TEMA 5 EL SIGLO XIV: EL ARS NOVA

Contexto Tras la estabilidad del siglo XIII, al s XIV le sobrevinieron toda suerte de trastornos y agitaciones. La economía y la población europeas decrecieron, devastadas por el hambre,
la guerra y las epidemias. Conflictos y escándalos mancillaron a la Iglesia y las revueltas desafiaron a las autoridades seculares. Sin embargo el siglo XIV también fue de
creatividad. El deseo de entender y controlar la naturaleza provoco avances en la ciencia y en la tecnología, mientras que un creciente interés por el mundo por el individuo y
por la naturaleza humana condujo a un tipo de arte y de literatura más veraz con mayor deseo de complacer a la audiencia.
Énfasis en la estructura y el placer.
Un tiempo frío redujo la producción agrícola, inundaciones en el noroeste de Europa provocando una hambruna la peste negra y las guerras. La iglesia también entró en crisis,
ahora la supremacía del papa era ampliamente cuestionada. El ambiente de la época esta captado en el “Roman de Fauvel”, poema alegórico narrativo y sátira de la corrupción
política y de la iglesia. Fauvel un caballo que asciende desde los establos hasta una posición del poder, simboliza un mundo puesto del revés, en el que el rey esta
jerárquicamente por encima del papa y Francia corrompida. Fauvel encarna los pecados representados por las letras de su nombre.
Ars Nova es un tratado y Vitry su autor.
Garrit Gallus Época Siglo XIV
Estilo Ars Nova Francés
Género Motete Isorrítmico: composición polifónica del siglo XIV que terminó por usarse como la típica forma de composición para la celebración musical para
importantes ceremonias eclesiásticas y profanas. La isorritmia era una forma de conferir unidad a amplias composiciones que no tenían otra manera eficaz
de organización formal. La isorritmia era una forma de conferir unidad a amplias composiciones que no tenían otra manera eficaz de organización formal.
Autor Philippe de Vitry: denominado el inventor de un arte nuevo
Definición Es un motete que pertenece al Roman de Fauvel (un extenso poema alegórico del siglo XIV sobre las costumbres de la época, es una fábula animal sobre un
asno corrupto quien reina en un mundo desordenado), primera antología de música escrita con el nuevo sistema de escritura de P. de V. Es uno de los
primeros trabajos del Ars Nova.
Dotación Voz
Estructura Talea dividida en 2 partes y duplum y triplum con un segundo color y mismas taleas en el tenor
Declamación Mayormente silábica, con algunos neumas
Función Profana, pertenece a una sátira en relación con la corrupción social de la época.
Características La politextualidad está presente en todas partes, con ambas voces (duplum y triplum) en latín. Está escrita a 3 voces, de las cuales dos cantan textos distintos
y una tercera solo hace notas largas sin texto, la cual podría interpretarse con voz o instrumento. Presencia de temas religiosos en el texto de ambas voces. El
rango excede una octava en ambas voces; sin embargo, esto no es cierto para el "tenor". La melodía está compuesta por una serie de pequeños arcos. La
melodía encontrada en duplum repetida en triplum y viceversa, dándole otro color (en virtud de, en parte, la diferencia en el rango de las voces). La
combinación de valores de notas binarios y ternarios fue una de las nuevas técnicas desarrolladas durante el Ars Nova. Mayor rítmica variedad que en
épocas pasadas.
Armonías de 3ras y 6tas más presentes que en el Ars Antiqua. Disonancias interesantes están presentes.
“Credo” de la Época Siglo XIV
Messe de Notre
Dame
Estilo Ars Nova Francés
Género Misa: término utilizado para describir el principal servicio litúrgico eucarístico del cristianismo occidental. Es una celebración que contiene los principios y
las creencias fundamentales de la fe cristiana. La Messe de Notre Dame consiste en 5 movimientos Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei, seguido de
Ite, Missa est. El tenor del Kyrie está basado en el Kyrie Vaticano IV, el Sanctus y el Agnus corresponden a la misa Vaticano XVII y el Ite está en el Sanctus
VIII. El Gloria y el Credo no tienen un canto base aparente, pero estilísticamente están relacionados entre sí (Gombosi, O. “Machaut’s Messe Notre –
Dame” The Musical Quarterly)
Autor Guillaume de Machaut
Definición Se trata de la primera musicalización a 4 voces del ordinario de la misa, cuya importancia viene dada por sus vastas dimensiones y su textura a 4 voces
(desusadas en la época).
Dotación Vocal (4 voces) primera musicalización a 4 voces del ordinario de la misa.
Estructura Vastas dimensiones y su textura a cuatro voces (desusadas en la época), por su clara planificación como un todo musical. Multiseccional, textos más largos.
Declamación Mayormente silábica, con algunos melismas.
Función Función estrictamente litúrgica. Su título una misa a María indica su uso para festividades marianas.
Características La misa de Machaut resultó una excepción no solo en su época sino en los 75 años siguientes. El parentesco de los movimientos se basa en una similitud de
estados anímicos y del estilo general, en vez de relaciones claras. En su mayor parte, la música de la misa permanece en un plano excelso e impersonal, sin
tratar de reflejar ninguna de las sugerencias emotivas implícitas en el texto. Hay una significativa excepción, sin embargo, en el credo: con las palabras “ex
Maria Virgine” el movimiento se hace súbitamente lento y da lugar a acordes largamente sostenidos, con lo que esta frase se destaca. En las misas de
compositores posteriores se hizo costumbre resaltar toda esta parte desde las palabras “Et incarnatus” hasta “et homo factus est”
En la misa la isorritmia y otras diversas técnicas composicionales del período tardío de Machaut son recopiladas en un trabajo que resalta en términos de
merito artístico y es uno de los trabajos mas impresionantes de la época.
El Manuscrito Vogüé, la más fiable fuente documental de laMisa, contiene un encabezamiento que reza:“Ci commence la messe de n[ost]re dame”(Aquí
comienza la Misa de “Nuestra Señora”).

Parece lógico pensar que se refiere a la Catedral de Notre Dame(“Nuestra Señora”) deReims, aunque cabe la posibilidad de que este encabezamiento (o
título, en realidad) fuese más litúrgico que geográfico.

Quizás pudiera corresponderse con una Misa mariana, para ser cantada en alguna de las festividades de la La conclusión es evidente: al parecer,Guillaume,
al haber alcanzado ya una muy avanzada edad (alrededor de los sesenta o más años; en aquellos tiempos la esperanza de vida era mucho menor que ahora)
quiso dejar su testamento musical en la forma de una misa para la Virgen, “Nuestra Señora”, que habría de ser cantada, en su memoria y en la de su
hermanoJean, cada sábado en la Catedral de Notre Dame(“Nuestra Señora”) de Reims. Virgen, “Nuestra Señora”. (Josñe Carlos Cabello,
musicaantigua.com)

Dada la fecha de composición (1350-72) sería rasonable suponer que la pieza se compuso para su uso en la catedral de Reims . Machaut seguía una
tradición más que crear una propia. La forma de este Credo se define repitiendo patrones melódicos y cadenciales que nos lleva a una reconstrucción de
 formas formadas de estructuras semánticas de los textos. En esta misa se observa una técnica perfectamente escogida: los movimientos isorrítmicos,
teniendo poco texto, estructurados según un criterio de forma musical basada sobre los cantos, en cambio los movimientos con muchas palabras no se
moldean alrededor del canto pero si sobre la forma de sustextos(Leech Wilkinson, Machaut’s Mass).
Rondeau Época 2da mitad del siglo XIV
“Fumeux fume”
Estilo Ars Subtilior
Género Rondeau: forma musical profana de la Edad Media francesa basada en la repetición de un tema musical que se caracteriza por la aparición constante de un
estribillo y un texto amoroso o satírico. Ars Subtilior:
Autor Solange
Definición Solange, perteneció a un grupo llamado fumeux (fumadores). Probablemente escribiese este rondeau en vena satírica sobre dicho grupo. Son especialmente
notables las constantes sincopas en la voz media, las secuencias, el osado cromatismo y la insistencia de tritonos en la armonía.
Dotación Vocal, las voces pueden ser tocadas con instrumentos
Estructura ABAA ABAB
Declamación Melismática
Función Profana
Características La complejidad rítmica impregna la estructura misma de toda esta música francesa de postrimerías del siglo XIV: las voces se mueven en metros
contrastantes y en agrupamientos contrastados dentro del tiempo; las armonías se retractan y desdibujan adrede mediante retardos y síncopas.
Indudablemente, a veces la fascinación por la técnica hacía que se llegase a extremos que degeneraban en el amaneramiento: a este tipo de música se la ha
denominado Ars subtilior.
La refinada música de las cortes de la Francia meridional estaba destinada a oyentes de
una cultura excepcional y a ejecutantes de formación profesional. Sus formidables complejidades
rítmicas y de notación comenzaron a pasar de moda hacia fines del siglo XIV
Esta obra destaca por varios aspectos musicales como: el rango de tesitura tan grave, las notas accidentales que no era algo común para la época, la cadena
de secuencias, el uso de la secuencia característica del estilo de Solange,
Se podría decir que el compositor usó estas secuencias como una forma de explorar áreas tonales poco comunes no conocidas hasta ahora en la teoría
musical y esta experimentación fue para el compositor “una especulación de fumar” como el texto declara. (Fumeur, poetry and music of the chantilly
codex: a study of its meaning and background, Patricia Unruh)
Madrigal Época Siglo XIV
“Fenice fù”
Estilo Ars Nova, trecento italiano. En contraste con el creciente poder y estabilidad de la monarquía francesa, Italia constituía una serie de ciudades-estado en las
que las rivalidades entre sus gobernantes las mantuvo en una situación de enfrentamientos frecuentes. Los círculos elitistas cultivaron la polifonía, en los que
era un entretenimiento profano y refinado creado por compositores que tenían que ver con la iglesia y expertos en la notación y el contrapunto.
Género Madrigal: Composición que solía escribirse a dos voces, textos de poemas idílicos, pastoriles, amatorios o satíricos, cuyas estrofas tenían de dos a tres
versos y todas las estrofas tenían la misma música excepto en el par de versos añadidos, llamados ritornello, de metro distinto y nueva música.
Autor Jacopo da Bologna
Definición Es un poema claramente moralizante, que nos muestra a una mujer otrora bella y delicada, pero a la que el paso del tiempo ha hecho envejecer. Si en otro
momento vivió de su belleza, ahora se arrepiente de ello y añora la honestidad que nunca acató. La juventud, tal y como diría Ruben Darío, “se va para no
volver”: la vejez llega rápido, de modo inexorable, perviviendo solo la memoria y la honra.
Dotación Vocal, 2 voces, ambas cantan el mismo texto
Estructura Verso y ritornello. aaB (la repetición de a se debe a la repetición melódica pero no del texto). El esquema de rima es ABBACCDD
Declamación Melismática, con un ámbito vocal bastante extenso, la melodía se mueve generalmente por grados conjuntos, con escasos saltos muy localizados. Hay
momentos con diseños ornamentales muy característicos.
Función Carácter de culto
Características En dos momentos (compases 7-9, 24-25) las voces están en imitación. Por lo demás, la voz superior es la florida y cuenta con extensas escalas melifluas
sobre la última sílaba acentuada de cada verso.
Formalmente respeta el esquema dado por los versos, llegando a una cadencia conjunta al final de cada verso. Esto supone una concepción más vocal de la
frase, no tan artificiosa y sin duda más moderna.
Es una obra que camina más a la tonalidad que a la modalidad, con ritmos bastante homogéneos. Destaca la no utilización de un cantus firmus preexistente,
o el empleo de un mismo texto para ambas voces. (Enrique Lacárcel Bautista, el Genio Maligno. Un ejemplo de análisis de una obra medieval: el madrigal
Fenice Fù)
Non avrà ma’ Época Siglo XIV
pietà
Estilo Ars Nova, trecento italiano
Género Ballata: Composición polifónica a dos o tres voces influida por el estilo de la ballad francesa. Era característico del estilo italiano la presencia de un melisma
sobre la primera y penúltima sílaba.
Autor Francesco Landini
Definición “No tendrá jamás piedad, esta señora mía...”
Dotación Vocal e instrumental
Estructura Ab baA
Declamación Melismática y en algunas partes silábica
Función Profana, la temática es el amor doloroso
Características Presencia de la cadencia "de Landini", en el que el movimiento de la sexta a la octava está
ornamentado por un salto de tercera ascendente y auxiliar en la parte superior (Compases 3-4, 5-6, 10-
11). Unos de los encantos de la música de Landini, además de su grácil melodía vocal, es la suavidad de
sus armonías. No hay segundas ni séptimas paralelas, como las que abundaban en el siglo XIII, y pocas
octavas paralelas. Se producen muchas sonoridades que comprenden tanto la tercera como la quinta, o la
tercera y la sexta, aunque nunca se usan para iniciar o acabar una sección o pieza.
Los melismas sobre la primera y la penúltima silabas de un verso poético son rasgos característicos del estilo italiano, como lo es la declamación clara y casi
 silábica entre los melismas. El final de cada verso, y con frecuencia la primera palabra y el punto intermedio o cesura de un verso, están señalados por una
cadencia. La mayoría son del tipo conocido como cadencia de la 3ra inferior, según la cual cuando el tenor desciende un tono entero, la voz superior
ornamenta su ascenso descendiendo primero a la nota vecina inferior y efectuando despues un salto de tercera (cadencia de Landini)
TEMA 6 TRANSICIÓN AL RENACIMIENTO: EL SIGLO XV
Contexto Los europeos de los siglos XV y XVI combinaron el redescubrimiento del saber antiguo con nuevos descubrimientos e innovaciones para dar lugar a un florecimiento de la
cultura y de las artes, conocido más tarde como Renacimiento. Aquel fue un periodo de trascendentales cambios en la cultura, la literatura, la música y el arte europeos.
Acontecimientos: final del gran cisma de la Iglesia y el regreso de un papa único, fin de la guerra de los 100 años entre Francia e Inglaterra, la caída de Constantinopla. Lo más
relevante a largo plazo fue el surgimiento de Europa como poder a escala mundial.
El siglo XV fue testigo de un avance hacia la consecución de un estilo musical internacional.
Se siguió favoreciendo la música secular. La textura cantilena (caracterizada por una
La línea superior vocal predominante apoyada por líneas de tenor y contratenor menos complejas y generalmente instrumentales) se hizo popular y se pudo encontrar tanto en
la música secular como en la religiosa.
Los duques de Borgoña mantuvieron una capilla con compositores, cantantes e instrumentistas que crearon tanto música religiosa para servicios como secular
música para el entretenimiento de la corte. El prestigio de la corte borgoñona era tal que el tipo de música que se cultivaba influyó en otros centros musicales europeos, como el
la capilla del Papa en Roma y las cortes del Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, las de los reyes de Francia, las de Inglaterra y las de las ciudades-estado
italianas.
Fulget coelestis Época Siglo XV
curia – O Petre
flos - Roma
gaudet
Estilo Escuela de la Catedral de Worcester: la musica inglesa, como la de toda Europa del norte, se caracterizo desde sus inicios por una relacion bastante estrecha
con el estilo popular y, en contraste con la evolucion continental, un cierto desapego por llevar hasta el extremo teorias abstractas. En consecuencia, siempre
existio en la musica inglesa una tendencia hacia la tonalidad mayor, hacia la homofonia, hacia una mayor plenitud sonora y un empleo mas libre de 3ras y
6tas que en la musica de Europa continental.
Género Motete inglés rondellus: se utiliza una forma elaborada y completa de intercambio de voces, que presupone la igualdad de voces del estilo conductus. (se
utiliza el intercambio de voces como metodo de composicion)
Autor Anónimo
Definición Es un motete que se halla en uno de los fragmentos de Worcester, fundado en el metodo del Rondellus, en hhonor de San Pedro.
Dotación Vocal (3, triplum, duplum, tenor)
Estructura Dos secciones. En la primera sección las voces intercambian frases de 11 compases (A, B y C), EN LA SEGUNDA SECCIÓN INTERCAMBIAN FRASES
DE 13 COMPASES (d, e Y f). La segunda sección se distingue de la primera por su rango más alto e inflexiones cromáticas. Introducción. Sección central
dividida en dos; triplum: abc def, duplum: cab fde( llamada tenor, no por canto gregoriano) coda derivada de la música del rondellus
Declamación Melismática y silábica
Función Religiosa
Características El rondellus propiamente dicho está enmarcado por una introducción, en la que se usan con preeminencia secuencias e imitación canónica en dos de las
voces y una coda que se deriva de la música del rondellus. La parte central de esta pieza está dividida en dos partes, cada una de las cuales tiene tres
melodías simultáneas entonadas sucesivamente por cada una de las voces o instrumentistas .
Los tres textos alaban a San Pedro e indulgen en una considerable cantidad de intercambio. Este intercambio de texto, sin embargo, es generalmente en
contrapunto con el intercambio de frases en la música. La tensión entre la estructura del texto y musical y la irregularidad de la longitud de las frases a través
de la pieza contribuye con si remarcable vida y energía, lo que se manifiesta a pesar de el alto nivel de rigor en su arquitectura. (Music in medieval europe,
Jeremy Yudkin)
Quam pulchra es Época 1385-1453
Estilo Escuela inglesa polifónica
Género Motete: composición polifónica nacida en el siglo XIII para ser cantada en las iglesias, y sus temas son comúnmente bíblicos. Hasta el siglo
XVII, seguía siendo una de las formas musicales más importantes de la música polifónica . Podría se clasificada como una cantilena.
Autor John Dunstable
Definición Como parte que es del Canticum Canticorum o Cantar de los Cantares, esta canción de canción podría verse como un poema erótico, el texto podría
dividirse a la mitad como si fuese entre un hombre y una mujer
Dotación Vocal, 3 voces
Estructura Siete versos, el último de ellos es Alleluia
Declamación Silábica con algunos neumas, con un largo melisma en el Alleluia final
Función De Carácter sagrado presenta texto y formas por momentos muy propias de la canción profana.
Características Mayormente homofónica. Destaca por por su extremo control de disonancia, Dunstable permite solo 9 notas disonantes en toda la obra.
No se basa en una melodía preexistente. La tres voces de esta obra son similares en el carácter y casi iguales en su importancia. Casi siempre progresan con
el mismo ritmo y oír lo general pronuncian juntas las mismas sílabas. Las sonoridades verticales son consonantes, si exceptuamos los breves retardos en las
cadencias, aunque muestran una considerable variedad. El flujo de acordes de 6/3 típico del faburden aparece únicamente en algunas frases que conducen a
la cadencia. La textura musical es la del Conductus.
Himno Conditor Época 1400-1471
alme siderum
Estilo Escuela Borgoñona (Polifonía)
Género Himno: tipo de canción generalmente religiosa, escrita con el propósito de adorar o rezar, dirigida a un dios o dioses o a personajes importantes
Autor Guillaume Dufay
Definición Uno de los antiguos himnos para el Adviento con texto, parece ser, de San Ambrosio
Dotación Vocal, 3 voces
Estructura Gregoriano (1), polifónico (2), gregoriano (3), polifónico (4), gregoriano (5), polifónico (6) (única obra de la época en donde el canto gregoriano es
alternado con largos pasajes polifónicos) A-B-A1-B1
Declamación Mayormente silábica
 Función Religiosa, canto para el oficio divino
Características La influencia del estilo fabordón sobre el motete borgoñon puede reconocerse en la textura homofónica predominante y en los frecuentes sonidos de 6ta-3ra.
Aquí el canto llano está en la parte del cantus mientras el tenor lo armoniza principalmente en 6ta y 8va. Al igual que en el discanto inglés, una voz
intermedia proporciona la armonía. Era costumbre que los versículos del himno se cantasen alternadamente en canto llano y fabordón.
Solo las estrofas pares se cantaban polifónicamente y alternaban con las demás en canto llano
Armonía implícita modo frigio, Ritmo Ternario
Construido con células melódicas que tienen implicancia armónica según una nota usada como eje
Técnica del fauxbourdon: secuencia de sextas (entre las voces más altas y las más bajas, con voz intermedia en cuartas por debajo de la voz más alta)
(secuencia, octava, secuencia, octava…). Homofónico textura predominante. Técnica de cantilena: canto gregoriano (cantus firmus) dado a la voz más alta,
en contraposición al tenor (ahora de composición libre) (marcado con un asterisco en la partitura). Cantus firmus fue originalmente un canto gregoriano.
Forma estrófica. La voz intermedia aporta armonía. El rango solo excede la octava en el tenor. Silábico. No hay gran variedad rítmica. La melodía se
compone de una serie de pequeños arcos.
Nuper Rosarum Época 1436 (Escrito para la consagración de la Catedral de Sta. Maria deilFiore)
flores
Estilo Escuela Borgoñona (Polifonía)
Género Motete Isorrítmico: Composición polifónica siglo XIV qué terminó por usarse como la típica forma de composición para la celebración musical importantes
ceremonias eclesiásticas y profanas. La isorritmia era una forma de conferir unidad a amplias composiciones que no tenían otra manera eficaz de
organización formal.
Autor G. Dufay
Definición Este motete pone en música un poema latino expresamente compuesto para la consagración de la basílica (uno de los grandes hitos arquitectónicos del
Renacimiento italiano), en la que el pueblo de Florencia ofrece el templo a la Virgen para que ésta actúe como intercesora y benefactora de la ciudad
(Artículo en bustena, wordpress de Rafael Fernández de Larrinoa)
Dotación 4 voces: triplum, motetus, tenor II, tenor, instrumentos (sackbut, trombón primitivo)
Estructura Motete en 4 partes. 7 estrofas, 7 versos por estrofa (el numero 7 es importante para el cristianismo). 14 medidas por sección grande (técnicamente 28, pero
14 medidas, cuando se reduce a la “longa duplex” se convierte en 7), 7 por sección pequeña. La melodía cambia, gana un color diferente dentro de una
sección más grande, como segmento solo contiene las dos voces más altas y el segmento b incluye las cuatro voces (agregando las dos voces más bajas, que
contienen el cantus firmus). Coda: amén.
Declamación Neumática, con algunos melismas extensos
Función Religiosa
Características 7 juega un papel místico en motete. La misma talea se repite en toda la pieza, específicamente en el cantus firmus. Notas en cantus firmus interpretadas
instrumentalmente (sin texto); interpretado por sackbut, que representa solemnidad (y luego simbolizará la muerte). Tenor II y tenor: notas repetidas por la
voz más grave en un tono diferente (a una distancia de una quinta); contiene entradas escalonadas y notas de diferentes valores. Los dos cantus firmus
aluden a la cúpula de la catedral. Presenta tempos perfectum de 3/2. Tanto silábico como melismático. Melody está compuesta por una serie de pequeños
arcos. Mayor rítmica variedad que en épocas pasadas. El rango excede la octava.
La alternancia de bicinia y polifonía a 4 voces está organizada en cuatro secciones de 28 longas de duración, que concluyen con un breve “Amén”.
La rosa del título hace referencia a la rosa de oro que regaló el papa Eugenio a la catedral de Florencia para que adornase el altar, y que le da nombre.
La publicación en 1973 por parte del musicólogo Charles Warren de la tesis según la cual las proporciones que gobiernan la métrica del motete de Dufay
concuerdan con las proporciones de la Basílica de Santa María del Fiore ha generado un enorme interés hacia esta obra, convirtiéndola en un símbolo de las
relaciones entre música y arquitectura, incidiendo en la célebre definición acuñada por J. W. Goethe “La arquitectura no es sino música congelada”. Otros
musicólogos han criticado la pretensión de Warren con el argumento de que éste “forzó” las dimensiones reales de la catedral de Florencia para que
coincidieran con las proporciones del motete de Dufay. Entre sus detractores, Craig Wright no solo refutó la teoría de Warren, sino que propuso la más
plausible tesis de que el referente arquitectónico de la obra de Dufay fuera en realidad el legendario templo de Salomón, donde antaño se rindiera culto al
Arca de la Alianza, cuyas dimensiones aparecen descritas en la Biblia: “El templo que el rey Salomón construyó para el Señor medía 60 cúbitos de largo por
20 cúbitos de ancho y 30 de alto” (Reyes I, 6:2). El carácter alegórico de esta representación (el Templo de Salomón es el templo por antonomasia del
judaísmo y del cristianismo), así como la rigurosa proporcionalidad de las cifras bíblicas, confiere a este referente una mayor credibilidad como posible
modelo del motete. En efecto, encontramos la relación 3/2 (existente entre la altura y la anchura del templo) en el cambio de duración de las longas entre las
secciones 1 y 2, así como en el cambio de duración de las breves entre las secciones 3 y 4; encontramos la relación 2/1 (existente entre la longitud y la altura
del templo) en el cambio de duración de las breves entre las secciones 2 y 3; finalmente, la relación 3/1 (la existente entre la longitud y la anchura del
templo) es la existente entre las duraciones de la breve en las secciones 1 y 3.

Alarga los valores y hace que suene a la vez para resaltar el nombre del papa “Eugenius”

2 cantus firmus por el doble abovedamiento de la cúpula de Florencia, la distancia entre la interna y la externa

El bicinium: melodías libres, valores más rápidos, textura continua. Tenores: valores más largos (gregoriano), textura de hoquetus entre los 2 tenores. En la
2da parte el bicinium cambia y el tenor se mantiene

Se la face ay Época Siglo XV

pale Gloria
Estilo Escuela Borgoñona (polifonía) Carácter religioso de Catus firmus profano.
Género Misa, Gloria:
Autor G. Dufay
Definición Una misa con método de motete isorrítmico. La adopción de múltiples voces convierte a esta obra en una misa de imitación/cantus firmus
Dotación voice (4: superius, contra, tenor, tenor bassus)
Estructura A B C . Multiseccional,, unidas por el empleo de cantus firmus profano.
Declamación Se alternan melismas cortos y largos, en pocas partes es solo silábica
Función Religiosa de origen profano
Características En esta misa Dufay emplea el tenor de su propiamente como cantus firmus,, al que aplica el sistema proporcional,, por lo que se le escucha a tempi
diferentes en los diversos movimientos o secciones de los mismos. En el gloria (y también en el credo) se oye el cantus firmus 3 veces,, la primera con
valores de notas el triple de los normales, luego con estos valores doblados y finalmente con los normales; de esta manera, al escucharse por 3ra vez la
melodía, ésta es reconocible con facilidad por vez primera. Otra característica unificadora es el empleo de lo que se ha dado en llamar motivo principal.
Cada división importante de un movimiento comienza con la voz más aguda que entona el motivo que acompaña las palabras “Et in terra pax”, del gloria. El
motivo también se percibe dentro de los movimientos, como ocurre en este mismo gloria en los compases 40, 88, 119, 165 y 184
 Empleo de cantus firmus profano, la misa tiene el mismo título que la balada y la melodía es de una balada popular.
El CF se diferencia por sus largos valores o se hacía de manera instrumental (así la gente lo reconocía)
Más adelante en el S. XVI el Concilio de Trento prohíbe estas fuentes profanas
Se la face ay Época Siglo XV
pale Balada
Estilo Escuela Borgoñona (polifonía)
Género Chanson (balada)
Autor G. Dufay
Definición “Si la cara está pálida, la causa es amor”. Mientras Dufay estaba en servicio del Duque de Saboya, escribió esta balada que pudo ser en honor a Anne de
Lusignan la Duquesa de Saboya
Dotación Vocal, 2, de las cuales una es el tenor, instrumental, denominada el contratenor
Estructura 9 versos , el esquema de rima es “a b a (o b) b c c d c d”
Declamación Mayormente silábico con un par de melismas
Función Profana, una canción de amor dedicada a la Duquesa de Saboya
Características Escrito en francés. Tenor contiene la melodía que se utilizará como cantus firmus en la gloria de la Missa Se la face ay pale. Mayormente silábico, con
melismas presentes al final de las líneas 1, 3, 6 y 9 (en el que se encuentra el melisma más extenso de la pieza) y al inicio del verso 5. La melodía está
compuesta por una serie de pequeños arcos. Mayor variedad rítmica que en épocas pasadas. El rango excede la octava.
En vez de utilizar líneas usuales de 8 y 10 sílabas,, esta tiene solo 5, en un formato complicado conocido como “équivoquée” (rima de juego de palabras) lo
cual hace complicada su traducción.
Esta muestra la fuerte influencia de la música inglesa, como por ejemplo que en ciertas partes el tenor y el cantus son iguales, mientras que el contratenor va
saltando para rellenar la armonía. Las melodía son elegantes, casi siempre por grados conjuntos, principalmente silábicas y con breves melismas y se apoyan
tanto en características italianas como inglesas, aunque tienden más a las inglesas en virtud de sus frases relativamente breves y claramente diferenciadas.
Tiene una energía rítmica presente en síncopas frecuentes y en la constante variación del ritmo, la armonía es constante, con pocas disonancias, retardos y
notas de adorno manejadas con sumo cuidado. (Historia de la música occidental, Burkholder, Grout y Palisca)
Chanson Época 1426
(rondeau) Adieu
ces bons vins de
Lannoys
Estilo Escuela Borgoñona (polifonía)
Género Chanson (rondeau cinquain): el cinquain rondeau , con un estribillo de cinco versos (y un total de longitud de 21), que se convierte en la norma en el siglo
XV Rondeau (forma fija) . La chanson era heredera del mundo medieval, se le denomina así a cualquier obra en francés polifónica y de carácter profano, de
temática amorosa
Autor G. Dufay
Definición “Adiós, buenos vinos de Lannoys”. Esta canción de despedida fue escrita en 1426, en el momento en que Dufay iba a dejar Francia e iba a regresar a Italia.
Dotación Voz, instrumentos (contratenor and tenor) en la grabación, solo voz con texto, dos voces instrumentales (pero podrían ser tocados con instrumentos o todas
cantadas, el texto podía apricarse a todas las voces).
Estructura Rondó ABaAabAB; A (compases 1-18) B ( compases 19-33) a ( compases 1-18, misma música que A pero texto diferente) A ( compases 1-18) a ( compases
1-18, misma música que A pero texto diferente) b ( compases 19-33
misma música que A pero texto diferente) A ( compases 1-18) B ( compases 19-33)
Declamación Mayormente silábico, con excepción de algunos melismas.
Función La función era de entretenimiento, ya que no era una composición espiritual
Características Tono melancólico, nostálgico (el autor extrañaba su país de origen). Forma estrófica. Un rasgo distintivo es el desplazamiento ocasional de una división
ternaria del compás a otra binaria: de ¾ a 6/8 en la transcripción moderna. El tenor debe ser una parte instrumental, puesto que no hay notas suficientes para
as sílabas del texto. La melodía esta compuesta por series de pequeños arcos. El rango excede la octava
Como dice Jesse Rodin en su ensayo sobre la escritura melismática de las canciones tempranas de Dufay, los adornos melismáticos era algo con lo que
experimentaba constantemente en sus obras. Los melismas aparecen generalmente en los finales de frases, al inicio el texto es llevado en cortas frases
silábicas. Los melismas eran introducidos para dar contraste de textura y generar emoción a través del incremento de la actividad rítmica. Los melismas más
substanciales ocurren al final de las grandes secciones musicales. Adieu ces bons vins es excepcional porque es uno de los dos únicos rondeau cinquais que
inician con un melisma, Se dice que el utilizaba melismas al inicio para dar peso a canciones que de otra manera darían la sensación de ser muy cortas.
Chanson Época 1423
(balada)
Resvellies vous
et faites chiere
lye
Estilo Escuela Borgoñona (polifónica)
Género Chanson (balada): cualquier canción francesa, usualmente polifónica y secular. Una forma de la poesía medieval y renacentista francesa asi como la
correspondiente forma canción musical: una de las tres “formes fixes”
Autor G. Dufay
Definición
Dotación Voz (solo, ocasionalmente tocado por un instrumento, una flauta, cuando no hay texto), instrumentos (contratenor y tenor, sin texto)
Estructura aabC; a (1, compases 1-15) a (2, compases 1-22) b (compases 23-53) C (compases 54 hacia el final)
Declamación Mayormente melismática.
Función Profana, de entretenimiento deleite
Características De acuerdo con la refinada tradición de la balada, esta pieza es mucho más florida que el rondeau. “despertaos y alegraos” es el mensaje enviado a los
amantes. Fue escrita para el matrimonio de Carlo Malatesta y Vittoria Colonna, sobrina del papa Martín V, en 1423, cuando Dufay servía a la familia
gobernante en Rímini y Pesaro. La aclamación “Noble Carlos”, dirigida al novio, está escrita en acordes en bloques con fermatas, mientras que el apellido
Malatesta da origen a una orgía de rápidos tresillos. He aquí un autentico ejemplo del estilo dominado por la voz superior, pues ninguna de las otras partes es
susceptible de ejecución vocal, aunque es probable que los instrumentistas se sumasen al solista para cantar “Charle gentil”. Los compases 47 y 48 presentan
 la introducción de tríos, usada para enfatizar el texto. Los compases 50 al 53 son alargados para énfasis (noble Carlos). Solo de soprano, tiene un extenso y
ornamentado melisma en la última sílaba de “Malatesta” (empezando en el compás 56) este melisma es interrumpido por la flauta en la grabación. La
melodía esta compuesta por series de pequeños arcos. Hay mayor variedad rítmica en comparación de las eras pasadas y el rango excede la octava.
TEMA 7 LOS COMIENZOS DEL RENACIMIENTO: LA ESCUELA FRANCO-FLAMENCA
Época de gran desarrollo de artes, se retoman las artes clásicas (música antigua, influencia más tardía e indirecta a través de los tratados y teorías) Teatro Olímpico de Vicenza,
claro ejemplo de la influencia griega. “Admiración por la cultura antigua” (humanismo).
La experiencia de volver a descubrir las antiguas culturas de Grecia y Roma afectó al pensamiento musical de los siglos XV y XVI. Quienes leían literatura antigua se
preguntaban por qué la música de su época no los emocionaba e impulsaba a las diversas pasiones de la misma manera que se decía lo hacía la música antigua. El humanismo
fue un movimiento que consistía en la revitalización de la sabiduría antigua, en particular la gramática, la poesía, la historia y la filosofía moral. Hizo que la gente pensante
juzgase sus vidas, obras de arte, costumbres y estructuras políticas y sociales por las normas de la antigüedad. El humanismo fue el movimiento intelectual más característico
del período que los historiadores llaman Renacimiento.
El efecto más importante que tuvo el humanismo sobre la música fue el acercarla a las artes literarias.
La puntuación y la sintaxis de un texto servían de guía al compositor para dar la estructura, las pausas y las cadencias
Los significados e imágenes del texto inspiraron al compositor sus motivos y textura, la mezcla de consonancias y disonancias, los ritmos y las duraciones de las notas.
Relación estructura texto – estructura música, ejemplo cielos notas agudas, infierno notas graves.
Se convirtió en regla que los compositores siguieran el ritmo del habla y no violasen la acentuación lógica de las silabas. Se comienza a escribir cada sílaba en el sonido que
corresponde (muy importante en el renacimiento)
La nueva dedicación a los valores humanos en oposición a los religiosos.
El mecenazgo. Protector, patrocinador (para que su nombre también tuviese relevancia en la posteridad). Mecenas, origen de noble romano.
Agnus Dei de la Época 1420 - 1497
Misa Caput
Estilo Escuela Franco – Flamenca.
Género Misa Caput: Misa Caput: un escenario musical de la misa católica romana, que data de la década de 1440, por un compositor inglés anónimo. Circuló
ampliamente en el continente europeo a mediados del siglo XV y fue uno de los
obras musicales más queridas del Renacimiento temprano en Europa, a juzgar por el número de copias que han sobrevivido y el número de imitaciones que
inspiró. Agnus dei: texto litúrgico del romano
Misa católica en latín musicalizada; forma parte del ordinarium (u ordinario).
Autor J. Ockeghem
Definición El Agnus Dei es parte del Ordinario de la misa, ya en esta época la misa supone un reto para la imaginación del compositor debido a que el texto se repite, es
el mismo y es más complicado tener inspiración a partir del texto como se hacía en esta época. Por ende con la composición de una misa cada compositor
demostraba sus conocimientos y su imaginación. El nombre misa Caput se da por el canto gregoriano.
Dotación Voz (4 sin nombre, contra, tenor secundario, tenor)
Estructura Estructura tripartira: 3 secciones. Posee líneas muy amplias, la música es muy densa, la textura plena y compleja, las frases largas que se intercalan, se
solapan. El final de cada sección está indicada por una cadencia (los únicos momentos en donde una cadencia aparece), el inicio de cada sección se indica
por un dueto compuesto de las dos voces más altas (la voz que no tiene nombre y la voz contra).
Inicia con un biciniumm luego inicia el Cantus firmus con valores largos para destacar también podía hacerse con un instrumento. Luego tenemos una
alternancia por pareja y al final luego del cambio de compás tenemos bicinium y luego entran las voces graves simultaneas dando contraste
Declamación Mayormente melismática
Función Religiosa, litúrgica
Características Obra de naturaleza sagrada; cantus firmus originalmente un canto gregoriano. Cantus firmus (que se encuentra en el tenor) usa el último melisma de una
antífona (un canto corto en el ritual cristiano, cantado como un estribillo) dedicado a
San Pedro. Ligera imitación entre las voces en los compases 27-30, pero en su mayor parte la obra presenta independencia vocal. Con reminiscencias de las
obras de Dufay, en particular el motete “Nuper rosarum
flores ”(cuatro voces, similar textura contrapuntística —interdependencia armónica; independencia melódica, rítmica—, posible interpretación instrumental
del tenor para enfatizar el texto de
las voces restantes, que no aparecen en la grabación). Sin embargo, esta masa, a diferencia de las de Dufay, posee una textura comparativamente más
compleja, un sonido más oscuro y generalmente de un
carácter más homogéneo. Las líneas melódicas, frases largas en forma de arco, tienen un flujo rítmico flexible. Pocas cadencias o silencios. Melismático. El
rango excede la octava. Dúos
presente en todo momento, ya que el compositor omite repetidamente pares de voces. También presentes tríos (de menor longitud). Los pasajes ocasionales
presentan uniformidad rítmica en las voces, dando lugar a un declamatorio
textura (homorrítmica) (comúnmente utilizada por los compositores franco-flamencos para realzar el texto de un pasaje dado; encontró una mayor
popularidad durante la segunda mitad del siglo XVI).
Motete Tu solus, Época 1450 - 1521
qui facis
mirabilia
Estilo Escuela Franco - Flamenca
Género Motete: una composicion musical mayormente vocal, con mucha variedad de forma y estilo, de la edad media baja hasta el presente
Autor Josquin des Prez, “el mejor compositor de nuestro tiempo” o “el padre de los músicos” (Burkholder, Grout y Palisca)
Definición Un motete probablemente basado en el estilo italiano y escrito al principiode su carrera.
Dotación 4 voces (soprano, alto, tenor, bajo)
Estructura Bipartita
Declamación Josquin respeta mucho el texto, es mayormente silábico. No utiliza melismas
Función
Características Secciones de música homorrítmica declamatoria a 4 voces alternan con episodios en los que parejas de voces se imitan recíprocamente. En otros momentos,
Josquin sigue cuidadosamente la acentuación y el ritmo del habla, como en el pasaje “Ad te solum confugimus, in te solum confidimus” (solo en ti
buscamos refugio, solo en ti confiamos), en el que se produce la división del coro en parejas de voces. Josquin fue motivo de elogio por parte de sus
contemporáneos por el cuidado de adaptar la música al texto.
El balance y el orden de las 4 voces permiten mayor expresividad, adicionalmente pueden ser facilmente divididas en 2 grupos de 2, utilizando la forma
antifonal, pregunta y respuesta. Muestra influencia Italiana, por la claridad de la melodía y del texto. Ritmos binarios y ternarios.
Alterna entre
Se eligen temas profanos para los cantus firmus, porque ofrecían ventajas estructurales en la forma musical y en la aplicación de la armonía.
Al ser un motete es más libre y gana peso sobre la misa porque contiene textos más variados
La melodía tiene forma de pequeños arcos. Tiene mayor variedad rítmica. El rango excede la octava en todas las voces menos en la soprano. Una de las
 primeras composiciones de Josquin.
Salmo Dominus Época 1440 - 1521
regnavit
Estilo Escuela Franco - Flamenca
Género Salmo: una canción sacra o himno
Autor Josquin des Prez
Definición Dominus regnavit, es sacado del Salmo 93. Pertenece a lo que es la música reservata: “adecuar la musica al significado de las palabras, expresar el poder de
cada emoción diferente, tomar muy vividos los objetos del texto para que los mismos parezcan alzarse realmente ante nuestros ojos...”
Dotación 4 voces (2 parejas agudas y 2 parejas graves)
Estructura Prima pars, secunda pars
Declamación Mayormente silábica
Función Religiosa, Litúrgica
Características Estructura antifonal (2 coros que se alternan) y en algunas partes entran las 4 voces. En el compás 59 hay contrapunto imitativo. Encontramos también la
retórica musical o música reservata. También encontramos “anabasis” figura retórica musical referente al ascenso gradual y “katabasis”, lo contrario,
profundidad, muerte, pena, un descenso gradual. En el compás 27 en donde dice “los testimonios del Señor son firmes”, culmina en una cadencia perfecta,,
esta es la primera pausa para reflexionar.
Utiliza intervalos de octva para enfatizar el texto. No utiliza melodías prestadas. La melodía está compuesta por series de pequeños arcos. Mayor variedad
rítmica. El rango excede la octava en todas menos la voz más alta.
Como dice Chester Alwes en su libro History of western choral music, es un canon doble, Josquin divide el salmo en 2 partes, de las cuales la primera
presenta 2 prominentes melodías. El salto de octava es usado para el texto “elevaverunt” un claro ejemplo de retórica. La combinación deliberada de las dos
más prominentes motivos melódicos de la prima pars como la base melódica del punto de inicio de imitación de la secunda pars ilustra la conciencia de
Josquin con la necesidad de crear una nueva sinergia para sostener el ascenso de la imitación como la base principal para una estructura formal en este
nuevo tipo de motete.
Chanson Mille Época Una de las últimas canciones de Josquin, probablemente compuesta para Carlos I en 1520
regretz
Estilo Renacentista, Escuela Franco Flamenca, carácter vocal profano
Género Chanson: Cualquier canción francesa, usualmente polifónica y secular.
Autor Josquin des Prez
Definición
Dotación Voz. Superius, contratenor, tenor, bassus. Todas las voces están escritas para ser cantadas.
Estructura 4 versos, estructura cuatripartita en función de esos versos
Declamación
Función Habla del amor cortesano
Características Son las 4 voces que tienen la misma importancia (OJO)
También llamada la canción del emperador, porque era la canción favorita de Carlos I
Figura retórica de la catábasis, figura que tiende a una melodía de tipo descendente para reflejar la pena, el duelo, el abandono. Para retomar la altura y
poder volver a bajar, hay un salto que es característico, el “exclamati”(exclamación)
Diálogo por parejas, compás 20. Fórmulas homorrítmicas, en las que algunas voces se desarrollan al mismo tiempo, imitación de varias voces. Cuando
repite el ultimo verso, lo repite como atenuando la despedida.
Canto Época 1450 - 1517
carnascialesco
Orsú car’ Signori
Estilo Renacentista, Escuela Franco Flamenca, carácter vocal profano
Género Canti carnascialeschi, cantos de carnaval, cantados en los desfiles
Autor Heinrich Isaac
Definición “Oiga usted Señor” es una anuncio musical cantado. Esta era para el gremio de los copistas.
Dotación 4 voces, instrumentos (de viento, adecuados para la presentación al aire libre)
Estructura Estructura de estribillo. A (estribillo) BB C D A (estribillo). Tener en cuenta que es una canción que tiene un estribillo, proviene de la musica trovadoresca,
es variada
Declamación El estilo declamatorio demuestra la importancia de la claridad en el texto, mayormente silábico
Función Profana, Para los carnavales italianos
Características Celebraban un desfile de carrozas, en donde contrataban a unos músicos para que hablara de las virtudes de cada uno de los gremios. Por eso la música debe
ser muy clara,, cono vemos al inicio, intervalos de 3ra o 6ta.
Música muy vistosa, muy llamativa. El ritmo al inicio tiene 6 pulsos, como una danza. Tiene variedad rítmica para no aburrir a la audiencia, cada sección
inicia con un cambio de ritmo. La melodía está compuesta por series de pequeños arcos. Mucha más variedad rítmica que en eras pasadas. El rango excede
la octava en todas las voces.
Lied Innsbruck, Época ca. 1450- 1517
ich muss dich
lassen
Estilo Escuela Franco Flamenca
Género Lied: Composición de un poema Alemán
Autor Isaac
Definición
Dotación 4 voces
 Estructura Bitemática, dos temas que se van repitiendo. Estrofismo.
Declamación Silábica, con la excepción de melismas al final (última línea del texto)
Función
Características La melodía se halla en la soprano y, salvo en algunas entradas seudoimitativas al comienzo, las voces restantes le sirven de armonización a la soprano, con
claras pausas que separan cada frase, como en las canciones para partes italianas
Este Lied es del tiempo en el que trabajó en Austria, es del floklore alemán
En su nueva versión, ya no hay imitación, se adapta a la influencia italiana
Los acordes están en posición fundamental en su mayoría.
Mayor claridad del texto (característico de la música homofónica italiana). Los silencios son usados para marcar el final del texto. No canon, no imitación,
forma estrófica. Las demás voces armonizan la melodía superius.
La melodía está compuesta por series de pequeños arcos. Menos variedad rítmica que en trabajos de la época. El rango excede la octava en el altus y en el
bassus.
Kyrie, de la Misa Época 1505 - 68
Noe, noe
Estilo Renacimiento, la escuela franco flamenca.
Género Misa de parodia
Autor Jacob Arcadelt
Definición Toma de base un motete de Mouton con el mismo nombre y crea una misa de imitación o de parodia
Dotación 4 voces
Estructura Ternaria, A, kyrie eleison; B, christe eleison; A, kyrie eleison
Declamación Mayormente silábica
Función
Características Se imitan los primeros 8 compases del motete. Lo hizo en homenaje al autor. Toda la misa en sus cinco partes está determinada por el motete en el que se
basa.
Presenta la técnica contrafactum (la sustitución de un texto por otro sin ningún cambio sustancial en la música) y una estructura como fuga (utilizando
pasajes de imitación). La melodía esta compuesta por series de pequeños arcos. Tiene mayor variedad rítmica para la época. El rango excede la octava en
todas las voces menos en el bassus.
Tema 8 NUEVAS CORRIENTES EN EL SIGLO XVI
CONTEXTO
HISTÓRICO Aunque los compositores franco-neerlandeses estuvieron diseminados a través de toda
Europa occidental a comienzos del siglo XVI y el suyo era un idioma musical internacional
común, cada
país tenía, asimismo, su propia música distintiva, ciertamente mejor conocida y probablemente más disfrutada en realidad
por la mayor parte de las gentes, que el arte erudito de los
septentrionales. En el lapso de menos de un siglo, Italia reemplazó a los Países Bajos como centro de la vida musical
europea y su primacía entonces establecida duró doscientos años. En
todos los países europeos, la dependencia musical de los Países Bajos imperante a comienzos del siglo XVI se vio
sustituida por su dependencia de Italia, a comienzos del XVII; mientras tanto,
sin embargo, en cada país se desarrollaba, asimismo, una escuela nacional propia.

El madrigal fue el género más importante de la música profana italiana del siglo XVI. Gracias a él, Italia se convirtió en
el centro de la música europea por primera vez en su historia. El madrigal
del siglo XVI era una composición en la que se plasmaba minuciosamente la letra de un poema breve. Al igual que
frottola, es un término genérico que abarca diversas clases poéticas (soneto,
ballata, canzane, ottava rima). Los madrigales se cantaban en toda clase de reuniones sociales cortesanas. Tras 1570, los
príncipes y otros mecenas empezaron a emplear grupos
profesionales de virtuosos para su propio entretenimiento y el de sus invitados.

En Francia y en los Países Bajos la chanson siguió floreciendo durante la segunda mitad del siglo XVI. Sin embargo, en
Francia la tradición se modificó gracias a un vivo interés por el madrigal
italiano, cuyos efectos sobre la música francesa fueron particularmente evidentes en el periodo comprendido entre 1560 y
1575.
Las formas asumidas por algunas de estas composiciones en estilo homófono con un ritmo musical sujeto a la métrica del
texto, reflejaban los experimentos de un grupo de poetas y compositores
que en 1579 fundaron la Académie de Poésie et de Musique bajo el patrocinio de Carlos IX. Dado que el idioma francés
no tenía una distinción clara entre sílabas largas y cortas, hubo que crear
reglas para identificar estas cantidades. La variedad de esquemas de versificación produjo la correspondiente variedad de
ritmos musicales, en los que se alternaban libremente agrupamientos
binarios y ternarios.

A comienzos del siglo XVI la música instrumental aún estaba estrechamente vinculada, tanto por su estilo como por su
ejecución, con la vocal. Los instrumentos participaban junto a las voces en
la ejecución de todo tipo de música polifónica durante la Edad Media, aunque no podemos tener certeza alguna acerca de
la medida y la manera exacta de tal participación. Un signo de la
creciente preocupación del siglo XV por la música instrumental fue la publicación de libros que describen los
instrumentos o imparten instrucciones para tocarlos.
El arte de la ornamentación melódica alcanzó una gran altura a finales del siglo XV, cuando se aplicó a interpretaciones
 tanto vocales como instrumentales. En su origen, la ornamentación se
improvisaba. Como es lógico, la adaptación de piezas vocales a la ejecución instrumental condujo a ciertos tipos de
composiciones que, aunque no necesariamente derivadas de alguna pieza vocal
en particular se basaba claramente en prototipos vocales (por ejemplo, en los casos de las formas imitativas el ricercar y
la canzona, equivalentes instrumentales del motete y de la chanson,
respectivamente).
La danza de sociedad estaba muy difundida y gozaba de gran estima en el Renacimiento. Por consiguiente, una parte
considerable de la música instrumental del siglo XVI está formada por piezas
de danza para laúd, instrumentos de teclado o conjuntos; estas obras ya no se improvisaban, como ocurría en la tardía
Edad Media, sino que se escribían en tablaturas. Comúnmente, las danzas se
agrupaban en pares o tríos; estos grupos son los precursores históricos de la suite de danzas instrumentales de tiempos
posteriores.
Muchos rasgos instrumentales característicos pasaron a formar parte de la música gracias a la improvisación; más
adelante se terminó por anotar estos rasgos, bien a mano o impresos. Entre los
primeros ejemplos de música para ejecutantes solistas se encuentran composiciones en estilo improvisatorio que no se
basan en ninguna melodía conocida; de desarrollo libre, a menudo de una
manera un tanto errática, tienen texturas variables y no obedecen a un metro o una forma definida.
El extraordinario florecimiento de la forma de la variación en las postrimerías del siglo XVI se debió principalmente a
una escuela de compositores ingleses para teclado llamada de los
virginalistas. El principal compositor de este grupo fue William Byrd; entre sus colegas tuvieron importancia John Bull,
Orlando Gibbons y Thomas Tomkins. De las numerosas antologías de
música para teclado que se confeccionaron en Inglaterra durante este periodo, la más amplia es el Fitzwilliam Virginal
Book, que contiene cerca de 300 composiciones escritas a fines del siglo
XVI y comienzos del XVII. Las melodías utilizadas como base para las variaciones eran, por regla general, breves,
sencillas y parecidas a la canción, de frase regular, con un esquema claramente
binario o ternario, realzado por nítidas cadencias. Cada variación conserva la estructura del tema: las mismas
articulaciones, las mismas cadencias, el mismo plan armónico.
Recomendación: The Renaissance: From the 1470s to the end of the 16th century, editado
por Iain Fenlon
Frottola Io non Época
compro piu
speranza, de
Marco Cara
Estilo Renacentista italiano, de carácter vocal, profano
Género Frottola
Autor
Definición
Dotación
Estructura Tripartita estrófica A (estribillo) B A’(estribillo)
Declamación
Función Lúdica, se canta en las cortes
Características Cada 2 versos se cambia la textura
Gran sencillez en la estructura formal

Chanson Tant Época

que vivray, de
Sermisy
Estilo
Género
Autor
Definición
Dotación
Estructura Bipartita estrófica A, A, B
Declamación
Función
Características
Madrigal Solo e Época
pensoso, de
Marenzio
Estilo
Género
Autor
Definición
 Dotación
Estructura
Declamación
Función
Características
Madrigal Io Época
parto e non piu
dissi!, de
Gesualdo
Estilo
Género
Autor
Definición
Dotación
Estructura
Declamación
Función
Características
Chanson Revecy Época
venir du
printans, de Le
Jeune
Estilo
Género
Autor
Definición
Dotación
Estructura
Declamación
Función
Características
Aire Flow my Época
tears, de John
Dowland
Estilo
Género
Autor
Definición
Dotación
Estructura
Declamación
Función
Características
Fantasía XI para Época
vihuela, de Luis
de Milán
Estilo
Género
Autor
Definición
Dotación
Estructura
Declamación
Función
Características
Sonata Piano e Época
Forte, de
Gabrieli
Estilo
Género
Autor
Definición
Dotación
Estructura
Declamación
Función
Características