1 Educacion Artistica

Educación Artística Semestre “A”
Ciclo Escolar 2021/20222
LECTURA: Leonora Carrington: la artista revolucionaria que

impuso sus propias reglas
La vida de Leonora Carrington es

tan fascinante como su obra. Pintora,
escultora y escritora con un interés
por la magia, el folklore y el ocultismo,
Carrington se adelantó a su tiempo
rompiendo no solo con las reglas
sociales impuestas a una mujer de la
primera mitad siglo XX, sino también
desafiando a las grandes figuras
del surrealismo con sus decididas
opiniones, talento infinito y espíritu
inquebrantable.
Nacida en Inglaterra pero

naturalizada mexicana, Leonora
Carrington es celebrada por su
expansivo imaginario y su exquisito cuerpo de trabajo plagado de composiciones oníricas.
“[Carrington] creó un panteón de temas que transmiten su interés en lo sagrado, uno que no
está vinculado a una religión o cultura específica, y su presencia en los rincones íntimos de
nuestras psiques”, afirma el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
eonora Carrington nació el 6 de abril 1917 en Clayton Green, Lancashire, en el noroeste de

Inglaterra, en una familia de clase alta. Cuando era pequeña disfrutaba de las historias
tradicionales irlandesas, así como los libros de Lewis Carroll y Beatrix Potter. Su padre
estaba en contra de que hiciera una carrera en las artes, pero con el apoyo de su madre,
Carrington logró ser enviada a estudiar en un internado en Florencia, donde vio de primera
mano la obra de los grandes maestros italianos.
A su regreso al Reino Unido se estableció en Londres, donde en 1936 asistió a la primera

exposición surrealista que abrió en Inglaterra. Fue ahí donde descubrió—y quedó fascinada
con—la de obra Max Ernst, a quien conoció en una cena un año después. Este evento marcó
el quiebre final con su familia, y a los 20 años se mudó a París con Ernst, quien era 26 años
mayor que ella.
Fue en París donde Leonora Carrington se acercó al círculo surrealista de Pablo Picasso,
Salvador Dalí y André Breton. Sin embargo, la artista remarcó que aunque eran
revolucionarios, los surrealistas tenían ideas bastante retrógradas sobre las mujeres: para
ellos, las mujeres involucradas en el movimiento solo eran musas en potencia. “No tuve
tiempo de ser la musa de nadie… Estaba demasiado ocupada rebelándome contra mi familia
y aprendiendo a ser una artista”
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Carrington y Ernst se mudaron a Provenza, donde la artista incursionó en la escritura con
historias salpicadas de elementos autobiográficos y surrealistas. Sin embargo, la subida al
poder de los nazis puso fin a su tiempo en el sur de Francia; Ernst fue arrestado, y Carrington
huyó a España. Tras sufrir un colapso nervioso, la artista fue internada en un hospital
psiquiátrico de Santander, donde fue sometida a un tortuoso tratamiento.
Tiempo después, su padre ordenó que la artista fuera enviada a otro sanatorio, esta vez en
Sudáfrica. Mientras esperaba el barco que la llevaría a su nuevo destino desde Lisboa,
Leonora Carrington escapó en un taxi a la embajada de México, donde se encontraba Renato
Leduc, un diplomático amigo suyo al que había conocido en París. Así, ambos establecieron
un matrimonio por conveniencia y, como esposa de un diplomático, pudo escapar a Nueva
York.
Leonora Carrington llegó a México en 1942, y se enamoró inmediatamente de la escena

artística mexicana. Con un interés perenne por lo místico y lo sagrado, la artista encontró una
nueva fuente de
inspiración en los
imaginarios de la cultura
mexica y maya. En
México también
estableció vínculos con
otros artistas e
intelectuales europeos
que habían escapado de
los horrores de la
Segunda Guerra Mundial.
Entre este círculo destaca

su muy querida amiga, la
pintora
española Remedios
Varo, con quien
compartió una visión onírica que corre por los lienzos de ambas artistas. Así mismo, conoció
a su segundo esposo: Emérico “Chiki” Weisz, un fotógrafo húngaro que trabajó con Robert
Capa. Weisz y Carrington tuvieron dos hijos, y estuvieron juntos hasta la muerte del fotógrafo
en 2007, a la edad de 95 años.
El buen recibimiento de su obra por el público mexicano durante la década de 1950 y 1960 le
valió recibir una comisión para pintar El mundo mágico de los mayas (1964), un mural el
Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México. Comprometida fuertemente con
sus ideales, Carrington también fue una figura clave del Movimiento de Liberación Femenina
de México en la década de 1970.
“Uno no decide pintar. Es como tener hambre e ir a la cocina a comer. Es una necesidad, no
una elección”, le dijo a The Guardian en 2006. A lo largo de su carrera produjo decenas de
pinturas y esculturas. A pesar de su avanzada edad, la artista seguía trabajando mientras
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atendía sus labores en casa. Leonora Carrington murió en 2011 a los 94 años, por lo que
algunos la consideran la última de los surrealistas.
“Uno de los aspectos extraordinarios del trabajo de Leonora es cómo parte de tantas
inspiraciones diferentes, desde las leyendas celtas que aprendió de su niñera, a través de las
limitaciones de su educación de clase alta, hasta el surrealismo de París en la década de
1930, y luego a la magia de México”, le dijo Matthew Gale, curador del Tate Modern, a The
Guardian.
Hoy en día, las obras de Leonora Carrington forman parte de las colecciones del MoMa de
Nueva York, la Tate Gallery en Londres, la colección Peggy Guggenheim en Venecia y el
Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Además, las esculturas de cobre que
produjo en las últimas décadas de su carrera iluminan el paisaje urbano de varias ciudades
mexicanas, entre las que destaca el Cocodrilo, que decora el Paseo de la Reforma, una de
las avenidas principales de la Ciudad de México. En 2018 abrió el Museo Leonora Carrington,
un espacio dedicado a su obra. Esta institución tiene sedes en Xilitla y la ciudad de San Luis,
en México.
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¿QUÉ ES EL ARTE?
El arte es toda forma de expresión de carácter creativo que puede tener un ser
humano. Se trata de expresar lo que una persona siente a través de una infinidad
de formas y técnicas.
El arte es la capacidad que tiene un hombre para representar sus sentimientos,

emociones y percepciones acerca de sus vivencias y su creatividad. Comúnmente,
el término arte es confundido con «artesano». Un artesano es aquel que logra
reproducir múltiples obras y se dedica a eso, en cambio, el arte es una obra única.
A lo largo de la historia, la palabra arte se ha ido expandiendo por todo el mundo en

todas sus formas. Antiguamente, cuando alguien hablaba de arte, solo daba a
entender algunos aspectos de éste, como la pintura y el dibujo. Hoy en día esta
palabra abarca mucho más que eso.
En muchos países el arte es uno de los componentes más importantes de la cultura,

por ejemplo, en Argentina, un tipo de danza como lo es el tango, es unade sus
obras más tradicionales.
No todos los historiadores, filósofos y demás pensadores están de acuerdo en la

definición de arte actual. Muchas personas no suelen considerar arte a ciertas
expresiones como la cocina, es decir, el arte culinario y solo llaman arte a lo que
hace referencia a la pintura, el dibujo, el canto y la danza. Pero la realidad es que
a través de los años todo ha ido avanzando, y el arte fue expandiéndose no solo
en los lugares del mundo, sino que también en su propio significado.
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¿CUÁLES SON LAS DISCIPLINAS ARTÍSTICAS?
Artes visuales
• Arquitectura: La arquitectura se trata del arte de proyectar y concretar las

construcciones de casas y edificios. Es un proceso que abarca el diseño de
estructuras para un uso futuro, como las escuelas, instituciones, hospitales,
entre otros. Algunos países, como por ejemplo, Dubai, son destacados por
sus impresionantes obras de arquitectura. Actualmente es el país que posee
los edificios más altos de todo el mundo. Siglos atrás, la arquitectura se
realizaba mediante otros procesos muy diferentes a los actuales, es decir,
con otros materiales y métodos de construcción.
• Arte corporal: Es aquel donde el cuerpo humano es utilizado como soporte.

Dentro de este arte se encuentra el maquillaje, vestuarios y modificaciones
como los piercings y tatuajes.
• Arte digital: Es uno de las más utilizados en los últimos años, esta se trata
del uso de medios digitales para concretarse, por ejemplo, un videojuego,
• Cinematografía: Es la técnica en la que se muestra un tipo de reproducción

de una imagen en movimiento. Ésta surgió durante el año 1895.
• Dibujo: Es el tipo de arte más conocido y se basa en la representación gráfica

de cualquier tipo de elemento. Es una de las técnicas base para otros tipos
de arte.
• Escultura: Este tipo de arte se basa en la creación de obras modeladas con

las manos con varios tipos de materiales como el barro, la arcilla, la madera,
el metal, entre otros.
• Fotografía: Esta es una técnica basada en la captura de cualquier tipo de

imagen que se encuentre o no en movimiento. Durante los últimos años estás
técnicas han podido ir avanzando con gran rapidez.
• Pintura: Es la creación de imágenes por medio de pigmentos de color. Ésta

es realizada en una gran cantidad de superficies diferentes como la madera,
el papel, el metal, etc.
Artes escénicas
• Danza: Este tipo de arte fue originado siglos atrás. Se trata del movimiento
del cuerpo humano realizado a través de la música. Cada cultura puede
poseer un tipo de danza diferente que responda a sus tradiciones.
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• Teatro: Es una rama del arte donde un grupo de personas, denominadas

actores, realizan una representación de un drama literario sobre un
escenario.
Artes musicales
• Canto: En un método de expresión que se realiza haciendo uso total de la

voz. Como en la danza, en este tipo de arte también existen variedades de
canto.
• Música: Es producida por el uso de cualquier tipo de instrumento musical

o sonidos en los cuales se pueda generar un ritmo. La música también abarca
a el canto.
Artes literarias
• Poesía: Se trata de una composición literaria en la que existen varios tipos

de estructuras para su expresión.
• Drama: Es una forma escrita que está basada en el diálogo entre dos o más
personas. A través del diálogo se va presentado una historia en donde se
van desarrollando las acciones de los personajes.
Todos estos tipos de arte han ido avanzando con el tiempo, creándose nuevos
estilos en los cuales cada persona encuentra mejor manera para identificarse e ir
desarrollándolos a lo largo del tiempo.
El avance de la tecnología fue parte de uno de los pilares para la creación de nuevas
formas de arte, como por ejemplo, el arte digital. Sin la tecnología éste no podría
haber sido creado, ya que es un arte nacido a partir de todo lo que implique un uso
tecnológico actual.
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MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS: CARACTERÍSTICAS Y TIPOS

DESTACADOS
Las manifestaciones artísticas son expresiones creativas que, mediante el uso de

diversos recursos, permiten a las personas mostrar sus ideas, emociones y la
percepción que tienen sobre el mundo exterior.
El arte y los seres humanos han estado ligados históricamente; por ello se entiende
al arte como una necesidad social.
Gracias a este tipo de manifestaciones, los artistas cuentan con un espacio abierto
para plasmar, de manera explícita o alegórica, el fruto de su imaginación y su punto
de vista sobre el entorno que les rodea.
La expresión de cada artista, a su vez, es diferente dependiendo de sus

experiencias personales, las inquietudes, miedos, sensibilidad y capacidad de
expresión.
Importancia
Las manifestaciones artísticas son capaces de emitir mensajes llenos de contenido

a través de mecanismos alternativos a la palabra, como la pintura, el color, la danza
o la música.
He allí su importancia, ya que el manejo de los recursos artísticos hace posible la

libre expresión de ideas a través de la creatividad y la subjetividad de los artistas.
La manifestación artística es exitosa cuando el artista logra transmitir su mensaje

a los admiradores de su obra. Por ende, estas representaciones son entendidas
como un medio de comunicación.
Tipos
Las manifestaciones artísticas se clasifican, básicamente, en cuatro géneros:

literatura, música, expresiones corporales y artes plásticas.
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1- Literatura
La literatura es una expresión artística meramente verbal, que abarca diferentes

subgéneros en su haber, tales como: la narrativa, los ensayos, la poesía y el
teatro.
La literatura es entendida como una forma creativa de comunicarse mediante la

retórica, la gramática y la poesía.
2- Música
La música es un arte caracterizado por la emisión de sonidos a través de los

principios de la melodía, el ritmo y la armonía.
Estos sonidos pueden ser generados no solo con la voz humana, sino también
mediante el uso de instrumentos musicales.
Una de las características más singulares de la música es lo placentero que resulta

escucharla, lo cual hace de la música un medio de comunicación cuya efectividad
depende de la sensibilidad del receptor.
3- Expresiones corporales o del espectáculo
La danza es un medio de expresión corporal altamente estético, basado en la

práctica de movimientos vigorosos y armoniosos. El uso de la música como fondo
para la danza es opcional.
El cine también se encuentra en esta categoría. Este último fue considerado como
una de las siete bellas artes en el siglo XX, gracias a su popularidad como medio
de expresión artístico a nivel mundial.
4- Artes plásticas
Esta categoría incluye la pintura, la arquitectura y la escultura.
La pintura es ampliamente reconocida por ser una expresión artística meramente

visual, la cual, a través del uso del color, formas, texturas y trazos, es capaz de
transmitir un mensaje con alto contenido estético y emocional.
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En el caso de la arquitectura, esta es entendida como una expresión artística gracias

a la creatividad que amerita para diseñar edificaciones que sean armoniosas con el
espacio en el que se encuentran inmersas.
La escultura es una expresión artística que consiste en modelar, tallar o esculpir

materiales como piedra, metal, barro, porcelana, arcilla, hormigón o madera, con
la finalidad de crear obras tridimensionales.
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LECTURA: La moda como arte

Una de las definiciones de arte es: actividad humana que tiene como fin la creación de obra
cultural. La moda, por otro lado, es una manera de expresión individual que resulta en un
registro del contexto social.
Dentro de la industria de la moda existen diferentes gamas: moda rápida, lista para usarse y
la gama alta, es decir alta costura. Esta última es creada bajo altos estándares que cada firma
debe cumplir, avalados por el instituto de Alta
Costura.
Anualmente el Museo Metropolitano de Arte

presenta una exposición que incluye varias
piezas archivo en torno a un tópico. El reflejo
cultural extraído de la indumentaria es
comúnmente una referencia a un punto
histórico específico. Dichas piezas, avaladas
por una institución o recinto cultural, adquieren
un valor artístico que complementa la exposición y se reafirma a la moda como arte.
¿Cuándo puede ser considerada arte una pieza?

Dejando de lado al mercado al que va dirigido el arte, su consumo y apreciación, pensemos
en el verdadero significado de una pieza de arte. Hablamos de una pieza que logra un sentido
estético a través de su significado, argumento y proceso. Se pensará que las artesanías, no
pueden ser consideradas arte cuando son las madres de este.
Las artesanías fueron las semillas para dar paso al arte. No podemos encasillar al arte en
conceptos absolutos, debemos entenderlo en constante cambio. La diferencia entre arte,
artesanía y diseño es crucial para comprenderlo.
Una artesanía es aprendida empíricamente, por tanto es tradicionalista. El arte es libre,

innovador y bajo conceptos intelectuales. Por otro lado, el diseño responde al funcionalismo
y la comercialización.
Las piezas elaboradas por comunidades indígenas a lo largo del mundo cuentan con una
estética y cosmovisión que da identidad cultural al lugar. Empleando una técnica tradicional
que ha sido adquirida y desarrollada por generaciones hasta llevarlo al más alto grado de
habilidad manual.
Son estos procesos de elaboración y significado los que nutren a la indumentaria para poder
definirla como una pieza artística. Esto abre el dialogo de la transición del artesano a artista,
fenómeno común en Latinoamérica. Este proceso sigue en constante evolución, sin desplazar
uno de otro para consumar la industria creativa.
La constante evolución de las tres ramas: arte, artesanía y diseño, se ve influenciada por la
tecnología. Los avances de herramientas y su aplicación a la creación alientan el progreso
de los procesos artesanales.
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¿Cómo se aplica esto a la moda?

Las piezas de Barbara Sánchez-
Kane, por ejemplo, tienen un
propósito estético y conceptual
que expone mediante
performance. Esto podría
marcarlo como una muestra
artística dando un referente
histórico dentro de la moda
nacional.
Por otro lado, el arte puede ser un

registro histórico presentado de
manera estética. Finalmente la
moda y el arte tienen una misma
naturaleza que es la estética.
Archivo Moda Mexicana presentó
Moda Local, una exposición, en
octubre del año pasado. Ahí, las
piezas funcionaron como referentes históricos y de procesos que fueron llevados por
diferentes exponentes.
Ahora, si miramos las piezas creadas por Iris Van Herpen, podemos ver el aprovechamiento
de la tecnología fusionado con procesos de alta calidad. O la artista mexicana Adriana
Martínez que define a la indumentaria como arte, creando piezas de arte portables.
Cuando los procesos artesanales se encuentran con un concepto y exploran ese terreno
podríamos tener una pieza de arte. Algunos diseñadores que siguen esta línea son Junya
Watanabe, o los diseñadores mexicanos Carla Fernández y Manuel Díaz. Sus piezas tienen
una carga cultural, artística y de procesos que logran romper estos esquemas. Entonces, si
una de estas piezas es funcional, basada en un concepto y con un proceso artesanal, ¿en
qué definición entraría?
Sin duda, la moda y el arte están conectados en más de una manera. Una discusión que se
abre a los interesados para abordar la importancia de las prendas más allá de la comunicación
e imagen.
¿En qué momento puede ser considerada una pieza de indumentaria, una obra de arte? Y
dejando de lado la discusión de estos conceptos y sus definiciones, ¿Qué sigue?
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MÙSICA
La música es el arte de crear belleza a través del sonido. Nuestra percepción

auditiva resulta útil para avisarnos de los peligros y para comunicarnos con facilidad
entre nosotros. Sin embargo, gracias a la audición podemos deleitarnos con una de
las artes más universales, la música.
El ritmo es el componente esencial de la musicalidad de los sonidos. Y para

conseguir este efecto el ser humano ha utilizado dos herramientas: la voz y los
instrumentos.
Hay registros de la antigüedad en los que aparecen instrumentos rudimentarios

destinados a crear efectos sonoros atractivos, los cuales se pueden combinar con
el canto. La historia de la música debió empezar con la inspiración de los sonidos
de la propia naturaleza y a lo largo de milenios ha llegado hasta nuestros días con
las últimas versiones electrónicas. En medio, el listado de géneros y tendencias
sería interminable: canto gregoriano, barroco, renacentista, clasicismo, jazz, pop,
rock o flamenco, así como todo tipo de fusiones de corrientes diversas.
La música obedece a la necesidad del espíritu humano de tener emociones

placenteras. Su manifestación está presente en la fiesta, en el trabajo en el campo
o en la intimidad. Al mismo tiempo, está asociada con otras expresiones artísticas:
la danza, el cine, el teatro o la poesía.
La música es también un lenguaje, un medio de comunicar sentimientos y

emociones. De hecho, hay estilos musicales alegres, melancólicos o estimulantes.
Algo mágico se despierta en el ser humano cuando le llegan ciertos sonidos.
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Eruditos y profanos, ricos y pobres, jóvenes y viejos, todos sin excepción pueden
conectar con la música en alguna de sus manifestaciones. En este sentido,
probablemente sea el arte más arraigado en el hombre.
Cada periodo histórico tiene sus propios movimientos musicales y corrientes.Incluso

se podría hablar de la personalidad de cada expresión musical. Para entender una
cultura y un contexto social hay que acercarse a su música, conocer sus canciones
y todo aquello que lo envuelve. Porque la música es también un ingrediente de la
vida y sería casi imposible concebirla sin el sonido de los instrumentos o las
canciones.
La historia de cada individuo está vinculada a la música que ha escuchado a lo largo

de su existencia. Todos los pueblos del planeta trasmiten sus sentimientos
musicalmente. Se escuchan piezas o canciones en los centros comerciales, en el
automóvil y en el mundo del espectáculo. En conclusión, el hombre dejaría de ser
quien es si la armonía y la melodía musical desaparecieran.
Tipos de música
La música puede clasificarse de muchas maneras, bien sea de acuerdo a la forma,

instrumentación, función, origen o estilo y contexto.
Un criterio bastante amplio de clasificación es el que distingue entre músicavocal,

destinada para ser cantada, y música instrumental, destinada a ser interpretada
por instrumentos estrictamente.
La clasificación más generalizada que existe es la que distingue música académica

y música popular. En ambas hay expresiones tanto de la música cantada como
instrumental.
Sin embargo, la clasificación entre música académica y música popular hoy resulta
bastante compleja, pues muchos géneros de la música popular se han dejado
influenciar por las tendencias académicas y viceversa. De hecho, en la actualidad
la música popular ha pasado a formar parte de los programas educativos de las
academias y han alcanzado gran reconocimiento de las elites.
De cualquier manera, en el imaginario social se sigue distinguiendo entre ambos.

Conozcamos algunos elementos distintivos.
Música académica
La música académica corresponde a aquella que ha sido creada a partir de un

texto musical, es decir, a partir de una partitura que sigue un conjunto de reglas
de composición y estilo claramente delimitados dentro de la academia.
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De acuerdo con la formación de instrumentos, la música se puede clasificar en:
Música coral (canto monódico y polifonía);
Música de cámara (de dos instrumentos en adelante);
Música orquestal;
Música electrónica.
De acuerdo con su función puede clasificarse en los siguientes géneros:
Música sacra: se refiere a aquellas que cumple una función dentro de una
determinada religión.
Música litúrgica (estrictamente para la misa);
Música religiosa (destinada a actividades de devoción o promoción de la fe fuera

del contexto litúrgico).
Música dramática: se trata de géneros musicales concebidos para representarse

sobre la escena, combinando elementos como actuación y danza.
Ópera;
Ópera bufa;
Singspiel;
Zarzuela;
Opereta;
Música para ballet; etc.
Música incidental: es la música que se compone para acompañar las diferentes

atmósferas que se producen en una obra. Incluye la música para teatro, videojuegos
y producciones audiovisuales (cine y televisión).
Música para la contemplación y el entretenimiento:
Conciertos (para orquesta o para instrumento solista);
Arias de concierto (para el lucimiento del cantante);
Lead o canción;
Danza y contradanza;
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Minueto;
Sonatas;
Sinfonías.
De acuerdo al estilo dominante en un contexto histórico, la música se puede

clasificar en:
Música medieval;
Música renacentista;
Música barroca;
Clasicismo musical;
Romanticismo musical;
Post-romanticismo musical;
Impresionismo musical;
Dodecafonismo;
GENEROS MUSICALES
Los géneros musicales son una clasificación academicista de música según

determinados aspectos. Se valora la instrumentación y la función de estas obras.
Más tarde se incorporan criterios como características culturales, contexto histórico-

geográfico o estilo. La clasificación divide los tipos de música según instrumentación
en música vocal o instrumental y según la finalidad de la obra: música religiosa,
profana, dramática.
Blues Folk Pop Rock
Corrido Funk Punk Rock and

Roll
Country Gospel Ranchera
Salsa
Cumbia Heavy Metal Rap
Samba
Disco Hip Hop Reggae
Son
Indie Reggaeton
Electrónica
Soul
Jazz Rumba
Flamenco
Tango
Merengue Rhythm
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INSTRUMENTOS MUSICALES
Instrumentos musicales. Son utensilios con los que

se puede interpretar Música. Los hay de muy
diversos tipos, desde los sencillos y pequeños hasta
los grandes y elaborados. La Música no podría
existir sin instrumentos. Aunque la voz es un
instrumento natural que tienen los seres humanos,
la Música jamás podría haber evolucionado tanto a
lo largo de los siglos de no haber sido por todos los
demás instrumentos musicales que la humanidad
ha ido inventando.
Historia
El cuerpo humano, generando sonidos vocales y

percusivos, fue, probablemente el primer
instrumento del que la humanidad tenga referencia.
Se ha especulado sobre la capacidad del homo habilis de agregar sonidos de modo
idiófonos a impulsos de expresión emocional motriz, como en la danza, empleando
diversos medios como piedras, troncos huecos, conchas, brazaletes y dientes de
animales. Excavaciones arqueológicas han encontrado aerófonos de filo de
huesos de treinta mil años de antigüedad. Las cañas de bambú, los cuernos de
animales, dentro del grupo de los aerófonos, se consideran los instrumentos
antecesores de esta clasificación. La gran cantidad de instrumentos musicales de
viento, cuerda, percusión encontrados en las excavaciones arqueológicas de todas
las grandes civilizaciones antiguas y la extensa documentación pictórica y literaria
coinciden con la gran importancia que la Música ha tenido para el ser humano. En
tiempos del Egipto Ptolemaico, el ingeniero ctesibios desarrollo el órgano hidráulico,
destinado a producir melodías con gran volumen sonoro que podía ser empleado
en funciones circenses al aire libre.
Clasificación
La clasificación usual de los instrumentos se divide en dependencia de las

vibraciones que producen, respectivamente por, una columna de aire, una cuerda
y una membrana o alguna otra superficie. Se ordenan, dependiendo de cómo
están fabricados y de cómo producen su sonido:
Instrumentos de cuerda
Instrumentos de viento
Instrumentos de percusión
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Instrumentos de cuerda
Son aquellos en los que el sonido se produce gracias a la vibración de una cuerda.
Se dividen en varios tipos:
• Instrumentos de cuerda frotada: El sonido surge cuando se frotan las

cuerdas con un arco, que es una vara de madera que tiene, de lado a lado,
un conjunto de crines de caballo. Son estas crines las que rozan las cuerdas
para que el instrumento suene. Los más representativos son el violín,
la viola, el violonchelo y el contrabajo; todos ellos tienencuatro cuerdas.
El violín es el más pequeño y el más agudo; le siguela viola, que es
algo más grande y un poco más grave; el siguiente esel violonchelo, y
el más grave y grande de todos es el contrabajo.
Cuerdas
Los instrumentos de cuerda frotada son los más numerosos en las orquestas.
• Instrumentos de cuerda pulsada: En este caso, el sonido se produce cuando

se pellizca o se pulsa la cuerda con los dedos o con un plectro, también
llamado púa, que es una pequeña pieza plana. Los instrumentos más
conocidos de este tipo son el arpa y la guitarra, tanto la clásica como la
eléctrica o la acústica. No obstante, hay muchos instrumentos de esta
categoría que son tradicionales de muy distintos países del mundo; por
ejemplo, el laúd o la balalaica. Dentro de este tipo, también se puede hablar
del clavicémbalo, antecesor del piano actual, en el que las cuerdas sonaban
gracias a un mecanismo que las pellizcaba.
• Instrumentos de cuerda percutida: La principal figura de este tipo esel

piano. En este caso, las cuerdas son golpeadas por unos macillos que están
unidos a las teclas a través de un complicado mecanismo.
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Instrumentos de viento
El Sonido se produce por la Vibración del aire que entra dentro del instrumento
cuando el intérprete sopla. Al igual que sucede con los instrumentos de cuerda,
también se dividen en distintas categorías:
Clarinete
• Instrumentos de viento-madera: Se denominan así porque están construidos

o en su origen se construyeron con Madera. Las dimensiones del
instrumento, el Espacio que ocupa el aire en su interior y el tipo de
Boquilla (la parte del instrumento por donde sopla el intérprete) son los
elemetos que determinan su sonido. Los instrumentos de viento-madera que
participan, normalmente, en una orquesta son la Flauta, el Clarinete,el
Oboe y el Fagot. También el Saxofón entra dentro de esta categoría, ya que,
aunque está fabricado con Metal, la boquilla es muy parecida a la del
Clarinete.
• Instrumentos de viento-metal: Son los instrumentos de viento que están

construidos de Metal. El intérprete, mientras sopla por una embocadurapara
introducir aire, debe hacer vibrar a la vez los labios. Asimismo, el espacio que
ocupa el aire en el interior del instrumento se puede modificar con unos
mecanismos llamados pistones, o, en el caso del Trombón, con una vara
metálica alargada. Con esto se consiguen las distintas Notasmusicales. Los
instrumentos orquestales de este tipo son la Trompa, la Trompeta, el
Trombón y la Tuba.
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Instrumentos de percusión
Se trata de instrumentos en los que el Sonido se produce al golpearlos o agitarlos.

Son los más antiguos que se conocen, y hay multitud de tipos diferentes por todo
el mundo. Al igual que sucede con la categoría anterior, también se dividen en dos
ramas:
• Instrumentos de percusión de altura determinada. Esto quiere decir que con

ellos se pueden interpretar Notas musicales exactas, como sucede con todos
los instrumentos que se han citado con anterioridad. Los más importantes
dentro de la orquesta son los Timbales, que desde el siglo XVII han
desempeñado un papel muy importante en la Música clásica. Son
instrumentos muy grandes, que se componen de una estructura metálica con
un parche de Piel o de Plástico en la parte superior. Otros instrumentos de
este grupo son el Xilófono, el Gong, los Crótalos,la Marimba o la
Celesta. Este último se toca con un Teclado parecido al de un piano. El
Gongproviene de Asia, y es un enorme disco metálico que se cuelga y se
golpea con un mazo. El Xilófono y la Marimba se componen de una serie de
láminas de Madera de distinta longitud que, al golpearlas, producen las
diferentes Notas musicales.
• Instrumentos de percusión de altura indeterminada. Con ellos no se pueden

interpretar Notas musicales. Lo importante, en este caso, es el tipo de Sonido
particular que emite cada instrumento. Algunos ejemplos son la Pandereta,
los Bongós, el Bombo, la Caja y el Tambor. Todos ellos tienen una
membrana que se golpea para producir el Sonido. También lo son las
Castañuelas, las Maracas o el Triángulo. Aunque muchos de ellos son
utilizados para acompañar la Música popular de distintos países, también se
emplean con frecuencia en las orquestas. La Batería es un instrumento muy
importante dentro de este grupo. Durante los siglos XX y XXI ha
formado parte de casi todos los grupos musicales de Rock, Jazz, Pop y
otras corrientes modernas. En realidad, se trata de varios instrumentos en
uno solo, ya que se compone de una Caja, Platillos, unos Timbales y uno o
dos Bombos. A veces, incluso, se añaden más.
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¿Tiene sentido cantar a las plantas

LECTURA:
para que crezcan más?
Aunque no se ha comprobado que la música estimule el crecimiento de las plantas, varios

estudios evidencian que las plantas son capaces de detectar el sonido e incluso de
diferenciar entre varios tipos de sonido.
Muchas creencias populares son simples supersticiones sin ningún tipo de base científica.
En cambio, otros dichos populares describen grandes verdades como resultado de la
experiencia, aunque no se conozca la explicación o la causa. Todos hemos oído alguna
vez que cantar a las plantas hace que crezcan mejor, y hasta ahora pensaba que este
dicho pertenecía al grupo de las supersticiones sin fundamento. Sin embargo, un estudio
reciente que ha recibido bastante atención mediática (1) y un breve repaso a la bibliografía
científica me han hecho cambiar de opinión: las plantas oyen.
El sonido consiste en la propagación de ondas por el aire o por otro material. Los humanos
oímos sonidos dentro del rango de frecuencias 20-20.000 Hz, es decir, desde 20 ondas por
segundo hasta 20.000 ondas por segundo. Los ultrasonidos son los que tienen frecuencias
superiores a 20.000 Hz.
Durante los años 50 y 60 se realizaron un gran

número de estudios sobre los efectos de distintos
tipos de música sobre el crecimiento de las plantas,
exponiéndolas a música clásica, rock, folk... a
varios volúmenes. Los resultados de estos
estudios eran muy contradictorios, pues mientras
algunos observaron grandes cambios en el
desarrollo de las plantas otros afirmaron que no se
daba ningún efecto.
Posteriormente se llevaron a cabo varios

experimentos aplicando sonidos de una frecuencia concreta y analizando aspectos más
precisos del metabolismo de la planta, y todos los resultados evidencian que las plantas
detectan el sonido e incluso pueden diferenciar entre varios tipos de sonidos (2). Por
ejemplo, se observó que las raíces de maíz crecen hacia una fuente de sonido de 200 -300
Hz, que los ultrasonidos inducen la germinación en varias especies y aceleran el
metabolismo de las raíces de crisantemos, que el sonido audible afecta los niveles de
algunas hormonas, cambia la expresión de determinados genes e induce la formación de
calosa (polisacárido con funciones de defensa y cicatrización). Incluso en un estudio reciente
(3) un grupo de investigación de China sugiere que 3 horas de sonido al día entre 100 y
1.000 Hz aumenta la productividad de tomates, pimientos, pepinos y otras hortalizas.
20
Todos estos estudios ponen de manifiesto que las plantas "oyen", y para poder captar el
sonido necesitan mecanorreceptores. Las plantas no tienen órganos especializados en
captar el sonido, como nuestro oído, sino que la captación de esta señal seguramente tiene
lugar a nivel celular. Algunos investigadores han sugerido que los efectos del sonido se
deben a que las ondas sonoras pueden cambiar la fluidez de las membranas celulares, y
esto afectaría la actividad de varias enzimas y proteínas en las células de la planta. Pero la
teoría más probable es que las células vegetales contienen unos receptores que podrían
estar formados por el citoesqueleto unido a la membrana y a la pared celular, similares a los
mecanorreceptores que hay en bacterias, aunque en plantas no han sido confirmados
experimentalmente.
Si bien el mecanismo no está claro, la función todavía menos. ¿Oír es útil para las plantas?
Por primera vez, un estudio afirma que sí: las plantas pueden oír el ruido que hacen los
insectos al comerse las plantas cercanas y esto les permite prepararse y producir con
antelación más cantidad de sustancias de defensa química (véase la noticia Defensa contra
los herbívoros). Quizá con el tiempo se descubran nuevas funciones de la detección de otro
tipo de sonidos.
Hay que admitir que es poco probable que cantar a las plantas que tenemos en la ventana
durante unos minutos al día las estimule para crecer o florecer mejor, sobre todo si tenemos
en cuenta que hay muchos otros ruidos que las pueden estar afectando: el tráfico, la
televisión, la radio, sonidos de electrodomésticos, etc. Sin embargo, poco a poco vamos
aprendiendo que las plantas se relacionan con el medio ambiente de muchas formas,
incluso oyendo.
2021
LECTURA: CHARLES CHAPLIN: EL GRAN VAGABUNDO DEL CINE MUDO
El Vagabundo fue el alter ego de

Charlie Chaplin, y el personaje más
famoso del actor, guionista y director
del cine mudo.
Charles Chaplin tuvo más de un

nacimiento: el primero fue en Londres, el
16 de abril de 1889. El segundo, el 7 de
febrero de 1914, cuando el actor inglés
interpretó por primera vez al personaje
que le dio fama mundial, el vagabundo
Charlot, durante el cortometraje titulado
Carreras de autos para niños (Kid auto
races at Venice).
Éste fue el segundo cortometraje que

realizaba el actor para la productora
Keystone como parte de un contrato en el
que el inglés debía protagonizar una cinta
a la semana.
El inolvidable vagabundo
Ataviado con zapatos y pantalones varias tallas más grandes, completó el atuendo
de Charlot con un saco y su característico sombrero de bombín. Esta
vestimenta le permitía, por un lado, caracterizarse como un vagabundo y, por otro,
burlarse de la aristocracia al agregarle el sombrero y su ahora famosobastón.
El humor de los cortometrajes de la Keystone se basaba en el infortunio físico:

policías que resbalaban en alcantarillas, el vagabundo que se tropezaba o que
recibía un duro puñetazo en el rostro.
Aunque Chaplin interpretaba todo esto de maravilla, había poco lugar para
que desarrollara su verdadero potencial, en especial el estilo que lo haría famoso
años más tarde, en que mezclaba la comicidad de las situaciones ridículas con
momentos enternecedores que podían arrancar una lágrima a los espectadores.
Mack Sennett, el jerarca de la productora, le daba poca libertad creativa; pero

debido al éxito de sus comedias, poco a poco le otorgó mayor responsabilidad.
22
Luego de una docena de trabajos, el inglés comenzó a dirigir sus propias

películas. Era el inicio de una nueva etapa y desde entonces Chaplin no
volvería a abandonar la silla de director.
Pondría un gran énfasis en la improvisación, y ensayaría incansablemente las

reacciones de sus actores hasta lograr la toma perfecta. Se dice que nunca en su
carrera llegó a trabajar con un guión terminado. Simples esbozos o argumentos le
daban una idea que completaba a medida que filmaba.
Rumbo a Hollywood
Desde niño, Charles Spencer Chaplin estuvo cerca de los escenarios. Su padre,
Charles Chaplin, y su madre, Hanna Smith (cuyo nombre artístico era Lily Harley),
eran una pareja de cantantes que actuaban en los cabarets de la capital británica
cuando tuvieron a su hijo en 1889.
Charles padre era alcohólico y murió de cirrosis a los 37 años de edad. Fue por
esas fechas que el pequeño Charles debutó en los escenarios. Su madre enfermó
antes de una presentación, y el niño, de apenas siete años de edad, interpretó una de
sus canciones. El público quedó cautivado, de tal manera que desde ese día, según
se dice, Hanna se retiró de los escenarios y dejó al pequeño la tarea de actuar.
Sin embargo la madre y sus dos hijos, Charles y su medio hermano Stanley, eran
muy pobres. En su autobiografía, Chaplin recuerda que apenas tenían para comer
y que Stanley andaba sin zapatos por las calles de su barrio, el Lambeth.
Ahogada por deudas y debilitada por la mala alimentación, Hanna enloqueció y fue
internada en un manicomio. Charles tenía 14 años y a partir de aquel día, él y
Stanley debieron arreglárselas por sí mismos.
Las primeras actuaciones del futuro cineasta fueron en los mismos teatros de
variedades donde sus padres solían actuar, varias de ellas con el sobrenombre de
Sam Cohen.
Mientras tanto, Stanley había conseguido un lugar en la prestigiada compañía del

empresario de espectáculos Fred Karno. Pronto, Stanley recomendó a su
hermano para que se integrara a la troupe.
En su nuevo trabajo, Charles se enfocó en la pantomima, rubro que sería clave

para su futuro éxito. Firmó su primer contrato y un año después fue parte de
una gira por Estados Unidos.
Charles Chaplin: el gran mimo
23
Pero el cine evolucionaba, y los cortometrajes cedieron su lugar en la preferencia

del público a los largometrajes, películas con duración de más de una hora.
En 1921 se estrenó́ El chico (The Kid), su primer largometraje, donde el actor

encontró al complemento ideal en el pequeño Jackie Coogan, quien imitaba
a la perfección los movimientos del cómico. Es aquí donde se aprecia con
totalidad la exitosa fórmula que Chaplin aplicaría en sus siguientes películas: una
historia cómica con toques de melodrama, con un equilibrio que pocos han podido
conseguir en la historia del cine.
La imagen del vagabundo sentado al lado del pequeño se volvió una de las
postales más recordadas en la historia del cine.
Charles Chaplin cumplía su primera década en el medio cinematográfico, años

durante los cuales no tuvo un día de descanso. Fueron 69 películas en las que actuó
de 1914 a 1923, periodo que culminó con su segundo largometraje, Una mujer
de París (A Woman of Paris), la cual no tendría el éxito de El chico pero serviría
para cerrar una primera etapa con un éxito sin precedentes e iniciar el periodo que
lo consagraría.
Además de actuar y dirigir, también producía y musicalizaba varias de sus películas.
24
ARTES PLÁSTICAS
¿Qué son las Artes Plásticas?
Cuando hablamos de artes plásticas, nos referimos a las técnicas de elaboración

de obras de arte en las cuales se utilizan materiales y elementos susceptibles de
ser moldeados, modificados o transformados por el artista. Dichos elementos se
consideran por ende recursos plásticos, ya que le sirven al artista de materia prima
para expresar su perspectiva, imaginación o visión específica de lo real.
Este término es empleado en Bellas Artes para diferenciar a las artes visuales,
que deben ser percibidas por la vista del espectador, de las que involucran también
el sentido del oído (música, texto recitado), como las artes escénicas. Así, se
consideran artes plásticas a la pintura, la escultura, el dibujo, la arquitectura, el
grabado, la cerámica, la orfebrería, artesanía y pintura mural.
Es muy usual que los artistas plásticos, sobre todo en la exploración temprana de
su talento, se avoquen a diversas disciplinas plásticas al mismo tiempo, ya que las
artes plásticas parten de principios y aspectos comunes entre sí, como lo pueden
ser la forma, la textura, el color o, inclusive, el movimiento.
Las artes plásticas ocupan actualmente uno de los principales rubros artísticos de
los museos, y son, junto con las artes escénicas, la literatura, el cine, la música y
la fotografía, las máximas expresiones contemporáneas del arte.
Historia de las artes plásticas
La noción de artes plásticas surgió durante el siglo XIX, como se ha dicho ya, para
distinguirlas de las artes escénicas. Sin embargo, durante el siglo XX la noción de
arte entró en conflicto y reformulación tantas veces que las artes plásticas
incorporaron propuestas expresivas como el grafiti y arte urbano (street art) o el
ready-made herencia del pop-art.
Este último tipo de objetos artísticos, sobre todo, que no recibían mayor intervención
del artista, sino que eran trasladados por él hasta el museo y extraídos de su
contexto, forzaron a la utilización del término “artes visuales” en lugar de “artes
plásticas”, para darles cabida en esta categoría. El video, la fotografía y el arte
digital, de esa manera, tuvieron también cabida en ella.
Características de las artes plásticas
Como se dijo antes, las artes plásticas comparten ciertos conceptos básicos que
determinan su manera particular de expresar sus contenidos, y que son:
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Color. Los colores se le dan a las obras de arte mediante pigmentos y materiales
que, al ser impactados por la luz blanca, absorben todos los tonos del arcoíris
menos uno. Dicho color reflejado es el que perciben nuestras retinas.
Forma. La forma tiene que ver con la geometría de las cosas, con su regularidad o
irregularidad, con sus límites perceptibles a simple vista.
Textura. La textura es apreciable mediante el tacto o también la vista, y tiene que

ver con la superficie de los objetos: su rugosidad o su lisura, su filo o las sensaciones
que transmite su capa externa.
Movimiento. En algunos casos, las obras plásticas pueden contar con movimiento,
como es el caso de artistas como el argentino Julio LeParc, cuyas esculturas podían
ser activadas por electricidad para transmitirle al espectador formas y colores
hipnóticos.
26
Arte Prehistórico
El arte prehistórico comprende el conjunto

de las manifestaciones humanas con valor
artístico llevadas a cabo antes de que
aparecieran los primeros textos escritos.
Sus muestras más abundantes e
importantes se centran en el continente
europeo, donde puede seguirse la
evolución artística a lo largo de miles de
años.
Cronología del arte prehistórico
Paleolítico: las más antiguas manifestaciones artísticas datan de este periodo en

el que, después de la última glaciación, hace unos 11000 años, apareció el Homo
Sapiens. Se trataba fundamentalmente de amuletos y objetos rituales, dotados de
expresividad y que mantuvieron una gran uniformidad en su estética, durante miles
de años y en lugares muy alejados entre sí.
Revolución neolítica: se produjo entre el 7000 y el 6000 a. C. y con ella la

sedentarización, la estratificación social y la ordenación de los primeros sistemas
de creencias. En el ámbito artístico, ello dio lugar a la aparición de representaciones
humanas, tanto pictóricas como escultóricas, y a las primeras formas de cerámica.
Edad de los Metales: hacia el 4500 a. C. tuvo lugar el descubrimiento de las

técnicas de fundición, con lo que se iniciaba la Edad de los Metales. Junto a la
aparición en esta época de nuevos objetos decorados como espadas, cascos,
brazaletes, etc., se generó una nueva espiritualidad relacionada con el culto al Sol
y que determinó la aparición de los monumentos megalíticos. Esta edad se divide
en Edad del Cobre (4000-2000 a. C.), Edad del Bronce (2000-1000 a. C.) y Edad
del Hierro (1000-siglo III a. C.).
Los monumentos megalíticos de la Edad de los Metales
El culto al Sol y a la naturaleza y los rituales funerarios determinaron que en la Edad

de los Metales se realizasen numerosas construcciones megalíticas.
• El menhir, piedra alargada clavada en vertical.
27
• El dolmen, formado por piedras verticales que sujetan una losa horizontal.
• El crómlech, círculo formado por menhires y dólmenes.
• Las alineaciones, largas hileras de menhires situadas junto a una tumba.
• Las taulas y talayotes (torres de poca altura), losas horizontales con un solo
apoyo vertical, y las navetas, cúpulas en forma de nave invertida.Todas ellas
son específicas de las islas Baleares.
Arte Prehispánico
El arte prehispánico se usa para hacer referencia al arte que existía en América
mucho antes de que los españoles llegaran, a las expresiones materiales
desarrolladas por las culturas anteriores a la llegada de los españoles a América.
Este concepto se refiere principalmente a todos los estilos de arte que había antes
de que los españoles conquistaran una gran parte de América. Cuando hablamos
del arte prehispánico nos referimos a todos los estilos de arte que surgieron antes
de 1492, ya que en América existían diferentes culturas y cada cultura tenía
diferentes tipos de representaciones artísticas.
Su mayor característica es que tiene una función principalmente mítica de

ratificación de la sociedad que la origina.
Se puede considerar que la etapa de América prehispánica era aquella posterior a

la llegada de colón y en la cual se encontraban las primeras civilizaciones que se
ocuparon toda América central, una gran parte de México, en Yucatán y en
Guatemala, aunque estas poblaciones también se pudieron ver en otras regiones.
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¿Qué culturas comprendían el arte prehispánico?
• Cultura Maya, Cultura Olmeca, Cultura Azteca, Cultura Tolteca, Cultura

Zapoteca, Cultura Teotihuacana, Cultura Mixteca, Cultura Totonaca,
Cultura inca:
Cronología del arte prehispánico
Existen algunos periodos que caracterizan a este estilo de arte entre estas etapas
o periodos podemos destacar:
Etapa preclásica, Etapa clásica, Etapa posclásica
Tipos de disciplinas dentro del arte prehispánico
Existieron varias disciplinas dentro de este estilo de arte entre ellas las más
destacadas fueron la cerámica, la Litoescultura y la Textilería. Aunque también
destacaron las comunes disciplinas que fueron la Pintura, la Arquitectura y la
Escultura. Dentro de las nuevas disciplinas tenemos que destacar:
Cerámica: fue el material más utilizado, ya que según los arqueológicos las obras
más encontradas fueron realizadas con cerámica.
Litoescultura: la litoescultura se inició con las manifestaciones artísticas y culturas

que hubo en esa época. El templo fue el principal centro y con el existen dos tipos
o fases que son: el templo viejo y el templo nuevo.
Textiles: en los textiles los artistas prehispánicos creaban obras sofisticadas y

muy originales y creativas. Estos efectos de creatividad y sofisticación se daban por
la finura que tenían los hilos, por los colores utilizados, entre otras cosas. En lagran
mayoría de los textiles se representaban el mundo natural y el universo mental que
poseía el artista.
29
Arte Clásico
Arte clásico: El Arte clásico y la Cultura clásica es el nombre que se da a las

producciones intelectuales de la Antigüedad clásica, es decir: el Arte griego y el Arte
romano, o la cultura grecorromana, que en el Renacimiento eran consideradas
clásicas, es decir, dignas de imitación (mímesis).
Incluyen las distintas formas de la literatura griega y la literatura latina (como la

poesía, el teatro, la historia y la filosofía) y también todas las bellas artes
(extendiéndose a veces a toda la cultura material).
Sus límites temporales son tan imprecisos como los de la edad que le corresponde:
del siglo VIII a.C al siglo V d.C; o bien terminando en el siglo III dC (pues desde el
siglo IV dC comenzaría la hegemonía cultural del cristianismo); o bien comenzando
en el III milenio a.C (incluyendo así la civilización minoica y la civilización micénica).
Personalizando en dos autores, la cultura clásica iría desde Homero hasta Apuleyo;
en dos obras, desde el palacio de Cnosos hasta la Columna Trajana.
En Grecia, se reserva el nombre de periodo clásico al que se conoce como siglo

de Pericles (de mediados del siglo V a.C a mediados del siglo IV a.C), mientras que
para Roma se hace lo propio desde los últimos siglos de la República romana (siglo
II a.C) hasta los primeros siglos del Imperio Romano, con los Antoninos(siglo II
d.C).
30
Arte Medieval
Es una etapa de la historia del arte que cubre un prolongado período para una
enorme extensión espacial. La Edad Media -del siglo V al siglo XV- supone más de
mil años de arte en Europa, el Oriente Medio y África del Norte. Incluye distintos
períodos, cuya valoración estética, sujeta a cambiantes criterios, ha venido
emitiendo distintas denominaciones calificativas, que llegan a etiquetar a algunos
como "edades oscuras" y a otros como "renacimientos"; incluye a su vez muy
diferentes movimientos artísticos con distinta difusión geográfica, desde los
llamados "estilos internacionales" hasta las artes nacionales, regionales y locales;
en definitiva, una enorme diversidad en las obras de arte (pertenecientes a los
más diversos géneros) y en los propios artistas (que en la Alta Edad Media
permanecían en el anonimato de una condición artesanal de poco prestigio social,
como los demás oficios establecidos en régimen gremial, mientras que en los
últimos siglos de la Baja Edad Media, sobre todo en el siglo XV, alcanzarán la
consideración de cultivadores de las bellas artes, aumentando en consideración
social y preparación intelectual). El arte Medieval caracterizado por una gran
influencia religiosa.
Arte Renacentista
El cambio de mentalidad trajo consigo un nuevo estilo artístico, el estilo renacentista

que buscaba su inspiración en el arte clásico de la Antigüedad. Los artistas
recuperaron la simplicidad de las formas clásicas huyendo de la decoración
sobrecargada del mundo gótico. El ser humano se convirtió en elcentro del arte y
se preocuparon por plasmar un ideal de belleza.
31
La cultura renacentista se apoya en tres pilares fundamentales: 1) Recuperación del

saber del mundo clásico grecorromano, pues la cultura clásica fue convertida por
los hombres del Renacimiento en un modelo ideal ético, estético y moral.
2) Desarrollo de la doctrina del Humanismo, de la mano de autores como Erasmo

de Rótterdam. El Humanismo considera al ser humano como centro del universo,
superando el teocentrismo medieval. Pico de la Mirandola (1463-1494) es autor del
auténtico manifiesto del humanismo renacentista, el Discurso sobre la dignidad
humana. Pico afirma que el hombre "el más feliz de los seres animados [...] es digno
de toda admiración, microcosmos y corazón del mundo". El Humanismo fue un
movimiento pedagógico, literario, filosófico, estético y religioso, que se convirtió en
un modo de pensar y de vivir vertebrado en torno a una idea principal, que es aquella
que indica que "en el centro del Universo está el hombre, imagen de Dios, criatura
privilegiada, digna sobre todas las cosas de la Tierra", según de la Mirandola.
3) Generalización del racionalismo como método científico y filosófico. El

Renacimiento fue un período imbuido por un espíritu convencido del progreso de la
humanidad obtenido mediante el pensamiento racional y los avances científicos y
técnicos. Estas ideas conllevaron un progresivo distanciamiento entre la fe y la
ciencia y la proliferación de la investigación en todos los campos del saber.
Figuras representativas de la época
Filippo Brunelleschi
Orlando di Lasso
Leonardo Da Vinci
Da Vinci
Miguel Ángel Bounarotti
Sandro Botticelli
36
32
Arte Moderno
Se denomina arte moderno a una corriente de

renovación artística desarrollada a finales del
siglo XIX y principios del siglo XX, siendo el
más prolífico de toda la historia del arte.
Durante esos años, multitud de tendencias y
movimientos más o menos estructurados se
fueron sucediendo vertiginosamente, con un
carácter internacional.
Denominado a este periodo fin de siècle y

belle époque, pero Según los países recibió diversas denominaciones, como Art
Nouveau, en Bélgica y en Francia, Jugendstil , en Alemania y los países nórdicos
y Austria, Modern Style, en los países anglosajones, Nieuwe Kunst, en los países
Bajos y Liberty o Floreale, en Italia.
Se buscaba crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que rompiera con los estilos
dominantes en la época, tanto los de tradición academicista como los rupturistas y
se trató de crear un arte de inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban
novedades derivadas de la revolución industrial, con materiales como el hierro y el
cristal.
Características del arte moderno:
• Se inspiraban en la naturaleza y usaban elementos de origen natural pero

con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico
entrelazándose con el motivo central.
• Se usaba la línea curva y la asimetría, tanto en la plantas y alzados de los

edificios como en la decoración.
• Había una tendencia a la estilización en los motivos y menos su

representación realista.
• Se utilizó imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con claro

énfasis en las ondas de los cabellos de las mujeres y en los pringues de
sus vestidos.
• Tenían una tendencia a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos,

llegando incluso al erotismo.
• Había una gran libertad en el uso de los motivos exóticos un gran ejemplo
era el uso de estampas japonesas.
33
Arte Contemporáneo
El arte contemporáneo, explicado técnicamente,

es un concepto que se utiliza para denominar de
manera general a las expresiones artísticas
originadas durante el siglo XX, es decir, de una
manera más coloquial podríamos decir que el
arte contemporáneo es el que está realizado en
nuestra época, pero esto es dependiendo de la
persona que hable de él ya que hay varias formas
de entender este concepto. Para algunas
personas este concepto surgió en las última década, para otros este concepto se creó en
la Segunda Guerra Mundial (1945), también hay personas que creen que este concepto
se desarrolló en la Edad Contemporánea (finales del siglo XVIII). Por lo tanto, todo depende
de quién utilice este concepto ya que mucha diversidad de opiniones en el origen de este
concepto. Uno de los criterios juzga como contemporáneo aquel arte surgido a partir de la
eclosión vanguardista de los inicios del siglo XX. Estas propuestas artísticas, se
distinguieron por presentar una serie de ideas que revolucionaron la institución del arte,
como la ruptura con los modelos tradicionales o su carácter crítico y experimental, tenemos
de ejemplo los movimientos artísticos contemporáneos como el fovismo, el expresionismo,
el cubismo, el futurismo, el neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo.
Etapas del arte contemporáneo
Podemos observar estas etapas a través de los años entre las que están:
• El informalismo: en paralelo son el expresionismo abstracto de Estados Unidos

y abarca todas las tendencias abstractas y gestuales desarrolladas en francia y en
el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial. Se distinguen varias
corrientes diferentes como la abstracción lírica, la pintura matérica , la Nueva
escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut.
• El Pop: fue un movimiento artístico del S.XX su característica más importante es el

empleo de imágenes de la cultura popular, como los anuncios publicitarios,
cómic books, el mundo del cine, entre otros. El arte pop, buscaba utilizar imágenes
populares en oposición a la elitista cultura de bellas artes, resaltando lo banal a
través del uso de la ironía.
• Desconstrucción y Postmodernidad: se caracteriza por su oposición alproyecto

del arte moderno visto como una evolución, como un reflejo de la sociedad que lo
envuelve y lo genera rechazando el principio programático del arte de vanguardia,
asumiendo el fracaso de los movimientos de vanguardia, siendo un arte
autorreferencial, el arte habla del arte, sin pretender hacer una labor social
34
LECTURA: ¿QUIÉN FUE MATA HARI? EL MISTERIO HECHO

MUJER
El rostro perfectamente maquillado, esbozando una sonrisa. Mata Hari hizo su

gran debut ante la sociedad francesa el 13 de marzo de 1905 en el Museo Guimet.
El día 18 de ese mes la reseña del espectáculo apareció en el periódico Le
Presse:
“MATA HARI ES ABSARAS, HERMANA DE LAS NINFAS, DE LAS ONDINAS,

DE LAS VALKIRIAS Y DE LAS NÁYADES, CREADAS POR INDRA PARA LA
PERDICIÓN DE LOS HOMBRES Y SABIOS”.
Otros medios impresos también quedaron boquiabiertos por la exuberancia y

sensuales movimientos de esta bella mujer proveniente de la India cuya familia la
había iniciado desde pequeña en las artes de la danza. Pero todos estaban
engañados; en ese momento nadie se percató́ de que esa hermosa joven en
realidad era holandesa.
El deseo de sobrevivir
Margaretha Geertruida Zelle nació el 7 de agosto de 1876. Su padre, Adam Zelle,

fue un excéntrico sombrerero que quedó en la ruina en 1889, cuando suhija
tenía 12 años; dos años más tarde su madre falleció, y se fue a vivir con su tío.
A los 15 años, él la matriculó en una escuela de formación de maestras de

preescolar, pero la joven no terminó el curso.
35
Un día en el periódico Nieuws van Der Dag leyó un anuncio del capitán Rudolf
McLeod, quien buscaba a una mujer que lo acompañara durante su nueva misión
en las Indias Orientales holandesas.
Margaretha, de entonces 18 años de edad, le escribió de inmediato y

concertaron una cita, y otra… y otra. Margaretha se embarazó antes de la boda,
apresuró los preparativos de la unión y se casó con McLeod, quien tenía 39 años.
La luna de miel fue brevísima; se mudaron a Java, Indonesia, donde McLeod ‘perdía
la cabeza’ cada vez que otro hombre volteaba a ver a la madre de sushijos
Norman y Louise.
Borracho y voluble, el capitán terminó de enloquecer cuando en 1899 su

primogénito murió, supuestamente envenenado por uno de sus sirvientes. Su
locura llegó a tal grado que Margaretha afirmaba que le había arrancado el pezón
izquierdo de una mordida.
Tras el divorcio en 1903, dejó a su hija con el capitán, regresó a Holanda y

después se mudó a París.
La transformación empezaba
Volvió a Europa con la cabeza repleta de cuentos, de historias mágicas que

tiempo después se convertirían en el marco referencial de su juventud y niñez
inventadas; y con el cuerpo fundido con los bailes y los velos que la caracterizaron
hasta sus últimos días.
Sus primeros trabajos en la Ciudad de las Luces fueron poco glamorosos; Lady
McLeod, como se hacía llamar en ese momento, montaba a caballo en los circos y
se alquilaba como modelo para los artistas.
Nace una leyenda
Fue en 1905 cuando adoptó el nombre de Mata Hari (en indonesio significa “hija
del amanecer”), y tras ese célebre debut en el Museo Guimet, se convirtió en
sinónimo de fascinación.
La historia de su niñez era tan confusa y elaborada que no hubo quien no creyera
que la dama provenía de otras tierras.
Así como sus movimientos y sus desnudos casi totales (nunca exhibió sus senos
a causa de la supuesta mordida, pero el pintor Gustave Guillaumet, quien la
vio completamente desnuda, decía que sus diminutos senos tenían un
aspecto macilento) hicieron que los hombres de la alta sociedad parisina quisieran
compartir el lecho con ella.
36
Su presencia fue solicitada en Roma y Berlín. Esta segunda ciudad se convirtió en

1907 en el hogar de la cortesana. Y a pesar de que era sabido que no deseaba
regresar a París, volvió meses después y alquiló la Villa Rémy, en Neuilly, 11 de la
calle Windsor.
Su debilidad eran los hombres de uniforme militar y poco importaba si eranjóvenes

o viejos.
Una espía
Estaba por casualidad en Berlín cuando comenzó la Gran Guerra; daba una
función en el Teatro Metropole. Fue antes del otoño de ese año cuando Vadim
Masloff la convenció de espiar a los franceses y la convirtió en la agente H-12.
A mediados de 1915 estaba en París, en el Élysée Palace Hôtel, donde se

hospedó durante la última etapa de su vida.
Fue justo en Francia donde el capitán Georges Ladoux, quien estaba al frente del
Servicio de Espionaje y Contraespionaje, le pidió espiar a los alemanes; Hari aceptó.
En diciembre de 1915 ya se sospechaba de su función en la guerra. El Servicio

Británico de Inteligencia la atrapó en el puerto Folkestone, y tras un interrogatorio
a cargo del capitán S. S. Dillon, la dejaron ir.
Mata Hari no tenía las cualidades para ser una espía. Nunca pasaba
desapercibida, todos sabían quién era, la volteaban a ver y la cortejaban.
Los años de la guerra los pasó viajando entre Berlín, París, España e Inglaterra.
Sus viajes la pusieron en la mira, al igual que su estadía en Holanda, la cual fue
de las más comentadas durante su eventual juicio, aunque la bailarina afirmó que
estuvo allí para reanudar sus relaciones amorosas con su antiguo amante, el
barón Van der Kappelen, coronel del segundo regimiento de húsares.
A finales de 1916 los alemanes le dijeron a sus agregados españoles que estaban
pagando demasiado por la información de Hari, así que la mandaron de regreso a
Francia con un cheque de 5,000 francos.
El adiós de la hija del amanecer
A su regreso a París la capturaron, el 12 de febrero de 1917.
Se cree que Ladoux ordenó su detención y que el mayor Arnold von Kalle la
entregó.
37
La bailarina pasó ocho meses en la prisión de Saint Lazare, y su juicio fue extenso y
dudoso –incluso en 2001 la Fundación Mata Hari intentó reabrir el proceso–.
En su expediente, la profesión que le asignaron fue cocotte (prostituta). En un

reporte que la Inteligencia francesa compartió con la inglesa y que fue publicado
en la BBC se mencionó:
“Mata Hari hoy confesó que el cónsul Cremer de Amsterdan la comprometió

con el servicio secreto alemán. Ella admitió haber mandado ‘información
general de todo el tipo que podía conseguir’, pero no mencionó secretos
militares”.
Hari fue condenada a muerte. El día de su ejecución, el 15 de octubre de 1917, Hari

se despertó antes del amanecer, se maquilló, se puso las mejores prendas
disponibles, desayunó y partió junto con una comitiva a Vincennes.
Según el recuento de Henry Wales, publicado el 19 de octubre de 1917 a través

del Servicio Internacional de Noticias, Mata Hari se despidió del padre Arbaux, quien
le dio la última bendición, y solicitó que no le taparan los ojos.
Minutos después una de las mujeres espía más famosa del siglo XX yacía en el
suelo. Nadie reclamó su cuerpo.
¿Donde está la cabeza de Mata Hari?
Tras su muerte, le cortaron la cabeza y la momificaron. Según los registros del

Museo de Anatomía de París, llegó a su
colección de más de 100 cabezas momificadas,
en 1918.
Fue hasta el año 2000 cuando el Ministerio de

Educación de Francia amenazó con cerrar el
lugar, que su entonces director, el profesor de
medicina Paul de Saint-Maur, anunció que
faltaba la cabeza de la célebre espía.
Aunque a la fecha no se sabe quién la robó ni

dónde está, se cree que un ‘admirador’ la
‘tomó’ durante la primera mudanza del museo
en 1954.
Aunque el recinto no está abierto al público, el

también conocido como Museo Orfila, ubicado
en la Rué des Saints Perés, en París, admite visitantes previa cita.
38
ELEMENTOS DEL DIBUJO
El punto:
En geometría el punto es uno de los entes geométricos fundamentales, junto a la

recta y el plano. Son considerados conceptos primarios, o sea que no es posible
definir los con el uso de otros elementos ya conocidos. Sin embargo, es posible
elaborar definiciones de ellos, en base a los Postulados característicos, que
determinan relaciones entre los entes fundamentales.
Suele representarse sin relación a otra figura, como una "equis" pequeña, o como
una pequeña línea perpendicular cuando pertenece a rectas, semirrectas o
segmentos y puede notarse con una letra mayúscula de imprenta.
La linea:
Se denomina línea (vocablo de origen latino),

según la Geometría (parte de la Matemática), al
conjunto de puntos, que se disponen de manera
sucesiva y continua, es decir, sin interrupciones.
La línea sólo se vale de una dimensión de las tres
existentes: la longitud.
Podemos nombrar tres posiciones si hablamos

de la relación que se haya entre dos líneas
rectas; éstas pueden ser paralelas,
perpendiculares, u oblicuas, entre sí. Dos líneas
paralelas siempre permanecen equidistantes, lo que significa que se hayan entre
sí a la misma distancia en todos sus puntos; además, no se cruzan nunca. Una línea
recta es perpendicular a otra cuando la corta formando ángulos de 90 º. Las líneas
rectas oblicuas se originan en puntos diferentes, pero luego se cruzan, dando lugar
a ángulos agudos y obtusos (nunca rectos).
39
La línea es, dentro del arte, y más específicamente refiriéndonos al dibujo y a la

pintura, un elemento fundamental con diversas cualidades. La línea posee una
forma, que puede ser recta, curva, ondulada (regular o irregular), o quebrada
(regular o irregular). Existen distintas clases de trazos de líneas, entre ellas la
homogénea, la modulada, la discontinua, y con textura. Además, la línea tiene
posición (vertical, horizontal u oblicua), y espesor.
El plano:
El concepto de plano es uno de los entes geométricos

fundamentales, junto a la recta y el punto. Suelen ser
definidos con base en otros elementos ya conocidos.
Suele representarse el plano como una figura

delimitada por bordes irregulares (no es apropiado
usar bordes regulares porque no es una figura finita,
y puede prestarse a confusión), y puede notarse con
una letra del alfabeto griego. Es bidimensional.
El volumen:
La palabra volumen reconoce un origen latino

(de la palabra “volumen”) con la significación de
rollo; forma en que adoptaban los manuscritos
antiguos, como los rollos de papiro de los
antiguos egipcios. De allí pasó a significar cada
tomo encuadernado de los libros modernos, o
el tomo único de la obra.
Designa también el bulto que una cosa ocupa

en el espacio. Para encontrar el volumen de un
cuerpo se deben multiplicar sus tres dimensiones: profundidad, ancho y alto.
40
El espacio:
El espacio ya fue definido por Aristóteles, como

aquello que es implicado por los cuerpos, o sea, el
lugar que ocupan éstos, su límite inmóvil, siendo la
suma de los espacios ocupados por los cuerpos, el
espacio total, eliminando el concepto de vacío.
Todo espacio contenía un cuerpo. Fue una de las
categorías Kantianas a priori junto con el tiempo,
que daban forma a la materia sensible. Newton nos
acercó el concepto de espacio como sustancia
inmaterial, inmóvil e infinita donde los objetos
materiales flotaban.
¿QUÉ ES COLOR?
El color es una experiencia visual, una

impresión sensorial que recibimos a través
de los ojos, independiente de la materia
colorante de la misma.
El mundo que nos rodea se nos muestra en

color. Las cosas que vemos no sólo se
diferencian entre sí por su forma, y tamaño,
sino también por su colorido. Cada vez que
observamos la naturaleza o un paisaje urbano podemos apreciar la cantidad de
colores que están a nuestro alrededor gracias a la luz que incide sobre los objetos.
El concepto de color varía de acuerdo al ámbito que es utilizada; desde el punto

de vista físico el color es una propiedad física de la luz emitida por los objetos y
substancias. En la química lo describen por medio de una fórmula que representa
una reacción de elementos.
Propiedades
• Tono, matiz o croma: Es el atributo que diferencia el color y por lo cual

designamos los colores: verde, violeta, anaranjado.
• Saturación: Es la intensidad cromática o pureza de un color.
41
• Valor: Es la claridad u oscuridad de un color, está determinado por la

cantidad de luz que un color tiene. Valor y luminosidad expresan lo mismo.
• Brillo: Es la cantidad de luz emitida por una fuente lumínica o reflejada por
una superficie.
• Luminosidad: Es la cantidad de luz reflejada por una superficie en

comparación con la reflejada por una superficie blanca en iguales
condiciones de iluminación.
Colores primarios
Se denomina colores primarios a aquellos colores básicos que no pueden obtenerse

mediante la mezcla de ningún otro, razón por la que son considerados colores
absolutos, singulares y únicos.
Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro
por lo que se consideran absolutos, únicos. Tres son los colores que cumplen con
esta característica: amarillo, el rojo y el azul. Mezclando pigmentos de éstos
colores pueden obtenerse todos los demás colores.
Colores secundarios
Son los que se obtienen mezclando dos los colores primarios al 50 %, obteniendo:
Verde (S), violeta (S) y naranja o
anaranjado).
Los colores secundarios son tonalidades perceptivas de color, que se obtienen

mezclando a partes iguales los colores primarios, de dos en dos. Los colores
secundarios son un modelo idealizado, plenamente dependiente de la fuente que
represente el color, de la naturaleza del material que lo genere y de las
características subjetivas de la percepción visual.
AMARILLO + AZUL = VERDE
AZUL + ROJO = VIOLETA
ROJO + AMARILLO = NARANJA
42
Colores terciarios
Por lo general, los colores terciarios son los que más abundan en la naturaleza,
por ello son usualmente empleados en las pinturas. Los colores terciarios son
prácticamente infinitos, aunque siempre se basan en colores básicos primarios y
secundarios.
Según la teoría del color moderna, los principales colores terciarios son los
siguientes:
• Amarillo + verde = verde pistacho
• Amarillo + naranja = amarillo huevo
• Magenta + naranja = rojo
• Magenta + violeta = morado
• Cian + violeta = añil
• Cian + verde = azul turqués
Significado de los colores
Se ha popularizado el significado de los colores por los estudios en psicología y su

aplicación en el marketing. Algunos de los significados asociados a algunos de los
colores más usados son:
• Rojo: pasión, violencia, fuego, seducción, poder, activo.
• Amarillo: armonía, sabiduría, agilidad, brillante.
• Azul: estabilidad, confianza, masculino, racionalidad.
• Naranja: felicidad, entusiasmo, creatividad, éxito.
• Verde: naturaleza, crecimiento, fertilidad, dinero, aire libre.
• Violeta: poderoso, ambicioso, misterioso, dignidad, rico.
• Rosado: femenino, romance, inocencia, juvenil.
• Negro: poder, lujo, emociones fuertes, conocimiento, sofisticado.
43
TÉCNICAS DE LA PINTURA
Pintura acrílica
En la pintura acrílica los pigmentos se mezclan con una sustancia plástica llamada
polímero de acrílico. Aunque las pinturas acrílicas se disuelven con agua, una vez
secas son resistentes a ella. Este tipo de pintura, surgido en la primera mitad del
siglo XX, seca muy rápido, cambiando ligeramente su tonalidad cuando se fija
definitivamente.
Como decíamos, la pintura acrílica resulta perfecta para aprender a pintar un

cuadro. ¿Por qué? Básicamente por tres razones:
o Seca muy rápido, con lo que podremos «repintar» por encima en

unos pocos minutos en caso de cometer errores.
o Es bastante económica y no requiere de materiales extras.
o Se disuelve con agua. Es fácil de manipular y mezclar.
Pintura al óleo
La pintura al óleo disuelve sus pigmentos en aceites

vegetales. La principal particularidad del óleo respecto
a otras técnicas de pintura es que tarda mucho en
secar. Esto hace que sea genial para realizar mezclas y
trabajar colores, pero puede alargar muchísimo el
proceso.
Este tipo de pintura tiene muchas posibilidades, por eso

es la más utilizada por profesionales del arte. Existen
diferentes métodos y técnicas para pintar al óleo:
• Pintura por capas vs. pintura directa o húmedo sobre húmedo. La

pintura por capas consiste en crear primero capas delgadas y luego ir
engrosándolas, esperando a que la pintura se seque cada vez. La pintura
directa, por su parte, permite terminar el cuadro en una sola sesión ya que
añade pintura capa sobre capa sin esperar a que sequen. Para usar esta
técnica de pintura al óleo es necesario tener mucha experiencia. Grandes
pintores impresionistas como Van Gogh y Monet la utilizaron en sus obras.
44
Acuarela
La acuarela fija los pigmentos en goma arábiga, un

material extraído de las acacias. se disuelve en agua, y su
composición la hace perfecta para adherirse al papel. La
acuarela construye colores claros, poco saturados, yaque
los pigmentos están muy triturados y diluidos.
Pastel
En la pintura pastel, los pigmentos de polvo se

mezclan con resinas, formándose una pasta seca a la
que se le da la forma de un Crayon o cera. De todas
las técnicas de pintura esta es la que peor se adhiere,
aunque el efecto que deja es muy opaco. Se puede
utilizar pintando directamente con una barra de pastel o
emplear el polvo que suelta la barra al utilizarla (similar
a la tiza) para aplicar color.
Gouache
El gouache es una técnica de pintura similar a la

acuarela, también diluida en agua, solo que es menos
transparente que esta porque los fragmentos de los
pigmentos son más grandes. otra diferencia es que
incluyen pigmento blanco, lo que convierte los colores
en más opacos y sólidos.
Aerografía
La aerografía emplea pintura acrílica en aerosol o

esmaltes. Cuando no se emplean difusores, sinoque
simplemente se deja caer la pintura, hablamos de
dripping.
45
Temple al huevo
Aunque parezca mentira, hoy en día se sigue utilizando

la yema de huevo como aglutinante de pigmentos.
Junto al agua y el aceite, este alimento consigue fijar
los pigmentos, habiendo sobrevivido esta técnica de
pintura milenaria hasta nuestros días. Un ejemplo de
obra de arte pintada con la técnica de temple al huevo
es El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli.
Tinta china
La tinta china es, en la mayoría de casos, líquida, aunque a

veces se comercializa en forma de polvo que hay que
mezclar con agua. Se suele trabajar con colores negros y
sepia, y se aplican con una pluma. La tinta china se emplea
para realizar dibujos o caligrafía.
46
LECTURA: 1986: ESTE PEQUEÑO LAGO EN ÁFRICA MATÓ A

1,700 PERSONAS DURANTE LA NOCHE
El 21 de agosto de 1986, uno de los más extraños y misteriosos desastresnaturales

de la historia tuvo lugar en el lago Nyos –– un lago formado en la cima de un cráter
volcánico –– en el noroeste de Camerún.
Sin previo aviso, el lago liberó cientos de miles de toneladas de dióxido de

carbono tóxico. Las estimaciones van de 300 mil hasta 1.6 millones. La nube de
muerte silenciosa se extendió por el campo a casi 100 km /h, sofocando ha un
estimado de más de tres mil 500 animales en cuestión de minutos.
El efecto fue tan devastador como rápido, y con la severidad de una plaga bíblica,
derribó a los lugareños y la vida silvestre dentro de un radio de 25 kilómetros del
lago.
Muchas personas de las aldeas de Cha, Nyos y Subum fueron asfixiadas en

silencio mientras dormían. Algunos fueron encontrados con sangre alrededor de
sus narices y bocas. Cuando los pocos supervivientes que quedaban se
despertaron, no encontraron disturbios, ni violencia, sólo cadáveres. Incluso las
moscas habían caído muertas.
Los periodistas en la zona lo describieron como si estuvieran mirando las

consecuencias de una bomba de neutrones.
47
Joseph Nkwain, quien despertó tres horas después de que la nube golpeara, relató
la experiencia al investigador de la Universidad de Plymouth, Arnold
H. Taylor:
«No pude hablar, me volví inconsciente, no podía abrir la boca, de repente oí

a mi hija roncar de una manera terrible, muy anormal. Al cruzar a la cama de
mi hija, me desplomé y me caí. Mis brazos tenían algunas heridas, realmente
no sabía cómo conseguí esas heridas. Quería hablar, pero mi aliento no salía
… mi hija ya estaba muerta.
Es uno de los eventos naturales más desgarradores de la historia registrada, y

los científicos aún no tienen idea de lo que lo desencadenó.
¿Qué sucedió?
En ese momento, los investigadores determinaron que el lago Nyos había liberado
una cantidad masiva de CO2 alrededor de las 9 pm, y debido a queel CO2 es
más pesado que el aire circundante, rápidamente hundió los valles debajo,
cubriéndolo todo en una hoja de gas tóxico de 50 metros de espesor.
Por lo general, esos cientos de miles de toneladas de CO2 se mantienen

contenidos en el lago, pero esta vez, algo sopló la tapa.
No está claro lo que «rompió el sello» y permitió que el agua profunda y

contaminada se elevara, pero podría haber sido un terremoto, un deslizamiento de
tierra, una erupción volcánica o incluso algo tan simple como corridas pesadas que
confunden los niveles de agua.
El gatillo era silencioso, pero los efectos eran catastróficos
«El lago explotó literalmente en lo que se conoce como una erupción límnica
enviando una fuente de agua a más de 91 metros en el aire y creando un pequeño
tsunami», informó Atlas Obscura.
Una erupción límnica es un extraño desastre natural, en el cual el dióxido de

carbono erupciona súbitamente de las profundidades de un lago, asfixiando
a la fauna, al ganado y a los seres humanos.
Curiosamente, un evento similar ocurrió cerca de dos años antes en el lagoMonoun,

donde una erupción de CO2 mató a 37 personas. Nadie sabe quédesencadenó esa
erupción tampoco.
Para evitar que estos lagos exploten una vez más, en el 2001, los ingenieros
instalaron tubos en ambos para aspirar el CO2 del lecho del lago, y lo liberan muy
gradualmente en el aire.
48
LECTURA: LA LIBÉLULA ESPÍA DE LA CIA QUE FRACASÓ
Durante la década de 1970, la CIA experimentó con un pequeño vehículo aéreo no

tripulado (VANT) espía llamado Insectothopter como una forma discreta para
recopilar información: una libélula espía.
La Guerra Fría estaba en pleno apogeo y la Oficina de Investigación y Desarrollo

de la Agencia Central de Inteligencia de los Estados Unidos (CIA) había
desarrollado un dispositivo de escucha en miniatura.
En forma de libélula llevaba un micrófono con el objetivo de usarlo para espiar

objetivos remotos.
¿CÓMO DEBÍA FUNCIONAR?
Según una descripción de la CIA, se suponía que la libélula espía funcionaba:
▪ Un rayo láser dirigido a una tira bimetálica en la cola del insecto guiaba al
dispositivo.
49
▪ Ese mismo rayo láser actuaba como un enlace de datos para el sensor
acústico en miniatura a bordo de la nave.
▪ Un motor oscilante en miniatura movía las alas.
▪ Por otra parte, la vejiga de combustible contenía un propulsor líquido que,

cuando se mezclaba con un oxidante, generaba empuje adicional.
En condiciones ideales, tenía un alcance de 200 metros y un tiempo de vuelo de

60 segundos.
Sin embargo, el dron no maniobró muy bien, como señala IEEE Spectrum:
«Desafortunadamente, incluso la brisa más suave soplaba al Insectothopter fuera

de curso. No está claro si la guía láser y el enlace de datos se implementaron alguna
vez. En cualquier caso, el Insectothopter nunca voló una misión de espionaje real.»
Sin embargo, décadas más tarde, las libélulas siguen siendo modelos de
investigación populares para VANT.
¿POR QUÉ LA FORMA DE LIBÉLULA ESPÍA?
Las libélulas son ágiles aviadores, capaces de volar, planear e incluso volar hacia
atrás.
Pueden girar 180 grados en tres golpes de ala. El cuerpo de 6 centímetros de largo
del Insectothopter y la envergadura de 9 cm estaban dentro del rango de las
dimensiones reales de una libélula.
Además, las libélulas son nativas de todos los continentes, excepto la Antártida, por
lo que su presencia no sería notable, al menos en la temporada adecuada.
Las agencias de inteligencia de EE. UU. Estaban tan obsesionadas con el espionaje
con drones hace 40 años como lo están hoy en día.
La única diferencia es que en ese entonces, fueron entomólogos y relojerosquienes

se encargaron de construir prototipos.
50
REAPARECE EL PERRO CANTOR DE NUEVA GUINEA DESPUÉS

DE DÉCADAS DE QUE SE CREÍA EXTINTO
UNA SERIE DE INVESTIGACIONES GENÓMICAS REVELARON QUE EL PERRO

CANTOR DE NUEVA GUINEA, CONSIDERADO EXTINTO DESDE HACE
DÉCADAS, AÚN VAGA EN LAS MONTAÑAS ALTAS DE LA ISLA.
El perro cantor de Nueva Guinea es una especie endémica de perro salvaje que
se ha mantenido sin contacto con otras especies caninas desde hace casi 10 mil
años.
Se trata de una de las especies más antiguas conocidas hasta ahora y aunque en
el pasado era común encontrarlos en la mayor parte del territorio de NuevaGuinea,
se han considerado extintos en distintas ocasiones.
Este can posee una habilidad única para aullar de forma similar a un lobo; sin
embargo, es capaz de modular su tono y emitir distintos sonidos armoniosos,
especialmente cuando una jauría está unida y aúlla en grupo, de ahí que sea
conocido como perro cantor.
Desde hace al menos cuatro décadas, las autoridades de Nueva Guinea

aseguraban que el perro cantor había desaparecido de la naturaleza, después
de que el último avistamiento de un ejemplar en libertad sucediera a finales de los
51
70 y sólo quedaran unos 200 perros en cautiverio distribuidos en zoológicos de todo

el mundo.
Sin embargo, un nuevo estudio confirmó que a diferencia de lo que se creía, una
población de perros cantores de Nueva Guinea se mantiene vagando en las
montañas altas de la isla.
Después de distintos reportes que desde 2018 aseguraban el avistamiento de esta

especie en las tierras altas de Nueva Guinea, una investigación publicada en la
revista especializada Proceedings of the National Academy of Sciencestrató de
dar con el animal en cuestión.
Al principio se creía que los avistamientos respondían a otra especie de una similitud
extraordinaria, los perros salvajes de las tierras altas, una clase de perros igual de
esquivos y más antiguos que los cantores que comparten territorio con losprimeros.
Y aunque durante décadas los científicos especularon con el parentesco entre los
perros salvajes de las tierras altas y los cantores, tuvieron que pasar décadas para
comprobar esta teoría: después de que una expedición en 2016 encontrara distintos
ejemplares de perros salvajes de las tierras altas, un equipo de la Universidad
de Cenderawasih tomó muestras de ADN durante 3 años del lugar para probar su
afinidad con los perros cantores.
Para el análisis, la investigación comparó el material genético de esta especie

con el de los perros cantores en cautiverio y después de distintas pruebas, los
científicos descubrieron que a pesar de que poseen pequeñas diferencias
provocadas por su separación durante décadas, se trata de la misma raza.
Por lo tanto, los perros cantores no están extintos en la naturaleza y junto con los
ejemplares de perros salvajes, podrían dar forma a una población cada vez mayor
de la especie.
El hallazgo no sólo demostró las similitudes entre estas especies únicas, que se
mantienen idénticas a como eran hace miles de años, cuando los lobos
evolucionaron en perros domésticos y se crearon los cientos de razas que
conocemos en la actualidad. También permitirá investigar más sobre elmecanismo
que les permite emitir su aullido característico, único en el reinoanimal.
52
LECTURA:TIMIDEZ DE LOS ÁRBOLES, EL INCREÍBLE

FENÓMENOQUE EVITA QUE LAS RAMAS SE TOQUEN
ENTRE SÍ
¿Has notado que algunos árboles parecen evitar tocarse en la parte más alta
de sus ramas? Esta es la explicación:
Los árboles son organismos vivos que responden a su entorno todo el tiempo.
Aunque sus movimientos no son tan evidentes como los de los animales, las hojas
y ramas de cada planta y árbol cambian de posición decenas de veces al día en
busca de luz, calor, humedad y en respuesta a la gravedad, cuando están frente
a un muro o cuando llevan a cabo la respiración vegetal.
Uno de los efectos más evidentes del movimiento de las plantas es la timidez de
los árboles, un fenómeno que se ha observado en distintas especies y consiste
en que los árboles evitan tocarse entre sí, limitando el crecimiento de sus ramas
en la copa. Este margen crea un espacio de algunos centímetros entre las ramas
de cada árbol vecino, provocando ranuras que simulan el cauce de los ríos y otros
cuerpos de agua.
La primera persona en intentar explicar la timidez de los árboles fue el botánico

austrialiano Maxwell Ralph Jacobs en 1955.
A partir de la observación y el estudio minucioso de los eucaliptos, Ralph sugirió

que la separación de unos cuantos centímetros no era producida directamente por
53
los árboles, sino que se debía al roce y la fricción de las ramas cuando chocaban
con el viento.
Sin embargo, su teoría fue desechada posteriormente al notar que ninguna de las
especies que presentan timidez de los árboles llegaba a tocar a un árbol vecino
a lo largo de su desarrollo, sino que mantienen este estrecha separación en la
copa a lo largo de su vida.
Y aunque a ciencia cierta aún no está del todo claro el mecanismo que produce la
timidez de los árboles, la evidencia creciente apunta a que en realidad, se trata de
un mecanismo evolutivo de cooperación que permite la coexistencia de distintos
ejemplares y la posibilidad de alcanzar espacios de luz para continuar su desarrollo,
además de permitir la filtración de los rayos solares al suelo.
Los fotorreceptores podrían jugar un papel crucial en la timidez de los árboles.

Está demostrado que si bien las especies vegetales no poseen un sistema nervioso,
son capaces de percibir otros ejemplares a su alrededor.
Esta teoría se refuerza a partir de los últimos descubrimientos en percepción

vegetal, un campo cada vez más estudiado que demuestra la habilidad de las
plantas para responder de distintas formas a los estímulos del medio, incluso
a depredadores, ejemplares de la misma especie o parásitos que las atacan.
Además, la timidez también puede ser una ventaja evolutiva: al evitar tocarse,
algunos árboles podrían evitar la transmisión de enfermedades o parásitos y
mantenerse libres de ellos durante el resto de su vida.
54
LECTURA: CINTURÓN DE FUEGO, EL LUGAR DONDE NACEN LA

MAYORÍA DE TERREMOTOS EN EL MUNDO
El cinturón de fuego es una larga cadena tectónica de aproximadamente 40 mil kilómetros
que corre por debajo de las costas de américa, asia y oceanía del océano pacífico.
El Cinturón de fuego tiene algunas de las zonas de subducción (donde se hunde una
placa tectónica debajo de otra) más importantes del mundo y su formación es resultado
directo del movimiento y la fricción entre las placas de la corteza terrestre.
A lo largo del Cinturón de Fuego se concentra la gran mayoría de volcanes activos del
mundo (75 %) y casi el 90 % de los terremotos que sacuden al planeta. Todos los países
debajo de los que corre presentan actividad sísmica y volcánica.
¿A QUÉ PAÍSES AFECTA EL CINTURÓN?
El Cinturón de Fuego se extiende por América, Asia y Oceanía involucrando al menos

a 27 países:
Para América, el Cinturón de Fuego pasa casi completamente por Chile y parcialmente por
la Argentina, Perú, Bolivia, Ecuador y Colombia.
En Centroamérica, el Anillo de Fuego alcanza todos los países de la región formando el

arco volcánico centroamericano con Panamá, Costa Rica, Nicaragua, El Salvador,
Honduras, Guatemala y Belice.
Y en Norteamérica, el Cinturón de Fuego del Pacífico bordea la costa oeste de México, los
Estados Unidos y Canadá, para seguir por el estado de Alaska y unirse con Asia en el norte
del Pacífico.
El Cinturón alcanza la costa este de Rusia y continúa por la mayoría del territorio de Japón,
Filipinas, Taiwán, Indonesia, Singapur y Malasia. Finalmente, el Cinturón de Fuegoalcanza
las Islas Salomón, Tuvalu, Samoa y Nueva Zelanda en Oceanía.
¿POR QUÉ SE PRODUCEN TANTOS TERREMOTOS EN ESA ZONA?
Según el Centro Nacional de Prevención de Desastres (CENAPRED), en el Cinturón de

Fuego han ocurrido el 81 % de los terremotos más intensos de la historia.
La razón detrás de esta alta sismicidad se debe a las zonas de subducción, que acumulan
energía que se libera cuando ocurren deslizamientos de algunos centímetros o metros de
una placa tectónica respecto a otra, dando forma a un sismo.
55
MÉXICO EN EL CINTURÓN DE FUEGO
La situación de México como parte del Cinturón de Fuego provoca que el país presente
una alta actividad sísmica y volcánica. Según CENAPRED existen más de 2 milvolcanes
en territorio nacional, de los cuales 48 se mantienen activos.
El Eje Neovolcánico Transversal que parte a México desde el Pacífico y hasta el Golfo
pasando por el centro del país es parte del Cinturón de Fuego del Pacífico.
Esta cadena de volcanes es el hogar de la mayoría de volcanes activos y las cumbres

más altas de México:
▪ Citlaltépetl o Pico de Orizaba
▪ Popocatépetl
▪ Iztaccíhuatl
▪ Nevado de Colima
▪ La Malinche
▪ Paricutín
▪ Nevado de Toluca
La mayoría de sismos en México se deben al Cinturón de Fuego del Pacífico, donde

coinciden cinco placas: la Placa de Norteamérica, la de Rivera, la del Pacífico, la de Cocos
y la del Caribe.
Entre estas cinco placas, la interacción de tres es la responsable de la alta actividad sísmica
en México, provocada por la placa de Cocos y la de Rivera que mantienenun proceso
de subducción
por debajo de la Placa
Norteamericana.
La interacción entrelas
Placas de Cocos y
Norteamérica que ocurre
debajo de Michoacán,
Guerrero, Oaxaca y Chiapas
provoca la mayoría de
sismos en el país; mientras
que el deslizamiento de la
Placa de Rivera debajo de la
de Norteamérica provoca
sismos también en Jalisco y
Colima.
56

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Educación Artística Semestre “A”

Ciclo Escolar 2021/20222

LECTURA: Leonora Carrington: la artista revolucionaria que

La vida de Leonora Carrington es

Nacida en Inglaterra pero

eonora Carrington nació el 6 de abril 1917 en Clayton Green, Lancashire, en el noroeste de

A su regreso al Reino Unido se estableció en Londres, donde en 1936 asistió a la primera

Leonora Carrington llegó a México en 1942, y se enamoró inmediatamente de la escena

Entre este círculo destaca

El arte es la capacidad que tiene un hombre para representar sus sentimientos,

A lo largo de la historia, la palabra arte se ha ido expandiendo por todo el mundo en

En muchos países el arte es uno de los componentes más importantes de la cultura,

No todos los historiadores, filósofos y demás pensadores están de acuerdo en la

¿CUÁLES SON LAS DISCIPLINAS ARTÍSTICAS?

• Arquitectura: La arquitectura se trata del arte de proyectar y concretar las

• Arte corporal: Es aquel donde el cuerpo humano es utilizado como soporte.

• Cinematografía: Es la técnica en la que se muestra un tipo de reproducción

• Dibujo: Es el tipo de arte más conocido y se basa en la representación gráfica

• Escultura: Este tipo de arte se basa en la creación de obras modeladas con

• Fotografía: Esta es una técnica basada en la captura de cualquier tipo de

• Pintura: Es la creación de imágenes por medio de pigmentos de color. Ésta

• Teatro: Es una rama del arte donde un grupo de personas, denominadas

• Canto: En un método de expresión que se realiza haciendo uso total de la

• Música: Es producida por el uso de cualquier tipo de instrumento musical

• Poesía: Se trata de una composición literaria en la que existen varios tipos

MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS: CARACTERÍSTICAS Y TIPOS

Las manifestaciones artísticas son expresiones creativas que, mediante el uso de

La expresión de cada artista, a su vez, es diferente dependiendo de sus

Las manifestaciones artísticas son capaces de emitir mensajes llenos de contenido

He allí su importancia, ya que el manejo de los recursos artísticos hace posible la

La manifestación artística es exitosa cuando el artista logra transmitir su mensaje

Las manifestaciones artísticas se clasifican, básicamente, en cuatro géneros:

La literatura es una expresión artística meramente verbal, que abarca diferentes

La literatura es entendida como una forma creativa de comunicarse mediante la

La música es un arte caracterizado por la emisión de sonidos a través de los

Una de las características más singulares de la música es lo placentero que resulta

3- Expresiones corporales o del espectáculo

La danza es un medio de expresión corporal altamente estético, basado en la

Esta categoría incluye la pintura, la arquitectura y la escultura.

La pintura es ampliamente reconocida por ser una expresión artística meramente

En el caso de la arquitectura, esta es entendida como una expresión artística gracias

La escultura es una expresión artística que consiste en modelar, tallar o esculpir

LECTURA: La moda como arte

Anualmente el Museo Metropolitano de Arte

¿Cuándo puede ser considerada arte una pieza?

Una artesanía es aprendida empíricamente, por tanto es tradicionalista. El arte es libre,

¿Cómo se aplica esto a la moda?

Por otro lado, el arte puede ser un

La música es el arte de crear belleza a través del sonido. Nuestra percepción

El ritmo es el componente esencial de la musicalidad de los sonidos. Y para

Hay registros de la antigüedad en los que aparecen instrumentos rudimentarios

La música obedece a la necesidad del espíritu humano de tener emociones

La música es también un lenguaje, un medio de comunicar sentimientos y

Cada periodo histórico tiene sus propios movimientos musicales y corrientes.Incluso

La historia de cada individuo está vinculada a la música que ha escuchado a lo largo

La música puede clasificarse de muchas maneras, bien sea de acuerdo a la forma,

Un criterio bastante amplio de clasificación es el que distingue entre músicavocal,

La clasificación más generalizada que existe es la que distingue música académica

De cualquier manera, en el imaginario social se sigue distinguiendo entre ambos.

La música académica corresponde a aquella que ha sido creada a partir de un

De acuerdo con la formación de instrumentos, la música se puede clasificar en:

Música coral (canto monódico y polifonía);