LOS GÉNEROS MUSICALES

Un género musical es una categoría que reúne composiciones musicales que comparten distintos

criterios de afinidad, tales como su función (música de danza, música religiosa, música de cine...), su
instrumentación (música vocal, música instrumental, música electrónica...), el contexto social en que
es producida o el contenido de su texto.
Mientras que las tradicionales clasificaciones académicas en géneros musicales han atendido
fundamentalmente a la función de la composición musical (para qué es compuesta la pieza, como en
los ejemplos anteriores), las clasificaciones por géneros de la música moderna, usadas por la
industria discográfica, han atendido más a criterios específicamente musicales
(ritmo, instrumentación, armonía...) y a características culturales, como el contexto geográfico,
histórico o social; se ha asimilado así el concepto de género musical al de estilo musical, y es
habitual que hoy se califique de "géneros" al flamenco, el rock o el country (ejemplo: el rock es un
género musical de ritmo muy marcado).
GÉNEROS MUSICALES DE LA EDAD MEDIA
 Canto gregoriano (Características)
 Es música funcional, exclusivamente destinada a la liturgia cristiana (misa y oficio).
 Es un canto monódico.
 Su texto está en latín.
 El ritmo (llamado libre) va ligado al texto y no tiene una pulsación predeterminada.
 Se canta sin acompañamiento instrumental y habitualmente solo con voces masculinas.
 El madrigal es una de estas formas, que no es aquella misma que aparece 150 a 250 años
después, pero con una forma como de verso/refrán. La stanza de tres líneas, cada una con
diferentes palabras, alternadas con un ritornello de dos líneas, con el mismo texto en cada
aparición. Quizás podríamos ver las semillas del ritornello del Renacimiento tardío y del
Barroco en estos arreglos. También regresan una y otra vez, reconocibles en cada ocasión,
en contraste con las secciones dispares que la rodean.
 El motete es una forma polifónica y politextual que comienza siendo litúrgica y luego profana.
 Los trovadores eran aristócratas que componían canciones y en ocasiones cantaban sus
propias obras. Los textos de las canciones de los trovadores son muy variada: canciones de
gestas, heroicas, amorosas, de carácter político, moral, satírico, piadosas, cantos fúnebres...
Musicalmente, las formas son también de gran diversidad, destacándose el rondeau (con una
peculiar alternancia de coplas y estribillo), el virelai (en que el estribillo no interrumpe el
desarrollo de las estrofas) y la ballade (estribillo alternante cada tres estrofas).
 Los juglares, perseguidos constantemente por la Iglesia, solían ser personajes errantes que
iban de aldea en aldea, de castillo en castillo, asombrando y divirtiendo a un público
analfabeto. Herederos de los mimos y joculatores de la Roma clásica y pagana, mitad poetas
y mitad saltimbanquis, mezclan en sus actuaciones la declamación y el malabarismo, la
música y la sátira, la lírica y las gestas épicas. Ellos son los únicos transmisores de la música
popular no litúrgica, pero enseguida con los procedimientos más avanzados del canto eclesial
y las novedades surgidas de la poética de tropos y secuencias.
Aparte de las habilidades circenses, los juglares en general se acompañaban
con instrumentos musicales prohibidos en la Iglesia a causa de su antigua vinculación a la
vida pagana. Había juglares de muy diferentes tipos y calidades, desde los más simples y
vulgares llamados Cazurros o Remedadores hasta los más pulidos en el arte, muy próximos o
confundidos con los trovadores.

GÉNEROS MUSICALES DEL RENACIMIENTO

  El motete renacentista era una pieza polifónica de texto sacro y en latín. Deudor en un
principio del motete medieval, del cual procedía, pronto asumió una continua textura imitativa
de voces de igual importancia (en número cada vez mayor: cuatro en el siglo XV, cinco o seis
a finales del XVI), con frases musicales imbricadas y nuevos motivos para cada frase textual.
En el motete el autor generalmente creaba material puramente original, sin tomar préstamos
ajenos como en la misa. En el siglo XVI se desarrollan amplios motetes bipartitos y, en
la escuela veneciana, los policorales, para ocho o incluso doce voces. Ejemplos
sobresalientes de motete renacentista son el Ave María de Josquin o el Lamentabatur
Jacob de Morales. Son piezas con textos sagrados en latín, tomando inspiración en temas
bíblicos. A diferencia de muchas obras en la misa, el motete eran mayoritariamente
composiciones originales. Esta forma musical proviene desde la época medieval, pero en el
renacimiento alcanza una complejidad mayor llegando a combinar incluso hasta 12 voces.
 El Villancico religioso (España), madrigal espiritual, lauda (Italia) o el coral luterano son
otras formas musicales, también de carácter sagrado pero que ya poseen textos en el idioma
del país originario, en contraste con la misa y el motete que seguían teniendo textos en latín.

COMPOSITORES DEL RENACIMIENTO

- Emilio de Cavalieri (ca.1550-1602)
- William Byrd (ca.1543-1623)
- Luca Marenzio (ca.1553-1599)

GÉNEROS MUSICALES DEL BARROCO

La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con la época
cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600
hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750.
 La ópera. Entre las primeras se cuentan la Dafne (1598) de Jacopo Peri, de cuya música solo
se conservan algunos fragmentos y cuyo tema fue significativamente tomado de Las
metamorfosis de Ovidio, y Eurídice, también de Jacopo Peri, esta sí conservada completa en
su edición de 1600. Pero fue Claudio Monteverdi con su Orfeo (1607) quien consolidó la
forma.
La evolución posterior y su fusión con otras formas músico-teatrales acabó convirtiendo a la ópera
barroca en una representación teatral íntegramente musicada en la que se suceden números de
cuatro tipos:

 Recitativos, en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra dramática en
un canto silábico apenas acompañado por el bajo continuo.

 Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son números solísticos líricos y muy
elaborados, a menudo virtuosos, al servicio del lucimiento del cantante y del puro deleite
musical (aun a costa del decurso teatral, aquí suspendido). Hacia el final del periodo se
impuso la forma A-B-A, llamada aria da capo.

 Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la sinfonía inicial

y, sobre todo, las danzas bailadas en escena.

 Coros, generalmente a cuatro voces, a imitación de los coros del teatro griego.
 El oratorio musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más énfasis en los coros),
solía tener una temática religiosa y no era escenificado (esto es, era ejecutado al modo de las
actuales "versiones de concierto"). A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los
oratorios solían escribirse en lengua vernácula. El más famoso ejemplo es El
Mesías de Händel.
Un caso particular de oratorio, representado en las iglesias protestantes de la época, era
la Pasión, obra de larga duración que relataba, en recitativo, el texto evangélico de la Pasión
de Jesucristo, con arias y corales insertados. La Pasión según San Mateo de Bach es su más
ilustre ejemplo.
 La cantata. La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo concertante por la música de
iglesia dio lugar a una nueva forma musical, la cantata, obra de uso litúrgico que intercalaba
sinfonías instrumentales, recitativos, arias y coros. La composición y ejecución de nuevas
cantatas religiosas en lengua vernácula era parte de las obligaciones cotidianas de los
músicos de los países luteranos, caso de Bach en Leipzig: allí compuso más de doscientas.
Se escribieron también cantatas profanas, especie de minióperas de cámara habitualmente
formadas por la secuencia Recitativo-Aria-Recitativo-Aria. Con frecuencia tienen un carácter
vanguardista por estar dirigidas a una audiencia selecta y culta. Aunque Alessandro
Scarlatti fue el más prolífico autor del género,2 son sin embargo más conocidas la Cantata del
café de Bach o las compuestas por Händel, en italiano, durante su estancia en Roma.

 La sonata Al igual que la palabra cantata designa una composición para canto solista y bajo
continuo, la palabra sonata designa en el Barroco una composición para ser "sonada", esto
es, para uno o dos instrumentos (sonata a solo o sonata a trío, respectivamente) más el
habitual bajo continuo. La combinación más habitual incluía violín, flauta travesera u oboe
para la o las voces superiores, más violonchelo y un instrumento de acordes (órgano, clave,
arpa, laúd...) para el continuo: su textura muestra la polarización de voces típica del Barroco.
Derivada de la canzona del Barroco temprano, la sonata solía dividirse en tres o cuatro
movimientos de carácter y tempo contrastantes: típica es la secuencia Largo-Allegro-Adagio-
Allegro.
 Las sonatas destinadas a la iglesia (sonate da chiesa) solían consistir en movimientos de
forma libre, que incluían algún fugado entre los rápidos. Las destinadas a las salas civiles
(sonate da camera) incluían movimientos de danza bipartitos, al modo de la suite. Entre los
más célebres autores de sonatas están Corelli, Vivaldi y Bach. A mediados del siglo XVIII la
palabra sonata designó también obras para tecla, tales como las más de quinientas sonatas
para clave de Domenico Scarlatti.
  El concerto grosso Fue solo a finales del XVII cuando se consolidó el concepto de orquesta,
como conjunto en el que varios instrumentos de cuerda interpretan al unísono una misma
línea melódica, de suerte que una música escrita a tres o cuatro voces (esto es, en partitura
de tres o cuatro pentagramas) podía ser interpretada por un conjunto de hasta quince o veinte
músicos. Nació así la posibilidad de alternar pasajes para la masa orquestal completa
(tutti, ripieno o concerto grosso) con otros para los solistas del conjunto (concertino,
habitualmente formado por dos violines y un violonchelo). A las obras así escritas se les
llamó concerti grossi.
Tras su primera aparición en la escuela de Bolonia, los concerti grossi fueron difundidos por
toda Europa gracias a las publicaciones de Arcangelo Corelli; consistentes inicialmente en
meras sonatas en trío en las que cada pasaje era repetido por el tutti tras ser tocado por
el concertino, las partes solísticas ganaron en sofisticación y dificultad técnica hasta
diferenciarse temática y musicalmente de las partes orquestales: nació así el concierto solista
virtuoso en tres movimientos (típicamente Allegro-Adagio-Presto), fijado por Vivaldi y que
traspasó épocas musicales al punto de estar aún vigente como forma musical. Importantes
centros del género instrumental concertante fueron Módena, Bolonia y Venecia.
 La suite es una sucesión de movimientos o piezas de danza que se interpretan seguidas (en
francés, suite). Su secuencia mínima clásica incluía:
 Allemande: danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado.
 Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior, de
compás ternario y frecuentes hemiolias.
 Sarabande: danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su segundo
pulso, de origen español.
 Giga: danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen irlandés.
A las que se podía añadir una obertura inicial más otras danzas tras la giga, elegidas
libremente, como, por ejemplo:

 Minueto: de compás ternario parecido al del vals. La suite suele contener dos minués
emparejados.
 Obras representativas del Barroco

Año Obra Compositor

1607 Orfeo (ópera) Claudio Monteverdi

1630 Fiori musicali Girolamo Frescobaldi

1640 Selva morale e spirituale Claudio Monteverdi

1676 Atys (ópera) Jean-Baptiste Lully

1689 Dido y Eneas Henry Purcell

1700 Sonatas para violín y bajo continuo op. 5 Arcangelo Corelli

1711 L'estro armonico Antonio Vivaldi

1717 Música acuática Georg Friedrich Händel

1722 Conciertos de Brandeburgo Johann Sebastian Bach

1722-44 El clave bien temperado Johann Sebastian Bach

 Obras representativas del Barroco

Año Obra Compositor

1724 Giulio Cesare Georg Friedrich Händel

1725 Las cuatro estaciones Antonio Vivaldi

1727 Pasión según San Mateo Johann Sebastian Bach

1713-30 4 libros de órdenes François Couperin

1733 Tafelmusik Georg Philipp Telemann

1738 Ejercicios para clavicémbalo Domenico Scarlatti

1742 El Mesías Georg Friedrich Händel

Música para los reales fuegos de

1749 Georg Friedrich Händel
artificio

1749-50 El arte de la fuga Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach

1728-
Misa en si menor
1750
 GÉNEROS MUSICALES DEL CLASICISMO

La sinfonía es un tipo de composición musical para la orquesta (aunque actualmente es común

encontrar sinfonías para pocos instrumentos), dividida, generalmente, en cuatro movimientos, cada
uno con un momento y estructura diferente.

El trío, el cuarteto, el quinteto... denominan a obras escritas respectivamente para tres, cuatro,
cinco... instrumentos. Entre estas combinaciones quedan fijadas algunas plantillas, como la
del cuarteto de cuerda o el quinteto de viento.

El concierto es una actuación musical en «que se ejecutan composiciones sueltas». También es

la forma musical en la que los materiales melódicos, rítmicos y armónicos se combinan en
una composición, determinando así la cualidad sonora global de una pieza. Designa la forma de
relacionarse las diversas voces que intervienen en una pieza musical, entendiendo como voces
diversas líneas melódicas simultáneas, sean vocales o instrumentales.

COMPOSITORES CLÁSICOS

- Franz Joseph Haydn

- Wolfgang Amadeus Mozart
- Ludwig van Beethoven

GÉNEROS MUSICALES DEL ROMANTICISMO

Poema Sinfónico Es era una pieza de un movimiento, libre de las ataduras de la forma

Sinfonía Programática.

Lied. Son piezas para voz (por lo general masculinas) con acompañamiento de piano.

Fryderyk Franciszek Chopin (1810-1849)

Richard Wagner (1813-1883)

Robert Schumann (1810-1856)

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Johannes Brahms (1833-1897)

Pyotr Il’yich Tchaikovsky (1840-1893)

Richard Strauss (1804-1849)

Géneros musicales contemporáneos

La música es algo esencial en nuestra vida. Es parte de nuestra historia y de nuestra cultura. El tipo
de música predominante en una determinada época nos sirve para comprender el estado de la
sociedad, el momento histórico en que un género se originó o se puso de moda… Nos ayuda a
comprender la sociedad de ese tiempo y nos influye en nuestro día a día; nos influye en las
actitudes, los estados de ánimo, las emociones y las acciones que a veces llevamos a cabo.

Cómo punto de partida tenemos que mencionar que un género musical es una categoría que reúne
composiciones musicales que comparten distintos criterios de afinidad. Estos criterios pueden ser
específicamente musicales, como el ritmo, la instrumentación, las características armónicas o
melódicas o su estructura, y también basarse en características no musicales, como la región
geográfica de origen, el período histórico, el contexto sociocultural u otros aspectos más amplios de
una determinada cultura.

Los géneros a su vez se dividen en subgéneros. En algunos géneros determinados, como el

flamenco, el término subgénero se sustituye por otro que determina cada una de las variedades
denominándose de una forma propia, en este caso palos.

Una composición musical puede ser clasificada dentro de varios géneros, y es expresada a través

del estilo concreto del artista. En los casos en que esta multiplicidad de géneros resulta evidente
dentro del estilo del artista, o es un objetivo buscado por el compositor, suele hablarse de música de
fusión, que si se llegan a generalizar lo suficiente pueden llegar a formar géneros de fusión
prácticamente independientes.

A continuación, comentaremos brevemente algunas características de cada género.

Clásica

Lo que define a este género musical es excluyente. Se trata de aquella música que no es popular ni
folklórica. Es realizada por pocos, con la idea de que les guste a muchos, pero estos no suelen ser
tantos en general. Sus autores y ejecutores han estudiado una larga carrera en escuelas especiales,
conservatorios, y sus oyentes, en general han sido inducidos a gustarle por tradición familiar, que
luego puede cultivarse. El mensaje que transmite la música clásica ha evolucionado en forma
paralela al pensamiento occidental. Es su característica más notable: no es estática, está en
continuo cambio de formas y modos, buscando siempre nuevos lenguajes, nuevas formas de
expresión, cosa que no ocurre en la música de otras culturas.

Blues y Jazz
Es el fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso,
Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo XVII.

En el siglo XIX, la religión cristiana (sobre todo las iglesias baptista y metodista) fue impuesta a
muchos de estos esclavos, que encontraron en los textos del Antiguo Testamento numerosas
analogías aplicables a su propia situación y en las corales una forma de expresión musical.

Con el paso del tiempo esos salmos teñidos de tradición africana darían lugar a lo que se conoce
como Gospell, canto religioso que adopta formas diversas: la prédica del pastor, los grupos vocales y
gran número de solistas especialmente femeninas.

La música religiosa convivía con la profana: canciones de plantación, baladas, y otras formas de
expresión popular, tanto africanas como europeas. En las plantaciones de algodón del sur de
Estados Unidos, los esclavos traídos de África cantaban los llamados hollers, worksongs o
"canciones de trabajo" que más tarde se convertirían en todo un género musical, el Blues. Estas
"canciones de trabajo" cumplían varios objetivos, como transmitirse mensajes secretos entre ellos o
intentar aplacar el dolor y el sufrimiento.

Por otro lado, surge en Saint Louis, hacia 1870, un estilo pianístico, que sin llegar a ser Jazz se
acerca mucho por su carácter dinámico y saltarín, es el Ragtime. Su origen parece ser que está en
las danzas que bailaban los esclavos parodiando a sus amos. Sus partituras se grababan en “rollos
de cartón” para piano mecánico o pianola, su músico más representativo fue Scott Joplin.

El nacimiento del Jazz se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura
afroamericana que se produce a finales del siglo XIX: el Gospell, el Blues, el Ragtime, las marchas
militares, la música de baile europea…Toda esta mezcla creará el trasfondo sobre el que Jerry Roll
Morton se permitiría autoproclamarse “inventor del Jazz”.

Soul

Es un género musical originado en Estados Unidos, que presenta elementos de otros géneros como
el R&B y el Gospel; se caracteriza por el uso apasionado de la voz, ritmos atractivos, expresividad
corporal, uso de aplausos y una suerte de diálogo entre el solista y el coro.

Se considera que este estilo nació específicamente, con el cantante Ray Charles y su canción “I Got
a Woman” en 1954. Tuvo su apogeo con el nacimiento musical de Aretha Franklin, que, en 1967,
logró una gran popularidad con sus canciones “I Never Loved a Man (The Way I Love You) y
“Respect”. Aretha llegó a ser considerada la reina del Soul, y hasta el día de hoy, es una de las
artistas más reconocidas de la historia de la música.

Rock and Roll

Emergió como un género musical definido en Estados Unidos en la década de 1950, aunque algunos
de sus elementos musicales pueden ser escuchados en grabaciones de blues desde 1920. Sus
inicios combinan elementos de Blues, Boogie-Woogie y Jazz con influencias de la música folclórica
Apalache, Gospel, Country y Western.

Hay quienes datan su origen en 1954, con el trabajo de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the
Haley's Comets, especialmente con su gran éxito "Rock Around The Clock". Otros consideran como
creador a Little Richard o a Elvis Presley y eligen también como fecha de comienzo 1954, año en el
que Presley editó su primer disco.
Reggae y Ska

El Reggae es un género musical que se desarrolló inicialmente en Jamaica, para luego conquistar
otros muchos países alrededor del mundo.

Tiene una fuerte influencia de música africana y caribeña, además de la música afroamericana R&B.
Sin embargo, se afirma que sus orígenes directos se deben al desarrollo progresivo del Ska y el
Rocksteady en Jamaica de los años ’60. El Ska se caracteriza por un ritmo más bien rápido. A
mediados de los 60, los músicos crearon un Ska más lento que dio origen al Rocksteady, que duró
hasta 1968, cuando los músicos volvieron a disminuir el ritmo de la música y añadieron más efectos.
Fue en ese momento cuando nació el Reggae.

El reggae se difundió mundialmente en la década de los ’70 gracias al sello Island de Chris
Blackwell, que editó a figuras como Bob Marley y Jimmy Cliff.

Funk

Nació entre mediados y finales de la década de los ’60 cuando principalmente músicos
afroamericanos fusionaron Soul, Jazz, Ritmos Latinos y R&B dando lugar a una nueva forma musical
rítmica y bailable. El funk reduce el protagonismo de la melodía y de la armonía y dota, a cambio, de
mayor peso a la percusión y a la línea de bajo eléctrico.

Muchas de las más famosas bandas del género también tocaron música Disco y Soul. El Funk fue
una influencia decisiva en el desarrollo de la música Disco y del Afrobeat. Por otra parte, los samples
de funk han sido utilizados de modo generalizado en géneros como Hip Hop, House y Drum and
Bass.

Es una música que apasiona, creada para bailar, para expresar y para sentir.

Disco

A principios de los ’70 surge este género que toma elementos del Soul, R&B, Funk y hasta Jazz a
pesar de que el término Discotheque ya se usaba desde la década de los sesenta.

Justo cuando el Soul se convierte en música sexy con artistas como Barry White, Marvin Gaye tanto
en Europa como en América comienza la invasión Disco que se adueña de todos los géneros y
escenarios de la época.

Con la película Saturday Night Fever (1977), musicalizada por los Bee Gees, y con la mítica
discoteca Estudio 54; el mundo pone sus ojos sobre esta propuesta musical que perdura hasta bien
entrados los ’80.

Rap y Hip-hop

Surge en los barrios negros y latinos de Nueva York en la década de los ’70, como la expresión
desde el sonido y las melodías de la cultura Hip-Hop, que agrupa corrientes estéticas como el
Graffiti, el Breakdance o el Scratch. Desde allí se lanzó al mundo, tomando diferentes peculiaridades
regionales en cada país o continente.
En las primeras presentaciones de grupos de Rap, el estilo se sustentaba en las músicas de un Disc
Jockey que, utilizando algunas canciones y empleando cortes y mezclas, lograba una composición
que funcionaba como fondo sonoro para que pudiese rapear un MC o varios intérpretes al mismo
tiempo.

Ese lenguaje y esa cadencia particular se sustentan en una actitud contestataria, de una clara
tendencia anti-sistema. Pero como toda expresión artística, resulta muy complejo detenerla o
congelarla. Es así que los raperos de los años ’70 dieron lugar a una expresión más metafórica y
compleja desde la lírica en los años ’80, que a la vez se manifestó en los ritmos y bases de música
empleadas.

Ya sobre los años ’90, el mercado hizo lo suyo y muchos grupos o solistas terminaron formando
parte de la música Pop, adquiriendo una popularidad masiva impensada en un primer momento. Hoy
la diversidad de estilos y fusiones del Rap con otras expresiones musicales es inmensa.

Pop

La música pop (pop entendido como apócope de popular) es un género musical que surgió en
Inglaterra a principios de la década del sesenta. Más allá de la tecnología y los instrumentos que se
utilicen en la ejecución, todas las canciones que se encuadran en este estilo musical se caracterizan
por su estructura sencilla, melódica, pegadiza y la mayoría observa la siguiente modalidad: verso-
estribillo-verso. La principal diferencia con el resto de las corrientes musicales es que las voces
ocupan un primer plano y las percusiones son lineales y repetidas. Por consiguiente, la melodía
suele ser notablemente pegadiza y la composición de los temas es relativamente simple. Esta
facilidad ha motivado una rápida difusión del estilo entre aficionados y fanáticos, lo que ha dado lugar
a un explosivo surgimiento de cantantes y bandas de pop en todo el mundo.

Flamenco

El flamenco tal y como lo conocemos hoy en día data del siglo XVIII, y tiene como base la música y
la danza andaluza. Existe controversia sobre su origen, ya que si existen distintas opiniones y
vertientes. De todas las hipótesis sobre su origen, la tesis más extendida es el origen morisco, sólo
que el mestizaje cultural que se dio en Andalucía (oriundos, musulmanes, gitanos, castellanos
inmigrantes, judíos, etc.) propició el origen de este género. Está considerado actualmente como
Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

El cante, el toque y el baile son las principales facetas del flamenco.

Salsa

Salsa es el término usado a partir de la década de los ’70 para definir al género musical resultante de
una síntesis de influencias musicales cubanas con otros elementos de música caribeña, música
latinoamericana y Jazz, en especial el Jazz Afrocubano. La Salsa fue desarrollada por músicos de
origen «latino» en el Caribe hispano y la ciudad de Nueva York.

Electrónica
La historia de la música electrónica se remonta a principios del siglo XX, cuando algunos artistas
comenzaron a utilizar instrumentos electrónicos para crear nuevos sonidos.

En 1910, aparece El manifiesto futurista, donde se enuncian ciertos postulados que pronto recorren
el mundo. Robert Meyer y Helbert Eimert fueron los primeros en crear música electrónica. En 1919
se crea el theremin, el primer sintetizador. Con la aparición de instrumentos electrónicos accesibles
al público fuera del ámbito académico, el uso de estos instrumentos se comenzó a difundir.

A partir de la década de los ’60, el uso de sintetizadores se instaló con fuerza en el ámbito del rock.
Durante los ’70, la música disco ocupó por completo la escena nocturna. Y desde finales de los ’70 y
durante los años ’80, la influencia de Kraftwerk dio origen al Techno. Al caer la popularidad del disco,
el House llenó la noche y a su vez, este estilo dio origen a un sinfín de variantes.

World music

La World Music (en español literal música del mundo), también llamada música universal o música
global, es un género musical contemporáneo creado a fin de integrar en un concepto amplio toda la
música tradicional o folclórica, música popular, música étnica y otros géneros locales o
característicos de algunas zonas o culturas del mundo en concreto que suelen ser de difícil
categorización para el gran público. El fenómeno de la música universal se relaciona estrechamente
con el de la globalización y la diversidad cultural. La creación de este género artificial nace en los
años 80 cuando las grandes multinacionales, se consolidan y redefinen sus estrategias comerciales.
Algunas pequeñas discográficas independientes graban, gracias al abaratamiento de costes y de los
avances tecnológicos, géneros musicales locales que las grandes multinacionales hasta entonces
habían ignorado. A principios de los años 90 la gran industria discográfica comienza a prestar
atención a estos géneros que comienzan a ganar adeptos.