Lenguaje audiovisual

*Es una comunicación que se va a basar en el sentido de la vista y el odio. Si hablamos de una comunicación,
necesariamente debe haber un emisor y un receptor. Tiene dos características importantes:

→ Es un lenguaje mixto, porque reúne al lenguaje visual con el auditivo. Una imagen le ofrece peso a un mensaje
sonoro o viceversa, juntas tienen más peso.
→ Los mensajes audiovisuales facilitan y dan peso a la comunicación.

Una película es un lenguaje audiovisual- hay alguien que desde su punto de vista nos está contando una historia.
Los elementos del lenguaje audiovisual se agrupan en diferentes cajas:
1. Elementos morfológicos del lenguaje audiovisual: son los elementos en sí mismos. Tienen como principal
función informar, expresar y sugerir una idea (no entra la interpretación semántica). La imagen de una coca cola
fría no es más que la imagen de una coca cola fría.
2. Aspectos sintácticos: son los elementos que podemos utilizar para influenciar de manera significativa ese
mensaje. Esto se hace a través de los planos, los ángulos, la composición y la distribución de los objetos en la
imagen, profundidad de campo (tiene que ver con la perspectiva del fondo que estamos viendo, un gran angular
tendrá mucha más profundidad de campo), distancia focal (marcar nitidez de la imagen para focalizar atención),
continuidad (tiene que ver con el primer plano, elipsis), ritmo, iluminación (un atardecer, una mañana,
temperaturas de color, todo influye en el mensaje), color, movimiento de cámara (también influyen el mensaje
porque no es lo mismo un cámara en mano que un carro de travelling).
3. Aspectos semánticos: se trata de recursos visuales como la elipsis o la metáfora y recursos lingüísticos como
neologismos, ironías o frases hechas. Lo objetivo o lo subjetivo, el significado de los elementos depende de su
articulación dentro del mensaje que se desea transmitir. Ejemplo: beso en película del escorpión
4. Aspectos estéticos: propiedades de armonía, agrado y belleza. En este apartado incluiríamos aquellos que
fomentaran los elementos para el recepto del agrado, lo bello o lo armónico. El paradigma al que pertenecemos
determina, de alguna manera, al concepto de bello.
5. Elementos didácticos: están dentro del mensaje y ayudan a comprenderlo. Cuando trata una función pedagógica,
que facilite la comprensión y aprendizaje de sus contenidos. En ocasiones la pieza audiovisual necesita incluir en
su lenguaje aspectos didácticos para ayudar al espectador a captar mejor el mensaje. Ejemplo Titanic: pareja
abrazada, hacen primer plano de las manos tomadas para reforzar amor.
Cuando ubicamos la cámara por debajo de los ojos del personaje estamos minimizando el saber del espectador.
Cuando ubicamos por encima de los ojos damos a entender que sabe más porque lo dejamos más pequeño.
El terror se basa en su acierto de que el espectador se asuste gracias a que muestra poco- genera ansiedad, tensión. El
espectador está viendo lo que yo quiero que vea. Es importante el trabajo de luz en las películas de terror. Todo
responde a la generación de acción y atención.
El equipo humano en una realización audiovisual:
Cadena de valor: procesos y etapas en una industria audiovisual. Todos los procesos de industrialización que lleva la
materia prima a un proceso terminado.
1. Desarrollo de proyecto: conseguir financiación para llevar adelante, encabezado por el productor ejecutivo- na vez
obtenida y con un guión sólido se pasa a la siguiente etapa.
2. Producción: el proyecto se hace físico- pre-rodaje, rodaje y post rodaje.
3. Difusión y comercialización: puede atravesar las dos etapas anteriores.
En la jerga, el equipo se divide en dos:
EQUIPO TÉCNICO: hay varias áreas que se van a desarrollan en la industria audiovisual
 Producción: el productor ejecutivo es el representante legal de una obra y el responsable de los aspectos
organizativos y técnicos de la elaboración de una pieza audiovisual, complementando la actividad creativa del
director. Está a cargo de la contratación del personal arriba de la línea, de la financiación de los trabajos y del
contacto con los publicistas y distribuidores para la difusión de la obra.
Va a realizar el diseño de producción, se encargará de los aspectos organizativos, puede influir en decisiones creativas
más allá de si tiene las nociones necesarias o no. Es el líder de los recursos, y sus decisiones se basarán en el feedback
del resto del equipo.
Organización escalonada de los roles dentro de la producción:
 productor ejecutivo // coproductor // jefe de producción (a partir de este rol comienzan a ser técnicos,
pueden estar en único trabajo a la vez) / primer ayudante de producción / jefe de localizaciones / ayudantes
y auxiliares de producción / locadores / cuidadores / seguridad
 Jefe de producción: encargado de llevar adelante esta pieza audiovisual de forma administrativa y de acuerdo con
lo pautado con el productor ejecutivo. Además está a cargo de toda la logística: consigue equipamientos técnicos
para poder filmar, presupuestos de cámaras, movilidad de los equipos, catering para equipo, gestionar baño
químico, arreglar contratos. Baja el cable a tierra y entiende cuales son las necesidades tangibles del proyecto.
 Locador: busca y propone locaciones.
 Jefe de locaciones: encargado de la elección y la negociación, arma y organiza la logística del lugar.

 Dirección: el director es el responsable de la calidad desde el punto de vista artístico y narrativo, va a contar la
historia. Decide el tono de la película (puesta en escena, arte) con todo lo que ello conlleva:
el tipo de interpretación, el ritmo, los colores, la fotografía, la puesta en escena, etc. Tiene mucha fuerza en la
elección final de los actores y en posibles correcciones del guion.
A su vez, colabora con el *plan de rodaje (documento en el cual se confecciona administrando las actividades que se
harán día a día) y debe tener habilidades de liderazgo grupal debido a que si esta persona tiene carencias en la
comunicación y no puede transmitir su mensaje al equipo el proyecto quedará estanco.
Organización escalonada de los roles dentro de dirección:
co-director // asistente de dirección (a partir de acá, son roles técnicos) / segundo ayudante de dirección /
dirección de casting / script o continuista
 Asistente de dirección: ayudará al director en una organización de tiempos y por ende de dinero, esbozando un
plan de rodaje. Es una de las personas más importantes en un set porque va a marcar los ritmos. Entiende lo que
quiere el director y en caso de que las cosas se vayan de lo previsto busca un plan B.
 Dirección de casting: buscara a un actor en particular como secundarios.
 Script o continuista: es un rol fundamental, anota cuestiones relacionadas con la continuidad como los cambios
de vestuario o la última toma que fue grabada con detalles de la puesta en escena, de las luces, etc.

 Guión: los guionistas suelen trabajar por encargo, es decir, son llamados para un proyecto específico. Sin
embargo, también están aquellos que trabajan por su cuenta y suelen escribir primero un tratamiento, que es el
resumen del guión, para luego presentárselo a un productor con el fin último de que les encargue escribirlo
completo. Por otro lado, también se puede apuntar a subvenciones y becas que financien la escritura completa del
mismo.

 Fotografía: el director de fotografía es la persona responsable de la creación artística de imágenes para la puesta
en escena de producciones cinematográficas, televisivas o de video. Para la realización de esta labor va a trabajar
mano a mano con el director de arte, llevará acabo decisiones respecto a la iluminación, ópticas, encuadre,
composición y texturas; por lo tanto es el encargado de todas las decisiones artísticas que tienen que ver con la
imagen, es el responsable de cómo se ve lo que se ve.
En la etapa de postproducción tendrá que ver con el finished de esa imagen, dirigiendo el trabajo del colorista.
El área de fotografía se va a llevar un 40% del total de rodaje, hay un número de roles que no se pueden suplir por
ende muy difícilmente pueden ausentarse.
El equipo de fotografía está formado por:
 Director de fotografía: jefe de equipo de iluminación y cámara.
 Operador de cámara o segundo operador: opera la cámara y compone el plano.
 Meritorio de cámara: hace labores de apoyo al equipo de cámara.
 Asistente de vídeo: maneja e instala el vídeo, el combo y los monitores.
 Eléctricos: colocan los elementos de iluminación como y donde dice el jefe de eléctricos o gaffer.
 Foto fija: realiza fotografías con varios propósitos como son el registro documental del rodaje o fines
publicitarios.

Luz Cámara Grip- enganchar

-Gaffer o jefe de -Primer asistente de cámara o foquista: es la -Grips: basan su empleo en
eléctricos: lleva a cabo persona más importante de esta área, es quien el buen mantenimiento y
técnicamente la organiza, revisa y vela por el buen funcionamiento de funcionamiento en el set en
 iluminación con su la cámara, además de distribuir la profundidad de relación con la fotografía. Va
equipo de electricistas; campo (focalización) durante el plano. a estar en atención a todo lo
iluminación que es que le pasa a la cámara.
-Segundo asistente de cámara, auxiliar de cámara:
diseñada por el director
mano derecha del ayudante. -Jefe de maquinistas:
de fotografía.
coordina a los maquinistas
Selecciona los equipos -Loader es la persona que va a bajar el material. Eran
que llevan el travelling, grúa,
convenientes para llevar quienes cargaban o descargaban los chasis de
charriot, y el montaje de todo
a cabo la iluminación, películas.
el grip.
Pre-ilumina escenas, -DIT: técnico de imagen digital: encargado de la
realiza las visitas a -Key grip: son los
instalación de los equipos electrónicos para evaluar la
locaciones o scouting, encargados de manipular
calidad de las imágenes. Realiza también los proxis,
etc. dollys, grúas y otros soportes
videos más comprimidos y livianos de las tomas o
de cámara.
escenas para poder enviarlas más rápidamente.

 Sonido
Hay dos roles:
 Técnico de sonido o jefe de sonido directo: responsable de la grabación del sonido directo. Tiene que conseguir
el sonido lo más limpio posible. Ese sonido directo también puede captarse con corbatero.
 Ayudante de sonido o microfonista: ayuda a su jefe en la preparación y mantenimiento del material y sostiene el
micrófono cuando se rueda.

EQUIPO DE ARTE: qué se ve de lo que se ve.

El director es el responsable de la estética física de la película (toda la estética no fotográfica). Tiene que hablar
mucho con el director de fotografía para orientar sus trabajos en la misma dirección.
Roles que responden al director de arte:
ambientador // escenógrafo // ayudante de escenógrafo // utilero (a partir de acá las áreas son independientes
pero deben tener noción de lo propuesto por el director de arte) / vestuarista / semovientes / maquillador /
peluquero / jefe de efectos especiales
 Ambientador: piensa en los objetos, la decoración y el mobiliario que hacen a la ambientación.
 Escenógrafo: traslada la locación montándola en un estudio, tiene más nociones de cómo llevar una estructura a
un lugar.
 Utilero: trabajara con la utilería que es todo lo que manipula el actor y los objetos que acompañan.
 Vestuarista: las decisiones importantes se consultan con el director de arte, debe respetar las paletas de colores.
Ayudante de vestuario
 Semovientes: alquiler de animales.
 Jefe de efectos especiales: explosiones, roturas de vidrios, choques.

 Edición- postproducción: los roles presentes en esta área son: montador y montador de sonido // técnicos de
diseño sonoro y foley // colorista
La cámara cinematográfica
Persistencia retiniana: fue un supuesto fenómeno visual descubierto por Peter Mark Roget que demostraría como una
imagen permanece en la retina humana una décima de segundo antes de desaparecer por completo. Se supuso que el
cine aprovechaba este efecto y provoca ese "enlace" proyectando a más de 10 imágenes por segundo
(generalmente24), lo que genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento (la televisión se da a 29,97 fotogramas
por segundo, y 25 en Europa)
Línea de tiempo:

● Linterna mágica: narrativa para dinastías, relatos con sombras. Es aquí donde nace la historia del cine.
● Kinetoscopio: Thomas Edison, uno de los mejores empresarios de 1950 en adelante, creó el primer aparato en el
que se podían ver imágenes en movimiento y solo un espectador por vez podía acceder a la experiencia, no en
forma colectiva como el cine actual. Es considerado la primera máquina de cine ya que mostraba películas de unos
veinte segundos: bailes, payasos, recreaciones de sucesos históricos, números de magia y musicales.
● Cinematógrafo: es una máquina diseñada por los hermanos Lumiere, capaz de filmar y proyectar imágenes en
movimiento. Patentada a finales del siglo XIX, fue la primera capaz de rodar y proyectar películas de cine. Era
una caja negra sin refracción de luz. Se lo conoce como el primer registro en la historia de la llegada del tren.
CÁMARA CINEMATOGRÁFICA:
La cámara cinematográfica consiste básicamente en una cámara fotográfica con un mecanismo de arrastre de la
película que permite tomar imágenes a cierta velocidad y de una forma intermitente, de manera que en un segundo
pueda impresionar 24 fotogramas.

Los componentes esenciales de la cámara de cine son:

● Objetivo: conjunto de lentes que transporta y controlan la
luz que entra desde el exterior hasta la ventanilla de
impresión donde se encuentra la película.
● Cuerpo de cámara: en él se encuentran los dispositivos más
importantes para la impresión de la película, es la caja
contenedora.
● Obturador: mecanismo que deja pasar la luz
intermitentemente hacia la emulsión.
● Ventanilla de impresión: lugar donde la película se expone
a la luz.
● Engranajes o sistema de arrastre de película que la
transportan de una forma progresiva, suave y segura.
● Chasis de película: en él se almacena la bobina con la película destinada a ser impresionada (bobina de
alimentación) así como otra bobina con la película expuesta (bobina de recepción). Es decir, guardaba tanto el
negativo virgen como el recién expuesto (vendría a ser el sinónimo de nuestras memorias digitales o discos duros)
● Visor, es un componente óptico a través del cual el operador puede ver la imagen que forma el objetivo.
● Sistema de alimentación: se encarga de proporcionar a la cámara la energía necesaria para accionar todos sus
componentes. Según el tipo de cámara, se realiza mecánicamente, mediante energía eléctrica (con corriente
continua o alterna) o con baterías.

 Funcionamiento básico de la exposición de la imagen en la película fotoquímica: la emulsión sensible o película

virgen sale de una bobina de alimentación donde está almacenado (chasis de la cámara) y, mediante un engranaje,
es transportada detrás del objetivo hasta su plano focal, donde será impresionada por la luz por mediación de un
sistema de obturación intermitente. Una vez impresionada, el mecanismo de arrastre de la película sigue
avanzando hasta la bobina de recepción donde queda depositada.

 La secuencia de impresión es la siguiente:

1. En primer lugar el obturador se cierra, obstruyendo el paso de la luz.
2. Los engranajes, mediante un sistema de garfios (garfio y contragarfio), se acercan a las perforaciones de la
película en posición elevada y la arrastran hacia abajo, hasta la ventanilla de impresión. La ventanilla tiene un
sistema de canalización de la película que la mantiene plana en el plano focal del objetivo y recorta la luz de tal
manera que hace que se impresione sólo el rectángulo correspondiente al fotograma.
3. En este momento la película se detiene, el obturador se abre y los garfios se retiran, momento en que la luz que
proviene del objetivo impresiona el fotograma (la exposición tiene lugar solo si la película se mantiene inmóvil).
4. El obturador se cierra, la película avanza y el proceso se repite de tal manera que se van impresionando todos los
fotogramas, 24 cada segundo en el sistema estándar profesional.
5. La película impresionada se va depositando de forma continuada y a través del sistema de arrastre en la bobina del
chasis correspondiente. Entre el rodillo y la parte superior e inferior de la ventanilla de impresión, se forman unos
bucles flojos que eliminan la variación de tensión de la película evitando que se rompa en el interior de la cámara.
Algunas cámaras disponen de un segundo motor para el rebobinado de la cinta.

LA CÁMARA DIGITAL DE VIDEO:

Se conservan íntegramente componentes como el objetivo, el visor y la fuente de alimentación, pero no existe el
chasis y el cuerpo de la cámara varía. Tendría igualmente un obturador, pero en lugar de engranajes para el arrastre de
la película tiene un sistema de captura de imágenes en cinta magnética, tarjetas de memoria o disco duro y en lugar de
ventanilla de impresión cuenta con sistema de CCD* electrónico sensible a la luz.
*Charge Coupled Device o dispositivo de cargas eléctricas interconectadas: sensor electrónico con diminutas células
fotoeléctricas que registran la imagen siendo posteriormente procesada para grabarla en la cinta o registrarla en algún
tipo de memoria. La capacidad de resolución o detalle de la imagen depende del número de células fotoeléctricas del
CCD. Este nº se expresa en píxeles y se registran en tres colores diferentes (RGB) que forman un conjunto de células
fotoeléctricas capaces de captar cualquier color en la imagen → a más píxeles, mayor resolución.
Todas las cámaras, dejando de momento el sistema de grabación y la complejidad electrónica, constan de tres partes
principales: objetivo, dispositivo de imagen y visor.

 El objetivo enfoca un campo de visión concreto,

produciendo una imagen óptica de él.
 El dispositivo de imagen es la parte más importante
de la cámara, convierte la imagen óptica en señales
eléctricas a través de dos componentes, el prisma y
el CCD.
 El prisma está compuesto por varios filtros y
divisores que separan la luz blanca en los tres
colores-luz primarios RGB y la envía al CCD.
 El CCD o sensor, es un chip reticular compuesto
por muchos pixeles sensibles a la graduación de la luz que recibe del prisma, reconstruyendo con ella una imagen
a modo de mosaico. Cada píxel transforma dicha información en una carga eléctrica determinada y se transfiere
desde el área fotosensible de los pixeles al área de almacenamiento. transformándose en una señal de vídeo con
los tres colores de luz: RGB. Las cámaras profesionales tienen 3 CCDs que tratan el color por separado → es el
corazón de la cámara, cuanto más grande sea el sensor, más luz captará.
 El visor muestra una pequeña imagen de vídeo de lo que la lente está capturando que nos sirve de guía. Algunas
cámaras también una pequeña pantalla LCD, el visor puede mostrar ciertos Indicadores de estado que pueden
incluir datos como el nivel de carga de la batería; balance de color; luz baja, exposición insuficiente; ISO
(sensibilidad del sensor, posición del zoom, entre otras.

Similitudes y diferencias entre CCD y CMOS:

Como ya se dijo, el CCD es un sensor que lo tienen la mayoría de las cámaras digitales y significa que:
 Es más sensible a la luz que el CMOS.
 Consume más energía, así que la batería puede agotarse más rápido.
 Captura un rango más amplio de tonos (luces brillantes, tonos medios y sombras) en las fotografías.

Por otro lado, el sensor CMOS (Semiconductor Complementario de Óxido Metálico) se encuentra en las cámaras
más actuales y la mayoría de las profesionales. Sus características son:
 Mejor desempeño en una estructura más simple, sin necesidad de más equipo.
 Menos sensible a la luz, pero un consumo mucho más bajo de energía, por lo que las cámaras son más
económicas.
Resumiendo estos puntos, las ventajas de uno sobre el otro son:
a) Los CCD crean imágenes de alta calidad con poco ruido digital; los
sensores CMOS son más sensibles a ello.
b) Los CMOS consumen menos energía; un sensor CCD puede llegar
a consumir hasta 100 más energía que el CMOS; esto hace que la
batería dure más en una cámara con este tipo de sensor.
c) El tiempo que tardas en tomar una foto y poder verla es más rápido
en cámaras con CMOS.
- Ninguno es mejor que el otro, simplemente son sensores que
aportan características distintas a cada una de las cámaras digitales. La tecnología actual ha hecho que el sensor
CMOS (en teoría, inferior al CCD) se acerque a una calidad muy semejante al CCD por lo que, para el ojo
humano, las diferencias son casi imperceptibles.

 Tipos de cámaras broadcast*:

La diferencia entre este tipo de cámaras y la de cine está en su tamaño (son mas grandes) y son ideales para salir a
documentar, debido a que están preparadas para captar sonido e imágenes en simultaneo.

MARCA Modelos Características

Mercado local: Arri Alexa  Poseen ciencia de color debido a que poseen sus propios
ARRI- Alemania mini, Alexa mini LF, sensores y procesadores.
Alexa XT, Amira y Alexa
 XTLF.
 Captan un gran número de pixeles.
Los más utilizados son:  Es personalizable, se puede elegir el tipo de sensor, el
RED- Estados Helium 8K, Epicsensor cuerpo.
Unidos dragón 6K y Komodo  Sus cuerpos son más complejos electrónicamente pero más
6KFF compactos.
3D, F65 (apta para  Equilibrio perfecto entre las dos anteriores.
SONY- Japón IMAX), AS711, FS7,  Es una cámara versátil.
Venice (equilibrio  Abarata costos.
perfecto entre Arri y Red)  Su ciencia de color es similar a la de ARRI.

Formatos de grabación
 De acuerdo con la calidad de la imagen los formatos de grabación en vídeo son:
 SD (Standar definition): es una calidad que supera las 625 líneas de información de señal de vídeo, estas
características se encuentran en los estándares NTSC o PAL.
 HD (High definition): esta calidad usa 720 hasta 1080 líneas de información para crear la imagen y en vídeo
mantiene como mínimo la transmisión de 25 imágenes por segundo.
 Para la grabación en cine los formatos más comunes son:
 35 MM: es una película fotográfica que genera una imagen en negativo producto de una reacción química con la
que se imprime una imagen. Este formato se mantiene desde el año 1892, reproduce 24 fps y gracias a ello ofrece
gran calidad de imagen y movimiento, incluyendo una línea de audio que se imprime junto a los fotogramas. El
uso de este tipo de películas para grabación es algo costoso, pero perdura por su calidad en la captura y
reproducción.
 70 MM: es una película fotográfica de alta calidad y definición, usando 65MM para la imagen ya que los restantes
almacenan en una banda magnética los canales de audio, al ser reproducida mantiene los 24 fps. Se usa para IMax
pero con una forma especial de captura y reproducción a fin de aprovechar la gran calidad que ofrece.
 2K: ofrece una resolución horizontal de 2048 píxeles y produce un tamaño de imagen de 2048 x 1556. 2K hace
referencia a un escaneo realizado a los fotogramas de 35 MM en el que se incluyen correcciones de colores y
sobre el cual se trabajan efectos visuales.
 4K: ofrece una resolución de 4096 píxeles y produce una imagen de 4096 x 3112 de tamaño para cada fotograma.
Igualmente, el 4K hace referencia a un proceso de escaneo que se hace a los fotogramas de 35 MM.
 IMAX: las cámaras tienen sensores más grandes, si se visualiza una película filmada en este formato se verá una
reducción de su aspecto ratio.

Elección de lentes:
Se dividen en 4 familias que se pueden cruzar entre sí:
- Entra de manera distinta la luz a la cámara (bokeh).
1. Esférico: redondo.
2. Anamórfico: ovalado, es muy común encontrarlo en el cine.
- Zoom:
3. Focales fijos.
4. Focales variables.
Movimientos de cámara
Los movimientos de cámara se pueden dividir en tres grandes grupos:
1. Mecánicos: aquellos que se realizan con la cámara
Con traslación del eje de cámara:

→ Dolly in/out: ir con la cámara hacia adelante o atrás.

→ Pedestal in/out: ir con la cámara hacia arriba o hacia abajo.
→ Truck: ir con la cámara de derecha a izquierda.

Sin traslación del eje de cámara: el movimiento de cámara lo ejerce el

cabezal del trípode

→ Pan: mirar hacia los costados

→ Tilt: mirar hacia arriba y abajo
→ Roll: girar sobre el eje

2. Ópticos: son los que se realizan con la óptica, es decir, con los lentes.
→ Zoom in
→ Zoom out

3. Combinados: se combinan un movimiento mecánico con uno óptico- ej. dolly in zoom out o dolly out zoom in.

 Grips y dollys:
→ Steadicam: sistema de contrapeso y un apoyo que va a absorber toda inestabilidad del brazo del camarógrafo.

→ Carro de travelling felino: movimiento fluido y estable arriba de una plataforma.

→ Neumático: por sus ruedas.

→ Panther classic: es como un travelling pero eléctrico.

→ Manejo de cámara manual

- Periféricos: rodean a la cámara, permiten operar de forma más cómoda

→ Tilta hand grip
→ Ging ball modelo ronin m15: estabilización de cámara de tres motores. Por ejemplo, sirve cuando un personaje
corre.

- Otros tipos de gripería:

 Slider: sirve para realizar pequeños movimientos de menos de un metro o un meto veinte.
 Osmo: es una especie de Ging ball, sirve para cubrir eventos, hacer backs, etc.

- Gripería para autos:

 Cámara car: son autos adaptados para que el equipo técnico y sus equipamientos puedan cargarlos.
 Flat car: planchuela pegada a la superficie del suelo, es utilizado cuando el actor no sabe manejar.
Composición de imagen
Los buenos planos de película son resultado de composiciones meditadas y movimientos significativos de los actores
y/o cámaras. Es muy importante tener un diseño de encuadre adecuado para las emociones que se intentan provocar en
el espectador. Existen diferentes técnicas/tipos que facilitan la colocación de elementos en la imagen y todas se
complementan:

De centro: llevar las profundidades hacia el De regla de tercios: dos transversales son cortadas por dos
centro de la imagen, dando equilibrio y balance. perpendiculares, los puntos fuertes son donde se cruzan.
Permiten
simetría en la
imagen.

De cuadrantes
De proporción aurea: se
basa en la sucesión de
Fibonacci que dice que
hay una infinidad de
números, llevando esto a
la imagen en la tensión
infinita en un punto
concéntrico.
Las composiciones sirven para reforzar sentimientos en el espectador, para forzar la atención en el espacio.
- El plano holandés o aberrante: es ese en el que la cámara se inclina levemente de forma que lo que ocurre en
escena no es paralelo al horizonte fotográfico. El plano holandés ayuda a dar más sensación de movimiento a una
escena, también sirve para dirigir la mirada del espectador a lo largo de una línea hasta un punto determinado de la
 escena. En escenas sin movimiento, genera una sensación psicológica de inestabilidad que ayuda a dar más fuerza
a un acontecimiento inquietante. No hace falta que el espectador conozca la técnica. Si está bien hecha funciona
de manera incluso subconsciente, aunque a veces se abusa demasiado del truco.
EJE DE ACCIÓN:
* Línea imaginaria que queda marcada por la acción que tiene lugar en la escena. Tiene que ver con no quebrar la
continuidad. Si no se respeta esta ley del semicírculo y se filma la escena colocando la cámara a ambos lados del eje
de acción, se producirá un salto de eje que confundirá al espectador.
Entones, es importante porque determina en qué posiciones colocar la
cámara (como en la foto se observa, hay 5 posibilidades) sin que las
imágenes resultantes, una vez montados los planos, despinten al
espectador. Básicamente, debe colocase siempre en una de las dos
mitades en las que el eje de acción divide el escenario.

Si no respetamos esta "ley del

semicírculo", y filmamos la escena colocando la cámara a ambos lados del eje
de acción, se producirá un "salto de eje" que confundirá al espectador.
Ejemplo del diálogo entre dos personajes:
En este caso, en el que la escena se filma mediante plano y contraplano desde un
único lado del eje, las imágenes resultantes, una vez montados los planos,
permitirán que el espectador se haga la idea de que los personajes mantienen
un diálogo:

En cambio, si filmamos la escena tomando el plano desde un lado del eje y el

contraplano desde el otro lado del eje las imágenes resultarán confusas, ya que
parecerá que los personajes hablan con alguien más en vez de entre sí .

Así, en el momento de escribir el guion técnico, se debe tener presente que el lugar
en el que situar la cámara para filmar un plano determinado dependerá de dónde se haya colocado la cámara en el
plano anterior. No obstante, a menudo se salta el eje a propósito con la intención de sobresaltar o inquietar al
espectador (pasa a ser un recurso visual que quienes dominan el lenguaje audiovisual pueden utilizar, aunque siempre
con un criterio artístico o narrativo)
GUIÓN TÉCNICO: es cómo vamos a contar de forma técnica el guion literario. Es la forma en la que se da a entender
al público interno lo que se quiere realizar.
 Storyboard: dibujo de cómo luciría un plano determinado que sirve para entender cómo contar la historia.
Formato de exhibición
Sirve para contar mejor la historia, de acuerdo con lo que se quiere comunicar. Ej: si queremos mostrar la historia de
una persona que es perseguida por su claustrofobia será más efectivo utilizar el formato cuadrado para dar la sensación
de encierro.
La proporción de aspecto de una imagen la conforma su anchura dividida por su altura. Sus expresiones matemáticas
más comunes son X: Y o X x Y → las dos proporciones más utilizadas hoy en día en la exhibición cinematográfica en
salas son 1.85:1 y 2.39:1.
Las más empleadas en vídeo son 4:3 (1.33:1) -el formato universal estandarizado para vídeo en definición estándar- y
16:9 (1.78:1) -formato universal estandarizado para vídeo en alta definición.
- ¿Qué hacer cuando se deben mostrar formatos distintos al propio 16 x 9 en una pantalla con dicha proporción?
 Se recortan dos porciones laterales de la imagen original (práctica que debería estar tipificada como delito por el
código penal) y se le agregan barras horizontales (letter boxing) o verticales (pillar boxing) a la imagen.
 Una tercera opción el pan & scan, procedimiento que consiste en realizar movimientos panorámicos durante el
escaneo electrónico de la película (movimientos que por descontado no existen en la imagen original y que alteran
sobremanera al lenguaje narrativo). Incluso hay casos en los que se comprime o se estira la imagen para encajarla
en la proporción 16 x 9. Por fortuna, este tipo de atentados contra el sentido común son cada día menos frecuentes.
Diseño de iluminación
La iluminación en el cine es la herramienta más importante para cambiar el significado visual de una película, es un
factor que ayuda a aumentar la expresión artística de la imagen. La luz es la base del cine, gracias a ella la cámara es
capaz de captar las imágenes.
¿Qué es la luz?
Es radiación electromagnética que nos permite ver lo que nos
rodea y que se propaga en formas de ondas en cualquier espacio.
Existen diferentes fuentes de luz que las podemos clasificar en
naturales y artificiales. El color de la luz puede tener diferentes
temperaturas:

Balance de blancos:
Es un control de la cámara que sirve para ajustar el brillo de los colores
básicos (rojo, verde y azul, con siglas RGB). La finalidad es que la cámara
calibre la iluminación.
 Es equilibrar todos los colores de la cámara a partir de un blanco frío.
Se hace un plano corto/cerrado del elemento de referencia. Se saca de foco, se
cierra el diafragma hasta que se vea blanco en su totalidad y se presiona el
botón que se llama white balance.
Existen varios tipos de balance de blancos (automáticos) en cámaras digitales,
según la necesidad lumínica requerida para la fotografía. Las diferentes
opciones de balance de blancos pueden ser los que se ven en la imagen. Las
luces son las que les dan carácter. Una luz azulada puede enfatizar un
ambiente tranquilo, o nocturno, mientras que una luz rojiza tiende a todo lo
contrario. Una luz amarillenta dará un ambiente más clásico, etc.
Equipamientos:

✔ Fresnel: este lente busca conseguir de forma más barata y poco pesada un sistema colimador-focalizador de luz.
✔ Spot light: este tipo de luz es tenue y no es dirigible. Es difusa, es decir, la proyección de las sombras sobre los
bordes son suaves, pudiendo reducir sombras sin crear sombras adicionales.
✔ HMI: significa “Hydrargyrum Medium Arc-length Iodide”: es una lámpara hecha con halogenuros metálicos y
vapor de mercurio.
✔ LED: sigla de la expresión inglesa light-emitting diode, ‘diodo emisor de luz’, es un componente electrónico
semiconductor que convierte la energía eléctrica en luz.
✔ Mini-panorámicos
✔ Maxibrut
✔ Tubos fluorescentes
✔ LETO
El diseño de iluminación:
Surge luego de que analizamos y planeamos como llevar a cabo una pieza audiovisual. Para ello edificamos un parque
de luces para alcanzar la calidad lumínica que necesita cada escena dramáticamente.
 La calidad de la luz es directamente proporcional a las herramientas que empleamos.
 Gran parte de la iluminación tiene que ver con dirigir el ojo del espectador por el cuadro, y cuando la luz dispersa
proveniente de las fuentes de luz principales contamina el fondo de una toma, la iluminación puede parecer
descuidada y perder el impacto visual. Una vez más, una evaluación cuidadosa de la ubicación de la luz mejorará
drásticamente los resultados.
Intensidad lumínica:
El control de la intensidad es una variable importante de la producción. Cuanto mayor distancia menor iluminación,
por lo que la luz será más difusa y con menos intensidad al igual que si colocamos mayas o filtros.
La intensidad de la fuente de luz que se elige para una toma es una decisión importante. Más luminoso no
necesariamente es mejor. La elección de la profundidad de campo (f-stop = profundidad de foco) y del f-stop con su
cámara debe ser una decisión tomada a conciencia cada vez que comienza a iluminar una toma.
La calidad de la iluminación puede dividirse en:
1. Luz dura-directa: puede no considerarse una calidad de luz natural para muchas escenas interiores (como una
oficina con cuatro paredes blancas e iluminación colgante fluorescente).
2. Luz suave- rebotada o difusa: utilizar fuentes de luz más suaves puede ser más benévolo al iluminar personas,
pero fuentes más suaves y difusas pueden ser mucho más difíciles de controlar. La luz difusa se dispersa en muchas
direcciones, y aunque la calidad de la luz puede ser la deseada para una toma o escena en particular, la dispersión de
luz descontrolada proveniente de una fuente difusa puede arruinar incluso las mejores tomas.
El ángulo de procedencia lumínica:
El origen de la iluminación y la posición de los focos determina la misión.
 Ángulos de iluminación horizontal con respecto a la cabeza:
 A medida que una luz principal se mueve alrededor de la cabeza, se altera considerablemente la apariencia de una
persona. Un lado del rostro aumenta su iluminación, mientras que el otro se oscurece progresivamente.
 Si se ilumina ambos lados, el resultado es el efecto tejón (badger) con una sombra central, los ojos en oscuro y una
nariz prominentemente iluminada.
 Cuando la luz principal se eleva y desvía, como normalmente se hace, las sombras y el sombreado del rostro serán
diagonales.
*Raccord de luz o continuidad:
Es una técnica que asegura la coherencia en el cambio de un plano a otro. Es decir, es un elemento de enlace creíble
mediante efectos visuales, sonoros o de lenguaje, que dan continuidad a la narrativa. Casi ninguna producción de
video resulta de un solo plano o un movimiento continuo. Es necesario crear una narrativa a partir de varias partes que
deben estar conectadas entre sí. Pueden ser raccords de luz, de miradas, de ambientación o de acción.
El caso de la luz natural es complejo de controlar, por lo que puede haber planos consecutivos que tienen luz dura y
otros más suave porque han ido rodando a medida que el sol se mueve. Sin embargo, a pesar de que el raccord de luz
no es perfecto, puede pasar desapercibido al espectador gracias al trabajo de la fotografía, la corrección de color y el
montaje.
 Ej. error en la continuidad por el vestuario:
Otras fuentes de iluminación primaria:

● Luz principal: de frente, a 45 grados o perfil del personaje. Sirve para exponer correctamente la imagen. Genera
contraste en la cara, la luz es difusa y no es tan dura como la del fresnel. Se puede suavizar con relleno (en el caso
del estudio, plancha de telgopor)
● Luz de relleno: suaviza el contraste de la luz principal, revotando o colocando otra que genere ese efecto.
● Contraluz o luz de pelo: se utiliza para despegar al personaje del fondo.
● Luz de fondo: ilumina el fondo.
- Key light: es la luz más importante de a imagen.