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Anónimo
Comunicación Audiovisual
1º Grado en Comunicación Audiovisual
Facultad de Humanidades, Comunicación y Documentación

Universidad Carlos III de Madrid
Reservados todos los derechos.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
¿Qué es realizar?
**Es la actividad de exponer una idea mediante técnicas audiovisuales.
- Pensar y materializar una idea audiovisualmente

- No se debe confundir técnica con creatividad. Creamos la idea a través de las
técnicas audiovisuales.
- Capacidad de transmitir audiovisualmente aquello que queramos transmitir.
Construcción

La posición del creador/constructor
¿Cómo hacemos esto?
Tenemos que traducir una idea conociendo unas determinadas técnicas y unas
determinadas herramientas tecnológicas y en un determinado contexto social.
Concepto/contenido
Transmitir una información, provocar una emoción persuadir generar una necesidad
Metodo /técnica
Como lo hago y como organizo las cosas para que se haga. Conocimiento del
lenguaje audiovisual
Logistica y tecnologia: los equipos
Referencias /contexto
¿Estar a la moda? Influirá también la cultura y sociedad de cada pais, etc.
• Conocimiento técnico de los materiales que tiene a su disposición y de su

valor expresivo.
- Uso del angular
- Características de los micrófonos(ficción doblada en un baño o en un salón)
- La luz es variable a lo largo del día
- El maquillaje
• Capacidad de coordinar los equipos humanos(coordinar, poner en relación,
organizar reuniones…)
- El propio equipo de realización: realizador, ayudantes de realización regidor y
mezclador.
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- Equipos de grabación, de edición, degrafismo, y en directo, todo el personal del
plató
• Establecer el punto de vista
- El uso correcto de la tecnología no asegura el buen fin expresivo

• Tener la capacidad de prever (ver antes) el resultado de todo ello.
Hay dos formas de enfrentarse a la creación audiovisual:
No se debe confundir poner una cámara y micrófono con el hecho de construir un
producto audiovisual. No todo lo que se hace con una cámara de video es cine o tele
o un producto audiovisual…
No es lo mismo la grabación de una acción o de algo a la construcción de una acción,
que logre generar ciertas emociones y contar algo.
Diferencia entre construir el producto audiovisual y poner la cámara delante de una

realidad.Una muestra lo que pasa y otra construye lo que pasa. La manipulación esta
siempre existente en la producción audiovisual.

Construir =hacer=realizar=manipular (no es ni negativo ni positivo simplemente esta
ligado al proceso de creación audiovisual).
**Colas ( montaje de video en la que se selecciona una serie de planos para ilustrar
una noticia)**
https://drive.google.com/file/d/0B8mH4nBSSh6BLVBFRUdtUDBFMVE/view
Billy Wilder:
Uno entiende a lo que esta pasando atendiendo a cuestiones visuales.
Clase semana 3:
Monocámara (una cámara)/ Multicámara (más de una cámara)
Todo producto audiovisual atraviesan por estas 3 fases:

1. Preproducción
2. Rodaje
3. Montaje/edición y postproducción
- En los procesos de producción multicámara, la fase de rodaje es contemporánea a

la fase de edición. La edición se hace en directo.
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- En los procesos monocámara: la tercera fase se realiza con posterioridad al
montaje.
El equipo de trabajo:
Realizador (del francés) y director (del inglés)
• El director lo asociamos más al cine como director del cine de Hollywood y el
realizador lo asociamos a la televisión.
• El director de cine en el modelo de producciones de estudio de Hollywood
• El realizador como autor. Cine independiente, video, arte
• El realizador de documentales. Periodista y cineasta.
• El realizador en TV en proyectos monocámara y multicámara.
El equipo de realización es el grupo que asume esa responsabilidad técnica para

producir el proyecto audiovisual.
El realizador:

Dirige los equipos de ToDas las facetas Tecnico-artísticas.
✴ Guión técnico
✴ Ensayos
✴ Puesta en escena
✴ Rodajes o grabación
✴ Montaje/edición
✴ Sonorización/mezcla
✴ Postproducción
Ayudantes de realización:
• Desglose de guión
• Localizaciones (TV)
• Plan de trabajo
• Asistencia en ensayos
• Ayuda en la puesta en escena
• Montaje y sonorización
✴ Ayudante de realización en estudio
✴ Ayudante técnico mezclador
✴ Regidor(ayudante de realización en plató)
El equipo de fotografia:
✴ Iluminador en TV (diretor de fotografia en cine)
✴ 1º operador
✴ 2º operador/foquista/ayudante de cámara
✴ Jefe de eléctricos (gafes) y los eléctricos

✴ Maquinistas (Grip)
Equipo de sonido:
✴ -Técnico de sonido
✴ Ayudante de sonido/microfonista/pertiguista
Equipo de dirección artística:
✴ Director de arte/escenógrafo
✴ Construcción de decorados (carpinteros, albañiles…)
✴ Maquilladores y peluqueros
✴ Diseñadores de vestuario (figurinistas, sastres…)
✴ Efectos especiales (de escena)
Equipo de actores:
Trabaja con el director, tiene que comentar las cosas con ellos indicarles como tienen

que hacerlo y dirigirles.
Equipo de edición y postproducción

✴ Montador
✴ Editor de audio
✴ Técnicos de efectos sala (foley)
✴ Técnicos de efectos digitales (audio y video, 3D, animadores, modeladores
texturizadores…).
El montaje:
Es posiblemente la mejor escuela de rodaje.La actividad intelectual que nos permite
proponer a través del lenguaje audiovisual y crear emociones. El montaje es la mejor
herramienta audiovisual para transmitir significados.
El montaje esta presente en todas las fases del proceso audiovisual.
Videoensayo de what is realism?: https://drive.google.com/file/d/

1iiyq1sz_GHH8hsepl4FSkQqnQ7zSflCa/view
Plantea una forma de ver el neorrealismo y lo que no es el neorrealismo. Propone el

montaje e dos directores.
Desde el lenguaje audiovisual existe una manera de contar la historia neorrealismo.

En el De Sica aguanta el plano y permite que entre la vida de la italia de ese momento
en el plano. Todo eso expresa el neorrealismo.
07/10/2020
Valor expresivo del montaje
En el montaje hay que controlar la expresividad de cualquier elemento de

montaje. Un valor expresivo muy propio del cine. Lo fundamental es ser
consciente de ello.Siempre que colocamos un plano después de otro seamos
conscientes de que algo va a expresar.

- Kuleshov
- Hitchcock
La reconstrucción del espacio-tiempo:

Hay que darse cuneta de que es lo que hacemos desde que ha surgido el montaje. Que
hacemos en el momento del rodaje(construcción de una historia, fragmentación del
espacio tiempo).
El montaje surgió fragmentando el espacio, mediante el montaje intentamos construir

el espacio total el trocitos o fragmentos de espacio.
Crear la ilusión del espectador de un determinado espacio es una de las cosas que se
hace al rodar.
1. Localización es el lugar en el que hacemos nuestro rodaje. Si hago un rodaje de

una noticia en el congreso de los diputados la localización es el congreso de los
diputados
2. Espacio dramático/diegetico: del espacio de la historia que yo quiero proponer
que puede coincidir con la localización. Es el lugar en el que sucede la historia, el
lugar que diseña el suceso de la historia. Se construye a través de las técnicas
audiovisuales. El elemento sonoro es un elemento fundamental también en la
creación del espacio dramático.
Para ambos hay que hacer siempre una transformación, pasa algo, el rodaje.
El espacio del plano: es el espacio de la imagen, los cuadros producen una

determinada sensación espacial al igual pasa con los planos, las fotografías , los
dibujos, etc. Influye en la sensación espacial al usar diferentes objetivos no es lo
mismo un plano grabado con un teleobjetivo que con un angular. Sensación espacial
que produce el plano individualmente considerado.
3. Espacio fílmico: fenomenologia, rehaces la idea del espacio dramático que el
espectador se hace en su cabeza.
Se trata de que veamos cuales son esas formas y estrategias de rodaje que nos
permiten construir ese espacio dramático y que desees sea comprensible por ese
espectador.
El espacio fílmico: Raccord
**Fallo de raccord: cualquier elemento que rompa la continuidad entre un plano y el

siguiente.
El eje de acción:
Respetar el eje de accion para que tengan sentido las direcciones de las personas en
los planos. Hace posible la creación de un espacio dramático.

14/10/2020
El espacio fílmico/ El eje de acción:

- Regla fundamental para respetar el eje de acción, la regla de los 180º. Todos
los puntas de vista los tengo que rodar de un lado del eje o del otro pero no
de los dos a la vez a toser que se pueda justificar de alguna forma este
cambio de eje.
- Formas de traspasar al otro lado del eje:
- Movimiento de cámara de un eje a otro dentro del mismo plano.
- Si no otra opción es hacer un plano sobre el eje justo en el medio, en el eje
justo, del plano subjetivo.
- Otra tercera opción…
- La mirada es importante para el cambio de plano, ayuda a comprender al
espectador
21/10/2020
Especie de forma de construir elementos audiovisuales, MRI, el montaje.
Las transiciones:
- El corte
En principio es una transición “pensada” para que se pase desapercibida. El
buen montaje por corte es absolutamente transparente.

Si el corte se hace visible “salto por corte” es porque no hemos respetado las
reglas de raccord.
En una transición por corte (un plano después de otro sin ningún efecto
encadenado, simplemente hay un plano y después otro). Transición pensada
para que es cambio de plano pase desapercibido.
Técnicas que tenemos que tener en cuenta. En el 95% de las ocasiones hacemos
un cambio de plano por corte. Sin embargo, hay otras transiciones que son muy
visibles para el espectador. Cuando uso una transición diferente al corte uso una
forma de cambiar de plano en el cual quiero contar algo.
El espectador no pasa desapercibido cuando hay algún fallo esto se denomina

fallo de raccord. No se respeta la continuidad.
Continuidad en el corte : Cortar solo entre planos que se correspondan,

No deberían ser aceptables faltas de correspondencia en cuanto a anulación, en
cuanto a profundidad de campo, o en general, en cuanto a características del

objetivos.
Error típico es cuando tenemos un único personaje estático a veces tendemos a
cambiar de plano y lo que hacemos es cerrar un poco el encuadre en vez de
mover la cámara. Por tanto, Con un solo personaje, intentar evitar el corte con
el mismo ángulo de cámara.
Si queremos cambiar de plano lo que debemos hacer es cambiar la posición e la

cámara al menos 30º con respecto al actor, lo que no se debe hacer es ampliar a
zoom desde la misma posición porque rompe el raccord. En caso de que en el
guion narrativo si que estaría justificado (que se le pose una mariposa en la
cara, usando de plano general a primer plano).
- Jump cut: es un fallo de raccord, también dependiendo del guion narrativo

pero que puede estar justificado(función expresiva): evitar cortar entre dos
planos con el mismo motivo y son leves diferencias en cuanto al tamaño de
plano y angulación.
- El mejor momento para hacer un cambio de plano sin que se note es
siempre el movimiento. Cortar durante el movimiento de la mano es la más
difícil pero si se hace bien es el mejor para preservar la continuidad. En
imagen, no es un movimiento real, el movimiento s representara de una u
otra manera, tenemos la representación del movimiento que esta
caracterizada por el dispositivo de montaje. La sensación de movimiento
depende de la lente que use. La representación varía dependiendo de los
objetivos que uses. La representación de movimiento en un plano general da

la sensación de un movimiento más lento que en un primer plano.
Dependiendo del encuadre cambia la sensación del movimiento, Esta bien
rodar en general el movimiento real sea más lento para que al rodar en
primer plano no habrá la ruptura de continuidad. Diferencia entre realidad y
representación el movimiento.
- Otra regla típica: si hay un sujeto que se mueve en panorámica. Si los
objetos o sujetos se mueven en panorámica avance o retroceso no cortar
nunca a un plano estático de los mismos objetos o sujetos. Ej: no
podemos grabar al profe avanzando hacia la puerta y otro plano en el que el
profe este para do ya en la puerta. Se rompe la continuidad.
- En general evitar cambios de plano con movimientos de cámara no
finalizados.
- Corte en el punto exacto: corte en el punto de la realidad en el que hay
plena coherencia con el corte real. No el corte en el punto exacto es el corte
que no funciona la mayoría de veces.
1. Organizar la edición:

1. Reunión del material: Hay que recolectar el material
2. “Visionado”: Es ver sacando muchas conclusiones. Conocer a fondo el
material. Obtener todas las informaciones que me pueden dar ese bruto de
video. Hay que tomar notas.
3. Parte de visionado: Apunto las informaciones que hayamos extraído de un
bruto (Archivo: “chica suicidio”, plano: se identifica con un número.
Toma , TC IN, información útil, DUR: duración del plano, descripción del
plano hay que ser precisos para las cosas importantes.
2. Descripción ¿Qué incluimos?
3. Toma de decisiones
- Orden lógico
- Coherencia narrativa
- Ritmo
4. Edición off-line (EDL)
Informaciones, una lista de decisiones.

Lista de decisiones de edición en un documento. Qué plano vamos a colocar
después de otro según lo que hemos pensado y concluido después del arte de
visionado.
Un montaje definitivo (on-line)
28/10/2020
La reconstrucción del tiempo

- El tiempo dramático:
- El tiempo fílmico: en que media cada uno de los espectadores percibe esa
organización temporal. La impresión que la propuesta del director que genera
en la mente del espectador. Nos tenemos que asegurar la coherencia entre el
tiempo dramático y el fílmico
En el cine podemos manipular el tiempo. Ej: persona bajando por las escaleras
mecánicas. Tiene que bajar. Sube al peldaño y espera a llegar abajo. Si es plano
secuencia y la sensación de tiempo será exactamente igual para el espectador
que el tiempo de la acción que se rueda.
Si se usa un montaje más elaborado no se rompe la sensación de tiempo sino

que has representado ese tiempo de otra forma y hemos reducido la duración
real del plano pero la sensación del recorrido y continuidad no se rompe.
Hemos reconstruido el tiempo dramático para que sea similar al tiempo real,
pero con el montaje hemos reducido ese tiempo.
• Elipsis: el director escamotea el recorrido de la escalera. Pasa de estar arriba

a estar abajo, no muestra el recorrido, se lo salta.
• Elipsis narrativa: para reducir el tiempo, quitar partes que no son
importantes. Ej: 2001, Odisea en el espacio; transición entre el hueso y
la nave espacial.
• Elipsis mecánicas: conseguir reducir el tiempo sin que el espectador
perciba que el aspecto está siendo reducido.Permite que cuando estoy
bajando una escalera los 30 sec se conviertan en 18 sec pero el
espectador no tenga la sensación de que yo he cortado nada. Que el
espectador no reconozca por el montaje en el que se ha reducido el
tiempo.
Esculpir en el tiempo:
En todo el caso que constituye la realidad el director de cine lo que hace es
quitar cosas , buscar una linea que limpiando todo eso para dejar una historia
perfectamente clara en la que avance. Buscar esa linea un poco temporal. En la
medida en la que la labor del realizador no solo es una labor de
planificación espacial sino también temporal. Hay que proponer no solo el
espacio sino también el tiempo del relato.
Elípsis :
- Analepsis/retrospección: flashback
- Prolepsis/prospección: flash forward
Montaje paralelo: tener dos puntos de vista sobre escenas que no
necesariamente pertenecen a la misma acción o a la misma escena. Ej:
intolerancia, contar la historia de la intolerancia a lo largo de la historia. 4
momentos históricos precisos nos lo cuentan cada uno que tiene algo en común
pero que no llegan a confluir.

Montaje alternado: fijar el punto de vista en dos partes de una determinada
accion. Hay un momento en el que nos acciones convergen. Ej: una
persecución.
1. Preproducción:
Tengo una idea y hay que ponerla a disposición de la gente que va a trabajar
conmigo. Es la fase de ideación y diseño del producto audiovisual.
Los documentos (Área de dirección-realización)

- Guión
- Guión técnico: para proponer un espacio dramático y se hace antes de rodar.
- Story board y sus variantes:
- Planta escenográfica:
- Desglose de guión
El Guión
- Narrativa visual
- Estilo directo (sin explicaciones)

El guión técnico:
En él se vierten “en imágenes y sonidos concretos” el contenido del guion literario.

Es el tratamiento audiovisual articulado en planos (visuales y sonoros)
Debe contener:
Numeración de los planos ¿insertos?
Características del plano (tamaño, p. de vista, objetivo, movimiento)
Contenido mecánico y narrativo(direcciones, salidas de cuadro)
Requerimientos de audio(haciendo hincapié en los no evidentes)
Cualquier otro requerimiento de tipo técnico o artístico que se salga de lo común.
Tipos:
Una sola columna
Doble columna
Incluso 3 columnas (acciones, video, audio)
Cambios de plano rayas horizontales
Cambios de secuencia doble raya horizontal (color)
Marcar los personajes: subrayar o usar mayúsculas.

04/11/2020
Examen final:
1º intento y 2º intento
Story board: Documento complementario del guión técnico.

- Es la plasmaron gráfica del mismo. Admite diferentes niveles de acabo según el
director, el producto.
- Desde un story puramente mecánico hasta un acabadisimo story publicitario de
presentación.
Sirve para mostrarle al resto del equipo que tipos de planos queremos usar.
Herramienta necesaria para hacer un trabajo profesional.
El story board de publicidad es diferente al de el cine.
La planta escenográﬁca:
Las plantas de una secuencia son los dibujos o esquemas, a vista de pájaro, en los que
se representan todas las posiciones y movimientos de los actores y cámara e cada
escenario. Se representa la relación entre el movimiento de los actores y los de la
cámara, la coreografía de la escena.

La realización de las plantas es importante no solo para el proceso de planificación
del director sino para el estudio y buena comprensión de las secuencias.
En todo caso debe contener:

- Elementos escenográficos fundamentales
- Posiciones y movimientos actores
- Posiciones y movimientos de cámara (numerados coherentemente con el guión
técnico).
Desglose de guión:
Extracción ordenada y sistemática de las necesidades de la historia y del rodaje
En él se deben reflejar todos y cada uno de los elementos que aparecen en la película
y los elementos técnico para llevarla a cabo.
Para poder llevar a cabo el rodaje de las secuencias necesitamos saber cuales son las
necesidades del rodaje.
El analisi separa a un determinado objetivo: la confección de un plan de trabajo: por

lo tanto, se tratará de extraer del guion todos aquellos datos significativos a tale fines,
extracción que se hará siguiendo una sencilla técnica o procedimiento.
Secuencia mecánica: lugar del rodaje.
Secuencia narrativa:
Hojas de desglose: Se trabaja desmenuzando secuencia por secuencia todo elemento

o dato que apere
- El titulo
- El nombre del proyecto
- Número de secuencia
- Página de guión

11/11/2020
Técnicas de grabación monocámara
Análisis del guión si lo hubiera

Reflexión sobre el acontecimiento y la noticia que pretendemos construir. Punto de
vista
¿Guión técnico/planificación de rodaje?
Localización /Evaluación del lugar de rodaje(espacio, condiciones acústicas, luz…)
Evaluación de necesidades técnicas (Desglose de guión)
Lo que necesito hacer:

• Establecer un formato de cámara/grabación y accesorios(trípode o no)

• Objetivos
• Sonido
• Iluminación
Cámara y accesorios:
Debemos valorar cuál es el formato de cámara y de grabación más adecuado

Valoraremos también la utilización del soporte adecuado
(Trípode, cangrejo con o sin ruedas, estéticos, steady cam, cámara car, wes- cam…)
Objetivos:
Cámara: formato de grabación más adecuado

Accesorios: trípode, ruedas, estativo, monitor..
Angulares:
• Gran ángulo de cobertura, planos muy abiertos a una distancia corta.
• Alta luminosidad
• Más profundidad de campo
• Aberraciones en los bordes de la imagen.
• Pocos mm y fondo enfocado
Teleobjetivo:
- Ángulo de cobertura reducido
- Baja luminosidad
- Imágenes muy inestables
- Menos profundidad de campo.
- Producir una sensación de embellecimiento típico.
- Más mm, fondo borroso
Seleccionamos la distancia focal adecuada y la profundidad de campo.
Enfocar:
• Enfoque y profundidad de campo.

• Enfocar un elemento de la imane. P. Ej un rostro
• Enfocar un área. Regla de los dos tercios en distancias “normales”.
• Enfoque manual/enfoque automático
• Uso expresivo de la profundidad de campo (aislar o no el motivo).
La mejor idea es enfocar el que está en el medio para aprovechar cierto enfoque por
delante y por atrás.
La profundidad de campo es mayor por detrás que por delante.
Procedimientos básicos de rodaje/grabación

1) Comprobamos que el formato de grabación sea el adecuado
2) Efectuamos teniendo en cuenta la profundidad de campo…

18/11/2020
Sonido /Audio
Posibilidades expresivas del sonido que participan de la peculiar forma constructiva
de construir el relato audiovisual.
Dos formas de construir sonido:
- Audio que acompañe a la imagen
- El sonido en “conflicto” al ser confinado con unas imágenes produce una idea
(parecido a el efecto Kuleschov pero usando audio y video y no solo video). Juntar
sonido a la imagen surge una tercera idea expresiva, es la que proponen en el
manifiesto del sonido Einsentein, Pudovkin y Aleksándrov.
- Elemento de sincresis : traslación a la combinación del sonido(Chion), la
impresión que crea una imagen unida al sonido.
“El cielo sobre Berlín”:

Uso de un determinado sonido, le suele pasar bastante desapercibido. Gran parte a esa
expresividad proviene de el uso de unos determinados elementos sonoros.
Normalmente suele pasar desapercibido.
Combinar los pensamientos de la gente y con los sonidos reales.
Los elementos sonoros:
• Músicas:
• Voz:
• Efectos:
• Silencio:
- Elementos diegéticos: construimos un espacio sonoro y

acústico. La fuente de música pertenece al universo de la
música.
- Elementos extradiegéticos:
Música incidental: que incide en los valores expresivos que

pretendemos buscar con la escena dramática visual Ayuda a que la
expresividad de la escena se potencia. Ej: escena de la ducha de
psicosis.

Música descriptiva: música que nos ayuda no a incidir sobre la
expresividad de la escena si no a describir la escena. Piensa en
como describir un personaje.
La música de librería: músicas asociadas a determinadas

sensaciones o determinados elementos expresivos. Ambientación
sonora. Crear música asociada a las sensaciones que nos indican
en la escena(¿?).suele estar ajustada a diferentes duraciones,
La impotencia de la voz: no estamos hablando de lo que dicen

(diálogo o texto) sino d ellas propias características de la voz.
Dependen de:
- El timbre y del tono de la voz.

- Su dicción, su interpretación.
Dirigir la grabación de una locución es uno de los trabajos más

interesantes a los que se puede enfrentar un realizador.
Práctica 3:
Stand up de reportero(10”)
Declaración a cámara(15”)
- Imagen
- Sonido
- Papel de reportero
- Realización y producción
- Técnica del esqueleto(locución+totales+stand ups/entradillas)
- Montar el esqueleto de la noticia,
A1: Principal (locución o intervenciones de las entrevistas que hacemos para esas
noticias).
A2: Audio contextual.
Exportar como audio dual, forma en la que montamos las piezas de informativos.
La locución, las intervenciones,
Exportar canales de audio

La locución empieza un sec más tarde que la del inicio del video.
El audio ambiente (audio 2)
Falsear los audios,
Mantener los coleos, hueco o sec entre inicio de video y el inicio de la locución.
La noticia nunca se acaba con la locución. Coleo de salida: de al menos dos sec.
Acabar con el audio 2 de audio ambiente.
25p
1920x1080
1 pista de video y dos de audio

1080 25p
Metadatos para emisión. Las anotaciones que los autores del material grabado hacen
que acompañen a la pieza de vídeo, describiéndola para que pueda controlarse
adecuadamente su emisión. Los más importantes son el identificador (el título de la
pieza grabada, que debe coincidir con el de la escaleta y el guion), la duración, el pie
(cuando finalice solo con vídeo y audio
ambiente, debe indicarse un pie de vídeo), los coleos para emitir, la distribución de
los audios y el contenido de los rótulos junto a una indicación temporal de cuándo
deben entrar y salir de programa. Los metadatos deben cumplir el protocolo de
emisión.
Los efectos sonoros:
- Originales: wildtrack
Se obtienen en rodaje.
- Sala foley:
Se realizan con materiales alternativos
Ej:
Caballos galopando(chocando cocos)
Lluvia(arena sobre un papel situado encima del micro)
Fuego(Arrugar papel celofán)
- Los efectos FX:

Manipulados electronicamente
Actualmente son muy utilizados porque las posibilidades a partir de la irrupción de
los sintetizadores y la creación de efectos digitales se han multiplicado.
El silencio: debemos valorar también de manera especial su valor expresivo. El
silencio suena audiovisualmente.
Con los elementos dietéticos de sonido construimos el espacio sonoro. Pero no es

solo la voz sino que hay que grabar más elementos de audio.
La música extradiegetica suena como por encima como el piano que toca pro debajo,
pero el sonido no procede de dentro de la escena
Estrategias de creación del espacio sonoro:
Se debe perseguir la coherencia entre la secuencia visual y la sonora.
Audio en estéreo o mono:
- Un sistema mono exige la existencia de un solo canal de audio.

- Un sistema estéreo exige dos canales de audio , un canal izquierdo y un canal
derecho.

Antes la radio se emitía un solo canal de sonido y ahora en la radio se emite con dos
canales. Dos señales las del canal derecho y las del izquierdo.
Esto influyó en que desde el punto de vista técnico utilizan dos canales de audio, los
fabricantes lo llaman una distribución estéreo. A esta distribución le damos diferentes
usos. Uso la infraestructura estéreo para un sonido expresivamente estéreo. Puede
pasar que no necesite un sistema estéreo y me sirva uno mono (Ej: altavoz de un
aeropuerto, el hecho de que se escuche por la izquierda o la derecha no aporta
absolutamente nada)
Como ya todos nuestros sistema tiene dos canales están adaptados totalmente a un
sistema estéreo, cuando no se necesitan sonidos estéreos, usan infraestructura estéreo
pero con un sonido mono(único sonido, solo que lo graba en los dos canales, puede
reproducir en uno solo por que reproducen los mismo). Esto se llama mono duplicado
(el mismo audio en las dos pistas), en el mono dual es audios mono pero diferentes en
cada canal.
Aprovechando esta infraestructura en estéreo, uso un canal para poner un audio y

para poner otro audio en el otro canal.
Audio dual/mono dual: Una señal mono en parte izq y otra señal mono (de otro
audio) en otra señal . Ej en una infraestructura de estéreo con dos audios mono uno de
la voz en ingles u otra de la voz en español.

El espacio sonoro
Decidir si trabajamos en : mono, estéreo o audio envolvente.

El audio envolvente propone por primera vez una posición de espectador de
espectador o enunciatario interna a la diéresis.
En función del sistema: localizar cada fuente en el espacio sonoro propuesto.
Audio envolvente 5.1:
Forma naturalista:
Forma constructiva: Se trata de grabar individualizadamente cada una de las fuentes
sonoras para posteriormente, durante la fase de edición, reconstruir el espacio
acústico pretendido.
Exige un trabajo de EDICIÓN.
PLANOS SONOROS:

Primer plano sonoro: cuando la fuente sonora esta frente. Nosotros,
Plano normal:
Plano general:
Plano de fondo(segundo plano)
Lo sonidos son diferentes en función de la distancia a la que se sitúe el micro de la

salida del sonido.
Las cosas suenan distintas cuando están pegadas al micro a distancia media o muy
lejos.
El buen audio
Subir el video, el drp, guardamos la dra (el proyecto con los brutos).
Los metadatos, la información para que podamos emitir el video
02/12/2020
El espacio sonoro:
Intensidad: primera aproximación a la distancia de la fuente al sujeto.
Lateralizad:
Información de la ubicación espacial de cada fuente.

- Control de panorama

- Ubicación en el espacio envolvente
Reverberación:
- Los oídos reciben dos señales que le llegan de forma directa y si hay
reverberación le llegan señales con rebote, el sonido se queda ahí unos segundos.
- Es quizá el elemento más importante en la construcción del espacio sonoro.
- Cada espacio, sala o exterior tiene una reverberación característica a la que
inconscientemente nos hemos acostumbrado.
*El sol- ruidosa. La nieve: más silencio.
Consejos de reverberación:
- Ambientes secos (poca reverberación, solo recibe la señal sonora por vía directa)
o vivos (mucha)
- En producción audiovisual para aumentar tiempos tenemos las técnicas de

postproduccion pero para reducirlos la cuestión es más compleja. Tenderemos por
lo tato a reducir tiempos para darnos la opción de aumentarlos si es necesario. *En
rodaje hay que reducir la reverberación, se logra con materiales aislantes. Ej:En
una clase los abrigos colgados y cuando no los tenemos.
- Los materiales aislantes secan el entorno sonoro, reducen los tiempos de

reverberación. Alfombras, telas, cajas de cartón para huevos.
El punto de audición
Ej: Hamsarayam, Kiarostami
El sonido en la práctica:
Sonido/Micrófonos y accesorios:
- Debemos valorar cuales son los micrófonos más adecuados atendiendo a sus
características.
- Valoraremos también la utilización de soportes y resto de accesorios adecuados.
*Antipopeo: la P la B y la T, cuando haces un ajuste de nivel de audio es posible que

las “p”suban mas de lo normal y saturen el audio. Lo que se pone es un filtro
antipopeo.
Filtro antiviento (el viento mueve la membrana y se produce un sonido desagradable)

y filtro antipopeo: la espumilla que está en el micrófono.

- Sensibilidad: es preferible un micrófono más sensible. Pero también depende del
tipo de rodaje que queramos hacer.
- Directividad:
- Respuesta en frecuencia: para mejorar la reproducción d ella voz clara y distinta.
Micrófonos dinámicos de bobina:
- No necesitan fuente de alimentación externa

- Más resistentes, abuso fisico. Margen o rango dinámico8admiten diferentes
intensidades de sonido sin saturar) alto. Admiten niveles altos de presión sin
saturar (duros).
- Resistencia de salida baja lo que permite utilizarlos

Electroestáticos de condensador:
- Alta fidelidad, excelente respuesta de frecuencia.

- Alta sensibilidad con buenas relaciones señal/ruido
- Poco sensibles a las vibraciones y al ruido de manipulación
- Desventajas: Alto coste.
- Poco robustos.
- Sensibles ala humedad.
- Rango dinámico bajo. Se sobresaltaran fácilmente. No s pueden poner por
ejemplo en una grabación de una competición d natación porque hay mucha
humedad.
Toma de sonido correcta:
En preproducción:
- Decidir el sistema de audio final (mono estéreo, audio envolvente 5.1; 7.1; etc)
- Evaluar el numero de pistas de grabación disponibles /necesarias.
- Evaluar el número de micrófonos necesarios atendiendo a sus características
teniendo en cuenta la localización. Es necesario prever si el micrófono puede ser
visible ¿Se pueden utilizar micros inalámbricos?
En el rodaje:
- Plantear las posibilidades de acondicionamiento acústico de la localización(nivel
de aislamiento, reverberación…)
- Decidir las posiciones de micrófonos presencia, limpieza de sonido
- Prever la irrupción de sonidos inesperados
- Atención a las discontinuidades que pueden producir en montaje los sonidos y/o
ruidos de fondo.
Toma de sonido correcto:
En rodaje:
- Valorar la exigencia de sincronia
- Atención al monitorado de audio y al contra de los niveles de la señal.
Inconvenientes del ALC.
- Ensayar los movimientos d pértiga para que sea compatible con los de cámara y
actores y no produzca sombras arrojadas.
- Grabar wild-track (sonidos de fondo en continuidad e incluso grabación de
silencio).
Edición de sonido correcta:
En edición /postproduccion:
- Recolección de material pregrabado o de libreria (música y efectos)

- Reflexionar sobre el espacio sonoro(preservar o recrear) en función del sistema
previsto(mono, estéreo, audio envolvente)
- Abrir las pistas de audio necesarias en el software de emisión y distribuir
adecuadamente los canales.
- Procesar cada una de las pistas (limpieza, ecualización, efectos…)
- Paralizar teniendo en cuenta el punto 2.
- Establecer los niveles de contribución a la mezcla.
- Posibles efectos sobre la mezcla final
La luz:
El rendimiento expresivo de una necesidad tecnológica.
Debéis tener muy en cuenta los conocimientos ya adquiridos en Tecnología

- Frecuencia /longitud de onda (el color de la luz): muy altas producen azules y más
bajas rojillos. Pero no es lo mismo que la saturación.
- Luz blanca/Negro: Luz blanca son todos los colores y luz negra significa que no
hay color.
- Una pared verde iluminada por luz blanca=luz verde, Si la ilumino solo con luz
roja se vería negra.
- Una pared verde únicamente refleja luz verde tiene que ser iluminada con una luz
que lleve su propia composición, las frecuencias rojas las absorbe.
- Las cosas son del color de la luz que reflejan.
Síntesis sustantiva y sintaxis
- Irradiación rectilínea y en todas direcciones(esfera)

09/12/2020
La iluminación: Comportamiento de la luz:

Superficie opaca:
- Absorción de un tanto porciento.
Reflejada:
- Reflexión selectiva (la mayoría de los materiales en colores)
- Reflexión espectacular (La luz sale reflejada formando el
mismo ángulo de reflexión que el de incidencia)- Ej: espejos
- Reflexión difusa: cuando el material donde incide la luz
presenta alguna irregularidad y la luz sale reflejada en todas
direcciones. Ej:en materiales rugosos.

Superficie transmisora (refracción)- Materiales que dejan pasar la
luz:
- Transmisión difusa (materiales translucidos). La dirección de
la luz a todos lados. Ej: Los cristales de los cuartos de baño,
papel cebolla.
- Transmisión directa (materiales transparentes). Ej: los
objetivos de las cámaras.
- Transmisión selectiva (coloreadas): La luz es transmitida
selectivamente por materiales de color que absorben ciertas
longitudes de onda.
Tradicionalmente se ha impuesto por razones tecnológicas:
- Se debe superar el umbral mínimo.
- Se debe suavizar el excesivo contraste al que las cámaras o
películas no pueden responder.
Pero posee fuertes valores expresivos:
Modela/atenúa volúmenes
Realza (aplana texturas
Favorece/atenúa la impresso de profundidad sugiere ambientes
horarios

Sugere ambientes meteorológicos
Evoca ambientes psicológicos
Refracción: es el cambio de dirección que se produce cuando un

rayo luminoso atraviesa oblicuamente un material transparente
para penetrar en otro.
El estudio de la iluminación incide en cuatro parámetros básicos:
Cantidad, calidad, dirección y color.
Cantidad
El control de sus valores expresivos exige el conocimiento de

algunos de sus parámetros básicos.

• Intensidad de la luz
Una iluminación apropiada exige el control de la intensidad de
cada una de las fuentes que iluminan la escena para lograr el
equilibrio adecuado.
- Potencia del iluminante
- Distancia al objeto (ley del cuadrado inverso): La ley del
cuadrado inverso.
Para reducir la luz a la mitad. Llevarlo a la distancia inicial
multiplicado por 1.4. Cuya intensidad disminuye de forma
inversamente proporcional al cuadrado de la distancia del centro
donde se origina.
- Uso de filtros neutros (ND/densidad

neutra)- filtros de color gris para reducir
la cantidad de luz general. Solo afecta a
la cantidad de luz.
Controlar la intensidad de la luz permite

establecer las relaciones de contraste adecuadas cuando

iluminamos con varias fuentes. ¿Cómo medimos el contraste?
- Midiendo la cantidad de luz que tiene cada una.
Luz relleno y luz principal: si entre ellos hay un punto de
diafragma de diferencia hay un contraste 2:1.
4:1: significa 4 veces más de luz de una fuente que otra.
- Iluminación en clave baja: Imágenes oscuras, relaciones de

contraste altas.
- Iluminación en clave alta: Imágenes claras, relaciones de
contraste bajas.

• Temperatura de color:
• Calidad de la luz
16/12/2020
La temperatura de color: se mide con Kelvin. La luz de dia nublado es azulada y la

de dia soleado es blanca. Los tintes que presenta la luz blanca son consecuencia de
una determinada distribución espectral. No todos los valores tienen el mismo peso. Si
cogemos un cuerpo negro(carbón) y lo ecchamos a barbacoa y llega un momento que
empieza a producir luz, que parece blanca que nos vamos dando cuenta de que esa
luz va atravesando todas las posibilidades de tinte que tiene la luz blanca. La
temperatura de color no es mas que ponerle nombre a un determinado tinte de la luz
blanca. Colores cálidos temperatura de color baja y los colores fríos tienen
temperatura de color alta.
En el caso en el que se tenga dos fuente de luz (una salida y otra más fría) lo que hay
que hacer es elegir dependiendo y controlar la sensación psicológica que produce a
imagen . Siempre es una exageración respecto a la realidad.
Muchas maneras de controlar la temperatura de color:

- De las fuentes: Los filtros CT(tintan toda la imagen hacia el color de la imagen)
- De la escena:
- Usando filtros CT en los iluminantes
- Usando filtros CT en el objetivo
- Falseando el balance de blancos (en vez de hacer el balance de blancos sobre el
folio, lo hago sobre un folio azul o le coloco un filtro CT azul, con un fondo
azulado, así bajo la temperatura de color, doy la sensación de un día más cálido del
que tengo).Día nublado y no quiero que se note mucho que es dia nublado lo que
puedo hacer es falsear el balance de blancos. Coloco un filtro CT blue para bajar la
temperatura de color /calentar la temperatura de color.
- Manipulando la señal electrónicamente.
John Alcottt y Stanley Kubrick estaban iluminados solo con velas y tiene un tono
anaranjado.
- 3200º K estándar en interior.

- 5500º K estándar para exterior.
Hay muchos filtros CT variar la temperatura de color del iluminan:
- CT bluePasa la temp de color de exterior a una de interior. (Suben la temp de

color)
- CT orange: temp de color interior a una de exterior. (Bajan la temperatura de
color)
Los filtros ND. Modificar la INTENSIDAD de la luz.

https://www.pulsarec.es/que-son-los-filtros-de-iluminacion-ctb-y-cto-blog-de-la-

productora-audiovisual-en-madrid-pulsa-rec/
Filtros difusores:
Convierte la luz dura en luz suave. Ej: papel cebolla. Cambiar la calidad de la luz.
La calidad de la luz:
- Luz dura/hard light: se produce por fuentes de luz pequeñas y puntuales. Se
dirige por reflexión especular. Ej: día soleado Un dia soleado tenemos un punto d
luz calo, el sol y sale luz desde muchas direcciones. Producida por una fuente
iluminan de escaso tamaño en relación al sujeto iluminado.Luz más
definida.Produce sombra. Ej: El sol. Refuerza los relieves, marcar texturas, etc.
Usos:
- Efectos dramáticos.
- Modelar
- Enfatizar la textura del objeto.
- Evitar que la luz se desparrame, que alcance áreas que deseamos mantener en
sombra.
Peligros:
- Un modelado excesivamente duros.
- Texturas toscas
- Aparecen sombras múltiples cuando el sujeto se ilumina con varios puntos de luz.
- Formas distorsionadas (Redibuja la forma y si está mal colocada)

- Luz suave/soft light: Ej: dia nublado. Un dia nublado, la luz del sol esta filtrada
por las nubes y la cantidad de luz…Producidle por una superficie amplia en
relación al sujeto iluminado. Sensación de que la luz viene de todas partes. Luz
más difusa.
No confundamos esto con la intensidad de la luz. Por ejemplo: La luz de la vela es

muy dura pero muy intensa. Que sea dura o suave depende de la producción de la luz.
Usos:
- Son muy indicadas para el retrato. (Elimina más las arrugas y defectos de la piel)
- En bodegones iluminar detalles sin sumar sombras
- Simular las condiciones lumínicas de un dia nublado.
Peligros:
- Dificil de localizar
- Modelado pobre (Aplana el objeto)
- Poco atractiva, no produce efectos no dramatice.

Lo ideal suele ser hacer una combinación entre ambas aunque también depende de el
fin de los eu quieras transmitir.
La dirección y el ángulo de incidencia
La posición de la luz respeto al sujeto. Cuando la luz es más lateral las sombras se
levantan. Si la sombra esta por detrás hay contraluz perfecto y se produce el efecto d
silueta.
Modelado: modelado la forma cuando esta por detrás porque modela la forma es
como dibujar la forma del sujeto.
Cuando levanto la luz: las sombras hacia abajo. Las luces suelen estar arriba.
Cuando grabamos a alguien con luz desde abajo nos resulta más raro y produce un
efecto misterioso.
La mejor iluminación: la luz picada 45º.
Primer esquema de iluminación básico: el triángulo básico de iluminación.
Tres luces: luz principal (nos da la luminosidad de la imagen), otra de contra y otra
de relleno.
Luz principal:
- Es la que modela el objeto/sujeto:
- Valora su calidad en función del objeto.

- Se coloca formando un ángulo entre 30º y 45º en horizontal respecto al eje cámara
objeto/sujeto y de aprox 45º en altura.
Contra luz:
- Luz por detrás intentar separar el sujeto de fondo. Ayuda a generar profundidad de
campo.
- Tienen que tener calidad más bien dura tiene que estar dirigida a un punto
especifico no puede estar desparramada.
- Se coloca formando ángulo vertical aprox 45º buscando un ángulo horizontal ..
La luz de relleno:
Levantar las sombras, rellena parcialmente las áreas de sombra creadas por la luz
principal.
Calidad tendente a suave.
Intensidad inferior a la de la luz principal Aprox 1/2 o 1/3
La posición es mucho menos critica. Se sitúa al otro lado de la cara del lado que
queremos rellenar.

No debe ser tan fuerte que:
- Obligue a modificar la exposición
- Suprima el modelado de la principal
- Cree sus propias sombras
- Establezca nueva dirección de la luz.
Situaciones especiales:
- Una ventana como luz principal o contraluz
- Luz para varios propósitos.
- Luz rebotada
- Iluminación dine versus iluminación televisión.
Metodo naturalista:
Procedimiento estándar en producciones dramáticas.
Al seguir la fuente, el director de fotografía debe determinar: donde se encuentran las
fuentes obvias de iluminación.

Audio Dual. El sonido se planifica en dos pistas (pueden ser estéreo, pero nosotros
trabajaremos en mono para mayor sencillez): el Audio 1, que vamos a llamar también
el nuclear, es el que lleva el sonido principal de la noticia, habitualmente (pero no
siempre), contiene la locución, los totales y los stand-ups; el Audio 2, que puede
llamarse contextual, suele contener ambiente o, en algunos casos, músicas. Estas
pistas se mezclan por el responsable de sonido en el momento de la emisión, pero en
el material grabado se entregan siempre por separado y grabadas al nivel de
referencia, según el protocolo de emisión. Para facilitar esta distribución de sonido en
el proyecto de edición se editan independientemente los sonidos originales. En las
cámaras profesionales o semiprofesionales se suelen grabar en la pista 1 los totales y

stand-ups y en la 2 el sonido ambiente.
■ Coleos de emisión. Porción de material grabado que se mantiene, por seguridad y
recurso, editado en la pista de vídeo y la de Audio 2 por delante y por detrás del
Audio 1 que realmente va a servir para la edición final. EL COLEO NO ES UN
CORTE AÑADIDO, ES UNA PROLONGACIÓN DEL EXISTENTE. Su función es
servir de colchón para la emisión, para ajustar el montaje en directo del material
grabado, de forma que no se vean efectos extraños al subirlo a programa o al dar paso
de vuelta al plató. Convencionalmente se utiliza 1” como coleo delantero antes de
que comience el Audio 1 y 2” después del pie de la pieza. Los coleos suponen que el
Audio 1 está vacío, pero siempre que sea posible sí llevan su Audio 2
correspondiente.
■ Coleos de rodaje. Para asegurarnos de que grabamos lo suficiente para poder
utilizar en montaje, cada toma debe ir precedida de unos segundos ‘en vacío’ y
finalizar igual. Estas prolongaciones se llaman coleos (otro caso de polisemia: no
confundir con los de emisión) como herencia de cuando se rodaba y montaba en
celuloide.
■ Esqueleto. Es la denominación coloquial que se le da a un procedimiento de
montaje que consiste en darle prioridad a la banda sonora o, en concreto, al Audio 1
(ver Estrategia Dual). La estructura se plantea directamente sobre esta pista,
colocando la locución, totales y stand-ups (estas dos últimas modalidades se montan
en la estructura directamente con su pista de vídeo, pues deben ir audio y vídeo
sincronizados), y después se trabaja con los planos noticiosos o contextuales y su
Audio 2 correspondiente (que suele ser el ambiente recogido en rodaje).
■ Metadatos para emisión. Las anotaciones que los autores del material grabado
hacen que acompañen a la pieza de vídeo, describiéndola para que pueda
controlarse adecuadamente su emisión. Los más importantes son el identificador (el
título de la pieza grabada, que debe coincidir con el de la escaleta y el guion), la
duración, el pie (cuando finalice solo con vídeo y audio
■ EDL. Acrónimo de la expresión inglesa Edit Decision List (lista de decisiones de
edición). Se trata, básicamente, de un listado que contiene la información de código
de tiempos de cada plano que va a ser montado en el programa final. Las más
simples se distribuyen en cinco columnas, a saber, no de evento, TC in (código de
entrada) del reproductor y del grabador; TC out (código de salida) del reproductor
y/o del grabador. El orden de las filas será el del montaje final.
■ Parte de visionado o de minutado. Lista en la que se hace figurar la información
de código de tiempos de los puntos de entrada y salida de cada uno de los planos
que contiene una cinta, así como una descripción de su contenido. Resulta de gran
utilidad para localizar rápidamente el material que se va a utilizar durante los
procesos de edición. Es importante hacer figurar la identificación del material
original al que se refiere y la fecha de conclusión del minutado.


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1º Grado en Comunicación Audiovisual

Facultad de Humanidades, Comunicación y Documentación

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- Pensar y materializar una idea audiovisualmente

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Logistica y tecnologia: los equipos

• Conocimiento técnico de los materiales que tiene a su disposición y de su

- El uso correcto de la tecnología no asegura el buen fin expresivo

Hay dos formas de enfrentarse a la creación audiovisual:

Diferencia entre construir el producto audiovisual y poner la cámara delante de una

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Todo producto audiovisual atraviesan por estas 3 fases:

- En los procesos de producción multicámara, la fase de rodaje es contemporánea a

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Realizador (del francés) y director (del inglés)

• El director lo asociamos más al cine como director del cine de Hollywood y el

El equipo de realización es el grupo que asume esa responsabilidad técnica para

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Equipo de dirección artística:

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Equipo de edición y postproducción

El montaje esta presente en todas las fases del proceso audiovisual.

Videoensayo de what is realism?: https://drive.google.com/file/d/

Plantea una forma de ver el neorrealismo y lo que no es el neorrealismo. Propone el

Desde el lenguaje audiovisual existe una manera de contar la historia neorrealismo.

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Valor expresivo del montaje

En el montaje hay que controlar la expresividad de cualquier elemento de

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La reconstrucción del espacio-tiempo:

El montaje surgió fragmentando el espacio, mediante el montaje intentamos construir

1. Localización es el lugar en el que hacemos nuestro rodaje. Si hago un rodaje de

El espacio del plano: es el espacio de la imagen, los cuadros producen una

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El espacio fílmico/ El eje de acción:

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Continuidad en el corte : Cortar solo entre planos que se correspondan,

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Si queremos cambiar de plano lo que debemos hacer es cambiar la posición e la

- Jump cut: es un fallo de raccord, también dependiendo del guion narrativo

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2. Descripción ¿Qué incluimos?

4. Edición off-line (EDL)

Informaciones, una lista de decisiones.

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Un montaje definitivo (on-line)

La reconstrucción del tiempo

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Si se usa un montaje más elaborado no se rompe la sensación de tiempo sino

• Elipsis: el director escamotea el recorrido de la escalera. Pasa de estar arriba

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Los documentos (Área de dirección-realización)

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En él se vierten “en imágenes y sonidos concretos” el contenido del guion literario.

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Story board: Documento complementario del guión técnico.

El story board de publicidad es diferente al de el cine.