tocaba el Toisón de oro que cuelga de su pecho y fue modificada
para que hiciera pareja con otro retrato de Ana de Austria. Definitivamente, destaca la luz para resaltar
todos los elementos simbólicos, pero evitando la rigidez escenográfica que se había impuesto.
Finalmente, con respecto a su autora, además de realizar otras obras como Retrato de Isabel de Valois
con un retrato en miniatura de Felipe II, destacó evidentemente por los retratos en los que incorporó
su propia formación italiana y su sensibilidad para crear un tipo más cercano y sencillo en el que
destacó el detalle religioso íntimo; el tema religioso era el único que como mujer podía tratar en sus
obras, además de que se tuvo que autorretratar así misma como pintora para reivindicarse en la
sociedad.

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Tema 2. Arte y mecenazgo. Renacimiento en España y Europa

Palacio de Carlos V es una obra arquitectónica de

Pedro Machuca que ubicamos en el Renacimiento
europeo en España en el siglo XVI y que actualmente
se encuentra en Granada. En cuanto a sus
características, se trata de un edificio como símbolo de
poder al ser nieto de los reyes católicos y su forma
circular es característica de la acústica para las celebraciones. Presenta una planta cuadrada cuya
fachada está hecha con un almohadillado, usado en las casas señoriales de Italia y propio del
renacimiento italiano. Esta casa-fortaleza que mira hacia dentro tiene el patio de arriba dórico y el de
abajo jónico, además de que le pusieron una iglesia al lado como demostración del poder. Finalmente,
con respecto al autor, esta fue su única pieza arquitectónica pero realizó otras pictóricas como Cristo
muerto y destacó por ser uno de los artistas responsables que introdujeron el Renacimiento italiano en
suelo español.

Monasterio de El Escorial es una obra arquitectónica de Juan

de Herrera y Juan Bautista de Toledo que ubicamos en el
Renacimiento europeo en España en el siglo XVI y que
actualmente se encuentra en Madrid. En cuanto a sus
características, se trata de una emulación de les châteaux que
Felipe II quería conseguir para concentrar a la Corte y reflejar
su tipo de monarquía. Este gran proyecto político-
arquitectónico ha sido concebido como monasterio, panteón
real, biblioteca, iglesia y palacio, además de relacionarse con el estilo Herreriano por Juan de Herrera.
Además, este edificio, que fue centro de las artes y defensor del catolicismo contra las herejías, tiene
forma de parrilla para conmemorar el martirio de San Lorenzo. Finalmente, con respecto a los autores,
además de realizar otras obras como los planos del Archivo General de Indias o el Alcázar de Madrid,
respectivamente, destacaron por su estilo arquitectónico y decorativo, y por sus principios humanistas
y colaboración con grandes como Miguel Ángel, respectivamente.

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 El Entierro de Cristo es una obra escultórica de
Juan de Juni que ubicamos en el Renacimiento
europeo en España en el siglo XVI y que
actualmente se encuentra en el Museo Nacional de
Escultura en Valladolid. En cuanto a las
características, se trata de una representación
teatral donde el autor consigue que el mensaje de Cristo se vea más cercano, además de que presenta
la técnica del estofado. Pensado para ser visto de frente, se compone de seis figuras dispuestas en torno
al Cristo yacente, distribuidas simétricamente en torno a un eje que divide el grupo de la Virgen y San
Juan, de forma que el movimiento y actitud de una figura es contrarrestado en el lugar opuesto por otra
similar, estando sus posiciones condicionadas a conseguir una visión completa y frontal del conjunto.
La figura de Cristo está calificada de laocontesco, acusa una honda expresividad y el resto de los
personajes expresan su reacción ante el cadáver, mientras que uno de ellos se dirige hacia el espectador;
en general, los rostros muestran sufrimiento. Finalmente, con respecto al autor, además de realizar
otras obras como la Virgen de las candelas, destacó evidentemente por reflejar un dramatismo muy
acentuado y tratar los ropajes con la intención de conseguir volumen y pliegues.

Galería de Francisco I es una obra de Rosso y Primaticcio

que ubicamos en el Renacimiento europeo en Francia en el
siglo XVI y que actualmente se encuentra en el Palacio de
Fontainebleau en Francia. En cuanto a sus características,
se trata de un sistema decorativo con altos zócalos de
madera sobre los que se distribuyen los famosos estucos con
pinturas y que supone un nuevo planteamiento de la
decoración de interiores. De hecho, la superficie de la pared
queda oculta tras la variada decoración en torno a Francisco
I. Se puede apreciar de manera particular, pero también desde una perspectiva aguda. Por otro lado, en
pro de la exaltación del Estado y de la Monarquía, se decora en paralelismo de su propia trayectoria y
las historias de dioses y héroes. Finalmente, con respecto a los autores, además de realizar otras obras
como Ángel músico o Ulises y Penélope, respectivamente, destacaron por desarrollar el primer
manierismo toscano en un sentido minucioso de la decoración de interior.

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 El Entierro del Señor de Orgaz es una obra pictórica de El Greco que
ubicamos en el Renacimiento europeo en España en el siglo XVI y que
actualmente se encuentra en la Iglesia de Santo Tomé en Toledo. En
cuanto a sus características, podemos ver la representación de dos
santos (San Esteban y San Agustín) que son los que sostienen el cuerpo
de Orgaz, además de que podemos apreciar lo terrenal y lo celestial.
Tampoco podemos ignorar que la luz de arriba es el alma de Orgaz
ascendiendo ni que la ropa de los santos tiene, a su vez, santos
representados ni que la calidad del párroco es excelente. Como dato curioso hay que saber que el conde
de Orgaz hizo mucho por la economía de Toledo y encargó este cuadro para conmemorar su entierro.
Finalmente, con respecto a su autor, además de realizar otras obras como Laocoonte, fue el artista más
señalado de la producción artística española del momento y exponente del Manierismo, además de que
refleja el misticismo español donde se añaden las ideas italianas del Cinquecento e incluía más
personajes famosos en sus obras de tal forma que nos incluyese a nosotros mismos también. Fue un
buen retratista cuyas obras las encargaban las personas adineradas como la Iglesia y la nobleza.

La Adoración del Cordero Místico es una obra pictórica

de los Hermanos van Eyck que ubicamos en el
Renacimiento europeo en Flandes en el siglo XV y que
actualmente se encuentra en la Iglesia de San Juan de
Gante. En cuanto a sus características, se trata de un óleo
sobre tabla dividido en dos niveles: en el superior
encontramos a Adán desnudo, ángeles cantándole a Dios,
María idealizada, Dios como Cristo Majestad o
Pantocrátor, haciendo referencia a que, cuando te llegue el juicio final, serás juzgado y mandado al
cielo o infierno y con los tres dedos aludiendo a la Santa Trinidad, Juan Bautista y Eva desnuda con
una fruta símbolo del pecado original, y en el inferior a la izquierda jueces y caballeros símbolos de la
justicia y fortaleza, en el centro es la Adoración del Cordero con un eje de simetría que parte del pozo
y termina en el sol en cuyo centro se encuentra una paloma símbolo del Espíritu Santo y el propio
Cristo representado en Cordero, y a la derecha peregrinos y los 12 apóstoles como templanza y
prudencia. Finalmente, con respecto al autor, además de realizar otras obras como el Matrimonio
Arnolfini, triunfó en la pintura de retratos, transformó la pintura gótica en algo nuevo, usó por primera
vez el óleo sobre tabla y fue uno de los primeros artistas que firmaron su obra. Sus composiciones son
detallistas con una técnica refinada.
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 El matrimonio Arnolfini es una obra pictórica de Jan van Eyck que
ubicamos en el Renacimiento europeo en Flandes del siglo XV y que
actualmente se encuentra en el National Gallery de Londres. En cuanto
a sus características, se trata de una obra más pequeña que un folio y
cuyo autor había heredado la característica de miniatura de los libros
sagrados. Aunque no se puede corroborar que fuese el matrimonio real
de Arnolfini, podemos decir que el perro representa la fidelidad, la
vela a Cristo bendiciendolos, el rojo o la vestimenta a la riqueza y la
cama refleja el deseo de tener descendencia. Ella parece preñada pero no lo está realmente y también
podemos ver en el espejo (con escenas de la vida de Cristo) el reflejo del pintor y otro testigo.
Finalmente, con respecto a su autor, además de realizar otras obras como La adoración del Cordero
Místico, triunfó en la pintura de retratos, transformó la pintura gótica en algo nuevo, usó por primera
vez el óleo sobre tabla y fue uno de los primeros artistas que firmaron su obra. Sus composiciones son
detallistas con una técnica refinada.

El descendimiento de la cruz es una obra pictórica de

Rogier van der Weyden que ubicamos en el Renacimiento
europeo en Flandes del siglo XV y que actualmente se
encuentra en el Museo Nacional del Prado en Madrid. En
cuanto a sus características, presenta dicha forma para
adaptarse a un altar y se trata de un tríptico con dos alas
laterales (se hallan perdidas) para cerrarlo cuando no
fuesen fiestas especiales. Si nos fijamos en el cuerpo hay
un mayor dinamismo y realismo y una mayor influencia de la obra italiana porque se trata cada figura
como si fuese una escultura, por lo que hay un mayor interés por conocer la anatomía humana. También
destaca el colorido, la simetría total con forma de serpiente, el dorado del fondo como elemento
bizantino, el rojo como veneciano y, en general, representa el tema del descendimiento de la cruz que
durante el gótico fue muy conocido. Finalmente, con respecto a su autor, además de realizar otras obras
como La Piedad, destacó por el carácter innovador de sus composiciones religiosas dentro de la pintura
de su época, así como por captar los estados de ánimo y las cualidades de la vestimenta de los
personajes.

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 El jardín de las delicias es una obra
pictórica de El Bosco que ubicamos en el
Renacimiento europeo en Flandes en el
siglo XVI y que actualmente se encuentra
en el Museo Nacional del Prado en Madrid.
En cuanto a sus características, se trata de
un óleo sobre tabla donde se nos muestra
cómo a partir del pecado original se
producen los pecados de lujuria que nos llevan al infierno. El panel izquierdo está dedicado al Paraíso
terrenal con Dios, Adán, Eva, la fuente de los ríos del Paraíso, un drago y el árbol de la ciencia del
bien y del mal con la serpiente. El panel central da nombre a la obra y con las figuras humanas,
animales, plantas y frutas representa la expulsión de Adán y Evan del Paraíso y cómo el mundo se
entrega al pecado mediante las relaciones sexuales o el pecado de la lujuria; alude al carácter efímero
de las “delicias” que gozan los seres humanos que pueblan este jardín. El panel derecho representa el
Infierno donde reciben su castigo todos los pecados capitales como los glotones que comen sapos o
los envidiosos que se bañan en agua helada, incluso se habla de que el demonio no es más que un
autorretrato de El Bosco. Además, cuando se cierra podemos ver la técnica de la Grisalla donde se
refleja la creación del mundo y con dos inscripciones en latín: “Él mismo lo dijo y todo fue hecho” y
“Él mismo lo ordenó y todo fue creado”. Como dato curioso, esta obra era para Enrique III de Nassau,
aunque fue confiscado por el Duque de Alba para después tenerlo Felipe II, además de que, en general,
no es más que una representación de una época donde se criticaba a la Iglesia Católica y a los monjes/as
como los principales pecadores que cometían la lujuria/gula. Finalmente, con respecto a su autor,
además de realizar otras obras como El carro de Heno, destacó por los temas que trataba en sus obras
como los dichos de la época, las preocupaciones o las sagradas escrituras, es decir, un mundo
totalmente comprendido por la sociedad y, además, no podemos ignorar su acusación como hereje,
aunque es contradictorio por su principal cliente (Felipe II) y porque solo representaba la preocupación
del momento.

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Adán y Eva es una obra pictórica de Alberto Durero que ubicamos en el
Renacimiento europeo en Alemania en el siglo XVI y que actualmente se
encuentra en el Museo Nacional del Prado en Madrid. En cuanto a sus
características, el desnudo revela el interés por la correcta representación
de la anatomía humana y el tratamiento del color, la luz y la sombra en la
superficie de la piel son elementos venecianos. Se trata de dos obras
independientes donde podemos ver comparada a Eva con el cuerpo de la
Venus de Botticelli por los hombros y la postura y a la que le coloca
elementos como la manzana y la serpiente para poder pintar desnudos injustificados, además de ver a
Adán representado como el Dios Apolo e igualmente pintado con elementos para justificar el desnudo.
En general, se trata de un tema religioso basado en un tema mitológico. Finalmente, con respecto a su
autor, además de realizar otras obras como el Grabado del Rinoceronte, destacó por ser el da Vinci o
Miguel Ángel de Alemania, triunfó en los autorretratos y no se quedó en Alemania, pues viajó por
toda Europa acogiendo y dejando influencias, de tal forma que fue muy conocido por sus grabados.

Diana de Poitiers como Diana cazadora es una obra pictórica de la

Escuela de Fontainebleau que ubicamos en el Renacimiento europeo en
Francia en el siglo XVI y que actualmente se encuentra en el Museo del
Louvre en París. En cuanto a sus características, se trata de la amante de
Enrique II y ambos generan un programa iconográfico que alabará la
figura de esta mujer. Se trata de una obra muy artesana y en relación con
el ambiente que se vivía en la corte francesa, además de que presenta
cierto componente erótico y glorifica, en cierta medida, a la persona
retratada. Finalmente, con respecto al autor, además de realizar otras obras como Gabrielle d'Estrées
y su hermana la duquesa de Villars, destacó por la utilización del fresco, la temática mitológica y un
estilo marcado por la influencia del Manierismo italiano.

Virgen con Niño es una obra pictórica de Luis de Morales que ubicamos en
el Renacimiento europeo en España en el siglo XVI y que actualmente se
encuentra en el Museo Nacional del Prado en Madrid. En cuanto a sus
características, se aprecia una forma robusta en el niño como reflejo de la
grandiosidad del cuerpo humano, una gradación cromática, la técnica del
sfumato, el alargamiento del modelo humano, un adelanto del tenebrismo y
una unión de los dos dedos centrales de la mano. Esta obra representa a una
Virgen muy joven y cercana tanto al espectador como al Niño, por lo que
hay mayor comunicación y sentimientos. Finalmente, con respecto al autor,
además de realizar otras obras como La Oración en el Huerto, destacó por
ser un pintor virtuoso y autor de un gran número de retablos, obras de gran
formato para altares y piezas devocionales.
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Tema 3. Lo sagrado hecho real. El arte barroco en Italia

Baldaquino de la Basílica de San Pedro es una obra a mitad de

camino entre escultura y arquitectura de Bernini que ubicamos en el
Barroco italiano en el siglo XVII y que actualmente se encuentra en la
Basílica de San Pedro del Vaticano en Roma. En cuanto a sus
características, presenta columnas salomónicas propias de la época y
la Iglesia demostró su importancia asociándose con el primer templo
sagrado. Además de representar el lugar en el que está enterrado San
Pedro, tiene iconografía que nos recuerda a la familia que ha pagado
la obra, pues aparecen abejas como símbolo de la familia Barberini,
cuatro ángeles coronando la composición y cuatro grandes volutas ideadas por Borromini. Como los
papas querían dejar huella de su papado y ostentar el poder de la Iglesia Católica, Bernini realizó esta
obra de temática religiosa-mitológica como alegoría de dicho poder, incluso presenta relación con la
arquitectura efímera que se realizaba para conmemorar cualquier tipo de evento, pero en este caso la
realizó con carácter permanente. Finalmente, con respecto a su autor, además de realizar otras obras
como el David, destacó por el estudio de la Antigüedad Clásica que deja reflejado en sus obras a las
que añade movimiento y estas muestran escenas narrativas muy en consonancia con la teatralidad
propia del Barroco; son obras monumentales en las que sus personajes expresan sentimientos y se
sitúan en el culmen de la acción. Se le considera el sucesor de Miguel Ángel.

Iglesia de Sant’ Ivo alla Sapienza es una obra

arquitectónica de Borromini que ubicamos en el Barroco
italiano en el siglo XVII y que actualmente se encuentra en
Roma. En cuanto a sus características, se trata de un
edificio de planta central basado en un esquema
geométrico que se inspira en la arquitectura de la
Antigüedad tardía y que, gracias a la yuxtaposición de dos
triángulos equiláteros consigue una planta estrellada de perfil mixtilíneo a la que añade grandes
pilastras. Además, se aprecia una cúpula que acaba en una linterna con forma de espiral, consiguiendo
así que el espacio interior se agrande. La exedra del patio porticado es aprovechada como fachada de
la iglesia y sobre el revestimiento del tambor hay gradas divididas por contrafuertes. Finalmente, con
respecto al autor, además de realizar otras obras como la Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane,
no solo destacó por sus obras religiosas, sino también por palacios y casas particulares.
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 Plaza de San Pedro es una obra arquitectónica de Bernini
que ubicamos en el Barroco italiano en el siglo XVII y que
actualmente se encuentra en Roma. En cuanto a sus
características, se trata de un elemento de unión entre la
Basílica y la ciudad, por lo que contiene dos alas
enmarcando una plaza de planta trapezoidal y otras dos
formadas por cuatro hileras de columnas gigantes. El eje
corto de la forma ovalada va hasta la entrada de la iglesia y
contiene dos fuentes de Maderno (participó en la
construcción) y Bernini. Es más, en el centro se colocó un obelisco de origen egipcio y la columnata
tiene un efecto óptico que solo permite ver la primera hilera de columnas, además de que en los vértices
de las alas se abren unos portones que recuerdan a los templos griegos. En general, es el espacio teatral
por excelencia de Roma. Finalmente, con respecto al autor, además de realizar otras obras como el
Baldaquino de la Basílica de San Pedro el Vaticano o el David, destacó por destacó por el estudio de
la Antigüedad Clásica que deja reflejado en sus obras a las que añade movimiento y estas muestran
escenas narrativas muy en consonancia con la teatralidad propia del Barroco; son obras monumentales
en las que sus personajes expresan sentimientos y se sitúan en el culmen de la acción. Se le considera
el sucesor de Miguel Ángel.

Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane es una obra

arquitectónica de Borromini que ubicamos en el Barroco italiano
en el siglo XVII y que actualmente se encuentra en Roma. En
cuanto a sus características, se trata de una fachada cóncavo-
convexa con altas columnas corintias sobre plintos y
entablamentos. Entre las columnas, hay otras más pequeñas con
sus entablamentos detrás de las principales y a su vez enmarcan
nichos, ventanas o una variedad de esculturas, así como la puerta
principal, el edículo ovalado central de orden superior y el
medallón ovalado que sostiene unos ángeles. Finalmente, con
respecto al autor, además de realizar otras obras como la Iglesia de Sant’ Ivo alla Sapienza, no solo
destacó por sus obras religiosas, sino también por palacios y casas particulares.

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 David es una obra escultórica de Bernini que ubicamos en el Barroco
italiano en el siglo XVII y que actualmente se encuentra en Roma. En
cuanto a sus características, se trata de un encargo hecho por la familia
Borghese que está en relación con el papado y es una forma de ostentar
el poder de la familia. Bernini, por medio de la espiral, capta el momento
álgido en el que David se dispone a lanzar la honda, a diferencia del de
Miguel Ángel y es así como supera lo estático de la escultura
renacentista. De esta manera, nos sentimos involucrados en la acción,
casi como si fuésemos Goliat esperando el ataque y suscitándonos miedo y sorpresa. Además, a pesar
de que es un personaje que ya ha aparecido previamente, se centra más en la teatralidad y está colocada
contra la pared, ya que está concebida para que solo se pueda ver de frente y un poco de cada lado.
Como dato curioso, el mármol irá ganando mayor importancia durante el Barroco, de ahí su uso en
esta obra. Finalmente, con respecto a su autor, además de realizar otras obras como el Baldaquino de
la Basílica de San Pedro (etc), destacó por el estudio de la Antigüedad Clásica que deja reflejado en
sus obras a las que añade movimiento y estas muestran escenas narrativas muy en consonancia con la
teatralidad propia del Barroco; son obras monumentales en las que sus personajes expresan
sentimientos y se sitúan en el culmen de la acción. Se le considera el sucesor de Miguel Ángel.

La Buenaventura es una obra pictórica de Caravaggio que

ubicamos en el Barroco italiano en el siglo XVI y que
actualmente se encuentra en el Museo del Louvre en París.
En cuanto a sus características, se trata de un óleo sobre lienzo
que muestra a un joven vestido como un petimetre, al que una
gitana lee la palma de la mano y le quita mientras el anillo.
De hecho, nos fijamos más en qué estarán pensando cada
personaje, en vez de en lo que ocurre en las dos manos. Se ve intensificada la acción con la ayuda de
una luz dirigida que enfatiza nuestra atención (tenebrismo) y el rayo de luz que entra por el lateral
proyectándose así hacia las cabezas de ambos, que visten con hábitos contemporáneos en un ambiente
íntimo, desnudo y pobre, tan comunes en la pintura de Caravaggio. Finalmente, con respecto a su autor,
además de realizar otras obras como La vocación de San Mateo, destacó por ser el anticristo de la
pintura y su arte estuvo marcado por la incomprensión de sus contemporáneos, sobre todo por el modo
en que trataba temas sagrados, además de que inició el tenebrismo, fue un revolucionario de la luz y
llegó a tratar temas de género.

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 Galería del Palacio Farnesio es una obra pictórica
de Anibale Carracci que ubicamos en el Barroco
italiano en el siglo XVII y que actualmente se
encuentra en Roma. En cuanto a sus características,
se recurre al amor de los dioses mediante la
cuadratura que consiste en fingir arquitecturas o
esculturas, aunque todo esté realmente pintado y se genera un trampantojo. De esta forma, crea la
ilusión de un espacio abierto al exterior, es decir, como si se tratara de cuadros a caballete llevados a
la bóveda y simulando una segunda bóveda que se abre al cielo; se inspiró en la bóveda de Miguel
Ángel en la Capilla Sixtina. Finalmente, con respecto al autor, además de realizar otras obras como La
huída a Egipto, destacó por inspirarse en la Antigüedad Grecolatina, recuperar las proporciones ideales
y realizar obras marcadas por el Clasicismo.

La vocación de San Mateo es una obra pictórica de

Caravaggio que ubicamos en el Barroco italiano en el siglo
XVII y que actualmente se encuentra en la Iglesia de San Luis
de los Franceses en Roma. En cuanto a sus características, se
trata de un óleo sobre lienzo que representa el momento en el
que Jesucristo entra en la taberna y le dice a San Mateo que
va a formar parte de su grupo de apóstoles. Se ve
intensificada la acción dramática del acontecimiento con la
ayuda de una luz dirigida que enfatiza nuestra atención
(tenebrismo) y el rayo de luz que entra por la ventana lateral se convierte simbólicamente en el rayo
de la salvación, proyectándose hacia las cabezas de Mateo y sus compañeros. Los personajes, salvo
Cristo y Pedro, visten con hábitos contemporáneos y Mateo es presentado como un vulgar recaudador
de impuestos frente a una mesa de trabajo llena de libros y monedas, en un ambiente íntimo, desnudo
y pobre, tan comunes en la pintura de Caravaggio. Finalmente, con respecto a su autor, además de
realizar otras obras como La buenaventura, destacó por ser el anticristo de la pintura y su arte estuvo
marcado por la incomprensión de sus contemporáneos, sobre todo por el modo en que trataba temas
sagrados, además de que inició el tenebrismo, fue un revolucionario de la luz y llegó a tratar temas de
género.

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 Judith decapitando a Holofernes es una obra pictórica de
Artemisia Gentileschi que ubicamos en el Barroco italiano en el
siglo XVII y que actualmente se encuentra en la Galería degli Uffizi
en Italia. En cuanto a sus características, se trata de una obra en la
que, a través de Judith y Holofernes, la autora refleja la rabia
contenida hacia uno de los discípulos de su padre que la violó y,
desde entonces, su obra atacará al género masculino. En general, se
aprecia el claroscuro y la luz propia de Caravaggio, pues esta luz
procede de un lateral y enfoca la escena como punto principal
mientras que el fondo es completamente negro. Además, destaca el color llamado “dorado Artemisia”
y el uso de la espada es una metáfora de la Justicia. Finalmente, con respecto a la autora, además de
realizar otras obras como Lucrecia, destacó por ser la primera mujer admitida en la Academia de
Diseño de Florencia, además de que su obra estuvo condicionada por sus circunstancias vitales, tuvo
la ocasión de contemplar la obra de grandes artistas e interactuar con ellos.

Porcia hiriéndose en una pierna es una obra pictórica de

Elisabetta Sirani que ubicamos en el Barroco italiano en el
siglo XVII y que actualmente se encuentra en Houston. En
cuanto a sus características, representa a Porcia, esposa de
Brutus hiriéndose el muslo para demostrar su valentía y
probar a su marido que es digna de su confianza, cualidad
asociada comúnmente con el hombre, del mismo modo que
Elisabetta debía mostrar su talento artístico, asociado también al hombre, ante aquellos que la ponían
en duda. Sin duda, Elisabetta también supo demostrar su buena educación a través del conocimiento
de las fuentes clásicas. Finalmente, con respecto a la autora, además de realizar otras obras como Judith
con la cabeza de Holofernes, destacó por crear más de 200 obras después de que padre enfermase por
la gota y ella tener que mantener a su familia, principalmente religiosas, y que vendía a importantes
clientes. Actualmente, están en proceso de buscar las obras para poder atribuírselas.

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Tema 4. El poder de la imagen. Arte y propaganda en la España y la Europa barrocas

Palacio de Versalles es una obra arquitectónica de Luis

le Vau, Charles le Brun, François Mansart y André Le
Nôtre que ubicamos en el Barroco europeo en Francia
en el siglo XVII y que actualmente se encuentra en
Francia. En cuanto a sus características, se trata de un
palacio muy marcado por el clasicismo, el cual ya
existía como refugio de caza, pero se renovó por Luis XIV para reflejar la dignidad real, además de
que la arquitectura y el jardín se consideran como un todo. Se puede apreciar el juego de luces, sombras
y reflejos en el agua, la majestuosidad del palacio y la simetría, la proporción y el orden a pesar de la
sobrecarga. No obstante, se trataba de un lugar bastante insalubre en aquella época, pues había una
gran falta de higiene en el palacio y los invitados, por lo que la ostentación del poder y el lujo peleaba
contra el hedor. Finalmente, con respecto a los autores, además de algunos hicieron la Galería de los
Espejos del Palacio, destacaron en general por hacer del Palacio el máximo exponente del Barroco
francés.

El baño de Apolo es una obra escultórica de François Girardon

que ubicamos en el Barroco europeo en Francia en el siglo XVII
y que actualmente se encuentra en el Palacio de Versalles en
Francia. En cuanto a sus características, se trata de una escultura
relacionada con el poder de la monarquía como muchas que hay
en el Palacio y se ubica en el centro de tres grandes arcos en la
cueva de Tetis. Se aprecia cómo las ninfas están bañando a
Apolo, con el cual se relaciona Luis XIV y basado en el Apolo de Belvedere del Vaticano. Además las
figuras no están todas pegadas, pues las mujeres, las cuales están en relación con el Apolo central, se
pueden quitar y, de hecho, la posición se ha ido cambiando con el tiempo. Por tanto, se trata de un
tema mitológico en el que se aprecia una técnica perfecta, una composición en forma abierta y mucho
movimiento en los ropajes. Como dato curioso, el mármol irá ganando mayor importancia durante el
Barroco, de ahí su uso en esta obra. Finalmente, con respecto al autor, además de realizar otras obras
como El rapto de Proserpina, destacó por ser uno de los maestros de la escultura decorativa y
monumental que colaboró en la decoración del Palacio de Versalles y su obra marcó el apogeo del
clasicismo francés de inspiración helenística.
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 Bodegón con pescado, vela, alcachofas, cangrejos y
gambas es una obra pictórica de Clara Peeters que ubicamos
en el Barroco europeo en Flandes en el siglo XVII y que
actualmente se encuentra en el Museo Nacional del Prado
en Madrid. En cuanto a sus características, se trata de una
de las pinturas más delicadas de la autora por el contraste
entre las formas y los contornos curvos y angulosos del
colador y la alcachofa, o la decoración de la superficie de la jarra de cerámica, las escamas de los peces
y los agujeros del colador, además de que podemos ver cómo, gracias a uno de los ojos del pez, eleva
nuestro punto de vista. Este es el primer bodegón con pescado que se conoce y era un alimento muy
común en Holanda y Flandes gracias a la gran extensión costera de la región y la restricción de comer
carne impuesta por las autoridades eclesiásticas. Finalmente, con respecto a la autora, además de
realizar otras obras como Bodegón con gavilán, aves, porcelana y conchas, destacó por ser una de las
iniciadoras del bodegón y popularizó la realización de autorretratos junto a la naturaleza muerta,
además de que se convirtió en la primera mujer en protagonizar una exposición monográfica en el
Museo del Prado y supo jugar con las luces y efectos ópticos.

Vieja friendo huevos es una obra pictórica de Velázquez que

ubicamos en el Barroco europeo en España en el siglo XVII y
que actualmente se encuentra en Edimburgo. En cuanto a sus
características, se trata de un tema costumbrista de género por
estar de moda en Sevilla y en el que se aprecian tonalidades
madera y tenebrismo, además de que la parte delantera refleja
un bodegón. La escena carece de movimiento, es sencilla pero
muy lograda en forma oval y en ambas figuras, donde Velázquez utiliza el recurso de las medias figuras
que parecen muy reales y cercanas al espectador, sobresale los contrastes de luz y sombra sobre un
fondo neutro. De hecho, el realismo de los personajes es impecable, pues nos trasladan al mundo
popular que contemplaba a menudo Velázquez, y el bodegón se trata de uno de los mejores del arte
español. Finalmente, con respecto al autor, además de realizar otras obras como Las Meninas, destacó
por su influencia posterior en artistas como Goya, en el Realismo y en el Impresionismo, y cuya
trayectoria pictórica se vio influenciada por su vida, sus viajes y las personas que se encontraba en
ellos.

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 Enrique IV recibiendo el retrato de María de Médicis es una obra
pictórica de Pedro Pablo Rubens que ubicamos en el Barroco europeo
en Flandes en el siglo XVII y que actualmente se encuentra en el Museo
del Louvre en París. En cuanto a sus características, se trata de una
representación de Enrique IV recibiendo el retrato de María de Médicis,
reflejando así los matrimonios concertados y el hecho de enseñar un
retrato de la mujer al hombre antes de la boda, además de que Cupido
lleva el marco y Enrique IV está encantado con verla. También se
aprecia la personificación de Francia como una mujer por arriba y un hombre por abajo para que
cualquiera se pudiese ver identificado y vemos cómo le comenta a Enrique IV que le parece estupendo
el enlace. En general, la obra es una aproximación al futuro, pues a partir del siglo XX es muy común
las personificaciones de los países en forma de mujeres. Finalmente, con respecto a su autor, además
de realizar otras obras como Las tres gracias, destacó por tener el monopolio de Flandes y por su taller,
donde contaba con el servicio de muchos artistas que, en función del tipo de encargo, se encargaban
de realizar toda la obra tras sus dibujos preparatorios o simplemente trabajaban en cadena. De hecho,
a día de hoy hay una investigación para saber qué obra es de Rubens y cuál es de su taller bajo su
firma.

La muerte de Germánico es una obra pictórica de Nicolas

Poussin que ubicamos en el Barroco europeo en Francia en el
siglo XVII y que actualmente se encuentra en el Minneapolis
Institute of Art. En cuanto a sus características, se presenta a
Tiberio Druso conocido por su fiereza y sus continuas victorias
que fue envenenado por los propios soldados romanos a causa
de la envidia; en la escena se ve que está en su casa tras los
soldados haberlo llevado para que muera con su familia. Destaca
el hecho de que el pintor intenta volver a lo clásico con técnicas ya existentes del Barroco y es por ello
que representa el punto culmen de la obra, donde el soldado se debate entre la vida y la muerte.
Además, se aprecia cómo todos los músculos están perfectamente estudiados y el niño tiene el cuerpo
de los ángeles de Miguel Ángel. Por su parte, el colorido saturado refleja la influencia de la Escuela
Veneciana y es la primera vez en la que Poussin aborda un ejemplo moralizante de lo que los romanos
y humanistas entendían por virtud, además del tono grandioso y la belleza subordinada a los temas
más profundos como la amistad. Finalmente, con respecto a su autor, además de realizar otras obras
como El rapto de las sabinas, destacó por representar el paso del Renacimiento al Barroco en Francia
e ilustrar temas de mitología y de historia con un exquisito tratamiento de los paisajes y la anatomía.
Por ello fue valorado en su época como uno de los artistas más grandes del país, llegando a trabajar
con el rey.

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 La Fragua de Vulcano es una obra pictórica de Velázquez que
ubicamos en el Barroco europeo en España en el siglo XVII y
que actualmente se encuentra en el Museo Nacional del Prado
en Madrid. En cuanto a sus características, representa el
momento en el que Apolo va a decirle a Vulcano que Afrodita
le está siendo infiel, pues la infidelidad de Afrodita se retrató a
menudo en la historia del Arte, pero esta vez se representó el
momento en el que Vulcano se entera. Además, se muestra la postura del contraposto y el estudio
anatómico de las figuras, pues Velázquez vió en su momento la obra de Miguel Ángel y da Vinci.
También cuenta con una perspectiva aérea donde lo lejano se difumina y lo delantero está más claro,
usa el color veneciano, desaparece el tenebrismo y aparece el fondo; aprendió a captar un momento
concreto como el Barroco italiano. Finalmente, con respecto a su autor, además de realizar otras obras
como Las Meninas, destacó por su influencia posterior en artistas como Goya, en el Realismo y en el
Impresionismo, y cuya trayectoria pictórica se vio influenciada por su vida, sus viajes y las personas
en ellos.

Las tres Gracias es una obra pictórica de Pedro Pablo Rubens que
ubicamos en el Barroco europeo en Flandes en el siglo XVII y que
actualmente se encuentra en el Museo Nacional del Prado en Madrid.
En cuanto a sus características, se trata de la obra más famosa del
autor y representa a las tres hijas de Zeus que personifican la belleza,
la vida y el sexo y, de hecho, una de las tres está inspirada en una de
sus mujeres. Aunque mantiene la composición del italiano, incorpora
un mayor componente psicológico, pues parece que el grupo está más
unido gracias a que ellas se agarran o se miran. También ha cambiado el canon de belleza de las
mujeres y hay una mayor sensación de movimiento, donde la guirnalda de flores acentúa la belleza y
el foco de luz resalta el colorido perlado de las muchachas. Finalmente, con respecto a su autor, además
de realizar otras obras como Enrique IV recibiendo el retrato de María de Médicis, destacó por tener
el monopolio de Flandes y por su taller, donde contaba con el servicio de muchos artistas que, en
función del tipo de encargo, se encargaban de realizar toda la obra tras sus dibujos preparatorios o
simplemente trabajaban en cadena. De hecho, a día de hoy hay una investigación para saber qué obra
es de Rubens y cuál es de su taller bajo su firma.

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 Mujer barbuda es una obra pictórica de José de Ribera que ubicamos
en el Barroco europeo en España en el siglo XVII y que actualmente
se encuentra en Toledo. En cuanto a sus características, se trata de un
encargo que le hizo el Duque de Medinaceli a José de Ribera para que
dejara constancia de lo que se consideraba algo extraordinario. Doña
Magdalena aparece en el centro vestida como una mujer con rostro
viril y dando de amamantar a su bebé, mostrando cierto dolor y
abatimiento. Por su parte, el retrato del marido al fondo es soberbio,
captando la amarga resignación con la que vive el caso. En la
inscripción podemos apreciar un huso y una devanadera de hilo como símbolos de la feminidad, el
tenebrismo, contrastes que acentúan la tensión del momento, cierto naturalismo en manos y paños; es
una obra de carácter documental tratada con exquisito respeto y de manera casi científica. Finalmente,
con respecto a su autor, además de realizar otras obras como la Inmaculada Concepción, destacó por
utilizar unos contrastes tenebristas con abundancia de sombras negras pero suavizados por la inclusión
de un colorido y una luz estudiados de los maestros venecianos, además de por el realismo.

Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp es una obra

pictórica de Rembrandt que ubicamos en el Barroco
europeo en Holanda en el siglo XVII y que actualmente se
encuentra en La Haya. En cuanto a sus características, se
trata de un retrato corporativo con subtema de lecciones de
anatomía donde utiliza el claroscuro y crea una atmósfera
dorada, emotiva y escenográfica. Sabemos que todos, al
pagar igualitariamente, tenían que aparecer con la misma importancia y, de hecho, Rembrandt tenía
esa capacidad de significarlos individualmente, aunque el de la izquierda puede que no haya pagado
por igual. Por tanto, es una obra encargada por parte de los alumnos de un doctor con mucha fama en
el momento y se colocó en la Facultad de Medicina de forma pública; lo remarcable es que un profesor
bastante destacado viniese a dar una clase. Como dato curioso, el catolicismo no permitía realizar
prácticas con cuerpo humano, mientras que el calvinismo sí si el muerto había tenido pena de muerte
o era un niño huérfano; es un antecedente de lo que será el comercio de los cuerpos fallecidos, como
el Londres de principios del siglo XX. Finalmente, con respecto a su autor, además de realizar otras
obras como Ronda de noche, destacó por sus obras religiosas, autorretratos donde refleja las etapas de
su vida y retratos individuales y colectivos como este.

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 Sagrada Familia del pajarito es una obra pictórica de Murillo
que ubicamos en el Barroco europeo en España en el siglo
XVII y que actualmente se encuentra en el Museo Nacional
del Prado en Madrid. En cuanto a sus características, se trata
de una escena religiosa con total naturalidad, pues podría ser
cualquier familia cotidiana con la que sentirse identificada,
aunque hay elementos de la Sagrada Familia como los útiles
de carpintero de San José y el niño sujeta un pajarito como
símbolo de la pasión que sufrirá luego. Se puede apreciar el uso del colorido que tira hacia los marrones
y el perrito como elemento característico de la pintura de Murillo. En general, son figuras elegantes
con cierto realismo que se sitúan, con la ayuda de un foco de luz, delante de un fondo en penumbra y
podemos ver muchos detalles como el cesto o el gesto del perro, además de que el colorido empleado
sigue el estilo de los naturalistas. Finalmente, con respecto al autor, además de realizar otras obras
Autorretrato, destacó por inclinarse hacia la gracia y embellecer la realidad haciéndola más amable,
de ahí que trate el tema religioso desde un punto de vista más familiar e incluso trata la pobreza con
niños, acaparando así casi todos los encargos de la época.

Ronda de noche es una obra pictórica de Rembrandt que

ubicamos en que ubicamos en el Barroco europeo en Holanda en
el siglo XVII y que actualmente se encuentra en Ámsterdam. En
cuanto a sus características, se trata de un retrato corporativo con
subtema de escenas al aire libre donde se muestra la milicia del
capitán Cocq en el momento en el que éste da una orden a su
alférez, indicado por el gesto de la mano y la boca abierta. Tras
estas dos figuras aparecen los integrantes de la Compañía que pagaron más por mostrar bien sus rostros
y protegían el bienestar y la libertad de los ciudadanos holandeses. Hay que destacar que la escena no
se desarrolla realmente de noche, sino que se oscureció por la suciedad del paso del tiempo. Además,
se aprecia el realismo, la captación de los rostros y las actitudes de todos los personajes, la sensación
de movimiento y el tenebrismo de Caravaggio, además de que las figuras que vemos en segundo plano
están más difuminadas y dan la impresión de que existe polvo entre ellas. Como dato curioso, la mujer
del fondo a la izquierda es la mujer de Rembrandt cuando era niña y actúa como bandera de la
compañía Cocq. Finalmente, con respecto a su autor, además de realizar otras obras como Lección de
anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, destacó por sus obras religiosas, autorretratos donde refleja las etapas
de su vida y retratos individuales y colectivos, como este.
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Las Meninas es una obra pictórica de Velázquez que
ubicamos en el Barroco europeo en España en el siglo
XVII y que actualmente se encuentra en el Museo
Nacional del Prado en Madrid. En cuanto a sus
características, se trata de un retrato de Felipe IV y su
esposa ocupando el lugar del espectador y por eso salen
reflejados en el espejo, es decir, nosotros vemos lo mismo
que verían los monarcas mientras posan para el artista.
Con este autorretrato, Velázquez se reivindica como
artista y podemos apreciar que tiene la cruz de la Orden
de Santiago como reflejo de su exclusividad, pues, aunque
tiene orígenes humildes, consiguió esta condecoración cuando fue pintor y, de hecho, la cruz se pintó
después, pero no se sabe si él mismo o el rey. Por otra parte, en cuanto a personajes, tenemos al fondo
a los monarcas, en el medio la Infanta Margarita, a sus lados las dos meninas (hijas de miembros
destacados de la Corte que siempre acompañaban a la Infanta; originalmente se conoció como La
familia de Felipe IV y finalmente por el rasgo característico de las meninas como tal), la enana Mari
Bárbola, el enano Nicolasito, el perro, la cuidadora de la Infanta Marcela de Ulloa, don Diego Ruiz de
Azcona y al fondo del todo el ayudante de cámara de la reina. Además, se ve muy bien cómo una de
las meninas le da un jarrón mexicano a la Infanta, pues en la Corte existía una costumbre de chuparlo
por contener hierbas alucinógenas. Ante todo, hay que saber que esta interpretación la hizo Antonio
Palomino y que la sala está llena de cuadros que existieron en el momento en las colecciones reales.
En general, presenta la perspectiva aérea donde lo lejano se difumina y lo delantero está más claro, el
escenario es muy creíble, aúna la unidad con la variedad, detalles bellos y el ilusionismo. Finalmente,
con respecto a su autor, además de realizar otras obras como La Fragua del Vulcano, destacó por su
influencia posterior en artistas como Goya, en el Realismo y en el Impresionismo, y cuya trayectoria
pictórica se vio influenciada por su vida, sus viajes y las personas en ellos.

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In Ictu Oculi es una obra pictórica de Valdés Leal que
ubicamos en el Barroco europeo en España en el siglo
XVII y que actualmente se encuentra en el Hospital de la
Caridad en Sevilla. En cuanto a sus características,
representa el abrir y cerrar de ojos donde la vela de la vida
se apaga, además de que muestra cómo la calavera tiene
el pie sobre el mundo y, por tanto, la muerte domina. Los
elementos materiales también indican que la muerte llega
a todos independientemente de la riqueza o la pobreza. El
cuadro está rematado en un arco de medio punto y sigue
un esquema triangular en el que se inscriben un amplio número de diagonales que dotan de mayor
ritmo al conjunto, además de que el fondo en penumbra crea un efecto más dramático y simbólico al
sugerir que la muerte sale de las tinieblas y avanza hacia el espectador, dotando de mayor teatralidad
a la escena. Finalmente, con respecto al autor, además de realizar otras obras como Finis Gloriae
Mundi, destacó con “Las Postrimerías” donde reflexionó sobre la brevedad de la vida y el triunfo de
la muerte. De hecho, planteó el dilema de conseguir la salvación o la condenación eterna, pues la
salvación solo la consiguen los que hayan practicado obras de caridad. En general, trató las Vanitas.

Galería de los Espejos es una obra de Charles le

Brun y François Mansart que ubicamos en el
Barroco europeo en Francia en el siglo XVII y que
actualmente se encuentra en el Palacio de
Versalles en Francia. En cuanto a sus
características, está inspirada en la Galería de
Francisco I y muy representativa, ya que está llena
de espejos con los que se consigue mayor amplitud
y volumen y los ventanales dan a los jardines que, de hecho, en el agua se reflejan los ventanales.
También cuenta con nichos para alojar estatuas de dioses de la Antigüedad, la bóveda refleja las
hazañas militares de Luis XIV con trofeos militares, el mobiliario característico de Versalles con
algunas piezas de plata y también encontramos lámparas de playa. Finalmente, con respecto a los
autores, además de realizar otras obras como el mismo Palacio de Versalles, destacaron como artistas
que hicieron del Palacio el máximo exponente del Barroco francés.

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