LA MÚSICA CONTEMPORANEA,

MODERNISMO Y GÉNEROS URBANOS

Integrantes
• Nicol Anjhely Maquera Ramos
• Frans Almanza Siles
• Ivan Choque Cruz
• Jaime Ronaldo Arias Huayta
• Guillermo Irineo Saavedra Arnez

Santa Cruz-Bolivia
Del siglo XIX al XX la música asume grandes cambios estéticos, siendo que siempre fue
sujeto a normas. Las reglas eran establecidas por grandes maestros de la música
académica (Renacimiento, Barroco, Clasicismo y Romanticismo). Siendo sus
características de este periodo los siguientes:
- La incorporación de métricas inusuales.
- Empleo de timbres poco comunes.
- Aumento en el uso de escalas modales.
- Uso de armonías politonales.
- Abandono parcial y total de la tonalidad.
- Exploración de técnicas entendidas.
- Inclusión de instrumentos o sonidos experimentales en la
composición.
EL IMPRESIONISMO Y SUS FROMAS ANÁLOGAS
La música impresionista es la tendencia musical que surgió en Francia a finales del
siglo XIX. El nombre impresionismo ya se usaba antes para denominar a la pintura de los
años 1860 - 1870, ya que las características de ambas artes eran muy similares. Los dos
únicos autores a los que podemos llamar impresionistas en aquella época son Claude
Debussy y Déodat de Séverac, aunque este último no está tan reconocido como gran parte
de autores posteriores. Sin embargo, Claude Debussy es el autor impresionista más notorio,
junto con los también franceses Maurice Ravel y Erik Satie.
Aspectos del impresionismo
El impresionismo, tanto en música como en otras artes, surge a partir de la idea de expresar
las ideas de una manera en cierto modo insinuada. De cerca se ven manchas y de lejos
crea una figura por decirlo así. Por ejemplo, en la primera fotografía, se puede observar
el Parlamento británico retratado de un modo en el que apenas se puede intuir su forma.
Aspectos de la música del impresionismo

• Un tempo más libre, y con capacidad de un rubato a gusto del intérprete

(siempre respetando las indicaciones del autor).
• Utilización de los modos, introduciendo numerosas variaciones de cada uno, e
incluso inventándolos (como en la obra Syrinx para solo de flauta, de Claude
Debussy). No sólo se utilizan modos clásicos, ya que también es muy frecuente
encontrar escalas propias de diferentes etnias (Como en el tercer movimiento
de Ma mère l'oye de Maurice Ravel, Laideronnette, l'impératrice des Pagodes).
• Experimentar con el timbre, convirtiendo a este en el factor más importante de
la música impresionista. De esta manera, se conseguían efectos nunca vistos
antes en la música. El preludio de Claude Debussy La Cathédrale Engloutie es
 un claro ejemplo de los diferentes timbres y sensaciones que pueden
escucharse en una misma obra, interpretado por Maurizio Pollini.
Autores como Maurice Ravel o Camille Saint-Saëns se atrevieron a experimentar con la
música de su época, y a crear algo diferente a las obras de entonces. Pero fue Claude
Debussy el primero en crear una música totalmente diferente a la anterior, y nunca antes
escuchada.
Claude Debussy
Sin duda, Claude Debussy es el autor impresionista por excelencia, creador de una de las
músicas más poderosas y más originales de la historia, que nos transporta a espacios más
propios de la mitología de la Antigua Grecia, o de los sueños, siempre sin olvidar la esencia
del París bohemio de finales del siglo XIX. Su música es en cierto modo "brumosa",
evocando cantos lejanos y ecos, y constantemente cambiante e impredecible.
Otra de las características esenciales en su música, es la creación de un motivo musical
sencillo y repetitivo al comienzo, que va variando a lo largo de toda la obra, y aunque no se
perciba a simple vista, está presente en todas y cada una de las frases de esta.

Principales Obras Impresionistas:

• Prélude à l'après-midi d'un faune, (Preludio a la siesta de un fauno) para

orquesta basado en Stéphane Mallarmé. (1891/septiembre 1894).
• La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre (El mar, tres bocetos
sinfónicos para orquesta) (agosto 1903 - 5 de marzo de 1905).
• Images, pour orchestre (1905-1912)
• Préludes - Premier Livre y Deuxieme livre, para piano, entre los que destacan La
fille aux cheveux de lin y La cathédrale engloutie (diciembre 1909 - febrero 1910)
• Suite bergamasque, para piano, entre los que destaca Clair de Lune

Maurice Ravel
Fue un compositor francés del siglo XX. Su obra, frecuentemente vinculada al
impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásico y, a veces, rasgos del
expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que
revolucionaron la música para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la
orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de
ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por revelar «los
juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón» (Le Robert).

Principales Obras Impresionistas:

• Jeux d'eau (Juegos de agua), para piano (1901).

• Ma mère l'oye, para piano a cuatro manos (1910).
• Gaspard de la nuit, para piano (1908).
• Daphnis et Chloé, para orquesta y coro (1909-1912).
• Boléro, para orquesta (1928).

Isaac Manuel Francisco Albéniz y Pascual

Más conocido como Isaac Albéniz, fue un célebre compositor y pianista español, discípulo
de Felipe Pedrell. Gracias a la ayuda de Guillermo Morphy, el Conde de Morphy, compositor
y mecenas de las artes, obtuvo una pensión para formarse en el Conservatorio de Bruselas
en 1876, y terminó sus estudios en 1879.
Siendo un virtuoso compositor de piano, Isaac Albéniz también compuso música para otros
instrumentos. Dedicó más de una década de sus casi cuarenta y nueve años de vida a
escribir temas para teatro, —como por ejemplo, su más exitoso trabajo operístico, Pepita
Jiménez— también se dedicó a interpretar conciertos o a la grabación de su ópera Merlín.
Durante su carrera escribió canciones —más de dos docenas— así como varios
temas orquestales y de cámara.
Principales Obras Impresionistas:

• Suite Iberia, para piano (1905).

• La Vega, para piano (1898).
• Azulejos, acabada por Enrique Granados, (1909).
• Navarra, acabada por Deodat de Severac.
• Asturias (Leyenda), Original para piano
EL EXPRESIONISMO
El expresionismo musical probablemente se aplicó por primera vez en 1909, especialmente
con Arnold Schönberg, porque al igual que el pintor Vasili Kandinski (1866–1944) evitó las
"formas tradicionales de belleza" para transmitir sentimientos poderosos en su música. 1
Theodor Adorno ve el movimiento expresionista en la música, como buscando "eliminar
todos los elementos convencionales de la música tradicional, todo lo que es rígido". Él ve
esto como análogo "al ideal literario del 'grito'". Arnold también ve la música expresionista,
como buscando "la verdad del sentimiento subjetivo sin ilusiones, disfraces o eufemismos".
Adorno también considera a la música expresionista como preocupada por el inconsciente,
y afirma que "la representación del miedo se encuentra en el corazón" de la música
expresionista, donde predomina la disonancia, de modo que "el elemento armónico y
afirmativo del arte es desterrado".2
A menudo la música expresionista presenta un alto nivel de disonancia, contrastes
extremos de dinámica, cambios constantes de texturas, melodías y armonías
"distorsionadas" y melodías angulares con grandes saltos.
Figuras Relevantes
Las tres figuras centrales del expresionismo musical son Arnold Schoenberg (1874–1951)
y sus alumnos, Anton Webern (1883–1945) y Alban Berg (1885–1935), la llamada Segunda
Escuela de Viena. Otros compositores que se han asociado con el expresionismo son Ernst
Krenek (1900–1991) (la Segunda Sinfonía, 1922), Paul Hindemith (1895–1963) (Die junge
Magd, Op. 23b, 1922, ambientando seis poemas de Georg Trakl), Ígor Stravinski (1882–
1971) (Tres letras japonesas, 1913), Aleksandr Skriabin (1872–1915) (Sonatas para piano
tardías). Los precursores importantes del expresionismo son Richard Wagner (1813–
1883), Gustav Mahler (1860–1911) y Richard Strauss (1864–1949). Los compositores
posteriores, como Peter Maxwell Davies (1934-2016), "a veces han sido vistos perpetuando
el expresionismo de Schoenberg, Berg y Webern", y el rasgo más distintivo de Heinz
Holliger (n.1939) "es evocación intensamente comprometida del expresionismo
esencialmente lírico encontrado en Schoenberg, Berg y, especialmente, Webern ".
Arnold Schoenberg
El expresionismo musical se asocia estrechamente con la música que Arnold
Schoenberg compuso entre 1908 y 1921, que es su periodo de composición "atonal libre",
antes de idear la técnica de los doce tonos. Las composiciones de la misma época con
rasgos similares, en particular las obras de sus alumnos Alban Berg y Anton Webern,
también suelen incluirse bajo esta rúbrica, y el término también ha sido utilizado
peyorativamente por los periodistas musicales para describir cualquier música en la que los
intentos de expresión personal del compositor superan la coherencia o se utilizan
simplemente en oposición a las formas y prácticas tradicionales. Por tanto, puede decirse
que comienza con los Segundo cuarteto de cuerda de Schoenberg (escrito en 1907-08) en
el que cada uno de los cuatro movimientos se vuelve progresivamente menos tonal.

Anton Webern y Alban Berg

La música de Anton Webern era cercana en estilo al expresionismo de Schoenberg, c.
1909-13, y posteriormente su música "se hizo cada vez más constructivista en la superficie
y ocultó cada vez más su apasionado núcleo expresivo". 9 De esta época son sus Cinco
piezas para orquesta, Op. 10 (1911-13).
La contribución de Alban Berg incluye su Sonata para piano Op. 1, y las Cuatro canciones
de la Op. 2. Su mayor contribución al expresionismo musical, sin embargo, fueron ejemplos
muy tardíos, las óperas Wozzeck, compuestas entre 1914 y 1925, y la inacabada Lulu.12
Wozzeck tiene una temática muy expresionista, ya que expresa la angustia y el sufrimiento
mental y no es objetiva, ya que se presenta, en gran medida, desde el punto de vista de
Wozzeck, pero presenta este expresionismo dentro de una forma hábilmente construida.
La ópera se divide en tres actos, el primero de los cuales sirve de exposición de personajes.
El segundo desarrolla la trama, mientras que el tercero es una serie
de variaciones musicales (sobre un ritmo, o una clave, por ejemplo).

Richard Georg Strauss

Fue un destacado compositor y director de orquesta alemán cuya larga trayectoria abarca
desde el romanticismo tardío hasta la primera mitad del siglo XX. Es conocido
particularmente por sus óperas, poemas sinfónicos y Lieder. Strauss, junto con Gustav
Mahler, representa el extraordinario florecimiento tardío del romanticismo germánico
después de Richard Wagner, en el cual un desarrollo elaborado y complejo de la
orquestación se une a un estilo armónico avanzado. La música de Strauss influyó
profundamente en el desarrollo de la música del siglo XX.
El estilo maduro de Strauss se inicia en algunos de los primeros poemas sinfónicos de
finales de los años 80, especialmente en Don Juan (1888), la primera obra en la que se
encuentran las características fundamentales de su lenguaje musical: un uso más libre de
la armonía y la modulación clásicas, con gran facilidad para producir efectos sorprendentes
e inesperados. La capacidad de sorpresa de su música se ve reforzada por su estilo
melódico, basado en motivos muy cortos y fáciles de recordar, junto con su extraordinaria
habilidad para la orquestación, que hace que sea considerado, junto con Mahler, uno de los
precursores del sonido característico de la orquesta sinfónica del siglo XX.
A finales del siglo XIX, Strauss dedicó su atención como compositor a la ópera. Sus primeros
dos intentos en el género, Guntram (1894) y Feuersnot (1901), fueron rotundos fracasos.
Pero en 1905, Strauss produjo Salomé (basada en el drama de Oscar Wilde) y la reacción
fue tan apasionada y extrema como había sido con Don Juan. Cuando se estrenó en
Estados Unidos en la Ópera del Metropolitan, hubo una crítica tan feroz por parte del público
que tuvieron que cancelarse las presentaciones posteriores. Indudablemente, muchas de
las críticas tenían su origen en el tema escogido, pero también había personas a las que
no les agradaba el exceso de disonancias que cargaba la obra, hasta el momento poco
escuchadas en el teatro de Nueva York. Sin embargo, la ópera fue exitosa en otras partes,
llegando incluso a darle los suficientes ingresos a Strauss para financiarse su casa
de Garmisch-Partenkirchen.

Ígor Fiódorovich Stravinski

Fue un compositor y director de orquesta ruso y uno de los músicos más importantes y
trascendentales del siglo XX.
Su larga vida le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan
justificadas sus protestas contra quienes lo tildaban de músico del porvenir: «Es algo
absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente
compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como
el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo
por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado «período ruso»—: El pájaro de
fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le
sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores,
prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de
conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas
piezas para piano y obras para grupos de jazz.
El primero de los ballets, El pájaro de fuego, es notable por su inusual introducción (tríos de
cuerdas bajas) y barrido de la orquestación. Petrushka, también se anota distintamente y
es el primero de los ballets de Stravinski que utiliza la mitología folclórica Rusa. Pero es en
el tercer ballet, La consagración de la primavera, el que generalmente es considerado la
apoteosis del período ruso de Stravinski. Aquí, el compositor utiliza la brutalidad de la Rusia
pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía politonal y
ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo.
La siguiente fase del período composicional de Stravinski, solapando al primero
ligeramente, es marcado por el ballet Pulcinella (1920). Este trabajo ofrece lo que será un
sello de este período; es decir, el retorno de Stravinski, o «vuelta atrás» a la música clásica
de Mozart, Bach y sus contemporáneos. Este estilo neoclásico, que de hecho nació como
una oposición al arrebatado subjetivismo del romanticismo y el expresionismo germánico,
involucró el abandono de las grandes orquestas exigido por los ballets. En estas nuevas
obras, escritas aproximadamente entre 1920 y 1951, Stravinski se vuelca mayoritariamente
hacia los instrumentos de viento, piano, coros y trabajos de cámara. Las Sinfonías de
instrumentos de viento (1920) y el Octeto para instrumentos de viento (1923) están entre
los trabajos más finos compuestos para vientos.
Otros trabajos como Oedipus Rex (1927), Apolo Musageta (Apollon Musagéte) (1928) y
el Concierto en Mi bemol (Dumbarton Oaks) (1938), continúan esta tendencia.
Algunos trabajos mayores de este período son las tres sinfonías: la Sinfonía de los
Salmos (Symphonie des Psaumes) (1930), Sinfonía en Do (1940) y Sinfonía en tres
movimientos (1945). Apolo Musageta, Perséfone (1934) y Orfeo (1948) también marcan la
preocupación de Stravinski, durante este período, no solo de volver a la música clásica sino
también a los temas clásicos, concretamente, la mitología griega.

MODERNISMO
La nueva música o moderna se refiere a la música de la tradición europea escrita
(artística), elaborada aproximadamente entre 1910 y 1975. Fue precedida por la música del
romanticismo y postromanticismo, y sucedida por la música clásica contemporánea. El
momento exacto en el cual terminó el modernismo e inició la música contemporánea, es
todavía motivo de debate entre los expertos. En ocasiones se equipará la música moderna
con la música del siglo XX aunque esta última abarca un tiempo cronológico en lugar de un
período estético. La música moderna está basada en los valores filosóficos y estéticos
del modernismo al cual tienen como principio principal la ruptura con la tradición, y la
permanente innovación. Debido a esto está estrechamente ligada al vanguardismo. A
diferencia de los períodos anteriores, prácticamente todos los compositores de este período
participaron en varios movimientos musicales diferentes, ya sea simultáneamente o por
etapas
Se da el nombre de modernismo a una serie de movimientos basados en el concepto de
que, siendo el siglo XX una época de fundamentales cambios sociales y tecnológicos,
el arte debe adoptar y desarrollar estos principios como fundamento estético. El
modernismo toma el espíritu progresista de fines del siglo XIX y su apego por el rigor del
avance tecnológico, por lo que lo despega de las normas y formalismos del arte de la época
y la tradición. De esta manera la característica principal del modernismo es la pluralidad del
lenguaje, entendiendo que ningún lenguaje musical en particular asumió una posición
dominante.
Técnicamente hablando el modernismo musical tiene tres características principales que lo
distinguen de los períodos anteriores:

• La expansión o abandono de la tonalidad.

• El uso de las técnicas extendidas.
• La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición.

Futurismo
El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del Siglo XX.
Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti,
quien redacta el Manifiesto Futurista, y lo publica el 20 de febrero de 1909 en el diario Le
Fígaro de París.
Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos
convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida contemporánea, esto por
medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. El futurismo recurría a
cualquier medio de expresión; artes plásticas, arquitectura, poesía, publicidad, moda, cine
y música; con el fin de construir de nuevo el perfil del mundo.
Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910, mismo año
en que se firma el Manifiesto de los músicos futuristas. Los principales compositores
futuristas fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo. Russolo concibe en
este manifiesto El arte de los ruidos de 1913, como una consecuencia a los estudios
previamente realizados por Pratella. La «música de ruidos» fue posteriormente incorporada
a las performances, como música de fondo o como una especie de partitura o guía para los
movimientos de los intérpretes, además inventó una máquina de ruido
llamada Intonarumori o "entonador de ruidos", que fue duramente criticada en su época.
Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos de 1910.
Russolo fue el antecedente de la música concreta, un lenguaje sonoro en el cual se utilizaba
cualquier sonido, fuese este uno producido por la naturaleza o por la técnica (técnica
gutural, fuesen palabras o un lenguaje inarticulado).
GÉNERO URBANO
El género urbano es una mezcla de diferentes estilos y tendencias musicales que surgen
en las ciudades y que buscan reflejar la realidad y la cultura de los jóvenes que viven en
ellas. Con raíces en la música negra de los años 80 y 90, el género urbano ha evolucionado
a lo largo de los años para incluir influencias de otras culturas y tendencias musicales.
El rap, el reggaeton, el trap son solo algunos de los estilos dentro del género urbano que
han ganado popularidad en los últimos años. En este artículo, exploraremos la historia, las
tendencias y los artistas más importantes del género urbano, así como su impacto en la
cultura popular y en la sociedad en general.
Inicios del género urbano
El género urbano es un término genérico que se utiliza para describir una variedad de estilos
y tendencias musicales que surgen en las ciudades y que buscan reflejar la realidad y la
cultura de los jóvenes que viven en ellas. Con raíces en la música negra de los años 80 y
90, el género urbano ha evolucionado a lo largo de los años para incluir influencias de otras
culturas y tendencias musicales.
El origen del género urbano se encuentra en la música negra de los años 80, especialmente
en el rap y el hip-hop.
Con el tiempo, el rap y el hip-hop se convirtieron en una forma de expresión para los jóvenes
negros de las ciudades y comenzaron a ser utilizados para hablar de temas sociales y
políticos.

A medida que el género urbano fue evolucionando, comenzó a incluir influencias de otras
culturas y tendencias musicales. El reggaetón, por ejemplo, es un estilo de música urbana
que tiene sus raíces en Puerto Rico y que combina elementos de reggae, dancehall y hip-
hop. El trap es otro estilo de música urbana que tiene sus raíces en el sur de los Estados
Unidos y que combina elementos de rap, hip-hop y EDM.

Evolución del género urbano

La evolución del género urbano ha sido un proceso continuo a lo largo de los años, con una
serie de cambios y transformaciones que han dado forma a lo que conocemos hoy en día.
A continuación, se presenta una cronología de cómo ha cambiado el género urbano a lo
largo de los años y qué influencias han tenido en él.
A principios de los años 80, el rap y el hip-hop comenzaron a ganar popularidad entre los
jóvenes negros de las ciudades de Nueva York. Los primeros artistas de rap, como
Grandmaster Flash y Afrika Bambaataa, utilizaron samples de funk y disco para crear
nuevos beats y ritmos, mientras que los primeros MCs (maestros de ceremonias)
comenzaron a recitar poesía sobre un micrófono en las fiestas y los block parties. Con el
tiempo, el rap y el hip-hop se convirtieron en una forma de expresión para los jóvenes
negros de las ciudades y comenzaron a ser utilizados para hablar de temas sociales y
políticos.
Estilos dentro del género urbano
El género urbano es muy diverso y engloba varios estilos y subgéneros. Algunos de los más
populares son:
Rap: El rap es un estilo de música que se originó en las comunidades afroamericanas de
Nueva York en los años 70. El rap se caracteriza por una letra hablada rápida y rítmica
sobre una base de beats.
Reggaeton: El reggaeton es un estilo de música que se originó en Puerto Rico a finales de
los años 80 y principios de los 90. Se caracteriza por una mezcla de ritmos latinos, como el
reggae, el dancehall y la salsa, con elementos de hip-hop y electrónica. Algunos ejemplos
de Reggaeton son: Daddy Yankee «Dura»
Trap: El trap es un subgénero del rap que se originó en Atlanta, Georgia, en los años 90.
El trap se caracteriza por su sonido oscuro y melodías melancólicas, y letras que hablan
sobre la vida en los barrios marginales y la violencia. Algunos ejemplos de trap son: 21
Savage «X» ft. Future, Cardi B «Bodak Yellow».

R&B: El R&B es un estilo de música que se originó en las comunidades afroamericanas de

los Estados Unidos en los años 40 y 50. Se caracteriza por su sonido suave y melodías
melancólicas, y letras que hablan sobre el amor y las relaciones. Algunos ejemplos de R&B
son: Khalid «Talk».
Artistas destacados
Una de las figuras más importantes en el género urbano es el rapero estadounidense Tupac
Shakur. Nacido en 1971, Shakur comenzó su carrera en la escena del rap de Los Ángeles
en la década de 1990. Con una carrera corta pero impactante, Shakur dejó un legado
duradero en el mundo de la música urbana con su música que abordaba temas sociales y
políticos. Ganó varios premios importantes como el American Music Award y el MTV Video
Music Award. Tupac Shakur murió en un tiroteo en 1996 a la edad de 25 años.

Otro artista importante en el género urbano es la rapera y actriz estadounidense Nicki

Minaj. Nacida en Trinidad en 1982, Minaj comenzó su carrera en la escena del rap de
Nueva York antes de firmar con el sello discográfico Young Money Entertainment. Conocida
por su estilo único y su habilidad para alterar su voz, Minaj ha ganado varios premios
importantes, incluyendo varios BET Awards, un MTV Video Music Award y un American
Music Award.

La influencia del género urbano en el pop

Hemos notado que este género ganó una posición importante a nivel mundial, que la
participación de artistas con gran trayectoria, tales como: Madonna, Ricky Martin, Jenifer
López, Shakira, Luis Fonsi, entre otros, llevaron al género urbano a otro nivel, rompiendo
récords en millones de visualizaciones por las redes sociales, impactando a las
generaciones significativamente y generando avances en la industria musical.

Nos vamos dando cuenta cómo este ritmo lati no se ganó tanto su lugar, que muchos arti
stas pop se dejaron cauti var por él, para dar paso a la corriente del pop urbano,
experimentando por nada más y nada menos que Ricky Marti n, Jennifer López y Luis Fonsi,
que, haciendo un paréntesis con este últi mo arti sta, junto a Daddy Yankee, llevaron este
género urbano a otro nivel, rompiendo todos los records de reproducciones al alcanzar
4.300 Millones de reproducciones. Sólo este tema ha sido escuchado por el 57% de la
población mundial. Es así como este pequeño recuento nos lleva a darnos cuenta que esa
esencia urbana, esa señal de rebeldía y ese ritmo que sentimos que corre por la sangre,
con un bombo y un platillo, sea cual sea el ritmo, nos dice que este género de música está
para quedarse.

Por otro lado, podemos mencionar también el Kpop, Pop coreano, o música popular
coreana que es un amplio género, en el cual se mezclan ritmos, estilos y rutinas de baile.
Este género musical se caracteriza por la búsqueda de lo único, es decir, ti ene que ver con
poder sintetizar la esencia del artista, creando un producto que antes no se ha visto. Fusiona
una variedad de estilos que van desde el pop, hip-hop, rap, rock, hasta música electrónica.
 Preguntas

1.- Los dos únicos autores a los que podemos llamar impresionistas en aquella
época son:
Claude Debussy y Déodat de Séverac.
2.- ¿Quién fue Ígor Fiódorovich?
Fue un compositor y director de orquesta ruso y uno de los músicos más importantes y
trascendentales del siglo XX.
3.- ¿Quién fue Isaac Albéniz?
Fue un célebre compositor y pianista español, discípulo de Felipe Pedrell.
4.- ¿A que se refiere la música moderna?
La nueva música o moderna se refiere a la música de la tradición europea escrita
(artística), elaborada aproximadamente entre 1910 y 1975.
5.- ¿Qué es el género urbano?
El género urbano es una mezcla de diferentes estilos y tendencias musicales que surgen
en las ciudades y que buscan reflejar la realidad y la cultura de los jóvenes que viven en
ellas.
6.- ¿Quiénes fueron los principales artistas del rap?
Grandmaster Flash y Afrika Bambaataa.
7.- ¿Cuáles son los subgéneros más populares del género urbano?
Rap, Reggaetón, Trap y R&B