Fundamentos del Arte: segunda evaluación:

Bloque 6. El Románico, arte europeo

1-Creación y difusión del románico

•El Románico fue un estilo artístico predominante en Europa durante los siglos XI, XII y parte del
XIII.

•Surge como consecuencia de la prosperidad material y de la renovación espiritual que inspiró la

construcción de gran número de iglesias y de edificios religiosos. Las primeras construcciones se
hicieron en Lombardía, Borgoña y Normandía. Desde allí se difundió por toda Europa, debido a:

–Expansión de las órdenes religiosas (Cluny y Císter) que construyen monasterios. Éstos son
fuente de riqueza y centro cultural y urbano de la sociedad.

–Las peregrinaciones (en España el románico se introduce a través del Camino de

Santiago).Aumento de la influencia de la iglesia.

•El término "Románico", como concepto que define un estilo artístico, lo utilizó Charles de Gerville
por primera vez en 1820 considerando con este término todo el arte que se realiza anterior al estilo
gótico desde la caída del Imperio romano; y por analogía al término ya conocido de lenguas
románicas, el arte románico sucedía al arte antiguo tal y como las lenguas románicas eran las
sucesoras del latín.

•1.1. Relaciona la obra de los frailes benedictinos y la internacionalización del arte románico.

1.1. Relaciona la obra de los frailes benedictinos y la internacionalización del arte románico

Orden Fecha de la Contexto Renovación Renovación Artística

Benedictina reforma social
Social- religiosa
Siglo VI

Reforma Abadía del Impulsor Acabar Inicio del románico:

del Cluny Cluny- Borgoña Carlomagno inmoralidades. Ordenación de las dependencias del
910 Independencia del monasterio.
(Monjes Fundadores: Objetivos abad del monasterio Dedicación a la producción de
negros) Guillermo de poner freno a del poder feudal manuscritos.
Aquitania y invasión Establecer redes de Torres altas en la fachada
Monje Bernon, islámica en comunicación entre Bóveda de cañón.
España y monasterios. Arco de medio punto
Disfusión: Tierra Santa Culto a las reliquias. Arcos lombardos
Odón segundo Inicio de las rutas de Capiteles con decoración.
abad peregrinación.

Reforma Monasterio de Reconquista Vuelta a la pobreza Final del románico, inicio del gótico
del Citeaux (Cister) de Territorios Aislamiento del Reorganización de las dependencias
Cister San Bernardo de en la mundo laico monasterio.
(Monjes Claraval península Avanzadilla Eliminación de los adornos escultóricos
Blancos) 1119 Ibérica repobladora en las en la arquitectura, las torres y del color
tierra reconquistadas en las vidrieras.
Arco apuntados
Bóveda de crucería, contrafuertes

1
Los monjes negros, llamados así por el color de su hábito, extendieron su influencia por toda
Europa, apoyados por los reyes.

La regla benedictina termina imponiéndose a más de un millar de abadías diseminadas por todo
Occidente.

En el siglo XI, los monjes negros de Cluny favorecen el culto a las reliquias se crean la iglesia de
peregrinación

•1.2. Relaciona el Camino de Santiago y su importancia religiosa con la aplicación del arte
románico.

La ruta jacobea cruzaba Alemania, Países Bajos y Francia antes de entrar a la Península por
Somport en Jaca o por Roncesvalles en Navarra. Esos dos ramales se unían en Nájera-Logroño y
ya viajaba por Burgos, León, Orense hasta llegar a Santiago de Compostela

En la Península Ibérica la ruta de peregrinación atraviesa “tierra de nadie” recién reconquistada a

los musulmanes aún no repoblada. Por este camino entra la reforma cluniaciense convirtiendo esta
zona en un auténtico tubo de ensayo para el hallazgo de nuevas soluciones artísticas.

1.2. Relaciona el Camino de Santiago y su importancia religiosa con la aplicación del arte
románico.

Cronología Extensión Iglesias camino Iglesias Características de Simbología

de Santiago : camino de las Iglesias de escultórica
peregrinacione Francia Santiago: peregrinación
s
España

S-IX Cruzaba S. Martín de Navarra: Santa Planta de cruz latina, Simbología en

descubrimiento Alemania, Tours en el María la Real de tres o cinco los tímpanos de
de la tumba de Países Bajos y camino de Paris a de Sanguesa, naves y pilares la entrada
Francia entra Burdeos compuestos. relacionada con
Santiago Península por Santa María de la peregrinación
Somport en Jaca -San Martial de Eunate, Girola o hacia el final de
S- X reforma del o por Limoges entre Monasterio deambulatorio con la tierra
Cluny culto Roncesvalles en Vezelay y Leyre absidiolos. conocida:
reliquias Navarra. Esos Perigueux.
dos ramales se Huesca: la Transepto La figura de
Impulso unían en Nájera- -Santa Fe de Catedral de destacado en planta Cristo en
pereginación Logroño y ya Conques en la Jaca majestad
viajaba por ruta de Le Puy a Tribunas o triforios
S XI difusión de Moissac. Castilla: San El Juicio Final
Burgos, León,
la ruta por toda Martín de Son edificios
Orense hasta
Europa -San Saturnino de Frómista, San totalmente El triunfo de la
llegar a Santiago
Toulouse, en el Isidoro de abovedados ciudad de Dios.
de Compostela
camino de Arlés a León, Sto ( bóveda de cañón y
Jaca Domingo de de aristas) y con La Ascensión
S XII:Codex Silos varias torres. tras la
Calixtinus que resurrección …
promociona el y en la meta: Profusión de
camino SANTIAGO DE escultura Y en lugar
COMPOSTELA monumental de preferente la
carácter docente y figura del
simbólico. Apostol
XIV – XV crisis Santiago con
por, ruptura El cimborrio va a los atributos del
cristiandad y ejercer una peregrino.
peste. importante función
lumínica
2.1. Comenta la evolución del arte naturalista romano al arte simbólico románico

Arquitectura Escultura Pintura

Arte Romano Estructuras horizontales. Retrato fiel de las Reflejo de la sociedad romana,
personas, respeto a las empleo de las proporciones en
Espacios abiertos, proporciones, naturalismolas figuras, representación de
importancia del espacio en la representación de fondos arquitectónicos y paisajes
público volúmenes. con naturalismo y una
perspectiva intuitiva,
Mayor importancia de las Representación de temas modulaciones del color para
columnas como soportes históricos, políticos, representar volúmenes y
religiosos-mitológicos, y texturas de las superficies
vida cotidiana

Arte Bizantino Utilización de cúpulas y Hereda en sus inicios el Riqueza del material,
ábsides con mosaico naturalismo romano alargamiento de las figuras.
para representar la luz mezclado con hieratismo Amaneramiento rigidez, pliegues
divina orientalizante. rectos ojos grandes.

Alargamiento de las
proporciones.

Arte Importancia de los muros Desproporción, hieratismo, Desproporción de las partes y el

prerrománico estructuras cerradas, pérdida del volumen, tamaño de unas figuras respecto
mayor utilización arcos y representación de temas a otras, utilización de la línea
bóvedas religiosos para definir planos, colores
planos sin volumen.
Organización de las figuras por
importancia, representación de
temas religiosos. La pintura
adopta un papel difusor de
contenidos simbólicos

Arte La luz elemento simbólico Utilización lenguaje Organización de las figuras

Románico en la arquitectura simbólico para hablar del
pecado y pasiones
humanas
siguiendo patrones jerárquicos,
ausencia de volumen y de fondo,
desproporción, simbolismo en la
representación, ley de la
frontalidad

•2.1. Comenta la evolución del arte naturalista romano al arte simbólico románico.

ARQUITECTURA ROMANICA CARACTERISTICAS DEL ARTE ROMÁNICO

1- Es el primer estilo internacional de Europa. Aunque cada zona aportará soluciones y su

originalidad propias.
2.- Nace a partir de los diversos elementos aportados por el arte prerrománico, a los que se
incorporan influencias bizantinas y orientales que se reciben a través de España -musulmanes- y
por el contacto directo de los cruzados con las culturas del Mediterráneo Oriental.
3.- Es fundamentalmente religioso. Su manifestación artística más importante es la arquitectura a
la que se subordinan las demás artes.
ETAPAS:
 PRIMER ARTE ROMÁNICO: finales del siglo X, hasta el segundo tercio del siglo XI.
 ROMÁNICO PLENO: tercer tercio del siglo XI y llega hasta el tercer tercio del siglo XII.
 ROMÁNICO TARDÍO, TARDORROMÁNICO, CISTERCIENSE, PRIMER GÓTICO O
PROTOGÓTICO: tercer tercio del siglo XII hasta el primer cuarto del siglo XIII
2.2. Reconoce las principales características de la arquitectura románica, identificando
visualmente los elementos que la diferencian

Elementos arquitectónicos románicos

El espacio interior viene marcado por un eje longitudinal, que señala la dirección hacia el altar, sensación
acentuada por la secuencia de soportes y arcos (espacio camino).
La escasez de luz crea un ambiente de recogimiento, mientras la mayor luminosidad del crucero y del ábside
conduce la vista hacia la cabecera.
Material: piedra caliza, granito o pizarra, cortada de modo regular formando piedra de cantería.
En edificios tempranos aparejo irregular
Planta Elementos exteriores Elementos interiores Cubiertas

Planta basilical y planta de cruz -Transepto de la misma Elementos a) Techumbre de madera

latina
Otros tipos de planta
-de cruz latina, simplemente.
-basilical.
-Planta de cruz griega
-Planta poligonal (las dos de
influencia del arte bizantino)
a) Cabecera. Rematada en
ábsides (1-3-5-7). El central
siempre mas alto y ancho que
los laterales. Multiplicación de
ábsides: debida al aumento
progresivo del culto a los
santos y a la celebración diaria
de la misa por todos los
sacerdotes simultáneamente
-Con girola: propia de las
iglesias de peregrinación. Es un
pasillo o nave semicircular que
rodea al altar mayor y une las
naves laterales con el fin de
facilitar la circulación de los
fieles en torno a las reliquias
que se veneran alrededor del
altar mayor. A ella se abren
ábsides.
altura que la nave sustentantes
central. b) Bóvedas de cañón con
Pilares: sencillos y arcos fajones en la nave
Los cruceros aparecen compuestos central
destacados por una Pilastras
torre llamada cimborrio Columnas c) Bóveda de aristas en las
Muro naves laterales
Torres campanario a los
pies del edificio Elementos d) Bóvedas de cuarto de
Contrafuertes que sustentados esfera: cubren los ábsides
coinciden con los arcos
Bóveda de cañón e) Cimborrio sobre
fajones interiores
Nave central pechinas o trompas.
Aleros Salientes Bóveda de arista
El empleo de cubiertas de
sostenidos por naves laterales
piedra abovedada, más
modillones Arco Fajón
resistentes al fuego que
Arco formero
las de madera, planteaba
Fachadas con arco de Arco de medio punto
importantes desafíos
medio punto con Techumbre de
técnicos que habían que
arquivoltas:, parteluz, y madera
resolver.
jambas decoradas. Cimborrio
Motivos ornamentales y Las bóvedas de piedra
bandas normandas ejercen dos tipos de
Elementos
presión: vertical y lateral. El
Arquivoltas: arcos sustentantes y empuje vertical es
sustentados
dispuestos de menor a absorbido por los muros
Arquillos ciegos y
mayor dando a la puerta interiores y el lateral por los
bandas lombardas
forma abocinada gruesos muros exteriores y
Contrafuertes
los contrafuertes que los
Tímpano espacio Trompas y pechinas refuerzan, todos ellos con
delimitado por el dintel profundos cimientos.
de la puerta y las
arquivoltas de la portada
2.3. Describe los elementos románicos de las iglesias españolas más representativas,
indicando posibles añadidos posteriores

Románico español, características generales.

El románico español no es un estilo autóctono, sino claramente de influencia francesa. Las

más evidentes son de tipo languedociano: pilares compuestos, arcos peraltados, bóvedas
de cañón con arcos fajones...
También son significativas las aportaciones lombarda, e islámica, la última de las cuales se
manifiesta en la aparición de arcos polilobulados y bóvedas nervadas.
Su marco geográfico es la mitad norte de la Península, al estar el sur en manos
musulmanas.
En la última etapa predominan las influencias borgoñonas: triple portada, arcos apuntados,
bóvedas de crucería...
Época Características Monumentos

Románico Los primeros edificios del románico español se OBRAS:

primitivo construyeron en Cataluña, a comienzos del siglo
XI, influidos por el arte de Lombardía y del sur de MONASTERIO DE SAN
Finales del siglo Francia. Características: PEDRO DE RODA
X, hasta el SAN VICENTE DE CARDONA
segundo tercio Edificios de apariencia austera, en sillarejo o MONASTERIO DE RIPOLL
del siglo XI mampostería, generalmente de tres naves,
separadas por pilares simples, y cuya cabecera Siglo XII, pero de estilo
tiene tres ábsides. arcaizante:

Exterior decorado con bandas lombardas y SAN CLEMENTE DE TAHULL

pequeños arcos ciegos.

Esbeltos campanarios, de varios pisos, que

también reflejan el primitivo románico lombardo.

Románico Pleno Dos torres a los pies de la iglesia. Y cimborrio en el CATEDRAL DE SANTIAGO
crucero DE COMPOSTELA.
Tercer tercio del
siglo XI y llega Construcción de sillar de cantería SAN MARTÍN DE FRÓMISTA
hasta el tercer
tercio del siglo Pilares cruciformes con columnas adosadas SAN ISIDRORO DE LEÓN
XII.
Fachadas con arco de medio punto con arquivoltas:, CATEDRAL DE JACA
parteluz, y jambas decoradas.
Motivos escultóricos

Tardo románico Modelos del romanico dan paso a las escuelas SAN PEDRO Y SAN VICENTE
regionales en: Galicia, Castilla y León, Asturias, EN ÁVILA.
Durante la Navarra y Aragón
segunda mitad LA ANTIGUA EN
del siglo XII y la -Una sola torre y atrio en castilla VALLADOLIZ
primera mitad del
siglo XIII Arte Cisterciense, ausencia de ornamentación y SAN MILLAN Y LA VERA
reducción a los elementos estructurales Ausencia CRUZ EN SEGOVIA
de torres y ausencia decoración arquivoltas y
tímpanos y capiteles. Fachadas lisas decoración SAN JUAN DE DUERO
zig-zag en arcos, rosetón central SORIA

Arcos apuntados MONASTERIOS

CISTERCIENSES

6
3- El milenarismo y su influencia en el arte.

•3.1. Comenta la identificación entre época románica y las teorías milenaristas del fin del
mundo surgidas en el romanticismo.

El milenarismo es una manifestación de la escatología cristiana que presuponía el final inminente

de los tiempos. Cristo, a su Segunda Venida, establecería un reino terrenal perfecto y reinaría
durante mil años antes del Juicio Final.

El término milenarismo se ha adoptado, en un sentido más amplio, para designar a todos los tipos
particulares de sectas salvacionistas, ligado al concepto de mesianismo.

En la Edad Media el temor al fin de los tiempos debió estar presente en la conciencia de las
gentes, muy apegadas e una mentalidad mítica y simbólica.

Las interpretaciones del Apocalipsis

Según el milenarismo cristiano, que continúa una antigua tradición judaica, Cristo debe gobernar el
mundo durante un período de mil años (millenium). Esto no queda recogido por la literatura
evangélica ni apostólica, pero sí por el Apocalipsis de San Juan: el reino mesiánico debía durar mil
años; después, tras la destrucción y el juicio a los muertos, los elegidos alcanzarán un reino de
gloria.

Los terrores del año mil fueron una serie de hambres, epidemias, crímenes, herejías y signos
celestes que se manifestaron de forma local, dentro de una mentalidad mítica y simbólica que
trataba de alcanzar un significado esotérico a los sucesos extraños y catastróficos.

Aunque no hubo la creencia generalizada del mundus senescit, la progresiva caída de la civilización
y la convicción religiosa, sí es cierto que existió un miedo anterior al año mil y recuperó su vigor en
el siglo XI.

"Y ví un ángel que bajaba del cielo con la llave del abismo y con una gran cadena en la mano
. Se apoderó del dragón, de la serpiente antigua, que es el diablo y Satanás, y lo mantuvo
encadenado durante mil años. Lo arrojó al abismo , que cerró y selló, para que no extraviase
más a las naciones, hasta que se cumplieran los mil años. Después de esto habrá de ser
soltado por un poco de tiempo” Apocalipsis 20,1-3

Teorías del fin del mundo en el romanticismo:

Expectativa de milenio fue generalizada en la sociedad Inglesa a finales del siglo XVIII. Esta idea se
transluce, la literatura , el arte y la política de la época romántica. Un movimiento unido por una
tendencia común el uso de figuraciones del milenio para interrogar y transformar el mundo en que
vivían y se movían: Coleridge , Cowper , Blake y Byron son algunos ejemplos del interés por el
milenarismo en distintos lenguajes artísticos y políticas de radicales de Londres .

La historiografía decimonónica afín al romanticismo difundió, durante la primera mitad del siglo XIX,
una visión distorsionada sobre la llegada del año mil. La documentación no ofrece noticias de
conmociones milenaristas de ámbito general ni local, pero algunos historiadores avivaron la
imaginación del mito con descripciones de la entonación del Miserere en la noche de San Silvestre
del año 999. Este romanticismo retrató a los habitantes de la Europa del año mil entregados a la
penitencia, al placer desesperado o al abandono melancólico.

4- El simbolismo románico. La luz. Mandorla. Pantocrátor. Jerarquización.

•4.1. Reconoce la importancia de la luz en la iconografía de la arquitectura románica.

•La iconografía se basa en el simbolismo cristiano, pero está muy marcada por la ilustración
miniada de las biblias y del Apocalipsis que se realizó durante la alta edad media.

•Relatos del Antiguo Testamento, del Apocalipsis … y con la representación de los animales
fantásticos de que habla Juan en el Apocalipsis a partir de los bestiarios alto medievales.
7
•Un bestiario: palabra que proviene del Latín bestiarum, es un compendio de bestias. Se hicieron
muy populares durante la Edad Media en forma de volúmenes ilustrados que describían animales,
plantas o motivos orgánicos de la naturaleza. La historia natural y la ilustración de cada una de
estas bestias se solía acompañar con una lección moral, reflejando la creencia de que el mundo era
literalmente la creación de Dios, y que por tanto cada ser vivo tenía su función en él.

• Por ejemplo, el pelícano, del que se creía que se abría su propio pecho para dar vida a sus
polluelos con su propia sangre, era, a través de su sacrificio, una viva representación de Jesucristo.
El bestiario, por tanto, es también una referencia al lenguaje simbólico de los animales en la
literatura y el arte cristianos de occidente.

•La “Maiestas Domini” o Cristo en Majestad Jesús-Dios, omnipotente, que preside todo el cosmos,
al que bendice o juzga, con el libro (evangelio) en la mano y es acompañado por los evangelistas.

–Perspectiva jerárquica: tamaño superior al de cualquier otra figura, y lugar central y elevado en la
composición,y expresión atemporal.

–Casi siempre aparece enmarcado en un óvalo: mandorla (por la forma de almendra) de

simbolismo complejo:

–La palabra mandorla viene del italiano mandorla que significa almendra. Designa un marco o
aureola en forma oval o de almendra en donde se insertan personajes sagrados, siendo el más
frecuente Jesucristo pero también, la Virgen María o los santos. Se usó preferentemente en el arte
románico y bizantino.

•Este Maiestas Domini o “Pantocrátor” (=todo lo puede) se rodea a menudo de los evangelistas,
representados por sus símbolos: Es el Tetramorfos (las cuatro formas) y que tiene que ver con las
“imágenes” del comienzo de cada uno de los evangelios que se les atribuyen.

–Marcos, el león
–Lucas, el toro
–Juan, el águila
–Mateo, el ángel.

•Forma y símbolo : LA MANDORLA La utilización del círculo para inscribir un personaje, además
de su ubicación en lo alto de un elemento arquitectónico, evoca la esfera celeste.

•La mandorla lleva a otra dimensión: es una figura geométrica diseñada con dos círculos que se
cortan. En su intersección se halla una persona, por la cual se debe pasar para recorrer el camino
entre los dos círculos, los dos hemisferios o los dos mundos, el terrenal y el celestial. La
implantación de Cristo en una mandorla en el tímpano de la puerta de una iglesia revela el
simbolismo de pasar de fuera de la iglesia a dentro de la iglesia y, por lo tanto, anuncia el paso de
los vivos del mundo terrenal al celestial. La mandorla se utiliza entonces para expresar un pasaje o
una puerta.

4.1. Reconoce la importancia de la luz en la iconografía de la arquitectura románica.

•El mensaje dentro del templo es sencillo: el fiel va recorriendo el camino de la tiniebla a la luz.
En el libro que sostiene el Pantócrator, puede apreciar el "ego sum lux mundi” “Yo soy la luz del
mundo”

•1 Dios es uno, como una es la cabecera de la Iglesia, aunque tenga varios ábsides. Uno como una
es la cúpula central.

•2 Hay un mundo de las tinieblas y un mundo de la luz, y hay un camino para ir de las tinieblas a la
luz. Como un camino hay desde la entrada occidental del templo hasta el altar, a oriente.

•3 Ese camino tiene una guía, que no es otra que Cristo. Hacia su figura debe dirigirse el fiel en el
camino anterior; cuando lo contempla como Pantócrator en el ábside mientras avanza por la nave
central, como en San Climent de Tahüll, Lérida:.

8
 •Frente a la importancia capital de lo anterior, el resto del mensaje es de importancia secundaria y
mucho más complejo: va desde múltiples indicaciones de cómo proceder en la vida huyendo de los
pecados y buscando la virtud, hasta advertencias severas de los peligros que acechan al fiel: tanto
por los engaños del diablo como por la suerte que espera a los pecadores tras la muerte.

• En una época en la que seguramente la totalidad de los que pasaban bajo las arquivoltas de la
iglesia creían en la existencia del infierno y del diablo, las imágenes de los condenados a la
izquierda de Cristo, ávidamente esperados por los diablos infernales, tenían que ejercer
necesariamente una poderosísima influencia sobre la gente sencilla...tal y como podemos ver en la
fachada de la Iglesia de Santa María la Real de Sangüesa, NAVARRA.

5-La esquematización en la representación figurativa. Escultura . Imágenes religiosas.

Capiteles. Pórticos.

5.1. Explica los elementos formales de la escultura románica:

Características formales: Rigidez hieratismo

Material Emplazamiento Relieve/exenta Iconografía Iconología,

interpretación
En su gran Portada de las iglesias: La gran Representaciones Se elabora un
mayoría se utiliza el tímpano mayoría son de dios padre, programa
la piedra caliza. los arcos relieves con Jesucristo y la didáctico que
los capiteles columnas. En diferentes Virgen en conduce a hacer
Se usa madera frisos en relación con el planos de Majestad en el reflexionar al al
para la tema del tímpano, en el profundidad interior de la fiel sobre el
representación de parteluz. mandorla mística, pecado.
figuras de bulto Hay figuras de Escenas del juicio Dios como
redondo de En el Interior de la iglesia: bulto redondo final, de la gloria, máximo juez, el
especial devoción columnas laterales, ábside que se colocan figuras de Santos, castigo en los
y altar mayor para el culto el evangelio. infiernos para el
Las esculturas en los ábsides Animales y pecador y la gloria
eran En los claustros y atrios: bestias, elementos para el que salve
policromadas en Capiteles de las columnas y vegetales. su alma.
su mayoría, la en las esquinas.
pintura ha
desaparecido

6-Pintura románica. Características iconológicas.

•La pintura románica al fresco en la Península Ibérica tiene una fuerte implantación y destacan
claramente “dos escuelas”:
–la catalana. Relacionada como en la arquitectura con el norte de Italia y el sur francés, dejará
numerosas obras de una perfección fascinante.
–la castellana. Muy vinculada a lo que se hace en Francia, llega por el camino de Santiago.
•Por lo que respecta a las miniaturas, son los monasterios los focos fundamentales y casi
exclusivos: en ellos se reproduce de forma reiterada la obra del Beato de Liébana, pero también se
hacen obras nuevas (Libro de los Testamentos de la catedral de Oviedo …)
•La pintura al fresco catalana se caracteriza por la fuerte linealidad, frontalidad (que se realza por
destacar sobre un fondo plano) y una expresividad “terrible” que los ojos desmesurados imprimen a
los rostros.
–El ejemplo más importante en los frescos de la comarca del Boí.
•El fresco en Castilla parece más “amable” y menos hierático, como si quisiese captar la
espontaneidad de lo cotidiano.
–El ejemplo más importante, la cripta de San Isidoro de León.
•Pero la influencia catalana se extendió a Aragón y llegó hasta Segovia (Maderuelo).

9
6.1. Explica los elementos formales de la pintura románica:

Características formales: colores planos, importancia de la línea, ausencia de volumen y perspectiva,

desproporción, rigidez, hieratismo, frontalidad.
Técnicas Emplazamiento Iconografía Iconología, interpretación

muro (al fresco) En el Interior de Apocalipsis sobre todo (como Se elabora un programa
la iglesia: el del Beato de Liébana). didáctico que conduce a
códices o libros columnas hacer reflexionar al al fiel
miniados: laterales, ábside Representaciones de dios sobre el pecado.
(temple a la y altar mayor padre, Jesucristo y la Virgen en
clara de huevo) techos y paredes Majestad en el interior de la Dios como máximo juez, el
de la iglesia mandorla mística, Escenas del castigo en los infiernos para
tapices (tejido) juicio final, de la gloria, figuras el pecador y la gloria para el
de Santos, el evangelio. que salve su alma.
tablas de altar Animales y bestias, elementos
(temple) vegetales.

San Clemente de Tahull

Aunque hablemos de Pantocrátor, debemos considerar el conjunto:

–Pantocrátor y Tetramorfos;
–La Virgen y Santos como “cuerpo intermedio” (Iglesia)
–las imágenes que nos remiten a la Tierra, y que por deterioradas apenas podemos decir algo de
ellas.
•Se trata, pues, de representar los tres niveles que la Teología del momento quiere “explicar”: el
cielo, con la Iglesia de intermediaria, para los fieles que están en la Tierra.
•Actualmente el original se halla en el MNAC de Barcelona. Se trata de un fresco con retoques al
temple y se realizó a comienzos del siglo XII: la iglesia se inauguró en la Navidad de 1023.
•La representación es convencional: el trazo, el color y la composición son como hemos visto en la
escultura.
•También la disposición: en la cúpula está la parte del “cielo”; en la parte alta del cilindro del ábside,
la “Iglesia” (santos y virgen); en la parte baja, por debajo de la ventana, estaría el resto.
•El trazo, firme, geometrizante, pocas líneas pero que permiten crear un rostro severo, solemne.
•La estilización (espiritualización) es también notable. Junto a la rigidez y el hieratismo, nos da unos
personajes de gran potencia expresiva.
•El color, plano, denso y puro de gamas brillantes: el rojo, el azul y el amarillo.

Los techos de la cripta de la basílica de San Isidoro.

•La cripta es el Panteón real de los reyes de León y Castilla, y se corresponde con el nártex del
primitivo templo. Es un rectángulo porticado de 8 metros de lado, con dos columnas bajas y
robustas sobre las que descansan siete arcos para las tres naves.
•Las pinturas están en los muros y en las seis bóvedas.
•La técnica utilizada parece que es el temple, aplicado sobre una capa de estuco fresco.
•El fondo blanco nos remite a influencia francesa.
•Los temas se estructuran siguiendo la misa del rito mozárabe en tres ciclos:
•Navidad (Anunciación, Visitación, Epifanía, Natividad, anuncio a los pastores, huida a Egipto,
circuncisión y muerte de los inocentes).
•Pasión (Última Cena, la propia Pasión y la Crucifixión)
•Resurrección (Gloria, Maiestas Domini y entronización del Cordero) siguiendo el Apocalipsis de
Juan.
Se completa con la representación del calendario agrícola y de los signos del zodíaco

10
7- Ropa, mobiliario, costumbres. Vida cotidiana.
7.1 Compara la vida cotidiana de las ciudades en época románica con la vida cotidiana del imperio romano

Origen y Actividad Edificios Importantes Servicios Comunicación con

estructura el exterior

Ciudad Las Ciudades La población y la Espacios públicos: foros, Alcantarillado, Redes de

romana tenían actividad económica basílicas y centros de ocio: acueductos comunicación
estructura de se situaba en las Baños públicos, teatro, fuentes, abundantes.
damero con dos ciudades. anfiteatro. termas, Eran abiertas a su
calles Motivos de adorno: arcos mercados expansión. Carecían
importantes: de triunfo, columnas de muralla hasta la
cardo y conmemorativas invasiones
decumano, germánicas.

Ciudad Surgen con la La mayoría de la Cada barrio tenía su No había Las ciudades
Medieval expansión población habitaba en parroquia, los edificios alcantarillado, estaban
agrícola del S XI. el campo, las ciudades destacados eran el las calles no amuralladas, se
Enjambre de urgen como centros ayuntamiento, la Iglesia, las estaban cerraban por la
calles estrechas donde vender la lonjas y los palacios de pavimentadas, noche , las
que formaban producción agrícola y algunos nobles y había animales mercancías que
barrios de dotarse de los objetos burgueses. , eran insanas. entraban pagaban
artesanos que producían los En la plaza central se impuestos.
artesanos celebraba el mercado, las
fiestas y los
ajusticiamientos.

•7.1. Compara la vida cotidiana de las ciudades en época románica con la vida cotidiana del
imperio romano, valorando la calidad de vida y costumbres de unas y otras.

Vida cotidiana en el románico:

Se desarrollaba en el campo y dependía del sol, el tiempo lo marcaban las campanadas de la
iglesia. La salida del sol daba inicio a la jornada laboral que concluía con la puesta del astro, siendo
más larga en verano, más reducida en invierno.

Fenómenos meteorológicos adversos como las inundaciones, las granizadas o las sequías, podían
provocar hambrunas que terminaban con la vida de muchas personas. Estas desgracias eran
atribuidas a poderes superiores que les castigaban por alguna acción mal cometida.
Vivienda: todas las casas tenían chimenea, los materiales de construcción dependían de los más
abundantes de esas zonas -por ejemplo en la zona más occidental de la Península las casas eran
construidas con piedras mientras que en los Pirineos abundaba la madera y en el sur el barro.

Las viviendas de los campesinos contaban con una sola estancia que hacía al mismo tiempo de
cocina, salón y habitación. En este habitáculo también se trabajaba, se almacenaba la cosecha y
los útiles de arar. Si por el contrario eran artesanos, éstos compartían su casa con el taller y en
muchos de los casos incluso con la tienda, abierta ésta al público. Con el paso del las casas tiempo
se dividirán en varias dependencias estableciendo en cada una de ellas una actividad concreta. En
ambos tipos de construcciones, a la casa se une un pequeño patio trasero donde pueden instalar
un huerto, un corral, un pozo, un horno , la letrina .

Ocio :Después del acto religioso era común que los vecinos acudiesen a las tabernas donde se
servía vino y comida mientras se divertían, único día de la semana -al margen de otras muchas
festividades religiosas y de otras índoles- en el que estaban permitidas las horas de ocio que
ocupaban de diversas formas: jugaban a los naipes, dados, los adultos, los niños a la pelota u otros
objetos sencillos. Pero en diversión eran los juglares el centro de atención, siendo la poesía el
mayor divertimento del pueblo.

11
El mobiliario era escaso. En las casas más humildes estaba compuesto por aquellos muebles
imprescindibles como la mesa, las banquetas, un arca para guardar la comida o la cama, que
llegará a convertirse en elemento diferenciador. El material habitual para los colchones era la paja
aunque las clases acomodadas podían disfrutar de uno hecho de plumas que recubrían con
sábanas o calientes mantas de pieles. El soporte de las camas podía ser bien un tablón de madera,
bien varias sillas puestas en fila, este último el común en las zonas rurales donde la cama era
compartida por toda la familia. En las casas donde el dormitorio estaba separado, era ésta la
estancia más privada, donde se guardaban los pocos objetos de valor que pudiesen tener. La
cocina suponía el espacio más importante de cualquier hogar principalmente por la presencia de la
chimenea que además de aportar calor iluminaba la casa. Las casas con más recursos económicos
contaban con todo tipo de cacharros como recipientes de barro, de estaño, cobre o hierro además
de manteles y paños.

El mueble se adapta a las exigencias vitales de la época y solo responde a las necesidades
practicas de la vida, son muebles creados con una simple visión utilitaria. Los ejemplos del muebles
románicos, son conocidos por las pinturas y las miniaturas de los códices. Se trata de muebles
fuertes y pesados con una decoración estilizada de flora y fauna o de figuras fantásticas, en el Siglo
XII serán ornamentados con pinturas y formas esculturales tomados de la arquitectura, con
aplicaciones de hierro forjado, marfil, etc.
La construcción del mueble es muy elemental y parecida en toda Europa, se ensambla a
escuadra, con clavos y reforzados en hierro, que le da un valor artístico. En el S. XIII , el
perfeccionamiento de la ebanistería, hace disminuir los refuerzos de hierro y empiezan a trabajar
con maderas mas ricas y materiales de gran calidad, ( bronces, cobre, nácar y marfil ). Los muebles
mudéjares, españoles y sicilianos, son de un exquisito trabajo de ebanistería, formando en el
chapeado complicados dibujos geométricos.
Las sillas son muy escasas, en las mas corrientes los montantes son torneados y los respaldos se
entrelazan con arquerías de medio punto, tallados y policromados. Los sitiales y faldistorios son
asientos de honor para la nobleza y eclesiásticos, en forma de tijera, decorada con influencias
moriscas, tallados y policromados, construidas generalmente en pino y nogal. Un buen ejemplo de
ello lo podemos encontrar en la Silla de San Ramón de la ex catedral de Roda.
Las mesas no tienen valor artístico, son simples tablones soportados sobre caballetes y reforzados
con herrajes, con el simple objeto de ser cubiertos con telas o tapices. Otras son octogonales o
circulares, soportado por un pie o columna
ARMARIOS El mueble románico por excelencia es el arcón, lo mismo se encuentra en la casa del
campesino, que en los palacios o en las sacristías. El arca sirve de banco, mesa o armario, su
numero excede de treinta en muchas casas. Su desarrollo evoluciona inmediatamente, muchas son
inspiradas en la antigüedad de los sarcófagos griegos y romanos. Muy toscas al principio, se
perfecciona paulatinamente, La tapa es casi siempre plana, aunque algunas veces tenga forma de
tejado. La madera va tallada o cubierta de tela o de cuero, y reforzada con clavos y herrajes, los
ejemplares mas bellos son franceses y alemanes. Por lo que a España respecta, esta el célebre
arcón de Astorga, cubierto en forma de tejadillo policromado, es un ejemplar casi único. Se
conservan arquetas hispano-arábigas, con decoraciones geométricas y estrellas, considerándose
también de la época el legendario arcón del Cid, con la cubierta en forma de teja, comienza a
hacerse algunos armarios con características muy semejantes a las arcas, altos, estrechos y con
una sola puerta. Las puertas son tablas ensambladas, siempre reforzadas con piezas de hierro.
CAMAS Las camas tienen sus cuatro patas torneadas y los cabezales muy altos, acabados en
ligera curva y a veces policromado, siempre cubiertas con telas y tapicerías, tenían en un extremo
unos escalones para poder subir y bajar cómodamente. En el manuscrito de las Cantigas de
Alfonso X el Sabio, se pueden ver en miniatura diversos ejemplares de la época.

El arte de la metalistería progresó enormemente durante los periodos prerrománico y románico.

Se utilizó principalmente para elaborar objetos de uso litúrgico, así como para los atributos reales.
. En España hay que citar los frontales de San Miguel de Excelsis (Navarra), de exquisita
policromía, el que se conserva en el Museo Arqueológico Provincial de Burgos y el de la catedral de
Orense, de extraordinaria belleza.

El tapiz de Bayeux, realizado con la técnica del bordado, es el ejemplo mejor conocido del trabajo
textil del siglo XI. Otra pieza importante de esta época es el Bordado del Génesis o Tapiz de la
Creación en Gerona, realizado en punto de cadeneta con lanas de colores sobre un tejido de lino.
12
Los atuendos eclesiásticos y las cortinas de altar representan otros ejemplos conservados de telas
románicas. Los tejidos más apreciados en Europa central no fueron los producidos por artesanos
locales, sino los importados del Imperio bizantino, la España musulmana y Oriente Próximo.

El vestido románico
El traje románico se caracterizó también por ser mucho menos variado que el de siglos anteriores.
Básicamente consistía, en el caso de las clases altas de la sociedad, en la superposición de dos
túnicas, el brial (saya de rica tela bordada y teñida) y la piel o pellizón.

El brial era una túnica muy larga con mangas estrechas (saya). Había uno hendido, apropiado para
cabalgar. Como prenda lujosa, el brial se confeccionaba con ricos tejidos como el cendal, que era
una seda muy fina, o el xamet o ciclatón, que incluía oro. La piel, también llamada pellizón o
pellicia, se llevaba sobre el brial. Era algo más corto que éste y tenía las mangas más anchas.
El vestido románico de las clases bajas El traje más usado por la mayoría de la población era la
saya, también conocida como aljuba. Las sayas masculinas no sobrepasaban, por lo general, la
rodilla mientras que las femeninas llegaban hasta los pies. En ambos casos estaban ceñidas a la
cintura por un cinturón
.En cuanto a las mangas había tres tipos: Mangas ceñidas.
 Mangas abiertas: con un ensanche de
la manga en la parte del antebrazo.
 Mangas perdidas: el ensanche de la manga del antebrazo era
muy exagerado y, en ocasiones, la tela sobrante se anudaba.

8.1. Comenta la organización narrativa a partir de obras representativas

La pintura es, como la escultura, de tipo simbólico la figura de Cristo o la de la Virgen pertenecen a
un mundo platónico, el de las ideas, y no se parece en nada al real o sensitivo. por eso la pintura
utiliza la realidad sólo como soporte hacia el mundo que hay por encima. Los personajes tienen casi
todos las mismas proporciones y gestos, son sólo figuras convencionales y colectivas.

El pintor románico no conoce la perspectiva. Sus obras son planas en su ejecución y en su colorido.

Cuando hay que representar un momento se elige el más tenso y espectacular, el más
expresionista y representativo.

El dibujo es muy importante y las siluetas y los perfiles se señalan con un trazo negro muy grueso
que envuelve a las manchas de color. los colores son planos y no tiene gradaciones ni matices
refinados. los contrastes de color son muy acusados, sobre todo entre el negro y los colores
cálidos. Suelen ser, en general, cromatismos de mucho valor e impacto visual.

Composición jerárquica: lo resuelve de un modo sencillo y lineal, colocando a las figuras en fila, una
junto a otra y todas en el mismo plano. Si quiere resaltar la importancia de una de ellas, aumenta su
tamaño, importancia del centro en las composiciones.
Principio de la frontalidad, sobre todo para las figuras importantes: Cristo, la Virgen, un emperador o
rey, algún santo o apóstol, etc. Por dos motivos: primero el pintor demostraba así su respeto hacia
la figura que representaba y con ello obliga a los espectadores a un respeto similar. En segundo
lugar porque la visión frontal es la más noble cuando lo que se busca es impresionar, que el fiel
vea, con toda nitidez, la idea religiosa que subyace bajo la figura.

13
•9.1. Relaciona elementos formales de la plástica románica con creaciones posteriores.

9.1. Relaciona elementos formales de la plástica románica con creaciones

posteriores.

Esquematismo Plano único Colores planos Valor de la línea

preferencia por lo En este mundo Se utilizan colores La línea tiene gran

abstracto, por lo intelectual no cabe la planos, sin gradación importancia
geométrico, por el representación del tonal y fuertes remarca todas las
esquematismo, volumen real de los contrastes en los figuras, separa la
por el cuerpos ni su colores empleados: figura del fondo.
antinaturalismo, existencia material en para resaltar las
por querer captar el espacio: negación figuras
la idea inmanente del espacio
de las cosas. tridimensional y del
sentido de peso y
masa.

Lo bello-Lo feo Valor didáctico Expresividad Adaptación al

Marco
El concepto de lo Valor didáctico de la Una cualidad adaptarse al marco
bello en el arte imagen. La imagen importantísima de la arquitectónico o
clásico deriva de tenía una finalidad plástica románica es gráfico en los
su aproximación a didáctica devocional. la expresividad. La códices.
lo natural a través En Occidente se escultura románica Generando
de la proporción defiende el valor no sólo se estructuras
matemática didáctico de la imagen contorsiona y se compositivas
relación entre las religiosa, que poseía el deforma, sino geométricas para la
partes de una valor de sencillos también por su composición de los
figura. catecismos y tratados finalidad expresiva. planos
El arte románico religiosos en piedra. Esta espiritualización
no se vincula a lo de las figuras impone
natural sino a una una deformación,
realidad superior. consecuencia del
estilo, y el estilo
corresponde a su vez
a un contenido
religioso.

14
Bloque 7. El Gótico

1- Desarrollo económico europeo. Auge de las ciudades.

1.1. Analiza la situación económica europea en el siglo XIII y su relación con el nacimiento
del Gótico
•El Gótico se desarrolla entre mediados del siglo XII y principios del siglo XVI, salvo en Italia, donde
el Renacimiento se inicia a principios del siglo XV.
• Su núcleo originario estaría en la Isla de Francia con Saint Denis en París y la catedral de Sens en
Francia, hacia 1125
•Su nombre se debe al pintor manierista Giorgio Vasari que alude al estilo como “gótico” al
considerarlo de origen germánico y propio de godos, acentuando el aspecto despectivo de este arte
anterior al Renacimiento. Para los artistas del Renacimiento nada es comparable al arte clásico del
que ellos sacan su inspiración.

•A partir del siglo XIII se reactivará el comercio y las ciudades (burgos) crecieron
espectacularmente.
•El gótico se ve favorecido por una intensa actividad urbana y comercial, que convertirá a las
ciudades en potentes focos culturales.
•En ellas van a aparecer las universidades.
• Paralelamente al desarrollo de los gremios aparecerá una burguesía urbana, una nueva clase
triunfante que desarrollará un arte urbano, de una sensibilidad más realista y más naturalista.
• El edificio más emblemático será la catedral.
•Con el desarrollo de las ciudades aparecerá una arquitectura civil.
•Los edificios más característicos serán los palacios urbanos y los edificios municipales. Como
ayuntamientos y lonjas.
2- El Gótico, arte europeo. Extensión geográfica.

Etapas del Gótico: inicial, pleno y florido.

El gótico se da entre 1150 y 1525. La evolución del gótico da lugar a las siguientes etapas:

15
Gótico de Inicial (1150- 1200)Conviven elementos románicos con otros del gótico (uso de
rosetones en fachadas, arcos ojivales, bóvedas de ojivas). Se incluyen en este gótico los
monasterios del Cister.

Gótico pleno (Siglos XIII y XIV) En el siglo XIII el gótico alcanza todas sus características y
elementos representativos: verticalidad, preponderancia del vano sobre el muro, etc. Es la época de
las grandes catedrales. En Francia, destacan Chartres, Reims y Amiens. En España (Castilla y
León): Burgos, León y Toledo. En el siglos XIV la arquitectura sigue haciéndose más esbelta y
empieza a darse una relativa independencia de la escultura y pintura.

Gótico florido o flamígero Es la fase decadente correspondiente al siglo XV en que se produce

una explosión decorativa, hasta el punto de hablar de barroquización del gótico. Junto al arco ojival
se usan nuevos arcos como el escarzado, carpanel (tres centros) y conopial (cuatro centros)

También proliferan las bóvedas muy decoradas y ventanas muy grandes. Esta etapa, en España,
se denomina gótico isabelino o estilo Reyes Católicos.

Caracteristicas de la arquitectura gótica

•Verticalidad. Los edificios tienden a la altura. Tienen un sentido simbólico de ascensionalidad, de

llegar al cielo.

•Luminosidad. Espacios interiores muy luminosos y coloristas. Se debe al predominio de los vanos
con vidrieras sobre los muros. La luminosidad coloreada pretende representar las sensaciones de
una Jerusalén celestial.

•Naturalismo. Los elementos escultóricos imbricados en la arquitectura suelen ser bastante

naturalistas: follajes, hojas y animales en la decoración de los capiteles y elementos constructivos y
decorativos

Arquitectura: edificios públicos y religiosos.

El arte góticoes la expresión de la cultura urbana de la baja edad media europea, de su

prosperidad económica y de su hegemonía cultural

Arquitectura religiosa: la catedral sustituye a la abadía o monasterio como edificio paradigmático

Edificios públicos o arquitectura civil: Lonjas, palacios, ayuntamientos

La catedral gótica. Características.

•La catedral gótica es el edificio más representativo de la nueva sociedad urbana. Es la Iglesia de la
ciudad.

•Se caracteriza por su verticalidad y su luminosidad. En las catedrales las columnas ganan altura
gracias a los nuevos avances técnicos. Estas nuevas técnicas constructivas permiten rasgar los
muros y sustituirlos por vidrieras de colores.

•Las vidrieras tienen una doble función: aislar e iluminar. Sustituyendo al muro. El vano prevalece
sobre el muro. El gótico es ante todo la arquitectura de la luz. Desaparece así la pintura mural
característica del románico y en su lugar se desarrolla la pintura sobre tabla y los tapices.

16
•2.1. Comenta los elementos góticos y su aplicación a las catedrales españolas más
representativas .

Elementos de la arquitectura gótica:

El espacio y la construcción se articulan a partir de módulos geométricos que se repiten; cada

tramo de la bóveda genera un espacio modular que tiene entidad tectónica autónoma.
Esta repetición genera un ritmo ascensional y longitudinal que converge en el altar.

La cabecera gótica es más amplia que la románica; los brazos del transepto se acortan y adquiere
protagonismo del deambulatorio o girola rodeado de capillas radiales llamadas absidiolas. En
ellas, las cofradías y gremios artesanales, que habían participado en la financiación de la catedral,
instalaban las capillas de sus santos patronos.

Planta de salón: dividida en cinco naves, que en la cabecera generan un doble deambulatorio. El
transepto no sobresale exteriormente, ya que queda integrado en el cuerpo longitudinal del
edificio, aunque se siguen abriendo pórticos a su exterior.

La organización del alzado interior sigue su precedente románico: arcadas que conducen a las
naves laterales, un triforio (estrecho pasadizo con arquerías), que sustituye a la tribuna románica,
y un claristorio o cuerpo de ventanales con vidrieras coloreadas.

Ejemplos en España: Catedral de León , Catedral de Burgos, Catedral de Toledo, Sevilla,

Barcelona, Palma de Mallorca, Segovia.

3- Elementos arquitectónicos góticos La bóveda

ojival. Rosetón. Pináculos.

El interior de una catedral gótica está dominado por la

luz y una sensación de intensa “desmaterialización”
arquitectónica, gracias a la “desaparición del muro”
como elemento sustentante.
Este efecto produce sensaciones de ingravidez y
transparencia que subrayan el carácter místico y
simbólico del espacio de la catedral, que se convierte
así en el mismo cielo, no en un cauce para
comunicarse con el cielo.

El arco apuntado u ojival es el que hace posible la

gran novedaddel gótico: la bóveda de crucería

La bóveda de crucería es el resultado del cruce entre

arcos apuntados, que forman un esqueleto de nervios;

el espacio entre los nervios de piedra se rellena con

plementería (material ligero de relleno).

La clave de la bóveda es la dovela central que la cierra.

El arco apuntado permite elevar considerablemente la

altura de la nave sin que se resienta su estabilidad por
el peso de la bóveda, ya que las presiones tangenciales
se han reducido.

17
Las tensiones de la bóveda de crucería, que se resuelven en el exterior con contrafuertes y
arbotantes, en el interior descansan sobre pilares. Los nervios de la bóveda acostumbran a
prolongarse en baquetones o columnillas adosadas a lo largo del fuste de los pilares, hasta el
suelo.

La desmaterialización del muro: el sistema invernadero Una vez que la cubierta ya no carga sobre
los muros y éstos desaparecen, grandes ventanales, decorados con vidrieras y tracerías, que
potencian la luminosidad, vendrán a ocupar su lugar.

Las fachadas serán perforadas por un gran ventanal circular vidriado, llamado rosetón.

La arquitectura civil es la mejor muestra de la pujanza económica del occidente cristiano en la

Baja Edad Media.

El auge de las actividades comerciales y artesanales, la apertura de nuevas rutas comerciales y el

inminente descubrimiento de América, además de la consolidación de formas de gobierno
municipales frente al dominio señorial o eclesiástico, facilitan el desarrollo de numerosos edificios
de uso civil.

Ayuntamientos, Lonjas, Palacios urbanos, etc. son la mejor muestra de este despertar urbano que
anuncia ya la proximidad del Renacimiento. Ejemplos Ayuntamiento de Bruselas y Lonja de
Valencia

El palacio urbano es técnicamente similar en cuanto a soluciones constructivas se refiere, pero su

riqueza ornamental y suntuosidad. Son el mejor exponente del florecimiento de la burguesía
mercantil y financiera, de la nueva aristocracia del dinero ejemplo Palacio Ducal de Venecia.
Palacio de Signoria en Florencia

Ejemplos de gótico en Europa:

Francia: San Denis, La Saint Chapelle y Notre Dame en París, Catedral de Chartres, de Reims y
de Amiens.

Inglaterra: Gótico perpendicular, Abadía de Bath, Capilla del King’s College Cambridge, Catedral de
Wells, Abadía de Westmister.

Italia: Catedrales de Siena, Orvieto, Milán Florencia

Alemania: Catedral de Colonia

4. Relacionar el arte gótico y su revisión en el siglo XIX.

•4.1. Identifica la tipología gótica en edificios cronológicamente posteriores, especialmente en el

neogótico del siglo XIX.

En el siglo XIX la Europa continental vivió una auténtica fiebre neogótica que, además de levantar
nuevos edificios, restauró y completó edificaciones medievales, como catedrales y castillos. En
Francia destacó la labor restauradora y reconstructora de Eugène Viollet-le-Duc.

El ambiente artístico de mediados del siglo XIX fue muy proclive al medievalismo, que se extendió
por todas las artes, especialmente en la decoración y el mobiliario (Arts and Crafts), pero también
en pintura, con distintos criterios (los nazarenos en Alemania, los pre-rafaelitas en Inglaterra) o en
literatura (drama romántico, novela histórica, novela gótica) o en música (óperas de ambientación
medieval).

Ejemplos de construcciones neogóticas: El Palacio de Westminster, sede del parlamento del Reino
Unido en Londres. Las famosas gárgolas de Notre Dame de Paris, fruto de la intervención de
Viollet-le-Duc (1846), Tower Bridge sobre el Támesis, en Londres, San Jerónimo el Real de Madrid,
el interior de la Catedral de la Almudena de Madrid, palacio Episcopal de Astorga, la Casa de los
botines en León de Gaudí, la fachada de la catedral de Barcelona, la Sagrada Familia de Barcelona

5. Los vitrales góticos.

18
•5.1. Analiza el proceso de fabricación e instalación de los vitrales en catedrales más
representativas.

Pasos del proceso de elaboración de las vidrieras:

1-Obtención de la pasta vítrea: El vidrio se obtiene a unos 1500 °C a partir de arena de sílice
(SiO2), 60% carbonato de sodio (Na2CO3) y caliza (CaCO3). A esa pasta se le añadía color
utilizando, manganeso, cobalto en función de el color que se deseaba dentro del crisol que se
calentaba en el horno a altísimas temperaturas

2-Para la obtención de planchas de vidrio se usaba el sistema de manguito: el vidriero soplaba un

largo globo de vidrio, cortaba con ayuda de otros operarios los extremos de manera que se
convertía en in cilindro que se cortaba en toda su longitud mientras estaba caliente

3-Realización de la vidriera: cortados los distintos vidrios de colores siguiendo un dibujo preparado
previamente, comenzaba la pintura, haciéndose esto mediante la grisalla. Esta era un compuesto
de vidrios pulverizados mezclados con óxidos metálicos diluidos en sustancias líquidas, llegándose
incluso a utilizar vino como disolvente. Su uso consistía en realizar los contornos de las figuras a
realizar, haciéndolo frecuentemente por la parte interior de la vidriera para protegerla de las
inclemencias del tiempo, siendo sus colores más habituales el marrón, negro y verde. Una vez
aplicada la grisalla se sometían las piezas aisladas de vidrio a un nuevo proceso de cocción a
temperaturas un poco más bajas para fijar los componentes vítreos de la grisalla. Una vez enfriados
se montaban las piezas sueltas siguiendo el diseño original. Utilizando una tira de plomo flexible
que seccionada tiene forma de doble T El último paso consistía en colgar cada vidriera en una
estructura de hierro llamada bastimento.

Ejemplo representativo en España son las vidrieras de la catedral de León.

6- Escultura, evolución desde el arte románico.

•En la escultura gótica las tallas en piedra continúan usándose para la decoración de la
arquitectura, además de cumplir la función evangelizadora (el catecismo de los analfabetos, la
inmensa mayoría de la población) pero cada vez se emancipa más (paso del relieve al bulto
redondo).

•La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un
sentimiento espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del siglo XIII. La influencia de las
esculturas griegas y romanas que aún se conservaban se incorporaron al tratamiento de las telas,
las expresiones faciales y la pose

El hieratismo geométrico de la figura escultórica románica que induce una percepción atemporal y
simbólica deja paso a un progresivo naturalismo donde se busca la belleza formal

•Este fenómeno de humanización y localización en el tiempo y espacio se percibe, aunque con

signos opuestos, en las dos figuras más representadas de la escultura gótica.

• En el caso de la Virgen con el Niño, María adopta la forma de madre alegre y cariñosa que atiende
a su hijo con amor maternal. Es fácil encontrar leves e incluso abiertas sonrisas en su rostro.

•Por el contrario, Cristo aparece doliente como un hombre normal enfrentado a su muerte.

Características:

• Progresiva liberación del marco arquitectónico

• Naturalismo
• Las imágenes expresan sentimientos
• Realismo
• El artista tiene libertad para hacer sus obras y las firmará
• Gran importancia de la escultura funeraria.

Periodos:
19
Protogótico: conjunto del pórtico de la Gloria, atribuido al maestro Mateo y el pórtico real de
Chartres.

Clásico: encontramos una tendencia a la belleza ideal, a la ingenuidad y a la sencillez. Suelen ser
conjuntos narrativos que ocupan principalmente las portadas.

Flamígero: se caracteriza por la utilización de manera decorativa, de la curva y la contracurva,

•ICONOGRAFIA

•Temas de la vida de Cristo. Se prefieren escenas de la Pasión, especialmente Cristo crucificado.

Se le representa con la corona de espinas, el paño de pureza (con pliegues), un único clavo en
ambos pies que ya están juntos, abundantes heridas (destaca la del costado) Se destaca el peso
del cuerpo de Cristo que va desnudo. Nos da imagen de dolor. Se suele disponer en el tímpano y
en el parteluz.

•Temas marianos o escenas de la Virgen. Aunque en el románico tardío, la Virgen María comienza
a ser muy representada, es en el gótico donde adquiere pleno protagonismo. La Virgen se esculpe
sobre todo con el Niño. Se la representa como madre, bella, idealizada. Muestra una gran
humanización.


•Hagiografías o escenas de la vida de Santos. Tomadas casi todas del famoso libro "La leyenda
Dorada" del dominico Vorágine. Casi todas son de martirios.


•También hay temas vegetales (cardinas...).


•Animales fantásticos. La novedad de la escultura gótica es la aparición de monstruos en las

gárgolas.

6.1. Explica el cambio formal de la escultura románica a la gótica

Características Temas Géneros Finalidad

formales Religiosa

Escultura Hieratismo Pantocrator Incorporada a Impresionar

la arquitectura
Románica Rigidez Virgen Con el poder
entronizada de la
Solemnidad divinidad.
Vida de Cristo

Juicio final

Escultura Gótica Naturalismo Cristo doliente Progresiva Conmover

liberación del
Movimiento Cruz- Piedad marco Naturalismo
arquitectónico cercanía de
Amabilidad Virgen con niño la divinidad
Escultura a las
Patetismo sonriente,. exenta pasiones y
Vidas de Santos, situaciones
Sepulcros humanas.
Cristo, María
Dios niño y
moribundo

Ejemplos: Pozo de Moises de Claus Sluter, Tumba de Philippe le Pot, de Nicola Pisano los púlpitos
del baptisterio de Pisa, de la Catedral de Siena. La escultura de las portadas de la catedral de

20
Burgos y León, relieves de la iglesia de San Juan de los Reyes en Toledo, el retablo de la cartuja
de Miraflores de Gil de Siloé. silleria de la catedral de Toledo, La tumba del Doncel de Sigüenza.

7- Pintura gótica. Pintura sobre tabla.

7.1. Identifica los elementos de la pintura gótica a partir de fuentes historiográficas.

Periodos Características Ejemplos en España Ejemplos en Europa

la pintura gótica 1-Utilización de la Los frescos de la Vidrieras Chartes,

española recibe línea como catedral de Notre Dame, Saint
influencias de las separación planos Salamanca. Chapelle
corrientes góticas
europeas. elegancia, Códice: Salterio de
recargamiento lujoso la Reina Doña
Desde el siglo XIII ornamental de Vidrieras Catedral de Blanca de Castilla y
hasta el XVI evolución influencias León de San Luis, siglo
bizantinas. XIII.
Las Cantigas Santa
Aplicada a los María de Alfonso X
1-Pintura Franco- muros, vidrieras, "El Sabio"
Gótica o Gótico Lineal códices miniados

2-Pintura Italo-gótica o Internacional llega de Ferrer Bassá Siena: Duccio,

Gótico Internacional la influencia de la Simone Martini
escuela italiana de Nicolas Frances
Siena Florencia: Cimabue,
Dello Delli Giotto

3-Pintura Hispano- Llega la influencia de Luis Dalmau Escuela Flamenca:

Flamenca los primitivos
flamencos porque Jaime Huguet Jan Van Eyck
muchos han venido a
decorar catedrales y Fernando Gallego Van del Weyden
habían creado Bartolomé Bermejo
escuelas
Pedro Berruguete

•Características generales:

–Comparte con la escultura un gran número de características.

–Continuidad del pasado: presencia de formas bizantinas.
–Asistimos a la sustitución del imaginario irreal bizantino por el mundo de lo real, de lo cotidiano y
de lo anecdótico.
–Preeminencia de la temática religiosa, pero contemplada desde un lado más humano, más
cercana a los sentimientos.
–Mayor individualismo social y cultural.
–Nueva relación entre el cliente y el autor: elaboración de un nuevo gusto, más doméstico.
–Diversificación de la demanda al desaparecer los muros en las catedrales:
•Proliferación de las tablas.
•Consolidación del retablo en madera policromada.
21
•Trípticos y polípticos.
•Miniaturas.
Aparición, en Flandes, de la técnica al óleo: los pigmentos se disolvían en aceite de linaza o de
nuez: brillantez y transparencia

7.2. Explica el proceso técnico de la pintura sobre tabla.

Maderas utilizadas Preparación Técnicas para pintar Ejemplos de la

Del soporte Sobre tabla Historia del Arte

la de nogal, pino o abeto, Inconvenientes de 1-Encáustica Los sarcófagos

en Italia se usaba chopo, este soporte. egipcios a 2000 a. C.
y en el Norte de Europa, La humedad 2-Temple :emulsión Pintados encáustica.
roble, haya o pino. ambiental altera su graso+magro «retratos de El
Otros tableros de abedul, forma. Fayum», II a IV.
el cedro o el álamo Puede albergar Al huevo En la baja Edad
blanco. insectos xilófagos. A la cola Media se pintó al
la Edad Moderna se Ventajas: al tratarse A la Caseina temple sobre
recurrió a maderas de una superficie lisa madera, en tablas
tropicales duras como la y uniforme permite 3- Al óleo individuales o
caoba. Y DM un trabajo detallado 4- Mixta: temple disponiendo
conglomerado de La preparación: (grisalla) y óleo conjuntamente varias
Densidad Media que no había que unir 5-Estofado sobre pan tablas, lo que se
se alabea o abarquilla diversas tablas entre de oro, pintura a la denomina, según su
sí, usando clavijas de cola que se rayaba número, díptico,
madera y no de para imitar los tríptico o políptico
metal, que se oxida; brocados del ropaje
se añadía yeso con
cola, en ocasiones
pan de oro.

8.1. Comenta el proceso de fabricación y aplicación de la pintura al temple.

Aglutinante Preparación del soporte y Ejemplos de la Historia del

Proceso de trabajo Arte

La pintura al temple, también Es preferible usar la madera Los sarcófagos egipcios a

conocida como témpera, es como soporte. 2000 a. C. Pintados
una técnica de pintura en la Se unen los diferentes tableros encáustica. «retratos de El
que el disolvente del con uniones de madera y Fayum», II a IV.
pigmento es el agua y el encolados la pintura al temple es
aglutinante (también Se sujetan a un bastidor también característica de la Edad
denominado temple o de madera. Media europea. estilos
engrosador) algún tipo de Se utiliza una preparación de románico y gótico en el
grasa animal, glicerina, yeso, carbonato de cal y cola de occidente europeo, y de los
huevo, caseina, otras conejo. iconos bizantinos y
materias orgánicas o goma.. ortodoxos, en Europa
Se comenzaba pintando una Oriental.
Estas sustancias actúan grisalla: Boticelli y Miguel Ángel
como emulsionantes es decir La imagen el blanco y grises usaban esta técnica
mezclan sustancias magras definiendo sus sombras y
22
 como el agua con sustancias volúmenes.
grasas como el óleo o
barnices Se continuaba aplicando el color
por finas capas de veladuras.

9-Vestimentas y costumbres
•9.1. Identifica los elementos característicos de la vestimenta gótica a partir de fuentes
historiográficas.

•Es a mediados del siglo XIV cuando se puede empezar a hablar de moda aunque todavía no
del sistema moda tal como lo entendemos hoy.
•Sólo una revolución se ha producido en la historia del vestido, sólo un cambio verdaderamente
radical de concepto vestimentario; comenzó a mediados del siglo XIV y afectó simultáneamente al
tempo de cambio formal indumentario y a la propia morfología del vestido:
•-Se agilizó el cambio vestimentario, se aceleraron las innovaciones formales. Dicho de otro modo,
surgió la moda en el vestir, es decir, el cambio sistemático de los estilos vestimentarios y la
fascinación por las novedades.
•-El traje se volvió mayoritariamente anatómico. Opuesto al traje antiguo y altomedieval, que se
basaba en la mera combinación de túnicas y mantos amplios que desdibujaban las líneas
corporales, el traje dibujará y redibujará la belleza física acomodándolo a cambiantes ideales de
atractivo sexual.
•El atuendo masculino se compone de un jubón, especie de chaqueta corta y estrecha hasta la
cintura o la jaqueta hasta los muslos, unido a unos calzones que descubrían la forma de las
piernas. El jubón se considera una prenda revolucionaria.

•El traje de la mujer sigue siendo largo, pero mucho más ajustado y escotado resaltando el busto y
las caderas. Se completaba con unos tocados extravagantes: un cucurucho exageradísimo o dos
salientes laterales en forma de cono como dos cuernos.

EL TRAJE EN EL DUCADO DE BORGOÑA (1375-1475)Países Bajos y Flandes (que incluía las

poderosas ciudades de Ypres, Brujas, Gante y el puerto de Amberes) y el ducado de Borgoña, hoy
territorio francés, se reunieron en la centuria final de la Baja Edad Media para deslumbrar al mundo
con su sentido del lujo y la elegancia.

Hombres En el cambio hacia el siglo XV destacan una prenda por encima de todas las demás: la
hopa u hopalanda, un sayón, es decir, una gran saya o túnica muy larga. Abundosa de tejido de
excelente calidad, desbordaba generosamente a su vestidor: cuello alto y a menudo tieso, mangas
desbocadas, forros ricos y orillos de piel, falda ancha y a veces arrastrada. Con una hopalanda
apenas se puede lucir una segunda prenda: el tocado, que para los hombres suele ser alto, a
modo de pieza estructurada y cubierta de lienzos (capirote) o bien un bonete cilíndrico. El peinado a
la escudilla, cortado en redondo y con forma de plato boca abajo, fue el favorito de los hombres
durante casi cien años, hasta las melenas de 1475-80.

Mujeres La saya de mejor aspecto o más rica recibe el nombre de la que fuera una saya interior,
el brial. Luce cuerpo muy ajustado (imitando los jubones masculinos, parece que también las
mujeres estofaban sus sayas y gonelas) y de escote redondo, falda de vuelo y cola. Hasta bien
avanzado el siglo XV, algunas damas de alcurnia se revisten con un surcot guarnecido de piel, a
todas luces una prenda similar al pellote castellano del siglo XIII y principios del XIV, ahora
reservado exclusivamente a las mujeres. La moda del vientre prominente es común a todo el siglo
XV. Los tocados de cuernos permiten a la mujer competir con los capirotes masculinos.

23
Bloque 8. El Renacimiento

El renacimiento. Estilo de la cultura europea. Expansión del renacimiento desde Italia al

resto de Europa. Florencia (los Medici) y Roma (el papado

1. Valorar la importancia histórica del estilo Renacimiento y su trascendencia posterior.

Renacimiento italiano se inició en un época de grandes cambios culturales, en los siglos XV y XVI,
se produjo en Italia un formidable movimiento artístico y de grandes logros que supero al de otros
países. La palabra Renacimiento (Rinascimento en italiano) tiene un significado explícito, que
representa el renovado interés del período en la cultura de la antigüedad clásica, luego de lo que
allí mismo se etiquetó como la “edad oscura”.
El Renacimiento no fue un fenómeno unitario desde los puntos de vista cronológico y geográfico.
Su ámbito se limitó a la cultura europea y a los territorios americanos recién descubiertos, a los que
las novedades renacentistas llegaron tardíamente. Su desarrollo coincidió con el inicio de la Edad
Moderna, marcada por la consolidación de los Estados europeos, los viajes transoceánicos que
pusieron en contacto a Europa y América, la descomposición del feudalismo, el ascenso de la
burguesía y la afirmación del capitalismo. Sin embargo, muchos de estos fenómenos rebasan por
su magnitud y mayor extensión en el tiempo el ámbito renacentista.

•Características del contexto histórico:

•Aparición de las monarquías autoritarias.
•Descubrimientos geográficos y ampliación del mundo conocido.
•Conflictos religiosos: intento de conciliar fe y razón.
•Entra en conflicto el poder terrenal del Papado
•Desarrollo de la burguesía comercial. Mecenazgo
•Acumulación de riquezas, reaparición de la banca
•Florecimiento urbano en el norte y centro de Italia.
•Recuperación de los valores grecolatinos: diferenciación entre fe religiosa y saber.
Antropocentrismo, Orden y armonía. Alfabetización. Mitología.
•Humanismo como nueva doctrina filosófica contraria a la escolástica medieval.

2.1 Comenta la importancia de la cultura romana en el arte del Renacimiento

Renacimiento: supone la recuperación del arte clásico.

- Búsqueda de la inspiración en la Antigüedad clásica (Grecia y Roma): formas simples,

armonía de proporciones, uso de elementos arquitectónicos del mundo clásico (frontones,
columnas, cúpula, arco de medio punto, etc.), uso del desnudo en pintura y escultura.
- Dominio de la perspectiva: dando una sensación más real al representarse la
profundidad, a través de la utilización de formas geométricas, de estudios matemáticos y de la luz.
- El hombre como centro: retorno a la medida humana (equilibrio entre planta y altura,
prevalencia de lo horizontal sobre lo vertical, edificios adaptados a la medida humanas y a sus
necesidades, ...) y representaciones humanas en escultura y pintura.
- Observación e imitación de la naturaleza: imitación de la realidad (investigación sobre el
espacio, perspectiva, luz …), pero de forma idealizada, buscando la belleza y la perfección técnica.
- Cambio en los temas: en arquitectura, junto a las iglesias, se construyen palacios,
ayuntamientos, universidades, hospitales y plazas públicas. Pintores y escultores no sólo realizan
obras religiosas, también retratos y escenas mitológicas.
- Importancia de los mecenas para el apoyo y desarrollo del arte
- Valoración del artista, aparición del concepto de genio (Vasari en el libro vida de los
artistas)

Fases: (Trecento S XIV en Italia se inicia el renacimiento en Pintura con Giotto)

Quattrocento, S. XV
Cinquecento, S. XVI
Clasicismo (hasta 1525)
Manierismo (desde 1525 a 1590)

24
Arquitectura renacentista Italiana

Características de la Arquitectura Periodos Edificios destacados

Renacentista

25
Vuelta al clasicismo. Periodos. Brunelleschi
El renacimiento es ante todo una vuelta al Cuattrocento. Basílica de San
clasicismo. Renacimiento Florentino. Lorenzo. 1421.
Se retoman los órdenes clásicos y su S. XV Hospital de los
alternancia en la las fachadas al estilo Brunelleschi. Impulsor del Inocentes.
romano (toscano, jónico, corintio). primer renacimiento, su .Palazzo Pitti
Arcos de medio punto, cúpulas sobre cúpula de Santa Maria di Cúpula de Santa
pechinas o tambores. Fiori se considera la María de las Flores
Proporción, armonía y simetría entre los primera obra Alberti:
elementos del edificio. Perspectiva y renacentista. Santa María Novella
proporción numérica: modulo, Alberti. Gran teórico. Palacio Rucellai
conmodulatio Michellozo. Creador de la San Andrés de Mantua
planta y el alzado del Michelozzo: Palacio
palacio renacentista Médici Riccardi
Planta. Cinquecento. Bramante San Pietro
Plantas basilicales aya de cruz griega, ya Renacimiento Romano- in Montorio
cuadrada ya circular.Plantas de palacios florentino. XVI. Miguel Ángel Cúpula
con patio central. Bramante. Cúpulas y de San Pedro
Alzado. manejo del volumen. Palladio: La Rotonda
Elementos sustentantes.Columnas de Miguel Ángel Buonarroti. en Vicenza
orden clásico de fustes generalmente Volumen y proporción. Vignola : Il Gesu
lisos.Pilares.Muros. El muro vuelve a tomar Paladio. Volumen,
la función sustentante que había perdido repetición del modulo.
en el gótico francés. Vignola: crea el modelo
Elementos sustentados. de iglesia jesuítica
Cúpulas de media esfera sustentadas
sobre pechinas o sobre tambores.
Bóvedas vaídas.Bóvedas de cañón.
Bóvedas de crucería.Adinteladas,
artesonados.

Elementos de descarga.
Arcos de medio punto

26
3.1 Analiza la relación de los elementos arquitectónicos aplicando la proporción áurea.
Definición sección áurea
la sección áurea representada
con la letra griega PHI o FI Φ =
1,61803…
La sección áurea es la división
armónica de una segmento en
media y extrema razón. Es decir,
que el segmento menor es al
segmento mayor, como este es a
la totalidad. De esta manera se
establece una relación de
tamaños con la misma
proporcionalidad entre el todo
dividido en mayor y menor.
Métodos de trazado Ejemplos
arquitectónicos
División de un segmento del renacimiento
que destacan por
su uso de la
sección áurea
Ejemplos:
Brunellechi: Capilla
Tenemos el segmento AB y lo queremos dividir Pazzi
en dos partes que mantengan entre si la San Lorenzo
proporción áurea
2- hallamos su mitad utilizando la mediatriz, en Alberti: San Andrés
el extremo b del segmento levantamos otro de Mantua
segmento que forme ángulo recto y que mida Santa María
exactamente la mitad que AB Novella
3- dibujamos la hipotenusa uniendo los dos
puntos extremos de los dos segmentos.
4-de la longitud total de la hipotenusa restamos
la longitud del cateto menor
5-la longitud restante la llevamos sobre el
cateto mayor que es el segmento AB
6- El segmento queda dividido en dos
segmentos de distinto tamaño que guardan la
proporción aurea
Construcción rectángulo áureo
2-Dibujamos un cuadrado con ella.
3- hallamos la mitad de la base
4-unimos el punto medio con uno de los
vértices del lado opuesto.
5-prolongamos la base del cuadrado y
llevamos desde ese punto medio la medida
exacta de la recta que lo uní con el vértice
6- nos dará como resultado la medida del lado
mayor del rectángulo.
Lo completamos
27
4 Escultura: Donatello.Identificar las principales obras de los artistas del Renacimiento italiano.
4.1. Identifica los cambios en la escultura desde el Gótico hasta el Renacimiento.

•Se independiza de la arquitectura (bulto redondo), pasa a ser un arte mayor.

• Mayor uso de materiales nobles: mármol y bronce.
•Búsqueda de la belleza y la proporción siguiendo las ideas neoplatónicas.
• Importancia del cuerpo humano (antropocentrismo)
•Perfecto tratamiento anatómico, pero es un naturalismo idealizado. Recupera las proporciones del
mundo clásico Temas: los retratos, la escultura ecuestre y aparece el desnudo.
• Representación del espacio, estudio de la perspectiva, con líneas de fuga, y combinación de alto,
medio y bajo relieve. La incorporación del entorno de la obra

4.2. Identifica las esculturas, y trabajos en volumen, más emblemáticas del renacimiento

técnicas y materiales Autores obras

28
 A partir del Renacimiento
se empleó el taladro
manual o trépano para
eliminar la piedra hasta
una cierta profundidad
Para las obras en bronce
se necesitaba la
realización de la obra
previamente en arcilla o en
cera para su
posterior fundición
La talla en madera, se
podía realizar también en
talla directa sobre el
bloque de madera con la
ejecución de un boceto
pequeño para su guía o
con el modelo previo en
yeso o arcilla, y también
pasarlo por puntos como
en el mármol
Trecento Relieves de las puertas de la Catedral de
Andrea Pisano Florencia
Quatrocento Relieves de las puertas de la Catedral de
Ghiberti Florencia
Donatello El David de Donatello
San Jorge
El Condotiero, la Magdalena
Verrochio
David de Verrochio
Monumento ecuestre
Andrea y Luca de la Bartolome Corleoni
Robia (terracotas)
Pollaiuollo (bronces)
Los niños Rómulo y
Remo de la loba
Cinquecento
Benvenuto Celini Perseo y Medusa

Juan de Bolonia Rapto de las Sabinas, Mercurio Volador. Retrato

ecuestre de Felipe III
Miguel Ángel
(Bloque 9)

5.1. Identifica los cambios en la pintura desde el Gótico hasta el Renacimiento

•Hay una serie de características que distinguen la pintura renacentista de su inmediata antecesora,
la pintura medieval gótica:
•Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo.
•Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en paisajes naturales que se intentan
recrear con fidelidad, o en marcos arquitectónicos, en los que columnas, frontones, palacios y
templos sirven de excusa a alardes de perspectiva.
•La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio de la
anatomía, incluso la realización de autopsias, ayuda a los artistas a comprender la realidad del
cuerpo humano y sus mecanismos de movimiento, de manera que lo representan de forma más
realista pero normalmente, idealizada
•Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas
•Los efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisalla. De ahí técnicas nuevas como
el esfumado (efecto brumoso, técnica en la que destacó Leonardo da Vinci).
•Continúan realizándose decoraciones murales al temple y al fresco.
•Se extiende el uso del lienzo, que es más económico que la tabla. Los grandes retablos, en que
cada cuadro es parte de un tema más amplio, pierde presencia, en favor del cuadro único, bien
como tabla de altar, bien como lienzo.
•Se adopta de manera casi exclusiva la pintura al óleo. Es principalmente en Venecia donde, por
influencia flamenca, se introduce el uso del óleo.
•Si en la Edad Media la pintura fue de manera casi exclusiva religiosa, en el Renacimiento se
introducen nuevos temas, como los mitológicos, alegorías y temas históricos. Se cultiva con
extraordinario vigor el retrato con maestros como Tiziano o Antonio Moro.

29
• En esta época empiezan, tímidamente, otros géneros considerados menores, como el paisaje
o el bodegón, entendidos en el Renacimiento como un elemento subordinado frente a la historia,
algo accesorio.

5.2. Reconoce las principales pinturas del Renacimiento y su autor.

5- Pintura: El colorido veneciano: Tiziano, Tintoretto. Veronés

5.1. Compara la evolución de la pintura del primer Renacimiento hasta el colorido veneciano.
Características de la pintura veneciana frente a la del primer renacimiento:
-Predominio del color, tonos cálidos .
-Bordes suaves, pérdida de la definición en el contorno.
-Importancia del paisaje y los detalles anecdóticos.
-Arte sensual, interés por los desnudos, gradaciones de color, y textura en la piel y los trajes.
-Incremento del interés por la perspectiva y la complejidad de las composiciones

Ejemplo estudiado el tema: Noli me tángere en Giotto, Fra Angélico, Tiziano, Corregio

5.2. Reconoce las principales pinturas del Renacimiento y su autor.

técnicas y Autores obras

Fresco: pintura mural Trecento Frescos de la vida de San Francisco en Asís

Aglutinante es la cal. Se
pinta sobre el revoco de la
pared aún húmedo
Temple sobre tabla:
El aglutinante es el huevo
solo o aceite o resinas
Óleo:
El aglutinante es el aceite
de linaza o nueces
Giotto della Bondone
Quatrocento
Escuela Florentina:
Massacio Fresco de Santa Mª Novella
Fra Angélico Anunciación , frescos de San Marcos , Florencia
Paolo Ucello Cuadros de batallas, San Jorge y el Dragón.
Piero de la Franchesca Bautismo de Cristo, Federico de Montefelto
Botticelli Primavera, Nacimiento de Venus
Escuela de Padua
Mantegna Tránsito de la Virgen, Cristo yacente
Escuela de Perugia
El Perugino Desposorios de la Virgen

Cinquecento La Gioconda
Leonardo da Vinci La sagrada Cena
Santa Ana la Virgen y el niño
Rafael La Escuela de Atenas, La Fornarina, Retrato de Baltasar
de Castiglione
Miguel Ángel (Bloque 9)

Escuela Veneciana
Tiziano Venus y Adonis, Venus y Marte, Retratos de Carlos V
Veronés Moisés rescatado de las aguas
Tintoreto El Lavatorio
5.2. Analiza las vestimentas reflejadas en los cuadros del Veronés

30
A pesar del número limitado de los colores que utilizaba, El Veronés muestra en sus pinturas
habilidad suprema cuando reproduce la textura y los pliegues de las telas utilizadas en la
vestimenta de sus personajes. Destacando en la reproducción y sugerencia del brillo y textura de
los ropajes. Prefiere los tonos fríos y claros: gris, plata, azules y amarillos.

Amigo de Palladio y otros grandes arquitectos de la época, enmarca sus escenas en amplios
escenarios arquitectónicos, rasgo que lo hace precursor de la pintura decorativa barroca. Su
tratamiento del color se anticipa a la pintura francesa del siglo XIX.

Su temática es predominantemente religiosa, pero representa las escenas bíblicas al modo de

las grandes fiestas venecianas, reflejando la alegría de vivir y el esplendor de la República
de los dogos. Los trajes son fastuosos y el ambiente, suntuoso, poblado de multitud de personajes
en grandilocuentes ambientaciones. Estos alardes creativos chocaban frontalmente con la fidelidad
histórica de los hechos bíblicos, lo que motivó las fricciones entre el artista y la Iglesia.

En cuanto a su técnica, usa un empaste ligero, lo que permite innumerables transparencias. Le

interesa la perfección del dibujo.

Se lo considera uno de los artistas más destacados de la escuela veneciana. Su trascendencia en

el estilo posterior permiten clasificar su obra de prebarroca, en particular por la elegancia de la
forma, su gusto por las atmósferas diáfanas y el sentido decorativo de la composición.

Veronés influyó en pintores posteriores, como Rubens, Tiépolo y otros pintores del barrocos. Este
pintor y Rubens son los grandes maestros del pasado que admiraba el pintor romántico Eugène
Delacroix.

5.3. Describe con detalle el cuadro "El lavatorio" de Jacopo Robusti "Tintoretto" y la
aplicación técnica de la perspectiva cónica.

El artista representa el episodio antedicho con Cristo y san Pedro en un extremo de la composición.
La mayor parte del lienzo está ocupado por la estancia donde se desarrolla la Última Cena, con la
mesa y los discípulos en torno a ella. En el centro destaca un perro, y detrás los apóstoles
descalzándose o en diversas posturas y escorzos. En un segundo plano se estaría relatando un
milagro de San Marcos narrado por Jacobo de la Vorágine en su Leyenda dorada. El extremo de la
izquierda está dominado por otro apóstol que se está desatando el calzado, cuya esculturalidad se
asemeja a las poderosas anatomías de Miguel Ángel.

La composición parece descentrada, con el episodio principal desplazado a un lado del cuadro.
Esto se explica por el emplazamiento original del cuadro, en la pared derecha de una estancia
alargada; los creyentes verían más cerca precisamente la parte donde estaba Jesús. Además, la
mesa está orientada hacia esa zona, de modo que vista la obra desde la derecha, el escorzo de la
mesa acentúa el efecto de perspectiva. A ello también contribuye el pavimento de losas con formas
geométricas.

En el fondo de este lado izquierdo se ven arquitecturas clásicas de una ciudad que recuerda a
Venecia, con una barquichuela entre canales, en azules y blancos bañados por una luz fría, lo que
da un aire un tanto irreal. Los elementos arquitectónicos están inspirados en ilustraciones de
Sebastiano Serlio.

6-Pintura al óleo. Técnica.

6.1. Describe la técnica de la pintura al óleo sobre lienzo y la relaciona con la pintura anterior
sobre tabla.

Se trata de una técnica polícroma, húmeda, grasa.

El aglutinante que da nombre a la técnica es el aceite: se usa fundamentalmente de linaza, aunque
también se utiliza el aceite de nuez y el de adormideras. Para acelerar su secado este aceite de
linaza es cocido y aclarado al sol.
31
El uso del óleo se conoce desde la antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad
Media sobre todo combinándolo con la pintura al temple o al fresco. Con esta mezcla retocaban las
obras realizadas en yeso y conseguían así un secado más rápido. Muchos siguieron los consejos y
experiencias escritos en el Tratado del monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año
1100.

Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras, el poder
realizar su obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que ocurría en la pintura al
temple, o al fresco), el poder retocar la obra día a día, variar la composición, los colores, etc.

La tradición sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que inventaron la pintura al óleo. Esta
afirmación, falsa, se basa en que, efectivamente fueron ellos, sobre todo Jan, los que explotaron las
innumerables posibilidades de esta técnica, infrautilizada hasta entonces.

Temple Oleo

Tipo de técnica Magra si no se le añaden grasa

resinas o aceites.
Grasa si se realiza la emulsión
con esos productos

Aglutinante Huevo, puede llevar ojos Aceite de linaza o de nueces.

aglutinantes añadidos Espesado al sol

Disolventes Agua, Esencia de trementina si Esencia de trementina, Aguarrás

es grasa

Tiempo de Rápido un día Una semana o varias, en función de la

secado cantidad de pintura que lleva la pincelada

Grosor No permite grosor, la pintura Desde finas veladuras hasta gruesos

pincelada es delicada se puede cuartear empastes

soporte Pergamino, tabla Tabla o tela, la pintura es mas plástica y no

La pintura es mas rígida sufre con ligeros cambios físicos del soporte

32
Bloque 9. Miguel Ángel

1-Biografía y la relación con su entorno. Relación con los Medici, y con Julio II
Nació en 1475 en Caprese, fue el segundo de cinco hijos, perdió a su madre a los 6 años.Su familia
había ocupado cargos gubernamentales en Florencia en el partido de los güelfos. Durante los
últimos años la familia tuvo un declive económico.

A la muerte de su madre fue cuidado por un picapedrero lo que influyó en su deseo de ser artista,
oficio mal considerado en la época, no contó con el apoyo paterno. Su padre le hizo estudiar
gramática en Urbino.
En 1488 entró en el taller de Guirlandajo en Florencia , lo que le llevó frecuentar el jardín de San
Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras
obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el Magnífico, que lo acogió en su Palacio de
la Vía Longa, donde Miguel Ángel se habría de los humanistas del círculo de los Médicis, como
Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino. Estas relaciones lo pusieron en contacto con las
teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales
de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética.
Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1492, Miguel Ángel huyó de Florencia y pasó por
Venecia, instalándose después en Bolonia. Allí esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor
de Jacopo della Quercia. Pero en 1496 decidió partir hacia Roma, ciudad que había de verle
triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después de la cual, con treinta años,
sería acreditado como un artista de primera línea.
Realizó la Pietá del Vaticano a los 26 años.
En marzo de 1505, Julio II le encargó la realización de su monumento fúnebre: Miguel Ángel
proyectó un complejo arquitectónico y escultórico monumental. El escultor, entusiasmado con esta
obra, permaneció en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y la
dirección de la extracción de los mármoles necesarios. Al regresar a Roma, el papa había dejado a
un lado el proyecto del mausoleo, absorbido con la reforma de Bramante en la Basílica de San
Pedro. Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia.
En mayo de 1508, aceptó dirigir la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, cuyos frescos
concluyó cuatro años más tarde, después de un trabajo solitario y tenaz.
Después de la muerte de Julio II, en mayo de 1513, el artista hizo un segundo intento de seguir con
la obra del mausoleo del pontífice. Con este propósito esculpió las dos figuras de los Esclavos y el
Moisés, que reflejan una atormentada energía, la terribilitá de Miguel Ángel. Pero este segundo
intento tampoco prosperó.
Clemente VII le encargó trabajar en el altar de la Capilla Sixtina y donde, entre 1536 y 1541, realizó
el magnífico Juicio Final. Hasta el año 1550 fue haciendo obras para la tumba de Julio II, y los
frescos de la Capilla Paulina .
Durante los últimos veinte años de su vida, Miguel Ángel se dedicó sobre todo a trabajos de
arquitectura: dirigió las obras de la Biblioteca Laurenziana de Florencia y, en Roma, la
remodelación de la plaza del Capitolio, la capilla Sforza de Santa María Mayor, la finalización del
palacio Farnese y, sobre todo, la finalización de la basílica de San Pedro del Vaticano. De esta
época son las últimas esculturas como la Piedad Palestrina o la Piedad Rondanini, así como
numerosos dibujos y poesías de inspiración religiosa.

2-El artista como elemento relevante social. El artista total.

2.1. Reconoce la importancia histórica de la obra en conjunto de Miguel Ángel.

•Michelangelo Buonarroti (Caprese, 1475-Roma,1564), fue un arquitecto, escultor y pintor italiano

renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas
como por sus pinturas y obra arquitectónica.

• Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era
donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos.

33
•Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le vite de' più
eccellenti pittori, scultori e architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición,
en la cual fue el único artista vivo incluido, y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por
Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo
Buonarroti.
• Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.
• Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos
diciéndole:...toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de
lejos... Vuestra Excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia su patria.
•Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura,
según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura,
casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional
que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos
arquitectónicos.
La obra de Miguel Ángel, celebrada por sus contemporáneos como el punto culminante del arte
renacentista, fue también su dramática conclusión. Sus esculturas, sus pinturas y su arquitectura,
fueron admiradas más allá de todo límite, consideradas como creaciones superiores a las de los
antiguos y por encima de la naturaleza misma.

Pero Miguel Ángel estaba todavía vivo cuando se inició la polémica, entre los apasionados
exaltadores de su arte y sus detractores, que condenaban la falta de medida y de naturalidad,
contraponiendo su fuerza a la gracia y la elegancia del arte de Rafael. Lodovico Dolce el año 1557,
tildaba de monótonos los desnudos de Miguel Ángel en comparación con la belleza de las obras de
Rafael.

Fue criticado también por la iglesia italiana, durante la segunda mitad del seiscientos, ya que sus
obras no eran afines a las nuevas normas del Concilio de Trento. Desde la mitad del siglo xviii,
fueron cambiando las críticas hasta llegar a la total adoración por su arte.

El carácter profundamente religioso de Miguel Ángel, su genial cabeza le llevaron a ser considerado
como un mito lo que le acarreó, como antes se ha apuntado, algunas críticas ya que su dominio de
las técnicas clásicas llevaron a que, en cierta medida, jugara con ellas y las sobrepasara.

Su modo de ser impulsivo le llevó a dedicarse en su juventud a manifestaciones artísticas

principalmente escultóricas en donde el artista tiene una mayor cercanía con su obra, la lleva a
cabo él mismo, cosa que se pierde con la arquitectura que por encargo papal acepta en muchas
ocasiones principalmente en el segundo tramo de su vida. Su concepción anuncia la próxima
arquitectura barroca
4. Pintura. Capilla Sixtina. Pintura al fresco.Concepción iconológica e iconográfica

La pintura de Miguel Ángel se caracteriza por un perfecto dibujo anatómico, gran expresividad y
voluptuosidad de las figuras y un colorido intenso.
Su pintura tiene dos etapas.
La primera o clásica se caracteriza por su equilibrio y calma.
La Etapa manierista a la que corresponden los frescos de la capilla Sixtina la figuras adquieren
monumentalidad, mezclan la tensión interna visible en la musculatura con el movimiento y una gran
expresividad
Iconología e iconografía de la capilla:
Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la
representación de nueve escenas del Génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos
(ignudi), junto con doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de
Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de
arquitecturas. Estas imágenes se convirtieron en el símbolo mismo del arte del Renacimiento.

4.1. Comenta el proceso de la creación de la pintura al fresco de la Capilla Sixtina

•Empezó el trabajo el día 10 de mayo de 1508, rechazando la colaboración de pintores expertos en

frescos; también hizo quitar los andamios que había colocado Bramante y puso unos nuevos
diseñados por él. Mientras trabajaba en su primer fresco (El Diluvio), tuvo problemas con la pintura,
34
la humedad alteró los colores y el dibujo, tuvo que recurrir a Giuliano da Sangallo para su solución y
volver a empezar; Miguel Ángel aprendió a fuerza de sufrimiento la técnica del fresco, ya que según
Vasari, hacía falta:...realizar en una única jornada toda la escena... La obra se ejecuta sobre la cal
aún fresca, hasta concluir la parte prevista... Los colores aplicados sobre el muro húmedo producen
un efecto que se modifica cuando se seca... Lo que se ha trabajado al fresco queda para siempre,
pero lo que ha estado retocado en seco se puede quitar con una esponja húmeda....
•La superficie pintada en un día se llama «jornada»; la escena de La Creación de Adán, una de las
más espectaculares de la bóveda, se realizó en dieciséis jornadas.
•El artista también estuvo bajo la tensión de las continuas discusiones con el papa, las prisas por
acabar la pintura y los pagos que no recibía. Finalmente, la gran obra de la pintura de la bóveda se
presentó públicamente el 31 de octubre de 1512

El Juicio Final
•El tema se basa en el Apocalipsis de san Juan. La parte central está ocupada por un Cristo con
gesto enérgico, que separa los justos de los pecadores, y a su lado tiene a su madre María,
temerosa por el gesto tan violento de su Hijo. A su alrededor están los santos, fácilmente
reconocibles ya que la mayoría muestran los atributos de su martirio, entre los que se encuentra
san Bartolomé, que en su martirio fue despellejado; este santo lleva colgada en su mano su propia
piel, donde se reconoce el autorretrato de Miguel Ángel. Justo debajo hay un grupo con ángeles
con trompetas, anunciadores del Juicio. Todas las escenas están rodeadas por una multitud de
personajes, unos al lado derecho de Cristo, los que ascienden al cielo, y a la izquierda los
condenados que bajan a las tinieblas, algunos de los cuales se encuentran encima de la barca de
Caronte, presente en la Divina Comedia de Dante
•1559, Daniele da Volterra, por orden del papa Pablo IV, cubrió las «vergüenzas» de las figuras
desnudas.
•Después de la restauración empezada el año 1980, las pinturas vuelven a lucir tal y como las
realizó Miguel Ángel.

4 Escultura. Evolución personal. Obras representativas. Identificar las claves evolutivas en la

escultura de Miguel Ángel.
4.1. Analiza la evolución iconográfica de la
escultura de Miguel Ángel, remarcando de un modo especial las esculturas del final de su
vida. .
Como en su pintura en la escultura tiene dos etapas la clásica cuando trabaja en Florencia
influenciado por Donatello
Y la etapa manierista: en la que destaca la desproporción muscular y alargamiento de las figuras,
Inacabado de las piezas, la Serpentinata: giro helicoidal y la terribilitá: sensación de fuerza que
producen al mezclar la tensión interna el movimiento y la expresividad.

ETAPA CLÁSICA: Baco, la Pietá del Vaticano, El David, la Madonna de Brujas

David: Tallada en bloque, mide 4 metros y 10 centímetros. Es una talla directa. Es una escultura
política encargada por la República de Florencia para que fuera el emblema de la ciudad (David,
conductor del pueblo judío, y daba la casualidad de que los Medici eran judíos). Lo representa en
ese momento de contención, de paso a la acción, de mirada fija, la onda preparada (para defender
a la República), vigilando a Goliat (el enemigo comercial que podía ser Venecia o Alemania). El
cuerpo esta en tensión, como si fuera a saltar en un momento dado, con los ojos excavados, el
ceño fruncido, los músculos del cuello tensos, la mano donde se resaltan las venas. La pose parece
ser serena, clásica, pero estos detalles nos reflejan el volcán que se está preparando en su interior
y la velocidad con que la sangre corre en su cuerpo.

ETAPA MANIERISTA: esculturas de la tumba de Julio II: Moisés y los esclavos

La Piedad de Rondanini y la Piedad de Santa María dei Fiore en Florencia

Moisés: Era parte del mausoleo del Papa Julio II, encargo que dicho Papa hizo a Miguel Ángel y
que le tuvo ocupado al artista 40 años, aunque el propio Papa lo distraía con otros encargos. Miguel
Ángel sólo pudo hacer del macro-proyecto el Moisés en 1513 y dos esclavos. Situada en una
hornacina, concibió la escultura de Moisés como saliendo del bloque, sin ensamblajes y con una
escultura directa de quitar lo que sobra. Introduce diferentes puntos de vista en la escultura, con
35
expresiones diferentes que sumadas nos dan el carácter expresivo: un iluminado mirando al Sinaí,
con los ojos concentrados, con la responsabilidad de ser conductor de un pueblo pero con la
tragedia de no poder pisar la Tierra Prometida. Con un ángulo más oblicuo la sensación es de
mayor vigor, con un brazo en tensión y de perfil, se ve la pierna semiflexionada también en tensión.
Sumando todo esto vemos la posición sentada pero a punto de levantarse, inestable, en tensión. El
acabado es perfecto como en las demás figuras, mármol pulido con resalte de tendones y venas en
brazos y piernas, con plegados en vestido y barba realizados a trépano. Es otra obra perfecta,
inmortalizando un segundo, un momento antes de pasar a la acción.

El genio de la Victoria: Pudo ser una nueva versión del David pero en versión manierista. Se
retuerce sobre él mismo de forma helicoidal, el cuello largo, la cabeza pequeña, la pierna izquierda
alargada y la contorsión violenta. Aparece la nueva técnica de Miguel Ángel, la del Inacabado, el
cuerpo en su parte superior está acabado y pulido pero abajo la piedra no está trabajada. Quiere
expresar cómo la figura nace de la piedra y va saliendo paulatinamente.

La Piedad Rondanini: Estamos en la última etapa de Miguel Ángel y su sistema de visión es ya

manierista cien por cien. Aparecen las figuras en una pose muy poco clásica, por esta posición, por
el alargamiento de las figuras, por sus movimientos de cansados y por la técnica del inacabado esta
escultura es la más expresiva de toda su obra, prototipo del expresionismo del siglo XX.

Arquitectura:
•Biblioteca Laurenciana:
•Emplazada dentro del convento de la basílica de San Lorenzo, en el piso superior del lado oriental
del claustro, empezaron los proyectos que sufrirían un gran número de variaciones. Hacía falta
organizar espacios diferentes para separar los libros latinos de los griegos, y también se querían
repartir los libros raros en pequeñas salas, pero al final se acabó optando para organizarlo todo en
una gran sala. Se centraron los esfuerzos en resolver el soporte de la nueva estructura sobre los
muros antiguos: en la biblioteca se bajó el nivel del techo y se situaron ventanas muy próximas las
unas a las otras, con lo que se conseguía ampliar la luminosidad; el vestíbulo se diseñó como lugar
de circulación, con una altura superior, y se añadieron ventanas de iluminación

•Basílica San Pedro del Vaticano:

•Miguel Ángel fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro en 1546 a los 72 años de edad,
a la muerte de Antonio da Sangallo el Joven. La construcción de la basílica había sido empezada
sobre la anterior paleocristiana, por mandato del papa Julio II y bajo la dirección del arquitecto
Bramante; a partir del fallecimiento de este último, se hizo cargo Rafael Sanzio, que modificó la
planta y la transformó en una cruz latina.
• Cuando Miguel Ángel recibió el encargo de las obras, modificó de nuevo la planta y volvió, con
ligeras variaciones, a la idea original de Bramante de cruz griega, pero redujo las cuatro esquinas
del cuadrado para que las áreas más pequeñas pudieran tener luz directa. Le corresponde en
particular la modificación de la cúpula central respecto al proyecto de Bramante: suprimió el anillo
con columnas y le dio un perfil más elevado. Al suprimir las torres, la cúpula se convirtió en el
elemento predominante. Obtuvo permiso del papa, ante la vista de sus maquetas, para demoler
parte de la construcción de Sangallo y, sin alterar de forma sustancial el interior, consiguió imponer
su estilo personal y aportar una gran unidad al conjunto. La mayor parte de las obras se realizaron
entre los años 1549 y 1558

36