LA FILOSOFÍA EN LA PINTURA DEL

RENACIMIENTO

Antonia Anglada Gomila

Interpretación del Patrimonio
Curso de adaptación al Grado de Turismo
Curso 2022-2023
 ÍNDICE.

1. INTRODUCCIÓN 2
2. RENACIMIENTO Y HUMANISMO. 2
3. PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS DEL HUMANISMO. 3
4. EL ORÍGEN DEL HUMANISMO RENACENTISTA EN LA PINTURA 3
5. LA PINTURA DEL RENACIMIENTO Y SUS ETAPAS. 4
5.1. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA. 4
5.2. ETAPAS DEL RENACIMIENTO. 5
6. OBRAS Y AUTORES. 6
7. RAFAEL SANZIO. 11
7.1. BIOGRAFÍA 11
7.2. LA ESCUELA DE ATENAS. 12
8. CONCLUSIÓN. 16
9. WEBGRAFÍA. 17

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 1. INTRODUCCIÓN

Este trabajo pretende explicar el concepto de Renacimiento y de Humanismo, como la

corriente filosófica que tuvo una fuerte influencia en todos los ámbitos del saber y por
consiguiente en la pintura. Se describen los conceptos, distingue las etapas del Renacimiento
y presenta algunos ejemplos de obras y autores. Acaba con un último apartado dedicado a
Rafael Sanzio y su obra La Escuela de Atenas, símbolo del matrimonio del arte, la filosofía y
la ciencia y sello distintivo del Renacimiento italiano.

2. RENACIMIENTO Y HUMANISMO.

El Renacimiento es la etapa histórica que se ubica entre la Edad Media y la Edad Moderna.
Es difícil determinar con exactitud en qué momento surge el Renacimiento porque es un
fenómeno no homogéneo en el tiempo y en el espacio, aunque sí se sabe que engarza con la
Edad Media y surge en Italia en el S.XV.
Después de una época de decadencia en las artes, la cultura y el pensamiento, el
Renacimiento supuso una profunda renovación del pensamiento, las artes y las ciencias.
Muestra el afán por volver a los valores e ideas de la cultura clásica grecorromana.Estos
valores se caracterizaban por una visión antropocéntrica del mundo, poniendo al hombre
como medida de todas las cosas.Por esta razón, paralelamente al surgir del Renacimiento
aparece el humanismo.

El humanismo fue una corriente filosófica, artística y cultural que impulsó una visión
antropocéntrica del mundo, dejando de lado la tradición teocéntrica y destacando las
capacidades del hombre y de la razón humana. Además, buscó rescatar las tradiciones y obras
de la cultura grecorromana.

El humanismo se originó en el siglo XV en Italia, con la influencia de autores del

siglo XIV como Francesco Petrarca y Giovanni Boccaccio, quienes defendían la vuelta a los
estudios sobre las ideas y la cultura grecorromana. A este período del humanismo, en
particular, se lo conoce como humanismo renacentista.

Ciertos acontecimientos históricos contribuyeron al desarrollo de este pensamiento.

Uno de ellos fue la aparición de la imprenta ( Johannes Gutenberg en 1450). Gracias a la
imprenta se facilitó y abarató la distribución ecuánime y pareja de los textos académicos,
antes en posesión del poder eclesiástico.

Otro factor importante fue la creación de grandes universidades (como la de Alcalá,

Henares y Lovaina), desde las que proliferaron los estudios críticos sobre distintas obras
clásicas, como el corpus aristotélico y la obra de Platón. Las ideas humanistas y el
pensamiento crítico tuvieron allí un lugar desde el que podían ser desarrolladas.

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 El humanismo se colocó como un camino de acceso a las distintas ramas del
conocimiento comúnmente reservadas al canon eclesiástico. Los studia humanitatis (estudios
humanistas) consistían en una formación completa respecto a todos los aspectos del hombre,
fundados siempre en la lectura de distintas fuentes clásicas. Se realizaron traducciones de
muchas obras perdidas o solo conversadas en latín, lo que permitió desarrollar en profundidad
distintas ramas del conocimiento como la retórica, la filosofía moral, la historia y la
gramática.

Al mismo tiempo, la aparición del mecenazgo (como forma de financiamiento

intelectual) y la emigración de sabios bizantinos, junto al surgimiento del pontífice Nicolás V,
permitieron en su simultaneidad el desarrollo del pensamiento crítico.

3. PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS DEL HUMANISMO.

● Desarrolló una noción antropocentrista del mundo y dejó de lado la idea teocentrista
que había regido los últimos siglos de historia.
● Planteó la idea de un modelo de conocimiento mucho más puro que el existente en la
Edad Media.
● Defendió la idea de utilizar a la razón humana como motor para la búsqueda de
respuestas y dejar de lado las creencias y dogmas de fe
● Reformuló el modelo de educación existente hasta aquel entonces, dio importancia al
estudio de clásicos latinos y griegos y abrió nuevas escuelas que promovían el estudio
de otros idiomas y de las letras clásicas.
● Desarrolló ciencias como la gramática, la retórica, la literatura, la filosofía moral y la
historia, estrechamente ligadas al espíritu humano.
● Buscó eliminar todo sistema cerrado que no permitiera la multiplicidad de
perspectivas del pensamiento. Se pensaba que con este cambio se alcanzaría el
desarrollo total del hombre: físico y espiritual, estético y religioso.

4. EL ORÍGEN DEL HUMANISMO RENACENTISTA EN LA PINTURA

La pintura del Renacimiento celebraba la naturaleza y la vida, desarrollándose así los ideales
del movimiento humanista.

El Renacimiento tuvo lugar al término de la Edad Media, a partir del siglo XV. Sin
embargo, numerosos historiadores fechan sus antecedentes tempranos en los siglos XIII o
XIV.
En una época aún dominada por la estética medieval, Giotto di Bondone
anticipó algunas de las características de la pintura renacentista y abrió la puerta a un
nuevo estilo que cambiaría la historia del arte.

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Giorgio Vasari, el gran historiador del arte del siglo XVI, dedica un capítulo a Giotto di
Bondone en su obra Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos dice de
Giotto que es el primero cuya obra anuncia la llegada de un nuevo estilo artístico, aunque por
aquel entonces aún no fuera consciente de ello, y se separa del estático arte medieval para
crear las escenas dinámicas y narrativas que caracterizarán el Renacimiento italiano.

La temática religiosa era de lejos el principal motivo pictórico en aquella época y

Giotto no fue una excepción. El arte estaba muy influenciado por la rígida estética bizantina y
precisamente el gran logro de Giotto fue romper ese esquema y dotar a sus cuadros de un
dinamismo sin precedentes, que podría haber sido inspirado por las estatuas romanas que
pudo admirar en la ciudad de los papas. Innovó con el uso de la perspectiva, de los
claroscuros y la representación de detalles como las arrugas en la piel y en la ropa, técnicas
fundamentales en la pintura renacentista, aunque ese término todavía no se hubiera acuñado.

El dinamismo de sus composiciones y personajes y su uso -todavía rudimentario- de

la perspectiva son la clave del mayor logro estilístico de Giotto: crear, con sus escenas,
historias contadas con la pintura y no simples imágenes estáticas. Otro acierto es el de
integrar sus conocimientos de arquitectura en su trabajo: se encargaba él mismo del diseño de
los espacios en los que debía pintar, disponiéndolos de modo que las paredes y techos
formaran lienzos del número y tamaño adecuados que necesitaba para contar la historia que
tenía pensada.

En una de sus obras mejor conservadas, el ciclo de frescos que decoran la Capilla de
los Scrovegni en Padua, pintado entre 1303 y 1305, narra una serie de historias bíblicas que, a
pesar de su disparidad, forman un conjunto armonioso. En él también podemos apreciar otra
de las características de Giotto, su cuidado por representar los lugares y especialmente los
edificios de forma realista y proporcionada, integrándolos en la historia en vez de usarlos
como un mero telón de fondo.

5. LA PINTURA DEL RENACIMIENTO Y SUS ETAPAS.

5.1. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA.

Como hemos explicado en los apartados anteriores, durante el Renacimiento tuvo lugar el
surgimiento de una escuela de pensamiento llamada humanismo, que tuvo una gran
influencia en todos los ámbitos del saber. De esta forma, la vuelta a las grandes obras y
pensadores griegos y romanos se vio reflejada en las diferentes artes y la pintura no fue una
excepción.

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 Los artistas se inspiraban en las obras clásicas escultóricas para crear sus personajes.
La anatomía física era un punto muy importante, dando al cuerpo humano un carácter
naturalista. Además, reapareció el cuerpo desnudo. Para crear cuerpos perfectos se estudiaba
anatomía y se le daba mucha importancia a la proporción y a las relaciones anatómicas. Se
representaba la belleza física en su máximo esplendor.

En las obras se utilizan pasajes de la mitología griega y romana para representar

escenas y paisajes. Aunque la temática religiosa no se olvida, esto también se ve reflejado en
representaciones de vírgenes y santos.

El afán por la observación de la realidad se tradujo en encontrar técnicas y

herramientas para plasmarla lo más fiel posible, ejemplo de ello son las veladuras y el
sfumato. El objetivo era crear una obra fiel a cómo se estructuraba la realidad que perciben
nuestros ojos. Por esta razón, la perspectiva y la composición visual adquieren una
importancia en mayúsculas. Se utiliza el punto de fuga para dotar a la obra de profundidad,
utilizando la perspectiva lineal o matemática.

5.2. ETAPAS DEL RENACIMIENTO.

Podemos distinguir distintas etapas del Renacimiento:

● El Trecento o Renacimiento Temprano es la etapa transitoria que se desarrolló en el

siglo XIV durante el cambio de la Edad Media a la Edad Moderna. Las
representaciones artísticas ya exponían un cambio de creatividad, en especial en la
pintura. Entre los artistas más destacados se pueden mencionar a Giotto y Duccio di
Buoninsegna.

● El Quattrocento se desarrolló en Italia y abarcó todo el siglo XV. En esta etapa se

fundamentó el renacer de diversas posturas antiguas y, por tanto, del
antropocentrismo. Sin embargo, muchas obras tocaban temas religiosos y mitológicos.
Los artistas inspirados en la cultura grecorromana buscaban representar en sus obras
la belleza y la estética a través de formas equilibradas y armoniosas. Tanto en pintura
como en escultura, despertó el interés por la imitación de la naturaleza, especialmente
en lo que respecta a la anatomía del ser humano.Entre los artistas más reconocidos se
pueden mencionar a Fra Filippo Lippi, Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Piero
della Francesca, Masaccio, entre otros.

● El Cinquecento o Alto Renacimiento es la tercera etapa del Renacimiento que se

llevó a cabo en la primera mitad del siglo XVI, en la cual tuvo su mayor expansión
por el resto de Europa tomando influencias de diversas partes. Los artistas
acostumbraran a recibir encargos de obras para diversos palacios, de hecho, fue en
esta etapa que se construyó la nueva Basílica de San Pedro en el Vaticano. Asimismo,
muchas de sus obras se distanciaban de los temas religiosos. Finalmente, el

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 Renacimiento dio paso al manierismo, lo que representó un punto de inflexión hacia
el estilo barroco de la era posterior. Entre los artistas más destacados de esta etapa se
pueden mencionar a Miguel Ángel Bounarroti y Rafael Sanzio, entre otros.

6. OBRAS Y AUTORES.

En este apartado veremos diversos ejemplos y autores, desde los autores pre
humanistas hasta el siglo XVI

Fragmento de la Entrada de Cristo a Jerusalén en la capilla de los Scrovegni de la Arena de Padua. Giotto di
Bodone, 1303-1305.
En esta obra de Giotto podemos observar que como los rostros de las personas denotan
interés humano por el acontecimiento.

Fra Filippo Lippi: La coronación de la Virgen, c.

1439-1447, Galleria Uffizi, Florencia.
La Coronación de la Virgen es un retablo
que Fillipo Lippi hizo como encargo de
Francesco Moringhi para la iglesia de San
Ambrosio. En lugar de un espacio celeste,
todo parece ocurrir en un espacio
teatralizado, que evoca un salón real, al que
han sido invitados los santos, el donante y
el propio Lippi. Como vemos, el
Renacimiento italiano insistió en una visión
antropocéntrica del cielo.

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Fra Angélico: La anunciación, 1425-1426, oro y temple sobre tabla, 194 cm × 194 cm, Museo del Prado,
Madrid.
En La Anunciación, Fra Angélico hereda del medioevo el gusto por el detalle de la
vegetación, pero aporta recursos del Renacimiento. Ha usado la sobria arquitectura
grecolatina y ha aprovechado sus líneas para acentuar la perspectiva. Para logran mayor
profundidad espacial, ha abierto diversos vanos que crean planos superpuestos: una puerta
conduce a una habitación y, esta, muestra una ventana discreta al fondo. El jardín a la
izquierda refiere la expulsión del paraíso de Adán y Eva. A los pies, vemos una línea de
escenas de la vida de María. Este tipo de líneas con secuencias de escenas en la base de los
cuadros reciben el nombre de predelas.

Masaccio: Sagrada Trinidad con la Virgen, San Juan y

donantes (fragmento), 1425-1427, fresco, 667×317 cm,
Basílica de Santa Maria Novella, Firenze.
El fresco Sagrada Trinidad, con la Virgen, San
Juan y donantes representa el punto de partida
del Renacimiento, pues se dan cita los grandes
cambios plásticos y culturales de la época.
Destaca la perspectiva lineal, el claroscuro y la
técnica del trampantojo. La bóveda de cañón,
de inspiración romana, se anticipa a los
cambios de la arquitectura renacentista. Junto a
los personajes sagrados, se retratan a los
donantes, lo que confiere al tema religioso una
mirada antropocéntrica.

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Paolo Uccello: La batalla de San Romano. Arriba: El desarzonamiento de Bernardino della Ciarda, h. 1438,
Temple sobre tabla, 182 x 220, Galería Uffizi, Florencia. Abajo (izquierda): Niccolò da Tolentino a la cabeza
de los florentinos, Galería Nacional de Londres. Abajo (derecha): Decisiva intervención junto con los
florentinos de Michele Attendolo, Museo del Louvre, París.
La batalla de San Romano de Paolo Ucello es un tríptico con escenas de la batalla en que
Florencia venció a Siena durante las guerras de Lombardía. Originalmente encargada por la
familia Bartolini, pasó muy pronto a la colección de los Medici. No dejan de estar presentes
elementos medievales como la profusión de los detalles que acentúan lo descriptivo. Sin
embargo, se considera una obra maestra debido al uso de la perspectiva y del escorzo, una
técnica que consistía en la representación de un objeto en ángulo perpendicular con respecto
al espectador.

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Sandro Botticelli: El nacimiento de Venus, 1482-1485, temple sobre tela, 1,80 x 2,75 metros, Galería Uffizi,
Florencia.
El nacimiento de Venus, de Sandro Botticelli, fue originalmente parte de un mueble, y
probablemente por ello no vemos un desarrollo del paisaje tan exhaustivo. La atención que
recibe en parte tiene que ver con el tratamiento del tema, que ya no es un tema sagrado.
Asistimos al mito del origen de Venus o Afrodita, diosa de la fertilidad y el erotismo.Con esta
obra, Botticelli legitimó la representación del desnudo femenino de cuerpo completo en el
arte en temas profanos.

Leonardo da Vinci: La última cena, 1498, témpera y óleo en yeso, brea y masilla. 4,6 x 8,8 mt, Refectorio del
Convento Santa Maria delle Grazie, Milán.

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La última cena es una de las obras más conocidas de Leonardo. Destaca por las referencias
intelectuales y filosóficas incorporadas a la escena, pero también por su dramatismo. Sin
renunciar al equilibrio renacentista, la obra se carga de tensión emocional y psicológica en
sus personajes, desafiando la aparente frialdad de muchas composiciones anteriores. Su mal
estado de conservación en parte es resultado del intento de Leonardo por mezclar temple y
óleo para poder hacer correcciones sobre el yeso.

Miguel Ángel Buonarroti: Frescos de la Capilla Sixtina, Techo pintado entre 1508-1512. Muro pintado entre 1537-1541,
pintura al fresco, Ciudad del Vaticano.

Si bien el juicio final de la humanidad no era un tema inusual para un artista del
Renacimiento, Miguel Ángel lo hizo suyo utilizando un estilo que fue apreciado por algunos
y criticado por otros.
En el fresco, vemos más de 300 figuras pintadas magistralmente para contar esta historia.
Cristo está sentado en el centro, con la mano levantada para juzgar a los condenados que se
hunden en las profundidades del infierno. Con una musculatura impresionante, este Cristo es
una figura imponente.

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La composición general gira en un movimiento fluido, con los salvados a la izquierda de
Cristo, que se levantan de sus tumbas mientras que los condenados son enviados al infierno.
En la parte inferior del fresco vemos a Caronte, una figura mitológica. En la mitología griega
y romana, Caronte transportaba almas al inframundo. Aquí las lleva directamente al infierno,
que está lleno de personajes macabros.
La Iglesia aún era una institución inestable debido a la Reforma protestante, por lo que
muchos dentro de la organización estaban intentando implementar reformas espirituales. Por
ello, no estaban de acuerdo con que Miguel Ángel hubiera mezclado personajes mitológicos
con religiosos, y definitivamente no estaban de acuerdo con la cantidad de desnudos.

7. RAFAEL SANZIO.

7.1. BIOGRAFÍA

Raffaello Santi, también llamado Rafael Sanzio o Rafael de Urbino (Urbino, Italia,
1483 - Roma, 1520) Pintor y arquitecto italiano. Por su clasicismo equilibrado y sereno
basado en la perfección de la luz, la armonía en la composición y el dominio de la
perspectiva, la obra de Rafael Sanzio constituye, junto con la de Leonardo da Vinci y Miguel
Ángel Buonarrotti, una de las más excelsas realizaciones de los ideales estéticos del
Renacimiento.

Su padre, el pintor y humanista Giovanni Santi, lo introdujo pronto en las ideas

filosóficas de la época y en el arte de la pintura, pero falleció cuando Rafael contaba once
años; para ganarse la vida, a los diecisiete años ya trabajaba como artista independiente. No
se conoce con exactitud qué tipo de relación mantuvo Rafael con Perugino, del que unos lo
consideran discípulo y otros socio o colaborador. Sea como fuere, lo cierto es que superó
rápidamente a Perugino, como se desprende de la comparación de sus Desposorios de la
Virgen con los de este último.

Desde 1504 hasta 1508 trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde recibió la

influencia del arte de Leonardo da Vinci y Miguel Angel.
En 1508, el papa Julio II lo llamó a Roma para que decorara sus aposentos en el Vaticano.
Aunque contaba sólo veinticinco años, era ya un pintor de enorme reputación. En las
habitaciones de Julio II, conocidas en la actualidad como Estancias del Vaticano, Rafael pintó
uno de los ciclos de frescos más famosos de la historia de la pintura.

Entre 1509 y 1511 decoró la Estancia de la Signatura, donde pintó las figuras de la
Teología, la Filosofía, la Poesía y la Justicia en los cuatro medallones de la bóveda, para
desarrollar de forma alegórica estos mismos temas en cinco grandes composiciones sobre las
paredes: El triunfo de la Eucaristía, La escuela de Atenas, El Parnaso, Gregorio IX

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promulgando las Decretales y Triboniano remitiendo las pandectas de Justiniano, estas dos
últimas alusivas a la justicia. En un espacio de gran amplitud, organizado con un perfecto
sentido de la perspectiva, Rafael dispone una serie de grupos y figuras, con un absoluto
equilibrio de fuerzas y una sublime elegancia de líneas. No se puede pedir mayor rigor
compositivo ni un uso más magistral de la perspectiva lineal.

En la Estancia de Heliodoro, decorada de 1511 al 1514, Rafael desarrolló cuatro

temas históricos, acentuando en cada uno de ellos un rasgo plástico determinado: el
claroscuro en La liberación de San Pedro, la riqueza del colorido en la Misa de Bolsena, etc.
En la estancia del Incendio del Borgo (1514-1517) predomina ya la aportación de los
discípulos sobre la del maestro, lo mismo que en la Estancia de Constantino, donde sólo la
concepción del conjunto corresponde a Rafael.

El pintor simultaneó la decoración de las Estancias del Vaticano con la realización de

otras obras, como los frescos de El triunfo de Galatea para la Villa Farnesina. A este período
corresponden también numerosos cuadros de la Virgen con el Niño, algo más solemnes y
menos cautivadores que los de la etapa florentina. Los retratos romanos, en cambio, superan
en veracidad y penetración psicológica a los florentinos. En ambos casos, el dibujo es de una
calidad inigualable y el colorido, discreto, servidor de la forma.

A partir de 1518, Rafael se ocupó de la decoración de las Logias del Vaticano con
pequeñas escenas del Antiguo Testamento envueltas en paneles de grutescos. La
Transfiguración, última obra del artista, es considerada por algunos el compendio perfecto de
su arte. Sus trabajos arquitectónicos, de menor importancia que los pictóricos, incluyeron la
dirección de las obras de San Pedro del Vaticano.

7.2. LA ESCUELA DE ATENAS.

Rafael Sanzio: La Escuela de

Atenas. 1510-1511. Fresco. 500
cm × 770 cm. Museos del
Vaticano, Vaticano.

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 Pinta entre 1509 y 1511, esta obra se encuentra en la primera de las cuatro salas
diseñadas por Rafael, la Estancia della Segnatura. La Escuela de Atenas es una pintura al
fresco que tiene una base de 7,7 metros de ancho y alcanza una altura máxima de 5 metros en
el extremo del arco. Construida a partir de la perspectiva lineal o en punto de fuga, la escena
se enmarca en un espacio arquitectónico severo.

Rafael aprovechó la técnica de

la arquitectura pintada para crear
una mayor sensación de
profundidad, tal como había
aprendido de Perugino.

Las líneas representan la

perspectiva lineal o en punto de fuga.

Como escenario, Rafael representa tres bóvedas de cañón sucesivas, formadas por
arcos de medio punto, cuyos fondos abiertos y separaciones sugeridas crean mayor sensación
de profundidad. A los lados de tales bóvedas, vemos una galería de columnas y estatuas,
referencia alegórica de la cultura grecolatina ( Apolo, símbolo del orden, la armonía y la
razón, y Atenea, símbolo de la sabiduría, las artes y la estrategia bélica).

Sobre este escenario, vemos la representación de diversos personajes históricos del

ámbito de la filosofía, la matemática, la ciencia, las artes y la política. Ellos conviven con la
presencia extemporánea de algunas figuras de la época renacentista, incluido el propio
Rafael. Además, Rafael usó como referente físico a personajes contemporáneos.
Rafael no dejó ninguna referencia identificativa de los personajes, así que hablamos
de interpretaciones que se han hecho de su obra y a día de hoy todavía queda alguno sin
identificar.

A continuación, detallamos los diferentes personajes, empezando por las dos figuras
principales de la obra. Aparecen directamente debajo del arco y en el punto de fuga del
fresco, un truco de composición para atraer la atención del espectador hacia la parte más
importante de la pintura. Aquí vemos a dos hombres que representan las diferentes escuelas
de filosofía ( Platón y Aristóteles).

1. Platón, quien ha sido representado con los rasgos del

maestro Leonardo da Vinci, sostiene el libro Timeo. Su dedo
apunta hacia el cielo. Este gesto hace referencia a la Teoría de
las Ideas que fundamenta su línea de pensamiento.
2. Aristóteles. A la derecha de Platón, vemos a Aristóteles
sosteniendo el libro Ética. Su mano derecha, a la altura de la

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cintura, mantiene la palma paralela al suelo. Con ello, Rafael alude a la teoría de las formas
de Aristóteles, quien pensaba que las cosas son en sí mismas y que no existen como realidad
dual (separación cuerpo y alma).
3. Heráclito (como Miguel Ángel).Filósofo, representado como Miguel Ángel tanto en
facciones como atuendo y, a su vez, sobre una base de mármol.
4. Diógenes.Pensador de la escuela cínica, famoso por su desinterés en los usos y costumbres
sociales, a lo que contraponía el principio de la autonomía.

5. Zenón de Elea: Fue un filósofo griego

discípulo de Parménides, representante de
la Escuela Eleática.
6. Epicuro. Fue el creador del epicureísmo
que, entre otras cosas, negaba la
inmortalidad del alma y defendía el
hedonismo.
7. Federico Gonzaga. Federico Gonzaga
era entonces el duque de Mantua, por
nombramiento de León X. Fue un
importante mecenas.
8. Anaximandro. Este personaje pudiera ser Anaximandro, discípulo de Tales de Mileto, fue
conocido como filósofo y geógrafo. También se han sugerido los nombres de Severino
Boezio, Aristosseno, Senocrate y Empedocle.
9. Averroes. Averroes fue un filósofo, matemático y médico andalusí de la Edad Media (siglo
XII), quien enseñaba también leyes islámicas.
10. Pitágoras. Filósofo y matemático griego. Además de un libro, frente a él vemos una
pizarra que muestra el triángulo numérico “Tetraktys”, símbolo de la unidad del universo, y
vemos también el símbolo de la teoría de la armonía musical.
11. Telange: Discípulo de Pitágoras, encargado de sostener la pizarra para él.
12. Hipatia de Alejandría. Filósofa y profesora neoplatónica, conocida por sus
contribuciones en matemática, astronomía, álgebra y geometría.
13. Parménides. Filósofo, precursor del idealismo platónico y fundador de la Escuela
Eleática.

14. Alejandro Magno. Rey de

Macedonia, quien venció a los persas y
extendió su imperio a Grecia, Egipto
hasta la India. Alejandro Magnno llegó a
ser discípulo de Aristóteles.
15. Jenofonte o Antístenes. Jenofonte
fue un historiador, filósofo y militar. Una
de sus obras más importantes es
Helénicas, sobre la Guerra del
Peloponeso. También pudiera tratarse de
Antístenes, fundador de la escuela cínica en la Antigüedad griega.

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16. Alcibíades. Algunos investigadores proponen que esta figura podría tratarse de un
personaje de El Banquete de Platón llamado Alcibíades, debido a que se encuentra
dialogando con Sócrates.
17. Sócrates. Es considerado el padre del pensamiento filosófico griego e impulsor de la
dialéctica. Fue el maestro de Platón.

18. Plotino: Filósofo neoplatónico, cuya teoría sobre

la trinidad y el Uno ha sido fuente de inspiración para
la filosofía cristiana. Se cree que el modelo de
referencia es el papa Julio II.
19. Homero. Homero es el autor a quien se le
atribuye la composición de La Ilíada y de La Odisea,
obras literarias fundamentales de la cultura griega.

20. Euclides o Arquímedes (como

Bramante). No se sabe a ciencia cierta a
quién representa esta figura, pero a
juzgar por el uso del compás, puede
tratarse de Euclides o de Arquímedes. El
rostro es el de Leonardo Bramante,
arquitecto del Renacimiento.
21. Ptolomeo. Astrónomo, geógrafo,
matemático y químico de la transición
entre el siglo I y el siglo II c.C, de
origen greco-egipcio. El personaje
sostiene un globo terráqueo.
22. Apeles (como Rafael Sanzio). A
todas luces, esta figura es un autorretrato de Rafael Sanzio, pero este encarna al personaje de
Apeles, pintor de la Edad Antigua. Normalmente, cuando esto ocurre en pintura, el autor mira
directamente al público, rompiendo la ficción.
23. Protógenes (como El Sodoma). Protógenes era otro pintor de la Edad Antigua, rival de
Apeles. Rafael lo retrata como ``El Sodoma'' (sobrenombre de Giovanni Antonio Bazzi), un
pintor contemporáneo a quien Rafael sustituyó para el encargo de la Estancia del Sello.
24. Zoroastro o Estrabón. El personaje porta un globo celeste. La tesis más difundida
sostiene que se trata de Zoroastro, un profeta fundador de una de las primeras religiones
monoteístas, conocida como mazdeísmo. Otros investigadores sugieren que se trata de
Estrabón, un geógrafo e historiador griego.

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 Todos estos personajes evocan de manera idílica lo que fue La Academia de Atenas,
en la que Rafael encontró inspiración conceptual. La Academia de Atenas fue una escuela
fundada por el propio Platón hacia el siglo IV a.C. para la enseñanza de la filosofía, las
matemáticas, la astronomía, la medicina y la retórica.

Esta academia, donde personalidades como Aristóteles recibieron su formación, fue

de tal importancia para el mundo antiguo que su existencia se prolongó hasta el siglo V d.C.,
casi nueve siglos. Su funcionamiento no fue continuo por diversas causas, pero ciertamente
mantuvo su vigencia en el pensamiento.

El significado del fresco de Rafael puede sintetizarse en la celebración de la filosofía,

madre de todas las ciencias, así como en la celebración del pensamiento científico y el
reconocimiento a los aportes de los pensadores (filósofos, matemáticos, geómetras, etc.) de la
antigüedad.

Acorde con ese espíritu renovador, Rafael quiso crear una idílica academia que es, a
su vez, el recuerdo de las grandezas de la Academia de Atenas, fundada por Platón.

8. CONCLUSIÓN.

Como consecuencia de todo lo expuesto en los apartados anteriores, podemos afirmar

el hecho de que la transición de un estilo a otro no es un proceso espontáneo, sino que se va
gestando de forma progresiva.
El Renacimiento es la etapa histórica que se ubica entre la Edad Media y la Edad
Moderna y fue la expresión plástica del humanismo. Después de una etapa medieval, en la
que predominaba una visión teocéntrica del mundo, el humanismo representa una nueva
visión antropocéntrica.
En referencia a la pintura, comienza a gestarse poco a poco con algunos autores del
siglo XIV y se extiende hasta el siglo XVI.
Una de las mayores aportaciones técnicas de la pintura del renacimiento es la
introducción de la perspectiva lineal.
La Escuela de Atenas de Rafel, representa la máxima expresión del pensamiento
humanista de la época reflejado en una obra pictórica.

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9. WEBGRAFÍA.

● Matias Carrizo Morinigo .20 de Febrero de 2018. Cruzadas, Humanismo,

Renacimiento. https://clubensayos.com
● Bárbara Fernández Abad. De la Edad Media al Barroco. El Renacimiento.
http://arts.recursos.uoc.edu/
● Regina Sienra. 28 de junio de 2022. 20 Pinturas renacentistas que dejaron huella en
la historia del arte. https://mymodernmet.com
● Mark Cartwright, traducido por Agustina Cardozo. 10 de noviembre de 2020. Arte
renacentista. http://worldhistory.org
● Abel G.M. 6 de Mayo de 2022. Giotto, el precursor de la pintura renacentista.
https://historia.nationalgeographic.com.es/
● Tom Henry. Rafael Sanzio. https://museadelprado.es
● Andrea Imaginario. La escuela de Atenas de Rafael Sanzio. https://culturagenial.com

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