Producción artística

La Producción Artística aborda procesos y procedimientos técnicos que conforman un

capítulo esencial de la Gestión Cultural. Este capítulo los define y desarrolla tomando
como marco tres escenarios habituales (actividades escénicas, cinematográficas y
expositivas) en los cuales se detallan las tareas incluidas en las fases de preproducción,
producción y postproducción.

1. La producción artística en el mapa de procesos

La Gestión por Procesos constituye una lectura alternativa a los servicios funcionales y
parte de una organización interrelacionada de procesos que tiene como objeto optimizar
la satisfacción del usuario y alcanzar los objetivos establecidos por la organización.

Juana Álvarez Delgado y Manuel Macías García ajustan dicha Gestión por Procesos al
ámbito universitario ofreciendo unas pautas comunes extrapolables a cualquier otra
organización y ámbito y reflejadas en el volumen reseñado en la bibliografía:

Mapa de Procesos: Establece una relación entre las actividades de la organización y los
usuarios externos e internos, los proveedores y los grupos de interés a la vez que
permite mejorar la coordinación entre sus elementos clave.

Su estructura permite distinguir entre

 Procesos Estratégicos: son aquellos mediante los cuales la organización

desarrolla sus estrategias y define sus objetivos.

 Procesos Clave: son aquellos propios de la actividad y función de la

organización y en ellos se enclava la PRODUCCIÓN ARTÍSTICA...

 Procesos de Apoyo: son aquellos que proporcionan los medios para que los
Procesos Clave se pueden llevar a cabo.

Documentación de procesos: Supone el punto de arranque de todo rediseño o mejora

de cualquier proceso. Se trata de un "método estructurado que utiliza un preciso manual
para comprender el contexto y los detalles de los procesos clave, estratégicos y de
apoyo".

Equipos de procesos: Son fundamentales en la gestión de los procesos y su orientación

hacia el usuario a través de los sistemas de revisión y control.
Rediseño y mejora de procesos: "Son consecuencia del análisis de un proceso y tienen
como objeto "incrementar la eficacia, reducir costes, mejorar la calidad y acortar los
tiempos reduciendo los plazos de producción y prestación del servicio".

Indicadores de gestión: miden y cuantifican los principales aspectos y sirven para que
la organización "pueda conocer, controlar y mejorar su gestión".

La estructura completa del MAPA DE PROCESOS de un Servicio de Extensión

Universitaria de una universidad es la que aparece en el siguiente gráfico:

El punto de arranque de este Mapa de Proceso son las NECESIDADES Y

EXPECTATIVAS DE LOS CLIENTES mientras que el objetivo es la
SATISFACCIÓN DE LOS CLIENTES. Entre ambos estadios se desarrollan los tres
grandes bloques de Procesos (Estratégicos, Clave y de Apoyo) que ya hemos
introducido y que quedan conformado por las siguientes etapas:
Procesos Estratégicos:
 Planificación y Presupuesto
 Alianzas
 Detección de Necesidades y Expectativas
 Revisión por la Dirección
Procesos Clave:
  Programación de Oferta
 Realización de Oferta
o Comunicación
o Producción (del cual se ocupa este documento)
o Inscripción y Participación
 Evaluación
Procesos de Apoyo
 Formación
 Compras - Gestión Económica
 Gestión Documental
Diseño Gráfico e Imágen
Las 10 pinturas más famosas del mundo
Viernes, 9 de agosto de 2013 9:06
|Leslie

Enlistamos las pinturas más famosas de la historia del arte y te explicamos por qué se
convirtieron en íconos culturales.
El arte: manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión
personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos,
lingüísticos o sonoros. Los artistas de la pintura, destacados en la historia por sus obras
de arte, alcanzan la maestría no sólo con estudio y práctica. En sus trabajos subyace el
estímulo a lo subjetivo, pues emplean expresiones estéticas ajenas a la clasificación
lógica. Junto a la técnica utilizada para aplicar colores, los poseedores de este don,
demuestran a primera vista que su habilidad es en realidad una virtud al descubierto.
Las pinturas más famosas del mundo no tienen por qué ser las mejores pinturas de la
historia del arte, sino aquellas pinturas que se han convertido, con el paso del tiempo, en
íconos culturales. Son imágenes populares, fácilmente reconocibles, reproducidas,
homenajeadas e, incluso, parodiadas. Aquí las obras de arte más famosas del mundo:

1. El Guernica

Uno de los cuadros más conocidos de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y
junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de
dicho año, durante la Guerra Civil Española, fue realizado por encargo del Director
General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española
para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en
París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena
Guerra. Los tonos grises se explican porque la primera noticia que tuvo Picasso del
bombardeo fue a través del periódico. Se dice que en 1940 un oficial alemán le preguntó
a Picasso que si era él quien había hecho eso. El pintor respondió: “No, han sido
ustedes”.

Se expuso al público, primero, en el Casón del Buen Retiro, y después, desde 1992, en
el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.

Pinturas Famosas | El Guernica

2. La Creación de Adán
Es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina, pintado por Miguel Ángel alrededor del
año 1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán, el
primer hombre (según la tradición bíblica). Se puede apreciar el contraste de las dos
entidades gracias a sus posiciones en el fresco: Dios flota, pues es celestial; en cambio,
Adán se encuentra acostado en la tierra por su condición como mortal. Asimismo, en la
obra se observa a un creador dinámico que parece descender a gran velocidad dotado de
gran poder, contra un Adán estático, cómodamente instalado en la superficie.

Un aspecto que dio pie a muchas teorías es la presencia de una figura femenina al lado
de Dios. El creador la rodea con su brazo izquierdo, quizá, protegiéndola o preparándola
para llegar al mundo. Muchos estudiosos afirman que se trata de Eva, quien todavía
espera su turno para ser creada.

Las líneas compositivas son diagonales y dotan a la escena de dinamismo. La

perspectiva es una de las grandes conquistas de esta secuencia, ya que hay una
captación tridimensional que logra con intrincados y complicados puntos de fuga y
escorzos nunca antes realizados en la historia de la pintura.
3. Los Girasoles
Es una serie de cuadros al óleo realizados por el pintor holandés Vincent van Gogh que
destacan por la minuciosidad de sus trazos, pues el artista acostumbraba pintar con
pinceladas fuertes y expresivas. Los cuadros muestran girasoles en las diferentes etapas
de su vida, lo que le permitió utilizar toda la gama de amarillos.

De la serie hay tres cuadros similares con quince girasoles en un jarrón, y dos con doce
girasoles, también en un jarrón. Las pinturas fueron plasmadas en lienzos de cerca de 93
× 72 cm. Su casa en Arles con fachada amarilla, junto con el ardiente sol mediterráneo
del sur de Francia, fueron la fuente de inspiraron para elaborar esta serie.

4. El Grito
El Grito es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch. La versión más
famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893; otras
dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras
que la cuarta versión pertenece a una colección particular. Esta obra fue considerada en
su época como arte demente y degenerado. Sus robos, en 1994 y en 2004, permitieron
darle un poco de publicidad. Sin embargo, la fama proviene de su aparición en una
portada de la revista Times.

Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que
simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación
existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El Grito está
considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento
expresionista, pues constituye una imagen de ícono cultural, semejante al de la
Gioconda, de Leonardo Da Vinci.
5. La Gioconda
También conocida como La Mona Lisa, realizada por Leonardo Da Vinci, sin duda se
gana el título de la pintura más conocida en el mundo. Su misteriosa sonrisa es lo que
intriga a millones de personas; hoy se sabe que la sonrisa fue pintada con colores que se
aprecian mejor con la vista periférica. La Gioconda es el cuadro más famoso que existe.
De ahí que aunque nunca se haya subastado, si lo fuese, probablemente alcanzaría la
cifra más alta de la historia del arte. Por esta razón no es extraño que Vicenzo Perrugia
(pintor italiano) haya robado la pieza del Louvre en 1911, aunque apareció dos años
más tarde en Italia. El cuadro no sólo fue robado, sino que, también, rociado con ácido y
golpeado con una piedra por un hombre en el propio Louvre. Es la pintura más visitada
del museo, con más de seis millones de visitantes al año.

Adquirida por el rey Francisco I de Francia, a principios del siglo XVI, desde entonces
es propiedad del Estado Francés, y actualmente se exhibe en el Museo del Louvre de
París.

6. La Noche Estrellada
La noche estrellada es una de las obras maestras del pintor neo-impresionista Vincent
Van Gogh. Aunque muchos conocen algunas de sus obras, pocos saben la historia
tormentosa de su vida. Sin embargo, su situación económica y emocional nunca
interfirió en su productividad, Van Gogh pintaba, al menos, un cuadro diario, mientras
que sus contemporáneos tardaban meses en pintar uno solo.
El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del
sanatorio de Saint Rémy de Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin
embargo, la obra fue pintada durante el día, de memoria. Data de mediados de 1889,
trece meses antes del suicidio de Van Gogh. Desde 1941 forma parte de la colección
permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Pinturas Famosas | La Noche Estrellada

7. Las Tres Gracias
Las Gracias, de Peter Paul Rubens, representa a las hijas de Zeus y pueden citarse como
el tipo de belleza ideal, mientras que las de Rubens pueden corresponder a la belleza
más sensual. Aglaya, Talia y Eufrósine no fueron para Rubens más que una excusa para
pintar tres academias femeninas, una reproducción de las exuberantes formas de sus
habituales modelos.

En la actualidad, el cuadro se encuentra expuesto en el Museo del Prado de Madrid,

España. Este óleo mide 221 cm de alto por 181 cm de ancho.
8. La tentación de San Antonio

Cuadro realizado por el pintor español Salvador Dalí en 1946. El óleo sobre lienzo, de
la corriente surrealista, mide 90 x 119,5 cm, y se conserva en Bruselas en el Musée
Royaux des Beaux-Arts.
En el cuadro se muestra a San Antonio Abad en un desierto, arrodillado y sosteniendo
una cruz hecha con dos varitas para protegerse de las tentaciones que lo atacan, éstas
son representadas por un caballo y una fila de elefantes, ambos con sus patas alargadas,
cada uno cargando con una tentación.

El cuadro describe, literalmente, las tentaciones a las que el hombre normalmente cae:
Ambición, representada con el caballo, el cual tiene sus pezuñas desgastadas y llenas de
polvo.
Tentación, representada por la mujer sobre el primer elefante.
Avaricia, representada por los dos elefantes sobre los que hay una pirámide y una casa
de oro, y dentro de ésta última, un busto de mujer lo aguarda.
9. Los fusilamientos del 3 de mayo
Del autor Francisco de Goya, Los fusilamientos data de entre 1813-1814, perteneciente
al Rococó español. Se trata de un óleo sobre lienzo y representa la lucha del pueblo
español contra la dominación francesa en el marco histórico de la Guerra de la
Independencia entre los días dos de mayo de 1808, día en el que los españoles se
sublevan y que también está representado por dicho autor. Este cuadro fue un encargo
de Luis María de Borbón y Vallabriga. Se conserva en el Museo del Prado.
10. La Última Cena
Original de Leonardo Da Vinci, ejecutada entre 1495 y 1497, se encuentra en la pared
sobre la que se pintó, en el refectorio del convento dominico de Santa María de las
Gracias, en Milán (Italia). La pintura fue elaborada para su patrón, el duque Ludovico
Sforza de Milán. No es un fresco tradicional sino un mural ejecutado al temple y óleo
sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de alto
por 880 cm. de ancho.
EL CONCEPTO DE EXPRESIÓN CORPORAL
Es a partir de 1968 cuando se inician las prácticas denominadas “de expresión
corporal”. Diferentes autores se afanan por buscar una definición clara del concepto de
expresión corporal.
La expresión corporal aparece dentro de la danza, en el teatro, en la educación física,
animación sociocultural, etc.
Reflejamos a continuación algunas definiciones por autores de la Expresión Corporal:
“La expresión corporal es una conducata que existe desde siempre en todo ser
humano. Es un lenguaje pre-verbal, extra verbal y paralingüístico por medio del cual el
ser humano se expresa a traés de sí mismo, reuniendo en su cuerpo el mensaje y el
canal, el contenido y la forma, pues él es cuero y no tiene cuerpo”
(Patricia Stokoe).
“La expresión podría ser la expresión del pensamiento a través del movimiento,
con intencionalidad comunicativa. La expresión-comunicación se realiza
mediante el instrumento cuerpo con vistas a ofrecer un significado”.
(Tomás motos).
“La expresión corporal es una disciplina que permite encontrar, mediante el estudio y
la profundización del empleo del cuerpo, un lenguaje propio”.
(Marta Schinca)
La expresión corporal es el punto de partida para conseguir un verdadero conocimiento
de nuestro cuerpo.
EXPRESIÓN CORPORAL Y EXPRESIÓN PSICOMOTRIZ
Definición de estos dos conceptos:
1- La expresión corporal:
puede definirse como la disciplina cuyo objeto es la conducta motriz con finalidad
expresiva, comunicativa y estética en la que el cuerpo, el movimiento y el sentimiento
como instrumentos básicos.
2- La expresión psicomotriz:
es un proceso de comunicación motórico afectivo y verbal que engloba la expresión
dramática, el movimiento, el gesto y el juego simbólico. La diferencia entre estos dos
conceptos es, que en la primera, el objetivo es posibilitar
el movimiento del cuerpo y en la segunda, todos los movimientos deben de estar
dotados de un significado.
Características de la Expresión Corporal:
• Escasa o inexistente importancia asignada a la técnica, o en todo caso ésta, no
concebida como modelo al que deben llegar los alumnos. A veces se utilizan
determinadas técnicas pero como medio no como fin.
• Finalidad educativa es decir tiene principio y fin en el seno del grupo sin pretensiones
escénicas.
• El proceso seguido y vivido por el alumno es lo importante, desapareciendo la
3 “obsesión” por el resultado final que aquí adquiere un segundo plano.
• El eje que dirige las actividades gira en torno al concepto de habilidad y destreza
básica y con objetivos referidos a la mejora del bagaje motor del alumno.
• Las respuestas toman carácter convergente ya que el alumno busca sus propias
adaptaciones.

La remezcla
La remezcla es un lenguaje artístico contemporáneo que abarca desde el collage hecho
con trozos de revistas de circulación masiva, hasta la composición de complejas piezas
audiovisuales basadas en fragmentos obtenidos en YouTube, pasando por la apropiación
de obras de arte icónicas, para generar nuevos discursos en torno a estos elementos,
generalmente paródicos y, no pocas veces, subversivos. Podemos decir que las prácticas
de remezcla nacen con las vanguardias del siglo XX, luego se formalizan
conceptualmente en el pensamiento del arte contemporáneo y, a principios del siglo
XXI, se popularizan como prácticas de masas con la emergencia de internet y las
tecnologías digitales hasta considerarse casi un “nuevo alfabetismo”
Los artistas del ámbito de la remezcla siempre buscamos la discordancia porque genera
una fascinación y una extrañeza que vuelve la experiencia interesante. La materia prima
es el exceso y la dispersión del material disponible. Hay también una necesidad de darle
significado y cohesión a la obra, sin ocultar la discordancia de los elementos que
componen la remezcla, pero confiriéndoles a la vez una nueva unidad.