PRESENTACIÓN

El Ministerio de Educación con el propósito de fortalecer las capacidades de los docentes y

con el compromiso de promover aprendizajes integrales significativos de los estudiantes
para crecer en protagonismo y conciencia logrando una educación con un espíritu de
emprendimiento innovador, creativo, desde el aula, donde se acompañen los esfuerzos del
diario vivir en toda la comunidad educativa, ha elaborado a través de la Dirección de
Secundaria en conjunto con Programación Educativa, la guía metodológica correspondiente
al componente de Artes Plásticas y Visuales.

Esta guía está estructurada con recomendaciones para el desarrollo de los contenidos y
algunas sugerencias de cómo evaluar los aprendizajes en esta asignatura.

El propósito fundamental de esta guía, es proporcionar a los docentes, herramientas para

que desarrollen de forma interactiva, habilidades y destrezas que contribuyan a un mejor
desempeño de su labor y a la calidad de los aprendizajes de los estudiantes.

INTRODUCCIÓN

La asignatura de Talleres de Arte y Cultura forma parte de la disciplina del desarrollo de las
habilidades de la comunicación y el talento artístico y cultural, integrada por los
componentes de: Artes Plásticas y Visuales, Danza, Teatro y Música, incorporados en
cuatro unidades programáticas durante todo el curso escolar.
Esta asignatura, pretende desarrollar en los estudiantes, habilidades y destrezas para
evidenciar el arte, la cultura, la sensibilidad estética, los sentimientos, las emociones y las
vivencias personales, transmitiéndolas al público en representaciones socioculturales.

Según el enfoque de los talleres, la cultura y el arte ocupan un lugar privilegiado, ya que
por sus características posibilitan que los estudiantes sean participantes activos, capaces de
integrar los saberes en sus experiencias cotidianas y de producir obras abiertas a la
interpretación y al juego de los significados.

Para el desarrollo de la clase se debe considerar los intereses y las experiencias que los
estudiantes adquieren fuera de la escuela y traen de sus hogares y su entorno para construir
a partir de los mismos, nuevos espacios y oportunidades de aprendizaje.

Las actividades propuestas en esta guía son una serie de ideas, acciones y experiencias que
se presentan a manera de sugerencias, para los docentes, de acuerdo al contexto en el que
van a ser desarrolladas, pueden ser modificadas o cambiadas. Las actividades sugeridas
permiten alcanzar los indicadores de logro y deben ser factibles de realizar dentro y fuera
del aula.

Esta guía metodológica requiere de un proceso permanente de autoevaluación reflexiva que

impulse la sistematización de los aprendizajes para enriquecer la labor profesional.

Creaciones artísticas a través de la pintura.

El arte se utiliza como una estrategia terapéutica en el Área de Salud Mental, es una
herramienta que le facilita a la persona que tiene dificultad en exteriorizar sus emociones.

Desde que un bebé nace expresa sus emociones con la comunicación no verbal. El llanto y
la sonrisa sirven para manifestar lo que siente o necesita.

En el recorrido de la vida el hombre se expresa con su cuerpo y sus palabras, por eso el arte
sirve como herramienta terapéutica, no sólo para personas afectadas sino para toda persona
en general.

En los trastornos de la salud mental, una de las características de quienes lo padecen es la

actitud de aislamiento y por ello se les dificulta a la hora de su comunicación verbal, pero
no con la comunicación no verbal. A través del arte no sólo se pueden expresar, sino que
también pueden llegar a reconocer sus emociones y favorecer la socialización.

Todos necesitamos expresar y exteriorizar nuestras emociones.

Nos cueste más o menos, al final salen de nuestro interior. ¿Qué mejor manera que hacerlo
con el arte?

 El pintor con su pintura.

 El escritor con sus textos.
 El músico con sus notas.
 Los bailarines con sus danzas.

Hay personas que por medio de la escritura se comunican mejor que con la palabra.

La pintura o el dibujo es otra expresión, el pintor le hace un retrato a su Musa y en él refleja

la admiración que siente por ella.

En esta unidad vamos a estudiar: Las características de la pintura, los aprendizajes básicos,
el círculo cromático, la difuminación de colores, la elaboración de pinturas con materiales
del medio, las técnicas de pinturas (acuarela, témpera), el modelado: generalidades y
técnicas en arcilla, plastilina, migajón, collage, papel maché y la presentación de los
trabajos.
 Características de la pintura nicaragüense

Indicador de logro: Identifica las características de la pintura nicaragüense

Comentemos y reflexionemos:
 1. ¿Qué observamos en la lámina?
2. ¿Qué materiales se utilizó en la elaboración de la pintura?
3. ¿Qué emociones, despierta en usted, la pintura?
4. ¿Qué contexto social representa la pintura?

Explique a través de un conversatorio la siguiente información:

La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras

sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura,
conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del
arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie plana determinada (una hoja de papel,
un lienzo, un muro, una madera, un fragmento de tejido, entre otros) una técnica
determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos, dando
lugar a una obra de arte según algunos principios estéticos.

La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas y una de las siete Bellas Artes.
En estética o teoría del arte, la pintura está considerada como una categoría universal que
comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies.
Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluyendo
los soportes o las técnicas efímeras (volumen, espacio e intensidad) así como los soportes o
las técnicas digitales (diseño gráfico).
Características de la pintura
1. La línea
Se define como la marca que une dos puntos, y es
crucial en pintura para crear formas y definir su
contorno. Podemos hallar líneas rectas, curvas,
horizontales o verticales, entre otras posibilidades.
Existen obras en las cuales predominan las líneas o el
dibujo sobre las herramientas pictóricas.

2. Múltiples técnicas

A lo largo de la historia se han

empleado diferentes técnicas
(acuarela, el óleo, el fresco, el temple
o el puntillismo), para desarrollar el
arte pictórico.
 3. Géneros

La pintura abarca una gran cantidad de

géneros, establecidos a partir de los objetos
elegidos para la representación artística.
Algunos de los géneros más populares son el
4. Corrientes y estilos
retrato, el desnudo, la naturaleza muerta, la
El arte pictórico se clasifica también en distintos
pintura paisajística o la pintura histórica, por
estilos o corrientes, en base a tendencias que van
ejemplo.
cambiando a lo largo del tiempo y que permiten
configurar identidades específicas de algunas
obras. Algunos de los estilos más reconocidos son
el expresionismo, el cubismo, el impresionismo,
el modernismo y el fauvismo.

5. Espacio y perspectiva
La pintura se realiza con el
propósito de crear un espacio
dentro del soporte utilizado, en
base a dos o tres dimensiones:
alto, ancho y profundidad.
Precisamente las técnicas de
perspectiva visual se emplean para crear la ilusión de profundidad. De acuerdo a los
especialistas, lograr un manejo correcto del espacio es uno de los puntos principales para
dominar el arte pictórico.
6. El color
Dentro de las características y
elementos de la pintura, el color es
quizás el que posee mayor fuerza
expresiva. Se aprecia a partir del
reflejo de la luz sobre la
pigmentación. Los colores primarios
(rojo, verde y azul) dan lugar a los
secundarios (por ejemplo, amarillo),
en tanto que los terciarios (violeta,
entre otros) se forman a partir de la
combinación de un primario con un
secundario.
7. La forma
Lo primero que se aprecia al
visualizar una obra pictórica
son las representaciones
creadas de acuerdo a formas
específicas, tanto sean
abstractas como figurativas.
Podemos hallar formas
geométricas (círculos,
cuadrados) u orgánicas, que
responden a estructuras libres
o motivadas en la naturaleza. Encontraremos formas bidimensionales, con largo y ancho, o
tridimensionales, que incluyen largo, ancho y altura.
8. Textura
Se trata de una cualidad de la pintura que puede
sentirse o verse. Es así que hallamos una textura
táctil (que puede tocarse) y una óptica, que está
pensada para su apreciación visual. Las pinturas
incluyen elementos que sentiremos suaves,
ásperos o rugosos al tacto, o pueden incorporar
formas con texturas que sobresalen o son apreciables visualmente. Todas estas
posibilidades incrementan el realismo de las obras.
9. Luminosidad

También conocida como valor, la luminosidad marca la claridad que posee un color, siendo
otro de los elementos centrales en la pintura. El empleo de colores más claros o más
oscuros determina estados de ánimo que quieren comunicarse a través de la obra. Los tonos
más oscuros sugieren melancolía, tristeza o nostalgia, en tanto que los colores con mayor
luminosidad o más claros representan alegría u optimismo.
10. Unidad
Cada pintura alcanza una representación o significado
único, a partir de las relaciones establecidas entre los
cuerpos y formas incluidas en una obra determinada.

Sugerencias metodológicas:

1. Organice a los estudiantes en equipos de trabajo.

2. Facilitar a cada equipo un papelón o cartulina.

3. Pedirles que dibujen con trazos bien grandes, tan grande como el tamaño del papel
se los permita.

4. Orientarles que rellenen con crayolas los dibujos que hacen, y también los espacios
que quedan libres, de tal manera que no quede ningún espacio del papel sin cubrir.
 5. Muestre a los estudiantes otros ejemplos de afiches.

6. Presente el trabajo realizado a los compañeros de clase.

7. Muestre obras de pintores nicaragüenses para que identifiquen características de la

pintura.

Evaluar en los estudiantes la identificación de las características de la pintura en las

obras nicaragüenses, el uso de los colores y lo que expresan nuestros artistas.

Aprendizajes básicos de la pintura: círculo cromático y difuminado de colores.

Indicador de logro: Aplica las técnicas básicas de la pintura en la creación de trabajos

artísticos sencillos.
 Observemos y comentemos:

1. ¿Qué observamos en la lámina?

2. ¿Para qué se utiliza este tipo de lámina?

3. ¿Qué representa la lámina?

Explique de forma clara la siguiente información:

Círculo cromático
El círculo cromático es una representación visual de los colores primarios, rojo, amarillo y
azul, y su combinación para crear todos los demás colores visibles. Ayuda a comprender las
relaciones entre los colores para el arte y la planificación del diseño, por ejemplo, las
combinaciones de colores. El negro y el blanco no aparecen en el círculo. El efecto del
negro y el blanco en relación al espacio de color se denomina "valor".
El círculo cromático, o rueda de colores, es una representación ordenada y circular de los
colores de acuerdo con su matiz o tono, en donde se representa a los colores primarios y sus
derivados.
Su uso es compatible tanto con los modelos sustractivos de color (artístico, pictórico),
como con los modelos aditivos (lumínicos).

Círculo cromático natural difuminado.

Los círculos cromáticos pueden representarse escalonados o en

degrade (como en la imagen). Los escalonados
pueden tener cualquier cantidad de colores
según el autor, por lo general son 6, 12, 24,
48 o incluso más. El denominado
hexagrama, por ejemplo, es una estrella que
se coloca en el centro del círculo cromático,
donde la cantidad de picos corresponde a cada
color y se pueden mostrar los opuestos o complementarios.

El término ‘círculo cromático’ es utilizado para hacer referencia a la forma de

representación geométrica y plana de los colores.

Colores primarios
Los colores primarios son el rojo, amarillo y azul. Se denominan primarios porque no se
basan en algún otro color. Pueden combinarse para crear cualquiera de los otros colores del
círculo cromático. La mezcla de pigmentos de los tres colores primarios forma el color
café.

Colores secundarios

Los colores secundarios son tres. Se crean mediante la

mezcla en cantidades iguales de dos colores primarios.
Aparecen en el círculo cromático entre los dos colores
primarios que los componen.

 Naranja = rojo + amarillo

 Verde = azul + amarillo
 Morado = rojo + azul

Colores complementarios

El color primario directamente al frente de un color secundario en el círculo se denomina

color “opuesto” o “complementario”. Tienen efectos interesantes entre sí, los que
trataremos después. Recuerde que cada par complementario consiste en un color cálido y
uno frío. Los grupos de colores complementarios son:

 Rojo y verde
 Azul y naranja
 Amarillo y morado

Colores terciarios
Terciario se refiere a "tercero". Estos seis
colores son el tercer nivel de mezcla de colores
RYB. Se forman mediante la mezcla de un
color secundario con uno de los colores
primarios adyacentes en el círculo cromático.
Todos los colores del rojo al amarillo puro se
denominan “cálidos”. Del amarillo-verde al
rojo-morado se denominan “fríos”.

Entre los colores terciarios están:

 Azul-verde
 Rojo-naranja
  Amarillo-naranja
 Amarillo-verde
 Rojo-morado
 Azul-morado

Difuminación del color

El difuminar un color es cuando de un lado es más oscuro y de otro es más claro. 

También tienes que tomar en cuenta que, para difuminar,

los colores se tienen que combinar un poco, por ejemplo, cuando estás pasando del azul
cielo al azul marino, se tienen que combinar un poco los colores para que le dé el efecto
difuminado.

La difuminación de colores es la forma cómo podemos descomponer un color: va oscuro,

medio tono, después más claro, hasta llegar a la tonalidad más clara.

Difuminación de colores primarios

El término se refiere a que bajas el tono del color al mezclarlo con otro, los colores
primarios (azul, rojo y amarillo) los mezclas con blanco hasta terminar en colores pálidos y
finalmente blancos, los colores que son combinados los difuminas con blanco, pero a la vez
les puede agregar alguna de sus bases lo que te dará más gamas del color.

Por ejemplo, verde + blanco = a tonos pálidos, el grado que quieras;

verde + azul + blanco = verde obscuro y sus gamas; verde + amarillo +
blanco= verde claro y sus gamas.

Cómo realizar un difuminado

Un difuminado es una transición de un color a otro mediante la mezcla de ambos colores,

aunque también puede ser la difuminación de un solo color. Los difuminados nos rodean en
la vida cotidiana, se emplean mucho en ámbitos como la publicidad y se manifiestan a
diario en la naturaleza.

Sugerencias metodológicas:

Oriente a los estudiantes la realización de las siguientes actividades:

1. Elabore un círculo cromático con los colores primarios o secundarios.

2. Comience probando un difuminado básico con un lápiz de grafito, apretando

primero intensamente y cada vez menos, de un modo progresivo hasta llegar al
blanco o la ausencia de color.

3. Ahora emplea, la misma actividad empleando cualquier tipo de pintura, desde

lápices de madera hasta acuarelas, acrílicos u óleos. Sólo tienes que fundir (unir) los
colores entre ellos.

4. Es conveniente que comience practicando con pintura acrílica (agua) y cartulina

gruesa de unos 300 gramos específica para acrílico y acuarela.

5. Experimente y equivóquese tantas veces como necesite. De esta manera tendrá

dominio cuando pinte sobre lienzo.

6. Diluye la pintura con agua si está muy espesa para poder mezclarla con mayor
facilidad.

7. Comience con un color por un extremo y con el otro color por el extremo opuesto.
Piense que en el punto central donde confluyan deberá haber la misma cantidad de
cada color, y conforme se aproxime a los bordes deberá dominar el color asignado a
cada lado.

8. Si eres principiante te vendría bien pintar un círculo cromático para aprender a

mezclar colores y mejorar tus difuminados.

9. Una vez que domine el difuminado básico, puedes dibujar objetos y figuras
tridimensionales y aplicarles sombras mediante difuminados. Así aprenderá a
aportarles volumen.
10. Ya puede pintar difuminados en cielos y rostros. En realidad, cualquier objeto
expuesto a la luz suele reflejar una transición de sombras o difuminado.

11. Expone los trabajos realizados.

Se evaluará el procedimiento adecuado para la combinación de colores, la carga de

pintura o material utilizado en la aplicación de las técnicas básicas de la pintura en
la creación de trabajos artísticos sencillos.
 Pinturas con materiales del medio.

Indicador de logro: Elabora pinturas sencillas usando materiales del medio.

Observemos y comentemos:

1. ¿Qué observamos en la pintura?

2. ¿Qué representa la pintura?

3. ¿Qué técnica se utilizó en la elaboración de la pintura?

4. ¿Qué materiales caseros considera que podríamos utilizar para la elaboración de

pintura en pequeñas obras pictóricas?

Comentemos con los estudiantes sobre:

Técnicas de pintura libre

Con la realización de las técnicas creativas de pintura libre aprenderá a utilizar materiales
del medio y cómo transformarlos en obras bellas.

Antes de empezar a aplicar una técnica, puede narrar una historia o inventarla con los
estudiantes; recorrer previamente algunos lugares; hablar de un tema. Todos éstos son
recursos muy especiales para estimular el trabajo de expresión artística y el desarrollo de la
creatividad.

Comente con los estudiantes qué les gustó del relato, qué les motivó más, para que pinten
sobre esto.
Antes de aplicar una técnica hacer una demostración a los estudiantes y estar pendientes de
lo que hace cada uno de ellos.

Técnica pintura con hojas y flores

Esta técnica consiste en la elaboración de una pintura

con hojas y flores. Estos materiales lo han visto
habitualmente en el campo y lo podemos transformar
en creaciones artísticas, lo cual constituye un
aprendizaje interesante.

Sugerencias metodológicas:

Oriente a los estudiantes que elaboren una pintura utilizando hojas y flores y aplicando el
siguiente procedimiento:

1. Salir a buscar las hojas y las flores de acuerdo a la ornamentación del centro.

2. Elaborar tintes o colorantes (restregar las hojas y las flores sobre el papel, hasta que
suelten el color) con los cuales se va a trabajar sobre papel utilizando carbón vegetal para el
trazado de líneas finas.

3. Entregar a cada uno de ellos un papel y un pedazo de carbón vegetal.

4. Explicarles que con el carbón harán el dibujo.

5. Recomendarles que hagan dibujos grandes, que llenen totalmente el papel.

6. Exposición de los trabajos en plenario.

Técnica pintura con manchas

Las formas y disposiciones de las manchas en el papel son expresivas. Interpretar esas
manchas revela algo de lo que llevamos en la mente. Esta técnica también conduce a
diseños sorpresas, por eso es tan divertido y estimula la imaginación.

Sugerencias metodológicas:

A través de un conversatorio, explique a los estudiantes las

actividades a realizar:

1. Preparar previamente pintura de colores primarios.

2. Entregar a cada estudiante una hoja de papel doblada por la mitad.

3. Pedirles que abran la hoja y que dejen caer gotas de pinturas de diferentes colores.

4. Orientarles que cierren la hoja y presionen suavemente el papel con sus manos de manera
que la pintura se vaya regando poco a poco por el papel, pero sin salirse.

5. Indicarles que abran despacio la hoja y observen el papel. Preguntarles ¿qué ven?, ¿qué
hicieron?, ¿por qué eso está ahí…? Conversar sobre las “manchas” que ven, que las
interpreten, qué colores identifica en la mancha. Dejarles expresar todo lo que perciben sin
corregirles, respetando su imaginación.

6. Los trabajos realizados pueden ser utilizados como motivos para hablar de un tema o
como elementos decorativos.

7. Poner los trabajos a asolear sobre una mesa.

8. Exposición de los trabajos realizados.

Técnica pintura con dedos

El movimiento de los dedos de nuestras

manos es una de las maravillas naturales
que experimentamos a diario.

Dedos y manos son herramientas

privilegiadas para la expresión artística.

Sugerencias metodológicas:

Oriente a los estudiantes que elaboren una pintura utilizando la técnica

“pintura con dedos” y aplicando el siguiente procedimiento:
1. Preparar engrudo (pegamento) a base de harina, debe quedar espeso de tal manera que al
agarrarlo con las manos se sostenga. Agregar colorante cuando esté frío.

2. Colocar hojas grandes de papel sobre el piso, humedecerle las orillas para que se
adhieran al piso.

3. Entregar a cada grupo las pinturas en platos.

4. Dejarlos jugar y disfrutar las pinturas. Esto les ayudará a relajarse y contribuirá a su
desarrollo psicomotor.

5. Pedirles que estampen sobre el papel, el material de acuerdo al color seleccionado y a la

creatividad en su elaboración.

6. Indicarles que deben limpiarse siempre las manos después de pintar con cada color para
no ensuciar los colores.

7. Presentación de los trabajos realizados.

Otras técnicas

Técnica de dibujo con limón

Sugerencias metodológicas:

A través de una explicación sencilla, aplique la técnica

del dibujo con limón, utilizando los siguientes pasos:
1. Presente a los estudiantes un limón.

2. Converse acerca de las utilidades que nos da el limón, en qué comidas se les sirve, entre
otras.

3. Partir el limón en 4 partes iguales y exprimir, podemos también probarlo para sentir su
sabor ácido.

5. Coloquemos el jugo de limón en un recipiente involcable.

6. Utilizar las cáscaras como colorante o tinte para emplearlo en el trabajo a realizar.
6. Dibujemos con jugo de limón utilizando hisopos.

7. Al principio el dibujo no se verá, sólo se notará la hoja mojada, esto tal vez puede llegar
a desilusionar a los estudiantes, pero la gracia está después...

8. Dejar secar unos minutos.

9. Con ayuda calentar la plancha y planchar el dibujo.

10. Nuestro dibujo aparecerá poco a poco.

11. Presenta los dibujos ante los compañeros de clase.

Técnica de crayón con anilina

Sugerencias metodológicas:

Oriente a los estudiantes que elaboren una pintura

aplicando la técnica de crayón con anilina utilizando el
siguiente procedimiento:

1. Cubrir la mesa con papel periódico.

2. Dibujar en la hoja con los crayones.

4. Una vez finalizado el dibujo, retirar los crayones y colocar los recipientes
con la anilina.

5. Pasar el hisopo grueso con anilina, sobre la hoja, incluso sobre el dibujo pintado.

6. Presentación de los trabajos realizados.

Técnica de café

Sugerencias metodológicas:
Oriente a los estudiantes que elaboren un dibujo empleando su creatividad e imaginación y
que apliquen la técnica del café, utilizando los siguientes pasos:

1. Se mezcla agua caliente y café hasta que quede un poco espeso, se le proporciona al
joven un recipiente pequeño con la mezcla.

2. Posteriormente se le da un dibujo, se le indica al joven que ilumine el dibujo con el

pincel.

3. Se deja secar.

4. Presentación de los trabajos en plenario.

Se evaluará la aplicación de las diferentes técnicas a través de la realización de un álbum

con los trabajos realizados usando materiales del medio.
Técnicas de pinturas: Acuarela y Témpera.
Indicador de logro: Aplica las técnicas de pintura con acuarela y témperas en la elaboración
de dibujo y pinturas sencillas.

Observemos y comentemos:

1. ¿Qué observamos en la pintura?

2. ¿Qué representa la pintura?

3. ¿Qué técnicas se utilizó en esta pintura?

3. ¿Qué materiales utilizamos en la elaboración de esta pintura?

 Explique de manera sencilla la técnica de la acuarela:
La acuarela es una técnica que se práctica sobre papel, cartulina o cartón, se caracteriza por
la transparencia de los colores
diluidos en agua.

La transparencia de los colores

depende de la cantidad de agua
que se ha incorporado a la
goma y también a la tonalidad
que sea requerida por el pintor.

Esta técnica no utiliza color

blanco, ya que éste se obtiene
por transparencia con el papel
blanco del fondo. El objetivo de la acuarela es transparentar los colores con agua y quizá
hasta permitir ver el fondo del papel o de la cartulina que actúa como otro tono. La
dificultad de la acuarela es que no se puede enmendar ni raspar.

Sugerencias metodológicas:

Oriente a los estudiantes que en equipo realicen las siguientes actividades:

1. Piense en un lugar, objeto, paisaje, rostro, que le gustaría pintar haciendo uso de
las acuarelas.

2. Proyecte sus ideas en el papelón o cartulina, utilizando las acuarelas.

3. Presente a sus compañeros los trabajos realizados.

Comente con los estudiantes de forma sencilla, la técnica de la tempera:

Es una técnica acuosa que emplea como aglutinante una cola de origen animal por lo
general conejo o pescado, también puede ser el huevo o caseína.
La tempera es referente al proceso en donde se mezclan los colores con el
aglutinante, con la necesidad del calor para que este pueda ser manejado en caliente. Es una
técnica basada en el recubrimiento de los pigmentos ya secos.

Sugerencias metodológicas:

Oriente a los estudiantes que en equipo realicen las siguientes actividades:

1. Piense en un lugar, objeto, paisaje, rostro, que le gustaría pintar haciendo uso de las
acuarelas.

2. Proyecte sus ideas en el papelón o cartulina, utilizando la técnica de la témpera.

3. Presente a sus compañeros los trabajos realizados.

Se evaluará la correcta aplicación de las técnicas de pintura con acuarela y témpera a través
de la realización de una galería de dibujos y pinturas sencillas en el salón de clase.
 Modelado: generalidades y técnicas en arcilla, plastilina, migajón, collage, papel
maché.

Indicador de logro: Utiliza la técnica del modelado haciendo uso de arcilla, plastilina,
migajón, collage y papel maché en la elaboración de trabajos artísticos.

En artes plásticas, se entiende por modelado al proceso de creación de una representación o

imagen (el modelo) de un objeto real, y consiste en la elaboración manual, generalmente en
arcilla o cera, de una imagen tridimensional de dicho objeto.

Un modelo es por tanto una

representación parcial o
simplificada de la realidad que
recoge aquellos aspectos de
relevancia para las intenciones del
modelador, y de la que se pretende
extraer conclusiones de tipo
predictivo. Se modela para
comprender mejor o explicar
mejor un proceso o unas
observaciones. Un mismo objeto
puede ser modelado con distintas
técnicas y con distintas
intenciones, de forma que cada
modelo resalta sólo ciertos aspectos del objeto.

En pintura, el modelado se utiliza para sugerir un volumen o imagen de bulto redondo.

Desde la pintura rupestre, como en las Cuevas de Altamira, ya se alcanzaba este efecto
utilizando el propio relieve de las rocas sobre las que se pintaba. De otra forma, el
modelado se consigue con las gradaciones de las luces y las sombras. Los tenebristas tienen
la característica de utilizar un contraste duro, muy fuerte, mientras que en la pintura
renacentista, es mucho más suave.
Esta técnica, consiste en ir añadiendo fragmentos de un material maleable como el barro en
pequeñas porciones, no sale toda la escultura a la vez, sino que se va añadiendo
paulatinamente y luego se unen como veremos en el procedimiento.

Materiales necesarios

 Arcilla o barro (al principio no hace falta ser muy quisquilloso con el tipo o la
marca)
 Vaciadores para barro
 Palillos de modelar barro
 Rodillo o similar para amasar
 Alambre fino, un hilo de unos 40cm aproximadamente
 Alambre grueso, para obras de gran tamaño
 Alicates para poder cortar los alambres
 Cuchillo
 Agua

Modelando arcilla

1. C r e a r l a i d e a .
nuestra figura mental
plasmándola en un boceto
del que luego iremos
tomando prestados
fragmentos para darle
volumen.

2. A l g u n o s a r t i s
barro, haciendo una
maqueta en tres
dimensiones, en una
escala inferior de lo que
posteriormente será la
obra agrandada. Lo recomendable es, por lo menos al principio y hasta que cojamos soltura
modelando, pasar por ambos procesos.
3. Seleccionar cantidad. Lo más normal es que hayamos comprado un bloque muy
grande, para partir un fragmento lo mejor es utilizar un hilo de alambre para cortar un
cuadrante. Luego podemos ir añadiendo nuevos trozos sobre la pieza.
4. Si la obra fuese muy grande o con partes alargadas muy finas lo más recomendable
es revestir su interior con una estructura de alambre grueso.  No hay que hacer el mismo
dibujo que el acabado final, con una simple guía de metal será suficiente.  
5. Pasamos a modelar barro. Sobre este esqueleto añadimos los trozos de barro que
previamente debemos haber amasado, bien con el rodillo o con nuestras propias manos. Si
el barro está demasiado duro podemos añadirle un poco de agua para rehidratar el bloque y
que se maneje mejor.
6. Vamos añadiendo pedacitos de barro a la pieza e integrándolos con los dedos y con
ayuda de los palillos de modelar barro.
7. Si queremos retirar la masa sobrante lo ideal es utilizar las herramientas de vaciado.
Hay de muchas formas para crear diferentes huecos en la escultura.
8. No hay una única superficie de acabado, por tanto, tenemos que escoger cual nos
conviene más para nuestra obra. No tiene por qué acabar siendo una escultura lisa regular, o
llena de pequeños surcos, una de las mejores características de esta técnica es la creatividad
que presenta de principio a fin.
Una vez seca y cocida la escultura de barro se denominará terracota.
 El modelado en plastilina

Es hacer o formar algo

con la plastilina,
objetos, muñecos lo
que se le ocurra, esto
les ayuda a mejorar su
sistema motriz.

Modelado en migajón

Desde hace mucho tiempo, quien no ha querido alguna vez realizar algún trabajo manual
para regalar y tener la satisfacción de haberlo hecho con sus propias manos. Desde niños,
hemos hecho alguna cosa con harina, al menos el engrudo (este pegamento que se hace con
harina y agua), el cual tenía como fin, pegar cartitas.

La masa de miga de pan o migajón en su color natural es traslúcida de leve color hueso
dado por la tonalidad de la miga de pan. Es ideal para los niños, ya que sustituye la
plastilina, que es hecha de manera química y algunas pueden ser tóxicas. Además, una vez
teñida con colores no mancha las manos.

La ventaja es que la pasta de migajón, endurece al aire, sin necesidad de agregar agentes
endurecedores y queda bastante resistente una vez haya secado.

Para preparar la pasta necesitaremos los siguientes ingredientes:

- 10 rebanadas de pan
blanco
- 3 cucharadas soperas de
glicerina.
- 2 cucharadas cafeteras
de jugo de limón.
- 3 cucharadas soperas de
pegamento blanco escolar.
Como hacer la pasta de migajón
Para preparar la masa de migajón, haremos lo siguiente:

Lo primero que haremos será

retirar las orillas doradas del
pan, de manera que solo nos
quede la parte blanda. Esto
sería el acto de "descortezar"
el pan.

Este mismo proceso lo

realizaremos con las diez
piezas de pan.

A continuación frotaremos las rebanadas

con las manos para desmigarlo,
formando pequeñas virutas de pan. Para
esto necesitaremos un recipiente ancho,
en donde caerán las migas del pan.

Ya que hemos desmigado todos los

panes, agregaremos las tres cucharadas

soperas de glicerina...
...las tres cucharadas soperas de
pegamento blanco...
...y finalmente las dos cucharaditas de
limón.

Amasaremos muy bien con las manos, a

manera de que se mezclen muy bien los
ingredientes. Continuaremos amasando
hasta que la consistencia sea la de una
pasta manejable, moldeable y que no se
adhiera a las manos, es decir, que no esté
pegajosa.
 Si notas que la pasta queda demasiado dura,
agrega un poco más de pegamento blanco y un
poquito de glicerina y si por el contrario queda
demasiado pegajosa y no se arregla después de
amasarla por un buen rato, entonces agrega un
poco más de pan.

Aquí podemos ver la pasta muy bien

amasada y lista para modelar. Finalmente
la guardas en una bolsa de plástico. Al
meterla a la bolsa, sacas el aire que haya
quedado dentro de ella y la cierras muy
bien. Debes preservarla y cuidarla del
contacto con el aire mientras no la vayas
a usar. Con el jugo de limón se alarga la
vida de la masa, pero debes usarla dentro
del mismo mes en que la realices, de lo
contrario se puede enlamar.
No es recomendable guardarla en la refrigeradora, ya que con lo frío la pasta se hace dura y
es más difícil de amasar.

Técnicas del migajón

Para teñir la masa, se toma una pequeña cantidad de pasta y se le agrega un poco de pintura,
amasamos muy bien y listo. La intensidad del color obtenido dependerá de la cantidad de
pintura que hayamos agregado a la pasta.

No es recomendable agregar
demasiada pintura, ya que la
masa puede agrietarse una
vez que ha endurecido.
Debemos agregar poca
pintura y ver resultados.

La masa natural es de un
color hueso, translucida,
puede agregársele a la pasta
un poco de pigmento en
polvo "blanco de titanio"
esto eliminará un poco el
efecto translucido de la pasta
dependiendo de lo que vayas
a realizar.

Antes de modelar cualquier figura, debemos amasar muy bien la masa con las manos para
sacar todo el aire que pudiera existir dentro de ella, ya que de lo contrario al endurecer
podría agrietarse debido a las burbujas de aire que pudieran haber quedado dentro de la
pasta.

Al modelar en migajón es necesario ir agregando pegamento blanco a las partes a unir, ya

que la pasta no se une por si sola. También esto en el caso de flores grandes. En el caso de
figuras pequeñas no hay problema, puedes modelarlas y armarlas en ese mismo rato con la
pasta aún fresca.

Nota: La ventaja de la pasta de migajón es que endurece al aire, aproximadamente en 24

horas, por lo que no necesita ser horneada, simplemente modelas tus figuras, las dejas secar
y listo.

Las figuras en pasta de migajón encogen aproximadamente de un 10 a 30 % al secar, por lo

que es mejor modelar siempre las figuras un poco más grandes al tamaño que queramos
obtener.
Las figuras de migajón son muy durables, tendrán una vida muy larga mientras las tengas
alejadas de la humedad, ya que las figuras en migajón no son resistentes al agua.

Modelado en collage:

Un collage es un cuadro compuesto de diferentes

trozos de materiales pegados sobre la superficie,

El “collage” tiene su origen en China, hace unos

dos mil años. Los papeles entonces eran pegados
con pegamento de procedencia vegetal o animal.
Los más antiguos collage que podemos ver
todavía son del siglo XII y de origen japonés,
Papeles rasgados de diferentes colores, decoran
manuscritos.

Un siglo más tarde, en Persia se utilizó esta técnica para decorar las cubiertas de los libros.

En el siglo XVII esta actividad se convierte en un pasatiempo muy de moda. Los artesanos
fabricaban pequeños cuadros representando siluetas de músicos, escritores etc. y decoraban
postales para ocasiones especiales. A principios del siglo XX (1912) el desarrollo del
collage se debe a los cubistas Braque y Picasso.

Luego los futuristas italianos adoptaran este descubrimiento seguidos por los dadaístas y los
surrealistas. El arte del collage se generaliza tiene su propia evolución entra en la
decoración, su riqueza es inagotable.
Herramientas necesarias dependen de lo que quieras realizar. ¿Cortar, recortar, rasgar?
Cada una de estas prácticas tiene su atractivo. El corte se realiza con la ayuda de un cutter,
cuchillos escalpelos o corta papeles, el recorte con unas tijeras y el rasgado con los dedos.
La elección del pegamento depende de la naturaleza del soporte. Hay que tener en cuenta el
formato del soporte para que el collage resalte (el mismo collage en un pequeño formato o
un gran formato no tendrá el mismo efecto.
 Modelado en papel maché

El papel maché es una técnica de modelado que es utilizado desde la antigüedad como
elemento para realizar diferentes manualidades.

Esta técnica cuenta con una gran cantidad de variantes, ya que suele ser implementada de
modo diferente por los diversos artesanos en sus manualidades y objetos de arte. Muchas
veces se debe a sus objetivos para la creación, y sus recetas cambian en el papel que se
utiliza y en la clase de pegamento para lograr unirlos.

La técnica básica del papel maché suele entonces, ser diferente. Es por ello que aquí les
brindaremos una técnica muy sencilla y común, para que todos puedan trabajar con ella y
aprender a utilizarla para crear manualidades de papel maché.
El papel a utilizar puede ser el de un periódico, que es fácil y barato de conseguir, además
con él pueden obtenerse hermosos objetos reciclados. Debes tomar el papel y cortarlo en
tiras, de forma manual y sin tijeras, para que queden los bordes desprolijos e hilachas del
papel.

Las tiras deben ser largas, pero también algunas más pequeñas para tener todos los tamaños
al momento de trabajar en la manualidad. Otro material muy utilizado es el papel
higiénico, aunque tienen el problema de que se deshace rápidamente, así que es mejor
usarlo para las últimas capas.

Para dar forma a un objeto, utiliza una estructura de base realizada con alambre, cinta de
papel, cartón (como puede ser el rollo del papel higiénico).

La técnica del papel maché consiste en tomar un pincel y pegar las diferentes tiras de papel
uno sobre otro en la estructura creada, colocando pegamento entre ellos. Luego de finalizar
cada capa deja secar por completo, y recubre con una segunda capa.

Necesitaremos cubrir con aproximadamente 4 o 5 capas para que la estructura que de lo

suficientemente fuerte y resistente. Recordando siempre permitir secar la pieza
completamente antes de añadir la siguiente capa.

Finalizada completamente, deja secar entre 24 y 48 horas, lija la superficie para que quede
limpia y lisa, para luego poder pintar y decorar el objeto de la forma deseada.

Puedes pintar con pinturas acrílicas, barniz brillante o mate., otros.

Sugerencias metodológicas:

1. Organizar a los estudiantes en equipo.

2. Asignar a cada grupo una técnica de modelado.
3. Aplicar las técnicas del modelado.
4. Presentación y explicación de los trabajos realizados.
5. Exposición de trabajos.

Se evaluará la aplicación de las técnicas del modelado, a través de la realización de una

exposición a través de una galería en el salón de clase. Identificando la importancia social,
económica y cultural de los trabajos realizados.