República Bolivariana de Venezuela

Ministerio del Poder Popular para la educación universitaria

Facultad Experimental de Artes (FEDA)
Mención: ejecución

Música china / india

Alumno: Dubal Marquez

CI: 20.071.132
Música china
a. Características y jerarquía de las artes chinas tradicionales por su importancia para
la sociedad.
Se debe comenzar aclarando que el arte chino es el conjunto de manifestaciones artísticas
desarrolladas en la civilización china; esto puede abarcar desde las primeras expresiones
plásticas, ocurridas durante la dinastía Zhou y la dinastía Shang.
Nota: ¿porque plásticas? Bueno eso se debe a que al principio el material que se utilizaba
era madera y al ser un material biodegradable no perduraron en el tiempo.
Sin embargo, el arte chino más llamativo para los críticos es aquel que estuvo
influenciado por el confucianismo y el taoísmo, ya que este representó la idiosincrasia ósea
el conjunto de creencias y la episteme de una cultura milenaria.
Los elementos preferidos por los artistas chinos fueron el jade, el hueso y el bronce, los
cuales eran utilizados desde los antiguos rituales de los chamanes o como son conocidos
popularmente LLERVATEROS. Con estos instrumentos la cultura china planteaba la
esencia de su arte, que consistía en una síntesis entre el espíritu artístico y la función
jerárquica.
El arte chino se caracterizó por la contemplación y la vivencia del espacio; en
consecuencia, los artistas debían realizar largas caminatas para visualizar y aprender sobre
las características del paisaje. Luego debían llevar a cabo una meditación, para
posteriormente comenzar la obra artística.
El arte oriental, al contrario de los preceptos occidentales, no sentía interés por realizar
un estilo propio, sino que aprendían realizando copias de los artistas que los precedieron.
Además, la autonomía del artista tampoco resultaba relevante, por lo que muchas veces las
obras no eran firmadas.
La sencillez de las líneas y de las formas del arte chino, así como también sus colores y
sus referencias taoístas, sirvieron de influencia para grandes artistas de occidente. En el
siglo XVIII, cuando oriente fue redescubierto por los viajeros europeos, surgieron grupos
de creadores que se nutrieron de esta cultura, como los impresionistas y los expresionistas.
Así mismo, la arquitectura china también tuvo mucha influencia en la arquitectura moderna
europea. Por ejemplo, la escuela de artes Bauhaus absorbió la sencillez y la geometría de
las formas orientales, por lo que integraron elementos de la naturaleza. Esto se puede
observar en las obras de los reconocidos Le Corbusier y Mies van der Rohe.
 El arte chino antiguo se caracterizó principalmente por sus vínculos con la naturaleza y
con la meditación. Por esta razón sus formas son suaves, ligeras y apacibles; además, las
manifestaciones artísticas de esta cultura están cargadas de una verdadera mística, puesto
que estos orientales se interesaban genuinamente por los misterios del universo. Para la
filosofía china, los oficios del arte (principalmente el de la pintura) eran considerados
sagrados, además de que tenían vínculos con los preceptos budistas y taoístas. Así mismo,
el arte chino buscó estudiar la cosmología, el destino humano y la relación entre el universo
y el hombre; debido a esto, las artes de esta cultura son un reflejo de su idiosincrasia.
Siguiendo esta línea, se puede afirmar que el arte chino dentro del pensamiento estético,
vinculaba lo bello con lo verdadero, los artistas y arquitectos chinos buscaron construir un
microcosmos vital en el que el macrocosmos pudiese obrar en armonía. Las
manifestaciones plásticas de esta cultura se mantuvieron por más de dieciséis siglos, sin
perder su inclinación hacia lo sencillo y lo tradicional.
Las manifestaciones artísticas orientales mantuvieron una fuerte carga religiosa, en la
que no solo se encuentran pensamientos, actos, hechos o vivencias del taoísmo y del
confucianismo, sino también del budismo. Así mismo, la figura de la naturaleza fue
primordial para el desarrollo de estas artes como lo mencione anteriormente.
La cultura china valoraba en gran medida la caligrafía y la cerámica, así como la seda y
la porcelana; estas disciplinas entraban en la misma categoría que la pintura y la escultura a
diferencia de lo que se pensaba en el ámbito artístico en Occidente; en ese contexto la
cerámica y otras artesanías eran consideradas artes menores.
Artes chinas
Pintura
La pintura china se caracterizó principalmente por regirse bajo seis principios
fundamentales, los cuales conformaban el conjunto de elementos que constituyen a esta
disciplina. Estos seis preceptos fueron establecidos por Xie He, quien es conocido por
haber sido un precursor de la crítica de arte y de la historia durante el siglo VI. Dichos
lineamientos son los siguientes:
Resonancia de espíritu
Esta categoría se refiere a la vitalidad que posee la pintura china, ya que pareciera
poseer una especie de energía nerviosa que fue transmitida por el pintor durante la creación.
En otras palabras, este punto se refiere a la energía total que posee una obra de arte. Xie He
llegó a establecer que, si una pintura no poseía resonancia de espíritu, entonces no valía la
pena mirarla.
Método del hueso
 Este enunciado se refiere a la manera en la que debía usarse el pincel. Esto hace
referencia a la textura y a la pincelada, así como también a la estrecha relación que debe
existir entre la escritura manual y la personalidad del autor. En aquel momento la caligrafía
formaba parte de la disciplina pictórica.
Correspondencia con el objeto
Esta noción se refiere directamente a la descripción de la forma, lo que incluye tanto a la
línea como al perfil.
Adecuación al tipo
Este precepto se refiere a la forma en la que se aplicó el color, lo que incluye los
diferentes tonos, capas y valoraciones.
División y plan
Este punto hace referencia a la disposición y a la colocación de los objetos dentro del
plano pictórico, donde jugaban un papel importante la composición, la profundidad y el
espacio.
Transmisión por copia
Este elemento abarca la copia de modelos. No solo las figuras de la naturaleza, sino
también la copia de obras de arte más antiguas.
Escultura
La escultura china se caracterizó principalmente por sus representaciones religiosas, por
lo que destacan las enormes figuras de Buda y de otros sacerdotes místicos. Así mismo, la
escultura dentro de esta cultura estuvo notablemente vinculada con los ritos funerarios.
En cuanto a los materiales, los escultores chinos se caracterizaron por utilizar marfil,
madera, bambú y hasta cuernos y colmillos de algunos animales. Además de la temática
religiosa, la escultura china también solía representar algunos animales y ciertos elementos
naturales; este arte se consideraba como una disciplina inferior, además, por ser de corte
religioso, las esculturas chinas eran importantes en sí mismas por su carga espiritual, más
que por la individualidad de sus creadores.
Arquitectura
Resulta poco probable encontrar arquitectura china construida antes de la dinastía Ming,
ya que anteriormente las construcciones eran realizadas en madera, por lo que no se
pudieron conservar. Por el contrario, a la arquitectura occidental, los cánones
arquitectónicos de oriente variaron muy poco durante los siglos. A través de la influencia
de la naturaleza, la arquitectura china mantuvo un bello sistema de horquillado, lo que le
otorgaba un carácter elegante, fuerte y flexible a la construcción. Uno de los estilos
arquitectónicos más utilizados en China fue la pagoda, el cual consistía en un edificio que
poseía varios niveles, construido con fines religiosos.
Influencia de las dinastías en las manifestaciones artísticas
Las etapas del arte chino son divididas según las dinastías, ya que cada una de estas
mantuvo una serie de características que las diferenciaron de las otras. Además, en cada
dinastía fueron integrados otros elementos e instrumentos creativos.

Dinastía Shang
Este período histórico y artístico, transcurrido entre 1046 y 1600 a. C., se destacó por la
utilización del bronce, que era utilizado para llevar a cabo esculturas y vasijas, así como
algunas máscaras y estatuas de carácter antropomórfico.
Dinastía Zhou
Esta dinastía abarcó desde 1045 y 256 a. C. El arte chino evolucionó de manera
considerable en este período, ya que los Zhou se destacaron por crear un estilo de carácter
ornamental y decorativo, haciendo figuras más estilizadas y con mayor sensación de
movimiento.
El instrumento favorito durante esta época fue el cobre. En este momento aparecieron el
confucianismo y el taoísmo, lo que modificó de manera notable las siguientes propuestas
artísticas. También fueron utilizados otros materiales como el marfil y el jade.
Dinastía Qin
Esta dinastía ocurrió durante 221 y 206 a. C. La dinastía Qin es una de las etapas más
importantes no solo para el arte sino también para la historia china, ya que durante este
período fue construida la Gran Muralla, así como también el Ejército de terracota de Xian,
el cual está compuesto por un gran número de soldados moldeados en terracota.
Dinastía Han
Este período, transcurrido entre 206 y 220 a. C., quedó registrado como una época
pacífica, puesto que el budismo fue poco a poco introducido en esta cultura oriental. En el
ámbito constructivo se realizaron varias capillas funerarias, que estaban decoradas con
figuras de tigres, leones y caballos.
Por su parte, la pintura estuvo dirigida hacia una temática imperial, en la que eran
retratados los nobles y funcionarios. Este estilo pictórico destacó por su solemnidad y por
una fuerte virtud moral.
Período de las seis dinastías
 Las seis dinastías se caracterizaron por su influencia budista, puesto que esta práctica
religiosa se estableció de forma definitiva durante este período, desarrollado entre 220 y
618.
Por consiguiente, se construyeron grandes monumentos con estatuas gigantes de Buda.
La época de las seis dinastías también fue importante ya que en ese momento se instauró la
famosa ruta de la seda, lo que permitió la entrada de algunos preceptos del oeste asiático.
Dinastía Tang
Según los críticos de arte, este fue un período muy floreciente para la cultura china, ya
que se llevaron a cabo bellas esculturas y notables figuras de cerámica.
En aquel momento la figura característica de estas manifestaciones plásticas era Buda,
así como también la de algunos místicos que predicaban su doctrina. La dinastía Tang
abarcó desde 618 hasta 907 d. C.
Dinastía Song
Durante esta época la cultura china alcanzó un nivel muy elevado. Por primera vez se
realizaron grabados en madera mediante la utilización de tinta sobre seda. En cuanto a la
arquitectura, esta mantuvo las características de la pagoda.
En cerámica se utilizó el esmalte blanco y rosa. Dentro del arte pictórico se manejó un
dibujo preciso que retrataba una serie de filósofos o monjes. A su vez, la naturaleza se
mantuvo presente a través de insectos y flores. La dinastía Song ocurrió entre 960 y 1279.
Dinastía Yuan
Esta dinastía fue de origen mongol, por lo que China abrió más sus puertas al mundo
occidental. De este período, ocurrido entre 1280 y 1368, ejemplo de esto es la famosa
Pagoda blanca de Pekín.
Así mismo, fueron trabajadas las alfombras y se realizaron nuevas cerámicas con otros
colores y nuevas formas. Por su parte, la pintura mantuvo los temas religiosos; de esta
época son los pintores Ni Zan y Wang Meng.
Dinastía Ming
En este momento histórico se restauró la dinastía autóctona, luego de finalizada la
dinastía de control mongol. Este acontecimiento permitió la recuperación de antiguas
tradiciones de la cultura china. Según los registros, la dinastía Ming transcurrió entre 1368
y 1644.
En temática arquitectónica, se construyó el Palacio Imperial, también conocido como la
Ciudad Prohibida. En cuanto al desarrollo pictórico, este mantuvo un corte naturalista con
ciertos elementos opulentos. Por su parte, la porcelana utilizó los colores azul y blanco.
Dinastía Qing
Ocurrida entre 1644 y 1911, esta dinastía fue de origen manchú, aunque en el arte no
hubo mayores modificaciones y mantuvo las formas más tradicionales. La pintura tuvo un
corte ecléctico que quiere decir esto que se produjo un cambio, pero no afecto si no que
enriqueció el arte de la pintura ya que diferentes elementos presentes podían coexistir entre
sí, donde destacaron las flores, los paisajes y la religión.
En cuanto a la arquitectura, esta continuó con la construcción del gran Palacio Imperial,
manteniendo el mismo estilo de la dinastía anterior.
b. Concepto y preceptos fundamentales de: taoísmo y Confucionismo. Sus
Representantes.
El taoísmo sus representantes son Lao Tsé y Zhuanzi; este emergió durante los períodos
de primavera y otoño, o de Estados Guerreros (770-221 AC), un tiempo de intensos
conflictos e inestabilidad política, pero también de una profunda creatividad intelectual. El
taoísmo celebra la unidad de la naturaleza y defiende una forma de proceder natural, o en
algunos casos, de inacción. Es uno de los sistemas de creencias autóctonas de China con
raíces en el culto natural.
El confucianismo se basa en las escrituras de Kong Fuzi, también conocido como
Confucio (551-479 AC), filósofo y maestro que desarrolló un sistema de pensamiento que
explicaba el lugar de un individuo en la sociedad y la responsabilidad del gobernante con su
pueblo. Como el taoísmo, el Confucionismo ganó prominencia durante el período de los
Estados Guerreros. Enfatiza la estructura familiar y el respeto por los ancestros y mayores
de uno, junto con la virtud moral, que usualmente se traduce como bondad perfecta o
benevolencia.
c.- Escala y ritmos tradicionales de la música china.
Tan antiguo es el arte en China, que solo la tradición nos puede hablar de su origen. Los
indicios más verosímiles sobre la existencia de una cultura musical firme proceden
aproximadamente de 2500 años AC., y según ellos, el sabio Ling-Lung confecciono. un
sistema musical en base a un sonido fundamental (Huang-Chung, que significa Campana
Amarilla) del cual derivaban, por medio de quintas, todos los demás. El Huang-Chung
sonido normal de 366 vibraciones, dio origen a una serie de sonidos, obtenidos por quintas
perfectas o como decimos normalmente justas, que fueron llamados Lü (ley) y cuyo
número fue inicialmente de 6 y luego de 12. Las formulas me1odicas de los más antiguos
cantos religiosos necesitaban únicamente de una serie de 4 quintas: FA (kung) - DO (tsche)
- SOL (tschang) - RE, (yu) - LA (leio). La primitiva escala de los chinos fue pentatónica sin
semitonos.
Hacia el año 1500 AC., el príncipe Tsai-Yü modifico la escala antigua, e introdujo el
uso de los semitonos, al completar la escala de siete grados, con el MI (tschung o pien-
kung) y el SI (ho o pien-tsche) Llegaron así a conocer 84 tonalidades "ya que la escala
fundamental se podía representar en cada uno de sus 12 grados (Lü)". (13), (12 X 7 = 84),
Los ritmos chinos eran de movimientos binarios (2 o sus potencias 4, 8, 16, etc.)
característicamente regulares en la música ritual, aunque no tanto en la profana. La música
en China tuvo un profundo significado religioso. los cánticos y las danzas ceremoniales,
estrictamente ordenados y sencillos, actuaban hasta en la formación del carácter humano y
se hallaban sujetos a los inmutables códigos de los ritos, En fin, después de ver un poco el
recorrido histórico yo podría decir que fue la China uno de los pueblos donde más notable
se hizo la concepción cosmológica de las artes, tan propia de las civilizaciones orientales.
Música India
a. Clasificación del arte tradicional indio y su relación con la religión.
El arte indio ha sido principalmente una manifestación religiosa, una forma de conectar
el mundo humano con la trascendencia de lo divino. En ese sentido han trabajado desde
antaño artistas (śilpin) y arquitectos (sthapati), cuyos nombres no han trascendido en una
gran mayoría de los casos, dejando una serie de obras anónimas donde lo importante no era
la huella personal de su creador, sino su unión con el entorno y con el mundo de la
divinidad. Entre las diversas manifestaciones artísticas destaca sin duda la escultura, el
principal vehículo indio de representación de lo humano y lo divino; incluso la pintura y
la arquitectura indias tienen una cierta plástica escultórica, ya que es el terreno donde más
se desarrolló la creatividad del artista indio, donde surgieron la mayoría
de técnicas y estilos presentes en el arte indio en general.
Una de las características principales del arte indio es su integración con la naturaleza: así
como el hombre occidental ha buscado siempre adaptar la naturaleza a sus necesidades, los
indios han procurado en cambio integrar sus obras en el entorno natural, como
los santuarios rupestres excavados en la roca y en grutas naturales. La naturaleza tiene para
ellos un carácter sagrado, como se percibe en la sacralización de ríos, montañas y árboles, o
en la divinización de los elementos
naturales: sol (Sūrya), luna (Chandra), fuego (Agní), lluvia (Indra), etc.
La Arquitectura india tiene sus primeras muestras en la construcción de edificios de
ladrillo, al tiempo que se levantaban estructuras de madera estas últimas fueron
desapareciendo a lo largo del tiempo, pero fueron imitadas por constructores de piedra que
aún siguen en pie
La Escultura se dedica mucho a los templos de los dioses con características de diseños
únicos, pero también muy ambientalistas y claro esta se debe a su apego con la naturaleza.
La pintura es también dedicada principalmente a sus dioses estas se pueden manifestar en
murales o en miniaturas.
“En todo lo que ellos se enfocan es en sus creencias y sus artes son el reflejo de ello”.
 b. Concepto y clasificación de las ragas.

El Raga constituye el principio básico de la música hindú. Es el pilar central de todo el

edificio musical hindú; la matriz de la música indostánica. El Raga impregna toda la música
hindú, tanto es así que no se concibe una sin el otro. Podría decirse que la música hindú es
el Raga.
"El Raga es una composición de sonidos provista de movimiento melódico (Varna)
que tiene el efecto de colorear y producir sensaciones agradables". "El Raga debe
asir la mente del auditor y mantenerla encantada". "El sonido que colora, atrae y
produce una impresión sobre la mente de los seres, es conocido como Raga". Estas
definiciones, aunque breves, no hablan de términos musicales, sino que más bien
del propósito espiritual y estético del Raga; crear una impresión en la mente, calmar
la mente, encantarla. La palabra Raga viene de la raíz sánskrita rañy (la y como en
yo) que significa "colorear", "teñir", "imprimir". "Así como una pieza de tela blanca
puede ser teñida con varios colores, de la misma manera las mentes de los hombres
quedan teñidas, matizadas, por así decir, con las agradables vibraciones de dulces
sonidos musicales. En efecto, las vibraciones de sonidos dulces (combinaciones) de
la música instrumental y vocal, crean sensaciones que agradan y calman la mente, la
forma material total de estas sensaciones o impresiones es lo que se llama Raga".
Raga significa, pues, "color" y por extensión, "estado de ánimo". Por lo tanto, el
Raga debe producir un estado anímico, una atmósfera, un ambiente espiritual
determinado, y explorarlo al máximo, hasta agotar todas sus posibilidades.
El sistema musical hindú utiliza una escala de siete sonidos en la que la distancia entre
ellos es en torno a un cuarto de tono. Al existir intervalos menores que el semitono, resulta
muy difícil transcribir melodías utilizando el sistema de notación occidental (ósea el que
utilizamos nosotros). La notación musical es una especie de recordatorio que no se
corresponde completamente con lo que posteriormente se escucha en la interpretación. En
la música india no existe un repertorio escrito, de tal manera que la transmisión musical es
esencialmente oral. Una consecuencia de este sistema es el uso de instrumentos de sonido
muy flexible, que pueden adaptarse a esta peculiar afinación.
Ya la melodía se organiza en torno a ragas. Este concepto es difícil de entender para
nosotros los occidentales. El Raga se define por cuatro elementos:
a) Una nota fundamental, la tónica, que se toca constantemente y sobre la que descansa
toda la estructura. (nota pedal).
b) Un conjunto de notas entre 7, 6 Y 5.
c) Una nota predominante, diferente de la tónica y que se interpreta más que las otras, y que
constituye el punto de partida para las variaciones melódicas.
d) Un conjunto de esquemas melódicos y rítmicos.
NÚMERO DE RAGAS. Si tomamos una escala cualquiera de siete notas y con ella
realizamos todas las combinaciones posibles de modos, utilizando 7, 6 Y 5 notas en ascenso
y descenso, veremos que el resultado es de 484 modos. Esto con respecto a una escala
solamente. Ahora bien, utilizando 12 tonos de la octava, las escalas posibles son 72, lo que
multiplicado por 484 nos da un total de 34.848 modos posibles, matemáticamente
calculados. Pero se ha comprobado que los Ragas no son el resultado de una ordenación
matemática de intervalos elegidos en forma arbitraria, sino que la expresión sonora de
estados espirituales, un “ethos”. De ahí que la cifra indicada se limite a demostrar
teóricamente las posibilidades de escalas o bases que pueden utilizar los Ragas. Los Ragas
que pueden considerarse tales, con vida propia y capaces de expresión interna y definida,
ascienden a varios centenares según los tratadistas. En la práctica se tocan entre 80 y 100.
TIEMPO DE EJECUCIÓN. Los Ragas están destinados a ser cantados o ejecutados a
distintas horas del día. Esto que a nuestra manera occidental de ver las cosas podría parecer
raro es perfectamente explicable tratándose de la cultura de la India y de lo que significa el
Raga. Una de las características de esta cultura es percibir la existencia como unidad y
tratar de integrarse a ella. El pueblo hindú, además, siempre ha estado en comunicación
directa con la naturaleza y ha sabido vibrar con ella. No es raro, por lo tanto, que los Ragas,
que representan estados anímicos que ellos no consideran distintos de las manifestaciones
cósmicas, deban ser ejecutados en determinados momentos del día, porque éstos también
pasan por etapas características. Podríamos afirmar que otro tanto ocurre, aunque no tan
explícitamente, con nuestra música y en nuestra civilización, más desconectada de la
naturaleza.
Elementos constitutivos del Raga.
LA TÓNICA o PEDAL. La música india no utiliza el sistema temperado de afinación
sino el de la entonación justa. Una vez que el ejecutante elige el sonido básico Sa, que no
tiene altura fija como en los instrumentos de teclado, todos los demás grados que integran
el Raga tendrán, por un lado, relaciones sucesivas en sí, y por otro, sobre ese sonido
permanente, fijo, invariable, la tónica. La relación con, la tónica determina la expresión de
cualquier otro sonido. Por 1o tanto la tónica, el Sa, debe escucharse constantemente. El
ejecutante se concentra atentamente sobre la tónica, y una vez que se ha identificado
totalmente con ese sonido básico, comienza a elaborar la improvisación conforme al Raga
elegido. Debe recordarse que toda la música clásica de la India se basa en la improvisación.
El músico tiene que ser compositor e intérprete a la vez y crear en el momento en que se
encuentra en escena. No hace uso de ningún tipo de partitura o guía. "El pedal (de tónica)
no se aplica solamente para mantener a los cantantes en afinación, sino que es la clave de
toda expresión modal. Mientras el oyente no se identifique totalmente con la tónica y siga
percibiendo el pedal y la melodía, como entidades separadas, le será imposible seguir o
comprender el significado y belleza de la música modal". La mayoría de las veces se agrega
también el quinto grado, Panchana, a la tónica pedal. Estos dos grados nunca pueden ser
alterados. Diversos instrumentos pueden utilizarse para mantener continuamente este pedal
durante toda la ejecución. El instrumento clásico por excelencia y el más usado para el
pedal es el Tambura, principalmente en la música vocal; instrumento de cuatro cuerdas
pulsadas, afinadas por lo general, tres en la tónica y una en el 5to grado. También pueden
usarse otros instrumentos solistas de cuerda pulsada tales como el Sitar, Surbahar y Vina
disponen de cuerdas laterales afinadas a la tónica que el músico, junto con tocar la melodía
en las otras cuerdas, las hace sonar constantemente.
LAS NOTAS NATURALES Y ALTERADAS. La teoría musical de la India considera
también, dentro de la octava, 12 tonos principales: siete notas shuddha o puras y cinco
vikrit o alteradas. La escala shuddha es actualmente casi equivalente a nuestro modo Mayor
y corresponde al modo Bilaval". Las notas bajadas en medio tono (aproximadamente) se
llaman KomaJ (bemol); subidas en medio tono Tivra (sostenido). Notas Kamal pueden ser
solamente el 2· 3·, 6' y 7· grados, o sea Re-Ga-Dha-Ni. La única nota Tivra es el 4· grado,
Ma. El primer grado Sa y el 5to Pa nunca pueden ser alterados, permanecen fijos. En la
notación se acostumbra a designar las notas Komal con un guion bajo la silaba
correspondiente a la nota; Tivra Ma con una raya vertical sobre la sílaba Ma. Así, la serie
completa de los doce tonos en forma sucesiva sería:
Sa - Re - Re - Ga -Ga - Ma - Má - Pa - Dha – Dha - Ni - Ni
Do -Re b - Re - Mi b - Mi - Fa - Fa # - Sol - La b - La - Si b
Si La octava está dividida en dos tetracordos o angas (cuerpos). El primero: Sa-Re-Ga-
Ma, se llama Purvanga; el segundo Pa-Dha-Ni-Sa, se llama Uttaranga.
LOS SHRUTIS. La música hindú utiliza intervalos pequeños menores que el semi-tono que
se llaman Shrutis. No corresponden exactamente a un cuarto de tono. Lo más apropiado
sería llamarlos microtonos. Desde la antigüedad la teoría musical estableció 22 shrutis
dentro de la octava. Se les menciona detalladamente en el Natya Shastra. El proceso
mediante el cual Bhárat llegó a establecer estos 22 shrutis utilizando dos Vinas. Los shrutis
o microtonos no son iguales entre sí, como lo son los semi tonos de nuestro sistema
temperado. Los shruti son utilizados en los Ragas para bajar o subir, de manera sutil, ciertos
grados, según el carácter o “ethos”del Raga. Puede que varios Ragas utilicen, por ejemplo,
el segundo grado menor, Komal Re" pero en un caso ese K Re será de 3 shrutis; en otro
sólo de dos shrutis y en otro, aún de un shrutis, con respecto a la tónica Sa.
Nota: las comparaciones que estoy exponiendo en este trabajo es en relación a nuestro
sistema y concepto musical.
c.- Concepto, estructura y método memorístico de los Talas.
El sistema rítmico recibe el nombre de Tala. En el aspecto rítmico, la música hindú es
sin lugar a dudas una de las más complejas del planeta. Un Tala cuenta con un número de
tiempos o pulsaciones de compás que oscilan entre 3 y 108 pulsaciones, agrupados de
manera especial y que se interpreta con cambios de velocidad (lenta, media, viva), y con
una acentuación diferente a la occidental. Cada Raga está asociado a un Tala, pero un
mismo Tala puede servir a diferentes Ragas porque son menos numerosos, se conservan
unos 108 Talas pero sólo se usa un número limitado de ellos (en el sur se utilizan 7 Talas
cada uno con cinco formas). La memorización de las variaciones rítmicas se hace con la
ayuda de monosílabos que representan las diversas maneras de golpear el tambor, con el
borde de los dedos, con un dedo extendido, con dos dedos, con la palma de la mano, con las
dos manos, sobre el centro o el reborde. Se obtiene así una manera de solfear los ritmos
equivalentes a la de las melodías. Esto permite a los músicos memorizar pasajes rítmicos
muy complejos que pueden trabajar durante meses incluso sin tocar. El pedal es uno o
varios sonidos mantenidos, que actúan de guía para toda la obra. La improvisación forma
parte esencial de la música india. A partir de un Raga, un Tala y el pedal, el músico tiene
que crear el resto. El músico parte de determinadas reglas melódico rítmicas para
desarrollar un tema en forma de improvisación. El sistema de aprendizaje en la India es
llamado guru-shishya-parampara. Parampara significa "tradición", conocimiento
transmitido de maestros (guru) a estudiantes (shishya), llamado también guru-mukhya-
vidya, o conocimiento (vidya) que proviene de los labios de los maestros (gurumukhya);
esto es, tradición oral. Es este sistema de enseñanza, el que ha mantenido viva y vigente
la música tradicional en la India.   El sistema clásico de la música india, es de todas las
tradiciones musicales de oriente que han sobrevivido, la más importante desde el punto de
vista artístico.
B. Videos. Explicación de cada uno de los videos según el esquema establecido.
https://www.youtube.com/watch?v=v-8AOJbdsDQ
1. Período histórico: antiguo
2. País: china
3. Autor: (“anónimo”)
4. Género: instrumental, vocal, mixto: instrumental.
5. Puesta en escena: música de cámara con 6 ejecutantes.
6. Instrumentos que participan en el video: Cítara de siete cuerdas ku-chin y ku-cheng,
flauta transversa Ti, tambor o Ku, gon, címbalos
7. Comentario sintético sobre la obra.
La obra representa claramente su país y tiene su conjunto de características bien definidas.
Como por ejemplo los timbres de los instrumentos.
https://www.youtube.com/watch?v=54rRL-6aP7Y
1. Período histórico: antiguo
2. País: china
3. Autor: (“anónimo”)
4. Género: instrumental.
5. Puesta en escena: un intérprete ejecutando el Erhu
6. Instrumentos que participan en el video: Erhu
7. Comentario sintético sobre la obra.
La obra representa claramente su país además se deja claro que un solo instrumento
encierra mil años de su cultura representativa.
https://www.youtube.com/watch?v=UEAsZ29G00w
1. Período histórico: antiguo
2. País: china
3. Autor: (“anónimo”)
4. Género: instrumental.
5. Puesta en escena: un dueto.

6. Instrumentos que participan en el video: Cítara ku-cheng, flauta transversa Ti.

7. Comentario sintético sobre la obra.

La obra representa claramente su país y tiene su conjunto de características bien definidas.
Como por ejemplo los timbres de los instrumentos. Aparte me parece que el dueto va muy
bien complementado.
https://www.youtube.com/watch?v=_ZY4b6g7JeM
1. Período histórico: antiguo
2. País: china
3. Autor: (“anónimo”)
4. Género: instrumental.
5. Puesta en escena: un intérprete tocando la Cítara ku-cheng
6. Instrumentos que participan en el video: Cítara ku-cheng
7. Comentario sintético sobre la obra.
La obra representa claramente su país además se deja claro que un solo instrumento
encierra mil años de su cultura representativa.
https://www.youtube.com/watch?v=4yZ8asCcNp4
1. Período histórico: antiguo
2. País: india
3. Autor: (“anónimo”)
4. Género: instrumental.
5. Puesta en escena: dueto.
6. Instrumentos que participan en el video: Sítar, Tabla.
7. Comentario sintético sobre la obra.
La obra representa claramente su país y el conjunto de notas expresadas dan un aire de
serenidad que es propósito en este caso.
https://www.youtube.com/watch?v=_PfRSr0F9eM
1. Período histórico: antiguo
2. País: india
3. Autor: (“anónimo”)
4. Género: mixto (instrumental, danza)
5. Puesta en escena: orquesta (música de cámara)con una danzarina
6. Instrumentos que participan en el video: sítara nagaswara , caja, viola.
7. Comentario sintético sobre la obra.
La obra representa claramente su país además se deja claro que un solo instrumento
encierra mil años de su cultura representativa.
https://www.youtube.com/watch?v=JWhA3ldZcyY
1. Período histórico: antiguo
2. País: india
3. Autor: (“anónimo”)
4. Género: mixto.
5. Puesta en escena: tres danzarinas.
6. Instrumentos que participan en el video: no aparecen
7. Comentario sintético sobre la obra.
Esta obra refleja una disciplina milenaria que ayuda a entender la muisca hindú de parte de
todos los exponentes.
https://www.youtube.com/watch?v=hETl1RbS1cU
1. Período histórico: antiguo
2. País: india
3. Autor: (“anónimo”)
4. Género: instrumenta
5. Puesta en escena: un dueto
6. Instrumentos que participan en el video: tabla, tambura
7. Comentario sintético sobre la obra.
La obra representa claramente su país sobre todo en la interpretación de cada instrumento.
Es notable que la intención de los interpretes es transmitir, hacer sentir o trasladar la mente
a un estado de relajación y entrega.

Bibliografía
http://tiposdearte.com/que-es-el-arte-chino/de
http://Z/musicahinduinteresante.pdf
http://4_ESO_Tema_1_La_musica_oriental_200809.pdf