EL DESARROLLO DE LA PLÁSTICA

EN LA CIUDAD DE VERACRUZ
MANUEL SALINAS ARELLANO

ÍNDICE

Veracruz, Ver. 2005

ÍNDICE
Resumen
Introducción
1. El contexto
2. Entrevistas, la observación directa y relatos
3. Fuentes consultadas
4. Hacia un catálogo de creadores
visuales de la ciudad de Veracruz
Resumen
Este trabajo se inicia en el año de 1969 y aspira a continuar porque es una
investigación longitudinal que pretende conocer el desarrollo de la profesión de los
creadores visuales, difundir su obra, testimoniar su esfuerzo y expresarles la
solidaridad que requerimos todos, como parte de una sociedad que pretende vivir en
un mundo mejor, mediante el esfuerzo común y donde el arte tiene vital importancia
para la construcción de una vida espiritual individual y colectiva que contribuya a la
relación social en el más alto nivel de convivencia humana y de calidad de vida.

El trabajo contiene: El análisis contextual; la descripción de la metodología aplicada;

las entrevistas con personas involucradas en el desarrollo cultural de la ciudad,
específicamente en la plástica; el inicio de un catálogo de creadores visuales; en el
anexo una carpeta con el registro de documentos digitalizados que identifican etapas
del desarrollo de las artes visuales.

Una de las conclusiones en esta etapa del estudio es que los esfuerzos que actualmente
se hacen para contribuir al desarrollo profesional de la comunidad de creadores
visuales, debe estar en convergencia con las exigencias que a nivel mundial tienen
todas las profesiones, en un momento histórico en que la revolución científico técnica
que vivimos exige nuevas habilidades y conocimientos para participar activamente en
la construcción de ese mundo mejor que todos deseamos.

ÍNDICE
Introducción
Conocer el desarrollo de la Plástica en la ciudad de Veracruz fue un objetivo que
espontáneamente surgió como parte de una vocación personal hacia la comunicación
visual y el acercamiento con las expresiones artísticas.

Este acercamiento se realiza de manera interdisciplinaria pero haciendo énfasis en la

comunicación cultural, la investigación sociológica y antropológica, como parte de la
formación profesional.

Hay una convergencia entre el conocimiento empírico mediante el contacto cotidiano

con los creadores visuales y todas las manifestaciones culturales del Estado de
Veracruz, la construcción de una plataforma teórica que permitiera una introducción
metodológica al desarrollo de las profesiones sobre todo dos, las Ciencias de la
Comunicación y las Artes Visuales, y la producción de conocimiento como una
necesidad personal de contribuir al desarrollo cultural a través de los personales y
modestos recursos en el ámbito de la investigación independiente.

El trabajo inicia con un análisis contextual, en el que se plantea una reflexión

situacional y se describen las principales herramientas metodológicas aplicadas. Se
desarrolla a través del estudio de campo mediante entrevistas, la observación directa y
el diálogo con creadores visuales, así como funcionarios que dirigen las instituciones
de cultura y promotores culturales. Se presenta la primera etapa de un catálogo de
creadores visuales de la ciudad de Veracruz considerando a pintores y escultores.

Agradecemos a todas las personas que han colaborado con esta investigación, que se
inscribe dentro del ámbito del estudio de las profesiones en un esfuerzo de hibridación
disciplinaria con la intención de conocer el comportamiento de la creación visual como
una profesión que nos es necesaria como comunidad, como sociedad que aspira a
relacionarse y a vivir en los más altos niveles de convivencia humana y de calidad de
vida, en un mundo que estamos seguros puede ser cada día mejor con el esfuerzo
solidario de todos.
ÍNDICE
1. El contexto
El estudio de las plásticas locales en México, requiere de un trabajo interdisciplinario,
grupal, donde confluyan todas las especialidades posibles para que en un marco
adecuado se puedan observar, vivir, disfrutar, analizar los esfuerzos y resultados de
artistas que construyen su obra en la diversidad de la problemática cultural de su lugar
de arraigo.

Juan Acha señala este problema central diciendo que una de las mayores dificultades
estriba en la relación valor local/valor internacional, dice: “Hasta ahora hemos
buscado el internacional sin preocuparnos para nada del local. Nos impulsó a ello
nuestra dependencia, el complejo de inferioridad, nuestra mente colonizada y el
individualismo personalista. No quisimos ver lo cierto: que no hay valor internacional
sin valor local, por eso los países desarrollados buscan siempre este último.”1

Con la finalidad de realizar un trabajo de análisis acerca de la plástica porteña hemos

iniciado una búsqueda de información que nos ha llevado al diálogo con críticos de
arte y sobre todo con los pintores porteños, sin dejar de tomar en cuenta la opinión de
los funcionarios que promueven el arte y la cultura en la ciudad, particularmente las
artes visuales.

Nuestro Análisis se centra en tres núcleos fundamentales:

Los artistas plásticos porteños y su obra, la promoción del Arte y la Cultura, los
espacios de exposición y promoción, la elaboración de un catálogo incluyente desde el
punto de vista del estudio de las profesiones.

En lo que se refiere a los funcionarios que promueven el arte y la cultura tratamos de

conocer y entender las razones y los motivos de sus planes, proyectos, para realizar su
labor que en la parte más difícil se encuentra la actividad de construir relaciones de
trabajo productivas, para contribuir al desarrollo profesional de los artistas y el público,

1
Acha Juan. Crítica del Arte. Trillas. México. 1997.
que debe ser permanente y actualizada, labor que se encuentra mediada por ser parte
de una política cultural del Estado, lo cual marca sus límites y posibilidades tanto en
los recursos materiales como en los criterios de promoción y exposición de artistas y
obra.

Otro aspecto es el de la trayectoria, el trabajo de los artistas y su obra, donde

encontramos en cada uno y en la mayoría de ellos un trabajo consistente, esforzado,
mayoritariamente limitado en recursos, con carácter y personalidad definidos, con un
arraigo al espacio, tiempo y en general a la cultura propia local, con las dificultades
que esto muchas veces presenta para incorporarse al desarrollo general del arte cuya
complejidad aumenta en estos tiempos de exceso de imágenes y de exacerbación de
los valores del mercado.

Al ubicar el paradigma o paradigmas de la historia y crítica de arte, se plantean

preguntas centrales, entre otras, cómo valorar las plásticas locales sin ser injustos,
indiferentes, a la vez tratar de ser objetivos, mientras la objetividad no estorbe a la
sensibilidad, la percepción, ni haga a un lado la técnica o algún otro rigor
imprescindible, cómo conciliar los entusiasmos que provoca estar cerca de los
creadores, los artistas, ver sus afanes, sus resultados, su obra, la autenticidad de todos
los que me han permitido estar cerca, compartir sus sueños y realidades, con lo que se
ve afuera, con el a veces frío veredicto que las normas y las políticas culturales, las
teorías artísticas y estéticas proponen, cómo en estos tiempos ignorar al propio
mercado como un indicador real o irreal pero significativo.

Los puentes entre política cultural del Estado, instituciones, creadores y obra siempre
están en vías de construcción, los tiempos y los espacios cambian, también los
paradigmas, veo en los jóvenes artistas del puerto, un afán inusitado de compartir,
reunirse, de convocar a una permanente cultura grupal y relación humana que
fortalezca el intercambio y la crítica, la autocrítica, esperamos ver nosotros, los ya no
tan jóvenes, realizada la utopía de una comunidad de artistas porteños,
interdisciplinaria, profesional, capaz de gestionar y construir sus propios espacios, con
sus propios puentes de relación recíproca, digna y respetuosa con las instituciones, por
eso tratamos de contribuir mediante la investigación y escritura a ese proyecto de
cultura grupal, de comunidad artística porque todos la necesitamos para vivir mejor,
en el más alto nivel relación humana. Como parte de estos modestos afanes hice
durante un año la biografía del pintor Milburgo Treviño a quien trato desde 1971, a
Raúl Guerrero desde 1969 que generosamente comparte su trabajo, la conversación, la
amistad, recuerdo a uno de sus brillantes alumnos, Raúl Aranda a quien le montamos
su primera exposición en el Instituto Tecnológico de Veracruz, una muestra de obras
en madera y aluminio, abstraccionistas, en un trabajo digno, de gran calidad
profesional y en ese tiempo sorprendente e innovador en el puerto.

En 1969 y 1970 se inicia la maravillosa experiencia del programa de Difusión Cultural

que realizara el escritor Juan Vicente Melo en el Museo de la Ciudad, donde es ya
conocido de todos, hubo un periodo luminoso en el que llegaron los mejores
exponentes de la cultura mexicana, latinoamericana; se hizo teatro, pintura, escultura,
poesía en movimiento, cineclub, conferencias, con una difusión profesional en todos
los aspectos, desde los carteles hasta la organización y los espacios adecuados.

Uno de los aspectos que derivan de este contacto con los plásticos porteños es el vivir
la expresión de la iconografía que llamamos Plástica Porteña, que en largos periodos
es la crónica visual de la vida cotidiana de este espacio geográfico que se caracteriza
por su variedad cosmopolita y su arraigo local regional que lleva a construir a veces
contradictorias mezclas, como pueden ser el danzón porteño, el son, la vestimenta
tradicional, que se filtran en esa iconografía que a veces se arraiga en su localidad y
frecuentemente la trasciende para estar vigente en la modernidad. Los luminosos
colores firmes tomados de la naturaleza, la fauna y la flora típica del Estado y
particularmente del puerto, los nortes, el mar, la arena, los arrecifes, los accidentes
geográficos van formando parte de esa iconografía que no niega su parentela con lo
prehispánico, con lo hispánico, lo caribeño.

Luz, colores firmes, naturales, ritmo, vida cotidiana, fiestas comunales, negritud, una
concepción de vida ligada a los recursos naturales cercanos a la costa y el mar, al
trabajo como filosofía de vida.
Además de las imágenes y el color, la forma se ve orientada por la composición clásica,
rigurosa, como también por el abstraccionismo, el surrealismo, el realismo de los
pintores muralistas mexicanos pero negándose a la vez a sumergirse en algún istmo
como señal identificatoria.

La pintura, particularmente la pintura, más allá del pigmento sobre la superficie, como
dijera Guillermo Samperio, es imagen, color y encarnación evanescente de una idea;
sin embargo, continúa siendo sólo tintes, materiales aglutinantes y textura hasta que
llega al espectador. Es pintura ensimismada que al llegar verdaderamente a las razones
y motivos del espectador en el tiempo y espacio, alcanza tarde o temprano, a veces más
tarde que temprano su real trascendencia y significado.

El trayecto que ha seguido este trabajo es poco ortodoxo, pero sí con el mayor rigor
metodológico que me ha sido posible. Los autores son diversos y más su filiación
estética. Casimir Malevich con su obra Del cubismo al suprematismo. El nuevo
realismo pictórico, prologada por Luis Cardoza y Aragón contribuye al recorrido por la
historia del arte ya que dentro de la vanguardia artística rusa que agrupó a
excepcionales pioneros del arte contemporáneo este pintor ocupó un lugar importante.
Inicia con el cubismo y llega al suprematismo tras de asumir en su famoso lienzo
“Cuadrado blanco sobre fondo blanco”, expuesto en 1919 en Moscú, es muy
consecuente. Sus escritos nos permiten seguir el itinerario de su obra y a la vez de la
vanguardia artística rusa y también un valioso documento para comprender los
objetivos pictóricos y estéticos del arte no figurativo del siglo XX.2

Crítica del Arte de Juan Acha3 es un libro de divulgación que aporta una valiosa visión
de la teoría y la práctica de la crítica del arte. Dirigida al público en general, pero
especialmente a quienes desean conocer y ejercer esta actividad, artistas, estudiantes
de carreras relacionadas con el arte, aficionados a las bellas artes y comunicadores. Se
desarrolla a través de cinco capítulos donde el autor explora sus principales aspectos,

2
Malevich Casimir. Del cubismo al suprematismo. El nuevo realismo pictórico. Grijalbo. 1975.
3
Acha Juan. Opus cit.
estudia también la estructura de la obra, sus componentes, funciones y valores
tratando de vincular a la obra con el receptor. Analiza la tarea del crítico en su función
de conocer y difundir los aspectos productivos, distributivos y consuntivos de las
obras de arte recién creadas, así como proveer al lector de los elementos necesarios
para aprender a percibir, interpretar y valorar por sí mismo las obras de arte. El texto es
muy completo ya que expone un panorama amplio que va desde la fundamentación
teórica hasta los ejemplos que pueden dar la orientación en la aplicación de la crítica al
trabajo del artista y sus productos.

Los esfuerzos metodológicos de los investigadores por avanzar con mayor certeza en la
búsqueda de soluciones a los problemas del arte realizado en los estudios sociológicos
nos han llevado a la hibridación, tratando de aplicar los mejores resultados de los
diversos enfoques sin llegar al eclecticismo, sino a una visión holística que permita un
acercamiento al objeto de estudio que se sirva del método y que no esté limitado a
servir al método.

Natalie Heinich4 propone otro enfoque para que en vez de tratar de enmarcar al arte en
la epistemología, planteándolo como un fenómeno colectivo condicionado por lo
exterior, prefiere observarlo con la mirada de sus propios actores.

La comprensión del arte, que introduce el desorden y su conducta caprichosa junto

con la extrema subjetividad de la apreciación estética obliga a redistribuir los enfoques
metodológicos y teóricos para entender y explicar los sucesos no como fenómenos
obvios, sino como expresiones ricas y complejas.

La autora muestra cómo este campo del saber puede dejar de ser una ideología de lo
social y ofrecer nuevas perspectivas con base en la consideración de los valores
artísticos.

La postura que propone Heinich consiste en abrir los marcos de la disciplina

sociológica para tomar también por objeto al arte como lo viven los actores.
4
Heinich Natalie. Lo que el arte aporta a la Sociología. CONACULTA. México. 2001.
Las representaciones que se forman de él- y que, llegado el caso, también se forman
los sociólogos- no son entonces aquello contra de lo cual, sino aquello a propósito de
lo cual se construye la verdad sociológica.

La autora revisa las posturas antirreduccionista, acrítica, descripitiva, pluralista,

relativista, la neutralidad comprometida y finaliza con la denominada prueba de
pertinencia.

Es un libro que ha fortalecido el camino que hemos emprendido de manera flexible y

abierta, tratando de acercarnos al contexto, los creadores y su obra, así como también a
los públicos perceptores que forman el universo en el que la creación visual se realiza.

Otras voces, otros libros, nos han orientado en el camino para cambiar, consolidar y
corregir el rumbo también.

Raquel Tibol en su libro “Ser y Ver”5 resume la aportación de las mujeres a las artes
visuales del siglo XX. La obra se desarrolla mediante la reunión de reportajes,
entrevistas, notas informativas, crónicas, revistas y catálogos escritos por ella entre los
años 1953 y 1999.

Mujeres en las artes visuales; Breviarios de algunas precursoras; Activas en la segunda

mitad del siglo XX; Ser y Ver; Brevísimo epílogo son las partes en que se divide el libro
que nos permite acercarnos al contexto en que las mujeres han creado su obra.

El brevísimo epílogo además de contundente resulta esperanzador:

“Es muy posible que en siglo XXI muchas artistas plásticas, desde diversas opciones,
nuevos géneros, nuevas tendencias, proyecciones distintas, se vean en la
impostergable, quizás irrenunciable necesidad de defender tercamente, con sus
peculiares construcciones, la dignidad del ser y de la vida”.

5
Tibol Raquel. Ser y Ver. Mujeres en las artes visuales. Plaza y Janés. México, 2002.
Además de proporcionar al lector su crítica precisa, experta, puntualmente nos trae la
voz de las autoras.

El párrafo que a continuación citamos nos sirve para recuperar la voz de Raquel Tibol:
“Mirar para apropiarse, ofrecer, rescatar, asumir la plenitud del ser para la invención
estética. Todo esto sucedió entre mujeres artistas durante el siglo XX”.6

Continuando con algunas de nuestras referencias metodológicas Teresa del Conde7

nos ofrece un ensayo con un amplio relato que considera algunos de los principales
hitos de las corrientes artísticas en México durante el siglo XX, centrando la atención
en la pintura, haciendo referencia a varios textos de investigación, tanto de otros
autores como propios, además del trabajo de campo, es un ensayo con enfoque crítico,
el panorama que presenta es selectivo y discutible, mantiene la fluidez en la lectura
facilitada por la forma de relato, introduciendo voces de otras personas, principalmente
artistas. Como dicen sus editores, el libro es un recorrido por las artes plásticas: una
visita necesaria a la historia del arte mexicano desde el grabador Guadalupe Posada
hasta el vanguardista Gabriel Orozco, desde el muralismo hasta el arte conceptual:
puente del siglo XX al siglo XXI.

Analiza las corrientes históricas en que surgieron diversos artistas plásticos, sin omitir
los acontecimientos políticos y sociales de sus distintas épocas; reflexiona sobre los
géneros y los estilos: la escultura, la pintura, la instalación y el performance; plantea
sus posibles y futuras transformaciones generadas por las nuevas corrientes artísticas e
ideológicas.

Al continuar nuestra búsqueda metodológica y conceptual nos encontramos con

Mónica Mayer quien publica su libro Rosa Chillante. Mujeres y performance en
México,8 que es un relato en primera persona donde la autora cuenta lo que ha vivido y

6
Ibidem, pág. 296.
7
Del Conde Teresa. Una visita guiada. Breve historia del arte contemporáneo de México. Plaza y Janés.
México, 2003.
8
Mayer Mónica. Rosa Chillante. Mujeres y performance en México. CONACULTA/FONCA/AVJ
editores/Pinto mi Raya. México, 2004.
lo que ha visto. Menciona que no hay documentos sobre los que se pudiera basar con
un mayor distanciamiento, las principales fuentes de información son la memoria, las
conversaciones íntimas, el haber sido testigo de los hechos y los documentos que su
equipo de trabajo genera.

Respecto al performance dice:

“….como el principal soporte del arte acción es el cuerpo de la artista tiene algo de
autobiográfico. No olvidemos que el performance no pretende representar la realidad
sino intervenirla a partir de acciones. En general el performance es un arte en primera
persona y resulta lógico analizarlo a partir de una estructura análoga”.9

A través del libro espera transmitir el asombro que le han producido los cambios que
ha visto en las artes visuales en las últimas décadas, particularmente en el performance
y el entusiasmo que siente por el trabajo de sus colegas.

El libro es cálido y mantiene el tono rosa chillante en todo su contenido, logra

transmitir sus entusiasmos pero también su rigor crítico. Nos presenta el desarrollo de
tres décadas: Los años setentas; Los años ochentas; Los años noventas.

En las páginas de Rosa Chillante disfrutamos un material diverso, rico y profundo de

la creación de performance en México por las mujeres, trayecto en el que nos
encontramos con provocaciones para la reflexión en temas como la vulnerabilidad del
individuo ante el poder, el deseo colectivo de contribuir a construir un mundo mejor,
una sociedad de individuos fuertes e independientes con voz propia.

Imprescindible es la obra de la Doctora Ida Rodríguez Prampolini que impresiona por

todos los valores que encierra, el amor al trabajo y a México, el esfuerzo, la honestidad,
el rigor metodológico, su amplitud y profundidad, el no dar concesiones, pero no tan
solo nos referimos a su obra escrita, sino también a su intervención en la educación y
la promoción de la cultura.

9
Ibidem, pág. 6.
Sus libros son fuente de aprendizaje permanente: La crítica de arte en México en el
siglo XIX que dice justamente en su comentario de edición:
“La doctora Ida Rodríguez Prampolini es una de las humanistas más destacadas de
nuestro país. En ella armonizan una gran erudición, un espíritu creativo y una
capacidad crítica del arte en México que provienen de una luminosa visión global del
arte contemporáneo y de haber realizado estudios originales que descansan en una
investigación exhaustiva .

Ida Rodríguez Prampolini es uno de los miembros más distinguidos del Instituto de
Investigaciones Estéticas, lo que le valió en 1987 ser nombrada, por el Consejo
Universitario, Investigadora Emérita del mismo Instituto. A lo largo de su carrera
académica, ha publicado, entre otros textos, 15 libros, 130 aartículos especializados y 30
catálogos de exposiciones. La mayor parte de su obra está dedicada a distintos
aspectos de la historia moderna contemporánea del arte y la arquitectura de Europa y
de México.

Las principales áreas de interés para Ida Rodríguez Prampolini son, por una parte, la
interpretación de los movimientos artísticos y los signos plásticos de nuestro
tiempo(El arte contemporáneo: Esplendor y agonía. México, Editorial Pormaca. 1961:
Herbert Bayer: un concepto total. México.UNAM. 1975: Dada: Documentos. México.
UNAM: 1977).

Por otra parte Ida Rodríguez Prampolini ha hecho una de las contribuciones de mayor
importancia para los estudios de arte en México: La crítica de arte en México en el
siglo XIX (1ª, ed, 1964), que ahora se reedita y que es un instrumento de trabajo cuya
utilidad ha sido comprobada por la frecuente consulta que de esta obra hacen los
especialistas y estudiosos del arte del siglo XIX.

A lo largo de casi treinta años de impartir la cátedra de arte moderno y contemporáneo

en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, Ida Rodríguez Prampolini desarrolló
uno de los cursos más originales en torno a la disciplina, combinando la teoría con la
historia, la descripción con la significación. Como reconocimiento a su labor, la
Universidad Nacional Autónoma de México le otorgó en 1991 el Premio Universidad
Nacional en Docencia”.

Rita Eder en su presentación de la segunda edición de 1997 dice:

“En el prólogo a la segunda edición, la autora relata cómo elaboró esta investigación
entre 1958 y 1960. Concurría diariamente a los gélidos espacios de la Hemeroteca, y sin
la ayuda de becarios o de computadoras pasaba largas horas revisando el material y
transcribiendo a pluma el equivalente de tres tomos impresos; realmente, este trabajo
fue hecho a mano”.10

Este trabajo como ya lo hemos advertido es una investigación longitudinal y

continuaremos documentando; las fuentes consultadas, consignadas en su lugar
correspondiente, indican el camino teórico y metodológico que estamos siguiendo.
Esperamos continuar recibiendo a través de los propios creadores, funcionarios que
dirigen las instituciones de cultura, promotores culturales y público, el apoyo para que
podamos actualizar la información y el análisis de manera permanente, sobre todo el
catálogo, que considera indicadores importantes del desarrollo profesional individual
pero que también presenta el desarrollo profesional colectivo de una comunidad que
nos es imprescindible.

ÍNDICE

10
Rodríguez Prampolini Ida. La crítica de arte en México en el siglo XIX. UNAM. IIE. Tres tomos. Segunda
edición. México. 1997.
2. Entrevistas

Tratando de mantener la línea metodológica que pretende incorporar la voz de los

actores del proceso de desarrollo de la plástica en Veracruz, acudimos a críticos de
arte, administradores de los espacios culturales, promotores y los propios creadores
de quienes a continuación presentamos sus respectivas entrevistas. Esperamos a
través del tiempo poder llegar a todos o por lo menos a la mayor parte de ellos.

Graciela Kartofel
Crítica de arte
La maestra Graciela Kartofel es historiadora de Arte, ejerce como docente, crítica y
curadora de Arte Contemporáneo, con especialización en América Latina. Ha impartido
clases en la Universidad Autónoma de México durante 15 años, ha sido profesor invitado
en varias universidades de Alemania, Australia, Francia, Bélgica, Estados Unidos,
Argentina, Brasil, Uruguay, Chile, Colombia, Venezuela entre otras.

Creó TACAV, Taller de crítica de Arte, que se impartía en Michoacán y se extendió a los
estados del centro de la República, advirtiendo las necesidades locales, el programa se
amplió a aspectos básicos de museografía, curaduría, desarrollo y conservación de
colecciones públicas y privadas, préstamos, contratos, educación, comunicación gráfica,
prensa, relaciones públicas. Es Consultora de certámenes e invitada por Photofest, Houston
para revisión de portafolios.

¿Cómo observa el desarrollo de las plásticas nacionales en América Latina y si

pudiera precisar cuáles son las que más aportan, sobre todo en este desarrollo de
acelerados cambios y altas tecnologías en la producción de imágenes?
Como usted bien lo ha dicho y comentábamos ayer en el taller..... hoy en día no estamos en
un momento del estilo sino de los estilos, en este carácter también América Latina no es un
continente homogéneo sino que son varios países y dentro de los países varias identidades
de culturas diferentes o de situaciones de colonizaciones más fuertes o menos fuertes, de
culturas pasadas muy fuertes o inexistencia de culturas pasadas, así que no podemos decir
que es un paquete con una sola etiqueta, empezando por ahí es importante señalar que
América Latina tiene tres grandes vectores que son México, Brasil y Argentina, son los
países con mayor carácter, mayor presencia, mayor territorio, mayor desarrollo a nivel
industrial, son tan diferentes, por suerte que no podemos decir uno de los tres es el mejor, o
uno de los tres es el que marca la pauta, la herencia de la colonización en Brasil,
marcadamente francesas y portuguesas más la fuerte presencia africana crean un territorio
con una mitología un carácter muy especial, por el contrario Argentina es un país que no
tiene culturas precolombinas, casi no tiene culturas indígenas, las que han existido han sido
mínimas en cantidad y en desarrollo en un territorio amplio y poco poblado, sumado a que
la colonización fue muy fuerte dirigida especialmente a lo que hoy es Buenos Aires, la
Capital, a diferencia de Brasil que se extendió por lo menos en una franja del territorio,
sumado a que la historia de Argentina a mitad del siglo XIX hay una campaña que se llama
Al desierto, militares exterminan totalmente los pocos indígenas que quedaban, en parte el
propósito es ese fundamentalmente, pero el propósito también es establecer ciertos lazos y
ciertas libertades de territorio con áreas que querían unir y modificar, ya marcando una
conducta de los futuros dictadores y los exterminios militares que se van a suceder en
Argentina, posteriormente, nosotros vamos a encontrar muy leves descubrimientos de
algunas culturas en vestigios en el sur y algo de la cultura más bien relacionada con
personajes del pasado indígena pero muy aislados en el norte de la República, mientras que
en México, como sabemos tenemos un maravilloso mosaico donde la importancia de las
culturas primitivas su variedad, la densidad de sus desarrollos crea un territorio para el
presente y para los presentes anteriores a nosotros.

Entonces si bien esos son los países importantes en el continente no son comparables entre
sí con las mismas reglas, como usted sabe últimamente se ha tratado mucho de decir
América Latina y el Caribe, como si el Caribe no fuera América Latina, evidentemente que
sí lo es, pero entre los países del Caribe hay mayor identidad que entre los países del Caribe
y los tres que mencionamos en sí, y otros como fuera Chile, Uruguay o Bolivia, esto que
puede parecer muy obvio, es muy importante y define de alguna manera sin dar nombres y
sin dar estilos que la plástica del continente es una plástica de múltiples variantes y qué
tiene imágenes, materiales, tendencias muy diversas, ha habido grandes artistas en cada uno
de los países del continente, la figuración predominó definitivamente todas las primeras
décadas del siglo XX para entrar en un territorio más próximo a nosotros, y la pintura y la
escultura ocuparon los lugares fundamentales, el dibujo ha tenido buenos cultores pero en
menos proporción, la estampa tiene muy buenos representantes pero parecería que siempre
el centro lo lleva la pintura, debemos tener claro que la pintura no es el arte, la fotografía
permite trabajos estupendos, es un camino muy rico, las instalaciones, la escultura por
supuesto, el video hoy en día, son medios que permiten buenas realizaciones, siempre y
cuando las realizaciones sean buenas por sí mismas, no por los medios, los materiales o las
técnicas, ¿sigue siendo América Latina totalmente figurativa? No, en las imágenes de
América entran a producir artistas muy importantes mundialmente en las áreas de
abstracción, geometría, arte cinético y también de arte conceptual y neoconceptual, con
todas las subáreas que todas estas manifestaciones tienen, y digo grandes artistas en el
sentido de que la obra es muy sólida, muy original, establece aportes teóricos reales y no
una plástica sin sentido y porque establecen algunos puntos clave para autores del mundo.
También en este sentido ya vamos a hablar de lo que yo llamo equilibrio de las
migraciones, así como llegaron muchísimos europeos a América Latina, empiezan algunos
latinoamericanos a fines del siglo XIX a viajar a Europa, principios del XX también y luego
ya individualmente de manera más liberal o menos oficial. Si nosotros miramos hacia el
pasado, estos autores que van viajando en el siglo XIX a fines, en su mayoría establecen los
ensayos, no hay buenos resultados de esos viajes, no saben a dónde dirigirse, no conocen lo
que en ese entonces se llamaba la vanguardia y van a escuelas que están fuera del territorio
contemporáneo que son muy académicas, sobre todo porque los pocos profesores que
llegaban de Europa eran gente sumamente académica, entonces les hablaban de donde ellos
habían estudiado, con afán académico y muchos años antes por lo que se empezaba a mirar
hacia atrás, nunca hacia el presente de ellos, algunos de esos viajeros ya a principio del
siglo XX se dan cuenta de esto, y aunque se inscriben en Academias muy clásicas se salen
y van a empezar a investigar, dónde es, dónde ir, cómo manejarse de otra manera, cómo
aprender y de esa inquietud de ellos surge que también descubren los talleres los talleres de
los grandes autores de la época como el caso de Wilfredo Lamm, Picasso, Braque, los cafés
de París, algunas escuelas en Alemania, algo ocasionalmente en Inglaterra, pero
fundamentalmente es Francia la que atrae esa mirada, en parte Italia y de ahí empieza a
despertar el continente, hoy estamos casi a un siglo después de que se empiezan a darse
estos movimientos, después, en 1908 están viajando autores como Diego Rivera, becado,
mientras que en Brasil esto va a darse pero menos, hasta que empiezan a llegar algunos
maestros contemporáneos europeos que se instalan en ese país, en ese contexto empieza a
darse ese primer juego de migraciones diferentes, si nosotros miramos a nuestro presente
han pasado muchas cosas, los artistas van por su cuenta, van por una beca, van a ver a
aprender, van a descubrir Europa como antes los europeos venían a descubrir América, y
algunos son gente responsable, realmente estudian, aprenden aunque sea solos, otros
pierden el tiempo, que también tiene su gracia, depende de lo que uno quiera hacer de la
vida, así Diego rivera se va a conectar con los cubistas, Lucio Fontana se va a conectar con
los cubistas y con los futuristas, participa en las exposiciones fundamentales de los
futuristas en Italia, y van a crear los hitos de una pintura personal de carácter internacional,
de valor autónomo. Como estos casos debemos citar muchísimos, dar nombres siempre es
muy delicado porque uno se olvida, porque uno entiende determinadas situaciones, más
parcialmente y en el orden de lo más reciente, la generación más joven se sigue dando, se
da con un impulso diferente, México tiene muy buenos artistas, Brasil tiene artistas
excepcionales, Argentina tiene buenos artistas pero no es tan fuerte como era hace cinco
décadas, más que hablar de nombres y tendencias específicas, hablaría de planos de trabajo,
la pintura tradicional sigue existiendo, lo quiero decir con tradicional es el bastidor, el
formato del cuadro, la pintura al óleo, la acuarela, sobre papel, sobre tela, el dibujo, el
collage, hay autores que han hecho grandes aportes en el terreno del arte cinético, hay
autores que han ido a vivir a Paris y ahí se encontraron el grupo de Investigación de las
Artes Visuales y establecieron las bases de todo el movimiento cinético, trabajaron ahí
franceses, otros europeos que habían llegado, y varios latinoamericanos muy importantes,
según ellos como según cada movimiento lo que cada uno hace es la única verdad del arte y
la que va a perdurar y la que va a perdurar y las otras van a desaparecer, y sabemos que no
es así, entonces hoy en las puertas del siglo XXI tenemos muchas tendencias y la
autonomía de que los artistas pueden elegir varios aspectos y trabajarlos simultáneamente
sin que esto pase por la procesadora de alimentos, que son resultado limpio, personal,
estructurado, pero ya no es más que si es geométrico, solo geométrico, si es figurativo, solo
figurativo, idealiza la figura, solo va a idealizar la figura y no va a tocar nada más.

Usted vive de cerca la plástica jalapeña, ¿cuál es el panorama que observa, es una
plástica que trasciende lo local?
La plástica jalapeña tiene evidentemente muchos productores, tiene espacios para
formación de productores artísticos, de autores, y esto es muy importante no solo por la
enseñanza sino por la convivencia, por un espacio en el que se puede ver lo que hace el
otro, dialogar y entonces eso viene existiendo desde hace mucho, yo he estado viniendo a
Jalapa desde hace más de veinte años, a Veracruz también pero menos, no he tenido tanta
oportunidad de hacer viajes a nivel profesional, pero si hermosas escapadas a nivel
personal. Veracruz tiene mucho para dar, que haga de sus espacios turísticos espacios
culturales, que de alguna manera ha empezado a hacerlo y a proponérselo porque está
produciendo cosas que atraen al turismo, en cuanto a la plástica estrictamente hay
productores jóvenes y eso hay que destacarlo, los hubo hace tiempo y los hay ahora, llegan
extranjeros porque están las escuelas y ahí van a enseñar, aprender, hacer maestrías y
podemos entender que hay de todo, hay que trabajar, si se trabaja todos los días aunque no
sea el artista más brillante se tiene una claridad de lo que se puede hacer y de lo que no se
puede hacer y lo que puede alcanzar el artista en su relación entre la imagen interna y lo
que llega a plasmar en el papel, en la talla directa, en la estampa, en lo que fuera, si se
trabaja ocasionalmente está uno cargado va a la tela o al papel, y ahí puede meter un gol
pero al día siguiente ya no hay casi goles, al tercero tampoco, uno se desanima y no vuelve
hasta que no hay algo urgente, y así no se puede trabajar entonces, sí, en Jalapa hay esta
constancia, que es muy necesaria por los espacios de estudio y de formación, por la
convivencia, por los espacios de exposiciones que tienen consistentemente exposiciones
muy articuladas, porque hay artistas profesionales con preocupación por mantenerse vivos
locales o internacionales.

Está el Jardín de las Esculturas que viene cubriendo una función muy importante porque
convoca con preocupación y brinda espacios en distintas presentaciones, ahora está el
Simposium Internacional de Escultura durante un mes, estuvo el Encuentro Internacional de
Cerámica, hay encuentros diferentes y eso muestra una voluntad de trabajo, en medios
económicos estamos todos iguales, no hay medios económicos, pero hay voluntad de
trabajo y esto permite mostrar el ejemplo también a los jóvenes de hay que trabajar
constantemente, hay autores que trabajan en un territorio más primitivo o contemporáneo,
hay conceptuales o neoconceptuales, hay autores que trabajan la escultura de una manera
muy interesante y sólida, hay gente trabaja muy bien el dibujo y la estampa, y ahí salen solo
cuatro nombres, Rafael Villar en escultura que es un maestro y escultor muy consciente,
muy responsable, con imágenes personales y consistencia de trabajo, está en estampa Per
Anderson y en Dibujo también, una persona muy sólida en su trabajo visual, pintura y
objeto está Roberto Rodríguez y Manuel Velásquez que hacen objetos, ocasionalmente
hacen algo de muebles, pintura, técnicas mixtas, gente que también conozco desde hace
mucho tiempo, hay muy buenos escultores en cerámica, Gustavo Pérez sólido en su trabajo,
Javier Cervantes, sólido, creativo, disciplinado, Mariana Velásquez viene dando imágenes
personales relacionadas con la semifiguración y la naturaleza local bien planteada y
depurada, Leonor Anaya que es una escultora soberbia, absolutamente concentrada en el
trabajo de alto nivel de autocrítica, todavía no descubierta internacionalmente, esperemos
que esto se remedie pronto, como toda esta gente que estoy mencionando, a algunas les he
podido ayudar a presentar afuera, la curaduría de distintas exposiciones a lo largo del
tiempo, lo que fue el grupo El Tomate que fue sumamente interesante, ahora cada quien
está trabajando independiente, Elsa Naveda que viene trabajando con un gran afán de
desarrollo y se que me estoy olvidando de algunos nombres, pero estamos hablando de
imágenes bastante diferentes y personales, Carlos Jurado, está Fematt en fotografía y hay
jóvenes que vienen haciendo propuestas, hay intercambio con otros estados, vi una muestra
de Alvaro Santiago, oaxaqueño, donde se puede ver cómo el artista trabaja una pintura de
realismo mágico bien resuelta y también trabaja otros medios, como el papel hecho a mano,
la cerámica, el dibujo, Maribel Portela en el Jardín una muestra de una instalación muy
contemporánea muy bien resuelta, de esta manera caracterizamos un poco cómo está
Jalapa, se trabaja mucho para poder convivir en una conducta profesional y constante...y
ahora viene la difícil..¿qué pasa aquí?
¿Cuáles serían las categorías para evaluar las plásticas locales, donde hay esfuerzos,
trabajo, resultados?
Ayer hablábamos en el curso de esto, qué queremos hacer, algo pintoresco, simpático que
se ha hecho cien mil veces y se hará otras cien mil veces, eso ya sabemos cómo se hace, es
fácil, si queremos desarrollar elementos diferentes, personales con una estructura interna en
donde no sea por agregado y no sea por lo pintoresco, hay que trabajar mucho, diario, con
visión autocrítica, no engolosinándose, y ver qué es lo que pasa afuera y para saber que es
lo que uno no quiere hacer, lo que ya se ha hecho, y a lo mejor se dice no le entro y buscar
adentro formas, propuestas, lenguajes y en relación con eso elegir los materiales que uno
quiere trabajar, el estilo como estilo no es la búsqueda fundamental, sino realizar obras
personales que existan con un carácter propio que lleven lo ordinario a lo extraordinario.
Uno de los espacios más importantes de los últimos tiempos de Veracruz para la actividad
plástica es la Casa Principal, usted está trabajando ahora en ella cuál es su opinión respecto
a esta labor.

Cuando tuve la oportunidad de conocer la Casa Principal por fuera en uno de mis viajes,
pasé por Veracruz, porque me dijeron que había abierto, me pareció por fuera un espacio
interesante, ahora que he estado y observo cómo se está manejando y veo que es un punto
importante porque se maneja objetivamente, no hay presiones de ningún tipo, más que de
trabajar, hay una búsqueda de opciones de difusión, de información, de muestras de
calidad, de criterios diferentes en lo estético, en Casa Principal estoy teniendo la
oportunidad de estar dialogando con muchos de ustedes, lo que es muy importante para mí,
estoy muy agradecida por esta oportunidad, especialmente el trabajo de su Director que
marca cómo el IVEC tiene aquí un espacio de exhibición, de diálogo acerca de la cultura de
Veracruz y la importancia que tiene el Puerto, el Estado, porque tiene maravillosa
arquitectura, que se ha rescatado y que hay que seguir rescatando, gente que se dedica a las
artes visuales o que quiere dedicarse, interés por la música, por otras áreas, la música
popular es fundamental pero también las otras manifestaciones y en el caso de Daniel
Domínguez, Director de la Casa Principal, me doy cuenta de que hay una preocupación en
el sentido de hablar de un curso pero hablar con la preocupación de decir podemos tener un
programa pero me interesa que se respeten las necesidades de la gente del lugar, más que
elegir un programa que a mí me parece bueno.
Daniel Domínguez
Director del Centro Cultural Casa Principal.

¿Desde cuándo iniciaste tu gestión como Director de la Casa Principal y cuál sería
el resumen de los resultados hasta el momento?
D.D.: “En febrero del 2000 iniciamos esta gestión y logramos darle una continuidad al
trabajo que venía desarrollando Armando Castellanos quien es una persona
especializada en Artes Plásticas y que por razones personales y de salud tuvo que
regresarse a la ciudad de México, entonces hicimos una transición muy suave en la que
finalmente me quedé yo al frente de la Casa Principal. Durante este año se dio un
cambio en la administración del IVEC, con la llegada de la licenciada Perlasca me he
quedado al frente y en este mismo espacio estamos llevando las actividades del Fondo
Estatal par la Cultura y las Artes.
Durante este tiempo, y quiero hablar un poco más de lo reciente, de lo que es este
nuevo año, hemos tenido ahora un par de exposiciones interesantes, en especial una el
17 de febrero, cuando se dio la Reunión de Directores de Institutos de Cultura y
tuvimos el privilegio de que nos viniera a inaugurar la nueva Presidenta del Consejo
Nacional para la Cultura y las Artes Sari Bermúdez con todo su equipo, conocieron el
espacio e inauguraron la exposición de Daniel Lezama, que es un pintor nacido en la
Ciudad de México en 1968, el año pasado ganó la Bienal Tamayo y tuvo el cuidado de
hacer un excelente catálogo bilingüe y considero que se proyecta como una de las
figuras dominantes en los siguientes años en la plástica mexicana porque tiene un
excelente manejo técnico, rescata de algunos grandes maestros el manejo del claroscuro,
el trabajo con la luz, porque su temática es innovadora en la medida en que se vuelve
sumamente perturbador, sacude la conciencia, se mete en los bajos fondos, en ciertas
perversiones y cuestiones íntimas que sacuden completamente a la persona, es muy
interesante su propuesta, lo teníamos previsto desde el año pasado y el tiempo fue a
favor nuestro porque durante ese año fue ganando premios y reconocimientos muy
importantes, esta exposición la miraron aquí en Veracruz y lo invitaron a San Antonio y
estimo que abrirá un mercado muy importante en Estados Unidos.
A la par de la exposición de Daniel Lezama se abrió una “instalación” que es un trabajo
diferente, al de las exposiciones, ya que tiene que ver más con ambientación, con
ambientación, con cuestiones conceptuales, a veces de iluminación, de atmósfera, de
planteamiento de propuestas que se logran a través del sonido, de la luz y de la
expresión plástica.
Es un discurso plástico diferente al discurso común o convencional de las obras puestas
sobre el lienzo, las instalaciones corresponden a una propuesta más contemporánea de
arte, como esta llevada a cabo por Guillermina Ortega y a la vez está con nosotros
Lourdes Aspiri con sus collages y acuarelas en un discurso muy diferente a lo que ella
había trabajado y que nos da mucho gusto tratándose de una artista local. Esta ha sido la
tónica de la Casa Principal, conjugar artistas de mayor trascendencia nacional muchas
veces veracruzanos pero que tienen ya una proyección nacional o internacional, con
artistas veracruzanos locales, jóvenes, con algunos invitados especiales durante todo
este periodo”.
¿Cómo se ha dado el contacto con los artistas locales?
D.D.: “Se ha ido dando paulatinamente, hay una dificultad muy grande, en una sala
podemos tener de seis a ocho exposiciones en un año, es para lo que nos rinde el
presupuesto y es lo que nos conviene tener, porque tanto trabajo de montaje, de
curaduría, invitaciones, catálogos, visitas guiadas, todas las cuestiones que tienen que
ver con exponer obra, conviene tenerlas por lo menos unos cuarenta y cinco días para
que más gente las venga a ver y se haga una correcta difusión y una buena promoción,
la demanda es mucho mayor, lo que he notado es que se percibe en el ambiente que los
espacios con que se cuenta en Veracruz, que son pocos de todas maneras, resultan algo
inaccesibles para la mayoría de los artistas plásticos, yo lo que diría es que para ellos
han estado abiertos, pero hay que tomar en cuenta que el que expone tal vez tendrá que
esperar dos años antes de volver a exponer para darle lugar a otros y que quienes
quieren exponer no es tanto que se les vaya a buscar sino que en el caso de los artistas
locales tienen también que hacer labor en el sentido de proponer carpetas interesantes,
proyectos interesantes, vincularse con los espacios y no estar en su asiento esperando a
que se les llame, en una actitud pasiva sino de mayor interacción y de conciencia de que
los espacios son muy reducidos y muchas las demandas, generalmente tendríamos
demandas quizá para seis años de exposición y yo puedo programar para un año”.

¿Cómo observas el panorama de la Plástica en el Estado de Veracruz?

D.D.: “Es riquísima y muy desigual, en general he notado y eso te lo puedo decir más
por el trabajo que hago en el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes, la gran riqueza
que hay en cuanto a proyectos ya realizados de plásticos veracruzanos, y la gran
concentración de plásticos en Jalapa sobre todo, es impresionante porque en otros
Estados se dan a la mejor veinticinco o treinta becas y sobran, la demanda no es tan
fuerte, aquí se ofrecen cien o setenta y cinco becas y entran trescientos proyectos y de
esos más de cien son de Artes Plásticos, en la Facultad de Artes Plásticas es un
semillero bastante fecundo, en el que ya hay una base fuerte que se tiene que seguir
trabajando y que tiene que renovarse para volverse más sólida, porque muchas veces las
propuestas de las jóvenes generaciones se vuelven un poco reiterativas, sin embargo
todos ellos tienen ya una base, un sedimento de calidad que es un poco desigual contra
el resto de los municipios donde no hay una Facultad de Artes Plásticas, en donde no
tienen formación y no tienen a veces un marco conceptual, teórico, referencial, artístico,
un mundo artístico que les permita retroalimentar más su obra, talento lo hay en todo el
Estado, pero no trabajan bajo las mismas condiciones, no hay las mismas condiciones
de exposición, galerías, difusión a través de los medios y hay grupos de plásticos
locales aquí en el puerto que están trabajando, que están inquietos, que tienen energía y
que necesitan plantear mejor sus proyectos, armar mejor sus carpetas, para tener
mejores resultados y mejores exposiciones.
En el caso de la Casa Principal he buscado siempre apoyo, asesoría tratando de que sea
un grupo que colabore en la programación y se tiene una asesoría directa sobre las
exposiciones a programar en este espacio. Daniel Lezama armó un discurso muy
interesante en el que había una gran calidad en la obra realizada, un buen trabajo que se
estaba haciendo en ese período en formatos de 2 x 3 en óleo con excelente factura, que
desde la propuesta misma en la que él está haciendo un catálogo de más de cien páginas,
a color, pasta dura, con textos de Carlos Monsiváis, con introducciones de diferentes
artistas muy prestigiados y con una propuesta en la que ya armó una exposición que
viene de Querétaro, que es la misma, en la que vamos abatir costos, me permite hacer
un trabajo mucho más enriquecedor para el público veracruzano que si salimos con
tríptico de dos cuartillas y un trabajo en el que el discurso del proyecto no esté del todo
bien articulado, no se trata de decir tengo algo de producción, vemos qué hacemos y
llenamos una sala, sino qué se quiere decir, cuál es el discurso visual, cuál es la
inquietud o búsqueda en este momento, qué es lo que se quiere aportar al público
potencial que viene a una sala de Arte, no se trata de satisfacer el ego, sino qué le quiere
decir a esta sociedad, a este posible público, cuál es la propuesta, cuál es el interés, y de
ahí partimos, a mucha gente le gustaría que se publicara un libro, sus poemas, su
cuaderno de anotaciones íntimas, pero qué libro merece ser publicado qué libro no, es la
misma cuestión, cuando te acercas a una institución es que buscas condiciones óptimas
de exposición y ahí es donde los artistas tienen que entrar en la competencia y la
alternancia con otros artistas que en el mismo tiempo y espacio quisieran ser expuestos.
Muchas veces también es conveniente hacer exposiciones colectivas, en las que se
puede armar un discurso interesante de calidad”.

¿Cómo ves el panorama de la plástica porteña?

D.D.: “Falta todavía mayor solidez, muchísima energía, mucha creatividad, hay
frescura, pero como un todo no están armados siempre los discursos con toda la fuerza o
toda la potencia que ocurre ya si hacemos comparación un grupo de artistas plásticos
que están actualmente en Jalapa y que tienen un nivel nacional, como el caso del
escultor Rafael Villar que ha sido maestro de la Facultad de Artes Plásticas, formador
de muchísimos de los artistas que están vigentes, que tiene una amplia trayectoria y un
resultado de su trabajo de gran nivel, aunque tenga o no un reconocimiento nacional al
mismo grado que lo pueden tener algunos otros artistas jalapeños, pero que tiene
calidad, puedo invitar a una crítica de arte como es Miriam Kayser, a que presente su
obra y ella puede constatar que el trabajo tiene un altísimo nivel de calidad y además en
esas invitaciones que hacemos a los críticos, se convierten en promotores de estas obras,
los artistas del puerto tienen que trabajar más y seguirse formando, es lo que estamos
buscando con que haya más talleres y ser más disciplinados en tener discursos más
articulados que permitan ofrecer un proyecto digno de ser expuesto, como el caso de
Lourdes Azpiri, quien de una manera callada, constante, de muchos años está dando
frutos, la misma Miriam Kayser vio se trabajo y me decía, sabes porqué este tipo de
trabajo con acuarela no lo hay mucho, es que es muy difícil, porque es una técnica muy
difícil de manejar y ella la tiene, su trabajo tiene una gran calidad, le falta proyección y
esa proyección, muchas veces podemos ayudar las instituciones a dársela,
probablemente puede mejorar la presentación de su obra, lo que se refiere al concepto
en el que se presenta, y esa es una inversión, y los artistas tienen también esa dificultad,
que se requiere dinero para que su obra quede mejor presentada, se requiere dinero para
un catálogo, para un tríptico, el que ya lo hizo tiene una ventaja, le es más fácil a quien
tiene ya un buen catálogo conseguir otro y nosotros tenemos que estar buscando esto y
dándole oportunidad a todos, en este mismo espacio hay un taller con Israel Barrón que
es un gran maestro joven, tiene un grupo de 20 personas trabajando con él que creo van
a dar resultados en un futuro, es un taller abierto para todos y muchos de los artistas
porteños lo han tomado porque es un ejercicio que les permite estar en forma para
ejercitarse tanto en el dibujo como en la pintura”.
Las plásticas locales en México
Patricia Soriano
Interesantes experiencias, creativas, provocadoras, formativas, han resultado del Festival
Pedagógico de Artes 2001 que se realizó en 20 sedes del Estado de Veracruz, del 23 de
julio al 11 de agosto y donde conocimos a Patricia Soriano, una extraordinaria mujer,
excelente pintora y dinámica instructora del Taller de Pintura que se realizó del 6 al 10 de
agosto con una duración de 20 horas en las instalaciones de los Talleres libres de Artes de
la Universidad Veracruzana en una prometedora colaboración interinstitucional,
auspiciados por la Secretaría de Educación y Cultura y el Instituto Veracruzano de Cultura.
La repercusión de este curso en el quehacer de los artistas plásticos que lo recibieron según
las opiniones de ellos mismos es el de estimular la búsqueda de nuevas propuestas técnicas
y temáticas, por ello consideramos muy importante entrevistar a la instructora del Taller
Patricia soriano quien tiene un desarrollo profesional intenso como pintora, con
reconocimientos nacionales e internacionales por su obra y su participación en la
promoción y difusión de la cultura.

Patricia Soriano nació en el Estado de México el 19 de abril de 1964. Estudió la

licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM de
1983 a1987.

Ha colaborado en más de 50 muestras colectivas en diferentes países. Por su sólida

formación y desarrollo como artista plástica, abordamos el tema de las plásticas locales en
México y específicamente el desarrollo de la plástica en la ciudad de Veracruz, ya que ha
tenido dos importantes contactos, siendo el primero un Curso que impartió aquí en el puerto
hace tres años, para lo cual le preguntamos lo siguiente:

¿Cuál es el panorama que observas de las plásticas locales en México?

P.S.:A lo largo de mi ejercicio docente, colaborando con la extensión y la difusión de la
cultura, en diversos estados de la República Mexicana, me he podido percatar que en sitios,
localidades como la frontera norte del territorio nacional, áreas como el Golfo de México,
concretamente Veracruz, también en el Estado de Guanajuato en donde he colaborado de
manera más constante, de que sí existe una predilección de contenidos temáticos que van
enfocados a abordar cierta identidad, que se construye con una elección de elementos, de
signos, van presentando este gusto de los artistas por manifestar esa necesidad de contar
quiénes son, como se sienten, cuáles son aquellas cosas que les preocupan, para ser más
concretos vamos a mencionar el ejemplo de Mexicali, en la frontera norte del territorio
nacional, muy cerca de la línea divisoria, en donde se comenta mucho que no hay más
cultura que la carne asada, los jóvenes artistas están muy preocupados por representar
aquellos temas que tienen que ver con el cruce de ilegales por la línea divisoria, también
preocupados por desarrollar una cultura que refuerce la presencia del narcotráfico en el
ejercicio del arte, como un reflejo de experiencia de vida., de injusticia, de no identidad
nacional, que se ha permeado por la influencia de los Estados Unidos en ese sitio, es
interesante ver por ejemplo que los avances técnicos que tienen los jóvenes artistas y los
aficionados al arte, tienen muchas carencias, en cuanto al no conocimiento de los procesos
estrictos, en cuanto a la conservación de la obra de arte, en cuanto a la construcción del
objeto artístico, algunas nociones generales de cómo puede hacerse uso de una teoría del
color, un nivel del dibujo un tanto incipiente, pero creo que esos son aspectos superables en
tanto hubiera un programa cultural que se orientara a dar un avance a todos esos aspectos.
En el Estado de Guanajuato que es el Estado donde se lleva a cabo el Festival Cervantino,
hay una mayor cantidad de información que llega no solamente del extranjero,
Norteamérica, Europa, sino que también existe una vida cultural muy rica, porque dado el
hecho, de que muchos artistas extranjeros viven en San Miguel de Allende, Celaya, el
mismo Guanajuato, la vida cultural se ha podido enriquecer de todas estas aportaciones e
influencias que vienen de fuera y los productos que se desarrollan en el Estado de
Guanajuato a nivel de lo que es la ciudad son de gran calidad, buena presencia, los
contenidos temáticos que ellos abordan no son únicamente de un sentido localista como lo
mencionaba anteriormente en el caso de Mexicali, son artistas que tienen una predilección
clara por la figuración, manifiestan un interés por entender las vanguardias
contemporáneas, tienen sus primeros atisbos por lo que podría ser la instalación, el arte
objeto, algunas nociones de performance, entonces creo que haciendo una comparación que
tal vez podría sonar un tanto injusta, pero haciendo un análisis de la naturaleza de sus
productos entre lo que sería Mexicali, Guanajuato lo que puedo comentar es que hay
mayores beneficios en este Estado.

¿Qué ocurre en el Estado de Veracruz?

P.S.:Lo que ocurre con el Estado de Veracruz, la experiencia que he tenido básicamente en
dos ocasiones en las que he participado a impartir el Taller de Dibujo de la Figura Humana,
como el Taller de Pintura, en estas dos ocasiones que he cooperado con el Instituto
Veracruzano de Cultura ha sido muy gratificante percatarme que sí hay una vida cultural en
el Estado, pero que es una vida cultural que tiene todavía muchos aspectos que esperar, es
decir el generar un proyecto cultural que incluya no solamente cursos de especialistas que
vengan del centro del territorio nacional, sino también el instaurar talleres con la suficiente
infraestructura que permita no solamente la profesionalización del trabajo de la gente que
ya se dedican al ejercicio del arte, sino el de fomentar el interés en la comunidad local, no
solamente a los adultos y a los jóvenes sino a las generaciones que empiezan es decir,
motivar que el interés en el arte no tiene edad y no tiene un escalafón que se geste de la
noche a la mañana, sino que es un trabajo que implica toda una construcción a nivel de una
superestructura, es decir las bases cognoscitivas, el ejercicio y la promoción y difusión de
sus productos, me refiero a que no solamente exista la constancia de esas aportaciones que
vengan de fuera, sino que también los artistas locales tengan la oportunidad de salir a
presentar sus productos y tomar cursos fuera de lo que sería el Puerto de Veracruz.

¿Cuál es tu impresión de la pintura que se realiza en el Puerto de Veracruz?

P.S.:Es una pintura que refleja un estado festivo, es una pintura alegre, que en muchos de
los casos conlleva una carga muy elocuente de figuración, hay autores, que no son tantos,
que ya tienen una trayectoria consolidada y que llevan a cabo un trabajo más dentro de lo
que serían los lenguajes modernos, como un cierto matiz de surrealismo, de abstracción
lírica, que son grandes osadías que se presentan al público en general como grandes
innovaciones que me parece muy positivo y creo que son esas personas a las que se tiene
que apoyar, tanto en el aspecto didáctico como en el apoyo de su producción y proyección
como artistas independientes, totalmente enfocados a la profesionalización y a la, porqué no
decirlo, construcción de una memoria, de una historia que verse sobre la génesis del
movimiento pictórico en este sitio, en este Puerto de Veracruz.
¿De acuerdo a tu experiencia podrías mencionar una plástica local donde se ha
dado un desarrollo deseable y sustentable en el arte y la cultura en general?
P.S.:Voy a mencionar lo que ocurre en el Estado de Monterrey, la Casa de Cultura de
Monterrey y las instituciones que llevan a cabo la vida cultural de este Estado, tienen un
apoyo económico muy importante que proviene de los particulares, las empresas privadas
hacen apoyos económicos para que se pueda desarrollar un proyecto cultural que es un
proyecto que no se ha gestado en el territorio nacional, es un modelo de importación
francesa, este modelo está funcionando a partir de la década de los 80 en Monterrey, y cabe
comentar que hace poco en esta ciudad se estrenó el Centro Nacional de la Cultura y las
Artes de Monterrey, es un espacio arquitectónico exquisito, es decir que las instalaciones
arquitectónicas que fueron en su momento parte de una fundidora de Monterrey fue
adquirida por el Consejo Nacional para la Cultura de Monterrey, habilitada de una manera
extraordinaria para lograr ahí el gran sitio de las artes, es decir cuentan con grandes
edificios que albergan la Colección de Arte Contemporáneo del Estado y en donde se va a
llevar a cabo la Bienal de Monterrey y la colección de Arte que anteriormente se exhibía en
el museo en las instalaciones que eran una aportación de una empresa cervecera, ese local
fue cerrado y la colección de arte se trasladó para el acervo del Centro Nacional de las
Artes, es decir que en uno de los edificios de este gran espacio es donde uno puede tener
contacto con esta colección de arte permanente y también con la colección de arte
contemporáneo del Estado, la obra plástica y la vida cultural que se desarrolla en
Monterrey, es una obra de gran nivel, yo participé siendo jurado de la Bienal del Noroeste
en Monterrey y es una experiencia cualitativamente distinta a lo que ha ocurrido cuando he
participado como jurado en otros lugares, me percaté de que hay elementos jóvenes que
tienen una producción de muy buena calidad, los contenidos temáticos se inclinan hacia una
figuración de tipo posmoderna gracias a las influencias directas de un Julio Galán o de un
tratamiento técnico muy exquisito, gracias al uso de tecnologías como podría ser la
máquina computadora, la fotografía, el aerógrafo, pero sí me he percatado de que los
jóvenes artistas se preocupan mucho por la construcción del objeto, es decir la pintura
como objeto es un trabajo de muy buena calidad, creo que este modelo que ha sido
importado de Francia les ha dado muy buenos resultados a las autoridades que trabajan no
solamente en la Casa de la Cultura de Monterrey, sino en el Museo del Centro de las Artes,
tienen teatro, cine, Museo Papalote para Niños, pista para carreras de autos, esto con el
objetivo de generar ingresos económicos que sean destinados para la preservación y el
estímulo que a nivel de becas y de premios se preocupa el Estado de otorgar a los jóvenes y
no tan jóvenes artistas regiomontanos.

Es de esta manera como Patricia Soriano en base a su experiencia como artista plástica y
promotora cultural analiza la situación de las plásticas locales en México y particularmente
la de la ciudad de Veracruz y propone alternativas interesantes para su desarrollo.
Los inicios de la enseñanza de las artes plásticas en el puerto

Maestro Rogelio Armendáriz

Pintor y Maestro de Artes Plásticas

El maestro Rogelio Armendáriz es un testimonio vivo del inicio de la formación

profesional y del desarrollo de la plástica en la ciudad de Veracruz.

Con su siempre atenta disposición escuchamos de su propia voz el relato acerca de los
inicios de la enseñanza de las Artes Plásticas en el Puerto de Veracruz:

“Desde pequeño siempre tuve la inquietud de dibujar y de pintar, me llamaba mucho la

atención, inclusive en la escuela de primaria las profesoras me ponían a hacer ciertos
dibujos, tenía una vecina que pintaba sobrecamas cobijas, esas cosas, me gustó verla pintar
y de ahí nació esa afición.

Ya había terminado yo mi carrera en San Carlos, entonces estaba trabajando en Chihuahua

y llegué a México solamente a pagar algunas cuentas de estudiante que quedé debiendo y
que no quise dejarlas así, sin pagar, me encuentro a mi maestro Luis García Robledo y me
dice hombre qué bueno que vienes, te necesitamos en Veracruz, yo tenía ganas de conocer
Veracruz pero no de quedarme, y le dije sí voy a Veracruz, porque cuando regrese a
Chihuahua va a ser más difícil, me insistieron en Bellas Artes y dije me quedo unos dos
años en Veracruz, yo soy de Parral, Chihuahua, pero me crié en Chihuahua, Chihuahua.

Tuve la suerte de llegar no precisamente como fundador, pero casi tenía una año de haberse
fundado la escuela de Artes Plásticas por un maestro mío de San Carlos y ya pues mediante
muchas cosas tuve la suerte de llegar aquí y ha sido una satisfacción mía ver que en la
escuela se han formado muchos de los artistas plásticos que hay en Veracruz y en otras
partes, por ejemplo Gregorio Gutiérrez que se formó aquí, está fuera, Rafael Guerrero
escultor también está fuera, María Lagunes, escultora principió también sus estudios aquí, y
varios que de momento no recuerdo, pero sí se formaron en la Escuela de Artes Plásticas,
Estrella Carmona, una niña reciente, principió aquí y se fue a estudiar a la Esmeralda en
México. Estuve de 1957 a 1988, yo quise renunciar cuando cumplí los 30 años, no quise
hacerlo antes por aquello de que quería completar mi jubilación, no me la dieron porque
parece que no había quien se hiciera cargo de la escuela y duré dos años más.

Cuando yo vine el único maestro que ya estaba era el profesor Aréchiga que lo había traído
el profesor Luis García Robledo y fue compañero mío en San Carlos; el profesor Aréchiga,
iba un año más adelante que yo y él llevaba escultura y yo llevaba pintura, aunque uno tiene
que llevar todo, los tres primeros años se lleva dibujo, pintura, escultura, merece mucho el
profesor Aréchiga el crédito porque él le dio mucha vida a la escuela, tomaba a los alumnos
y vámonos a dibujar al Malecón, inclusive el profesor y otros alumnos hicieron las bancas
para la escuela, los caballetes, no había conserje, cuando yo llegué de Director a la Escuela
estaba todo tirado ahí, en el Trigueros, la Escuela antes estaba en la Escuela Morelos,
estamos hablando más o menos de 1958, estaba yo barriendo la dirección y me preguntó
que porqué estaba yo barriendo y de pronto el también se puso a ayudarme a barrer, así era
el ambiente.

El licenciado Tejeda Lagos ayudó mucho a la escuela, dio plazas, ya tuvimos conserje y
otros maestros, ahora actualmente la escuela que estaba en Bravo hay dos maestros
egresados de cuando yo era Director, Elisa Galván muy buena pintora sigue siendo maestra
de la escuela, Flavio también es maestro, él es hechura de Toño Pérez quien fue su maestro
ahí. Los alumnos no se capacitaban técnicamente sino pedagógicamente y sigue siendo así
hasta la fecha.

Inicialmente la escuela se formó como taller, nadamás pintura y escultura, entonces ya a mi

ingreso a la escuela fuimos aumentándole materias hasta llegar a cinco años que es lo que
en México se estudia, claro aquí era nadamás en las tardes, en México se estudia desde las
8 de la mañana hasta las 8 o 9 de la noche y le aumentamos Historia del Artes, Perspectiva,
Composición, Análisis sobre algunos cuadros, le aumentamos varias cosas para que la
formación del artista no fuera muy superficial y en el caso de que no fuera a ser artista,
fuera un buen admirador del arte, que supiera de qué se trata lo que está viendo.

Es el aporte local al plan de estudios y no se si continuará vigente, de los 5 años que tenía la
escuela como plan de estudio hubo un recorte y lo rebajaron a tres años, es decir a nivel
técnico. El plan de estudios de la Escuela de Artes Plásticas de Veracruz no era un modelo
a nivel nacional, porque es menos o era menos de lo que se impartía en las escuelas
oficiales, pero más de lo que se impartía en talleres, era un término medio. Yo estudié en
San Carlos que es la escuela de la Universidad, la Escuela de la Secretaría de Educación
Pública es la Esmeralda. Cuando yo me hice cargo de la escuela era la intención casi
convertirla en una escuela como San Carlos, pero aquí era difícil en provincia, porque para
entrar a San Carlos se necesitaba Bachillerato y aquí la idea era difundir las Artes Plásticas
y hasta donde fuera posible hacer artistas, entonces fue un término medio entre taller y
programa oficial”.

¿Cuál es su percepción acerca de la obra artística en el puerto?

Del Puerto recuerdo un mural que está en la Facultad de Veterinaria que lo hizo Mario
Orozco rivera, uno que está en la antigua Preparatoria que lo hizo un pintor que no recuerdo
él venía de México, hay un mural en lo que era el banco de México, mucho muy bueno de
Jorge González Camarena, muy importante, no se si estará ahora a la vista pero desde que
dejó de ser Banco pues ya la gente no transita por esa área, hay un relieve de Zúñiga,
mucho muy bueno también, lástima que adelante le pusieron una obra que tapa el relieve y
detrás hay una alegoría de los pescadores extrayendo la riqueza marina es de Zúñiga
también.

De la obra estatuaria, es difícil encontrar algo de calidad, el profesor Aréchiga que fue
maestro de escultura de la escuela desde que se inició y se jubiló casi al mismo tiempo que
yo, hay varias esculturas en casas particulares, pero oficial la de los niños héroes que está
aquí frente a la iglesia del Cristo, es del profesor Aréchiga, no recuerdo otra, la de Agustín
Lara que hizo Peraza a su nivel está buena, porque hay otra que está junto a Toña La Negra
que es un insulto a Agustín Lara.
¿Qué etapas distingue en su obra plástica?
Pues uno trata de ser auténtico en su obra, hablar de uno mismo es difícil, pero lo podría
decir que hice murales, ejecuté tres murales aquí, dos están todavía, el que está en la Plaza
de la Rana, que es un mural en mosaico de vidrio, mosaico italiano veneciano, creo que va
a durar casi eternamente por el material, otro que está en una casa particular, lo han cuidado
bastante, cuando lo hice era jardín de niños, es un pescador jalando una red de peces, y en
la casa del maestro Ayala, había hecho yo uno, como el maestro Ayala era yucateco,
entonces el mural que hice era un músico yucateco de los de Bonampak, parado sobre una
serpiente emplumada tocando el tambor, con algunos frisos de maracas y serpientes, creo
que era un buen experimento, porque ahí utilicé concha de abulón y no se había utilizado
concha de abulón en ninguna parte, también mosaico de vidrio y mosaico de piedra y
desgraciadamente cuando el maestro murió a los nuevos dueños no les gustó yo creo que
por la serpiente y tumbaron el mural, no por haberlo hecho yo pero está prohibido tumbar
algo, no se si sería obra de arte o no pero es patrimonio cultural.

He pintado de todo, actualmente hago técnica mixta porque facilita más que las técnicas
puristas, estoy pintando algo que le llamo fantasía marina, que es relacionado con el fondo
del mar, como si estuviéramos en el fondo del mar, con animales, peces diferentes,
insectos, ruinas de alguna casa, algún barco, es técnica mixta, primero es laca lo que
llamamos en pintura hacer la mancha en laca, luego puede ser óleo, acuarela, acuarela sobre
óleo pues no se puede, lo demás sí, lápiz de color en fin varios materiales sobre un mismo
cuadro.

Lo que más pintaba yo era figura humana y paisaje, ahora he dejado un poco la figura
humana y hago paisaje marino, en una exposición que me invitaron de una organización
católica pinté caras de Cristo crucificado y otro que no está crucificado, una de las cosas
que pinté mucho son tarahumaras, es de mi tierra, la raíz propia.

¿Cómo observa el desarrollo de la plástica en el Puerto?

La plástica se ha desarrollado bastante realmente de 40 años a la fecha, cuando yo llegué
nadamás nosotros éramos la única escuela de Artes Plásticas, había gente que tenía talleres
y daban dibujo por ejemplo Desiderio Escamilla, pero escuela oficial no había más que la
de nosotros, pasado el tiempo la Universidad Veracruzana creó sus talleres aquí y después
con el Instituto Veracruzano de Cultura ha habido mucha difusión y han traído pintores que
difícilmente puede traer una escuela, se ha difundido bastante y ahora en lo que acaban de
inaugurar en Mario Molina la Casa Principal, han traído importantes exposiciones, tanto de
fuera como locales, vi la exposición de un exalumno mío que estuvo en la Escuela de Artes
Plásticas, Antonio Pérez, que tiene su taller de grabado, él siempre se inclinó hacia el
grabado, con otras personas están haciendo grabado, lo que vi es buen grabado y está bien
presentado, está muy limpia la exposición, otro que está trabajando un profesor Flavio
Hernández, Sofía, Micaela, Antonio Ramón, ha habido mucho auge en cuanto a difusión.

Me gustaría en el futuro que la Escuela de Artes Plásticas estuviera a la altura de Bellas

Artes de San Carlos o La Esmeralda, me gustaría que los pintores autodidactas que hay
muy buenos que fueran un poco más humildes y que se pusieran a estudiar para que fueran
mucho mejores, la formación académica es indispensable, eso le da a uno la seguridad de
hacer la cosas bien, ser profesional.
Bruno Ferreira Hernández
¿Cómo se inicia tu formación plástica?
De una manera accidentada porque no tenía yo contemplado dedicarme a esto, fue cuando
en una ocasión conocí al ingeniero Jorge Ferreira, que es familiar mío, nos conocimos en
Alvarado, él me habló de que en Veracruz existía un lugar donde podía yo desarrollar mis
inquietudes, siendo un adolescente y estando de vacaciones en Alvarado le dije está bien
me animó la idea pero no me explicó de qué se trataba, yo quería dedicarme a la
Arquitectura y dije no estaría mal que la pintura sirviera para mí como un complemento que
reforzara en dado caso lo que aprendiera yo, nos pusimos de acuerdo y quedamos de vernos
una tarde precisamente en donde estaba el Hotel Prendes, caminamos hacia la calle de
Lerdo con 5 de Mayo y entramos a un portón muy grande, una casa muy antigua, estaba yo
visitando lo que era en ese tiempo lo que eran los Talleres Libres de Artes Plásticas que
tenía su sede ahí, llegamos al taller de pintura, me presentó a Raúl Guerrero, para mí esa
tarde fue muy significativa, tenía trece años y entré con bastante entusiasmo, Guerrero me
dijo a ver cuánto duras, y después fueron cambiando las cosas.

Entré a estudiar el bachillerato abierto, trabajaba y además iba yo en las tardes al taller,
hasta la fecha en la medida que se me han presentado las circunstancias he tenido la suerte
de poder afrontar las situaciones en forma autodidacta, que no es fácil pero sí me satisface
investigar por mi propia cuenta.

¿Cómo se da el desarrollo de tu obra?

Creo que hasta el momento puedo identificar un gran tema principal que es la figura
humana, primero de manera muy evidente y hasta el momento un poco ya velada pero con
una intención que ha sido lo erótico, lo sensual en el ser humano.

El color ha variado, a finales de los ochentas los colores eran muy luminosos, abigarrados,
agresivos, después vino una etapa muy especial en donde me dediqué mucho al dibujo, el
grabado, gracias al maestro Antonio Pérez que impartió cursos en la Universidad
Veracruzana como maestro invitado, ahí conocí también el grabado, me inicié en la gráfica,
el dibujo ha sido constante, pero una etapa muy contrastada, he procurado captar en
fotografía las diferentes etapas de mi trabajo a través de los años, pero sí hay contrastes, de
pronto en un año me dedico al dibujo y al siguiente vuelvo a pintar, a veces los colores han
sido grises, han predominado los tierra y de pronto vuelvo al colorido, en este momento
creo que volví al colorido de los finales de los ochenta, estoy saboreando el color de otra
manera, tengo ahora treinta y un años, creo que la edad implica que aprecies las cosas de
diferentes maneras.

Actualmente estoy usando acrílico sobre tela, porque cuando usé óleo el factor tiempo era
especial, tardaba yo más con un trabajo, pero ahora el acrílico me da la oportunidad de
trabajar con mayor velocidad, es un material que seca rápido, se trabaja con mayor
velocidad, sin embargo pudiera parecer contradictorio que un cuadro lo trabajo ahora en
diferentes sesiones, estoy trabajando ya de manera no tan compulsiva, como lo hice tiempo
atrás, cuando hacía un cuadro en una sola sesión de dos o tres horas, ahora con un acrílico
estoy trabajando inclusive a deshoras, pinto todos los días, hago otra cosa, regreso, salgo a
la calle.

En cuanto a mi proceso de trabajo me siento mucho más relajado, es más planeado, la parte
emotiva, impulsiva persiste, porque no puedo negar esa fascinación voluptuosa que me
sugieren las formas del entorno, las frutas, las verduras, los árboles, la gente, la mujer, esa
luz que hace que las cosas en Veracruz las perciba yo como voluptuosas.

La búsqueda es inherente a los que pintamos, hay una intencionalidad producto de varias
experiencias, para mí ha sido muy importante conocer Oaxaca, me impresionó mucho esta
cultura, todos los significados que la envuelven, considero que en Veracruz tenemos una
gran riqueza de códigos visuales, de signos hablando un poco de semiología, creo que los
artistas visuales debemos tener en cuenta esto e interpretarlos y con ello no quiero sugerir
que se funde una escuela de la plástica porteña, porque a lo mejor sería partir de una
condición muy rígida, le doy la bienvenida a cualquier género y desde la perspectiva
abstracta a lo mejor haya posibilidad de explorar esa riqueza de colorido que nos da la
atmósfera, el agua, la tierra, las texturas, y a quienes decidimos optar por el realismo
figurativo también observar que hay en nuestro entorno un sin fin de sugerencias que están
ahí y que forman parte de nuestro contexto, me impresionó mucho cómo el artista
oaxaqueño pinta con el color de su tierra, lo voy a repetir incansablemente, debe uno pintar
con el color de Veracruz, las formas, la gente sin caer en un folclorismo barato, que sea una
exploración más seria que vaya enfocada al redescubrimiento de lo que somos los porteños,
un sinfín de líneas cruzadas, españolas, indígenas, árabes. Sería muy interesante tomar
responsablemente esto.

En cuanto a la plástica porteña, ¿podemos caracterizarla, hablar de ciertos rasgos, de

un carácter, de una personalidad definida?
Yo creo que no, estoy en la posición de cuestionar si existe un carácter definido, creo que
eso implica mucho tiempo y un crecimiento muy especial, primero que nada una
preparación en cuanto al nivel de conocimientos de los propios artistas visuales, he
discutido esto con mis colegas, les digo que no nos quedemos en el aspecto instrumental
del oficio, en la parte artesanal, en el mejor sentido de la palabra, sino que estudiemos
también conceptos, teorías que en un momento dado ayuden a ir conformando precisamente
una plástica con una personalidad definida, y bueno, algunos están de acuerdo otros me
dicen que el pintor pinta y nada tiene que ver con teorías ni con constructos, pero para mí
esto es una parte también esencial, no recuerdo qué intelectual dijo que un artista representa
las antenas de una sociedad porque están captando todo, creo que sí nos debe interesar todo
lo que ha sucedido, lo que está por suceder, l o que está sucediendo y lo que puede suceder,
si tuviéramos quizás una visión prospectiva a lo mejor tuviera hoy lo que estamos haciendo
un alcance y un impacto a futuro.

Yo espero que sí vayamos hacia allá, no me gustaría en este momento opinar algo así al
respecto porque el futuro es muy incierto, es necesario más trabajo.

Tomar una actitud política, dejar ese pedestal romántico, ese tormento individualista y
trabajar más en la gestoría de los propios espacios, yo en lo personal considero muy
agotadora la gestoría de los espacios y el contacto con instituciones para mí es agotador, yo
prefiero más la divergencia, lo alternativo, es un término ya muy usado pero siempre
prefiero lo alternativo y en ese sentido la gestoría con quien se pueda.

¿Cómo imaginas el futuro de la plástica en el puerto?

Definida, aunque no conformada como única escuela que no sea aprovechada con
discusiones en función temporal y que se valgan de tal o cual como bandera o estandarte
política, si me toca estar pues seguir con la misma posición, que yo le llamo una posición
de resistencia en el mejor sentido de la palabra, porque además parece que estamos
descuidando observar de parte de los artistas, no quiero generalizar, que hay una gran
batalla en cuanto a la influencia de códigos visuales que no corresponden a nuestro
contexto y que están influenciando cada vez más a las personas que son nuestros
potenciales receptores, es increíble cómo en estos momentos haya cuatro Mc Donalds en el
puerto y no tengamos los artistas plásticos una sola galería propia, existe Casa Principal que
está supeditada a una agenda, a un criterio, esto sí esto no, están otros espacios pero el
nuestro no lo tenemos, entonces qué vamos a hacer, de qué manera vamos a enfrentar ese
gran embate, existe un movimiento tal hoy en día de la gente en el puerto hacia los malls,
hacia los grandes consorcios de salas cinematográficas que concentra mucho a la gente, qué
está recibiendo, qué información visual además del televisor, nos estamos quedando
rezagados o qué hacer ante ellos, o generar o educar a nuestros propios públicos, esas son
las interrogantes que permiten plantear un criterio para tomar decisiones o determinaciones
y verlo hacia el futuro.

¿Cuál es tu contacto con las nuevas tecnologías?

Se ha dado un contacto de manera muy provechosa, creo que la tan ponderada
globalización debemos aprovecharla los artistas plásticos y sacarle el mejor provecho,
afortunadamente hay gente muy inteligente involucrada en este medio y difunden mucha
información al respecto, de manera fortuita me encontré en internet con un género dentro
de las artes plásticas que se llama Arte Postal, se dice que el arte postal nació en Estados
Unidos a principios de los años setentas cuando un artista llamado Ray Jhonson comenzó a
difundir obra mediante el correo convencional, comenzó a tener contacto con otros artistas
de Estados Unidos, sin embargo se dice que los antecedentes provienen de Marcel
Duchamp, desde Picasso, de toda la corriente vanguardista contemporánea que decoraban
las cartas, pero de manera formal el mail art tuvo su boom en los principios de los setentas,
posteriormente se empezó a extender la red, lo que ahora se le llama Networking, red de
trabajo que abarca muchos artistas del mundo y que tiene como fin intercambiar obra sin
valor comercial, además de que muchos artistas en diferentes ciudades del mundo
organizan exposiciones de arte postal, así que hay portales en internet donde tienen toda esa
información de las convocatorias abiertas y puede uno decidir a qué actividad o
convocatoria participar, lo más interesantes es que las convocatorias son abiertas, no hay
jurados que seleccionen y reciben absolutamente todo, la obra no se devuelve en la mayoría
de los casos, no tiene un valor comercial se quedan en archivo de los organizadores para
posteriores eventos o exposiciones y entonces he podido participar en exposiciones de este
género, enviando dentro de sobre a diversas partes sobre todo a Barcelona en donde hay
una enorme cantidad de artistas postales que trabajan este género y en otra ciudad cercana a
Barcelona que es Tarragona, aquí existe un taller llamado El Taller del Sol, lo coordina un
psicólogo y artista plástico, se llama César Rivero y tiene un portal muy interesante en
Internet, donde además le da cabida al género de la poesía experimental, poesía visual,
poesía sonora, en fin muchos géneros, en Sudamérica hay gente que ha trabajado desde los
años setenta el Mail Art.

Inclusive el fue encarcelado por la dictadura uruguaya durante tres años, a finales de los
setentas y gracias a la presión internacional de muchos artistas postales se logró que lo
liberaran, lo encarcelaron porque el organizaba una exposición de arte postal, actualmente
el señor que es una persona de aproximadamente 70 años sigue activo sigue muy dispuesto
y abierto a intercambiar obra con quien sea, yo que apenas llevo tres años experimentando
este género, se ha mostrado muy abierto a intercambiar conmigo obra, por ello me parece
relevante, me abrió una posibilidad fuerte, muy interesante de conocer el arte postal por
Internet, además dentro de lo formal hay una infinidad de bienales que por ahí se buscan de
manera muy fácil y también me ha dado la oportunidad de enviar y de probar suerte.
Francisco Javier Galí Malpica
Nace en Veracruz en 1951, de padre cubano y madre tlacotalpeña. Desde pequeño
demostró inquietud y gusto por el dibujo, las proporciones y la perspectiva.

A los nueve años se fue a radicar al Distrito Federal. Tuvo como maestro de dibujo al
profesor Cayetano Aviña. Durante su vida ha sido un constante experimentador
autodidacta, aunque también ha tomado diversos cursos y talleres con diferentes maestros
de las artes plásticas y ha participado en numerosas exposiciones.

Francisco Galí es sobrino de Francesco de Asís Galí, un pintor catalán de principios de

siglo, quién fundó en Barcelona una escuela de pintura e introdujo en España a los fauvistas
y los impresionistas, misma que cuenta entre sus alumnos destacados a Joan Miró, al
ceramista Llorens Artigas y al pintor zacatecano Francisco Gotilla, entre otros.

Galí Malpica radica actualmente en Veracruz, su tierra natal. Dedicando su tiempo

completo a la creatividad de las artes plásticas.

¿Cómo se inicia su formación como pintor?

Que me recuerde de pintar, dibujar, desde que yo tenía tres o cuatro años de edad, siempre
me llamaron la atención los lápices y las crayolas, creo que todos los niños tienen esa
inquietud de expresarse por medio de los grafismos, todo tipo de sentimientos de colores y
ya luego durante todo mi trayecto por la escuela, inclusive la carrera me la pasé haciendo
garabatos, dibujos y yo siempre trataba de distraerme con mi pluma atómica, ya luego
permaneció hasta 1992 una amiga me dice oye Pancho porqué no vienes a mi estudio y
pintamos, tú tienes aptitudes y cualidades para el dibujo y creo que empecé a producir lo
que no había hecho en muchos años, más o menos hace nueve años, tengo 50, fue como a
los cuarenta y uno, soy autodidacta, he tomado cursos de cerámica, grabado, al carbón,
dibujo de figura humana, color, pero mi formación no es de academia, es autodidacta, en
los tres últimos tres años, aparte de mi trabajo figurativo, a mí me gusta mucho reflejar
todo lo que es la cuestión caribeña, meterme mucho con la raíz afro, Veracruz es más de
azules, de verdes, de naranjas, mucho negro, mujeres curvilíneas, movimientos
cadenciosos, sensuales, noches estrelladas, lunas, el fruto del trópico, el baile, danzón, el
son, uno de mis cuadros se llamó bailando en la azotea, que una actriz María Rojo me
compró, recuerdo otro que se llama florecer del danzón; he incursionado en el
abstraccionismo, me fui metiendo hasta ir logrando una síntesis que es un poco mi yo
primitivo y esa búsqueda que aparte de atrapar al espectador en una serie de formas que en
un momento dado pueden ser diseños prehispánicos que es una línea que voy a exponer, se
llama esta exposición Los Colores del Ritmo. Tiene que ver con lo afro, también con lo
prehispánico.

¿Cómo caracteriza la la plástica porteña?

En algunos pintores como Guillermina Ortega ha plasmado mucho la iconografia porteña,
Néstor Andrade se dedica a las máscaras, el carnaval, en mi caso he trabajado mucho sobre
la danza, las palmas, el fuego, los pescadores, nuestra coloración, Veracruz, México en sí
es mucho color, mucha fuerza, mucha vitalidad, por eso llama tanto la atención nuestro
trabajo en Europa, porque ellos tienen otros climas, no tienen esta luz, se sorprenden al ver
nuestros trabajos con tanto colorido, pintores hay muchos en Veracruz yo calculo que
cuando menos hay unos treinta pintores que trabajan más o menos constantes, entre
pintores, grabadores, escultores.

De Francisco Galí dice Graciela Kartofel11:

“Francisco Galí, penetra en los territorios no frecuentados de la realidad local: dibuja,
garabatea, pinta y saca a la luz los aspectos de la negritud presentes en la vida de Veracruz.
Su trabajo se presenta como formas y colores; sin embargo, todo está coordinado por el
ritmo afrocaribeño. La obsesividad y concentración del bailarín equivale a la del
percusionista y no deja un milímetro de tierra ni de bongó sin “tocar”, ni gota de aire sin
transpirar, Francisco Galí descubre la coincidencia de estos datos con los de su propia
personalidad. Ya sea sobre papel, sobre madera o en petates, Galí expresa los tamborileos
en las culturas afro.

Veracruz no es sólo el puerto, la playa, la ciudad, la historia de barrios colonizadores; es la

sede amalgamada de todos esos encuentros en los que la cultura Negra está presente
discreta y poderosa. Esto sucede en la ciudad y en mayor o menor proporción-, en el Estado
de Veracruz. Acontece también en otras provincias con características diferentes pero con
el mismo descuido en reconocer la presencia de estas culturas y tradiciones imbricadas. Por
ende, Francisco Galí presenta una faceta de México país y ciertas áreas de América Latina
que se han ignorado por diversas razones que no es el momento de comentar. En una
mirada apresurada se ven piezas sueltas en el trabajo de Galí, así puede parecer disperso. Si
observamos con atención, en esta exposición están los sectores que constituyen la morada
de la cultura afro: el petate, el papel, como el soporte de las anotaciones artísticas en esta
época más actual; la caja y el plato en sus sentidos implícitos de elementos de percusión”.

De Francisco Galí dice Elmer Mendoza:

“Si como hoy Borges cumple 15 años de muerto, los cumpliera de vivo y viera tu obra,
seguro empezaría su fascinación por los laberintos, olvidaría desde luego el modelo
cretense donde el minotauro trataba de comprender sus avideces, se olvidaría del laberinto
enorme que es el desierto para pensar en el laberinto que todos llevamos dentro.

Hay demasiada humanidad en tu obra Galí, demasiados sentimientos, me provoca saber

sobre el origen pero se cruza con el presente.

Es un trazo tan imaginativo, tan suelto pero tan exaltado que uno puede pensar en un
orgasmo doble donde no ha habido un beso de por medio.

Creo que la plástica gana cuando se regodea en el interior, ya ves lo que dicen de Picasso;
lo notable contigo es que estás dentro cuando indudablemente estás fuera, ya te dije, tengo
más preguntas que respuestas, y es que el arte es así, proyecta respuestas pero también
preguntas, tantas como intensa sea la búsqueda del que lo mira, stendhal se
desmayó...nosotros reconocemos que los hilos conductores con nuestros ancestros están

11
Kartofel Graciela. Xalapa-Nuewva York, mayo 2001.Los colores del ritmo. Invitación exposición Los
colores del ritmo. Centro Cultural Casa Principal. Mario Molina NO. 315. Centro Histórico. Veracruz. Mayo
18-agosto 3 de 2001.
vivos, que la telaraña se mueve sin el viento. En cada obra hay un trazo que es destino, el
color matiza hacia la suavidad pero lo oscuro es vida, indudablemente la obra sale del
lienzo...es un tentáculo misterioso que te sigue la sombra; por eso digo, si Borges estuviera
cumpliendo sus quince se quedaría estupefacto...y seguro sus laberintos no fueran
inhumanos, porque, a poco no, ¡qué más laberinto que nosotros? Por eso el título de tu obra
resiste el retruécano; el ritmo de los colores”. Elmer Mendoza. Junio 2001.
8 en la Plástica
El grupo de artistas plásticos Ocho en la Plástica da continuidad a sus actividades y tiene
una dinámica profesional que va desde la participación en cursos, hasta la producción
permanente de obra en diversos espacios y el Taller de Antonio Pérez, dedicado
fundamentalmente al rescate de la gráfica tradicional.

Su más recientes presentaciones grupales son la exposición que se presentó en la Casa de

la Cultura de Tlalixcoyan, Ver., el 8 de junio del presente año y la serie de actividades que
continúan realizando tanto de exposiciones como de gestión profesional artística, entre ellas
una exposición realizada en Pátzcuaro Michoacán en el mes de julio pasado donde fueron
recibidos por las autoridades municipales y por el público con gran entusiasmo y aprecio
por la obra exhibida.

Flavio Hernández Rincón, Alicia Castro G., José Antonio Ramón Guzmán, Lourdes Aspiri,
Bernardo Antonio Pérez, Gloria Luz Caballero Betancourt y Luis Mellado, son los
integrantes de este grupo que nos muestran el producto de su trabajo en el que domina la
gráfica realizada con diversas técnicas.

El trabajo de la plástica porteña es continuo, en él permanece el esfuerzo y la firme

intención de contribuir al desarrollo artístico, estético y cultural en general de la comunidad
veracruzana, pero también está la intención de proyectarlo en todos los ámbitos posibles,
muestra de ello es la actividad intensa que realiza este grupo de artistas.

No hay una iconografía dominante, aunque los temas marinos son recurrentes pero no es
esto lo que define al trabajo de los artistas plásticos porteños del grupo 8 en la Plástica, sino
el esfuerzo, la convicción de que el trabajo artístico también hace la cotidianeidad, así
como también en su diversidad es donde podemos encontrar la expresión figurativa y el
abstraccionismo sin tratar de situarse deliberadamente en alguna corriente o escuela.

En cada muestra que presentan encontramos una personalidad y carácter muy definido de
los artistas que nos hacen compartir los más variados tonos emocionales, con una
deliberada invitación a que como espectadores activemos el circuito donde la obra
encuentra su más real expresión y que es cuando la recibimos y sentimos algo.

Al recorrer cada uno de los cuadros de la muestra entramos a una diversidad emotiva donde
podemos integrar la unidad discursiva de 8 en la Plástica y que se da en la corporeidad
femenina, el ritmo cromático, las texturas suaves, la luz porteña, esa luminosidad que nos
es propia y que se expresa en un colorido libre y natural.

Ver la obra de 8 en la Plástica es revisitarnos en nuestra cotidianeidad, comunidad y

trascendencia como seres humanos pertenecientes a una historia cultural en la que la
expresión plástica es una forma de compartir la búsqueda en el arte, que se convierte en una
experiencia estética.
Bernardo Antonio Pérez

En el taller de Toño Pérez: Flavio Hernández, Antonio Ramón,

Sofía García, Bernardo Antonio Pérez y Micaela García.

Hay artistas plásticos en el puerto de Veracruz que realizan una intensa labor de creación,
formación profesional y promoción, como Bernardo Antonio Pérez quien trata de rescatar
la tradición del grabado, actividad que lo ha llevado a promover exposiciones locales,
regionales y en otras partes del país, así como a construir sus propias herramientas de
trabajo.

Una dinámica constante ha fusionado y consolidado a grupos de artistas en la ciudad que

con todos sus esfuerzos tratan de construir espacios alternativos de docencia, creación,
difusión y exposición de sus propias obras. Buscan incorporarse en la medida que les es
posible a cursos y talleres que llegan a impartir otros artistas o críticos de arte al puerto.

Este año las artes visuales en el puerto han tenido una intensa calendarización de
actividades, tanto a nivel oficial como con los grupos de artistas que hacen sus propias
gestiones para su desarrollo profesional.

Miembro del grupo de artistas 8 en la Plástica, Antonio Pérez anima, enseña, hace con sus
compañeros la museografía, curaduría, imprime sus propias invitaciones, preparan la
logística de cada exposición en una atmósfera alegre, solidaria donde cada problema en el
montaje o la difusión, tiene solución práctica.

Bernardo Antonio Pérez es un artista que nació en Tacámbaro, Michoacán, estudia de 1972
a 1977 en la escuela de Artes Plásticas de Veracruz, Ver., a partir de esa fecha realiza
diferentes cursos, entre los cuales destaca el de Grabado y Cerámica en la Casa de la
Cultura de Aguascalientes, Aguascalientes, y en 1979 un curso de iniciación artística en la
Casa de la Cultura de León Guanajuato, Grabado en metal, Lenguaje Plástico, Diseño y
Compromiso en 1981, Gráfica en color en 1982 en la ciudad de Oaxaca, Oax., Xilografía,
Grabado en Cartón y Serigrafía. Ha participado en exposiciones colectivas desde 1972 a la
fecha en diferentes estados de nuestro país y en el distrito Federal.

También ha presentado su obra individualmente desde 1980 en el estado de Veracruz, se ha

desempeñado como maestro de Creatividad Infantil y Grabado en la Escuela de Artes
Plásticas, en esta ciudad y como maestro de Pintura en la Casa de Cultura de Alvarado,
Ver., e impartido numerosos cursos de grabado, monotipo y serigrafía, actualmente es
maestro de la Escuela Secundaria Moisés Sáenz.

Subir al taller del maestro Antonio Pérez es llegar a un lugar de creación artística donde hay
costumbres como el trabajo constante, entusiasta, grupal, solidario. Ahí, Toño Pérez, como
le llaman sus amigos respetuosa y cariñosamente, no tan sólo construye sus imágenes,
siempre llega algún compañero que le ayuda a mover el tórculo, fijar el papel o la tela,
alcanzar el bote de tinta o a realizar sus propios grabados, hay un orden donde fácilmente se
encuentran las herramientas de trabajo, paredes tapizadas de obra del maestro que son
esculturas y grabados con la calidad que da el dominio de la profesión, el talento y la
inagotable imaginación de este artista que contribuye diariamente al desarrollo cultural de
nuestro estado.

De él Bruno Ferreira dice que “su obra es prueba irrefutable de resistencia, confianza y
sabiduría, su actitud por practicar la antigua técnica del grabado, ante la proliferación de las
modernas tecnologías de impresión le ha forjado un carácter sereno que resiste al paso de
nuestro hoy acelerado tiempo. Ha encontrado, desde inicios de los setentas en la gráfica, un
infinito ámbito de libertad y calidez”.

Toño opina que la computadora puede mermar espontaneidad al artista, aunque no descarta
su uso como una mera herramienta, como todo buen maestro pondera la creatividad sobre
el medio, confía en la educación como la columna vertebral de la sociedad y como baluarte
contra la ignorancia y sus huestes.

Es maestro de varias generaciones de artistas plásticos en Veracruz, en sus cursos y talleres

es ya característico el ambiente de trabajo alegre y solidario que crea, la experimentación y
el apoyo permanente para comentar las soluciones visuales que ayudan a construir la obra.

Construye sus propias herramientas. El trabajo es diverso, punta seca, barniz blando, brea,
esgrafiado, cuero, monotipo, suela de zapato.

Las texturas que crea, con sus efectos también nos hablan, para continuar en el recorrido
que pueden hacer nuestros sentidos por cada obra, esa convocatoria a los sentidos es para
imaginar, vivir la realidad, reflexionar sobre el sentido de la vida misma.

Las imágenes que nos comparte traen rostros que dibuja, imprime, esgrifa, rostros que
nos hacen sentir que estamos presentes pero no nos miran, solo a veces y parecen mirar
para siempre, acompañados por motivos marinos, agua, peces, viento, brisa, miran hacia un
horizonte que somos nosotros mismos, espectadores, artistas y obra fusionados en una
experiencia estética que nos eleva a la reflexión fundamental, que ayuda a vivir la vida
cotidiana, la más importante, la que tiene el escenario de todos los días, la convivencia
humana, llegan silenciosos los rostros, se quedan para mirar, el ritmo lo marca la vida,
peces que transitan y que también miran así, de ladito, día y noche, vida y muerte,
compañía y soledad, realidad dialéctica que de otra manera no sabríamos que está ahí como
una posibilidad de dar sentido a la propia vida, son propuestas, alternativas de vida, pero
también está presente el contraste de la nada, hay pocos silencios, los necesarios.
Gloria Luz Caballero Betancourt

¿Cómo se inicia tu formación en las Artes Plásticas?

Se inicia mi formación cuando busco un lugar donde den clases de pintura, encuentro el
EMBA que es exclusivo para música, encuentro ahí un curso que está dando el maestro
Leonel Zárate, daba en ese tiempo el curso de pintura ahí, estuve un año con él
aproximadamente pero ese ciclo lo cerraron porque la política decía que ahí era pura
música, no pintura, como a mí no me gustaba el sistema del INBA busqué por otras partes y
fui a dar a los Talleres Libres de Artes Plásticas, en 1986 llegué a la Universidad
Veracruzana y me entrevisté con Raúl Guerrero y me admitió y de ahí para adelante...esto
fue mi formación formal. Mi estancia en la escuela de Artes Plásticas fue muy corta en
realidad no fue el año completo fue de 1985 a 1986, un periodo en que entré ya a destiempo
ya después es como salto a la Universidad, pero yo de hecho ya llegaba con mucho dibujo
porque todo el tiempo en que no estudiaba en escuela practicaba dibujo, lo que se puede
decir autodidacta que es un término que me fastidia, pero lo hace uno por la necesidad de
expresarse, antes de retomar esos estudios dibujaba mucho, practicaba el dibujo, ocupaba
el lápiz de color, ya a partir de 1989 es una formación independiente, pero iniciamos más
formalmente con el grupo Contemporarte que se formó en 1991, precisamente donde Oscar
Reyes nos reúne para hacer un grupo, un movimiento que en ese tiempo se pretendió hacer
de la Plástica Porteña que eran los maestros que nos habían dado clases y los alumnos de
esos maestros. Entre los maestros estaban Raúl Guerrero, Milburgo Treviño. Elisa Galván,
Leonel Zárate, Andrés Villalba de los que recuerdo pero si se reunieron cerca de 20
personas.

A mí me gustan mucho tanto escultores como pintores, entre ellos Sebastián, voy pasando
mis etapas y voy cambiando de preferencia de artistas, entre ellos instaladores también que
ahora se están dando mucho.

¿Qué es lo te lleva a decidirte por la pintura?

Fue un gusto que yo tenía por la pintura, mi familia no aceptó que yo estudiara esto si no
tenía otras bases profesionales antes, entonces tuve que estudiar otra profesión, demostrar
que tengo con qué dar y entonces ya que tengo un título, soy profesora de educación
primaria, entonces ya hago después por estudiar pintura, es así como la rebeldía.

¿Cómo ha sido el desarrollo de tu obra?

Primero era muy abstracta, no era figurativa, con el paso del tiempo y tomando cursos nos
han dado mucho por meter los cursos de figura humana, desnudo y entonces eso me lleva a
lo figurativo, empiezo a experimentar, ahora estoy en una etapa muy transitoria porque
estoy manejando volumen dentro de la pintura, con materiales de papel con molde, si hay
etapas muy marcadas en mi desarrollo, ahora estoy en una etapa mixta.

Siempre he tenido como principal tema para mí el caracol, porque se me hace muy similar a
mi persona, es un molusco que tiene una concha muy dura por fuera, así uno es en el
exterior, lo blando es por dentro, siempre me ha llamado la atención y no solo un tipo de
caracol, hay infinidad y aquí en el puerto mucho más, yo me deleito en las tiendas de
artesanías viendo los caracoles que traen de diferentes partes, el mundo marino es muy
bello.

Yo creo que hay una búsqueda interna a través de mi obra, creo que la obra de cualquier
artista es el autoconocimiento, qué es lo que trae uno, qué es lo que lo mueve a uno, en este
caso tengo una serie que se llama Hambre del Alma y es sobre mi cuerpo, conocer mi
cuerpo físico, para tener el valor de conocer el espíritu.

Creo que ahora puedo comunicarme mejor que antes.

¿Qué es lo que te identifica con la Plástica Porteña?

Es el querer hacer que en este puerto haya más apertura para que toda la gente disfrute de
esto que es lo que uno puede dar, que llegue a toda la gente, tratamos eso con el Municipio,
hicimos un colectivo de arte, tratar de que las exposiciones fueran más al aire libre, porque
en los recintos está muy encerrada la obra. Nosotros tuvimos un grupo muy cerrado donde
queríamos lograr muchas cosas tener más fuerza y respaldo, logramos llegar a la SOMAT y
nos dimos cuenta que lo que teníamos que hacer es documentarnos más sobre la profesión y
poder tener más bases sólidas.

Documentamos nuestras actividades y acuerdos como grupo desde hace aproximadamente

diez años, primero eran como hojas de propuestas, pero seguimos documentando lo que
hacemos en general.

Ahora al grupo le llamamos Pintores Veracruzanos lo que se pretende es profesionalizarse

más, tener un espacio, vender obra, intercambiar actividades como es la producción de obra
como son murales.

También estuvimos produciendo una revista que se llamó Cultura del Golfo era una
expresión de que existimos, ahí se incluía obra gráfica inédita y creo que llegó a la
comunidad de manera significativa pero los recursos eran escasos. Antes habíamos
producido con Bruno Ferreira una revista que se llamó La mojarra y hemos tenido así cosas
con las que hemos ido experimentando y con las que hemos aprendido.
David Castillo Morales
Egresa de la Escuela Municipal de Artes Plásticas del Puerto de Veracruz en 1988. Ha
participado en numerosas exposiciones colectivas, algunas de ellas: Museo de la Ciudad en
1984, Grupo RAC 1985, Universidad Cristóbal Colón 1991, Castillo de San Juan de Ulúa
1991, Universidad Veracruzana 1992, H. Ayuntamiento de Veracruz 1993, Rincón de la
Trova 1993. En 1994 expone en México D.F. en ese mismo año participa en la
inauguración de la sala de arte del periódico Sur. La Escuela Municipal de Artes Plásticas
lo invita a los festejos de los 40 años de su fundación, donde participa en una exposición
en el Recinto de la Reforma 1995.

En 1996 realiza dos murales en las paredes del edificio de Difusión Cultural de la U:V.
Ingresa a los talleres libres de la Universidad Veracruzana al área de escultura donde es
invitado por la Casa Museo Salvador Díaz donde se realiza el homenaje a este personaje de
nuestra historia, siendo ésta un relieve, mismo que es donado por la U.V.

En el Museo de Antropología de Xalapa es expuesta una escultura, esto en 1997. Participa

con la Regiduría Décima del H. Ayuntamiento de 1998 a 1999 y en el 2000 tiene en su
haber tres exposiciones de instalación y una de Escultura. Actualmente es maestro de
escultura de la Casa de Cultura del Puerto de Veracruz.

Respecto a sus inicios David recuerda que del periódico antes copiaba las fotografías que
publicaban los periódicos, antes dice que había buenos fotógrafos, la luz salía muy bien y
las dibujaba en papel en sus ratos de ocio como parte de los ejercicios de preparación,
empieza a pintar a crear en 1989, después de casi tres años de trabajar lentamente, en ese
año tomó más fuerza y en 1991 los invitaron a una exposición a San Juan de Ulúa sobre la
interpretación del baluarte, fue un grupo que se formó por iniciativa de Oscar Reyes. De
hecho transformó a San Juan de Ulúa en una nave espacial y hasta se le hizo su historia
fantástica mediante una historieta.

“Siento que debemos demostrar que sí hay pintores y hay pintura en Veracruz, hay
creadores que nos esforzamos por trabajar evolucionando, mis etapas a veces se disparan
por el manejo de un material, porque a veces va uno metiendo un material que conoce uno
y maneja y ya no se quiere desprender de él, se va marcando la obra, hasta que se decide
uno por cambiar y mejorar sus técnicas. Actualmente estoy metiendo volumen en las
pinturas con unicel recubierto de yeso, cemento o pasta mezclada con blanco de zinc o
resistol”.

En cuanto a la temática del inicio a esta fecha, cuando estábamos en la escuela uno tiene
que estar sujeto a lo que se propone, uno es un poco más figurativo, paisajes, bodegones,
todo ha ido cambiando, hay que pintar no tan solo lo que se ve sino también lo que no se
ve, producto también de la imaginación, no nadamás la pintura es visual sino que también
es imaginativa, de creatividad e interpretación propia, estoy pintando todo sobre la
espontaneidad mental, ya no digo mañana voy a pintar esa botella y le voy a hacer esto, no,
en el momento que lo pienso ahí se lleva a cabo y se interpreta”.
Dice David Castillo que la expresión artística en la escultura tiene la importancia de un
lenguaje a través del cual se logran desarrollar las capacidades de expresión creativa y de
comunicación del individuo, de acuerdo con el conocimiento, la creatividad y sensibilidad
de cada uno. Los medios para promover los aspectos anteriores son: modelado, tallado,
ensamblaje, moldeo-vaciado y el manejo de las siguientes técnicas:

Madera. Es uno de los materiales nobles con los que se cuenta para realizar trabajos
artísticos y utilitarios. Cortar, lijar, pintar, pegar, preparar, son las técnicas a seguir.

Metal. Los metales nos ofrecen toda la plástica de sus tonos, los efectos de sus brillos y su
facilidad de transformación, lo que unida a su gran duración, nos brinda un material
perfecto para la realización de obras plásticas.

Unicel. Se utiliza fundamentalmente como material de empaque, en sistemas de

refrigeración y arquitectura, etc. Ha estado tanto a la vista que el artista se ha fijado en él,
ya que este es un material de fácil manejo con el que se pueden dar diversas formas
artísticas, como son: relieves, esculturas y texturas.

Yeso. Mineral común, muy blando al unirlo con agua fragua rápidamente y se endurece;
esta propiedad lo hace útil en escultura, por lo que se tiene que conocer su manejo en la
elaboración del moldeo y vaciados.

Papel. Introducir la utilización del papel como medio de expresión plástica ya que estas
técnicas aprendidas con dicho material posteriormente se pueden aplicar a otros materiales
de manipulación más compleja.

Las técnicas que en general trabaja David Castillo en la enseñanza son papel, unicel,
plastilina, yeso, madera, piedra, barro, metal, mixta y texturas.

David Castillo parco en el hablar se expresa libremente tanto en la pintura como en la

escultura, en ésta los efectos que dan sus texturas en el material en prolongadas líneas para
rematar en un retorno circular, suave, en el que la mirada de regreso da tono al encuentro
con otra mirada pero interrogante que es la del propio artista que nos pregunta qué sientes,
qué piensas y en ese diálogo las emociones se multiplican porque el recorrido visual, táctil
va y viene enviaje compartido hacia uno mismo y al otro que puede ser el artista creador o
la gente que pasa o nos acompaña.

Trabajador diurno para lograr el trazo que desea, hace apuntes y la transformación empieza
su guía con las imágenes acumuladas durante el día, los días, los años vividos por él mismo
y nuestros ancestros porque a través de la cultura también se viven otros tiempos.

El camino de los sentimientos, de la emociones, ruta hacia una vida mejor, proyecto
personal, familiar, colectivo que se va conformando no tan solo a través de las obras sino
también en el trabajo grupal.
Respecto a la existencia de una plástica porteña, dice que cada pintor tiene su marca o su
estilo o forma de pintar, eso lo identifica, es un poco más personal, dice “yo pinto más ojos,
caracoles”.
Grupo de Creadores Plásticos del Puerto de Veracruz

Elisa Galván
Candy Viga
Enrique Delong
Miguel Angel Habana
Mauricio García
Rosario Águila
Carlos Barró
Marcia Medrano
Víctor Vázquez
Ma. Elena Sánchez
Juan Manuel Hernández
César Bautista
Martha Sheridan

Dice Humberto Hernández acerca de esta muestra del Grupo de Creadores Plásticos del
Puerto de Veracruz:
“Los colores se descomponen, la luz es incapaz de contenerlos el espacio de la imagen ha
rebasado los medios de expresión que esta contiene, la sensualidad, las pasiones, la
búsqueda, lo alcanzado, llegan adonde los contornos no podrían hacerlo ni permitirían. A
pesar de todo las posibilidades siguen supeditadas a la forma, la sugerencia está en la mente
del creador, encuentra su lugar, acomodándose, como si la estuviesen esperado desde
siempre, en la del espectador para complementarse, cumplirse, los cómplices son y no son
del mismo bando. La emoción es el lenguaje básico, el caos ocupa el orden fundamental de
las cosas, por todos lados nos sorprende saltando sobre la gargantas, los corazones han
dejado de latir y bombear sangre para ahora bombear humo, ruido, lepra, hambre,
combustible, virus, histeria, prisa, guerra no se queda atrás, sino que se adelanta, para,
como suele hacerlo, abanderar al futuro esbozando los conceptos con sus trazos, vivir ya no
es sólo respirar, estar, ahora se requiere transformar preservando lo elemental. A pesar de lo
efímero de las circunstancias el artista manifiesta la eternidad diluyéndose en el polvo de
los instantes”.
Elisa Galván: Tatuajes.
Pintora de trabajo constante, serio, que busca comunicación, relación con la gente,
expresarse de la manera más directa posible pero sin llegar al facilismo de lo obvio, su
pintura figurativa es producto de una simbolización que resulta de la actividad reflexiva y el
perfeccionamiento en el uso de los materiales. De lenguaje directo sin dejar de lado la
simbolización emotiva con la que construye sus propios códigos, que realmente son los
códigos de todos quienes buscamos la pintura como recreación o invención de la realidad
personal y colectiva.

De Elisa Galván dice Enrique Delong lo siguiente:

“Piel epidermis que muerde, unísonos tatuajes que están y no están en la agonía del
recuerdo, arrastrándose, la magia brota, y en soportes llagados nace la visión de cromáticos
cuerpos, desnudos surrealistas, en laberintos como mazmorras; y sus huéspedes, tatuajes
del universo infinito.

Lenguaje puro, su yo en el tiempo, ella huellas en el entorno general.”12

Elisa Galván investiga, busca información de lo que representa el tatuaje para la gente y lo
une con lo que representa para ella, en esta muestra donde va tras las huellas, marcas
corporales y espirituales del ser humano que al final se vuelven una sola y tiene forma de
hábitos, manías, actitudes, prejuicios, afanes liberadores, valores, en fin, todo un universo
que hace al ser humano de determinada manera a la vez único y colectivo.

Tatuaje proviene del francés tatouage, acción y efecto de tatuar o tatuarse, que a su vez
significa grabar dibujos en la piel humana, introduciendo materias colorantes bajo la
epidermis, por las punzadas o picaduras previamente dispuestas, marcar, dejar huella en
alguien o algo, y es en todas estas acepciones que Elisa decide trabajar, en espíritu y
materia, tiempo y espacio para descubrirnos que somos seres tatuados como proceso que se
da en la vida irremediablemente, que podemos reconocer o ignorar, pero que ahí está,
efectuándose en nosotros mismos y en los demás.

El cuerpo humano aparece y se desvanece en las pinturas de Elisa sin dejar de estar
presente ya sea en primer plano o como trasfondo pero siempre como receptor corporal o
espiritual de la marca del tatuaje.

La obra tiene unidad de tal manera que no imaginamos un cuadro sin el otro, esa
corporeidad la da el viaje hacia uno mismo, preparativo para el encuentro con los demás,
cuando como en el caso de Elisa que trata siempre de mejorar, de ser mejor ser humano,
intención y acción que no tiene principio ni fin, que se hace todos los días, de manera
consciente o inconsciente, pero permanente.

El manejo de los materiales nos indica destreza que se va perfeccionando en la actividad

discursiva, hay la alegría del autoconocimiento, pero también la sorpresa de lo no deseado,

12
Delong Enrique. Invitación para la exposición pictórica Tatuajes, jueves 19 de julio a las 20:00 horas en el
Recinto de la Reforma.
de los problemas de uno mismo con los que se tiene que batallar todos los días, durante
toda la vida porque en cuestiones de personalidad no todo tiene solución, cuando se habla
de problemas hay males necesarios.

Huellas en el espacio y el tiempo, huellas corporales pero también emocionales, identidad,

marca, cruz en el camino, el tatuaje no tan solo marca, expresa la necesidad de
autoposeerse, pertenecerse como cuerpo pero también para decidir el camino que se habrá
de seguir en la vida quizá como principio de madurez, de libertad, o también como destino
inminente, inevitable y no modificable.

El tono emocional no tan solo está en el color que a veces tímidamente esconde su luz para
dar paso a los ocres, cuando el tatuaje sirve para documentar la tragedia personal o a veces
cuando se requiere enciende toda su luminosidad para referenciar este ambiente porteño
que vivimos y que es el espacio-tiempo donde se encuentra el ritmo, el movimiento casi
siempre ascendente.

Son 4 esculturas que nos presenta Elisa, también hay huellas que acompañan a la mutación
sobre todo hacia la naturaleza, la animalidad pero entendida ésta no como irracionalidad,
sino para mutar en término de autoprotección, como mecanismo de defensa, instinto de
sobrevivencia, como el caracol, que construye su propia fortaleza y la usa en el momento
que se siente extrañado, amenazado.
Luz Aldape

Dedicada al tapiz, Luz Aldape es una artista que trabaja de manera permanente en Veracruz
desde hace veinte años, hemos seguido su trayectoria y observamos constantes en su obra
como es la forma lírica en que se expresa con el color y las texturas, integra ritmos que se
relacionan con la atmósfera sonora y natural del puerto, su manera intuitiva de vivir el
entorno nos lleva a percibirla como una inteligencia sensible que trata con las distancias y
los tiempos para lograr la cercanía humana y la fruición necesaria para vivir la comunidad.
Nos comparte estados de ánimo que si bien queremos, al percibirlos podemos llevarlos con
nosotros para recorrer la ciudad, para habitar el puerto más espiritualmente, texturas,
relieves, ritmos, trayectorias emocionales que nos invitan a recorrer nuestra propia
naturaleza como seres humanos pero también como urbanitas, seres citadinos que habitan
un espacio territorial y espiritual que se puede mejorar y transformar en bien de todos,
esperanza, pero también alegría y entusiasmo son las energías que nos transmiten sus
tapices, el color que por natural nos es propio a la manera de Luz Aldape, a nuestra manera,
que por los mismo hay tonalidades que se dan la mano pero las hay también que provocan
el contrapunto, esos pedazos de sí misma que nos ofrece Luz, parte de su vida, de sus
vivencias nos dicen que no estamos solos, qué ahí en el taller hay una mujer que toma la
palabra visual y construye un mundo personal que varía poco a poco, que nos ofrece
discretas novedades, voces, entusiasmos, de manera silenciosa a veces, en contraste con la
explosión de sus sonrisas, sonrisas interiores que lucharon para externarse plásticamente
como parte de un discurso que retoma sus huellas, recorre nuevamente su propio camino
andado, ve hacia sí mismo y que por eso quiere ver hacia los otros dispuesta a los
encuentros y los desencuentros pero siempre para andar un nuevo trecho. Camina un tramo
más donde nos encontramos con ella y nos sentimos solidarios en ese encuentro con la
cultura visual porteña que se quiere local, regional, nacional y que debe trascender hacia
todos los entornos donde sea posible la comunidad y lo es dondequiera, porque su discurso
plástico es producto del trabajo constante, de la profesionalización permanente, de la
inteligencia, la sensibilidad en la apuesta común por un mundo mejor.

Como toda mujer preocupada por la conservación de la naturaleza en su obra están todos
los elementos presentes, agua, fuego, viento, silencios y sonidos, texturas, fruiciones
visuales, trayectorias sensoriales, continuación de la vida en ciclo vital que se reproduce en
la vertiente del producto artístico y su comunicación estética, se percibe, se siente, se
disfruta la sinfonía visual que a través del tiempo ha construido Luz en este recorrido que
aporta nuevos sentidos, indicios para vivir la ciudad, la vida, la comunidad, habitarse uno
mismo, donde permanecen constantes, pero también percibimos voces nuevas integradas
por color, formas, texturas, emociones, imágenes, ritmos para decir que se quiere construir
una nueva realidad, más humana, más real, menos virtual.

“Me voy a México, en México es donde estudio y me regreso a Jalapa otra vez y de Jalapa
me regreso a Veracruz que es donde ya me instalé”.

¿Cómo se da tu formación profesional artística?

Yo inicié en la Escuela de Artes Plásticas de Jalapa que después se vuelve Facultad, de ahí
me dan una beca y hago una especialidad, antes no existía la Facultad de Artes, era una
escuela de artes donde como en los talleres puedes entrar, estudiar, tienes una preparación
pero no tienes un título, que eso es lo que ahora todo mundo te exige, es parte del contexto
ahora, después de que entro a la Escuela de Artes Plásticas van unas personas a la escuela,
pasan unos videos, me interesa esto del textil, hago unos exámenes y me aceptan en México
en el INBA, un taller exclusivamente de tapiz que tienes que empezar por el gobelino, que
es una cosa muy laboriosa y de ahí van surgiendo algunas cosas, que no es lo mismo que el
gobelino, no es lo mismo pero es igual, la técnica es igual, la diferencia es que el gobelino
utiliza materiales muy delgaditos y el tapiz es más en abierto, con más maneras de
expresarte, puedes tomar otro tipo de hilos, es más libre, me quedo aquí en la escuela tres
años, regreso a Jalapa donde doy clases como dos años, y entonces me pasan al Instituto de
Investigaciones y de ahí paso para Veracruz, me instalo aquí en el puerto desde hace veinte
años.

Hay bastante autodidactismo en mi formación, no soy muy de escuela, académica,

generalmente en cuanto a diseño soy bastante libre, de los tropezones va uno aprendiendo.

¿Qué etapas se pueden identificar en tu obra?

Creo que más que nada están en esta exposición, yo no se si tuve diferencias entre una
etapa y otra, a mí si me interesa mucho que me digan qué es lo que ven, qué es lo que
sienten, si establecen diferencias entre uno y otro, si ven que esto fue de hace mucho
tiempo y lo otro no, hay muy poca gente que te pueden decir, que solo ven y ya, no
observan. Yo creo que hay estados de ánimo que se van incluyendo, para mí es más
confuso cuando no escucho la opinión de la gente, que siente que ve.

Yo juego un poco con los títulos de mis obras, a veces es solo una idea que se me viene a la
mente para nada para identificarlos, cuando voy a la exposición no veo los títulos, busco lo
que me puede dar visualmente, de lo que yo tengo miedo es a cansar. Yo siento que el color
lo pongo instintivamente, me dan un poco de miedo los colores antes, pero cuando empiezo
a trabajar no me importa si el amarillo con el azul rebota, a la hora que voy a trabajar todo
es instintivo, no se descarta la técnica. Cada obra es una parte de mi vida, es un estado de
ánimo, conflictos que a veces tengo, alegrías, problemas, qué quiero decir nada y a la vez
todo. Me decían una vez que conocieron nadamás la obra y no me conocían a mí, entonces
no creían que fuera yo porque yo era así como que no me importa nada, porque tengo un
carácter fuerte, entonces la obra reflejaba lo contrario de mí, pensaban en una mujer muy
grande, muy tranquila, muy ordenada, muy al revés de mí entonces era muy chistoso ese
juego, porque yo decía entonces qué puedo hacer, yo sé lo que traigo adentro y eso es lo
que quiero dar. Siempre estoy preguntando si pueden leer algo en mi obra.

¿Cómo desearías el futuro artístico de Veracruz?

Yo lo que quisiera es que nos tomaran más en cuenta en el puerto, no nadamás somos el
carnaval, que nos invitaran a otras partes, que no nadamás es espectáculo, también hay una
cultura, gente creativa, que está trabajando mucho pero que nos tienen olvidados, es
importante que salgamos que vean nuestra obra y que nos digan si funcionamos o no
funcionamos. Yo me siento veracruzana y los veracruzanos debemos apoyarnos para poder
salir.
Milburgo Treviño
Milburgo Treviño el pintor que habla de la vida de todos los días, de las sencillez, la fiesta
en el barrio, en el patio, en los rincones de uno mismo, la celebración de la propia vida, la
inmersión en las cosas comunes que por eso trascienden porque logran la comunidad, la
relación al mas alto nivel de convivencia humana, la vida sin competencia, con solidaridad,
con soledad y compañía. De todo esto nos expresa Milburgo sus vivencias,
simbolizaciones, mundo que de tan personal se vuelve grupal, colectivo.

Los colores de Milburgo son los de la naturaleza, que tomados de ellas les inventa su propia
vida, su intensidad, colores propios que nos dan una visión del mundo que tiene que ver
con los sueños y aspiraciones de todo veracruzano, con la cultura popular como forma
autentica de ser.

Conocer a este pintor veracruzano es acercarse a la historia sobreviviente del trabajo

artístico que expresa veracruzaneidad y universalidad, alegría de estar vivo y ser parte de
un cuerpo social que se le ha caracterizado por ser alegre, espontáneo y siempre solidario.

Milburgo tiene raíces de una cultura grupal, de la vida en común de padres preocupados por
su país, que definieron siempre que tipo de nación querían vivir y decidieron luchar por ese
proyecto de la manera mas realista que ha podido encontrar el ser humano : vivir la vida de
todos los días, vestirla de fantasías, utopías, para lograr ser mejores humanos, decidieron
enfrentar la realidad como la enfrentamos todos los mexicanos, organizando nuestro propio
mundo compartiéndolo con los demás, enfrentando la vida cotidiana sin agandalles.

El alejamiento de la vida cotidiana es el signo de los tiempos actuales, la cultura de masas

propone un paraíso de oropel, de luces de colores, como fuga rápida y eficiente para
alcanzar la modernidad que siempre ha pasado lejos de nuestros sentimientos, de nuestros
cuerpos, en nuestra naturaleza.

Milburgo es el carnaval, el danzón, el día de muertos, es la vida de todos los días, es agua,
tierra, fuego, vegetación, fauna, olores, sabores, cuerpos que se saben parte de un cosmos
que se puede crear y recrear a sí mismo para hacer posible la vida, para hacer posible la
utopía y que cristalice nuevas utopías.

El discurso pictórico de Milburgo no es ingenuo, se sabe sujeto de una circunstancia que

comprende y asume, que quiere transformar, que transforma como creador artístico.
Ha creado la vida a base de colores, formas, sentido, emoción.

Dispuesto a vivir solamente de la pintura y en la pintura la lealtad y la fidelidad son valores

que permanecen como trasfondo en el lienzo y en la vida de Milburgo.

Un año trabajamos con Milburgo en el inicio de una serie de trabajos para historiar la vida
y obra de los pintores porteños. Su paciencia fue generosa y en ese trayecto además de
recibir muchas enseñanzas con el maestro pudimos vivenciar el desarrollo de su trabajo
cotidiano.

“Desde niño tuve la inclinación a la pintura, desde muy pequeño dibujaba, la situación
económica de mi familia no me permitió tener acceso a libros de arte, mi cultura era cultura
plástica de almanaque, veía mucho los calendarios de Helguera, en esa etapa hacía novelas
ilustradas y vendía a veinte centavos el número.

En cuanto al origen de los temas marinos ya como artista independiente, fuera de la

escuela, particularmente las imágenes de pescados, estoy tan vinculado al mar, porque el
país todavía no se recuperaba económicamente después de la segunda Guerra Mundial, en
esa época de grandes necesidades acompañaba a mi padre a jalar redes a Playa Norte, había
una pesca magnífica, el pescado era un alimento de todos los días durante muchos años,
mantengo el tema pero también el paisaje veracruzano, el color, trato de sentir el color, por
eso en mi pintura a veces es un poco dramática o muy brillante, a veces insulta por la
brillantez del color, sobre todo los colores amarillo, naranjas y rojos que son los colores que
predominan más en mi obra, trabajo muy poco los verdes, los azules y los violetas, más me
inclino a este colorido, porque es la impresión, es lo que siento todos los días al levantarme,
ese amarillo, ese blanco, esa luz que me ciega y durante todo el día voy gozando todos los
cambios de luz, es la gran influencia que tiene en mí esta atmósfera que por fortuna todavía
disfrutamos en Veracruz, el color lo llevamos todos los veracruzanos, los árboles, las casas,
los colores brillantes, yo creo que todo el que vive en Veracruz y lo he notado en mis
alumnos y maestros de otros lugares lo ven en la pintura veracruzana, el derroche de luz y
color, ese alimento del color lo recibimos todos de la naturaleza, desde que nacemos y toda
la persona que viene acá siente la influencia de colorido, del color.

Yo desconozco de escuelas, de movimientos, de istmos, yo no me he querido comprometer

diciendo pinto de esta manera, pinto de aquella, el que ve mi pintura es el que ha podido
catalogarme dentro de alguna corriente, dentro de alguna escuela de pintura, generalmente
veo poca pintura y por eso es que quiero tratar de seguir siendo más Milburgo, no quiero
recibir mucho la influencia, aunque a mi edad ya no estoy para influencias, estoy para
influenciar, pero de todas maneras puedo tener alguna pequeña duda, en mi colorido si que
empiezo a ver otros pintores, pero hasta ahora he seguido conservando mi intensidad en el
color.

Hay un cuadro que considero el culpable de que yo lleve esta vida de artista, fue pintado en
1955, compré algunas pinturas de aceite y lo copié de alguna revista, marca el inicio de
toda mi vida artística, lo conservamos durante muchos años, primero mis abuelos y después
yo, considero que hasta la fecha conservo lo que hay en este cuadro, muchos rasgos que hay
en él, aquí ya está toda mi personalidad, creo que no he cambiado nada, el color ya se ha
opacado, era muy brillante, el color es algo que ya ase nace con él, estoy muy feliz de ser
pintor, de ser artista, muy feliz de hacer lo que estoy haciendo, prefiero seguir teniendo
estos hijos que solo me piden que los haga bien, que les de mi apellido, son hijos muy
comprensivos que anhelo tener. Cuando me pongo a analizar esta obra la veo con tanto
detenimiento, recordando cómo comencé, con esa emoción del inicio de las cosas, la
composición que tiene en óvalo es una constante en mi producción, siempre estoy
trabajando en óvalos, círculos, creo que es mi composición preferida, las líneas, el
volumen, utilizo los mismos rojos, hay amarillos, naranjas, ocres, no he cambiado, sigo el
mismo desde que comencé.

En mi formación me he cultivado con el tiempo, mis inicios son como cualquier personaje
del pueblo mexicano, sigo con mi gusto por los almanaques, Helguera me sigue gustando.
El círculo es una constante. El material que uso es el temple al huevo porque es una técnica
que se adapta mucho al clima de Veracruz.

Nunca he podido trabajar el abstraccionismo, es un lenguaje muy difícil, que barbaridad,

cómo los abstractos se pueden expresar nadamás a base del color y a veces sin formas, yo
tengo que trabajar forzosamente el dibujo, la forma par poder decir las cosas.

La forma de pescado aparece como constante en mis cuadros. He tenido una etapa
expresionista en 1969, colores brillantes, fuertes, le escribía algunos textos a los cuadros,
algunas frases.

He realizado retratos, es un género que trabajo muy poco, trato de captar más el carácter de
la persona cuando hago un retrato, es un género en el que no soy constante. Me gustan más
las multitudes Poesías pintadas. En el paisaje me doy vida y vuelo con el color. Alguna vez
pretendí mandar a hacer pan de muerto diseñado por mí, hice los proyectos pero no se
realizó.

Me gustan las multitudes y eso se manifiesta en mis pinturas.

He realizado paisaje cubista”.

Raúl Guerrero Domínguez

¿Cómo te inicias como pintor?

Yo estudié aquí en el Puerto de Veracruz, nací el 8 de diciembre de 1932, me inicié en el
arte dentro de la música, quería estudiar violín pero mis maestros me motivaron a que
entrara yo al canto con tesitura de tenor y llegué a cantar como solista en el Coro Mixto
Veracruzano que dirigía el maestro Daniel Ayala Pérez, éramos más de ochenta personas,
no continué porque consideré que estaba lejos de mis posibilidades, en aquel tiempo en los
años sesenta comencé a vivir mis inquietudes sociales, me identifiqué con la posición de los
pintores muralistas, me llamó más la atención Siqueiros, por su posición política y eso me
entusiasmó mucho y me inicié en el estudio de la píntura, comencé a trabajar bajo el punto
de vista de la llamada Escuela Mexicana, vi mucha pintura, los pintores franceses de la
época que se salían del contexto de la pintura mexicana, eran muy diferentes, entonces
había la política de Bellas Artes de las escuelas en la provincia y aquí en Veracruz comencé
en la Escuela de Artes Plásticas que dirigía el maestro Rogelio Armendáriz, en 1os
sesentas, me salí como a los dos años y me fui a México, conocí a pintores, tuve otras
referencias, otros enfoques pedagógicos, sistemas de enseñanza, con más apertura, todo eso
me enseñó que había otras alternativas en la plástica, esa inquietud me dio otro impulso y
comencé a trabajar solo por mi cuenta, sin estudios, sin modelos, sin espacio, era
complicado para mí, entonces regresé por conveniencia a la escuela ahí había modelos,
barro, me interesaba muchísimo la escultura, ya tenía otras inquietudes, una línea a seguir,
una imagen a seguir de otras inquietudes plásticas, hacía todo un esfuerzo para visitar
exposiciones a México, dos días y regresaba muy entusiasmado de otras alternativas de la
plástica, tenía ya otra dinámica, pero estaba inconforme, siempre rebelde, recuerdo que fui
a la Esmeralda e hice una movilización con los alumnos para proponer cambiar el sistema
de enseñanza, se aceptaron propuestas, se cambió el sistema de enseñanza, pero todo eso
me ocasionó ciertos señalamientos de la parte administrativa y era una lucha para mí muy
especial, me mantuve firme hasta que terminé mis estudios, cuando salí de los talleres en
1987, me propuse que un año no tomaría ningún pincel, me dediqué a leer de arte, para
satisfacer esa inquietud de información universal en la plástica, en 1969 yo dirigí una
galería aquí en Veracruz, del Instituto Mexicano Cubano Juárez Martí, estaba en contacto
con la Casa de las Américas, me dieron el cargo de Director de la Galería, había actividades
diversas. Me invitaron a Cuba y me fui, éramos como cuarenta y yo me dediqué a conocer
los centros culturales, me separaron del grupo, me pusieron un guía, un carro y de ahí a
conocer talleres de grabado, Casa de las Américas, el Museo de Arte de la Habana, recorrí
muchísimo, ese fue un impacto increíble para mí, estaba viendo lo cubano y lo de otros
países, porque ellos tenían mucha formación de Europa, regresé motivadísimo, tenía que
digerir toda esa información que había recibido en mi viaje, quedé muy impactado, dije no
vuelvo a dibujar una oreja en toda mi vida, me convertí en un pintor abstracto, geométrico,
estoy hablando de 1969. En 1970 Juan Vicente Melo venía con mucha dinámica después de
estar en la Casa del Lago, me dijo me gustaría ver tu trabajo y lo llevé a mi estudio, por
primera vez alguien veía mi trabajo, mis inquietudes eran muy íntimas, todavía no acababa
de madurar aquella nueva forma de pintar y dije va a pasar por el tamiz de Juan Vicente
Melo, muy válido por su formación y le gustó mucho, lo primero que me dijo fue quiero
que seas tú el que inaugure la Galería del Museo de la Ciudad, ese fue un estímulo muy
grande para mí, esa exposición se llevó después a la Galería del Teatro del Estado, tuve
opiniones favorables de gente de Artes Plásticas y escritores a quienes les gustó mi obra,
tuve la fortuna de que la viera Vicente Rojo y me invitó para exponer con los pintores
independientes de México, me dijo quiero que tu cuadro esté junto a los míos, que es una
especie de la mecánica de la jerga plástica, algo así como apadrinarme, era yo un don nadie
en aquel entonces en México, y exponer con el grupo independiente fue magnífico. Juan
Vicente Melo me nombró encargado de la Galería del Museo de la Ciudad, mi satisfacción
fue hacer montajes de obra de pintores como José Luis Cuevas, quiso Juan Vicente que
abriera un Taller de Pintura ahí mismo, se hicieron exposiciones, abrimos un taller infantil
de pintura, él no quería que se expusiera nada que no tuviera un valor plástico, no era un
desdén a la cultura, sino lo que buscaba era elevar precisamente el criterio, la calidad de la
plástica, no era fácil exponer en el Museo de la Ciudad, vinieron pintores de México, pero
más que nada era eso, si queremos educar a la gente en el aspecto plástico, todo lo que se
exponga aquí debe ser aquí de calidad, que sepan que realmente es una pintura de una
factura más respetable.

Es una situación difícil para el funcionario que promueve la cultura, tender ese puente.
La promoción del arte debe motivar a superarse, a nutrir y dar alternativas a los artistas en
otras áreas, en otros niveles de información, de formación, cuando se formó
CONACULTA, vino dos veces Alberto Castro Leñero, otros artistas con información
fresca para los artistas locales. Es necesaria la autocrítica para tener una obra más decorosa
con información más contemporánea de la plástica, es necesaria una videoteca de lo que
son nuestros pintores ahora que CONACULTA tiene una producción en esta rama, gente
que venga a darle un empuje a la plástica, hace falta información.

¿Cómo se da el desarrollo de tu obra, qué etapas identificas en tu trabajo?

Tuve una etapa de la pintura geométrica abstracta, posteriormente comencé a manejar una
pintura abstracta orgánica y es la que he trabajado hasta la fecha y dentro de esa corriente,
ha habido cambios, depuración, tengo una influencia oriental sobre todo del Budismo Zen,
la literatura japonesa, me influenció mucho el Budismo en la expresión literaria, plástica,
eso me llevó a buscar menos materia, menos barroquismo, síntesis, la búsqueda de espacios
vacíos, vacío, esto me motivó muchísimo a hacer una pintura aparentemente simple,
sencilla, ha sido mi línea, es muy difícil porque a veces realmente te entiendes tú nadamás,
recuerdo que le enseñé una serie que hice a un amigo Velásquez, pintor, me dijo muy bien,
pero yo le decía que era una situación que me incomodaba y él me respondió Raúl hay
pintura para pintores, es decir, es el lenguaje que podemos hablar entre colegas. Y es una
etapa en la que estoy trabajando el abstracto, geométrico, ando en búsqueda, no he hecho
desde hace cinco años una exposición individual, creo que todo artista debe tener una ética,
no repetirnos, mantener un rigor una búsqueda de sí mismo a través de la creación, y siento
que por ahí está el encuentro con uno mismo, la satisfacción de lograr lo que esperamos,
quizá lo lograr lo imposible.

¿Cómo es tu sistema de enseñanza ahora?

Creo que hay cosas en el arte tan sutiles que tanto el alumno como el maestro deben de
tener, pienso que todo el que quiere llegar al arte o hacer arte debe tener un sentido de
libertad, de creatividad muy puro, incluso consigo mismo, a la hora de la enseñanza actúo
según las circunstancias, según las personas, porque en mi taller hay desde jóvenes, amas
de casa, obreros, profesionistas, personas adultas, señores jubilados, entonces hay que
situarse según la persona, el lenguaje cambia, la comunicación cambia, hay que motivar a
las personas según las circunstancias, pero más que nada es darles libertad para que se
expresen, darles las herramientas propias de lo que es el manejo de los materiales,
estimulándolos pero dándoles siempre las alternativas de ir transformando, de ir generando
situaciones nuevas y en ese desarrollo del quehacer se les van planteando alternativas para
que vayan creándose un juicio, una crítica constructiva, una autocrítica, y tengo la
satisfacción de que la mayoría de los plásticos de aquí han sido egresados de mi taller,
Néstor Andrade, Bruno Ferreira, Alicia Castro, Gloria Caballero, hay otros que se dedican
de lleno a la pintura y a la docencia, son muchos los plásticos que han sido egresados de los
Talleres Libres de la Universidad Veracruzana.

Eres parte de la plástica porteña, qué es para ti.......

Siento que la plástica porteña viene siendo un tanto cuanto doméstica, hay sus excepciones
Oscar Reyes es un valor muy importante de la plástica aunque él no está dedicado del todo
a ello, Bruno Ferreira, que tiene una autocrítica feroz, con una actitud mucho muy sana,
está actuando como un profesional muy interesante, Lourdes Aspiri, Alicia Castro, son
gente muy interesante. Rossana Beverido, se me escapan algunos nombres.

Oaxaca tiene una personalidad en cuanto expresión folclórica, raíces indígenas, con
personalidades tan fuertes como Tamayo, Morales, Toledo, precisamente una de las
características de la plástica oaxaqueña, comparo con Veracruz, porque ésta es una ciudad
cosmopolita, una influencia a través del puerto que ha entrado por años, sabemos que entró
el anarquismo, comunismo todo eso a través de las migraciones, toda esa influencia política
cultura que ha sido constante, pero creo que si puede haber, porque anímicamente el puerto
es luz, color, espacio, somos mar, un ambiente de fuerza humorística, irónica, cómica,
crítica, con muchas influencias, se ha dificultado el desarrollo de una plástica con una
personalidad propia, pero mientras los creadores no pinten con lo interno, con
espontaneidad, a final de cuentas somos producto de esa situación geográfica, cultural, de
una u otra manera va a salir, pero no se va a lograr porque todo mundo quiere ser o
surrealista o abstractos entre comillas, ciertas etiquetas influenciadas tal vez por lo de
afuera, no es eso, tiene que salir de adentro pero de una manera muy de raíz, pero tampoco
podemos encerrarnos, hay una pintura contemporánea muy fresca en otros lugares de la
República Mexicana, no hay una personalidad, no hay un grupo de fuerza que tenga una
visión más formal, de empuje, por un lado las instituciones, no orientan ni apoyan, por otro
lado los propios pintores, las instituciones los quieren seguir viendo como maraqueros, de
Jalapa nos quiere seguir viendo como el puerto de pescadores que arrulla el mar, en el área
plástica hace falta hacer obra de mayor fuerza, más contemporánea, de más vitalidad.
Bernardo González

¿Qué etapas identificas en tu obra?

B.G. “Más que identificables pienso que son influencias, porque toda mi vida he sido un
amante de lo egipcio, lo descubrí porque soy un amante del cine, eso se lo debo a a mis
padres sobre todo a mi madre que nos llevaba de niños al cine, primero aprendí a ver
películas que a leer y escribir y me acuerdo que Aída que está basada en la ópera de
Verdi y veo a una Sofía Loren negra convertida en Aída y veo todo aquel paraje
egipcio y tuve una identificación tan grande con esa película, lo poco que tengo, que yo
me moriría por tener más y que por falta de recursos no tengo, son mis referencias de
Egipto, es una fijación muy grande que tengo, amén que por razones de la artes
plásticas lo griego y lo romano, evidentemente, porque soy profanamente helénico en
mi quehacer artístico, por lo que he sido muy criticado, pero de alguna manera como en
Ciudad Juárez que una vez me hicieron una entrevista en la que hicieron referencia a lo
que estoy platicando, porqué ángeles blancos, porqué ángeles rubios, porque ángeles de
ojos claros, y le dije más que ser racista, porque creo que esa fue la insinuación, no soy
responsable de la educación y apreciación plástica que se da en nuestro país, porque por
ejemplo aprendí a amar lo nuestro étnicamente hablando, cuando fui mayor, cuando
estudiaba la prepa, descubrí que había una historia del arte en México que había un
Museo de Antropología, porque no nos enseñan a amar lo nuestro, nos enseñan a amar
de lo afuera, y es universal la enseñanza de las artes plásticas porque tenemos una
cultura de apreciación helénica, esa es la cultura con la que yo crecí, eso no lo puedo
borrar de un tajo, no dejo de reconocer nuestra cultura ancestral y las otras, las
prehispánicas que son maravillosas, entonces yo me descubriría como un pintor
autóctono, prefiero ser auténtico a algo que no soy por formación.
Esa autoctonía se da en la educación en todos los sentidos, desde tu casa, por ejemplo
he tenido una educación tripartita, igual que mis hermanos, tripartita por esto, somos
una nación mestiza, un mosaico de culturas, mi madre es veracruzana y mi padre es
cubano pero hijo de españoles, entonces desde la gastronomía en casa, tenemos comida
mexicana, española y cubana, sin embargo aún cuando mi padre es cubano y mis
abuelos españoles por parte de mi papá, tuve el mismo interés por lo nuestro hablando
de los prehispánico cuando me interesó la historia plástica de España, la europea y la
historia afroamericana que es la de cuba y que de alguna manera en la temática de mis
jarochas, podrás notar los indicios que hay de esa admiración y ese tributo que yo de
alguna manera le debía a mi quehacer artístico, le debía a mi patria y a mi patria chica
que es Veracruz.
Los valores fundamentales vienen en tus genes, a veces no los reconoces porque son
parte de ti, una vez me hicieron una broma de que yo antes de nacer estaba ya corriendo
en los campos de futbol, lo que pasa es que como mi padre es futbolista, yo creo que la
broma venía por ahí, y hablando de cuestiones de herencia genética, me pasó una cosa
curiosa, estudié tres años en la Escuela de Arte de Cubanacan, la primera vez que visité
Cuba fueron por mí mis tíos con los que yo viví, la hermana de mi papá y mi tío
Abelardo que ya murió, y me dijeron qué era lo que quería conocer primero, y les dije
que la Habana Vieja porque ahí fue donde mi papá nació y les podría jurar que hubiera
dado mi brazo izquierdo por decir que había estado ahí, no me sorprendió lo que vi ahí,
no me sentía ajeno me sentí parte del entorno que yo estaba descubriendo ,fue un
regreso al pasado, de ahí atribuyo que tus genes son como fotos de quien te mantuvo en
su vientre por que hay otra referencias por parte de mi mamá, yo siento que mucho de lo
que somos ,obviamente es genético, ser artista en nuestro país es ser muerto de hambre,
es estar señalado por preferencias sexuales por clases sociales, por una serie de razones
que te intimidan por que tu eres un niño y tu lo que menos piensas a futuro es de que
vas a vivir, yo de alguna manera vincule algo que no estuviera muy separado de lo que
yo era, de lo que soy y seré, “artista” primero que todo, entonces yo dije: ¿qué esta mas
cerca de la pintura que me permita seguir pintando y no desvincularme de la creación
artística? y entonces en esa época se gestaba la licenciatura en diseño grafico y dentro
del diseño grafico se encontraba la cuestión ilustratoria por que obviamente hay
categorías, existen especialidades en el diseño y en todas las carreras sobre todo las que
tienen encadenamientos profesionales que hacen conformación de la misma, de esta
manera fue como yo conjunte mi profesión como ilustrador, como diseñador grafico a la
de pintor, de creador artístico creo que esa fue la razón el miedo y el temor a morirme
de hambre, que de todas forma no la he superado por completo, por que en provincia
desafortunadamente todavía no le damos el valor debido a la obra de arte, al que se
dedica a esto, yo tengo que dar clases, tengo que vender obra y la obra la tengo que
vender fuera tampoco tenemos esa cultura en Veracruz, aquí la gente prefiere con todo
respecto comprar en joyas invertir en terrenos que invertir en arte, gracias a dios
tenemos una ciudad como: Monterrey, Guadalajara, ciudad de México incluido Cancún
donde si puedes vender obra por que tienen otro tipo de cultura o por situación
geográfica básicamente como la de Cancún que vienen gentes de todas partes del
mundo hay galería que se han creado a propósito para que consuman arte Mexicano que
me parece fundamental y me parece que uno de los aciertos que tendríamos aquí en
Veracruz por parte de los gobiernos que estén y los que le tocan por venir seria destapar
galerías que permitan vender los productos de nuestros artistas no hablo por mi si no por
todo el arte que se gesta en todo el estado y en todo el país somos un país de artistas”.

¿Cómo observas el panorama de las Artes Plásticas en la ciudad de Veracruz?

B.G.: “No le veo mucho, acabamos tener una reunión charla sobre la celebración de
los 50 años de la Escuela de artes plásticas de Veracruz, que se convirtió en un triste
taller, que me parece vergonzoso, que los que pasaron como directores de esta escuela
no hayan defendido algo que ya habíamos adquirido, por que la razón fundamental de
que el arte trascienda a través de generaciones es: formando, cultivando, promoviendo y
es algo que no se hizo, seria importante recuperar el espacio de la Escuela de artes
plásticas, yo creo que en el año 2005 esperemos que tenga un mejor vislumbramiento en
el futuro, pero lo que a mi me toca aportar yo sigo luchando por ello todavía en
Veracruz no tenemos esa parte que tenemos que fomentar, parte de la formación del
hombre se le debe a la historia del arte y siempre el arte es un lenguaje universal no lo
vas a tener que aprender, con solo verlo vas a saber de que te esta hablando lo que tu
estas viendo”.
¿Como creas tu obra, que material utilizas?
B.G.: “Yo no uso aerógrafo, lo utilicé en diseño plástico pero en mi quehacer plástico
no, pero aunque es un recurso maravilloso y por comercialización estética, no lo pude
incorporar a mi quehacer plástico, sin embargo mucha cosas de las que yo hago, me
recuerdan mucho de una maestra de la licenciatura de diseño grafico, me decía que mi
arte era asquerosamente preciosista, desgraciadamente a mucha gente o le causa
admiración o le causa temor la belleza, soy un obsesivo de la belleza, de la estética
helénica, de la belleza clásica, entonces cuando yo pinto a mis divas o a mis jarochas,
hay mucho de esto, sigo creyendo que es un tributo a la mujer, a la creadora de la vida,
ese es mi tributo a través del arte, mi tributo a la mujer, por otro lado mi quehacer de
ángeles es mi tributo a mi formación helénica, a lo que yo llamo terrenamente celestial,
pinto ángeles terrenales y celestiales.
Hay manías, pero hay condicionamientos, yo toda mi vida hubiera pintado al óleo pero
los condicionamientos se me fueron dando cuando es difícil vender un óleo, también en
Veracruz la gente no te compra óleo por que le teme al clima, esto no es cierto por que a
través del tiempo en los países tropicales se han podido conservar, mi quehacer aunque
si pinto al óleo predomina el acrílico, parece ser que a la gente le agrada mucho mas el
acrílico, por que piensan que son serigrafías, por la calidad que le doy al pincel, y esta
técnica es lo que nosotros llamamos “oficio” este se consigue con los años, procurar
tener un buen dibujo, a mi me gusta ser tan depurado tan limpio, que me he encargado
en el tiempo en ser lo mas limpio en acrílico por que me da la sensación de cierta
tranquilidad de paz, el único dialogo que existe entre una obra de arte y el espectador es
la idea que se crea al verlo incluso que te guste o no, habrá gente que le encante lo que
hago o lo deteste , la belleza que pinto intimida a las personas, sorprenderte con la
belleza yo creo que ese es mi quehacer”.
Enrique Delon

¿Cómo te iniciaste en las Artes Plásticas?

E.D.: “Desde niño empecé a pintar, pero la familia no te permitía pintar, empecé a
pintar autodidacta, y a los años regresé al puerto, había estado ausente y se me
ocurrió estudiar profesionalmente en el Instituto de Bellas Artes en el año 1988”.

¿Qué etapas distingues en el desarrollo de tu obra?

E.D.: “Hasta ahora no he encontrado el fondo final de todo esto, he navegado muchas
líneas, donde me siento más a gusto es en el surrealismo y en el abstracto”.

¿Cómo observas el panorama de las Artes Plásticas en la ciudad de Veracruz?

E.D.: “Por desgracia tenemos un problema los porteños, nos sentimos muy “divas”
no pensamos en un colectivo, si no en un individual, pero obviamente en un
individual cuesta más trabajo crecer que si trabajáramos en grupo, no tanto para que
todos los días nos veamos o te ayude a pintar, teniendo un grupo es más fácil
trabajar por que se pueden conseguir muchas cosas, exposiciones o eventos fuera del
puerto.

¿Cómo te gustaría ver el panorama futuro de la Artes Plásticas en la ciudad de

Veracruz?
E.D.: “En que todos fuéramos honestos con nosotros mismos y luego con los demás,
por que aquí en Veracruz se viven como en la lata de los cangrejos, si uno va a salir
todos se le echan encima para que ya no salga, la gente que ha sobresalido es por
que a tomado la decisión de irse más tiempo y trabajar fuera que aquí en el puerto”.
Lucía Ortiz
Directora EMBA

¿Cómo se inicia tu participación en el desarrollo de la vida cultural de la ciudad

y del Estado de Veracruz?
L.O.: “¿Cómo? Por influencia paterna: Música y literatura. Música principalmente,
literatura haciéndome adicta, desde niña soy una lectora voraz. Participé en la vida cultural,
presentándonos mi hermana Irene y yo, en cuanta ceremonia nos invitaban a tocar, hasta en
el carnaval en un carro que patrocinó Don Alberto Aguirre. También formamos parte de la
orquesta de Gaby Moreno. Como alumna de la Escuela de Música en todos los recitales y
presentaciones que la Escuela organizaba.
Mi participación en el desarrollo de la vida cultural se inicia de manera formal con la
creación de Realizadores de Arte, A.C., de la cual fui asociada fundadora.

¿Cuál ha sido el desarrollo del Instituto Veracruzano de Bellas Artes en estos 50 años?

L.O.: “Fue un crecimiento importante, fortalecido bajo la Dirección del Maestro Daniel
Ayala, los primeros 15 años (de 1955 a 1970). El maestro se jubila en 1971 y toma la
Dirección el Mtro. Eduardo Heredia, enviado por el Instituto Nacional de Bellas Artes,
quien mantiene la estructura y los planes de estudio establecidos desde 1955 por el Mtro.
Ayala, Quizá el no haber actualización de los Planes fue la causa de que paulatinamente se
debilitara la Escuela de Música; paralela a esta situación surgieron las Casas de Cultura,
fuertemente apoyadas por el I.N.B.A. que dejó de darle importancia y apoyo a la Educación
Artística Formal. Ignoro si lo mismo sucedió con la Escuela de Artes Plásticas durante este
período”.

Tu permanente participación en la vida cultural de la ciudad y el Estado de Veracruz

ha sido relevante, nos interesa particularmente tu contribución al desarrollo de las
Artes Visuales como promotora cultural, en este aspecto ¿cuáles consideras que han
sido tus experiencias más relevantes en el transcurso del tiempo?
L.O.: “Mi contribución al desarrollo de las Artes Visuales la considero bastante limitada,
siempre me he considerado “no experta en estas disciplinas”, sin embargo para mí tiene la
misma importancia un auditorio que una galería, como espacios que den a conocer tanto a
los grandes exponentes de estas disciplinas (música y artes plásticas), como a los jóvenes
que necesitan el crecimiento que ofrece el exponerse a un público. Desde luego lo que más
me ha preocupado y ocupado es ofrecer cursos y talleres para que nuestra gente comprenda
y reciba técnicas y accesoria que ayuden a desarrollar su expresión; quizá mi contribución
más relevante fue como parte del R.A.C., gestionar que unas salas del Museo de la Ciudad,
se acondicionaran como galerías, mismas que en Mayo de 1980 se inauguraron con una
muestra muy importante de gráfica y oleos del pintor Vlady”.

¿Cómo influye desde tu punto de vista un proyecto cultural en el desarrollo

comunitario, en la construcción de la ciudadanía?

L.O.: “Influye de forma total, absoluta. Un pueblo que desarrolla su sensibilidad y talento
naturales y los expresa a través de su cultura sublimando sentimientos y emociones, siempre
será un pueblo que comprende, que exige, defiende y resguarda lo esencial, lo humano”.

Además de tu participación en el desarrollo de la enseñanza formal de la música en la

ciudad de Veracruz, ¿Cuáles son los objetivos y valores que animan tu proyecto
cultural en general con todas las actividades que realizas?

L.O.: “Considero que la respuesta a esta pregunta, está, en la que te di anteriormente, sin
embargo cabría hacer la aclaración que la enseñanza formal de la música la ofrece desde
luego una escuela, esa es su razón de ser, pero no es el único espacio en que la enseñanza
artística se puede dar. Lo que no se debe perder es el concepto de lo formal, entendido esto
como una actitud comprometida que acepta disciplina y sacrificio”.

¿Qué pendientes hay en ese proyecto que te guía a nivel personal y a nivel
institucional?

L.O.: “¿Pendientes?, inmediato, lograr la Licenciatura en Música en la Escuela Municipal

de Bellas Artes; la reestructuración de los Planes de Estudio de la Escuela Municipal de
Artes Plásticas y pendiente, pero más bien anhelo, lograr la Orquesta Sinfónica de la Ciudad
de Veracruz, profesional y tan estable como la Orquesta Sinfónica de Xalapa”.

¿Qué características definen de acuerdo a tu punto de vista a la Plástica en la ciudad

de Veracruz, técnicas, temática, colores, materiales, discurso conceptual,
innovaciones?
L.O.: “Creo que para lograr “la definición de la plástica” en la ciudad de Veracruz se cuenta
con todos los elementos pero falta lo más importante: la integración y el reconocimiento; lo
que quiero decir es que en mi opinión, hay muy importantes creadores en nuestra ciudad con
la suficiente madurez y dominio expresivo, que han logrado que su obra se identifique y se
reconozca. Esos logros personales, ya en colectivo conformaría “la plástica veracruzana”,
que de alguna forma representa la constante búsqueda y creación de nuestros artistas. En el
momento que esto se consolide por sí mismo, entonces las instancias oficiales de
promoción no podrán eludir la responsabilidad de cumplir con sus objetivos, de apoyo y
divulgación”.
¿Cómo te gustaría ver el desarrollo de las Artes Plásticas en el futuro en la ciudad de
Veracruz?
L.O.: “Con la fuerte y vital presencia que día a día nos da esta entrañable ciudad......”
Entrevista
Margarita Cházaro
¿Qué etapas distingues en el desarrollo de tu obra?
M.CH.:Han sido diversas etapas, he tenido obra abstracta, de lo que puedo llamar mi
obra que viene desde lo utilitario que se fue transformando y que empezó con Paisajes
Férreos a adquirir un concepto distinto para mí, comienza siendo una obra abstracta
realmente por la fascinación que tengo por los minerales que se utilizan en la cerámica
esto porque tengo una especialización en la preparación de esmaltes y pastas lo que
influye muchísimo en la forma que trabajo; no concibo la forma y después qué pasta o
qué esmalte voy a utilizar, es al revés, no trabajo con una sola pasta cerámica, se llaman
pastas porque se forman con diferentes materiales, no es como el barro que lo utilizas
con arena o un desengrasante y ya es barro, para altas temperaturas hay que hacer
composición, se llaman pastas, yo trabajo con tres diferentes, así es mi obra también,
entonces desde Paisajes Férreos que es todo férreo, con texturas, todo muy texturizado,
lo que sí te puedo decir con respecto de mi obra es que mucho depende también de mi
estado ánimo, esto ha marcado definitivamente las etapas de mi obra, Casa de Piedra,
Hijos del Montón, Mujeres en el desierto, ahora Flores en el desierto, trabajo por temas,
cuando la obra está terminada es que agoté todo lo que yo quería decir sobre ese tema,
termino y después conceptualizo otra obra, Paisajes Férreos fue más pensado, ya en
Casa de Piedra viene de mis sueños, despierto voy anotando y definiendo que es lo que
quiero trabajar, Hijos del Montón es una obra autobiográfica, tiene que ver con que yo
también soy una hija del montón y Mujeres en el desierto vino del coraje por la guerra,
del enojo tremendo por la violencia contra las mujeres, las mujeres desaparecidas de
Juárez, pero no nadamás son las únicas mujeres que han sido asesinadas en el desierto
norte, hay muchos desiertos, el desierto de la vida es realmente el peor….

¿Cómo observas el panorama de las Artes Plásticas en la ciudad de Veracruz?

M.CH.:Yo creo que está tomando mucho auge, cada vez los artistas estamos más
interesados en producir obra buena, hay mucho movimiento en Veracruz, hay espacios,
se está haciendo mucha obra en Veracruz, obra de gente entregada, de artistas
consolidados que ya tienen ideas establecidas, creo que hay una obra más madura, de
los que estamos entregados, de los que queremos seguir con proyectos, con diferentes
expresiones que cada quien tiene, hay un movimiento en los últimos años ya
consolidado y fuerte en la plástica de la ciudad de Veracruz.

¿Cómo te gustaría ver la plástica de la ciudad de Veracruz en el futuro?

M.CH.:La obra tiene que comunicar, tiene que decirle algo al espectador, cuando leía a
un psiquiatra hay una parte de un libro que él tiene, importantísima para el artista, tiene
todo un tratado acerca de la neurosis y el artista, divide entre el neurótico no creador y
el neurótico creador, entonces cómo relaciona la obra de arte con la neurosis, propone
que puedes librarte de la neurosis por medio de la obra de arte y qué es lo más
importante cuando hay una obra de arte, si esa obra de arte comunica algo al espectador
está cumpliendo su función, si te deja algo, si pasas y no comunica no está cumpliendo
con su objetivo, cuando leo esto relaciono mi vida con el arte y pienso que tiene toda la
razón del mundo, pienso que es importante que los artistas no hagamos tantas plastas,
no es nadamás el arte por el arte, ahora hay tanto arte efímero, instalaciones efímeras
que no duran nada, con cualquier cosa, que desaparecen así nadamás, o ahora con toda
la infraestructura tecnológica que es una maravilla pero que no todo el mundo se
compromete a hacer arte realmente porque además tienes todos estos medios
electrónicos y se “facilita” hacer obra, pero sinó tiene una esencia profunda, el alma
para que pueda comunicar, todos debemos tener el compromiso de hacer cosas de
calidad, porque finalmente lo que se está perdiendo en este mundo es la calidad, la
humanidad, los valores, el compromiso, ahora muchos jóvenes no tienen compromiso,
no tienen anhelos, eso es precisamente lo que no debe suceder, debemos
comprometernos con lo que vivimos, con el medio ambiente, tratar de comunicar,
expresar, como no puedo componer el mundo yo solita, siendo que mi obra encaminada
hacia una cuestión social, que desde Hijos del Montón viene ya con esa necesidad,
siento que los artistas debemos comprometernos con obra de calidad.
Néstor Andrade
¿Como te gustaría ver el panorama de las artes plásticas en Veracruz?
N.A.: “Hace muchos años no creían algunos intelectuales que existiera un movimiento
plástico en Veracruz, tenían la idea que todo estaba centralizado en Xalapa, hace más de
quince años se fundó el Instituto Veracruzano de Cultura con el propósito fundamental
de proyectar y difundir la obra de los artistas regionales, dentro de las actividades del
IVEC se inaugura una exposición que se llama “Las artes plásticas de Veracruz” donde
ningún pintor porteño está presente, a partir de eso se organiza un movimiento en las
puertas del IVEC y llevamos nuestro trabajo cada pintor porteño de 25 a 30 artistas
cada uno aportando una obra y fuimos a gritar a las puertas del Instituto que era
importante que no excluyeran a los artistas porteños, leímos un manifiesto de
inconformidad, nos cerraron las puertas del Instituto, después con los años se supo que
había un movimiento de plásticos porteños, el grupo “Oníricos” nos vimos en la
necesidad de exponer en espacios como cantinas y bares para proyectar nuestra obra a
marinos a gente del muelle, pescadores, a la gente que asiste a las cantinas, ahí me di
cuenta que había una esperanza para la plástica en el puerto, un movimiento de jóvenes
que estaban impulsando la presencia de su obra en espacios no formales, esto no
significa que estaban peleados con los espacios formales, necesitábamos urgentemente
la proyección de nuestra obra, nosotros vivíamos en un mundo oculto, los “Oníricos”
empezamos a abrir y a tocar puertas para proyectar nuestra obra, hace 20 era imposible
que jóvenes pudieran proyectar su obra a nivel colectivo a nivel individual, a través de
movimientos empezó a tener una presencia las artes plásticas en el puerto, empezaron a
publicar en los medios impresos como suplementos culturales, actualmente me doy
cuenta que hay un semillero de jóvenes que surgió a través de los talleres libres de artes
plásticas del INBA, de la Casa Principal, Atarazanas, un semillero de jóvenes que tienen
necesidad de proyectar su obra, hay jóvenes que están abriendo espacios, yo le veo un
gran futuro a las artes plásticas, no tan solo jóvenes ,adolescentes y adultos que están
interesados y participan en talleres en nuestra actividades ese es el futuro que yo veo”.

¿Que etapas distingues en el desarrollo de tu obra?

N.A.: “Yo inicié en el INBA en los setenta, después continué en los Talleres Libres de
Artes Plásticas, con un movimiento académico, como todos los estudiantes, con
modelos, al conocimiento del color, de las técnicas, del uso adecuado de los materiales,
cuando ingreso a los Talleres Libres de Artes Plásticas se me abre un abanico
totalmente diferente de experimentación, experimenté con abstracto, tengo una serie de
exposiciones en que participé, tanto colectivas como individuales, posteriormente
continué con obra figurativa, he llegado a mi obra con expresionismo mágico
contemporáneo, inventando personajes, trabajando temas de mar, homenaje a los locos,
dedicándole un homenaje al carnaval de Veracruz, en mi obra se ven peces, máscaras,
se ve el fondo de mar, yo la catalogo afirmando que estoy en un proceso evolutivo, no
he llegado a una conclusión, todo es una experimentación estoy en una constante
búsqueda, siento que me hace falta hacer más cosas, hacer temas diferentes, eso es parte
de lo que es la evolución de mi obra”.

¿Cómo observas el panorama de las artes plásticas en el puerto de Veracruz

actualmente?
N.A.: “Actualmente veo que se están abriendo espacios para exposiciones para que los
artistas locales puedan presentar su obra, no se ha trabajado lo suficiente, considero que
en la parte oficial pueden brindar más apoyo, que las exposiciones tengan mas duración
siento que es necesario ofrecer más cursos, más acercamiento con artistas plásticos, es
importante que se acerquen más a los jóvenes para que tengan más motivaciones,
actualmente la presencia de las artes plásticas es dinámica, hay un dinamismo de
exposiciones, hay un dinamismo de presencia de jóvenes en las exposiciones, tiene una
evolución constante pero también las Instituciones tienen que comprometerse más para
brindarle facilidades y no ponerles candados en sus propuestas, no tan solo en pintura
sino en fotografía, escultura, gráfica, danza y música, es importante la capacitación de
los jóvenes para que tengan fundamentos en su obra, que vengan más exposiciones de
intercambios culturales con otros estados, que se realicen exposiciones de artistas
locales hacia el extranjero, los intercambios con Instituciones, ese es el panorama que le
veo a las artes plásticas, que el gobierno ponga mas interés en su presupuesto, para
eventos ,conferencias, cursos, para que puedan madurar más los proyectos de becas a
los jóvenes creadores, es importante que se le abran espacios a los jóvenes que tienen
propuestas frescas”.
Magali Goris

¿Cómo te iniciaste en las Artes Plásticas?

M.G.: “Cuando tenía 12 años tenía una amiga que tomaba clases de pintura, siempre me
había llamado la atención, más que escribir me la pasaba dibujando, cuando mi mamá
vio que esta chica iba se le hizo fácil mandarme con ella, era un pintor que daba clases
con su hermana, en casa de mi tía, tenía un cuarto lleno de pinturas y yo me pasaba
horas viendo los cuadros, a mi mamá le gustaba mucho la pintura por eso me apoyaba,
después tome clases con una española, ella iba a mi casa, y me enseñó a manejar el
pastel a los 14 años, con ella estuve como 5 años, hasta que me casé; seguí tomando
clases hasta que nacieron mis niños que ya no pude pintar, luego me cambié de casa y
empecé a pintar con Olga pavón que estaba cerca”.

¿Qué etapas distingues en el desarrollo de tu obra?

M.G.: “La primera etapa es desde los comienzos hasta el taller “Verarte”, después de
muchos años de pintar paisajes y flores, tenía necesidad de pintar algo más, algo que
decir, tenía algunos cuadros donde podría expresar algunas ideas, fue por el movimiento
zapatista que no pude detenerme y esa misma noche pinté un cuadro, para mí eso fue;
yo podía decir algo más. Los paisajes me siguen fascinando, es importante pero creo
que es en esta nueva etapa donde quisiera hablar más de los sentimientos, empecé a
trabajar sobre mis sueños y sobre lo que veía, porque en el taller “Verarte” trabajaba lo
de siempre y en mi casa lo que me daba pena mostrar”.

¿Cómo observas el panorama de las Artes Plásticas en la ciudad de

Veracruz?
M.G.: “Creo que Veracruz ha avanzado muchísimo, ahora los han enriquecido mucho.
Han entendido que se tienen que preparar, están tratando de mantenerse de abrirse a las
nuevas ideas a las propuestas que hay, hay varios artistas pero debería haber más, pienso
que están recibiendo apoyo, con que den espacio para exponer y nos inviten a las
exposiciones por parte del Gobierno, den cursos de actualización a precios bastante
bajos, creo que si hemos crecido”.

¿Cómo te gustaría ver el panorama futuro de la Artes Plásticas en la

ciudad de Veracruz?
M.G.: “Falta mucho todavía, de los pintores, de las autoridades, también tenemos que
definirnos un poco más para hacer algo más importante, poder promover como
veracruzanos, no esperar que todo nos llegue fácilmente, tratar de promovernos nosotros
mismos, traer otro tipo de pintura y poder salir, la mayoría solo comos conocidos en el
Puerto, creo que no podemos decir que nada más aquí somos pintores si no tratar de
salir, por que creo que hay gente valiosa de muy buenas ideas”.
Guillermina Ortega

¿Cómo te iniciaste en las Artes Plásticas?

G.O.: “Decidí inscribirme en La Esmeralda en 1983, hice una carrera de 6 años,
desafortunadamente fui autodidacta hasta los 23 años, no dejé de producir de una
manera muy intuitiva, el hecho de estar en actividad desde 1985 me dio la oportunidad
de trabajar en el Instituto Nacional de Bellas Artes, y vi las Artes Visuales desde otro
enfoque que no me lo dio la escuela, pasé a ser Subdirectora de la Galería José Maria
Velasco y termino la carrera. Debido al terremoto de 1985 decido venir a mi ciudad
natal. La doctora Ida Rodríguez funda el Instituto Veracruzano de Cultura, acepta que
venga a trabajar a la cultura veracruzana, paso de la etapa de la academia, la parte de la
formación artística entre estos pintores que en los 80s estaban empezando y otros
haciéndose famosos, al Estado de Veracruz, donde el contraste es muy fuerte y hay un
shock, donde es el abismo del desierto cultural y la incomprensión en muchos sentidos
de lo que son las Artes Plásticas, por otro lado tuve la ventaja durante 4 años de no
hacer otra cosa más que pintar, se marca mucho mi integración al Estado de Veracruz,
mis raíces siempre han estado presentes, sentía como una florecita en una ciudad de
concreto como el DF, no forma solo la escuela, a mi me tocó ser estudiante y trabajar.
He pasado por diferentes niveles, como es la educación de las Artes Visuales, la gestión,
hasta llegar al Centro Veracruzano de las Artes donde afortunadamente hay
expectativas en un Estado que todavía sigue presentando un rezago cultural y educativo
muy fuerte y que tienen muy buenos propósitos y buenas ideas, ese ha sido mi correr
entre la educación y el trabajo laboral en la promoción y la asimilación de muchos
procesos con este fenómeno globalizado que me ha tocado durante casi toda mi vida,
desde comunidades tan pequeñitas hasta ciudades como el DF”.

¿Qué etapas distingues en el desarrollo de tu obra?

G.O.: “Mi primer etapa surge porque a mi me toca una época en el DF, en los 80s, en
que empieza a haber un neofigurativismo “neomexicano”, no me sentía identificada, la
única salida que vi a este proceso es dibujar y pintar lo que había en mi casa y hago una
serie que se llama “De lo cotidiano” y empiezo hacer una reflexión de la vida cotidiana,
luego hay una revaloración donde empiezo a mirar al trópico con nuevos ojos y esta es
la segunda etapa con una serie que traje al puerto que se llama “Palmera y mujer” en la
búsqueda de un lenguaje que pasara a otras cosas, donde dejara las palmeras. Tengo la
fortuna de viajar a todas las casas de cultura del estado, mi proyecto era muy local pero
mi visión siempre ha sido hacia el Estado, hasta que viajo a la zona norte y empiezo otra
vez una nueva serie que desemboca en Agua Salada y culmina con mi examen
profesional que se llamó “Memoria de viento y marea”, esta etapa que yo viví con el
color, luego me aburrí del color y me fui al contrario me voy a algo más intelectual, la
síntesis de todo, empecé a hacer todo un estudio de la semilla, el origen, pero en un
plano más en síntesis, viene mi primer instalación en este encuentro y ahí empieza la
tercera etapa que es a través de la tridimensión, la instalación “Rito de Vida” que es esa
etapa mía que fue la que mi abuela me enseñó con las curanderas, esa obra tuvo un
atentado, alguien entró y rompió todos los dibujos, fue muy doloroso, pero tuve que
entender que el Puerto de Veracruz sigue estando en “pañales” en la parte mental, esa
vez fue claro que o seguía pintando pintura vendible o hacía lo que honestamente era mi
camino, era un camino desconocido que no sabía si iba a funcionar o no y no hubo para
atrás, empieza otra etapa, la de las instalaciones donde cada pieza marca un proyecto
diferente, la etapa de las cajas, donde mi interés por la tierra es más concreto, la parte
del origen de la vida, entonces hago esta serie Agua Salada donde descubro en la
madera una sensualidad y un erotismo, al mínimo de color, dibujos en síntesis y
arte/objeto que había encontrado en mis viajes y los empiezo a usar interviniendo en
mis propios cuadros, viene después otra etapa donde empiezo a mirar con otros ojos el
Totonacapan y Cumbre Tajín, a otras propuestas de instalación, me involucro más en el
tema de la mujer “la curandera”. Creo que estoy marcando 4 etapas muy diferentes
donde van de acuerdo a los 20 años que he sido productora, que va desde los 80s hasta
el 2005”.

¿Cómo observas el panorama de las Artes Plásticas en la ciudad de Veracruz?

G.O.: “Tengo 12 años viviendo aquí y lo veo pobre en el apoyo de las autoridades, y no
se puede reclamar a los artistas que haya generosidad en sus propuestas, el proceso es
lento, cuando llegué conocí a los pintores porteños pero en pintura había muchas
limitaciones, el colorido del trópico era lo que se veía en las exposiciones, pocos artistas
han crecido han mantenido un lenguaje de avanzada, la misma pintura no se ha
sostenido, no encuentro una propuesta estética en pintura, en cerámica Margarita ha
crecido mucho y hay otras artistas que vienen detrás de ella que son sus alumnos, no
quiero mencionar nombres porque luego se me olvidan, aquí en el puerto no se puede
hablar con sentido critico, hay mucha agresividad, no hay diálogo de profesionistas, de
colegas, creo que como comunidad artística nos hace falta crecer”.

¿Cómo te gustaría ver el panorama futuro de la Artes Plásticas en la ciudad de

Veracruz?
G.O.: “Como todas las disciplinas se necesita competencia, que haya un sistema
educativo, que ya los hay, con propuestas que nos lleven a la reflexión, me gustaría que
saliéramos del circulo vicioso, los mismos que vamos a las mismas exposiciones,
sucede como en los años 40s que llegaban los inmigrantes europeos para retroalimentar
al país, desafortunadamente la gente se aburre del Puerto y se va, la poca competencia
que puede haber no crece, ojalá que muchos creadores que estudian fuera se queden
aquí, que podamos encontrar ese crecimiento juntos y retroalimentación de los
diferentes discursos, urge ir a otros países, ver que está pasando en otros lados, pero
recuperar el sentido de identidad, que el Puerto ya lo tiene, pero creo que es muy
cerrado, parece que no existe otra cosa más que el mar, cuando tenemos un ambiente
globalizador que nos bombardea de tanta información y el que no quiere ver se queda
indiferente ante tanta información, el estado de Veracruz creo que tiene que tomar una
postura plástica a nivel nacional, hay dos mundos, el de Xalapa y el porteño, dos
mundos que aunque no se rechazan no tienen una comunicación directa, en vez de dar
crecimiento nos echan para atrás, creo que no se da el equilibrio justo o se sobrevalora o
se subvalora, por ejemplo hay artistas con mucha experiencia que nadie los toma en
cuenta, yo creo que todos los artistas veracruzanos tenemos que volver a mirar hacia el
propio Estado y saber quiénes somos, hacer una valoración de quién eres, por que
somos muy prejuiciosos para indagar el proceso creativo, ese es el problema:
educativo, social, estamos en el 2005, veo una situación difícil que no es remunerativa,
los resultados en prensa son pobres y los pocos que escriben hacen un esfuerzo muy
grande por que se publiquen esos textos, por lo menos se lean, todo responde a la crisis
que está viviendo el país, la realidad es dolorosa, lo que debemos hacer es ponernos a
estudiar, hacer nuevas propuestas, de estrategia de mercado, de promoción cultural, yo
soy promotora cultural en México y en el Estado, me enfoco en el centro de las artes a
hacer curadurias y lo hago por que el concepto de curador ya cambió, afortunadamente
conocí a curadores en Canadá y pude recuperar ese grado de confianza que muchas
veces nosotros no sabemos si vamos bien o mal, y agarrar al toro por los cuernos, en el
Estado de Veracruz hay pocos profesionales en la promoción y en la curaduría, este año
acepté dos proyectos ya sin tanto miedo de lo que van a opinar mis colegas pintores, por
que ya viví la experiencia, no son capaces de aceptar la critica, ni siquiera una
autocrítica.

Aprendí con Mónica Mayer la critica y la autocrítica, y el Estado necesita muchos

curadores les guste o no, por que nunca los vas a tener contentos, y uno no vive para
contentar a los demás, hay que hacerlo, en este momento lo que más me interesa es la
producción, hacer un discurso de buen nivel, no se en que técnica, me gustan todas las
técnicas: el dibujo, la cerámica, el arte/objeto, la pintura, la talla en piedra y
recientemente el video, la docencia. Un artista no se puede desligar de su función social,
si Veracruz y Xalapa están en un rezago cultural, los demás municipios ni se diga,
empecé a trabajar con un grupo de creadores en Poza Rica, prefiero trabajar con quien
sí quiera aprender, no lo pude hacer en el Puerto, es muy difícil, aquí si solo viene una
estrellita del DF o de otro país la gente va, esa serían mis principales preocupaciones: la
producción, la docencia y la curaduria, a nivel personal, a nivel puerto la promoción de
las artes, buscar propuestas de espacios alternativos, el público no entra a un recinto
cultural, mis propuestas son hacia el exterior, donde la gente va a pasar por que va a
pasar”.
Huri Barjau

¿Cómo te iniciaste en las Artes Plásticas?

H.B.: “Tenía una inquietud, estuve incursionando en la música, finalmente encontré
que lo que más me gustaba era pintar, estuve estudiando en México, en diversos
talleres, en La Esmeralda, la Casa del Lago, tomé cursos en la UNAM, así fue como
empecé a pintar y exponer mí obra”.

¿Qué etapas distingues en el desarrollo de tu obra?

H.B.: “Desde un principio fui expresionista sin proponérmelo, en la primera etapa
empecé aquí en Veracruz y mi pintura está basada en la naturaleza, me gusta mucho,
pero de una forma onírica, estoy en una etapa del tiempo, de lo que estamos viviendo
ahora, estoy mirando siempre qué cosa es lo nuevo, lo que estoy haciendo es pintar,
explorar las texturas y los materiales”.

¿Cómo observas el panorama de las Artes Plásticas en la ciudad de Veracruz?

H.B.: “Cuando me fui de Veracruz hace 20 años, había un grupo de personas que
empezaban a exponer su obra que se llamaba Realizadores de Arte y Cultura, era el
movimiento cultural de esa época, cuando regreso encuentro caras nuevas, gente que
estaba empezando y veo que hay mucha inquietud y un cambio muy grande en la
mentalidad social, no solo en la pintura, ahora es una búsqueda espiritual, dentro de uno
mismo, todo se ha vuelto muy materialista y eso nos causa estrés, nosotros exponíamos
en el Museo de la Ciudad, en el Casino Naval, en los bajos del Palacio Municipal, no se
trataba de promover nuestra obra, si no la de muchos pintores que no radicaban en el
puerto, trajimos de México lo último en pintura, era un intercambio lo que se trabajaba
en esa época, ahora todo se volvió mas institucional, el apoyo es el mismo, la prensa es
la forma de invitar a todos los que estamos trabajando, de parte del gobierno nos
brindan espacios, como el Museo, IVEC, y algunas galerías privadas como IL
Venezziano, cuando nos vamos a promover, debemos tener fotografías de nuestra obra,
hacer catálogos, promovernos de esa manera”.

¿Cómo te gustaría ver el panorama futuro de la Artes Plásticas en la ciudad de

Veracruz?
H.B.: “Que los pintores estén más preparados, que haya una inquietud de actualizarte,
creo que debe haber una selección, que haya oficio, información, por que si no se vuelve
algo ego centrista, y eso no es bueno para la persona que lo está haciendo ni para los
espectadores, la pose no es necesario, el trabajo de taller si es necesario, debe haber
teoría y práctica”.
Sofía García Ramos
¿Cómo se inicia y desarrolla tu formación en las Artes Plásticas?
S.G.: “Por azares del destino llegué de México, me casé, tuve a mis hijas y de repente
cae en mis manos un libro de acuarelas de esos que te dicen “hágalo” y agarre el lápiz y
el papel y de repente vi que me salió un caballo; yo desde niña dibujo, siempre me
mandaban a la dirección por que no prestaba atención en las clases y estaba sacando al
pato Donald o alguna caricatura del momento del tamaño hoja bond, era mi logro que
una caricatura chiquita, yo la pudiera sacar “así”. Siempre he sabido que dibujo, pero yo
no sabía que pintaba, cuando vi que me había salido un caballo y además bien padre,
dije “voy a tomar clases” y fue como una droga, soy una persona que me encanta
aprender de todo, la sorpresa, el asombrarme con este mundo, con lo que somos y con lo
que hay, a mi me apasiona y empecé así en un taller de señoras en Costa de Oro y
comencé con óleo, han pasado más de 15 años y sigo aprendiendo técnicas y no
paro…”

¿Qué etapas consideras has experimentado en tu desarrollo en la Plástica:

materiales, técnicas, línea discursiva o temática?
S.G.: “Definitivamente en todas, básicamente en la parte técnica, primero tienes que
aprender la parte técnica y soy una persona muy tenaz, que hasta que no logro dominar
la técnica no paro y tengo algo que creo que me ha ayudado muchísimo a hacer lo que
hago: he aprendido a hacer todas las técnicas, absolutamente todas y meterte en este
mundo de la creación de intentar hacer arte porque eso es lo que hacemos “intentar
hacerlo” por lo menos es lo que yo hago, intento sacar algo que valga la pena, ha
requerido de un estudio total y absoluto de mi entorno y de mi persona de quién soy,
qué quiero, que pienso acerca de las cosas, esto es lo que hace la pintura cuestionarte
con tu dolor, tristeza y alegría, no creo que eres un enviado de Dios, creo que eres un ser
“sumamente sensible”, un ser mucho más sensible que otras personas es la única forma
en la que tu puedes crear estética, transmitir una emoción, un sentimiento y eso es lo
que veo en mis compañeros; “yo soy peor que jarrito de Tlaquepaque”, todo me afecta,
todo lo siento, todo lo veo, pero lo veo también con mis compañeros que todos son
sensibles “hipersensibles”. Me ha obligado a estudiar historia universal, historia del
arte; es obligadísimo, soy una persona con el hábito de la lectura y estudio psicología
por mi cuenta, me fascina la filosofía, estoy con literatura latinoamericana, su poesía,
todo eso me ha ayudado a crear mis propios conceptos, a no dejarme apantallar por las
grandes frases célebres, y a crear las mías, a pensar en mi, el aprendizaje ha sido
absoluto en todos los terrenos y sobre todo el cuestionarme para qué quiero pintar y
siento que “somos una voz que puede hacer reflexionar a las personas”, es mi intención
que la gente se de cuenta que debe confrontarse, para que dejes de sufrir o para que
dejes de hacer daño o para que te des cuenta de lo que estas haciendo …”

¿Cuál es el panorama que observar en las Artes Plásticas en la ciudad de

Veracruz?
S.G.: “Pobre, con mucha falta de apoyo, hay una falta de preparación en el medio muy
grande, hay una carrera de historia del arte que lamentablemente ya la están cerrando;
entrar a hacer arte o intentarlo, requiere todo el conocimiento psicológico, filosófico e
historia, no se, de verdad es mucho el aprendizaje, yo veo que hay un bajo nivel
formativo; sin embargo veo talento, además estoy muy orgullosa de formar parte de este
momento, somos un “grupito” muy pequeñito que estamos contra viento y marea,
tratando de fomentar la cultura”.
¿Qué elementos profesionales consideras que actualmente es necesario fortalecer o
desarrollar en la Plástica de la ciudad de Veracruz?
S.G.: “El formativo, es todo; hay una falta de técnica muy grande, falta conceptualizar,
falta tener una línea personal, no como puerto, no como Oaxaca que tiene una escuela si
no en lo personal para eso se requiere información, todos tenemos obsesiones y si
alguien es obsesionado es el artista; si uno no fuera obsesionado no podría hacer lo que
hace ‘por que a ti te pegó en la cabeza que se los debes decir’. Es una catarsis, una
necesidad de sacarlo, porque además hay una percepción diferente, esa sensibilidad te
permite ver cosas que en nuestra sociedad ya no son importantes y cuestionarte cosas:
hacia dónde vamos, de qué nos sirven el raciocinio, las emociones, el arte; todos esos
cuestionamientos que nos tenemos que hacer para poder construir un discurso
interesante, básicamente técnica, concepto, coco, feeling, tener algo que decir…”

¿Cómo te gustaría ver en el futuro el desarrollo de la Plástica en nuestra ciudad?

S.G.: “Grande, vigoroso, expansivo, reconocido, me gustaría ver a todos mis
compañeros con éxito, me gustaría ver que pudimos hacer una transformación social por
que eso es lo que pienso que hace el arte: éxito para todos. Quisiera que esto fuera otro
Xalapa u otro Oaxaca, Guadalajara u otro Monterrey, los lugares donde se desarrolla
más la cultura”.
Li Gutiérrez
¿Cómo te iniciaste en las Artes Plásticas?
L.G.: “¡Creo que nací con un pincel en la mano! Ya dibujaba antes de aprender a
escribir. Primero estudié de los 10 a los 15 años en una academia tradicional del tipo de
la Academia de San Carlos, ¡donde todos teníamos que dibujar como Leonardo!;
después asistí por 7 años al taller de Lucille Wong quien manejaba el sistema de Robin
Bond, mismo que se enfoca básicamente al desarrollo de la creatividad”.

¿Qué etapas distingues en el desarrollo de tu obra?

L.G.: “Pues la primera etapa fue la académica, después la de la de descomposición de la
figura y la obra serial, siempre conjuntamente con la investigación y experimentación
de los materiales”.

¿Cómo te gustaría ver el panorama futuro de la Artes Plásticas en la ciudad de

Veracruz?
L.G.: “Me gustaría ver un Veracruz donde se impartan programas de arte en las
escuelas, desde nivel básico hasta una escuela profesional de alto nivel. Me gustaría ver
instituciones educativas públicas y privadas que funcionen. Me gustaría ver a una
comunidad creadora lejos del letargo y con entusiasmo por lograr metas cada vez más
satisfactorias. Me gustaría ver más unión, compromiso y trabajo conjunto entre
instituciones y creadores. Me gustaría que entre todos les heredemos a las nuevas
generaciones un camino libre, sin obstáculos”.
Luis Mellado

¿Cómo te iniciaste en las Artes Plásticas?

L.M.: “Desde muy pequeño recuerdo que tenia facilidad de dibujar, y le hacía los
dibujos a mi hermano mayor, mi padre tenía esa facilidad para dibujar y aunque nunca
se dedicó de manera profesional siento que es herencia, a las 20 años decidí ponerme a
estudiar, entre a la escuela de Artes Plásticas y de esa fecha hasta ahora me he dedicado
a dibujar y pintar. Creo que puedo dejar muchas cosas pero esto no, por que es parte de
mi vida y no creo dejarlo por que es parte de mi existencia”.

¿Qué etapas distingues en el desarrollo de tu obra?

L.M.: “En cuanto inicias lo haces de manera empírica pero con el paso de tiempo vas
corrigiendo los errores que tiene tu obra y nunca se termina de pintar, siempre se debe
estar en la búsqueda, conformarse con una etapa donde ya sobresalió y ya está siendo
reconocido, eso no lo dice uno, lo dicen los que saben de esto y pueden valorar la obra o
el trabajo que uno expone”.

¿Cómo observas el panorama de las Artes Plásticas en la ciudad de Veracruz?

L.M.: “Antes había un auge en las Artes Plásticas; ahora se ha caído en un bache pero
no solo en Veracruz, esto es mundial, como que hay una carencia de sentido pues con
los medios electrónicos a mucha gente se le facilita crear pero esto tiene que ver mucho
con la creatividad más que con las herramientas”.

¿Cómo te gustaría ver el panorama futuro de la Artes Plásticas en la ciudad de

Veracruz?
L.M.: “Necesitamos ponernos a trabajar y crear, es indispensable poder tener apoyo
para crear materiales que tienen más vigencia sobre todo, para que se busque el trabajo,
pero si se tiene la creatividad se puede hacer en cualquier papel, yo espero que todos
nos pusiéramos a trabajar para que pueda ser reconocido el puerto como un centro de
arte, pero esto tiene que ser en conjunto, aisladamente se puede, pero es más difícil; a
pesar de las dificultades seguimos adelante”.
Rolando Varela Ávalos

Nació el 6 de julio de 1948, en Otatitlán, Ver., estudió la licenciatura en Periodismo en la

Facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad Veracruzana de 1968 a 1971,
es músico, profesor de música, escribió una novela, es maestro y practicante de ajedrez y
pintor.

¿Cómo te inicias en la pintura?

Hace siete años que acudí a los talleres de la Universidad Veracruzana, desde que llegué a
Veracruz conocí maestro pintor Raúl Guerrero, esa amistad se estableció a partir de Suzana
García Mirón, pintora veracruzana, que ahora radica en México. Me enfermé por una caída
y tuve que ausentarme de los talleres para volver hace unos cuatro años. Fueron las pláticas,
los consejos que me dio Raúl Guerrero y lu disciplina lo que me llevó a formarme como
pintor profesional, el 2 de octubre de 1997 inicia formalmente mi trabajo como pintor.

Yo le agradezco muchísimo los consejos que él me ha dado y te voy a decir una cosa, creo
que como alumno soy muy disciplinado y eso es lo que me ha ayudado a seguir adelante.
Recuerdo que en las cajas de cerillos que traían reproducciones de pinturas famosas en
miniatura, me gustaban mucho, particularmente la Mona Lisa y yo la conservé durante
bastante tiempo, estaba en cuarto año de primaria, siempre me ha interesado la obra de los
grandes maestros, tengo una biblioteca en la que leo constantemente y eso me enseña
mucho, por eso tengo planeado más adelante una exposición de homenaje a los grandes
maestros, mi primera reproducción que hice fue la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci.

Actualmente estoy preparando una serie que se llama Las mujeres de mi pueblo, es un
proyecto muy ambicioso porque considero hacer 25 pinturas en año y medio, que es
demasiado porque no estoy dedicado de lleno a la pintura, siempre presumí de que soy muy
rápido para pintar pero un día me dio porque estuve leyendo la vida de Van Gogh y en diez
años hizo un poquito más de mil cuadros, cien cuadros por año.

Lo que busco en Las mujeres de mi pueblo es desarrollarme más en el retrato, la mayoría de

las pinturas que estoy haciendo son retratos pequeños, son obras muy difíciles, el trazo debe
ser muy preciso. Son mujeres en diferentes actitudes y de diferentes edades.

¿Estás haciendo acuarelas?

Sí y es muy difícil por su rápido secado y su transparencia, es un mundo difícil, hago
primero una mancha y después con mucho cuidado tengo que ir pintando sobre esa mancha,
con muchísimo cuidado porque ya sabes que si le pones un poco más de agua al pincel la
pintura se corre. Tengo tres paisajes y un retrato. Yo pinto con pinceles muy pequeños, he
platicado con pintores acerca de la vida de Salvador Dalí, que era un pintor que hizo
pinturas grandes pero la gran mayoría de sus trabajos son pequeños, el era muy dado a
utilizar pinceles pequeño, hasta una lupa utilizaba para pintar, también Van Gogh pintaba
con pinceles pequeñitos. No es el mismo resultado cuando se usa un pincel grande.
¿Cómo ha sido la relación con otros pintores?
He entrevistado a muchos de mis compañeros y tengo buena relación con ellos, creo que
somos diferentes cada uno. En mi caso particular tengo muy en cuenta al público que es
quien recibirá la obra. Para mí lo más agradable de las exposiciones ha sido ver que hay
personas que llegan y vuelven una y otra vez.

Amo tanto la pintura que es mi predilecta, tú sabes que durante muchos años viví para la
guitarra y viví de la guitarra, actualmente vivo para la pintura.

Como artista me gustaría llegar a ser muy conocido y reconocido, en cada trabajo pongo el
mayor de mis esfuerzos.

Mi vida como pintor la he basado en tres aspectos. Leonardo Da Vinci decía que un
verdadero pintor debe ser universal, su pintura debe abarcar muchos aspectos y Pablo
Picasso decía que el pintor para que se pueda llamar pintor no debe repetirse, ahora el más
grande guitarrista que ha habido en todos los tiempos Andrés Segovia, él me dio el ejemplo
para que yo pueda desarrollar mi pintura llevándola a todos lados, él iba adonde lo
invitaran, quería llevar el arte adonde le fuera posible, a mí no importa adonde me inviten
yo voy. El perfeccionamiento se va logrando poco a poco, con los años.

ÍNDICE
3. Fuentes consultadas
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Chomsky Noam y Heinz Dieterich. La sociedad global. Joaquín Mortiz. México. 1997.
Debroise Olivier. Fuga mexicana. Un recorrido por la fotografía en México.
CONACULTA. México. 1998.
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Plaza y Janés. México, 2003.
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México 1984.
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Heinich Natalie. Lo que el arte aporta a la Sociología. CONACULTA. México. 2001.
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Olea Oscar. Historia del arte y juicio crítico. I. I. E. UNAM. México. 1998.
Paquet Dominique. Ediciones Grupo Zeta. España. 1998.
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Rodríguez Prampolini Ida. La crítica de arte en México en el siglo XIX. Tomos I, II y III. I.
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http://www.artedeoaxaca.com.mx/toledo/index.html
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http://fia-caracas.com/1999/galerias/praxismexico.htm#Robert
http://vereda.saber.ula.ve/historia_arte/artelatinomode/juanprin.htm
http://www.arte10.com/noticias/graficos/tuymans/tuymans.htm
http://www.artszin.net/
http://www.othontellez.com
http://www.cenart.gob.mx/datalab/con_pass.html
http://personales.ciudad.com.ar/M_Heidegger
http://irational.org/mvc/espanol.html
http://www.pintomiraya.com.mx/
http://agua-salada.tripod.com/
ÍNDICE
4. Hacia un catálogo de creadores visuales en la
ciudad de Veracruz
La producción de los Artistas Plásticos del Puerto de Veracruz ha tenido un desarrollo
donde podemos encontrar varias constantes, entre ellas una iconografía que tiene
referentes directos con la naturaleza, un discurso que muestra la hibridación que ha
experimentado el Puerto que lo hace contradictoriamente cosmopolita y a la vez
arraigado a sus costumbres seculares, que hacen una diversa y compleja identidad que
a veces define de manera enérgica sus territorios y en otras etapas los difumina sin
perder su carácter.

Los artistas plásticos no han dejado de trabajar, desde los muros de la ciudad hasta el
hogar y el estudio, la obra emerge constantemente. Actualmente se da continuidad a
un fenómeno que ya caracteriza a nuestro desarrollo cultural local que es de una
constante actividad en las diversas ramas de artísticas y de producción intelectual.

Particularmente las Artes Plásticas han tenido una vigorosa actividad alimentada por el
esfuerzo que hacen las instituciones promotoras de la cultura y los grupos que
gestionan sus propias actividades, algunas en combinación con estas instituciones,
otras buscando espacios alternativos.

La educación para el desarrollo sigue teniendo un efecto importante en la formación y

actualización de los artistas locales, cursos, seminarios, exposiciones, han logrado una
continuidad que nos hace sentir que vivimos actualmente una etapa de cambios en el
proceso de producción y promoción artísticas.

Diversas son las etapas de desarrollo que cada artista manifiesta, también su perfil
artístico, aunque hay algunas constantes que ya identifican a la obra porteña como es
el color, la iconografía, el discurso estético y artístico que es diverso y complejo.

La comunicación entre los diversos grupos de creadores y el tránsito individual por

cada grupo, es algo que caracteriza a los nuevos artistas plásticos que tienden a
manifestar en sus relaciones de trabajo una búsqueda de actualización y
profesionalización en su quehacer.
Una de las características de nuestros creadores es que se tienen que dedicar a diversas
actividades, algunas que tienen que ver con su especialidad o en la mayor parte de los
casos son totalmente distintas a la naturaleza de su obra, pero que realizan para
solventar la vida cotidiana personal y familiar.

Algunos de los factores señalados son indicadores de las influencias que recibe el
trabajo artístico y que repercute en los ritmos de producción local.

Además de la formación profesional que buscan actualmente los artísticas plásticos

también tienen muy definidos los valores agregados que el desarrollo cultural actual
exige que incorporen a su acervo profesional, como es la gestión de sus propios
proyectos, la relación con las instituciones promotoras de la cultura, los vínculos con la
iniciativa privada, la cultura profesional que ya le es propia a un artista plástico que
quiere participar en la vida productiva del arte a nivel local, regional, nacional e
internacional.

Hay talento, obra, esfuerzo continuo, experiencia que debe desarrollarse individual,
grupal e institucionalmente.
Creadores Visuales de la ciudad de Veracruz

Alicia Castro

Andrés Avelino

Bernardo Antonio Pérez

Bernardo González Peña

Bruno Ferreira

Cassandra Roberts

Daniel Noriega

David Castillo

Elisa Galván

Enrique Delon

Flavio Hernández

Francisco Galí

Gloria Luz Caballero

Guillermina Ortega

Hugo Moncada

Hurí Barjau

Israel Barrón

Leticia Tarragó

Li Gutiérrez

Luis Mellado

Magali Goris
Margarita Cházaro

María Elena Lobeira

María de Lourdes Azpiri

Micaela García

Miguel A. Habana

Milburgo Treviño

Moisés Avendaño

Néstor Andrade

Octavio Ramírez

Raúl Guerrero

Ricardo Mendizábal

Robie Espinoza Gutiérrez

Rogelio Armendáriz

Rolando Varela

Rossana Beverido

Sofía García Ramos

Valdemar Aguirre Romero

Manuel Salinas Arellano

Gustavo Pastrana
Alicia Castro Gómez

1 de junio de 1965. Veracruz, Ver

Blvd.. Laguna del Coyol # 260 U. H. El Coyol. 91779
Teléfono: 981-46-22 fax: 932-82-41
Correo electrónico: alicia_castro@yahoo.com

Estudios realizados:
1990- 1996 realizo estudios de pintura con el Mtro. Raúl Guerrero D. en el Taller Libre de Artes
Plásticas de la Universidad Veracruzana en el Puerto de Veracruz.

Exposiciones individuales:
VERDE QUE TE QUIERO.........VERACRUZ
Edif. Trigueros Ayuntamiento. de Veracruz
Veracruz, Ver
CARTONES
Recinto de la Reforma, Veracruz, Ver.

Exposiciones colectivas:
1999 Ex alumnos Taller de Pintura. Museo de la Ciudad Veracruz, Ver.
De mujeres y pasiones. Portocultura, Veracruz, Ver.
Pintores del puerto. Casa Principal, Veracruz, Ver.
1995 Verde: azul- negro. Galería Universitaria, Veracruz, Ver.

Docencia
2000-2001 Taller infantil de pintura. Esc. Mpal. Bellas Artes, Veracruz, Ver.
1992-1999 Taller de autoexpresión infantil. Parque Viveros, Veracruz, Ver.

Cursos recibidos:
2001-2002 Actualmente participa en el Proyecto de Producción Plástica Colectiva. Disertaciones
con Especialistas Académico. Beca del CNART, con apoyo del IVEC.
2001- Teoría del arte. Mtro. Othón Téllez
2001- Taller de pintura. Mtra. Patricia Soriano
1999- Taller de óleo. Mtro. Alberto Castro Leñero
1998- Taller de experimentación plástica. Mtro. Alberto Castro Leñero
1995- Taller experimental del colo. Mtro. Arturo Rodriguez. Doring
1995- Taller de gráfica experimental. Mtro. Alfonso Moraza
1992- Dibujo. Mtro. Per Anderson.
Autorreflexión
Estéticamente me interesa, mostrar el paisaje, ni bello, ni sublime mucho menos bonito. Las
fibras internas de todo ser vivo logradas en base al color, al accidente y primordialmente en
base a las transparencias, llevarlas hasta sus últimas consecuencias para remover primero
mis sentimientos y lograr plasmarlos, al mismo tiempo que captar en el espectador un gesto
de sentirse tocado por dentro, me atrevo a decir que, de entrada, una impronta de rechazo
a lo que ve pero con lo cual se identifica tan instantáneamente que cede y se sintoniza
porque acepta que lo que observa no le es desconocido.

En cuanto a la adición de elementos de composición en el formato, me es agradable la idea,

principalmente porque me hace retomar (en lo personal) ejercicios de años anteriores en la
búsqueda de recursos que pueden dar origen a productos originales y de mayor factura.

Mi paleta es total. No me inclino hacia ninguna gama en particular.

Continuar con cálidos y fríos buscando armonías. Aunque ahora se me ocurre trabajar las
áreas delimitadas en el papel con una sola familia cromática ya cálida ya fría, eso lo dirá y
lo dará la práctica.....
 Obra
Alicia Castro Gómez

5
2
1. Tejidos del alma
Acrílico/papel
65X65 cms.

2. Retrato de la siembra
Encausto/tela/cartón
35X45 cms.

3. Electrocardiograma del paisaje

Acrílico/tela/cartón
50X60 cms.

4. Desencuentros
Encausto/tela
40X50 cms.

5. Fuente de la vida
Mixta/tela/cartón
35X45 cms.
3
Andrés Avelino Gutiérrez Flores

Avenida 16 de Septiembre No. 1202. Veracruz, Ver.

Tel. 932-07-10.

Exposiciones individuales:

1999 Escultura. Hotel Holiday Inn.

1998 Escultura. Sala de lectura de la UV. Boca del Río, Ver.
1994 Exposición individual de escultura.. III Semana Universitaria
Calassanz. Galería de la universidad Cristóbal Colón.
1992 Escultura. XI Aniversario de los Talleres de Libres de Artes Plásticas de la UV.
Galería Universitaria, Veracruz, Ver.

Exposiciones colectivas:
2001 Exposición colectiva de maestros de los Talleres de Artes Plásticas de la UV Galería
de Arte Xamal. Universidad Cristóbal colón Veracruz, Ver.
2000 Muestra Estatal de maestros de los Talleres Libres de Arte de la UV Casa de la
Cultura de Papantla, Ver.
1997 Exposición Escultórica de la obra publicada en el libro “Los Caminos de la Forma y
el Volumen” Xalapa, Ver.
1996 Exposición colectiva de maestros de Artes Plásticas UV. Aniversario del
FESAPAUV Auditorio de la Facultad de Ingeniería Veracruz, Ver.
1995 Exposición Nacional de Artes Plásticas Galería Universidad de Ciudad del Carmen,
Campeche.
1993 Exposición de maestros. Galería Universitaria Veracruz, Ver.
1991 Muestra de la Plástica Veracruzana. Universidad Cristóbal Colón. Veracruz, Ver.
1990 Exposición plástica interdisciplinaria. Heroica Escuela Naval, Antón Lizardo, Ver.
1989 IV Muestra estatal de los Talleres de Artes Plásticas de la UV. Museo de
Antropología, Xalapa, Ver
1988 III muestra estatal de los talleres de artes plásticas de la UV de Veracruz, Xalapa,
Poza Rica, Coatzacoalcos. Museo de Antropología. Xalapa, Ver.
1987 Exposición colectiva de maestros. Capilla del IVEC. Veracruz, Ver.
1986 II Muestra estatal. Casa de las Artesanías. Xalapa y Poza Rica, Ver.
1985 Exposición colectiva. Galería Alba de la Canal, Xalapa, Ver.
1984 Exposición colectiva de maestros. Galería de la Facultad de Artes Plásticas de la UV
 Xalapa, Ver.
1982 Exposición colectiva de maestros Galería de Artes Plásticas de la UV. Veracruz, Ver.
1981 Muestra colectiva Homenaje a Pablo Picasso Galería de Artes Plásticas. Veracruz,
Ver.
1980 Gráfica Galería Tierra Adentro, México DF.
1978 Gráfica Universidad Autónoma Metropolitana y en la Universidad Nacional
Autónoma de México, DF.
1975 Serigrafías. Casa de la Cultura de Aguascalientes y en Bellas Artes de México.
Gráfica Oficinas de Programación y Presupuesto, Xalapa, Ver.
Casa de la Cultura de Puebla.
Carteles Rectoría de la Universidad Veracruzana, Xalapa, Ver.
1974-1978 Cursa estudios en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana.

Premios y reconocimientos:
1977 Segundo Premio Nacional de Escultura. Casa de cultura de Aguascalientes, Méx.
1976 Premio de escultura en exposición. Aguascalientes y Bellas Artes México.
Reflexión

Mi obra inicial fue más abstracta, principalmente en varios materiales, pero hay una
preferencia por la madera. Surgieron algunas invitaciones fuera de la Ciudad de Xalapa y
obtuvimos algunos reconocimientos y en base a esto el entusiasmo crece aún más, estimula,
esto tiene que ver mucho para uno. Esta etapa se prolonga tres años.

La segunda etapa de mi obra se caracteriza por otro entusiasmo, porqué producir aquí en
Veracruz, qué es lo que atrae a la gente, qué la motiva y en cierta forma a los grupos
artísticos que ya existían aquí en Veracruz y uno estaba en la búsqueda y se fueron dando
buenos resultados, hay más figuración pero también abstracto, buscamos otros materiales
como las piedras que encontramos aquí en Veracruz, más aquí en las orillas del Puerto, hay
también maderas muy buenas para trabajar, aquí encontramos mucha satisfacción, esta
etapa se prolonga diez años, 1992, 1993. A partir de estos años se empiezan a dar cambios
en los talleres.

Aplicamos el papel reciclado, otras técnicas alternativas, como es el unicel, yeso, concretos,
mezclados con otros materiales, haciendo figuras con técnicas mixtas. Aparte de eso
seguimos experimentando con otros materiales como los plásticos.

Actualmente mi obra sigue siendo abstracta. Los temas son variados, no es una sola línea,
la intención es dar a conocer a la gente que se puede hacer algo más simplificado, que no
debe ser totalmente realista o surrealista en todos sus aspectos. Que la gente diga qué es la
pieza en sí, que participe la gente en darle sentido a la obra.

Actualmente pretendo seguir preparándome para poder ofrecer a la comunidad nuevos

materiales, nuevos conocimientos y a los alumnos que tenga transmitírselos, me gusta la
docencia pero también me gusta hacer la obra, lo que pasa es que la escultura exige que se
dedique uno totalmente a ella y tener un espacio adecuado.

A los jóvenes que se interesen por el arte, que la escultura es una disciplina de las Artes
Plásticas que tiene una gran importancia, que venga a los talleres para que la conozcan y si
quieren participar será mucho mejor, de esta manera podrán tomar su decisión. Si nos
visitan se darán cuenta de muchas más cosas del proceso creativo de la obra, porque en una
exposición se presenta la obra ya terminada y aquí se puede ser el proceso.
Obra
Andrés Avelino Gutiérrez Flores

4
1

5
2 1. Sin titulo
Papel procesado, pátina de cera betún
87X40X26 cms.

2. Sin titulo
Tallado en piedra muca
50X37X20 cms.

3. Sin titulo
Talla en madera
77X40X29 cms.

4. Sin titulo
Mixta (unicel y concreto)
49X18X19 cms.

5. Africana
Vaciado en concreto
62X24X26 cms.
3
Bernardo Antonio Pérez.

20 de agosto de 1953. Tacámbaro, Michoacán.

Heroísmo No. 145, entre Arista y Othón, Colonia Hidalgo. Veracruz, Ver.
Tel. 0129 39 27 57.

Estudios:
1972-1977 Estudia en la Escuela de Artes Plásticas de Veracruz.
1977 Curso de grabado y cerámica. Casa de la Cultura de Aguascalientes, Ags.
Curso de Iniciación Artística I. Casa de la Cultura de León, Gto.
1980 Seminario de Artes Plásticas. Escuela de Artes Plásticas de Veracruz, Ver.
1980 Curso de grabado en metal. Escuela de Artes Plásticas de Veracruz, Ver.
1980 Curso de Iniciación Artística II. Casa de la Cultura de San Luis Potosí.
1980 Curso de Lenguaje plástico. Escuela de Artes Plásticas de Veracruz.
1995 Seminario Taller. Hacia una didáctica artística general dinámica.

Exposiciones individuales:
2001 Naolinco, Ver.
2000 Registro Civil. Veracruz, Ver.
Casa de la Cultura. Mizantla, Ver
1991 Universidad Pedagógica Nacional. Sede Veracruz, Ver.
1989 Casa de la Cultura. Poza Rica,. Ver.
1988 Casa de la Cultura. Ignacio de la Llave, Ver.
1986 Galería del Grupo RAC. Veracruz, Ver.
1985 Casa Salvador Díaz Mirón.
1984 Museo de la Ciudad. Veracruz, Ver.
Galería La Capilla. Córdoba, Ver.
1983 Foro Literario Salvador Díaz Mirón.
1982 Instituto Tecnológico de Veracruz.
1981 Casa de la Cultura. Tuxtepec, Oax.
Museo de la Ciudad. Veracruz, Ver.
1980 Casa de la Cultura de Alvarado, Ver.

Exposiciones colectivas.
2000 Edificio del Registro Civil. Veracruz, Ver.
1999 Foro Literario Salvador Díaz Mirón.
Pulquería El fuerte. Ciudad Mendoza, Ver.
1998 Agora de la Ciudad de Jalapa,. Ver.
1995 Casa de la Cultura. Alvarado, Ver.
1982 Casa de la Cultura. Tehuantepec, Oax.
Museo de la Ciudad. Veracruz, Ver.
1981 Teatro Francisco Javier Clavijero. Veracruz, Ver.
1980 Galería “Tierra Adentro”.
Casa de la Cultura. Puebla, Pue.
Casa de la Cultura. Irapuato, Gto.
Museo de la Ciudad.
Instituto Mexicano del Seguro Social. Veracruz, Ver.
1977 Centro Cultural de Lenguas Modernas.
1972-77 Escuela de Artes Plásticas de Veracruz.
Reflexión

Bernardo Antonio Pérez trata de rescatar la tradición del grabado. Anima, enseña, hace con
sus compañeros la museografía, curaduría, imprime sus propias invitaciones, preparan la
logística de cada exposición en una atmósfera alegre, solidaria donde cada problema en el
montaje o la difusión, tiene solución práctica.

Subir al taller del maestro Antonio Pérez es llegar a un lugar de creación artística donde hay
costumbres como el trabajo constante, entusiasta, grupal, solidario.

De él Bruno Ferreira dice que su obra es prueba irrefutable de resistencia, confianza y

sabiduría, su actitud por practicar la antigua técnica del grabado, ante la proliferación de las
modernas tecnologías de impresión le ha forjado un carácter sereno que resiste al paso de
nuestro hoy acelerado tiempo. Ha encontrado, desde inicios de los setentas en la gráfica, un
infinito ámbito de libertad y calidez.

Es maestro de varias generaciones de artistas plásticos en Veracruz. Construye sus propias

herramientas . El trabajo es diverso, punta seca, barniz blando, brea, esgrafiado, cuero,
monotipo, suela de zapato.

Las texturas que crea, con sus efectos también nos hablan, para continuar en el recorrido
que pueden hacer nuestros sentidos por cada obra que crea, esa convocatoria a los sentidos
es para imaginar, vivir la realidad, reflexionar sobre el sentido de la vida misma.

Las imágenes que nos comparte traen rostros que dibuja, imprime, esgrifa, que nos hacen
sentir que estamos presentes pero no nos miran, solo a veces y parecen mirar para siempre,
acompañados por motivos marinos, agua, peces, viento, brisa, miran hacia un horizonte que
somos nosotros mismos, espectadores, artistas y obra fusionados en una experiencia
estética que nos eleva a la reflexión fundamental, que ayuda a vivir la vida cotidiana, la más
importante, la que tiene el escenario de todos los días, la convivencia humana, llegan
silenciosos los rostros, se quedan para mirar, el ritmo lo marca la vida, peces que transitan y
que también miran así, de ladito, día y noche, vida y muerte, compañía y soledad, realidad
dialéctica que de otra manera no sabríamos que está ahí, como una posibilidad de dar
sentido a la propia vida, son propuestas, alternativas de vida, pero también está presente el
contraste de la nada, hay pocos silencios, los necesarios.
Obra
Bernardo Antonio Pérez.

4
2
1. Sin titulo
Grabado en metal/ Barniz/ Brea y punta seca
10 a 17 cms.

2. La niña
Grabado en metal/ Barniz/ Brea y punta seca
10 x 17 cms.

3. Sin título
Negativo, positivo
25 x 35 cms.

4. Sin título
Negativo positivo
35X45 cms.
Bernardo González Peña.

Fotografía Gustavo Pastrana

7 de Diciembre de 1954.Veracruz, Ver. México.
Francisco Xavier Mina No. 132-D.
Col. Ricardo Flores Magón.
C.P: 91900.
Veracruz, ver. México.
Tel.: 9 932 80 52 Cel: 2299 595566.
Estudios:
1977-1979 Posgrado en Diseño. Becado. Urbino-Pesaro, Italia,
1973-1976 Lic. en Diseño Gráfico. México DF..
Postgrado en Diseño. Instituto Statale D Arte di Urbino.
1969-1971 Escuela Nacional de Arte Cubanacan, la Habana, Cuba. Becado..
Escuela Nacional de Artes Gráficas, ENAG.
1964-1968 Escuela de Artes Plásticas de Veracruz, Ver. INBA.
Exposiciones individuales:
1982-2002 Retrospectiva de 20 años.
2002 Palacio Legislativo del Congreso de la Unión del Estado Libre y Soberano de
Veracruz-Llave.
2001 Retrospectiva y Obra Actual. “Ángeles, Jarochas y mas”...Instituto Veracruzano de la
Cultura. Veracruz, Ver.
2001 Plumas Terrenales. Casona de la Condesa/ Galería-Bar. Centro Histórico. Veracruz,
Ver.
2001 Miembro del Jurado Calificador de la IV Bienal de Pintura del Sureste.
“ Joaquín Clausell”. Dirección de Difusión Cultural de la Universidad
Autónoma. de Campeche.
1998 Galerías de Arte La Casa Principal.
1997 Entre Ángeles. Galería de Arte y Museo Salvador Díaz Mirón, Veracruz, Ver.
1996 Casa Museo Agustín Lara, “ Jarochas”, Boca de Río, Ver. México.
1995 Galería de Artes Mieke Martens, Ministerios del Edén. Cuernavaca, Morelos, México.
1993 Paraíso. Instituto Veracruzano de la Cultura, ( IVEC).
1992 Angelus. Galería Principal del Museo de Arte, ( INBA)..Ciudad Juárez,
Chihuahua, México.
1988 Un Sueño de Nórdica Belleza. Instituto Veracruzano de la Cultura( IVEC)
1987 Retrospectiva. Club Rotario, Veracruz, Ver.
1986 Bellomania. Galería De Gus, Zona Rosa , México, DF.
1985 Angeles Egipcios. Galería Erópolis, México. DF.
1978 Galería Plazzo Dúchale, Urbino-Pesaro, Italia
Exposiciones colectivas:
2001Guadalupanas, Nuevas Apariciones. Instituto Veracruzano de la Cultura.
Exposición Colectiva.Veracruz, Ver.
2001 El Carnaval también es cultura. Instituto Veracruzano de la Cultura. Veracruz, Ver.
1998 Casino Español Artistas Veracruzanos de la 3ª.Raíz, Veracruz, Ver.
1994 La Plástica Veracruzana III. Instituto Veracruzano de la Cultura, ( IVEC).
Veracruz, Ver.
1996 Ángeles elementales y Jarochas. Galería Mural. Centro Cultural y Social
Veracruzano, A, C.
1983 Galería de la Escuela Nacional de las Artes Graficas. ENAG, México, DF.
1981 Fundación Cultural Televisa, ( talentos Televisa). Televisa Chapultepec.
Comunicación Interna. México,D.F.
1979 Galería del Collegio Rafaello, Urbino-Pesaro, Italia.
1976 Galería de la Escuela Nacional de Artes Gráficas.ENAG. México, DF.
1965 Galería de Arte del H. Ayuntamiento de Veracruz, Ver.
Reflexión
Yo creo que cuando te dedicas a algo es por conciencia, estoy en esto por que me tocó ser
artista, yo no me concibo en otra profesión, no parto por decisión propia, pienso que cuando
descubrí mi habilidad fue antes de aprender a leer y escribir, estoy en esto por que es lo que
me tocó ser, creo que es la carrera más difícil, ser artista plástico, si no tienes apoyo
económico, de los medios, debes ser tu propio promotor, lo ideal sería que los artistas sólo
estuvieran produciendo, nosotros somos los obreros del arte, tenemos otro tipo de
materiales con los que trabajamos, mi constante es el tributo a la mujer y a la belleza
helénica, soy un hacedor de belleza, a partir de que estuve estudiando en Italia es que
redescubro y afianzo bien lo que tengo como una constante en mi obra, gozo de algunas
cosas, me gusta ver a las personas, soy muy observador, yo pinto para mí, yo respondo por
mi quehacer, mi propuesta no es sexual es erótica y mientras a mi me guste, me siento a
gusto.
1. , 2. Angeles
Serie sobre Ingrid fabriano
Lápiz de cera
90 x 70 cms.
3. , 4. Jarochas (Serie)
Acrílico
96 x 102 cms.
Bruno Ferreira

1970. Veracruz, Ver.

Apartado postal No.878. Administración No.1 C. P. 91700. Veracruz, Ver. México.

Estudió dibujo y pintura en los Talleres Libres de Artes Plásticas de la Universidad

Veracruzana.
Desde 1987 se dedica formalmente a la pintura, realizando hasta la fecha quince
exposiciones individuales, una de ellas en Internet.
Ha participado además en alrededor de sesenta exposiciones y proyectos colectivos, tanto
en su ciudad de origen, así como en el Estado de Veracruz, nuestro país y algunas ciudades
del mundo.
2002 Febrero. Obra plástica. Café Bar La Trova. Inauguración de nuevo espacio
galerístico. Veracruz, Ver.
A partir de 1993 inicia su labor en el muralismo, desarrollando hasta el momento seis obras
de este tipo.
Destacan:
1993-1995 La humanidad del porvenir en la Universidad Villa Rica.
1998 Todos vuelven en el Gran Café de La Parroquia.
1997 Desde esta fecha ha incursionado en la caricatura política colaborando con
diversos medios regionales como el diario Sur, El Dictamen, El Semanario Tabasqueño, La
Ventana Cerrada, Veracruz, Gráfico, El Quijote y la revista Llave, entre otros.
Entre los proyectos de mail art y poesía visual destaca su participación en exposiciones
realizadas en:
A fines del milenio...un golpe de dados, primera exposición internacional de poesía visual
en la Habana, Cuba.
Nadie en el extranjero, muestra de arte postal en Milano, Italia.
Mail Art/Strip Art, muestra de arte joven en Barcelona, España.
Handicap por los derechos del hombre y el arte, muestra de arte postal en Berck-Mer,
Francia.
Reflexión

Creo que hasta el momento puedo identificar un gran tema principal que es la figura
humana, primero de manera muy evidente y hasta el momento un poco ya velada pero con
una intención que ha sido lo erótico, lo sensual en el ser humano.

El color ha variado, a finales de los ochentas los colores eran muy luminosos, abigarrados,
agresivos, después vino una etapa muy especial en donde me dediqué mucho al dibujo, el
grabado, gracias al maestro Antonio Pérez que impartió cursos en la Universidad
Veracruzana como maestro invitado, ahí conocí también el grabado, me inicié en la gráfica,
el dibujo ha sido constante, pero una etapa muy contrastada, he procurado captar en
fotografía las diferentes etapas de mi trabajo a través de los años, pero sí hay contrastes, de
pronto en un año me dedico al dibujo y al siguiente vuelvo a pintar, a veces los colores han
sido grises, han predominado los tierra y de pronto vuelvo al colorido, en este momento
creo que volví al colorido de los finales de los ochenta, estoy saboreando el color de otra
manera, tengo ahora treinta y un años, creo que la edad implica que aprecies las cosas de
diferentes maneras.

Actualmente estoy usando acrílico sobre tela, porque cuando usé óleo el factor tiempo era
especial, tardaba yo más con un trabajo, pero ahora el acrílico me da la oportunidad de
trabajar con mayor velocidad, es un material que seca rápido, se trabaja con mayor
velocidad, sin embargo pudiera parecer contradictorio que un cuadro lo trabajo ahora en
diferentes sesiones, estoy trabajando ya de manera no tan compulsiva, como lo hice tiempo
atrás, cuando hacía un cuadro en una sola sesión de dos o tres horas, ahora con un acrílico
estoy trabajando inclusive a deshoras, pinto todos los días, hago otra cosa, regreso, salgo a
la calle.

En cuanto a mi proceso de trabajo me siento mucho más relajado, es más planeado, la parte
emotiva, impulsiva persiste, porque no puedo negar esa fascinación voluptuosa que me
sugieren las formas del entorno, las frutas, las verduras, los árboles, la gente, la mujer, esa
luz que hace que las cosas en Veracruz las perciba yo como voluptuosas.
La búsqueda es inherente a los que pintamos, hay una intencionalidad producto de varias
experiencias, para mí ha sido muy importante conocer Oaxaca, me impresionó mucho esta
cultura, todos los significados que la envuelven, considero que en Veracruz tenemos una
gran riqueza de códigos visuales, de signos hablando un poco de semiología, creo que los
artistas visuales debemos tener en cuenta esto e interpretarlos y con ello no quiero sugerir
que se funde una escuela de la plástica porteña, porque a lo mejor sería partir de una
condición muy rígida, le doy la bienvenida a cualquier género y desde la perspectiva
abstracta a lo mejor haya posibilidad de explorar esa riqueza de colorido que nos da la
atmósfera, el agua, la tierra, las texturas, y a quienes decidimos optar por el realismo
figurativo también observar que hay en nuestro entorno un sin fin de sugerencias que están
ahí y que forman parte de nuestro contexto, me impresionó mucho cómo el artista
oaxaqueño pinta con el color de su tierra, lo voy a repetir incansablemente, debe uno pintar
con el color de Veracruz, las formas, la gente sin caer en un folclorismo barato, que sea una
exploración más seria que vaya enfocada al redescubrimiento de lo que somos los porteños,
un sinfín de líneas cruzadas, españolas, indígenas, árabes. Sería muy interesante tomar
responsablemente esto.
Obra
Bruno Ferreira

4
1

1. Estamos juntos allá lejos

Acrílico/Tela
81X66 cms.

2. Durmientes
Acrílico/Tela
81X66 cms.
2
3. El hilo de Adiadna
Acrílico/Tela
81X66 cms.

4. Pareja al sol
Acrílico/Tela
81X66 cms.

3
Cassandra Roberts

20 de Septiembre de 1983. República de Singapur

Participa en el taller de dibujo y pintura impartido por Israel Barrón
del Centro Cultural Casa Principal en el puerto de Veracruz.

Actualmente es estudiante de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad

Veracruzana.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES:

-“Ántropos” Casona de la Condesa Galería y Music Bar. 1 de Abril,

2005.Boca del Río , Ver.

EXPOSICIONES COLECTIVAS:

-Exposición colectiva en el marco del Primer Encuentro Nacional de Historia

del Arte. Centro Universitario Cristóbal Colón. 29 de Mayo del 2002,
Veracruz, Ver.
-Exposición del taller de dibujo y pintura del Centro Cultural Casa Principal,
IVEC. Central Núcleoeléctrica Laguna Verde. Agosto-Sep.2002.
-“De sombras y asombros”. Centro Cultural Casa Principal. 10 de Enero al
28 de Feb. 2003.Veracruz, Ver.
-“Animalias” Centro Cultural Casa Principal, 23 de Agosto al 23 de Sep.;
2003. Ver.
-“ Ex Votos Contemporáneos” Centro Cultural Atarazanas,26 de Sep.
2003.Veracruz Ver.
-“Rostros del carnaval” Recinto del IVEC, Feb.2004.Veracruz.
-“Homenaje a Frida Kahlo” Recinto del IVEC. 28 de Oct. 2004 – Enero
2005. Veracruz, Ver.
Reflexión
Humanismo a ultranza, humor, desasosiego, drama y, ¿por qué no?, innegable
candor, rubrican el trabajo de Cassandra Roberts. En arte, según Picasso, se es
siempre “eterno adolescente”. Atrevido incompleto que desea y lucha por
crecer, agigantarse.
Sobre escenarios aislados, casi ilusorios, como separado y lejano es el hombre
de la época, los sujetos-personajes de Cassandra Roberts rebosan los límites
de los formatos para invadir no solamente los dominios del espectador,
también el aire. La atmósfera se habita con la masividad de sus formas
desbordantes. Ya suaves, delicadas, ya grotescas, burlonas, infantiles y
maliciosas. La búsqueda de estilo indaga en la gama de alternativas, he aquí
que alguien dijo: “estilo es restricción”, castrar a lo infinito posible en la
exploración y la aventura.
La tensión creada convive con el humor en equilibrios tenues. Tragedia y risa
son las dos (más-) caras de la misma realidad. Asistimos a través del
ojo↔mano de Cassandra a representaciones del circo cotidiano.
Enajenación, vértigo, embriaguez, amputaciones —que los demás ejecutan
cariñosa, delicadamente—, desenfreno, ostentación del ridículo, auto
anestesia, impotencia, rebeldía no resuelta ni abiertamente manifiesta,
conflictos —soterrados por supuesto—, pose, farsa, extravagancia, prejuicios,
necesidad de aceptación; la fiesta humana.
El amor también, ligaduras dolorosas, acaso voluntarias, zurcen con ternura al
ser amado, costuras burdas, evidentes, no fácilmente podrán después cortarse,
a la hora de la liberación cuando sea tarde para arrepentirse. La jerarquía de la
pasión da vida a espectros de palabras envolviendo a los amantes. Ahí hay
otro, siempre es así. Mano arrojadora de la primera devastación, para destruir,
acabar con la escenografía íntima que los cuerpos levantan y enrojecen. En
amor la amenaza es constante, el Universo está al punto perpetuo del
derrumbe, de ahí la avidez, combustible esencial de sus latidos.
La búsqueda de estilo indaga tenaz en la gama de alternativas, he aquí que
alguien dijo: “estilo es restricción”, coartar al infinito posible en la explotación
y la aventura.
Sencillez velada, distante; cima de la poética, Cassandra concentra su
expresión, y la complicidad de quien contempla, en los protagonistas. Grandes
volúmenes en los que las formas se resuelven hacia registros de conceptos,
sugerencias, murmullos, connotaciones. Formatos que, además de cumplir la
habitual función de sujeción, ambientación y soporte, participan activamente.
Cassandra, pintora inquieta, los dirige, exigiendo presencia, dialogo. No hay
cosa inerte, las posibilidades los desbordan incontenibles. El arte es llevado a
consecuencias que a él mismo sobrepasan, ir más lejos de la habilidad y el
mero juego de técnicas y recursos visuales. Atestiguamos la marcha rumbo al
vacío, abismo por donde el artista se atreve, oscuridad que, en cuanto
asediada, se renueva, no termina jamás; expectante de ser tomada por la luz,
otro fantasma.

Humberto Hernández Gálvez

Veracruz, Ver., mayo 2005.
Obra
Cassandra Roberts

1
2
Ántropos II
1. Infancia de otros juegos nocturnos
Mixta / papel
1.25 x 1.25 m
2005
2. Niñera
Mixta / tela
1.35 x 2 m
2005
3. Soberbia
Mixta / tela
1.35 x 2 m
2005
4. Comunicativo mareador
Carbón / papel
1 m x 70 cm
2005

3 4
Daniel Noriega Portilla.

8 de diciembre de 1967, Veracruz, Ver.

Teléfonos: 229-9335451 9352099 9314158
Veracruz, Ver. México.

Autodidacta, asiduo participante en talleres y cursos de arte en general y de artes visuales

en particular, impartidos por: Alberto Castro Leñero, Gilberto Aceves Navarro, Graciela
Kartofel, Patricia Soriano, Oscar Gutman, entre otros.

Ha expuesto de manera individual en diversas disciplinas en 10 ocasiones, entre las que

destacan:
1998 Jóvenes veracruzanos. Pintura. Centro Cultural Casa Principal.
2001 Entre si son peras o son manzanas. Pintura. Casona de la Condesa.
1997 Del caos al cosmos. Dibujo. Palacio del Registro Civil.
2001 En cubierto. Instalación. Galería Colonial.
1997 Folk-colórico. Pintura. Plaza de las Américas.

Colectivamente ha participado en unas cuarenta muestras entre ellas:

2000 Encuentros. Escultura. Jardín de las Esculturas de Xalapa, Ver.
1999, 2000, 2001 Instalación. Casa de Cultura del Puerto de Veracruz.
1999 y 2001Guadalupanas. Pintura. Claustro del IVEC.
1999 Homenaje nacional a Juan Soriano. Pintura. Galería Colonial.
1998 Pintores porteños. Pintura. Casa Principal. IVEC.

A la fecha se encuentra dándole las últimas pinceladas a la obra, que como ya es su

costumbre, presentará en el mes de diciembre. No ha ganado ningún premio por no haber
participado en concursos y nunca ha sido becado.
Reflexión

Me gusta mucho la pintura pero no he definido por ninguna rama, aunque quiero ser pintor
y me interesa, a pesar de que las artes visuales son una disciplina que está un poco obsoleta,
el video, la multimedia han tomado mucha fuerza últimamente, lo digital, importa más la
visión que el oficio, me considero de la vieja guardia, del siglo pasado, me considero
pintor, aunque abordo disciplinas nuevas como la instalación que me agrada mucho.

Pasé una formación un poco surrealista y muy figurativa, por eso me metí al dibujo, anduve
viajando por el surrealismo fantástico, lo onírico, actualmente estoy desarrollando una
figura plástica fuerte que es la del toro, pero lo estoy sacando de la fiesta brava, de ese
entorno trágico y usar la figura plástica del toro como un elemento negro oscuro.
Obra
Daniel Noriega Portilla

1. Título: Nalga que espera

Díptico 2/3
Técnica: Encáustica y Oleo sobre madera.
Medidas: 60X60 cms.
2001.

2. Título: Cazuela de mariscos

Técnica: Acrílico sobre tela.
Medidas: 60X80 cms.
1999.

3. Título: Pecador
Técnica: Oleo y acrílico sobre tela.
Medidas: 110X140 cms.
2002.

4. Título: Alucinado
Técnica: Oleo y acrílico sobre tela estampada.
Medidas: 70X90 cms.
2002.

2
David Castillo Morales

12 de Julio de 1947.
Pintor y Escultor Veracruzano.

Estudios:

2004 Curso de retroalimentación, Centro cultural, Casa Principal.

Instructor Manuel Velásquez.
Julio a septiembre.

2003-2004 Curso teórico practico de mural Mezzofresco. Noviembre 2003 a enero

2004. Mtro. Melchor Peredo. Escuela de Bachilleres de Veracruz, Veracruz.

2003 Curso de teatro al temple 2003. Mtro. Melchor Peredo en la Casa de Salvador
Díaz Miron. Veracruz, Ver.

2001 Aspectos básico para el cuidado de obras de arte. 27 al 31 de Agosto 2001.

Festival Pedagógico de las Artes 2001 Mtro. Alfonso Moraza. SEC-IVEC. Veracruz,
Ver.

1998 Taller sobre el Collage impartido por el Prof. Alfredo Flores Richaud en el
Instituto
Veracruzano de la Cultura en Coordinación con la escuela Nacional de Pintura La
Esmeralda del INBA. Veracruz, Ver.
Curso Técnicas y Procesos del Dibujo actual impartido por la mtra. Patricia Soriano
Troncoso en el IVEC, en coordinación con la escuela Nacional de Pintura La
Esmeralda, del INBA Veracruz, Ver.
Curso de “Dibujo de Figura Humana” Impartido por el prof. Ricardo Morales López
en el IVEC en coordinación con la escuela Nacional de Pintura La Esmeralda del
INBA. Veracruz, Ver.
Experimentación Plástica Instructor Alberto Castro Leñero a través del Instituto
Veracruzano de Cultura y la Coordinación Nacional de Descentralización del CNCA.
Veracruz, Ver.

1993 Curso Didáctica de la Expresión y Apreciación Plástica .Mtro. Vinicio Reyes en el

Festival Pedagógico de Artes del Instituto Veracruzano de Cultura. Veracruz, Ver.
Estudia Escultura en los Talleres Libres de la Universidad Veracruzana con el mtro.
Andrés Avelino. Veracruz, Ver.

1992 Curso “Introducción al Dibujo Artístico” impartido por el mtro. Per Anderson en
el
Festival Pedagógico de Artes del Instituto Veracruzano de Cultura .Veracruz, Ver.

1980-1985 Estudió pintura, dibujo, escultura, grabado y serigrafía en la Escuela de

Artes
Plásticas del INBA Veracruz, Ver.

Exposiciones Colectivas:

2005 Bacanales Veracruzanos sala “A” del Museo de la Ciudad.

Enero 26.

2005 50 aniversario EMAP Recinto de la Reforma Centro Histórico. Jueves 28 de julio.

2004 exposición “Otras Miradas”. Curadora Graciela Kartofel. Casa Principal den
Centro Cultural.

2004 Exposición Rostros de Carnaval 2004. Sala Oriente del Recinto Sede Realizada en
el Marco del Foro Académico y Cultural SEC e IVEC. Veracruz, Ver.

Exposición permanente Mural Colectivo “Nunca Mas”. Dirigido por el Mtro. Melchor
Peredo. Esc. De Bachilleres de Veracruz. Enero.

2003 Festival Cultural del Carnaval de la Naranja 2003, 17 al 19 de abril 2003.

Gutiérrez Zamora, Ver. A través de la dirección de turismo-Veracruz.

Exposiciones de ofrendas, altares e instalaciones. Galería del Centro Cultural

Atarazanas. 1 de noviembre. Veracruz, Ver.

2002 Los Colores de la Muerte, 28 de octubre del 2002. Galería del Centro Cultural
Atarazanas. Veracruz, Ver.

Instalaciones de Día de Muertos, 31 de octubre del 2002. Pasillo Trigueros Pintores

Porteños. Veracruz, Ver.

2001 Altares, Instalaciones y Ofrendas de Día de Muertos. Plásticos Porteños.

Edificio de Atarazanas (Casa de Cultura del Puerto ). Veracruz, Ver.
Muestra Anual de los Talleres Libres de la U.V. De Alumnos y Maestros.
Sede del Instituto Veracruzano de Cultura. Veracruz, Ver.
Exposición Colectiva de Escultura. Alumnos y ex alumnos U. V. Vigésimo
Aniversario de los Talleres Libres de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana.
Museo de la Ciudad. Veracruz, Ver.
Ocho en la Plástica. Casa de Cultura. Exposición Colectiva. Narciso Serradel
Sevilla.,Alvarado Ver. Casa de Cultura “Agustín Lara Aguirre” Tlacotalpan, Ver.
Pasillo de Trigueros. Veracruz, Ver. Casa de Cultura de Tlalixcoyan, Ver. Ex Colegio
Jesuita. Academia de Bellas Artes. Pátzcuaro Michoacán. Casa de Cultura de Nanchital.
Nanchital de Lázaro Cárdenas del Río, Ver. Casa de Cultura de Poza Rica, Ver.

2000 Anti-Exposición de Colgadejos, Templetes Cachivaches, Bultos y otras

Manifestaciones Pseudoplásticas. Carnaval Zona Libre. Organizado por Pintores
Veracruzanos Independientes.

1999 Exposición Colectiva Onírico-Erótica, en la Cantina “La Chatita” realizado en el

Centro Histórico de Veracruz.

1998 Realización del Mural Vientre Pródigo en coordinación con la Regiduría 10ma.
del H.
Ayuntamiento de Veracruz.

1997 XII Muestra Estatal de Alumnos de los Talleres libres de Arte Sala de
Exposiciones
Temporales Museo de Antropología Xalapa, Ver.

1996 Exposición colectiva de Pintores Veracruzanos Galería Sofía Bassi, Xalapa, Ver.
Dos Murales en las paredes del edificio de Difusión Cultural de la Universidad
Veracruzana Veracruz, Ver.

1995 Entre la Espalda y la Pared Yesterday Snack Bar, Veracruz, Ver. Muestra Plástica
Galería del Diario el Sur Boca del Río, Veracruz.

1994 “El mundo Externo y el Interior” IX Jornadas Nacionales de Residentes de

Psiquiatría
Hospital Psiquiátrico Fray Bernardino Alvarez. México, D F
Visiones, Galería del Diario el Sur Boca del Río, Veracruz.

1992 Muestra Plástica Genocidios Universidad Veracruzana Veracruz, Ver.

1991 Muestra Plástica Veracruzana parte II, grupo contemporarte, Universidad

Cristóbal
Colon Sala de Arte XANATL Boca del Río, Veracruz.
Eternidades, Galería del Castillo de San Juan de Ulúa. Veracruz, Ver.

1985 Plástica joven, el Grupo RAC, “Realizadores de Arte y Cultura, A. C.

Veracruz, Ver.

1984 Escuela de Artes Plásticas en el museo de la Ciudad. (museografía: Jesús Arauz

González.) Veracruz, Ver.
Reflexión
Siento que debemos demostrar que si hay pintores y hay pintura en Veracruz, hay
creadores que nos esforzamos por trabajar evolucionando, mis etapas a veces se
disparan por el manejo de un material, porque a veces va uno metiendo un material que
conoce uno y maneja y ya no se quiere uno desprenderse de él, se va marcando la obra,
hasta que se decide uno por cambiar y mejorar sus técnicas. Actualmente estoy
metiendo volumen en las pinturas con unicel recubierto de yeso, cemento o pasta
mezclada con blanco de zinc o resistol.
En cuanto a la temática del inicio a esta fecha, cuando estábamos en la escuela uno tiene
que estar sujeto a lo que se propone, uno es un poco más figurativo, paisajes,
bodegones, todo ha ido cambiando, hay que pintar no tan solo lo que se ve sino también
lo que no se ve, producto también de la imaginación, la pintura además de visual
también es imaginativa, de creatividad e interpretación propia, estoy pintando todo
sobre la espontaneidad mental, ya no digo mañana voy a pintar esa botella y le voy a
hacer esto, no, en el momento que lo pienso ahí se lleva a cabo y se interpreta.
La expresión artística en la escultura tiene la importancia de un lenguaje a través del
cual se logran desarrollar las capacidades de expresión creativa y de comunicación del
individuo, de acuerdo con el conocimiento, la creatividad y sensibilidad de cada uno.
Obra
David Castillo Morales

1. Crono con crayones

Crayón en papel cromacote
90 x 60 cms.
2. Cronos con caracoles
Crayón en papel cromacote
90 x 60 cms.
3. Cronos
Crayón en papel cromacote
90 x 60 cms.
4. Cronos
Crayón en papel cromacote
90 x 60

2 4

3
Elisa Galván

Fotografía Gustavo Pastrana

Veracruz, Ver. México.
Sánchez Tagle No. 693 Depto. 10 entre Victoria y Cuauhtémoc.
CP. 91700 Col. Centro
Veracruz, Ver.
Teléfono: 9-38-41-81.

Estudios:
2005 Curso Taller Libro-objeto-libro. Libro de artista. Impartido por Omar Gasca.
Taller de instalación. Impartido por Helen Escobedo. Febrero.
1982-1986 Escuela Municipal de Bellas Artes (Música-flauta transversa).
1972-1977 Instituto Veracruzano de Bellas Artes (Artes Plásticas).
Cursos adquiridos.
Desde 1977 y a través de estos años hasta el 2002 son más de 40 cursos de los cuales
menciono algunos:
Técnicas y procedimientos al dibujo artístico. Patricia Soriano.
Taller de Instalaciones. Miguel Ángel Corona.
Taller de pintura al óleo. Alberto Castro Leñero.
Exposiciones Individuales:
2001 Colección Tatuajes. Veracruz, Ver.
2000 Colección Ríos de Vida. Veracruz, Ver.
1992 Colección Expresiones. Veracruz, Ver.

Murales:
1999 La Luz. Hospital la Luz, Veracruz, Ver.
1992 Guerrero del tiempo. Escuela Primaria Julio S. Montero, Veracruz,
Ver. Dentro de los festejos del Quinto Centenario del Descubrimiento de
América.

Exposiciones Colectivas:
2005 Cruces de Mayo. Casa de Cultura de Alvarado. Mayo. Puerto de Alvarado, Veracruz,
Ver.
Mujeres, mujeres. Museo de la ciudad. Marzo. Veracruz, Ver.
Instalación Hospitalataria. Capilla del IVEC. Febrero, Veracruz, Ver.
Rostros de Carnaval. Febrero. Centro Cultural Atarazanas. Veracruz, Ver.
Muestra plástica Bacanales veracruzanos. Enero. Museo de la ciudad. Veracruz, Ver.
De 1977 al 2001, son más de 50 exposiciones en el Puerto de Veracruz, en el estado y
algunas ciudades de la República Mexicana como lo son:
Aguascalientes, Distrito Federal, Guadalajara, Tlacotalpan-Orizaba-Xalapa-Cosamaloapan.
En instituciones gubernamentales, museos, casas de cultura, Instituto Veracruzano de
Cultura, hospitales del IMSS e ISSSTE y callejones.
Participó en el mail-art (arte postal) en las ciudades de Tarragona España y San Juan de
Puerto Rico.

Exposiciones individuales recientes:

2005 Sueños de mar. Club Enológico Il Veneziano. Abril. Boca del Río, Ver.
Reflexión

La obra visual en sí encierra por sí sola estética y creatividad, hablar de una obra es
difícil y mucho más cuando se trata de la propia, siento que mis conceptos los realizo
bajo el ismo de lo fantástico, tendencias hacia un tema no tengo, la obra que voy
realizando parte de un proyecto general y según lo explorado a seguir, formo
colecciones bajo diversas técnicas; la búsqueda de lo estético me ha llevado a sondear
más allá de lo conocido, logrando que mi creatividad sea en la actualidad el visor de mi
existencia, el uso de materiales diversos, que adhiero en las obras, me permite
acrecentar mis conceptos de investigación y con ello hacer mi obra más textual, más
manoseable a la vista, me siento un creador alternativo.
Obra
Elisa Galván

1 4

1. Noches Placenteras
Colección: Veracruz, ciudad hecha de mar.
Acrílico y textura sobre masonite.
80 x 60 cm.

2. A las 3 de la mañana
Colección: Veracruz, ciudad hecha de mar.
Acrílico y textura sobre masonite.
80x60 cm.

3. Raíces
Colección: Veracruz, ciudad hecha de mar.
2 Acrílico y textura sobre masonite.
80x60 cms.

4. Solo falta volar

Colección: Tatuajes.
Óleo sobre masonite.
80x60 cms.

3
Enrique Delon

Fotografía Gustavo Pastrana

15 de enero de 1954. San Rafael Veracruz, Ver, México.
Taller Arte Degal:
Sánchez Tagle No. 564 entre Revillagigedo y Victoria.
CP. 91700 Col. Centro
Veracruz, Ver.
Teléfono Celular: 044-229-9136007.

Estudios:
Universidad Veracruzana (Derecho).
Escuela Municipal de Artes plásticas (plástica, fotografía, dibujo técnico).

Cursos Adquiridos:
2005 Curso Taller Libro-objeto-libro de artista. Ponente Omar Gasca. Marzo. Museo de la
Ciudad. Impartido por el Ayuntamiento de Veracruz, Ver.
Taller de instalación. Ponente Helen Escobedo. Febrero. IVEC. Impartido por el
CONACULTA. Veracruz, Ver.
1987-2002 Distrito Federal, Veracruz, Ver.
Entre otros (Experimentación plástica, Procesos del dibujo Actual, Experimentación
gráfica, Instalaciones, pintura al Oleo).
Exposiciones Individuales:
2001 Colección La insoportable levedad del ser. Veracruz, Ver.
2000 Colección El obscuro.....ser primitivo. Veracruz Ver.
Colección Performance Cerebrales. Veracruz, Ver.
1999-2000 Colección Perdidos. Veracruz, Ver.
1999 Colección Trip, Dip y Polípticos. Veracruz, Ver.
1987 Colección El camino hacia la filosofía esotérica. México D. F.

Exposiciones Colectivas:
2005 Exposición colectiva 50 Aniversario de la Esc. Municipal de Artes Plásticas. Julio.
Recinto de la Reforma. Veracruz, Ver.
IES de Alcalá. Exposición colectiva La interculturalidad, Mail Art. Junio. Alcalá de Xivert,
Catello, España.
Exposición colectiva una nueva cultura del agua. Mail. Biblioteca Pública “Trinitari
Fabregat”. Art. Mayo. Alcanart, Tarranoga, España.
Exposición colectiva Cruces de Mayo. Casa de Cultura IVEC. Puerto de Alvarado, Ver.
Exposición colectiva alfabetos proyecto educativo. Instituto Aquis Celenis. Mail Art.
Mayo. Caldas de Reis, Galicia, España.
Exposición colectiva Rostros de Carnaval. Febrero.Centro Cultural Atarazanas IVEC.
Veracruz, Ver.
Colectiva Instalación Hospitalataria. Febrero.Capilla Instituto Veracruzano de Cultura.
IVEC. Veracruz, Ver.
Muestra plástica Bacanales Veracruzanos. Museo de la ciudad. Enero 2005. Veracruz, Ver.
A partir del 2000 colaboró en diversos proyectos de mail art (arte postal) en las ciudades
de Tarragona España, San Juan de Puerto Rico y Venecia Italia.
1987 a 2001, en diferentes ciudades del estado de Veracruz y en el Distrito federal, en
diferentes técnicas (dibujo, pintura, escultura, grabado, serigrafía e instalaciones, realizadas
y organizadas por el sector público y privado, en galerías y museos, calles y callejones, con
un promedio de 50 exposiciones:
Escuela Municipal de Artes plásticas, Instituto Veracruzano de Cultura, Casa de Cultura del
Puerto de Veracruz, Municipio de Veracruz, Agora de la Ciudad de Xalapa, Hospitales
IMSS, Callejón Lagunilla en el puerto de Veracruz.

Exposiciones individuales recientes

2005 Presentación de la Colección Gótico Iniciáticos. Club Enológico de Il Veneziano.
Agosto. Boca del Río, Ver.
Presentación de la colección La diestra se acomoda en triángulos de sombra, pinturas.
Bajos del Portal del Edificio Trigueros. Julio.Veracruz, Ver.

Murales:
1999 Hospital La Luz, Veracruz, Ver. (La Luz).
1992 Escuela primaria Julio S. Montero, Veracruz, Ver. (Guerrero del tiempo).
Museografía.
Desde 1988 a la fecha, realizó instalaciones para galerías públicas y privadas, totalmente
independientes.
Reflexión

La obra visual en sí encierra por sí sola estética y creatividad, hablar de una obra es difícil y
mucho más cuando se trata de la suya, siento que mis conceptos los realizo bajo el ismo del
surrealismo fantástico, tendencias hacia un tema no tengo, la obra que voy realizando parte
de un proyecto general y según lo explorado a seguir, formo colecciones bajo diversas
técnicas; la búsqueda de lo estético me ha llevado a sondear más allá de lo conocido,
logrando que mi creatividad sea en la actualidad el visor de mi existencia, el uso de
materiales diversos, que adhiero en las obras, me permite acrecentar mis conceptos de
investigación y con ello hacer mi obra más textural, más manoseable a la vista, me siento
un creador contemporáneo.
Flavio José Hernández Rincón

7 de mayo de 1963. Veracruz, Ver.

M. Tuero Molina No. 393 Col. Zaragoza Veracruz, Ver, Méx.

Correo electrónico: flahern7@yahoo.com.mx

Estudios:

1981 Ingresa a la Escuela de Artes Plásticas del Puerto de Veracruz, Ver.

Llevando las siguientes materias: Dibujo, Pintura, Grabado, Serigrafía y
Escultura

Exposiciones individuales:
2001 Exposición Muestra Grafica en el Recinto de la Reforma
1998 Muestra Plástica en el Baluarte de Santiago (Organizada por el grupo CLAVE)
1991 Exposición Horizontes en el Recinto de la Reforma
1990 Exposición Personajes Ficticios en el Lobby del Teatro Francisco Javier Clavijero

Exposiciones colectivas:
2001 Exposición Ocho en la Plástica. Casa de la Cultura Narciso Serradel Sevilla de
Alvarado, Ver., Tlacotalpan, Ver., Pasillos del Edifio Trigueros Veracruz, Ver.,
Tlalixcoyan, Ver.,
Nanchital, Ver., Tacámbaro, Mich., Pátzcuaro, Michoacán, Poza Rica Ver.,
Galería Las Magadalenas
de Xico, Ver., Galería del Centro Cultural Casa Principal, Veracruz, Ver.
1998 Exposición Muestra Colectiva de Artistas Plásticos en el Recinto de la Reforma
Exposición Pintores Porteños (Festival de Artes Plásticas Casa de la Cultura del
Puerto de Veracruz. IVEC.)
1997 Exposición Muestra Colectiva de Maestros de los Talleres Artísticos de la
Universidad Cristóbal
Colón en la Sala de Arte Xánatl.
1994 Exposición El Mundo Interno y el Exterior en el Hospital Psiquiátrico
Fray Bernardino de la ciudad de México
Exposición 40 Aniversario de la Esc. de Artes Plásticas.
1993 Exposición el Carnaval Visto por los Pintores Porteños en el Restaurante-Bar El
Rincón de la Trova
1992 Exposición Máscaras en el Recinto de la Reforma.
1991 Exposición Muestra de Plástica Veracruzana en la Universidad Cristóbal Colón.
Sala de Arte Xánatl.
Exposición homenaje a Salvador Dalí. Escuela municipal de artes plásticas.
Veracruz, Ver.
1990 Exposición Colectiva de Maestros de la Esc. de Artes Plásticas. Veracruz, Ver.
1985 Exposición Plástica joven en el Museo de la Ciudad.
Exposición de Grabado y Escultura en Chatarra en el Museo de la Ciudad.
1983 Segundo Encuentro de Pintores Veracruzano. Museo de la Ciudad.
Exposición de Día de Muertos en el Museo de la Ciudad. Veracruz, Ver.
Exposición de Fin de Cursos de la Esc, de Artes Plásticas.
1982 Exposición de Grabado del taller de Grabado de la Esc, de Artes Plásticas
en el edificio de la escuela.
Reflexión

La obra de Flavio Hernández Rincón es una hibridación de figuración y expresionismo, sus

obras tienen siempre algo de figura, sobre todo la figura femenina, en un entorno de líneas
curvas que juegan, retan, se extravían en transparencias y colores fuertes para darnos
diversas sensaciones, efectos, sentidos.

Su trabajo es permanente en la docencia, en la creación artística, se orienta principalmente

al grabado, su temática viene directamente de la vida cotidiana, de la relación grupal y de la
necesidad de expresar lo que acontece en su entorno con un matiz intimista donde todo lo
vivido tiene el tono de la esperanza, de la posibilidad de aportar todos para construir un
mundo mejor.

A veces alegre, otras invitando a la contemplación de lo que no deseamos que suceda, quizá
la tragedia personal o colectiva, Flavio presenta, propone el resultado de una forma de vida
donde la búsqueda de la obra artística es la meta que lleva a compartir con el espectador lo
mejor de su imaginación, creatividad, energía y esfuerzo.
Obra
Flavio José Hernández Rincón

1. Grito callado
Serigrafía
55X39 cms.

2. Sin título
Serigrafía
52.5X35.5 cms

3. Lamentos
Serigrafía
53X37 cms.

4. Signos
Grabado en acrílico
39.5X24 cms.
Francisco Galí

1951. Veracruz, Ver.

Desde pequeño demostró inquietud y gusto por el dibujo, las proporciones y la perspectiva.
A los nueve años se fue a radicar al Distrito Federal. Tuvo como maestro de dibujo al
profesor Cayetano Aviña. Durante su vida ha sido un constante experimentador
autodidacta, aunque también ha tomado diversos cursos y talleres con diferentes maestros
de las artes plásticas y participado en numerosas exposiciones.
Francisco Galí es sobrino de Francesc de Asís Galí, un pintor catalán de principios de siglo,
quien fundó en Barcelona una escuela de pintura e introdujo en España a los Fauvistas y los
impresionistas, misma que cuenta entre sus alumnos destacados a Joan Miró al ceramista
Llorens Artigas y al pintor zacatecano Francisco Goitia, entre otros.
Galí Malpica radica actualmente en Veracruz, su tierra natal. Dedicando su tiempo
completo a la creatividad de las artes plásticas y a la promoción cultural.

Exposiciones individuales:
1995 III Aniversario del Centro Cultural Veracruzano. Coyoacán, México, D.F.
1995 Mis raíces. Restaurant Les Moustaches. México, D.F.
1995 Mis raíces. Instituto Veracruzano de Cultura. Veracruz. Ver.
1994 Sabor tropical. Casa de la Cultura-Agustín Lara. Tlacotalpan Veracruz.
1994 Sabor Tropical. Instituto Veracruzano de Cultura. Veracruz, Ver.
1993 El color de los símbolos. Casa de la Cultura “Jesús Reyes Heroles”, Coyoacán,
México, DF.

Exposiciones colectivas:
1995 Hotel Torremar Resort Boca del río, Ver.
1995 Festival Afrocaribeño. Atarazanas, Veracruz, Ver.
1995 Periódico Sur de Veracruz. Boca del Río, Ver.
1994 Aniversario centro cultural veracruzano. Coyoacán. México DF.
1994 Color Caribe Instituto Veracruzano de Cultura. Veracruz, Ver.
1994 Magia alegórica. Teatro Fernando Gutiérrez Barrios, Boca del Río, ver.
1994 Magia alegórica. El Rincón de la Trova, Plazuela de la Lagunilla, Veracruz, Ver.
1993 14+2 en el arte grupo O.P.A. recinto de reforma Veracruz, Ver.
1993 14+2 en el arte grupo O.P.A. Teatro de la ciudad, “Fernando Gutiérrez Barrios”,
Boca del Río, Ver.

Cursos recibidos
1995 Acerca del color. IVEC
1995 Artes graficas xerografía y grabado. IVEC.
1994 Dolores Bolarin Miro materiales en artes plásticas. IVEC.
Obra
Francisco Galí

1. Cajas. Joyeros de madera

Arte objeto
2 Madera, Acrílico, Plumón negro/papel liquido
15X25X15 cms.

2. Body art

3. Composición en rojo
Tinta china negra, cartoncillo/papel liquido
70X50 cms

4. Petate 2
Acrílico/fibras naturales
190X140 cms.
Gloria Luz Caballero Betancourt

Bambú 44 Fracc. Las palmas del Coyol Tel: 981-36-75

Veracruz, Ver.

Estudios:

2004 Taller de retroalimentación. Mtro. Manuel Velásquez. En Casa Principal IVEC.

Veracruz, Ver.

Curso teórico-práctico de Mural Al Mezzofresco. Mtro. Melchor Peredo. Noviembre del

2003-enero del 2004. Esc. Bachilleres del Puerto de Veracruz.

2003 Curso de Diseño de Joyeria de Plata con Aplicaciones. De concha y caracoles. 21

de julio al 1 de agosto del 2003. Mtra. Aida E. Ochoa Contreras. Boca del Río, Ver.

2002 Introducción a Litografía. Mtro. Per Anderson. En Casa Principal IVEC.

Veracruz, Ver.

2001 Curso intensivo Introducción a la litografía impartido por Per Anderson

Sede Casa Principal del IVEC. Veracruz, Ver.

1998 Curso de Grabado de Aguafuerte y Punta seca con el maestro Bernardo A. Pérez
taller de Gráfica. Veracruz, Ver.
Curso de Dibujo de Figura Humana con el profesor Ricardo Morales López
sede del IVEC en coordinación con el INBA (La Esmeralda) Veracruz, Ver.
Taller de Experimentación Plástica con el maestro Alberto Castro Leñero
a través del Instituto Veracruzano de Cultura y la Coordinación Nacional de
descentralización del CNCA.

1993 Curso Didáctica de la Expresión y Apreciación Plástica por el maestro Vinicio

Reyes. Dentro del marco del Festival pedagógico de las Artes. Sede del IVEC
Curso Patrimonio Artístico y Cultural de México por el curador Adrián Villagómez
Levre. Sede del Instituto Veracruzano de la Cultura.

1986-1990 Estudia en los talleres libres de Artes Plásticas de la Universidad

Veracruzana
Con el pintor Raúl Guerrero. Extensión Universitaria Veracruz, Ver.

1985-1986 Estudia en el taller de Artes Plásticas de la EMBA bajo la dirección del

maestro
Leonel Zárate Santiago. Veracruz, Ver.
Exposiciones colectivas:

2005 Bacanales Veracruzanos, sala “A” del Museo de la Ciudad.

Enero 26

“Mujeres, Mujeres” con motivo del día internacional de la mujer. Sala “A” del Museo
de la Ciudad.
Marzo 07.
2004 exposición “Otras Miradas”. Curadora Graciela Kartofel. Casa Principal den
Centro Cultural.

2004 Mural Colectivo “Nunca Mas”. Dirigido por el Mtro. Melchor Peredo. Esc. De
Bachilleres de Veracruz. Enero.

Exposición Rostros de Carnaval 2004. Sala Oriente del Recinto Sede Realizada en el
Marco del Foro Académico y Cultural SEC e IVEC. Veracruz, Ver.

2003 Exposiciones de ofrendas, altares e instalaciones. Galería del Centro Cultural

Atarazanas. Veracruz, Ver.

Festival Cultural del Carnaval de la Naranja 2003. Gutiérrez Zamora, Ver. A través de
la dirección de turismo-Veracruz.

2002 Grabado en pequeño formato. Exposición internacional. Rumania

Instalaciones de Día de Muertos. Pasillo Trigueros Pintores Porteños. Veracruz, Ver.

Los Colores de la Muerte. Galería del Centro Cultural Atarazanas. Veracruz, Ver.

2001 Exposición Colectiva .Ocho en la Plástica. Casa de Cultura Narciso Serradel

Sevilla Alvarado Ver. Casa de Cultura Agustín Lara Aguirre Tlacotalpan, Ver.
Pasillo de Trigueros. Veracruz, Ver. Casa de Cultura de Tlalixcoyan, Ver. Ex
Colegio Jesuita. Academia de Bellas Artes. Pátzcuaro Michoacán. Casa de Cultura
de Nanchital. Nanchital de Lázaro Cárdenas del Río, Ver. Casa de Cultura de Poza
Rica, Ver.
Exposición de los Talleres Libres de Artes Plásticas
Marco del Vigésimo Aniversario de la Universidad Veracruzana. Ex alumnos del
Taller de Pintura. Museo de la Ciudad. Veracruz. Ver.
Altares, Instalaciones y Ofrendas de día de Muertos.
Plásticos Porteños. Edificio de Atarazanas (Casa de Cultura del Puerto )
Veracruz, Ver.

2000 Anti-Exposición de Colgadejos, templetes, cachivaches, bultos y otras

manifestaciones pseudoplásticas Carnaval Zona Libre Organizado por el “Grupo
Pintores Veracruzanos Independientes”
Exposición de Instalaciones por la semana Santa Vía Cru-Sex
Realizada por Grupo de Pintores Veracruzanos Independientes
Muestra Plástica Colectiva. Recinto de la Reforma.
Grupo de Autores Plásticos del Puerto de Veracruz.
1994 El Mundo Externo y el Interior IX Jornadas Nacionales de Residentes de
Psiquiatría. Sede del Hospital Psiquiátrico
Fray Bernardino Álvarez México D.F.
Exposición colectiva 11 Caricias al Alma durante el evento La Mujer, Eje de la
Familia en el Mundo Coordinado por el D.I.F. Municipal de Veracruz. Sede IVEC

1993 Carnaval Visto por los Pintores Porteños Sede del Rincón de la Trova.
(Restaurant-
Bar.) Callejón de Lagunilla Veracruz, Ver.

1992 Nueve Pintores Veracruzanos Exponen Muestra Colectiva, Bajo del Edificio
Trigueros. Veracruz, Ver.

1991 Muestra de Plástica Veracruzana parte II grupo Contempoarte U.C.C. Sala de Arte
XANATL, Boca Del Río, Ver.
Eternidades galería del Castillo de San Juan de Ulúa, Veracruz, Ver.

1990 Semana Cultural del Heroico Colegio Naval Antón Lizardo, Veracruz.

1987 Talleres Libres de Extensión Universitaria UV Veracruz, Ver.

Reflexión
En el principio fue un gusto que yo tenía por la pintura, mi familia no aceptó que yo
estudiara esto si no tenía otras bases profesionales antes, entonces tuve que estudiar otra
profesión, demostrar que tengo con qué dar y entonces ya que tengo un título, soy
profesora de educación primaria, entonces ya hago después el esfuerzo por estudiar
pintura.
A mí me gustan mucho tanto escultores como pintores, entre ellos Sebastián, voy
pasando mis etapas y voy cambiando de preferencia de artistas, entre ellos instaladores
también que ahora se están dando mucho.
Primero mi obra era muy abstracta, no era figurativa, con el paso del tiempo y tomando
cursos me he orientado hacia la figura humana, desnudo y entonces eso me lleva a lo
figurativo, empiezo a experimentar, ahora estoy en una etapa muy transitoria porque
estoy
manejando volumen dentro de la pintura, con materiales de papel con molde, sí hay
etapas muy marcadas en mi desarrollo, ahora estoy en una etapa mixta.
Siempre he tenido como principal tema para mí el caracol, porque se me hace muy
similar a mi persona, es un molusco que tiene una concha muy dura por fuera, así uno es
en el exterior, lo blando es por dentro, siempre me ha llamado la atención y no solo un
tipo de caracol, hay infinidad y aquí en el puerto mucho más, yo me deleito en las
tiendas de artesanías viendo los caracoles que traen de diferentes partes, el mundo
marino es muy bello.
Yo creo que hay una búsqueda interna a través de mi obra, creo que la obra de cualquier
artista es el autoconocimiento, qué es lo que trae uno, qué es lo que lo mueve a uno, en
este caso tengo una serie que se llama Hambre del Alma y es sobre mi cuerpo, conocer
mi cuerpo físico, para tener el valor de conocer el espíritu.
Creo que ahora puedo comunicarme mejor que antes.
Obra
Gloria Luz Caballero Betancourt

1 2

3 4
1. El mar y yo 2
Técnica mixta
50 x 50
2. Mi familia
Lápiz de color
50 x 50
3. Mira siempre de frente
Técnica mixta
50 x 70
4. Mujer
Crayón sobre papel Fabriano
50 x 70
Guillermina Ortega

Fotografía Gustavo Pastrana

1960. Poza Rica, Veracruz, Ver.

http://www.agua-salada.tripod.com/
Correo electrónico: lankapuxcat@yahoo.com.mx

Estudios profesionales:
Realiza la licenciatura en Pintura en la Escuela Nacional de Pintura, Grabado y
Escultura La Esmeralda (1983-1989) y de 1983 a 1984 estudia en la Escuela Nacional
de Artes Plásticas, UNAM. Realiza cursos de Experimentación Plástica con Alberto
Castro Leñero, Dibujo con Gilberto Aceves Navarro y con Patricia Soriano, Neográfica
con Alfonso Moraza Borrel, Teoría del Arte con Othón Téllez y otros más.

Exposiciones Individuales:
2004 Ombelicale. Dibujos e Instalación. Ozone Launge, Puerto de Veracruz, Ver.
1999-2000 Agua Salada. Pintura, Dibujo e Instalación. Sala Oriente del Instituto
Veracruzano de Cultura, Veracruz, Ver. Centro Recreativo Xalapeño, Xalapa, Ver.
1998-99 Primitiva. Café Sertón, Veracruz, Ver. Casa de Cultura Poza Rica, Ver.
Instituto de Artes Plásticas, Xalapa, Ver.
1998 Rito de Vida. Universidad Cristóbal Colón, Veracruz, Ver. Vice-rectoria
Universidad Veracruzana Zona Tuxpan-Poza Rica, Poza Rica, Ver.
1996 Memoria de Viento y Marea. IVEC, Veracruz, Ver. Galeria José María
Velasco, INBA y Escuela La Esmeralda, CNA-INBA, México, D.F.
1995 Trópicos. Circuito de Casas de Cultura del IVEC, Veracruz. Circuito Zona
Centro de la Coordinación de Proyectos con los Estados de la Federación, INBA.
1993 Aguas Nuevas. Casa de Cultura de Córdoba, Ver
1992 Biofilia. Hospital del IMSS, Poza Rica, Ver.
1990 Palmera y Mujer. Instituto Veracruzano de Cultura, Veracruz, Ver. Centro
Cultural José Guadalupe Posada, México, D.F
1998 De lo Cotidiano. Glorieta del metro Insurgentes, México, D.F.

Selección de las Exposiciones Colectivas:

2003 XII Bienal Guadalupana. Museo de la Revolución, México, D.F.
1999-2000 Dualidad. Segundo Encuentro Internacional de Arte Textil en Miniatura,
Museo de Arte de Querétaro, Qro.
1998 1a. Bienal de Pintura y Escultura Olga Costa. Guanajuato, Gto. Monterrey, N.L.
1998 Salón de Invitados. Salón de la Plástica Mexicana, México, D.F.
1996-1997 Expoventa de Navidad. IVEC, Veracruz, Ver.
1993 Primera Bienal de Pintura del Sureste Joaquín Clausell. Universidad Autónoma
de Campeche. Villahermosa, Tab. Xalapa y Veracruz, Ver.
1990 X Encuentro Nacional de Arte Joven. Casa de Cultura de Aguas Calientes y
Museo de Arte Carrillo Gil, México, D.F.
1988 VIII Encuentro Nacional de Arte Joven, Casa de Cultura de Aguas Calientes y
Auditorio Nacional, México, D.F. y 30 exposiciones más.

Instalaciones interiores y exteriores:

2005 Kuchiná Puxcat, The Banff Centre, Banf Alberta Canada.
2004 Swapahtiani, Sala Oriente del Ivec, Veracruz y Museo de Sito del Tajin, Papantla,
Ver.
2004 Corazón de Meco, Centro Cultural Atarazanas, Veracruz, Ver.
2003 Kiwichat, la Mujer de Kiwigkolo. Parque Temático Cumbre Tajin, Papantla, Ver.
2002 Azul como una ojera de mujer, Festival Internacional Agustín Lara, Veracruz,
Ver.
2001 Persistencia de la Memoria. Campo Pemex, Poza Rica, Ver. Tajín, Conquista
Espiritual (coautoría). Casa de Veracruz, Madrid, España. Terra Mater. Casa Principal
IVEC, Veracruz, Ver. Kuxi (Maíz). Cumbre Tajín. Papantla, Ver.
2000 El Espíritu de la Tierra. Entronque carretera nueva Tajín-Papantla, Ver. Lanka
Puxkat. Campus Universitario CUHM, Municipio de Medellín, Ver. Trópico Fecundo.
Baluarte de Santiago, Veracruz, Ver. Agua Salada II. Centro Recreativo Xalapeño,
Jalapa, Ver.
1999 Agua Salada I. Capilla del IVEC, Veracruz, Ver. Axkut, Capilla del IVEC.
Veracruz, Ver
1997 Rito de Vida. Galería de la Universidad Cristóbal Colón, Jalapa, Ver.

Becas:
2004-2005 Residencia Artística en The Banff Centre, Banff, Alberta, Canada.
1999-2000 Creadores con Trayectoria en la Especialidad Medios Alternativos.
1994-1995 Fondo Estatal para la Cultura y las Artes y el Gobierno de Veracruz a
Creadores con Trayectoria en la Especialidad de Pintura.
Ha sido promotora, productora, educadora e investigadora de artes plásticas en la ciudad
de México y en el estado de Veracruz. Actualmente realiza su producción en el Puerto
de Veracruz y produce proyectos especiales para el Estado de Veracruz.
Reflexión

Los símbolos que he utilizado en mi proceso creativo tienen que ver con una búsqueda
de identidad respecto al entorno que me rodea, la naturaleza veracruzana: palmeras,
fauna y vegetación marina al principio, posteriormente plantas, semillas, polen, la tierra,
la raíz, el acto de la fertilidad y fecundidad, en esta etapa estas plantas se convirtieron en
flores que simulaban le sexualidad femenina. Este sentimiento de identidad lo he
encontrado también al recorrer parte del estado y estar muy próxima a las expresiones
tradicionales de las culturas indígenas (mito, rito, tradición oral, danza, etc.), mi trabajo
mas reciente tiene que ver con mi reflexión acerca del papel de la mujer dentro de la
comunidad indígena, como es el caso de la mujer con poder curativo, la mujer que
práctica una espiritualidad muy profunda además de las actividades propias de su
género (madre, cuidadora del hogar y trabajadora).

Mi discurso visual ha pasado por diferentes lenguajes, desde una figuración narrativa en
la pintura, hasta la instalación con el mínimo de elementos, en este camino he aprendido
el manejo de las técnicas y procedimientos pictóricos formales, hasta llegar a un punto
en el que fui encontrando más satisfacción con elementos tridimensionales, por un lado
a través de la intervención de los objetos y de los espacios, y por otro mediante técnicas
escultóricas, como el modelado en barro (baja y alta temperatura) y la talla en piedra y
madera.

En la actualidad mis búsquedas estéticas y artísticas se encuentran fuertemente

vinculadas a otras disciplinas como la etnografía y la antropología, por lo que continuo
con proyectos a mediano plazo para nuevas instalaciones, video, arte-objeto, escultura y
dibujo, por lo que se continuo con nuevos recorridos a lo largo de este territorio y otros
que contengan similitudes culturales, como son otros estados de nuestro país y de otros
países.
Obra
Guillermina Ortega

2 3

1, 2 Kuchiná Puskat
3. Corazón de Meco
4. Swapahtiani
Instalaciones
Hugo Moncada

Margaritas 296 Esq. Gladiolas Fracc. Flores del Valle

Veracruz, Ver.
Código Postal: 91940
Tel: 229-921-83-00
Correo: hmoncada68@hotmail.com

Artista visual. Nace el 22 de noviembre de 1968 en el Puerto de Veracruz.

Realiza estudios de Pintura y Dibujo en los Talleres Libres de Artes Plásticas de la U.V.
Así como de Escultura, Grabado, Fotografía, Expresión y Apreciación Plástica, Teoría del Arte,
Administración en las Artes Plásticas y de Docencia en las Artes Plásticas, Dibujo Especulativo,
Grafica Experimental, Educación Artística, Historia de la Música.

Exposiciones individuales
2004 Interiores. Infografias Galería Casa Principal Veracruz, Ver.
1998 Enkubos. Exposición Kubica plástica. Café Sertón Veracruz, Ver.
1995 Catarsis. Acrílicos sobre Madera. Galería Italli. Veracruz, Ver.
1993 Indigentes. Tintas y Serigrafías. Museo de la ciudad Veracruz, ver.

Exposiciones colectivas
2002 Exposición del proyecto producción plástica colectiva con Disertaciones Académicas.
2001 Exposición de Exalumnos del Taller de Pintura de la U.V. Museo de la Ciudad de Veracruz, ver.
1999 Exposición Colectiva. Casa Principal Veracruz, Ver.
1998 Impares. Sala de Arte de la Universidad Cristóbal Colon Veracruz, Ver.
1997 Impares. Instituto Veracruzano de Cultura. Veracruz, Ver.
1996 Exposición Colectiva de Grafica. Galería Italli. Veracruz, Ver.
1995 El Mundo Externo e Interno. Hospital psiquiátrico Fray Bernardino Álvarez México, D.F.
1994 Muestra Colectiva de Grafica. Recinto de la Reforma Veracruz, Ver.
1992 Plástica Veracruzana II. Sala de Arte Xanatl Veracruz, Ver.
1991 Eternidades. Castillo de San Juan de Ulua. Veracruz, Ver.

Exposiciones internacionales
1999 Ingresa al Mail Art. y participa en la convocatoria de Auma ( Acción Urgente de Mail Art.)
denominada libertad las enseñanzas de las artes plásticas y la influencia en los regímenes autoritarios
en la cultura, cuya exposición es presentada en Tarragona y Barcelona ( España), Montevideo (Uruguay)
y San Juan Puerto Rico durante el mismo año (1999) presentándose dicha exposición posteriormente
en el 2000 en las ciudades de Buenos Aires ( Argentina), Santiago de Chile y Quique ( Chile. 2000 Participa en la
convocatoria concertada por Amnistía Internacional y Auma ( Acción Urgente de Mail Art.) para la realización del proyecto
2000 sobre la suspensión de la pena de muerte.
2000 Festival Mundial del Papel en Eslovenia.

Premios o reconocimientos
1999 Participación en la IX Bienal de Grabado y Dibujo en Taipei (China);
es seleccionado su trabajo para participar en la exposición que se llevo acabo de diciembre de 1999
a febrero del 2000 en el Museo de Bellas Artes en Taipei (China).
2001 becario del Fonca con el Proyecto de Producción Plástica Colectiva con Disertaciones Académicas.

Experiencia profesional
1987 a la fecha . Profesor de pintura infantil de la Escuela Municipal de Bellas Artes.
1989 a la fecha. Profesor de dibujo artístico y pintura del colegio La Salle de Veracruz.
2004 Coordinador de la tele aula del CENART por la Escuela Municipal de Bellas Artes.
Reflexión
Las imágenes utilizadas en mis cuadros se dan por la búsqueda de íconos populares y
religiosos que siempre me llamaron la atención.

El entorno donde crecí era un lugar lleno de cosas extrañas y grotescas: ya que vivía cerca
de un rastro y mis visitas a ese lugar nutrieron en gran parte mi imaginación plástica.

Siempre tuve la inquietud de crear un lenguaje lleno de humor negro pero que a su vez
fuera reflexivo, esto me ha llevado a utilizar materiales diversos para lograr un mayor
impacto en el espectador.

Mi propuesta artística actual es conseguir una pintura sólida utilizando materiales que me
permitan un mejor desarrollo de la obra misma, y la utilización de tropos que faciliten el
lenguaje de la obra. En lo que se refiere a lo estético, en mi obra nunca he pretendido que
ésta sea estética, siempre me he inclinado a algo más desagradable
al contacto con el receptor, intento crear una pintura antiestética.
Obra
Hugo Moncada
1., 2., 3., 4., Interiores. Infografías
21 x 27 cms.

1. 2.

3. 4.
Hurí Barjau M.

Fotografía: Gustavo Pastrana

Lugar de nacimiento: Xalpa de Méndez Tabasco

Antonio de Mendoza # 129 Frac. Virginia
Teléfono: 2299 374669
Celular: 2299 12 17 17
Email: huribarjau@hotmail.com
http://huribarjau.tripod.com

Exposiciones Individuales

1980 Alianza Franco Mexicana, Veracruz, Ver

1981 Galeria Unique, Veracruz, Ver
1982 Museo de Veracruz, Ver
1983 Museo de Córdoba, Veracruz
1983 Gutember, Alemania Federal
1984 Galería de tierra adentro, INBA, México DF
1985 Galería de la casa de la cultura “Díaz Mirón” México, DF
1986 Galería de la casa de la cultura “la pirámide”, México, DF
1987 Casa de la cultura de Puebla, Plue.
1988 Ágora FONAPAR en Villahermosa, Tabasco
1989 Centro Universitario cultural, México, DF
1990 Casa Universitaria del libro, México, DF
1993 Restaurante y galería “la Viniera” México DF
1994 Teatro de la Ciudad de México, México, DF
1995 Sala de exposiciones de la torre Domecq
1996 Sala “Armando Reveron” Embajada de Venezuela
1997 Centro cultural Villa Hermosa
1998 Instituto Veracruzano de la cultura
1999 Essen café México, DF
2000 Casa de cultura de Tabasco, México
2003 Centro cultural Villahermosa, tabasco
2005 Club Enologico IL Veneziano

Exposiciones Colectivas

1980 Bajos de palacio Municipal, Coatzacoalcos, Veracruz.

1981 Bajos del Palacio Municipal, Puerto de Veracruz
1982 Jardín del arte, Veracruz, Ver
1983 Museo de la Ciudad de Veracruz
1984 Salón Azul de la Escuela Naval, Veracruz
1985 Casa de la cultura “la pirámide”, México, DF
1986 Casa salvador Días Mirón, Veracruz
1987Galería “Torres Bodet” Guadalajara JAL.
1993 Centro Asturiano”
1994 Museo Casa Carranza, México, DF
1994 Plaza Galerías, México, DF
1996 Palacio Lesgilativo del Congreso de la Unión.
2004 Instituto Veracruzano de la Cultura
2005 Museo de la Ciudad Veracruz, Ver.
2005 Edificio de Ingenieros Veracruz, Ver.

Experiencia Laboral

1999-2000 Profesora de las materias de expresión y apreciación artisticas y pintura en

secundaria y bachillerato en la Universidad de la Villa Rica, Ver.
Reflexión

Yo digo que nací en el agua, por que estaba donde la lluvia torrencial, a veces llovía
hasta 8 días, la naturaleza me dejo una impresión muy fuerte, que se refleja en mi obra,
la técnica que mas utilizo es el acrílico pero no me quedo solo en eso, por que soy muy
inquieta en la busca de las texturas, me gusta el colorido en especial el rojo y el verde,
mis personajes son de los sueños, yo admiro a Remedios Barro y me gustaría poder
lograr su creatividad pero a mi estilo, en muchos de mis paisajes hay personajes ocultos,
la creatividad esta presente en mi obra, me gusta tener la libertad de expresar lo que
estoy sintiendo en el momento.
Obra
Hurí Barjau

1
4

1. Duende
Acrílico sobre tela
90 x 47 cms.
2. Identidad
Acrílico sobre tela
2 90 x 40 cms.
3. Tropo de Frida Kahlo
Acrílico sobre madera
100 x 90 cms.
4. Vendedora de hamacas
Acrílico sobre tela
150 x 120 cms.

3
Israel Barrón

Fotografía Gustavo Pastrana

Nace en la Ciudad de Pachuca, Hidalgo el 6 de febrero de 1974. De 1994 a 1999 estudia
en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana en la opción Pintura.
Se hace acreedor de la beca del Instituto Veracruzano de la Cultura en la modalidad de
Jóvenes Creadores 97-98. Obtiene Mención Honorífica en la Tercera Bienal del Sureste
Joaquín Clausell en 1999. Ha expuesto de forma individual en diecisiete ocasiones en
distintas ciudades del país como son Xalapa, Puerto de Veracruz, Ciudad de México,
Pachuca y Tuxtla Gutiérrez. Y en el extranjero en Canadá y Japón. Cuenta con más de
30 exposiciones colectivas en México y los Estados Unidos.

Actualmente imparte la materia de Dibujo para el Diseño en la Universidad Cristóbal

Colón y de Dibujo de Figura Humana en el Centro de Estudios Gestalt, en el Puerto de
Veracruz. También es titular de los Talleres de Dibujo y Pintura del Instituto
Veracruzano de la Cultura.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

2004 Obra reciente

Galería Casumi
Yokohama, Japón

Retrospectivas de carteleras
Centro Cultural Casa Principal
Instituto Veracruzano de la Cultura
Veracruz, Veracruz

Central Núcleo Eléctrica Laguna Verde

Palma Sola, Veracruz

Dibujos
Centro de Estudios Tecnológicos y
Universitarios Hispano Mexicano
Veracruz, Veracruz

2003 Y ni pío dijo

Sala de Arte
Universidad Cristóbal Colón
Veracruz, Veracruz
 Sin destino
Galería del Lago
Casa del Lago Maestro Juan José Arreola
México, D.F.

2002 Obra reciente

Galería CEGEP
Victoriaville, Québec, Canadá

La desidia no
Casa de Cultura
Coatepec, Veracruz

2001 Encuentro que no recuerdo

Centro Cultural Casa Principal
Instituto Veracruzano de la Cultura
Veracruz, Veracruz

Bajo el asalto
Archivo Histórico y Museo de Minería
Pachuca, Hidalgo

Nada qué declarar

La Casona de la Condesa
Veracruz, Veracruz

2000 Encuentro que no recuerdo

Jardín de las Esculturas
Instituto Veracruzano de la Cultura
Xalapa, Veracruz

1999 Días Vacíos

Galería de la Universidad de Ciencias y Artes
UNICACH
Tuxtla, Gutiérrez, Chiapas

Versiones y perversiones
Galería La Tasca
Xalapa, Veracruz.

Interiores
Galería Universitaria Ramón Alva de la Canal
Universidad Veracruzana
Xalapa, Veracruz

1998 La noche del Marabú

Archivo Histórico y Museo de Minería
Pachuca, Hidalgo
1996 Transfiguraciones
Galería El Volador
Universidad de la Comunicación
México, D.F.

Desde 1995 a la fecha ha participado en 35 exposiciones colectivas, destacando las

siguientes:

2005 Notas de una imagen

Colectiva de Ilustración
Museo de la Ciudad
Veracruz, Ver.

2003 Arte contemporáneo Latinoamericano

Galería El Borde
Toronto, Canadá

De la forma al garabato
Centro Cultural Casa Principal
Instituto Veracruzano de la Cultura
Veracruz, Veracruz

2002 El milagro como pretexto gráfico

Exposición de Banners Digitales
Jardín de las Esculturas
Instituto Veracruzano de la Cultura
Xalapa, Veracruz

Mis quince años

Exposición de Banners Digitales
Jardín de las Esculturas
Instituto Veracruzano de la Cultura
Xalapa, Veracruz

Visiones de Veracruz
Aeropuerto Internacional Heriberto Jara
Veracruz, Veracruz

Los colores de la muerte

Centro Cultural Atarazanas
Instituto Veracruzano de la Cultura
Veracruz, Veracruz

2001 Laberinto
Colectiva de Artistas Veracruzanos
Galería de Arte Contemporáneo
Instituto Veracruzano de la Cultura
Xalapa, Veracruz
2000 Quince aniversario
Galería Universitaria Ramón Alva de la Canal
Universidad Veracruzana
Xalapa, Veracruz

1999 Tercera Bienal del Sureste

Joaquín Clausel
Campeche, Campeche

1998 Arte joven veracruzano

Universidad de Florida
Miami, Estados Unidos

Del concepto a la forma y visceversa

Mezanine del Teatro del Estado
Xalapa, Veracruz

La casa del loco

Exposición Instalación
Galería Universitaria Ramón Alva de la Canal
Universidad Veracruzana
Xalapa, Veracruz

1996 Figurarte
Vestíbulo de la Galería de Arte Contemporáneo
Instituto Veracruzano de la Cultura
Xalapa, Veracruz

Primera Bienal del Sureste

Cuarto Festival de Artes Plásticas
Galería de la Universidad de Ciencias y Artes
UNICACH
Tuxtla, Gutiérrez, Chiapas

La locura
Universidad de Illinois
Chicago, Estados Unidos

La cama
Universidad de las Américas
Puebla, Puebla
Reflexión
Espero en esta nueva serie tener una mejor factura, un trabajo más profesional y que el
trabajo me genere ideas, conceptos que me permita llegar a puntos que las otras series,
no pudieron llegar, o se quedaron inconclusas, la cuestión conceptual se debe tener muy
clara, la idea mas sencilla puede generar un trabajo profundo, para llegar a conclusiones
que beneficien tu trabajo, primero la obra debe decir cosas a ti y luego a los demás,
espero que mi obra se inserte en otros escenarios, es relativamente fácil exponer en
Veracruz o Xalapa, todos somos amigos, pretendo con este trabajo mostrarlo en otros
tipos de escenario, ya lo he llevado al extranjero pero el filtro del idioma, el no entender
lo que están diciendo los demás, no termina por enriquecer tanto la experiencia, pero si
lo llevamos a un lugar donde pueda haber un intercambio de ideas, donde te puedan
hacer un comentario que te sirva, eso te hace crecer más, que el simple halago o
apapacho.
Obra
Israel Barrón

3 4
1. Barbie sólo quiere divertirse (Tríptico) 3. No sé la diferencia entre un pollo y un pollito
Acrílico / Papel Óleo / Madera
50 x 140 cms 120 x 140 cms
2005 2005
2. Historias de un soldado de plástico (Tríptico) 4. Sin titulo
Óleo / Madera Óleo / Tela
70 x 121 cms 200 x 180 cms
2005 2004
Leticia Tarragó

Taller de Leticia Tarragó

4 de octubre de 1940. Orizaba, Veracruz

Estudios

1954-59 Estudia pintura en la Escuela de Pintura y Escultura de Instituto Nacional de

Bellas Artes, México, DF.
1960-63 Estudia Grabado en el Centro Superior de Polonia, en la Academia de Bellas
Artes de Varsovia, bajo la dirección de Henrik Tomaszewsky y Tadeuz Kulisiewicz.
1968-70 Reside en Suiza y en Holanda en donde trabaja con un grupo de grabadores
holandeses.

Premios

1958 Primer Premio de Cartel en el Concurso convocado por la compañía KLM y el

Diario Exelsior.
1963 Primer Premio de Grabado Nuevos Valores del Salón de la Plástica Mexicana.
1967 Premio Nacional de Grabado.

Exposiciones Individuales

1959 Galeria Proteco, México, DF.

1964 Galería de la Universidad de Puerto Rico, San Juan de Puerto Rico
1964 Salón Debiutow Varsovia, Polonia.
1966 Salón de la Plástica Mexicana, México. DF.
1971 Galería Plástica de México, DF.
1972 Galería T.P.S.P Varsovia, Polonia
1973 Down Town Galery, Hawai; Galería de la Alianaza Francesa y Universidad
Veracruzana, Xalapa, Veracruz, Museo de la Ciudad, Veracruz
1974 The Gallery, New Orleáns
1976 Galeria de la Universidad Veracruzana, Xalapa, Veracruz; Museo José Clemente
Orozco, México, DF.; Galería Lourdes Chumacera, México, DF.
De 1981 a 1999 destacan: The 906 Gallery, New Orleas, Mexican Institute en Washinton,
DC; Museo de la Ciudad de León Guanajuato; Museo del Pueblo de Guanajuato; Salón
Guadalajara, Guadalajara, Jalisco; Instituto Veracruzano de Cultura, Veracruz, Ver.
Centro Cultural Fátima Garza García, Nuevo León; Casa del Siglo XX, Chihuahua,
Chihuahua.
2000 Homenaje a Leticia Tarragó: Profeta en su Tierra, Museo San Felipe Neri del IVEC.
Orizaba, Veracruz.
2001 Por iniciativa del Embajador de México en Yugoslavia inicia. Exposición Itinerante
por diversas ciudades de Europa comenzando en Belgrado y continuando en algunas
ciudades Serbias a finales del mismo año 2002 esta exposición visitará entre otras
ciudades Budapest, Hungría; Bucarest, Rumania; Viena, Austria y Beirut, Libano.
En el mismo año 2002 expone una muestra gráfica de su sobra en las ciudades de
Cancún, Chetumal y Cozumel, México.
Actualmente colabora como investigadora de la Universidad Veracruzana
1 4

2 5

1. Tres en el paisaje
Grabado en acrílico
50 x 60 cms 1963
2. Ilustración para cuento infantil
3. La Ilusión
Grabado en metal
22 x 18 cm 1968
4. La novia
Grabado en acrílico
45 x 50cm, 1979
5. De la serie el hombre de los hongos
Óleo 2005
3
Li Gutiérrez

8 de marzo de 1953. México, D.F.

Júpiter 11, entre Campeche y Tampico

Jardines de Mocambo
94299 Boca del Río
Veracruz, Méx.
Teléfono:(229) 922 0277 (229) 922 5846

E-mail _ligutimx@yahoo.com.mx liguti@terra.com.mx

Estudios

1964-68 Artes Plásticas

Academia Rembrandt, México D.F.
Mtro. Luis Ramos Sandoval

1969-03 Docencia de Pintura Infantil y cursos de esta especialidad a maestros

de pre-escolar y primaria en centros culturales y pedagógicos.
Docencia de Pintura para adolescentes y adultos en taller particular y
cursos especiales para instituciones y empresas.

1970-77 Concertismo de Guitarra Clásica

Estudio de Arte Guitarrístico, A.C., México D.F.
Mtro. Manuel López Ramos
1972-75 Licenciatura en Matemáticas (6 semestres)
Facultad de Ciencias
Universidad Nacional Autónoma de México, México D.F.

1973-85 Diseño Gráfico:

-Diseñadora, Depto. de Arte y Diseño (2 años)
Instituto Nacional de Bellas Artes, México D.F.
-Jefa del Depto. de Diseño de la Dirección General de Divulgación
Universitaria (7años)
Universidad Nacional Autónoma de México, México D.F.
-Free-lance

1979-83 Investigación conjunta con el Centro de Asesoría Educativa, A.C.,

sobre la aplicación de programas de Artes en escuelas de pre-escolar y
primaria.

1979-87 Taller de Pintura de Lucille Wong (sistema Robin Bond)

México D.F.

1986 Taller de Escultura (talla directa y modelado)

Mtro. Luis Arturo Barreiro
México D.F.

1991 Taller de Cine con práctica en video,

Museo Carrillo Gil, México D.F.
Mtro. Sergio García

1995 Taller especial de Adobe Photoshop

Dimensión Tecnológica, Espacio Macintosh. México D.F.

1996 Curso Adobe Photoshop Avanzado

Mac Train, Centro de Entrenamiento Apple, México D.F

2004 Curso de Arte Contemporáneo, Mtro. Josué Martínez

Veracruz, Ver.

Exposiciones individuales

1984 “Pasteles, monotipos y dibujos”

Estudio Sotomayor, México D.F.

1985 “Las luchas del Perro, Xochimilco y otros perros”

Galería Le Tiff, México D.F.
1987 “Ginequus”
Galería Kansas, México D.F.

1988 “Feminanda”
Instituto Cultural Domecq, México D.F.

“Astratos y Serratianas”
Galería Kansas, México D.F.

1990 “Peccata Minuta”

Galería Kansas, México D.F.

1992 “Galería de Vampiros”

Centro Cultural “La Casita”, México D.F.

1994 “Galería de Vampiros”

Estación Tacuba, Sistema de Transporte Colectivo
METRO, México D.F.

1996 “Galería de Vampiros”

Restaurante Ligaya, México D.F.

2003 “Li Gutiérrez en el Oxygen Lounge”

Boca del Río, Veracruz.

2003 “Camino a San Bartolo (2 etapas)”

Centro Cultural Atarazanas, Instituto Veracruzano de la
Cultura,Veracruz, Ver

2003 “Camino a San Bartolo” (2 etapas)

Centro Cultural Trillas
Veracruz, Ver.

2003 “Galería de Vampiros”

Oxygen Lounge, Boca del Río, Ver.

2004 “Obra reciente”

Hostería Italiana Sfizio
Boca del Río, Ver.

2004 “Cañaver-al”
Capilla del Instituto Veracruzano de la Cultura
Veracruz, Ver.
2004 “Cañaver-al”
Galería (IVEC) del Aeropuerto Internacional Heriberto .
Heriberto Jara, Veracru, Ver.

2004 “Selección de obras”

Galería Interior Natural
Veracruz, Ver.

2004 “Selección de obras”

Galería de IL Veneziano
Boca del Río, Ver.

Exposiciones colectivas

1985 Subasta Pro-damnificados del Terremoto,

IMEVISION, México D.F.
1987 VI Muestra Anual de Arte
Asociación de Colonos de la Herradura,
Estado de México.
1988 VII Muestra Anual de Arte
Asociación de Colonos de la Herradura,
Estado de México.
1989 Subasta Anual Patronato de Apoyo Social
Industrias Vinícolas Domecq, S.A. de C.V.
México D.F.
1994 “¡Aguas! Las Mujeres”
Centro Cultural El Juglar
México D.F.
1995 “El mismo loco afán”
Centro Cultural El Juglar
México D.F.
2001 “Exhibition of American artists”
Galerie Gora
Montreal, Canadá
2001 “Expo-venta Navideña”
Instituto Veracruzano de la Cultura
Veracruz, Ver.
2002 “La vida es un Carnaval”
Instituto Veracruzano de la Cultura”
Veracruz, Ver.
2003 “Rostros de Carnaval”
Instituto Veracruzano de la Cultura”
Veracruz, Ver.
2005 “Mujeres, Mujeres”
Museo de la Ciudad
Veracruz, Ver.
Promoción cultural

De 2003 a la fecha ha ejercido una importante labor de Promoción

Cultural con empresas de la iniciativa privada y medios de
comunicación, siempre a la búsqueda de espacios alternativos para
hacer llegar exposiciones de diferentes géneros como pintura,
fotografía, cerámica, escultura, instalación, etc. a un público que
normalmente no es asiduo a las galerías y museos, buscando por
este medio generar la cultura del conocimiento y respeto al arte y al
artista, así como crear la cultura del coleccionismo, que en esencia
significa una manera de inversión y contribuyendo así a la
promoción y difusión del arte en la zona conurbada Veracruz-Boca
del Río, dando cabida al trabajo de artistas tanto locales como
foráneos.

Premios

1964 Primer Lugar (categoría 5º. Grado)

Concurso Nacional de Dibujo
Asociación Nacional de la Publicidad

1969 Primer Lugar (Categoría Pintura)

Concurso de Pintura y Dibujo de la ESPCM, México D.F.
Jurado: Arturo Rivera, Elaine Menassé y Enrique Martorell.

2004 Premios Nuestra Gente Veracruz

Por Promoción Cultural

Particpación en las listas de artistas de las siguientes galerías desde 2001:

-GALERIE GORA
460 Ste. Catherine West, suite #305
Montréal QC Canada H3B 1A7

-PAPP GALLERY INC.

560 Broadway, suite #304
New York, NY 10012, USA
-ALEXANDER PATRICK FINE ARTS
4816 SW 72nd Avenue
Miami, FL 33155, USA

-ARTSPACE / VIRGINIA MILLER GALLERIES

169 Madeira Avenue
Coral Gables, FL 33134

-ABSOLUT ART / TBWA / CHIAT

488 Madison Avenue, 7th floor
New York, NY 10022, USA
Reflexión
Li Gutiérrez, pintora mexicana que plantea una búsqueda personal del
espacio, de las texturas y del color, elementos básicos en su lenguaje
pictórico, además de envolverlo con su propio lenguaje humorístico que
libera la tensión visual del barroquismo que ella trabaja de una manera
sustancial.

El espectador es invitado a reflexionar en estos puntos de inquietud sobre el

espacio, ese es el gran reto, el manejo del espacio libre que va adquiriendo
su dimensión, algo que Li transforma en sus obras; esto también la presenta
como una artista que rechaza todo aquello que se encuentra encasillado,
limitado y encerrado; por lo tanto, los objetos que utiliza con líneas muy
marcadas que forman elementos geométricos, los suaviza y libera a través
de estos colores intensos, iridiscentes, metálicos, que llevan al espectador a
olvidar aquella rigidez que por trazo se hubiera manifestado en algunas
figuras, permaneciendo lo impredecible de los colores que se transforman
por los distintos puntos de observación que el espectador proponga.

Al entrar al mundo de Li, queda muy clara su inquietud por la autenticidad

del artista a través de trabajo, su ruptura con lo académico, con las reglas y
con los conceptos preestablecidos.

La propuesta plástica de Li Gutiérrez va marcando la introducción de

nuevos formatos y soportes a su obra, procurando llevar estos elementos a
lo espontáneo y a lo impredecible; esto reflejan los cambios que ella busca
en su estilo personal y que la invitan a otro tipo de propuestas creativas en
su oficio de artista en el siglo XXI.

Lic. Rocío Vidal

Lic. en Historia del Arte, Crítica de Arte, Coordinadora de la carrera de
Diseño Gráfico en la Universidad Anáhuac del Sur, México D.F.
Obra
Li Gutiérrez

1.-Bloody caña.
Acrílico y grafito/papel
50 x 70 cm
2004
2.-Esto me pasa por salir tan tarde.
Acrílico y pastel/papel
50 x 108 cm
2002
3.-Fermentacha
Acrílico y grafito/papel
3 70 x 50 cm
2004
4.-La segunda mordida.
Acrílico/tela
1.20 x 1.80 m
2002
Luís Mellado

Fotografía Gustavo Pastrana

1° de mayo de 1962. Veracruz, Ver.

Col. Y Av. Chapultepec #255 entre Córdoba y Alvarado, Veracruz, ver
01 (299) 935 7118 Celular 044 (229) 1485007

Estudios Realizados:

Escuela de artes Plásticas del INBA Veracruz (1984 – 1989)

Estudiando las materias de: pintura, escultura, serigrafía, dibujo al natural y grabado

Cursos Realizados

• D e integración plástica, técnicas, Impartido por Octavio Bajonero Gil

• De serigrafía, impartido por Miguel Ángel Luna Ortega
• Seminario sobre Administración para Artes Plásticas, impartido por Felipe
Ehrenberg
• Técnicas y Materiales de Expresión Plástica, impartido por Adrián Villa Gómez
Levre
• Dibujo y composición, impartido por Vinicio Reyes
• Introducción al dibujo artístico, impartido por Perl Anderson
• Grafica experimental, impartido por Alfonso Moraza Borrell
• Curso experimental de color, impartido por Arturo Rodríguez Döring
• Curso de dibujo de figura humana, impartido por Ricardo Morales López
• Taller de experimentación plástica, impartido por Alberto Castro Leñero
• Taller de Instalación, impartido por Miguel Ángel Corona de Alba
• Taller de pintura al Óleo, impartido por Alberto Castro Leñero
• Curso de Grafica, impartido por Alfonso Moraza Borell
• Curso de Instalación ,impartido por Helen Escobedo

Exposiciones Individuales
• En la escuela de Artes Plásticas , Veracruz (1996)
• En el restaurante Bar “felhers” Tlacotalpan, Veracruz (2000)
Exposiciones Colectivas

• Galería Museo de la ciudad de Veracruz (1985)

• Desde Veracruz el arte, sala oriente del Instituto Veracruzano de Cultura (IVEC)
(1987)
• Sala de Exposiciones “Rufino Tamayo” (IRBAO) Orizaba, Ver. (1987)
• Ofrendas de muertos, Galería del Baluarte de Santiago (1988)
• Muestra Plástica “eternidades” Castillo de san Juan de Ulúa, casa del
Gobernador, Veracruz (1991)
• Día de muertos, recinto de la reforma, Veracruz (1991)

• El carnaval visto por los pintores porteños, Rincón de la trova, Veracruz (1993)
• Mundo interno y externo, Hospital Psiquiátrico “Fray Bernardino Álvarez”
México, DF. (1994)
• Muestra Plástica Italli (iluminación) Boca del río, ver. (1995)
• Ex- Alumnos de la Escuela Municipal de Artes Plásticas, Recinto de la reforma,
Veracruz (1995)
• Pintura, poesía y video: “ Entre la espalda y la pared” Lugar: Yesterday Bar ,
Veracruz (1995)
• Exposición Plástica , semana Lésbico-Gay, casa Salvador Díaz Mirón, Veracruz
(1996)
• Exposición Plástica, pintores porteños, Edificio de “las Atarazanas” Veracruz
• Exposición Plástica, bajos del edificio “trigueros” Veracruz (1998)
• Exposición de Instalaciones, altares y ofrendas a los fieles difuntos, Edificio “las
Atarazanas” Veracruz (1999)
• Exposición de instalaciones “Carnaval zona libre” lugar callejón de la lagunilla ,
Veracruz (2000)
• Exposición de instalaciones viacru-sex. Lugar callejón de la lagunilla Veracruz
(2000)
Reflexión

Mi trabajo consiste en hacer trasparencias, trabajo mucho la figura humana por que creo
que es un elemento inagotable, la transparencia esta manejada como los recuerdos que
se van colocando uno encima de otro, se trasparenta se ven, como lo que sucede en
nuestro cerebro, que no desecha los elementos importantes si no que los deja detrás y
cuando se observa detenidamente, deja que se vean adelante, el aire es un elemento muy
importante por eso lo utilizo mucho en los trabajos que realizo sobre todo instalaciones,
el aire para mi significa movimiento con eso intento decir los hechos o las cosas que no
suceden tienen un lapso de tiempo, entonces pueden ser efímeros o con un tiempo
relativamente largos pero se van traslapando los acontecimientos en nuestro cerebro y
nuestra vista, siempre las veladuras para mi son esa delicadeza con la que se va
formando nuestro pensamiento nuestra inteligencia y por muy sutiles que sean siempre
se quedan.
Obra
Luis Mellado

1 3

2 4
1. No es sueño
Óleo sobre tela
100 x 80 cms.
2. Extraño poder
Óleo sobre tela
100 x 80 cms.
3. El niño
Óleo sobre tela
100 x 80 cms.
4. Carne
Óleo sobre tela
80 x 65 cms.
Magali Goriz Mayans

Sierra #407 Frac. Costa de oro. Boca del río, Ver. (29) 921-81-60.

Sumario
Nace en Tijuana, Baja California el 12 de junio de 1962. Comienza con talleres de
pintura y dibujo desde la edad de 13 años, egresada de la escuela municipal de Bellas
Artes del Puerto de Veracruz. Fundadora en el año de 1996 del taller Verarte. Ha
tomado diversos talleres de grabado en metal, en acrílico; ha incursionado en la
escultura y la fotografía. Actualmente toma un taller de pintura con el maestro Manuel
Velázquez.

Trayectoria académica

• Galería Alzara 1974.

• Óleo y pastel con la maestra Begoña Escondrilla (5años).
• Curso de óleo y pastel con Olga Pavón. (1993-1996)
• Fundadora del grupo Verarte 1996.
• Curso de perspectiva con el maestro Antonio Mena 1997.
• Curso de acuarela con el Profesor Antonio Mena 1998.
• Estudios en la escuela municipal de artes plásticas 1999-2003
• Curso de grabado en acrílico con la maestra Leticia Tarrago 1999.
• Curso de grabado en linóleo con el maestro Flavio Hernández. 2001-2003.
• Taller de dibujo y figura humana con la Maestra Gloria Banda.
• Taller de dibujo y figura humana con la Maestra Gloria Banda.
• Taller de dibujo con el maestro Israel Barrón.
• Curso de grabado en metal. Maestra Sofía García Ramos.2004.
• Seminario de curaduría con Graciela Kartofel.
• Seminario de Arte contemporáneo. Lic. Josué Martínez.
• Curso de Seminario de fotografía, maestro Enrique Pérez.
• Taller con el Maestro Manuel Velásquez. 2005.
Exposiciones individuales
2005 Necromancia. Facultad de
Artes Plásticas. Universidad Veracruzana

2004 Estética. Café SORBETO Colon Veracruz, Ver.

Exposiciones individuales
2005 XII Festival de Artes Plásticas.
Tuxtla Gutiérrez, Chiapas

2005 Centro cultural Atarazanas.

“El Danzón en Veracruz”.

2005 Museo de la ciudad. Veracruz.

“mujeres, mujeres”.

2004 Instituto veracruzano de cultura.

“Homenaje a Frida Kahlo”.

2004 Instituto veracruzano de cultura.

“Rostros de carnaval”.

2001 Recinto de la Reforma.

Escuela de Artes plásticas.
Grabado y escultura.

2000 Recinto de la Reforma.

Escuela Municipal de Artes Plásticas.
Dibujo y grabado.

1999 Hotel Mocambo.

“México a través de nuestros ojos”.
Grupo Verarte.

1998 Casa “Salvador Díaz Mirón”.

Grupo Verarte.

1997 Hotel Mocambo.

“Sentimiento y Color”.
Grupo Verarte.

1996 Plaza Mocambo.

“Arte y sentimiento”.
Grupo Verarte.
1995 Casa de cultura Puebla.
“Imágenes de nuestra raza”.
Grupo Verarte.

1994 Recinto de la Reforma.

“14 + 2 en el Arte”.
Grupo OPA.

1993 Teatro Fernando Gutiérrez Barrios.

“14 + 2 en el Arte”.
Grupo OPA.

Premio de adquisición. XII Festival de Artes Plásticas.

Tuxtla Gutiérrez. Chiapas. México. (2005)

Correo electronico:maga_goris@hotmail.com
Reflexión

Después de trabajar con el blanco y negro, necesito hablar, tengo muchos proyectos ,
quisiera hablar de muchas cosas, tal vez mas sobre la muerte o el salitre ,necesito
textura y movimiento, la obra de “Necromancia” representa un estado que estaba
viviendo de blanco/negro y vida/muerte , pero necesito cambiar por que necesito color,
vida y creo que voy a seguir por eso camino, ahora quiero textura, no puedo separar la
cuestión social de lo estético a veces se mezcla o se separa, para mi es importante la
humanidad, no puedo negar mi realidad, tiene que salir lo que estoy viviendo.
Obra
Magali Goriz Mayans

1 3

2 4
1. Sin título
Óleo y acrílico
70 x 90 cms
2. Sin título
Óleo y acrílico
70 x 90 cms
3. Necromancia
Óleo y acrílico
70 x 90 cms
4. Necromancia
Óleo y acrílico
70 x 90 cms
Margarita Cházaro

Fotografía Gustavo Pastrana

1962. Tlacotalpan, Ver.

Inicia estudios de cerámica y fotografía en Londres, Inglaterra. Cursa la carrera de

cerámica en la Escuela de cerámica y porcelana de Toluca (MOA) donde se especializa
en esmaltes y pastas para alta temperatura con el maestro Yusuke Suzuki.

En 1989 funda el taller Mandinga cerca del puerto de Veracruz.

Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en diferentes ciudades de

México, California, Washington, Texas, Filadelfia y Nueva York; de las cuales
destacan:
2002 Individuales Simultáneas, Centro Cultural Casa Principal, Veracruz, Ver.
2002-2003 Clay Sculpture Nine Visions, Instituto Cultural Mexicano, Washington
D.C. (itinerante)
2002 Sculpture objects & Funcional Art SOFA; Nueva York.
2003-2004 1era Bienal de Cerámica Utilitaria, Museo Franz Mayer, México D.F.
(itinerante).
2002-2004 Mirar al Sur, Creadores del Sureste Mexicano, CONACULTA-CENART
(itinerante)
Obra de gran formato Intersticio, artista fundadora del Jardín de las Esculturas, Jalapa,
Ver.
2000 Participó en el 3er Coloquio Sentidos y Modos de Arte “La cerámica en la
Escultura”.
2001 Encuentro de Cerámica Interamericano 2001 en el Jardín de las Esculturas,
Xalapa, Ver., y Centro Cultural Casa Principal, Veracruz, Ver.
1988-1989 Obtiene la beca de Creadores con trayectoria del Fondo Estatal para la
Cultura y las Artes de Veracruz.
2004-2005 Seleccionada en el Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones
Culturales CONACULTA-FONCA.
Ha impartido cursos de esmaltes a ceramistas en Cuernavaca, Mor., Xalapa y Veracruz.

Exposiciones individuales
2004 Alegoría del Bar, Salón Casanova Il Veneciano, Veracruz, Ver.
2002 Individuales Simultáneas Hijos del Montón, Centro Cultural Casa Principal,
Veracruz, Ver. (Exposición itinerante).
2001 Casa de Piedra, Jardín de las Esculturas, Xalapa, Ver.
2000 Paisajes Térreos, Casa de las Diligencias, Toluca, Edo. de Méx.; Librería Pegaso,
en Casa Lamm, México, D.F.
1999 Paisajes Térreos, Centro Cultural Casa Principal, Veracruz, Ver. Con el apoyo del
Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Veracruz.
1995 Obra reciente, Norman Place, Los Ángeles California, E.U.A.

Exposiciones colectivas
2005 Primer Aniversario Centro Veracruzano de las Artes Hugo Arguelles, Veracruz,
Ver.
2004 Un cuarto para Doce Fridas, Centro Cultural Los Lagos, Xalapa, Ver.
Exposición de Artistas Fundadores, Sexto Aniversario del Jardín de las
Esculturas, Xalapa, Ver.
2003 Siete mundos Cerámica Veracruzana, Biblioteca Universitaria Raúl Rangel Frías,
Monterrey, N.L. (Itinerancia internacional)
1era. Bienal de Cerámica Utilitaria, Museo Franz Mayer, México, D.F. (Itinerante)
2002 Clay Sculpture México-US, Mexican Cultural Institute, New Cork, N.Y. E.U.A.
Quinta Exposición de Escultura, Objeto y Arte Utilitario SOFA, New Cork, N.Y.
Nine Visions Clay Sculpture, Mexican Cultural Institute, Washington, D.C.
E.U.A.
2001 Cerámica en Pequeño Formato, Encuentro de Cerámica Interamericano, Centro
Cultural Casa Principal, Veracruz, Ver.
2001 Con las manos en la Masa, Club de Leones, Veracruz, Ver.
1999 Expo-Venta de Arte, a beneficio de los niños indígenas del Totonacapan, Instituto
Veracruzano de la Cultura, Veracruz, Ver.
Expo-Venta de Arte, Pinacoteca Diego Rivera, Xalapa, Ver.
1988 Safari Artístico, Librería Pegaso, en Casa Lamm, México, D.F.
El Arte de las Mujeres Veracruzanas, Casa Principal, Veracruz, Ver.
Escultura en Cerámica Artistas fundadores, Jardín de las Esculturas, Xalapa, Ver.,
Intersticio Obra en colección, Jardín de las Esculturas, Xalapa, Ver.
1997 Del Trópico y Otras Faunas, Librería Pegaso, en Casa Lamm, D.F.
Los Caminos de la Forma y del Volúmen, Galería de Arte Contemporáneo,
Xalapa, Ver.
Expo-Venta de Arte, Instituto Veracruzano de la Cultura, Veracruz, Ver.
Reflexión

Actualmente estoy trabajando con la porcelana, de las pastas de alta temperatura, ésta es
la que me ofrece el mayor reto, por su bajo grado de plasticidad las piezas se pueden
rajar con gran facilidad.

La porcelana es complicada y me identifico con ella porque creo que es parte de cómo
soy, siempre busco el camino más difícil y a veces me meto en unos líos tremendos para
realizar mi obra, sufro, pero al final la enorme satisfacción de lograr mi objetivo. Aún
así me encanta trabajar con este material con el cual se logra obtener superficies
totalmente suaves y lisas que no se obtienen con ninguna otra cerámica, su sensualidad
me tiene atrapada, además de poder utilizar esmaltes que solamente se dan con la
porcelana, como el craquelado y el de la cristalización de zinc.

Estoy trabajando en una instalación muy grande de 100 fragmentos de cuerpos de

mujeres que se llama “Flores en el desierto”, gracias a la beca que tengo del FONCA y
escogí para algunos fragmentos el esmalte de cristalización de zinc, el más difícil de
todos porque se requiere de mucha precisión técnica.

La reflexión que siempre hago es de no conformarme, ir más allá, arriesgarme, de lograr

lo que me propongo aunque mi obra y yo seamos complicadas.
Obra
Margarita Cházaro

1. Flores en el desierto
2. Hijos del montón
3. Paisajes Térreos
Instalaciones

2
María Elena Lobería

María Elena Lobeira es una pintora originaria de Veracruz, estudió dibujo y pintura en
la Escuela de Artes Plásticas. Actualmente asiste al taller de Dibujo y Pintura del
Maestro Israel Barrón en La Casa Principal. Ha participado en las siguientes
exposiciones:

Festejos Culturales Aniversario del Instituto Franklin. Museo de la ciudad de Veracruz.

Colectiva Galería Tierra Adentro México, D.F. Grupo RAC (Realizadores de Arte y
Cultura) 1980.

Plástica de la Ciudad de Veracruz Grupo RAC 1980.

Colectiva Casino Naval. Grupo RAC.

Concurso Nacional de Pintura Aguascalientes 1980.

“En el Umbral”. Individual Museo de la Ciudad de Veracruz 1981.

Colectiva Salón Azul Grupo RAC.

Colectiva Teatro Clavijero en honor de artistas y escritores cubanos grupo RAC.

“Oleos y Carboncillos” Retrospectiva Recinto de la Reforma por V Centenario

Encuentro de Dos Mundos.

Colectiva Central Nucleoeléctrica Laguna Verde 2002.

Colectiva “Animalias” Centro Cultural Casa Principal 2002.

Colectiva “Los Colores de la Muerte” Centro Cultural Atarazanas 2002.

“De Sombras y Asombros” Colectiva Dibuja Casa Principal 2003.

“El Carnaval” Colectiva Centro Cultural Atarazanas.

“El Exvoto Contemporáneo” Colectiva Centro Cultural Atarazanas 2003.

“Solilóquios de la Duda” Individual Aeropuerto Heriberto Jara Veracruz 2003.
Individual Planta Nucleoeléctrica Laguna Verde 2004.

“Una Visita al Mundo de Maria Elena Lobeira” Individual Galería de la USBI 2004.

“Homenaje a Frida Kahlo” Colectiva de Mujeres IVEC.

“Mujeres Mujeres” Colectiva Museo de la Ciudad Veracruz.

Reflexión

Realicé mis estudios en la escuela de Artes Plásticas del Puerto a la que asistí para
adquirir las herramientas que me permitieran llevar al lienzo mis ideas; me gusta
interiorizar lo que me rodea y considero mi pintura como muy personal. Uso diversos
formatos y técnicas según las necesidades de la obra, diversas texturas, óleo, encáustica,
acrílico, carbón y pintura en porcelana.

Acerca de los aspectos de la pintura en el Puerto considero que existen todavía muchas
carencias, ya que el artista no logra desarrollarse plenamente por diversos motivos, uno
de ellos el económico.

Me gustaría que los jóvenes artistas obtuvieran logros en otras latitudes con
conocimiento del proceso que hay hoy en las artes plásticas ,que pudieran acceder a
becas y sobre todo que lo hicieran con el gran amor y pasión que ello lleva.

Al ser la Señora María Elena Lobeira parte de una familia amante de la pintura y
de la cultura en general, le solicitamos una reflexión también sobre su padre como
pintor:

Amadeo Lobeira Castro. Se formó en la pintura de manera autodidacta, tomando

posteriormente unas clases con el pintor y grabador Luís García Robledo, director
fundador de la escuela de Artes Plásticas del INBA en Veracruz.

Formó parte de diversas exposiciones en la galería municipal del Puerto que se

encontraba en la planta baja del edificio Trigueros, bajo la dirección de la maestra Hilda
Colar. Participó en dos concursos nacionales, en la ciudad de Saltillo con su obra
“Pescados” por la que obtuvo mención honorífica y en la ciudad de México su cuadro
“La Piedad” le otorgó un diploma en atención a sus relevantes cualidades plásticas,
siendo uno de los jurados David Alfaro Siqueiros.

Su producción pictórica abarca unas 130 obras; en sus pinturas abordó diversos temas,
naturalezas muertas, crítica social y personajes que deambulaban en la zona de
pescadería.

Su obra evolucionó de una pintura figurativa realista hacia un expresionismo.

Obra
María Elena Lobería

1 2

3 4

1. Recuerdos hilvanados
Mixta/lino
Medidas: 80X90 cms.

2. Modelo desarmable
Técnica Mixta/madera
Medidas: 72X82 cms.

3. Duelo
Mixta/lino
Medidas: 80X90 cms.

4. Metamorfosis. Abdicación.
Mixta/madera
Medidas: 90X70 cms.

5. El paraíso tropical.
Mixta/madera
Medidas 100X120 cms.
5
María de Lourdes Azpiri

Calle 28 No.8, Costa Verde. Boca del Río, Ver. México

(01)(229)9215570 correo electrónico. yuyiazpiri@hotmail.com
18 de mayo de 1952. México, D.F

Estudios y Actualización Académica. (selección)

2005 Taller de instalación Capilla IVEC. Veracruz Ver.
Helen Escobedo.
2005 DataLab -introducción al arte electrónico - Edusala
CEVART–CONACULTA, CENART.
2004 Introducción a las ideas Estéticas – Edusala
CEVART–CONACULTA, CENART. Alberto López Cuenca
2004 Proyecto de producción plástica colectiva – Actualización
teórico-práctica con especialistas académicos.(proyecto de
beca). Othón Téllez, Mónica Mayer, Teresa Olabuenaga, Ana
Lilia Michel, Cesar Villanueva, Silvia Barbescue
2004 Actualización docente. Procesos de investigación y
desarrollo de proyectos- Lic. Pablo Hernández Vignón.
2002 Curso sobre la teoría de la Gestalt- Vivian Cybula Goldberg
1997-2001 Lic. Arquitectura de Interiores - Centro de Estudios Gestalt.
2001 Taller de Pintura. Maestra Patricia Soriano Troncoso
2001 Taller de Teoría del Arte. Maestro Othón Tellez
2000 Taller de Artes Visuales. Maestra Graciela Kartofel
1999 Taller de Pintura al Óleo. Maestro Alberto Castro Leñero
1999 Taller de Instalación. Maestro Miguel Angel Corona
1998 Taller de Experimentación Plástica. Maestro Alberto Castro
Leñero
Taller de Técnicas y Procesos del Dibujo Actual. Maestra
Patricia Soriano
1998 Taller sobre Collage. Maestro Alfredo Flores Richaud
1985 Integración Plástica. Maestro Octavio Bajonero
1982 Dibujo de la figura humana. Maestro Raúl Arjona
1981 Xilografía. Maestra Leonilda Gonzalez
1980 Grabado. Maestro Jesús Torres Kato
Exposiciones individuales (selección)
2004 Forma-trans-Forma, World Trade Center Veracruz Ver.
2003 Color-Calor, Centro Cultural Trillas, Veracruz, Ver.
2001 Sentidos Figurados, Centro Cultural Casa Principal, Veracruz, Ver.
2000 Transfiguraciones, Circuito Casas de Cultura por el Estado de
Veracruz.
1998 Puro trópico, Sala de arte Xanatl, Universidad Cristobal Colón,
Veracruz, Ver.
Puro trópico, Galería Ramón Alva de la Canal, Xalapa, Ver.
1996 De mi trópico, Las Atarazanas, Instituto Veracruzano de Cultura,
Veracruz Ver.
Naturaleza y mujer, Galería el Ágora, Xalapa, Ver.
Naturaleza y mujer, Galería la Capilla, Córdoba, Ver.

Exposiciones colectivas (selección)

2005 Colectiva de Aniversario, 1er. aniv. CEVART, Centro Veracruzano
de las Artes, Veracruz Ver.
2005 Tocadas por el deseo, Colectiva de artistas Veracruzanas, Galería
de Arte Contemporáneo de Xalapa Ver.
2005 Hospitalataria, instalación colectiva bajo dirección de Helen
Escobedo. Capilla del I.V.E.C. Veracruz Ver.
2005 Muestra colectiva de inauguración, Centro Cultural de Boca del
Río Ver.
2004 Otras miradas, Centro Cultural Casa Principal. Veracruz Ver.
2003 Mirón y el Mar, Intervenciones en las calles. Veracruz Ver.
2002 Puerto de Cambio, Colectiva de resultados de beca -Producción
Plástica Colectiva, Centro cultural Casa Principal, Veracruz Ver.
Ha participado en más de cuarenta exposiciones colectivas en los estados de Veracruz,
Jalisco, Edo. de México, Chiapas, Michoacán y ciudad de México.

Premios y distinciones
2005 Coordinadora y promotora de la galería del Centro Cultural de
Boca del Rio. Ver.
2003 Seleccionada para participar en la 4ª. Bienal del sureste Chiapas
2003 Becaria por el F.O.N.C.A. Proyecto de producción plástica colectiva
con disertaciones académicas.
2000 Seleccionada para participar en la 2a. Bienal del Sureste en Tuxtla
Gtz.Chiapas.
1995 Finalista del certamen nacional Color Agua y Papel. Compañia Sun
Chemical.

Docencia
Actualmente imparte las materias de Ilustración, teoría del
color, dibujo y teoría de los fundamentos del diseño y
composición, en el Centro de Estudios Gestalt.
2005 Imparte taller de estampado y diseño textil en el Congreso
Nacional UNIMODA C.E.G. Veracruz
2004 Imparte módulo de Teoría del Color en diplomado de
Interiorismo
2004 Imparte modulo de estampado textil en diplomado de
Diseño de la Moda
1994-1998 Maestra de taller de pintura avanzado -- Universidad
Cristóbal Colón Veracruz Ver.
1993-1994 Catedrática, Universidad Villa Rica. Auxiliares de expresión.
Veracruz Ver.
1993 - hoy Catedrática del Centro de Estudios Gestalt para el Diseño,
Veracruz, Ver.
Ha recibido en varias ocasiones mención académica por
evaluación docente.
Reflexión
Después de veinte años de producción plástica ininterrumpida, sin haber tenido una
formación escolarizada en las artes plásticas, he tenido recientemente la oportunidad de
realizar una serie de reflexiones en torno a mi propia producción, esto debido a un
programa de profesionalización de las artes, mediante la realización de un proyecto
colectivo de producción con disertaciones académicas con especialistas.
Esta nueva etapa en mi vida profesional ha despertado en mí un interés en los aspectos
teóricos que me han permitido poder analizar de manera seria y fundamentada los
contenidos temáticos, estéticos y artísticos de mi propia producción y a reflexionar acerca
de mis aciertos y fallas, esto ha dado como resultado una nueva manera de ver los
productos artísticos, un nuevo modo de conceptuarlos lo que me ha llevado a constantes
cuestionamientos e inconformidades acerca mis propios resultados, el comenzar a realizar
una producción reflexiva, me estimula a preguntarme día con día, cuáles son mis
motivaciones y mis finalidades al formar parte de este nuevo compromiso.
En esta nueva etapa de producción, tengo la inquietud de plasmar desde mi discurso visual
la visión de mi territorio vivencial como jarocha, donde intento conceptuar ese entorno de
color, calor, movimiento, ruido, sensualidad, junto con algunos elementos cotidianos. La
finalidad de esta producción actual es lograr plasmar una identidad local, llevada a un
discurso con propuesta contemporánea y cuya intención es alcanzar una representatividad
de la plástica porteña fuera del estado de Veracruz.
Obra
María de Lourdes Azpiri

Relación de obra:

1. Vías rápidas
Acuarela y plumón /papel
38X51 cms.
2
2. Ruta ancestral
Acuarela /papel
57X76 cms.

3. Mirilla
Acuarela y acrílico /papel
75X50 cms.

4. Mecánica interna
Acuarela y acrílico /papel
120X80 cms.

5. El juego continua
Acuarela, transferencia y plumón /papel
38X51 cms.

4
Micaela García Gálvez

22 de septiembre de 1964. Veracruz, Ver.

Popocatépelt 247-A Inf. Volcanes

Tel. cel. 044229911-82-33
Correo electrónico garvezmica@hotmail.com

Formación en Artes Plásticas.

2005 Taller de Elaboración de proyectos culturales. CEVART

Taller de Instalación Mtra. Helen Escobedo. Centro Cultural Casa Principal.
2004 Taller de curaduría Mtra . Graciela Kartofel .
Arte Electrónico Dátala Cenar Educación A distancia
Taller de Foto Salvador Flores Fototeca
Estética Programa Educación a Distancia Edusat . Centro de las Artes
2003 Taller de dibujo Especulativo Ricardo Morales IVEC-CONACULTA
1999-2003 Taller de dibujo Figura Humana Israel Barrón
2001-2002 Beca Producción Plástica Fonca Mtro. Othon Téllez

2001 Taller de Pintura Mtra . Patricia Soriano

Taller de Dibujo Mtro. Per Anderson
Taller de Teoria del Arte Mtro. Othon Téllez
Artes Visuales Mtra. Graciela Kartofel
Taller de Encáustica Mtro Oscar Gutman

1993-1995 Clase de figura Humana U.V. Oyente

Mtro . Per Anderson
Diseño Grafico Diplomado Esc . Gestal
Mtro. Antonio Pérez Ñico.
1999 Taller de Pintura Mtro. Alberto CAstro
2000 Taller de Instalaciones Mtro. M-Angel Corona
1998 Taller de dibujo Ricardo Morales CONACULTA – Ivec .
Taller de Pintura Mtra Patricia Soriano CONACULTA—Ivec
1990 Taller de Escultura Mtro. Jesús Mayagoitia Fonca –Ivec
1988-89 Taller de escultura T. L .Artes Plásticas Mtro . Avelino Gutiérrez
1987-89 Taller de Dibujo T. L . Artes Plásticas Mtro , Raúl Guerrero
1972-84 Escolaridad básica Primaria, secundaria, bachillerato
Exposiciones individuales
2005 Energías, cajas arte objeto y encáustica. Campus Torrente U. Cristóbal Colón.
2004 Energías. Cajas arte objeto, encáustica. Campus Calassanz U. Cristóbal Colón.
2002 “La Danza Festiva “ Cajas Arte Objeto I.V.E.C. Festival El carnaval.
1995 Dibujos Lápiz y Tintas Casa de Cultura Coatepec.

1994 Dibujos Lápiz y Tintas Museo de la Ciudad de Veracruz.

Exposiciones colectivas.
2004 Diciembre colectiva Casa de cultura Boca del Río, Veracruz.
Octubre “Otras miradas “ casa Principal.
1999-2004 Muestra Anual Rostros de carnaval Atarazanas
Homenaje a S.D.Miron Instalación
“De Sombras y Asombros Taller de dibujo Casa Princ.
Taller de dibujo Laguna Verde
2003 “Animalias “ Casa Principal Pintura
Primer Encuentro Nacional de F. Historia del Arte U.C.C.
Franarte Artistas Veracruzanos Pinacoteca Diego Rivera Xalapa.
Exp.-Venta Artista Veracruzanos I. Veracruzano De la Cultura

Exposiciones colectivas.
1999-2003 Muestra Anual Día de Muertos Pintura, Instalación, Escultura.
Atarazanas. IVEC
1998 Festival de las Artes Atarazanas. IVEC
1992 Ilustradores Tierra Adentro. Casa de Cultura San Ángel DF.
1986-1989 Muestra Anual Talleres L .U. Veracruzana. Pintura. M. Antropología.
1988-1990 Muestra Anual Talleres L .U . Veracruzana. Escultura M. Antropología

Experiencia académica
2004-05 Taller Arte objeto.Universidad Cristóbal Colón..
2003-05 Taller Artes Plásticas.Universidad Cristóbal Colón.
14 –18 julio Festival Pedagógico. Iniciación en las Artes Plásticas, Alvarado Ver.
28 jul/ 1 Ago. Festival Pedagógico Iniciación en las Artes Plásticas. Misantla Ver.
Festival “ Todo Por Los Niños” La escultura a partir del móvil. IVEC
Foro Académico Reinas del Carnaval Taller “El disfraz Fantástico”
2002 Festival Pedagógico. Introducción a las Artes Plásticas. IVEC
2001 Papalote Móvil “Introducción a la Escultura a Partir del Móvil. IVEC.
IV Feria del Libro Infantil Museo de la ciudad, Veracruz, Ver.
Cumbre Tajín. Producción Mural “ Las Maravillas del Totonacapan”
2000 Asistencia Técnica Mural Kilométrico Maratón FIAT, Veracruz Ver.
1997 A la fecha Taller de Artes Plásticas. Instituto América Veracruz,Ver .
1986-90 Instituto Paul P. Harris “La pintura como terapia infantil”
Reflexión
Dibuja desde niña, antes de aprender a escribir, su formación profesional se inicia a partir
de su viaje a México, primero fue un incentivo estar en los talleres con el maestro Raúl
Guerrero, que le dio la libertad para crear y luego en Jalapa se inició en el dibujo con Per
Anderson quien incrementó su disciplina. Se guía por su necesidad de expresión para
buscar aprender de los maestros en los talleres, todo orientado a ser profesional desde el
principio.

Durante la primera etapa de su trabajo creativo con el maestro Raúl Guerrero experimentó
con libertad expresando toda su creatividad, más tarde experimenta la perfección de los
volúmenes cuando viaja a la ciudad de México para ubicarse en el ámbito contemporáneo
de lo que se estaba haciendo en ese tiempo en la capital, fue con Manuel Felguérez y Jesús
Mayagoitia escultor, que se da una etapa consagrada a la escultura sobre todo, aquí también
participa en su formación el maestro Andrés Avelino, que la sensibiliza hacia la
tridimensionalidad. En la actualidad se desarrolla en la pintura y el grabado.
Obra
Micaela García Gálvez

1. Hogar
Acrílico
51X60cms.
2. Horizonte
Oleo
40X40cms.
3. Niña bonita
Oleo/m.
40X40 cms.

3
Miguel Ángel Habana Castro

29 de septiembre de 1966. Veracruz, Ver.

Estudios
1985-1990 Dibujo y pintura: en los talleres libres de Artes Plásticas de la Universidad
Veracruzana de Veracruz, Ver.
1983-1986 Estudia la carrera de productividad en el CONALEP Ver., 1.

Cursos y seminarios
2001 Centro cultural Casa Principal.- “Itinerario práctico”
2000 Museo Rufino Tamayo, México DF. .- Sociedad Mexicana de Autores de las Artes
Plásticas, SOMAAP, 2o seminario: La obra Plástica, los derechos de autor.
1987 Depto. de Serv. regionales de S.C.E.P. .- "Curso de artes plásticas".
1987 I.S.S.S.T.E. Accion cultural.- " Seminario sobre administración para las artes
plásticas".
1987 Talleres libres de artes plásticas de la u. v..-" curso de grafica, estampación por
recorte y monotipo".
1986 Colegio nacional de educación profesional técnica.- "Seminario de información
profesional".

Exposiciones individuales:
2001 Galería del “Recinto de la Reforma” en Veracruz, Ver. México.
2000 Galería-foro literario "Salvador Díaz Mirón" en Veracruz, Ver. México.
1999 Galería "Wall Zentrum-uni" en Graz, Austria.
1999 Banco "Raiffeisen-Mariagruen2 en Graz, Austria.
1997 Galería "Seidahingestellt" en Graz, Austria.
1996 Restaurante-bar "Rincon de la Trova" en Veracruz, Ver. México.
1996 Galería del "Instituto Afroasiatico" en Graz Austria.
1996 Galería "Salvatorepfarre" en Graz, Austria.
1996 Galería-Internet, w.w.w. Kinotrailer.at, editada en C.D. ROM en Viena, Austria.
1995 Banco "Raiffeisen-Mariagruen" en Graz, Austria.
1995 Galería "Kolly" en Graz, Austria.
1995 Galería-Atellier "Zebra" en Viena, Austria.
1994 Banco "Raiffeisen-Velden en Velden-Kaerten, Austria.
1994 Galería "Weberhaus" en Weiz, Austria.
1994 Banco "Raiffeisen-Mariagruen" en Graz Austria.
1994 Hotel "Post Ischgl" en Ischgl-tirol, Austria.
1993 Banco "Raiffeisen-Mariatrost" en Graz, Austria.
1993 Galería "Kaiser Josef Bistro" en Graz, Austria.

23 Exposiciones colectivas: en diversos recintos del estado de Veracruz y una con los
artistas plásticos de la región de Estiria en la galería "Kolly" de Graz, Austria.

Murales individuales:
1996: "Montañas de Eisenerz", casa particular, bio-acrílico sobre muro, Jassingau-Leoben,
Austria.
1995: "Árbol de la vida mexica", galería "Kolly"; bio-acrílico sobre muro, en Graz,
Austria.
1992 "La familia Boltri de Milán", casa particular; óleo sobre tela en Milán, Italia.
1992: "Dialectos de la Suiza", restaurante "Lauf"; bio-acrílico sobre muro, en Wald-
Zurich, Suiza.

Murales colectivos: 4 experimentaciones , colaborando con condiscípulos de los talleres

libres de artes.
Obra
Miguel Ángel Habana Castro

3
2

1. Atzin, tu eres y serás 1993

mixta/tela (óleo, arena, yeso, etc.)
150X90 cms.
Graz, Austria.
2. Chac mool vive! 1993
mixta/tela (óleo, arena, yeso, etc.)
150X90 cms.
Graz, Austria.
3. Sol prehispánico 1993
mixta/tela (óleo, trapos, arena, yeso)
100X75 cms.
Weiz, Austria
4. Raíces
Mixta/tela (óleo, trapos, cordones, etc.)
100X75 cms.
Weiz, Austria.

4
Milburgo Treviño Chávez

Estudios:
Secundaria: “Esc. Secundaria y de Bachilleres Veracruz”
Comercio: “Academia Moderna Comercial”
Maestro de artes plásticas: “Escuela Municipal de Bellas Artes INBA”

Cursos:
Diseño y composición “FONAPAS”
Dibujo de desnudo y grabado Instituto Nacional de Bellas Artes.

Actividades Docentes
1986-1999 Conductor del taller de pintura y dibujo de la casa de la cultura del puerto de
Veracruz dependiente del IVEC.
1971-1976 Director del taller de pintura infantil “Henry Rousseau” de Veracruz, Ver.
director del taller de la casa de la cultura de la ciudad de Cardel, Ver.
1960-1979 Conductor de los talleres de dibujo y pintura de la escuela de artes plásticas del
INBA en Veracruz, Ver.

Escenografias:
Los desarraigados, Los prodigiosos, El gato con botas, A la diestra de Dios padre,
Moctezuma II, La muñeca muerta, Vamos a Belén, La empresa perdona un momento de
Bellén, El día locura, La piñata misteriosa, El cuento del abuelo, La tragedia de Chicago,
La estrella de de la Boda.

Exposiciones:
1997 Exposición “Maestros de la Casa de la Cultura del puerto de Veracruz”, Edificio de
las Atarazanas.
1962 Museo de ciencias y artes de la UNAM, México DF
1962 San Andrés Tuxtla, Ver.
1961 Mérida, Yuc.
1961 Instituto regional de bellas artes de Orizaba, Ver.
1960 Galería de arte moderno, colorado, Texas USA.

Otras actividades:
1997 Exposición “festín bajo los pinos” Recinto de la Reforma.
1996 Altar de muertos, arequipa, Holanda.
1996 Exposición del “Códice Milburgo” (noche de carnaval en el portal) en el recinto de
la reforma, dentro de las actividades de la x muestra regional de teatro y artes
escénicas y literarias de la ciudad de Veracruz ( 20 obras ).
1985-1999 Coordinador permanente de la muestra regional de teatro y artes escénicas y
literarias de la ciudad de Veracruz.
1995 Realización de una replica de tamaño natural del Mictlantecuhtli, para la exposición “
hombres de barro “ en el fuerte de san Juan de Ulúa.
1995-1997 “Paisajes” exposición retrospectiva.
1995-1996 Encargado de realización y mantenimiento museo geográfico en los proyectos:
Supervisión museográfica y de difusión de los museos del estado y San Juan de Ulúa
un espacio para todos.
1994 Encargado administrativo del fuerte de san Juan de Ulúa.
1993 Coordinador operativo del proyecto de extensión y difusión cultural “San Juan de
Ulúa: Un espacio para todos”.
1976-1999 Altares de día de muertos en distintos y eventualmente simultáneos espacios
culturales del puerto de Veracruz.
1993 Europalia 93, Bruselas Bélgica
1992Museo amparo de Puebla, Pue.
1991 Feria internacional de Tapachula, Chih.
1990 Instituto Sinaloense de la Cultura.
1989 Mención honorífica en la III Bienal de la Habana, Cuba.
1989 Casa de la Amistad México-Cubana, Tuxpan, Ver.
1988 Centro Cultural “Alpha” de Monterrey, NL
1987 1er Lugar en cartonería en el concurso nacional de arte popular en Querétaro, Qro.
1987 Baluarte de Santiago, Veracruz, Ver.
1984 Casa de la cultura “La Pirámide” México, DF
1983 “Tierra Adentro” México, DF
1982 Galería “Libertad” Xalapa, Ver.
1981 Premio especial de nacimientos en Veracruz, Ver.
1980 Diploma de reconocimiento al Mérito del H. Ayuntamiento de Veracruz.
1979 1er Lugar en la especialidad de cartonería en el 5to Gran Premio Nacional de Arte
Popular de la Casa de la Cultura de Campeche, Campeche.
3er Lugar en el Gran Premio Nacional de Arte Popular en Campeche.
Medalla de honor y diploma del H. ayuntamiento de Veracruz y la Institución de la
Superación Ciudadana en el ramo de la cultura.
1er Lugar en el Concurso de Nacimientos del Periódico el Dictamen de Veracruz,
Ver.
1978 Fundador de la Asociación Cultural “Chaneque A. C.” en el puerto de Veracruz y que
reúne artistas de diversas disciplinas.
1970 Teatro “Francisco J. Clavijero”
1969 Auditorio Nacional, México D.F.
1969-1974 Instituto Mexicano-Norteamericano de Veracruz, Ver.
1967 Simac Minatitlan, Ver.
1967 Facultad de Ingeniería U.V. Veracruz Ver.
1967 Escuela Nacional de las Artes Plásticas San Carlos, México, D. F.
1966 Museo de Acuarela México DF
1966 “ Confrontación 66” Bellas Artes, México D. F.
1964 Ilustre Instituto Veracruzano
1963 Instituto Tecnológico de Veracruz.
Reflexión

En cuanto al origen de los temas marinos ya como artista independiente, fuera de la

escuela, particularmente las imágenes de pescados, puedo decir que es porque estoy muy
vinculado al mar. mantengo el tema pero también el paisaje veracruzano, el color, trato de
sentir el color, por eso en mi pintura a veces es un poco dramática o muy brillante, a veces
insulta por la brillantez del color, sobre todo los colores amarillo, naranjas y rojos que son
los colores que predominan más en mi obra, trabajo muy poco los verdes, los azules y los
violetas, más me inclino a este colorido, porque es la impresión, es lo que siento todos los
días al levantarme, ese amarillo, ese blanco, esa luz que me ciega y durante todo el día voy
gozando todos los cambios de luz, es la gran influencia que tiene en mí esta atmósfera que
por fortuna todavía disfrutamos en Veracruz, el color lo llevamos todos los veracruzanos,
yo creo que todo el que vive en Veracruz y lo he notado en mis alumnos y maestros de
otros lugares lo ven en la pintura veracruzana, el derroche de luz y color, ese alimento del
color lo recibimos todos de la naturaleza, desde que nacemos y toda la persona que viene
acá siente la influencia de colorido, del color.

Yo desconozco de escuelas, de movimientos, de istmos, no me he querido comprometer

diciendo pinto de esta manera, pinto de aquella, el que ve mi pintura es el que ha podido
catalogarme dentro de alguna corriente, dentro de alguna escuela de pintura, generalmente
veo poca pintura y por eso es que quiero tratar de seguir siendo más Milburgo, no quiero
recibir mucho la influencia, aunque a mi edad ya no estoy para influencias, estoy para
influenciar, pero de todas maneras puedo tener alguna pequeña duda, en mi colorido si que
empiezo a ver otros pintores, pero hasta ahora he seguido conservando mi intensidad en el
color.

Hay un cuadro que considero el culpable de que yo lleve esta vida de artista, fue pintado en
1955, compré algunas pinturas de aceite y lo copié de alguna revista, marca el inicio de
toda mi vida artística, lo conservamos durante muchos años, primero mis abuelos y después
yo, considero que hasta la fecha conservo lo que hay en este cuadro, muchos rasgos que hay
en él, aquí ya está toda mi personalidad, creo que no he cambiado nada, el color ya se ha
opacado, era muy brillante, el color es algo que ya ase nace con él, estoy muy feliz de ser
pintor, de ser artista, muy feliz de hacer lo que estoy haciendo, prefiero seguir teniendo
estos hijos que solo me piden que los haga bien, que les de mi apellido, son hijos muy
comprensivos que anhelo tener. Cuando me pongo a analizar esta obra la veo con tanto
detenimiento, recordando cómo comencé, con esa emoción del inicio de las cosas, la
composición que tiene en óvalo es una constante en mi producción, siempre estoy
trabajando en óvalos, círculos, creo que es mi composición preferida, no he cambiado, sigo
el mismo desde que comencé.

El círculo es una constante. El material que uso es el temple al huevo porque es una técnica
que se adapta mucho al clima de Veracruz.
Nunca he podido trabajar el abstraccionismo, es un lenguaje muy difícil, qué barbaridad,
cómo los abstractos se pueden expresar nadamás a base del color y a veces sin formas, yo
tengo que trabajar forzosamente el dibujo, la forma, para poder decir las cosas.

La forma de pescado aparece como constante en mis cuadros. He tenido una etapa
expresionista en 1969, colores brillantes, fuertes, le escribía algunos textos a los cuadros,
algunas frases.

He realizado retratos, es un género que trabajo muy poco, trato de captar más el carácter de
la persona cuando hago un retrato, es un género en el que no soy constante. Me gustan más
las multitudes hacer poesías pintadas. Me gustan las multitudes y eso se manifiesta en mis
pinturas.
Obra
Milburgo Treviño Chávez

1
3

1. Carretera a Mocambo
Temple al huevo sobre lienzo
80X60 cms.
1974
2. Radiografía de un pescado
Temple con acrílico sobre madera
244X122 mts.
2002
3. El beso
Temple al huevo sobre lienzo
150X150 mts. 4
1997
4. Arbol con alebrijes
Escultura en cartón
90 cms.
Moisés Avendaño

14 de febrero de 1940. Veracruzano.

Farallón No. 2 Club Estero

Boca del Río, Veracruz.
Tel. 9 86 09 26 Particular
9 21 55 56 Ofic.

Estudios:
Médico Veterinario, jubilado de la Universidad Veracruzana, con 32 años de servicio.
Tipo de obra: Escultura- talla en Madera- Pirocromía- Pintura.
Número de piezas terminadas: 120.
Autodidacta.
Exposiciones individuales:
2002 Unidad de Servicios Bibliotecarios e Informática. U.V. Veracruz, Ver.
2000 Exposición religiosa. Instituto América. Veracruz, Ver.
2001 Tres exposiciones individuales. World Trade Center.
1999 Maderas eróticas. Museo de Antropología de Xalapa, Ver.
Arte extramuros. Edificio Trigueros. Veracruz, Ver.
1998 Cuando los sueños toman forma. Alternando con la obra, Itinerario Plástico de
Diego Rivera. Instituto Veracruzano de la Cultura.
Amor, sexo y erotismo. Hotel Fiesta Americana. Veracruz, Ver.
Maderas que hablan. Museo de la ciudad.

Exposiciones colectivas:
2001 El hombre de las cruces. Parroquia de San Miguel Arcángel. Veracruz, Ver.
1999 Veterinarios en el arte. Hotel Emporio. Veracruz, Ver
1997 Los caminos de la forma y el volumen. Colectiva. Instituto Veracruzano de la
Cultura. Xalapa, Ver.

1996 Exposición colectiva de pintores veracruzano. Centro Cultural y Social

Veracruzano. México, D. F.
Participación en el libro Los caminos de la forma y del volumen. Editado por el
Gobierno del Estado de Veracruz, a través del Instituto Veracruzano de la
Cultura.
1995 Muestra plástica colectiva. Sala de Arte Periódico Sur. Boca del Río, Ver.
1994 Visiones. Colectiva. Sala de Arte Periódico Sur. Boca del Río, Ver.
Reflexión

Nací un 14 de febrero del año 40, por lo tanto tengo tres juventudes de 20 años acumuladas,
más 2 años de la cuarta.

Esto hace al hombre más agradecido, de algún modo más sencillo, más lleno de fe en la
vida, más dichoso y más grande.

En el devenir del tiempo mi vida ha estado llena de amor, a través de mi gran familia, de
Marilú mi compañera de toda la vida, de Mónica y Mayra nuestras hijas, y hoy premiada
con tres nietos que adoramos, sumado a todo esto, el surgimiento de poder crear algo, algo
que hice, hago y espero poder seguir haciendo con gusto, desarrollando, transformando y
creando nuevas posibilidades de trabajo.
Mi trabajo habla por mí, como algo vivo, son pensamientos impresos que crean mi vida.

Hoy deseo que mi obra sea el lenguaje simbólico para dirigirme a ustedes y brinde con
convicción, mis ideas, mis fantasías, mis comentarios y mis revelaciones.
Obra
Moisés Avendaño

1. Sin prejuicios
78X40 cms.
2. Dorso
110X210 cms..
3. Orgía
85X218 cms.
4. Delirio
3 80X100 cms.

4
Néstor Andrade

Fotografía de Adolfina Paredes

22 de febrero de 1956. Veracruz, Ver. México.

El escritor latinoamericano Juan Vicente Melo propone que la obra pictórica de Néstor
Andrade “…hay que hacerla nuestra por primera y única vez…después de fundir y refundir
todos los colores, es contagiarse de color y contribuir a una mayor iluminación…”

Néstor Andrade inicia sus estudios en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Veracruz:
Dibujo, Pintura y Grabado., posteriormente ingresa a los Talleres Libres de Artes Plásticas
de la Universidad Veracruzana en los campos de Pintura, Diseño Gráfico y Escultura. Ha
tomado diversos cursos relacionados con las Artes, entre los que destacan el de Historia de
Arte en la Universidad Cristóbal Colón, sobre las Escuelas Vocacionales de Arte, de
Creatividad y de Diseño Gráfico en la sede del Instituto Veracruzano de Cultura, participó
en el Proyecto de Formación de Promotores Culturales de la SEP., en el Seminario sobre
Administración para las Artes Plásticas del ISSSTE Cultura en Veracruz, “Teoría del Arte”
y “Aspectos básicos para el cuidado de las obras de Arte” dentro del marco del Festival
Pedagógico en el IVEC.
Dentro de su trayectoria artística ha realizado alrededor de 30 Exposiciones Individuales y
60 Colectivas, siendo las de mayor relevancia las de la Pinacoteca de Puebla, en la Sala
Oriente y Claustros del IVEC, en la Galería Universitaria de Tabasco, en el Recinto de la
Reforma del Puerto de Veracruz, en la Galería Universitaria José A. Clemente de las
Cuevas en Puebla, en el Ágora de la Ciudad, Casa de las Artesanías y Centro Cultural Los
Lagos en Xalapa, en el Instituto de Cultura de Sinaloa, en Subastas de Arte en el World
Trade Center de Veracruz y Xalapa, en la Galería Universitaria Ramón Alba de la Canal de
la Universidad Veracruzana, en el Festival Internacional Afrocaribeño en Veracruz, así
como en el Festival Internacional del Caribe en la ciudad de Santiago de Cuba, en la galería
de Arte Universal, en la Casa del Caribe y en el Centro Cultural Africano Fernando Ortiz
en la ciudad de la Habana entre otras.

En el año de 1998 su obra pictórica recorre los Estados de Querétaro, México, Guerrero y
Tlaxcala en una Exposición Itinerante del Circuito Centro de la República organizado por
el CONACULTA, representando a su estado natal Veracruz.

Es fundador y Director del Taller de Pintura Autoexpresiva Infantil del Puerto de Veracruz
y Director de la Casa de Cultura del Puerto de Veracruz, ha colaborado con el Instituto
Veracruzano de Cultura dirigiendo los Cursos escolares y de verano de Pintura Infantil así
como impartiendo Cursos de Capacitación a maestros dentro de los Festivales de Arte sobre
el Manual de Autoexpresión Infantil del cual es autor.

Ha participado como jurado en innumerables eventos y concursos relacionados con las

Artes Plásticas Infantil en Instituciones Gubernamentales, particulares y de la SEC, así
como en el Programa de Estímulos a Jóvenes Creadores del Estado de Veracruz.

Es ganador de la Beca Creadores con Trayectoria emisión 1996 y Creadores emisión 1999
otorgadas por el FONCA y el Gobierno del estado de Veracruz.

Forma parte del libro “35 Artistas en Veracruz” editado por el IVEC, ha recibido las
críticas, presentaciones y textos de destacados escritores y críticos de arte, de entre los
cuales el pintor Carlos Jurado afirma: “Así, Néstor Andrade sigue con los ojos
aparentemente alegres, hurgando en el azul de cielo y mar: Veracruz: la última frontera del
Caribe”.
Reflexión
El Puerto de Veracruz y su gente es lo que ha inspirado mi obra plástica, en la que trato de
reflejar mi cultura popular, mi obra se relaciona con el mar y plasmo a sus personajes
dentro de una cultura más propia a la vez que convino con el reflejo de los colores del
trópico, Veracruz una magia, un contenido muy fuerte en cuanto a sus tradiciones
populares,, una gran fuerza en cuanto a su color y a sus personajes, el caminar de sus
gentes, sus fiestas de carnaval, sus portales, el lenguaje de los jarochos, todo eso me atrae y
está en mi obra, en la que utilizo materiales que me permiten experimentar estos elementos
como son la acuarela concentrada, los acrílicos y óleos sobre tela, papel y madera en
formatos grandes de 70 x 60 cm. Ó de 1 mt. X 1.20 aprox.

En cuanto a la búsqueda y el tema, considero que esta es inagotable, el Puerto ofrece

múltiples temas y opciones, he realizado aproximadamente unas 18 series, como la de
“Tropirostros”, un homenaje a los locos de Veracruz, como la Loca Borrega, el Mariscal,
por citar solo algunos, las de “Carnaval: pensamiento mágico” y “Máscaras del carnaval” y
“Remojadas” entre otras, siento que hay mucho camino que recorrer aún. Quiero trabajar y
proponer más, la verdad muchas veces no dispongo de espacio entre mis actividades de
promotor cultural y creador, aunque por otra parte, es una gran satisfacción para mí el tratar
de crear y de alguna manera me he sentido relacionado con mi trabajo como docente, al
enseñar y dar clases de pintura a los niños, quienes me han enseñado la pureza de aplicar el
color sin menoscabo ni temor a lo convencional y ya preestablecido, por lo que mi espacio
para pintar es por las noches, ya que en el día me dedico a la enseñanza mediante talleres y
escuelas particulares y a dirigir la Casa de Cultura del Puerto de Veracruz., también he
formado grupos de creadores plásticos como los Oníricos, Portocultura, Estenopo, etc., con
la finalidad de promover y difundir nuestra cultura veracruzana a través de la plástica y dar
una presencia porteña a la misma.
 155

Obra
Néstor Andrade

1 4

2 5

1. Antifaz, careta y máscara

Mixta/ madera
90X130 cms.
2. El Dios del comercio
Acuarela concentrada/papel
70X112 cms.
3. El Dios narigudo
Acuarela/papel
70X112 cms.
4. El Dios viejo
Acuarela/papel
70X112 cms.
3 5. Máscaras del tabaco
Instalación
Octavio Ramírez

13 de mayo de 1936. Jalapa, Ver.

A partir de 1956 expuso en la Galería Municipal, Instituto Franklin, Parque Zamora,
Instituto Tecnológico Regional de Veracruz, así como en San Andrés Tuxtla, Jalapa,
Orizaba, Guadalajara, Ciudad de México, Estados Unidos y Canadá.

Exposiciones individuales:
2001 Retrospectiva. Instituto Veracruzano de la Cultura.
1982 Galería Libertad
1981 Primera exposición individual de pintura. Museo de la Ciudad.

Exposiciones colectivas:
1987 Veracruz: Plástica y Color.
1982 Salón de Invierno: 50 pintores veracruzanos. Museo de la Ciudad.
1980 Exposición plástica de la Ciudad de Veracruz 80. Galería del Museo de la Ciudad
1980 Exposición plástica colectiva. Pintores de la Ciudad de Veracruz. Galería Tierra
Adentro. INBA. México, D. F.
1977 Escenografía. Parra eres y en vino triste te convertirás(Testimonios de Violeta Parra)
Taller de Teatro del Museo de la Ciudad. Museo de la Ciudad.
1976 Exposición de Navidad. Taller de Pintura Henry Rousseau. Colectiva de Pintura y
Dibujo.
1976 Exposición Colectiva de Pintura. Ofrenda de Muertos. Taller de Pintura Henry
Rousseau.
1975 Exposición colectiva de pintores veracruzanos. Delegación Benito Juárez del Distrito
Federal. Casa de la Cultura “La Pirámide”. México, D. F.
1973 Exposición homenaje al Maestro Daniel Ayala Pérez. Galería Municipal. Colectiva de
Pintura y Dibujo. Parque Zamora.
Obra
Octavio Ramírez

1. Zona postal 16
Óleo
25X50 cms.
2. El gran teatro del mundo
3 Óleo
25X50 cms.
3. Música a la luz de la luna en el antiguo Bulevard
Óleo
40X60 cms.
4. Desnudo en el Bulevard
Óleo
57X70 cms.

4
Raúl Guerrero Domínguez

1932. Veracruz, Ver.

1º de Mayo No. 1057-3 Centro

(012) 9 31 30 24

Estudios:
1960 - 1965 INBA, Escuela de Artes Plásticas

Cursos:
Grabado con Jesús Torres Kato, Escultura con Mario Rendón Lozano, Administración de
las Artes Plásticas con Felipe Ehrenberg, El Arte en México con Adrián Villagómez,
Experimentación Plástica con Alberto Castro Leñero, Taller de Pintura con Patricia
Soriano, Teoría del Arte con Othón Téllez, Nuevos Itinerarios con Graciela Kartofel y otros
más.

Exposiciones Individuales
2002 Sombras en el tiempo. Centro Cultural Casa Principal. Instituto Veracruzano de la
Cultura.
1995 Galería Parque Ecológico, Veracruz, Ver.
1991 Galería U.V. Veracruz, Ver.
1990 Luz del Vacío. Galería Museo de la Ciudad de Veracruz, Ver.
1989 Galería La Bella Epoca , Veracruz, Ver.
1985 Galería U.V. Veracruz, Ver., Galería José Clemente Orozco, Veracruz, Ver.
1983 Casa de Cultura Alvarado, Ver.
1982 Galería Libertad Veracruz, Ver.
1981 Senderos y Vacios Galería U.V. Veracruz, Ver.
1980 Casa de la Cultura Tlacotalpan, Ver., Museo de la Ciudad Veracruz, Ver.
1973 Facultad de Ciencias de la Comunicación Veracruz, Ver., Homenaje a Pablo Neruda.
Museo de la Ciudad de Veracruz, Ver., Galería Instituto Tecnológico Regional de
Minatitlán Ver.
1971 Voces del Silencio. Galería Instituto Tecnológico. Regional Veracruz, Ver., Galería
Municipal
Veracruz, Ver.
1970 Homenaje y Profanaciones. Galería Museo de la Ciudad de Veracruz, Ver. , Galería
Teatro del Estado Xalapa, Ver., Evocaciones de Cesar Vallejo. Instituto de Bellas
Artes Matamoros Tamaulipas, Galería U.V. Veracruz, Ver. y 13 exposiciones más.
 Exposiciones Colectivas (Selección)
1999 Instalaciones Altares y Ofrendas. IVEC, Veracruz, Ver.
1992 Galería la Capilla Córdoba Ver.
1991 Instituto Autónomo Metropolitana, Edo. De México.
1990 Casa de la Cultura Morelia, Michoacán., Rectoría de la Universidad Campeche,
Galería Museo de Antropología, Xalapa, Ver.
1988 Galería U.V. mural efímero, Veracruz, Ver., Exposición flotante Galeón La
Marigalante,
Barcelona, Habana, Osaka, India.
1987 Exposición flotante Galeón La Marigalante Miami, Santander, Nueva York.
1986 Galería Alba de la Canal, Xalapa, Ver.
1985 Pinacoteca Universitaria U.A.P. , Puebla, Pue.
1980 Galería Tierra Adentro D.F.
1973 Galería Museo de la Ciudad de Veracruz, Ver.
1970 Galería Ateneo Veracruzano, Veracruz, Ver., y 53 Exposiciones más.

Docencia

1967-2001 Mantiene Actividades pedagógicas, impartiendo curso y conferencias sobre

Artes Plásticas.
1981-2001 Maestro del Taller Libre de Pintura y Dibujo en la U.V. Veracruz, Ver.
1978-1985 Maestro de Dibujo en la Facultad de Ingeniería de la U.V. Veracruz, Ver.
1981-1983 Dirige los Talleres Libres de Artes Plásticas de la U.V. Veracruz, Ver.
1980 Miembro del Instituto de artes Plásticas de la U.V. Veracruz, Ver.
1973-1974 Director y Maestro del Taller Infantil de la Delegación de Difusión y
Extensión de la U.V. Veracruz, Ver.
1971-1973 Funda y dirige el Taller de Artes Visuales en el Centro Cultural del Museo
de la Ciudad de Veracruz, Ver.
Reflexión
Tuve una etapa de la pintura geométrica abstracta, posteriormente comencé a manejar una
pintura abstracta orgánica y es la que he trabajado hasta la fecha y dentro de esa corriente,
ha habido cambios, depuración, tengo una influencia oriental sobre todo del Budismo Zen,
la literatura japonesa, me influenció mucho el Budismo en la expresión literaria, plástica,
eso me llevó a buscar menos materia, menos barroquismo, síntesis, la búsqueda de espacios
vacíos, esto me motivó muchísimo a hacer una pintura aparentemente simple, sencilla, ha
sido mi línea.
Obra
Raúl Guerrero Domínguez

4
2

1. Sin título
Acrílico/papel
50X63 cms.
2. Sin título
Acrílico/papel
50X63 cms.
3. Sin título
Acrílico/papel
50X63 cms.
4. Sin título
Acrílico/papel
50X63 cms.
Ricardo Mendizábal Torres

1956. Ciudad de México D. F.

Estudios y trabajos realizados:

1984 Invitado por el maestro Carlos Cano, coordinador de los talleres libres de
artes plásticas de la U.V. del puerto de Veracruz, para encargarse del taller de
serigrafía. Actualmente trabaja en dicho taller con un promedio de diez a
alumnos y los trabajos realizados por ellos son presentados en exposiciones
que se llevan a cabo en diferentes planteles de la ciudad y del estado, así
como, en hoteles, museos y lugares públicos.
1983 Trabaja en el Instituto Nacional para la educación de los adultos realizando 56
programas radiofónicos de 30 minutos cada uno para apoyar la alfabetización en
Xalapa, Ver.
1981 Trabaja como diseñador grafico en la casa de la rectoría de la U.V. en Xalapa,
Ver.
Este mismo año toma un curso de diseño editorial impartido por los maestros
Andreas Strasser y Lothar Steyer en la facultad de arquitectura de la U.N.A.M.
en México, D.F.
1982 Trabaja en el departamento de difusión cultural de la U.V. donde realiza
carteles,
diseña y forma la revista “extensión” órgano de divulgación científica de esta
misma universidad, Xalapa, Ver.
1976-1980 Realiza la carrera de comunicación visual en la facultad de artes plásticas de la
Universidad Veracruzana, habiendo estudiado diseño grafico con el cartelista
Polaco Wiktor Görka (maestro huésped en la facultad por cuatro años)
serigrafía, litografía, y dibujo en Xalapa, Ver.
1975-1976 Estudia música y piano en forma particular en México, D.F.

Otros cursos tomados o impartidos así como, algunos trabajos realizados:

1993 Realización de la impresión serigrafica de 14 carteles y un cartel de mural para
la campaña de fomento para la salud F.O.M.E.S U.V.
1991 Toma curso de serigrafía impartido por los maestros Roberto Delgado (pintor
muralista) y Oscar Doardo (impresor serigrafista) ambos de Selfhelpgraphics de
los Ángeles California.
Forma parte del cuerpo de catedráticos de la escuela Gestalt. Donde actualmente
 imparte las materias de dibujo, teoría del arte y serigrafía, Veracruz, Ver.
1990 Realiza trabajos de diseño grafico en forma particular.
Logotipo fotoestudio Franccesca.
Logotipo estudio de danza “Studio” Veracruz, Ver.
Portada para el libro 1936 de Ricardo Homs Editorial Diana.
Portada para el libro punto de encuentro de Vladimir Palafaga Editorial Diana.
Portada para el libro Zapata (compendio sobre la vida del caudillo) Editorial
Diana.
1989 Imparte curso de historia de las artes graficas en la carrera de historia del arte
en la Universidad Cristóbal Colón, Veracruz, Ver.
Obtiene reconocimiento por su participación en el certamen estatal de diseño
para estampado de telas convocado por la compañía industrial veracruzana S.A
y el sindicato de trabajadores de la C.I.V.S.A. Veracruz, Ver.
1987 Seminario tomado con el maestro Felipe Ehrenberg casa de la cultura del
I.S.S.S.T.E Veracruz, ver.

Exposiciones individuales:
1986 Pinacoteca de la Universidad de Puebla.
Tecnológico regional de Puebla.
1985 Galería taller libre de artes plásticas Veracruz, Ver.

Exposiciones colectivas:

1994 Exposición biblioteca Universidad Veracruzana, Veracruz, Ver.

Exposición expo orienta facultad de educación física U.V Veracruz, Ver.
1993 Muestra de artes plásticas espacio cultural edificio Trigueros Veracruz. Ver.
Muestra estatal de talleres libres Xalapa, Ver.
1992 Exposición de la plástica veracruzana museo Amparo Puebla, Pue.
Posteriormente IVEC Veracruz, Ver.
Muestra estatal de talleres libres Xalapa, Ver
1991 Muestra de la Plástica Veracruzana IVEC. Veracruz, Ver.
Muestra estatal de talleres libres Xalapa, Ver.
1990 Muestra estatal de talleres libres Xalapa, Coatzacoalcos, Poza Rica, Ver.
Muestra estatal de talleres libres Xalapa, Ver.
Exposición Universidad Autónoma de Yucatán, Mérida, Yuc.
Muestra estatal de talleres libres Xalapa, Ver.
Exposición Universidad Autónoma de Campeche, Camp.
1989 Muestra estatal de talleres libres Xalapa, Coatzacoalcos, Poza Rica, Ver.
1988 Muestra estatal de talleres libres Xalapa, Coatzacoalcos, Poza Rica, Ver.
1987 Exposición serigrafías CONALEP Veracruz, Ver.
1986 Cerámica y grafica galería “el teatro” Córdoba, Ver.
1980 Carteles para el día mundial del medio ambiente, secretaria de desarrollo
ecológico, Xalapa, Ver.
1979 Casa de la cultura Puebla.
Universidad Autónoma Metropolitana Xochimilco, México, D.F.
1978 Biblioteca de la Ciudad de Xalapa, Ver.
Galería Tierra Adentro, México, D.F.
Reflexión
Uno de los géneros que más me han gustado es la historieta. Acudí a la Esmeralda y San
Carlos en México. De alguna manera sentía ya la necesidad de salir de la capital y supe que
en Xalapa había un movimiento plástico importante, una escuela de Artes Plásticas a nivel
profesional y me fui para allá, a buscar mi futuro en 1976, a los 20 años. Cursé toda la
carrera que se llamaba Licenciado en Artes Visuales, estudié un año diseño gráfico
también. En 1984 llegué a Veracruz a impartir el Taller de Serigrafía.

Creo que es necesario reconsiderar la función que el arte cumple en la sociedad a través de
las diferentes épocas. En los últimos 15 años que se disparó el desarrollo tecnológico puedo
decir sinceramente que estoy sorprendido y confundido tratando de explicarme la relación
entre arte y sociedad.

En el desarrollo de mi obra hay etapas en las que a través de la adquisición de habilidades

técnicas, oficio, he ido realizando trabajos con otras técnicas, con más calidad, más
conocimiento, también a través de la teoría se va uno cuestionando más sobre su propio
quehacer.

No podría definir etapas de manera precisa en mi obra, en general siempre he ido más hacia
el blanco y negro y el dibujo, también he probado diferentes técnicas y he atacado con color
la madera, telas y papeles, mi temática tiene constantes como son lo lúdico, lo erótico, la
vida cotidiana. En todo mi trabajo está el ser humano, no voy al paisaje, si me gusta pero no
lo hago, hablo del ser humano, de sus virtudes, defectos, ideas, lo que va surgiendo en mí,
voy reflexionando como me lo va pidiendo, parto de una imagen interna, la copio de mi
mente.

La pintura tiene la virtud de que se inventa, el trabajo artístico tiene que aportar, educar,
propiciar en el espectador este movimiento del cerebro que lo hace pensar, reflexionar
también al espectador, debe tener un contenido ideológico que sea ético, que tenga valores
universales.
Obra
Ricardo Mendizábal

1. Ante el espejo
Óleo
45X28 cms.

2 2. Cuadros de una exposición

Grafito
21X28 cms.

3. Espermatozhombres
Tinta
37X20 cms

4. A fuego lento
Mixta acrílico/acuarela/tinta/lápiz de color
50X45 cms

5. Imaginando el mundo
Tinta
19X14 cms.

3
Robie Espinoza Gutiérrez

Nació en Veracruz Ver, el 9 de junio de 1982. Su domicilio de registro se encuentra en

la localidad de “El Buzón” Ver., Municipio de Manlio Fabio Altamirano.
Su primer acercamiento (2001) profesional lo tuvo en el taller de Dibujo y Pintura de
Israel Barrón del Centro Cultural Casa Principal, perteneciente al Instituto Veracruzano
de la Cultura (IVEC); dentro de éste taller participó en diversas exposiciones colectivas
de dibujo y de pintura en el puerto de Veracruz, en donde continúa participando
regularmente.

En el 2003 fue seleccionado en:

• La 1ª Bienal Nacional de Arte Visual Universitario con Sede en el Centro
Cultural “Casa de las Diligencias” en Toluca, Edo, de Méx., en la cual participó
en la categoría bidimensional estudiantes.

• La 3ª Bienal de Pintura y Escultura del Sureste (con sede en el Centro Cultural

de Chiapas Jaime Sabines, Tuxtla Gutiérrez Chiapas), participando en la
categoría bidimensional.

• Participó en el concurso de dibujo y pintura “México Sobre Muros” en México,

DF. donde obtuvo el 3” Lugar en la categoría “pintura”.

Obtiene uno de los apoyos del programa de Estímulos (categoría creadores, especialidad
pintura) para el desarrollo y la creación artísticas del Fondo Estatal emisión 2004-2005,
además de estar cursando la licenciatura en artes plásticas, opción pintura en la
Universidad Veracruzana en Xalapa, Ver.
• 2005. Exposición individual: “Pesquisa” en el Centro Cultural Casa
Principal en la ciudad de Veracruz, Veracruz.

Domicilio:
Privada de honduras # 8
Col. Venustiano Carranza, Xalapa, Veracruz.
TEL. 01 22 88 18 79 31
C.P : 91070
e- mail: robie536@yahoo.com.mx
robie536@hotmail.com
reo_art@yahoo.com.mx
Reflexión

Mi obra es una mirada a mi proceso de formación.

Un productor de arte que pueda jactarse como tal se encuentra en una pesquisa
constante, nunca termina de indagar, nunca termina su búsqueda, podría empezar el
trayecto como ahora lo hago yo, o podría consagrarse en el medio, aun así no
terminaría, incluso podría morirse, y ahí no terminaría su búsqueda; quizás no la lleve
a cabo el mismo, quizás no necesite su intervención, quizás su obra seguiría el camino a
través de terceros.
El arte será una pesquisa interminable mientras exista un espectador que la consuma,
mientras exista un ser que la reinterprete, siempre existirá una búsqueda en la esencia
misma de la obra de arte.
Como toda búsqueda hay encuentros y desencuentros, muchas veces no se encuentra
nada y es entonces cuando el todo subyace.
Lo fantástico de esta pesquisa es que nunca se encuentra nada definitivo, pues con cada
encuentro algo queda inconcluso, y aunque esto no fuera así, siempre vendrían nuevas
experiencias que propiciarían la nueva búsqueda, y con cada enfrentamiento, un nuevo
encuentro y una nueva búsqueda, una suerte de pesquisa interminable.
Esta búsqueda, como todo verbo, obedece su acción a un sujeto, en esta búsqueda el
sujeto es el modelo humano, sobre él gira toda mi indagación, de él vienen y hacia él
van todos mis intentos; y cada intento se hizo un cuadro, y cada cuadro se hizo una
indagación, que cada espectador responde (si le interesa), y con cada respuesta la cierra
y con cada cierre la abre en un circulo vicioso interminable.
Y (….), si pesquisa es el verbo y el cuerpo humano es el sujeto ¿quien es el
predicado….?
El predicado se encuentra a la vista, se expone, se exhala, se queja, se duele, se grita; la
queja humana en sus múltiples facetas, en sus múltiples momentos; momentos
sicológicos, momentos físicos, momentos simbólicos.
Alguna razón para indagar sobre el Dolor.
La búsqueda del dolor no comenzó en la queja, comenzó en la vida.
Y es que el dolor es vida como lo es el placer, como lo es la felicidad, como lo es el
sufrimiento, como lo es el conformismo, como lo es el tedio.
La vida comenzó con el movimiento, sólo podemos entender la vida a través del
movimiento; el animal inerte muere, transforma su existencia a la forma de la muerte. El
organismo vivo hará hasta lo imposible por preservar el movimiento. Sus mecanismos
son muchos; todos ellos operan por medio de estímulos reactores que ponen al
organismo a trabajar, a moverse, a vivir. He ahí la importancia de dichos mecanismos
como el dolor, el hambre, el tedio, todos ellos motores de la vida.
De la formación de la obra.
Puedo mencionar un par de momentos en la investigación. Por un lado el plano
expresivo que corresponde a un primer momento, donde la intención se limita a la
búsqueda sentimental de gestos en rostros, poses y composiciones diversas; y un
segundo momento en el que la expresividad es relegada para integrar elementos
simbólicos-conceptuales que corresponden a inquietudes más intelectuales; he ahí los
dos pilares de mi obra: expresión y concepto.
Obra
Robie Gutiérrez

1 2

3 4

1. Corazón de piedra 3. Alumbramiento pueril

Óleo sobre tela Óleo y acrílico sobre lienzo
60 x 50cm. 70 x 90 cm
2004 2005

2. Pájaro-flecha-mano 4. Melancolía
Óleo y acrílico sobre lienzo Óleo y acrílico sobre lienzo
50 x 62 cm 90 x 70 cm
2005 2004
Rogelio Armendáriz

30 de mayo de 1928. Parral, Chihuahua.

Mario Molina No. Col. Centro.C.P. 91700, Veracruz, Ver.

Su familia se traslada a la ciudad de Chihuahua donde realiza sus estudios primarios y

secundarios.

Estudios:
1945 Toma clases de dibujo y pintura co nel profesor Jesús Lincon en la Escuela Nocturna
para Obreros, Sor Juana Inés de la Cruz, en Chihuahua, Chih.

1951 Es becado por el Gobierno del Estado para estudiar Artes Plásticas en la Escuela
Nacional de Artes Plásticas de la UNAM( Academia de San Carlos) posteriormente le
amplió la beca el Filántropo Don Lázaro Villarreal.

Distinciones:
1955 Termina la carrera de Artes Plásticas, habiendo obtenido durante sus estudios las
siguientes distinciones:

1er. Lugar el Primer Año; 2º. Lugar el segundo año, 2º. Lugar el Tercer Año, habiendo
participado durante sus estudios en las exposiciones colectivas de la escuela.

Cursos:
1981 Toma un curso de Diseño y Composición, impartido por el I.N.B.A.
1980 Toma el curso de Programación por el Plan de Actividades Programadoras,
promovido por el I.N.B.A. y la S.E.P.
1981 Participa en las clases del curso Superior de Artes Plásticas promovido por el
I.N.B.A.
1982 Toma el curso de Dibujo Técnico Industrial promovido por los Instituto Tecnológicos
y la S.E.P.
1985 Asiste a un seminario sobre Educación Artística en la Habana, Cuba.
Exposiciones:
1948 Expone acuarelas en la Biblioteca Municipal de Chihuahua, Chih. En compañía de
Otto F. Campbell y Miguel Zúñiga P.
1958 Participa en una magna exposición organizada por y en el Instituto Nacional de
Bellas Artes, Ciudad de México.
1959 Participa en una exposición colectiva en el Instituto Franklin de la Ciudad de México
1962 Participa en una exposición colectiva en la Ciudad de San Antonio, Texas.
1962 Participa en la Exposición Bienal en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de
México.
1962 Participa en Exposición de Pintura en el Teatro Ferrocarrileros de Veracruz.
Posteriormente forma parte del Grupo Cultural Realizadores de Artes y Cultura de
Veracruz, hasta su disolución en 1985, con el que participa en varias exposiciones habiendo
sido las más importantes: la realizada en la Galería Tierra Adentro de la Ciudad de México.

Docencia:
1948 Ingresa al Magisterio impartiendo clases de Dibujo y Trabajos Manuales en las
escuelas Primero de Mayo y Escuela 139, Porfirio Parra, Chihuahua.
1954-1965 Imparte clases en Artes Plásticas en la Secundaria Juana de Asbaje de la Ciudad
de México.
1956 Viaja a la Ciudad de Chihuahua, impartiendo en ese año clases de Dibujo en la
Escuela Particular, Colegio Palmore.
1976 En el mes de diciembre es invitado por el grupo Brecha de Ciudad del Carmen,
Campeche, para impartir conferencias en el Liceo Carmelita de esa Ciudad.
1991-92 Imparte en Ciudad del Carmen, Campeche, cursos de composición en Artes
Plásticas y Pintura a la Acuarela, invitado por la Universidad Autónoma del Carmen y la
Casa de la Cultura de la misma Ciudad.
1958 Por más de 20 años impartió clases de Dibujo Constructivo en el Colegio Cristóbal
Colón.
Obras fundamentales:
1959 Realiza en mosaico de piedra el mural exterior con el tema “El Pescador”, en las
calles de Cristóbal de Olid y José Martí en la Ciudad de Veracruz.
1960 Realiza en la Casa del ameritado Músico Don Daniel Ayala Pérez, el mural exterior
con el tema “El músico maya de Bonampak, en mosaico de piedra, mosaico de vidrio y
concha de abulón.
1969 Forma parte del grupo cultural Tlagui/Tetl, 618 con que participa en las siguientes
exposiciones:
1969 Agosto Exposición de pintura y escultura en el local de Ejecutivos de Ventas de
Veracruz.
Noviembre 7 Exposición de Pintura en la Capilla de Córdoba , Ver.
Noviembre 28 Exposición de Pintura en el Ateneo Veracruzano.
1970 Febrero 13 Exposición en el local de Estibadores en la Ciudad de Veracruz
Abril 25 Exposición de Pintura en el H. Ayuntamiento de Jalapa, Ver.
Mayo 29 Exposición de Pintura y Escultura en la Galería Municipal de Veracruz.
Septiembre 29 Exposición de Pintura y Escultura en la Unión de Estibadores de Veracruz.
Octubre 26 Exposición de Pintura en la Sala de Cabildos de Orizaba, Ver.
Reflexión
Pues uno trata de ser auténtico en su obra, hablar de uno mismo es difícil, pero podría decir
que hice murales, ejecuté tres murales aquí, dos están todavía, el que está en la Plaza de la
Rana, que es un mural en mosaico de vidrio, mosaico italiano veneciano, creo que va a
durar casi eternamente por el material, otro que está en una casa particular, lo han cuidado
bastante, cuando lo hice era jardín de niños, es un pescador jalando una red de peces, y en
la casa del maestro Ayala, había hecho yo uno, como el maestro Ayala era yucateco,
entonces el mural que hice era un músico yucateco de los de Bonampak, parado sobre una
serpiente emplumada tocando el tambor, con algunos frisos de maracas y serpientes, creo
que era un buen experimento, porque ahí utilicé concha de abulón y no se había utilizado en
ninguna parte, también mosaico de vidrio y mosaico de piedra.

He pintado de todo, actualmente hago técnica mixta porque se me facilita más que las
técnicas puristas, estoy pintando algo que le llamo fantasía marina, que es relacionado con
el fondo del mar, como si estuviéramos en el fondo del mar, con animales, peces diferentes,
insectos, ruinas de alguna casa, algún barco, es técnica mixta, primero es laca lo que
llamamos en pintura hacer la mancha en laca, luego puede ser óleo, acuarela, acuarela sobre
óleo pues no se puede, lo demás sí, lápiz de color en fin varios materiales sobre un mismo
cuadro.

Lo que más pintaba yo era figura humana y paisaje, ahora he dejado un poco la figura
humana y hago paisaje marino, en una exposición que me invitaron de una organización
católica pinté caras de Cristo crucificado y otro que no está crucificado, una de las cosas
que pinté mucho son tarahumaras, es de mi tierra, la raíz propia.
Obra
Rogelio Armendáriz

1. 4.

5.

2.

3.
Rolando Varela Ávalos

Julio 6 de 1948. Otatitlán, Ver.

Estudios:
1998-1999 Estudia Música. Guitarra Flamenca en el “Instituto de Flamencología”. México.
D.F.
1995-1997 Estudia Pintura en los Talleres Libres de Artes Plásticas de la Universidad
Veracruzana. Veracruz, Ver.
1987 Estudio de Arte Guitarrístico “Manuel López Ramos”. México. D.F.
1979-1986 Estudia en la Facultad de Música, Jalapa, Ver.
1974-1978 Estudia Música en la Escuela Municipal de Bellas.
1968-1971 Estudios de Licenciado en Periodismo en la Facultad de Periodismo de la
Universidad Veracruzana.

Exposiciones Pictóricas:
2001 “el proyecto rechazado”. Mismo itinerario de la exposición “Señales y Espacios”.
Actualmente está preparando una serie titulada “Mujeres de mi pueblo” cuya
presentación será aproximadamente en agosto del presente año.
Es profesor del Instituto Tecnológico donde imparte las actividades extraescolares de
Música, Pintura y Ajedrez.
1999 “Señales y espacios”. Museo de la Ciudad de Veracruz y varias Casas de Cultura del
Estado de Veracruz.
Reflexión
Después de estudiar y crear literatura y fotografía, la Música se vuelve una actividad central
en la expresión artística durante el trayecto que he recorrido, el estudio en las mejores
instituciones del Estado de Veracruz y con los mejores maestros entre ellos el Maestro
Moreno Luce propicia el encuentro con la Guitarra de Concierto.

Después de aplicar algunas de las diversas modalidades de la Guitarra de Concierto como

son la música clásica y el flamenco, el camino se detiene en este último, género tan difícil
y empieza a ser inseparable compañera de desarrollo artístico la pintura. Actualmente me
ocupa casi todo el tiempo disponible, después de dar clases de guitarra.

Mi expresión pictórica parte del figurativismo, tratando de poner en práctica las mejores
técnicas de los pintores que se consideran como los grandes maestros, hasta iniciar por el
camino propio tratando de aplicar esas aportaciones, pero también buscando crear lo
propio, donde se exprese el discurso personal y la técnica que darán un carácter específico
a la obra pictórica. El trabajo es diario y permanente, acompañado de estudio y el proceso
creativo en el taller.
Obra
Rolando Varela Ávalos

1. Armegedón, negras ganan

Óleo sobre tela
60X70 cms.
2
2. Carina´s Cygnus
Óleo sobre tela
60X80 cms.

3. El mensaje
Óleo sobre tela
105X115 cms..

4. Joanne
Óleo sobre tela
45X55 cms.

5. La pelota roja
Óleo sobre tela
60X70 cms.

3
Rossana Beverido Gómez

1957. Córdoba, Ver.

1977-1981 Cursa la carrera de Artes Visuales en la Facultad de Artes Plásticas de la

Universidad Veracruzana, Xalapa, Ver.
1982-1983 Labora en el Instituto Nacional para la Educación de los Adultos en el diseño de
carteles. Xalapa, Ver.
1985-1988 Labora en la Escuela Municipal de Bellas Artes como encargada del Taller de
Pintura y Gráfica Infantil. Veracruz, Ver.
1987 Invitada por el CEIBA, para impartir un curso de diseño de cartel. Villahermosa,
Tab.
1987-1990 Maestra delTaller de Ilustración y del Taller de Color en la Escuela Gestalt de
Diseño. Veracruz, Ver.
Invitada por segunda ocasión a impartir un curso sobre diseño de cartel. CEIBA
Villahermosa, Tab.
1991 Maestra de Taller de Color en la Escuela Latinoamericana de Diseño. Veracruz, Ver.
1922-1993 Labora en el Instituto Veracruzano de Cultura en el Departamento de Diseño ly
Serigrafía en Boca del Río, Ver.
1994 Encargada del Taller de Diseño de los Talleres Libres de Arte en el Puerto de
Veracruz donde hasta la fecha labora.
1997 Recibe mención en el IX Concurso Nacional de Cartel “Con nuestro ingenio
invitemos a leer”.
Reflexión
Expresarme a través de imágenes, símbolos, es algo que se me impone, algo vital.

Espejo, reflejo de mi interioridad, universo propio que se me revela, es apropiación y

despojo;

Es compartir mis emociones mis emociones más íntimas, mis valores, mis percepciones.

Es la posibilidad de disfrutar el juego de experimentar, en el que la única regla es no

limitarme.
Obra
Rossana Beverido Gómez

1. Apunte para un paisaje

Tinta y lápiz graso
77X61.5 cm.
2. La ciudad
Acrílico
2 50X37.5 cms.
3. La luna y yo
Tinta
48X34 cms.
4. La ventana
Acrílico
52X35 cms.
Sofía García Ramos

Fotografía Gustavo Pastrana

Alonso de Ávila No. 421
Fracc. Reforma
C.P. 91910
Veracruz, Ver.
RFC: GARS 580128
Tel. particular 937 32 45
Tel. Cel. 044 2291 04 51 31
sogara9@hotmail.com

Nacida en el Cd. De México en 1958 y radicada en el Puerto de Veracruz desde 1985.

Iniciadora del Grupo OPA Veracruzano y del Taller Verarte, quienes de forma
independiente se dieron a la tarea de difundir la plástica del Puerto en diferentes
ciudades y Estados de la República.

Ha impartido talleres de pintura al óleo, acuarela, grabado, estaño, modelado en cera y

cartonería en diferentes talleres particulares así como en su propio taller
.
Sofía García viene a vivir la plástica en su adultez, artista libre, temática, violenta en su
creación, se niega en palabra y creación a la institución, sin ser errante va y viene en
presencia.

Exposiciones Colectivas e Individuales:

2005 Museo de la Ciudad, Día Internacional de la Mujer

IVEC, Hospitalaria Instalación con Helen Escobedo.

2004 IVEC, Carnaval

Club Etnológico IL Veneziano, “Fragmentos”, individual
Centro Cultural Casa Principal, Otras Miradas
IVEC, Homenaje a Frida Khalo
Club Etnológico Il Veneziano, Expoventa Navideña

2003 Centro Cultural Atarazanas, Exvotos

Centro Cultural Atarazas, Día de Muertos, Instalaciones
 2002 Centro Cultural Casa Principal, Grabado
Central Núcleo Eléctrica Laguna Verde, Dibujo y Pintura
Centro Cultural Casa Principal, Animalías
IVEC, Expoventa Navideña

2001 Galerías “Las Magdalenas”, Xico, Grabado.

Recinto de la Reforma, Dibujo
Esc. De Artes Plásticas, grabado

2000 Recinto de la Reforma, Grabado

Esc. De Artes Plásticas, Grabado

1998 Casa Díaz Mirón, Grupo Verarte

1997 Centro Comercial Plaza Mocambo, Arte y Sentimiento Grupo Verarte

Centro Comercial Plaza Mocambo, Wet and Wet.

1996 Casa de Cultural de Puebla, Pue. Imágenes de nuestra Raza, Grupo

Verarte

1995 Hotel Torre Mar, Grupo Verarte

1994 Teatro Gutiérrez Barrios 14 + 2 en el Arte, Grupo Opa

1993 Recinto de la Reforma, 14 + 2 en el Arte, Grupo Opa.

Estudios:

Curaduría
Mtra. Graciela Kartofel
Arte Contemporáneo
Nuevos Horizontes, Mtra. Graciela Kartofel, Plástica y fotografía, Mtro. Josué
Martínez, Conceptualización, Mtro. Manuel Velásquez, Libro Objeto, Mtro. Omar
Gasca.
Historia del Arte y Critica de Arte
Mtros. Ma. García Villegas, Graciela Kartofel, Oton Tellez, Ivon Moreno, Mtro.
Argudin, Mtro. Manuel Velásquez
Encaustica
Mtras. Ana Toledo y Ma. Elena Lobería
Neografica Experimental
Mtro. Alfonso Moraza
Acrílico
Mtro. Manuel Velásquez, Patricia Soriano e Israel Barrón
Técnica de Grabado chine Colle
Mtra. Ana Toledo
Edición de Estampas a Color
Técnica “Pupé” con el Mtro. Juan Alcázar en Oaxaca, Oax y el Mtro. José A. Ramón.
Grabado en Acrílico
Mtra. Leticia Tarragó
Grabado en Metal en placa de Zinc y Cobre
Mtro. Juan Alcázar en Oaxaca, Oax. Con las técnicas de aguafuerte, aguatinta y barniz
dulce.
Monotipia y Grabado en Linóleo
Escuela de Artes Plásticas con el Mtro. Flavio Hernández
Tinta China
Esc. De Artes Plásticas, con la Mtra. Gloria Banda y el Mtro. Antonio MENA
Dibujo y Perspectiva
Mtros. Per Anderson, Israel Barrón, Gloria Banda y Antonio MENA
Acuarela
Mtros. Adriana Plancarte, Lourdes Azpiri y Antonio MENA
Oleo y Pastel
Mtros. Olga Mungúa y Antonio MENA 1992.
OBRA
Sofía García Ramos

1. Fragmentos I
Acrílico y Tinta China
70 x 90 cms.
2. Fragmentos II
Acrílico y Tinta China
70 x 90 cms.
3. Fragmentos III
Acrílico y Tinta China
70 x 90 cms.
4. Fragmentos IV
Acrílico y Tinta China
Medidas: 70 x 90

2
Valdemar Aguirre Romero

28 de mayo de 1965. Tierra Blanca, Ver.

Tels. 922-65-65
Valdemarte65@hotmail.com

1985 Ingresa a la facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana en Jalapa,

Ver.
1987-1988 y 1990-1992 Periodos en los Talleres de Artes Plásticas de la Universidad
Veracruzana con el Maestro Raúl Guerrero.
1990-2002 Cursos tomados con diferentes maestros en los festivales pedagógicos del
Instituto Veracruzano de Cultura; Joel Olivares, Niko, Vinicio Reyes, Dolores Bolarín,
Guillermina Ortega, Per Anderson, Alberto Castro Leñero, Patricia Soriano, Ahumada entre
otros.
2004 Cursos en el inicio del Centro Veracruzano de las Artes

Experiencia Laboral
1989 Maestro de pintura infantil en la Casa de la Cultura de Isla Mujeres, Quintana Roo.
1992-1993 Maestro de dibujo y pintura en nivel de Bachillerato en la Universidad “La
Antigua”
1994 Maestro de Dibujo en el Colegio Hispano Mexicano
1997-1999 Maestro de pintura infantil en la Casa de Cultura de Tierra Blanca, Ver.
1998-2000 Coordinador de la Dirección de Cultura del H. Ayuntamiento de Tierra Blanca,
Ver.
2000-2003 Maestro de Artes Plásticas de la Universidad del Golfo de México, Campus
Tierra Blancoa, Ver.

Participación en 35 exposiciones colectivas en diferentes sitios de Veracruz, el Estado, el

País y el extranjero.

7 exposiciones individuales
1992 “Espacios alternos” Domo del Ayuntamiento Benito Juárez, Cancún Quintana Roo.
1993 “Gritos y susurros” Edificio Trigueros, Ayuntamiento de Veracruz.
1993 “Figuras alternas” Rincón de la Trova.
1996 “Cálidos” Centro Cultural Atarazanas.
1997 “Raíces” Foro de la Dramaturgia, Santa María la Ribera, México, D.F.
1999 “Registros” Café “El sertón”. Veracruz, Ver.
Universidad de Chapingo Campus Veracruz.
Centro Cultural “Emilio Carballido” Col. del Valle México, D.F.
2002 “Lustro Verde” Caso de la Condesa, Veracruz, Ver.
Obra
Valdemar Aguirre Romero

1. Comunión
Técnica mixta(Acuarela sobre papel
70X50 cms.
2004
2. Creciendo
Oleo sobre tela y tabla
122X11 cms.
2004
3. Resguardo
Oleo sobre tela y tabla
122X80 cms.
2003-2004
Manuel Salinas Arellano

12 de Junio de 1949. Poza Rica, Ver.

Alfa y Omega No. 873, Infonavit Buenavista, Veracruz, Ver. C. P. 91850, México.
Tel. (29) 38 40 47 perspectiva915@hotmail.com

Estudios:
Licenciatura en Periodismo, en la Facultad de Periodismo de la Universidad
Veracruzana(1969-1972).
1981-1982 Maestría en Ciencias de la Educación en el Centro Interdisciplinario de
Investigación y Docencia en Educación Tecnológica, con énfasis en Diseño y Producción
Audiovisual en Comunicación Educativa, en la ciudad de Querétaro, Querétaro.
2004 Recibe el título de Maestro en Ciencias de la Educación por el Centro
Interdisciplinario de Investigación y Docencia en Educación Técnica con su Tesis:
“Estrategias para la elaboración de productos académicos de apoyo a la enseñanza de las
Ciencias. Experiencias desde la docencia en la materia: Metodología de la Investigación.

Obra:

2004 Produce el disco compacto interactivo “Caminos de los Sentidos” con fotografías,
poemas y narraciones de su autoría.
2004 Realiza las investigaciones educativas “Aportaciones de las Artes Visuales a la
formación del Comunicador” y “La educación a distancia como apoyo a la enseñanza de los
Métodos de las Ciencias Sociales en el contexto del MEIF-UV”.
2002 Participa como documentalista en el Proyecto de Producción Plástica Colectiva.
Disertaciones con Especialistas Académicos. Beca del CNART y apoyo del IVEC.
2001 Realiza fotografía documental, industrial, didáctica, de arte y cultura y actualmente
produce su fotografía personal de manera independiente.
2001 Participa en la muestra colectiva de fotografía “10 en el Puerto”, organizada por el
Instituto Veracruzano de Cultura en la Fototeca de la Ciudad de Veracruz.
2001 Produce el documental fotográfico en color “El proceso creativo”, que es una
aproximación al proceso de producción de artistas plásticos del puerto.
2001 Actualmente realiza de manera independiente la investigación “El desarrollo de la
plástica en el puerto de Veracruz”.
2000 Participa como Asesor en Diseño Gráfico Multimedia para el proyecto “Tutorial de
Programación Orientada a Objetos” y “Web Site Multimedia”, en el Instituto Tecnológico
de Veracruz.
1983-1990 Produce fotodocumentales audiovisuales didácticos de procesos industriales:
“Proceso de Producción en Tamsa 1 Patio de Lingotes y Laminación”.
“Proceso de Producción en Metalver”.
“Distribución en Planta Astilleros de Veracruz”.
“Fundición Dobbie, una tradición industrial centenaria”.
1997 Produce de manera independiente la muestra fotográfica “Huellas de Luz” que se
presenta en diversas sedes a través de la Coordinación de Casas de Cultura del Instituto
Veracruzano de Cultura y posteriormente en el Centro de Cultura de Tabasco, en
Villahermosa, Tab., invitado por el periódico Presente.

Actividad editorial y literaria:

1999 Publica con un grupo de comunicadores la revista cultural el túnel.

1995 Cuerpos de todos los días. Cuaderno de poesía. Coedición de autor con Antonio
Heras.
1989 Resonancias. Edición de ISSTE Cultura Veracruz.
1989 Toda poesía. Cuaderno colectivo de poesía. Edición de autor.

Realizó los siguientes videos:

1997 Produce el programa piloto de Televisión Educativa: Aquí estamos.
1997 Milburgo Treviño. Pintor. Documental biográfico.
1995 Hoy no toca el Tapa...hoy tocamos para el Tapa. Documental de cultura popular.
1972 Historia Natural. Ficción.

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