Institución:Instituto Vocacional Concepcion

Alumna: Juarez Fabiola

Asignatura: Historia del Arte
Carrera: Profesorado de Educ Sec en Historia
Tema: El Surrealismo
Índice
3………..Introducción
4………..Teoría de Sigmund Freud
5………..Literatura Surrealista
6………..Literatura Surrealista: caracteristicas
7………..Pintura Surrealista: Técnicas
8…....…..Pintura Surrealista: Técnicas, Escultura Surrealista
9………..Los artífices del Surrealismo Abstracto: Masson
10………Los artífices del Surrealismo Abstracto: Masson, Joan Miró
11………Los artífices del Surrealismo Abstracto: Joan Miró
12………Los artífices del Surrealismo Abstracto:Joan Miró Marx Ernst
13………Los artífices del Surrealismo Abstracto: Marx Ernst
14………Los artífices del Surrealismo Abstracto:Marx Ernst-Surrealismo Figurativo: Salvador Dalí
15………Surrealismo Figurativo: Salvador Dalí
16………Surrealismo Figurativo: Salvador Dalí
17………Surrealismo Figurativo: Salvador Dalí, Rene Magritte
18………Surrealismo Figurativo: René Magritte, Yves Tanguy
19………Surrealismo Figurativo:Yves Tanguy
20………Surreagralismo Figurativo:Yves Tanguy
21………Conclusión
22………Bibliografía

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Introducción
Se conoce como surrealismo a un importante movimiento artístico y literario nacido en
Francia en la década de 1920, a partir de la herencia del movimiento dadaísta y de la influencia
del escritor francés André Bretón, considerado su fundador y principal exponente.El
movimiento surgió, en el periodo de entreguerras y está asociado a un discurso
contrahegemónico, un sentimiento de desencanto, una suerte de visceralidad intelectual que
incita a la búsqueda, que vuelca el interés por la re significación de la condición humana, En
este contexto nace el surrealismo. Este movimiento gozó de una amplia popularidad durante
décadas y tuvo vertientes literarias, cinematográficas y en las artes plásticas.
El surrealismo se nutrió de muy diversas fuentes estéticas y filosóficas, pero sobre todo el
influjo de las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud, cuya perspectiva en torno a la mente
humana y la dinámica de los sueños sirvió de base a los surrealistas.
Lejos de ser un movimiento estable y uniforme, el surrealismo se afianzó en la búsqueda y
la innovación en cuanto a técnicas artísticas, construcción de objetos y perspectivas
pictóricas. En el campo literario supuso una enorme revolución del lenguaje, obligándolo a
romper con las reglas de lo comprensible y a abrazar la extrañeza, mediante métodos como la
escritura automática (libre de la planificación de la conciencia) y las visiones poéticas
oníricas.
Fue una escuela de gran trascendencia en Europa y las Américas, siendo adoptado por
diversas tendencias políticas y sociales como un mecanismo artístico de liberación, capaz de
dar voz a los silenciados y de decir todo lo que normalmente se callaba.

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Teoría de Sigmund Freud
Ciertos conceptos generales asociados con el psicoanálisis son útiles para comprender el
arte surrealista. El más importante de ellos es la noción del inconsciente como depósito de
pensamientos y sentimientos, que generalmente no están disponibles para la conciencia. Es
por eso que Freud consideraba que los sueños eran expresiones codificadas de miedos, deseos
y conflictos inconscientes que podían descifrarse y potencialmente resolverse mediante el
análisis, según Freud, la neurosis era el resultado de conflictos no resueltos y trastornos en el
desarrollo psicosexual de la primera infancia. La sexualidad, el deseo erótico y la violencia
están en el corazón de las teorías freudianas de la mente. Y en este sentido, muchos críticos
se quejaron de que los artistas surrealistas simplemente ilustraron teorías psicológicas en
lugar de expresar verdaderamente las profundidades de su inconsciente.
Sin embargo los surrealistas no tenían interés en el potencial terapéutico de las teorías de
Freud, ellos estaban interesados ​en el inconsciente como fuente creativa, no en curar la
neurosis a través de la terapia psicoanalítica.
De hecho, los surrealistas celebraron la locura como una forma de liberación mental.
Además publicaron ilustraciones de objetos hechos por pacientes en hospitales
psiquiátricos.Para los surrealistas, los locos crearon su propia realidad para satisfacer sus
deseos más profundos. El objetivo surrealista no era promover las llamadas" vidas
psicológicas normales", al contrario, lo que pretendían era hacer realidad la anormalidad de
los deseos inconscientes.
Los surrealistas creían que la creatividad que nacía del subconsciente era más auténtica y
poderosa que la derivada de la consciencia. También estaban interesados en explorar el
lenguaje de los sueños que creían que revelaba los sentimientos y deseos ocultos.

De una forma general, se puede decir que la idea era lograr la mayor espontaneidad posible
utilizando imágenes para expresar las emociones, sin intervención de la consciencia.

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Literatura Surrealista
El surrealismo literario fue un movimiento literario que floreció en Europa en el período de
tiempo comprendido entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial. Se considera que nació
en 1920 con el manifiesto surrealista publicado por André Bretón y duró hasta la década de
1940.
Su principal influencia fue el dadaísmo, que desde antes de la Primera Guerra Mundial
produjo obras de anti-arte. Sin embargo, el énfasis del surrealismo no estaba puesto en la
negación del arte, como era el caso del dadaísmo, sino en la construcción de una expresión
positiva de la misma.
André Breton fue el máximo exponente del Surrealismo, un artista francés que en el 1924
publicó el primer manifiesto surrealista en el que se estipulaba toda la teoría de esta corriente
y los métodos que se tenían que seguir para poder crear obras de arte totalmente alejadas de
la realidad. La escritura automática era el método usado por los autores del Surrealismo
literario y, mediante esta técnica, se omitían las correcciones y se dejaba la mente totalmente
libre para crear.
El objetivo​ del Surrealismo no era tanto cómo crear arte sino, sobre todo, acceder al
inconsciente humano y, para ello, se empleaban métodos artísticos ya que de esta forma se
podía acceder mejor a la zona más oculta de nuestra mente. Por este motivo, las obras
surrealistas están plagadas de formas extrañas, mezclas de sueños y realidad, imágenes sin un
significado definido, etcétera.
Características
Etimología
El término surrealismo se compone del prefijo su- (por encima) y el sustantivo realismo, es
decir, todo aquello que está por encima de lo real.
Negación de lo racional
El surrealismo literario buscaba reunir la realidad con la imaginación. En este esfuerzo, los
escritores de esta corriente buscaban superar las contradicciones que se presentaban entre las
ideas conscientes e inconscientes, creando historias extrañas o irreales.
Por esta razón, las obras surrealistas resultaron controversiales y chocantes. Precisamente
esto se debe a que tenían la intención de empujar a las personas por fuera de los límites de su
comodidad hasta el punto de originar situaciones conflictivas.

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Recurre a imágenes
La literatura surrealista ofrecía imágenes o ideas contrastantes. Esto tenía el objetivo de llevar
a los lectores a hacer nuevas conexiones entre las diferentes ideas y de esta manera ampliar la
concepción de la realidad de los lectores.
También se valía de imágenes y metáforas para obligar al lector a hacer interpretaciones que
lo llevaran a explorar su propio subconsciente.
La poesía surrealista
La poesía surrealista se caracterizaba por la yuxtaposición de palabras que no estaban
relacionadas entre sí por procesos lógicos, sino psicológicos e inconscientes.
En este género, los autores creaban imágenes, historias oníricas y fantásticas que desafiaban
la lógica. Ignoraban todas las estructuras establecidas y propiciaban saltos en la linealidad e
ideas abstractas que permitieran crear nuevas asociaciones de ideas.
Principales Técnicas
Cadáver Exquisito
Fue una técnica utilizada tanto en pintura como en literatura, el cadáver exquisito es un juego
en donde los participantes aprovechan el azar para hacer surgir imágenes que existían latentes
en su propio espíritu.
Caligrama
Es un poema, frase o palabra en la cual la tipografía, caligrafía o el texto manuscrito se
arregla o configura de tal manera que cree una especie de imagen. La imagen creada por las
palabras expresa visualmente lo que la o las palabras dicen.
Automatismo
Otra de las técnicas de la literatura surrealista era ​la escritura automática,​ en la que el poeta
simplemente vaciaba las palabras secretas de su cabeza sin pensarlo mucho.

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Pintura Surrealista-Técnicas
La mayoría de los artistas surrealistas se expresaron a través de la pintura y produjeron obras
que exhiben su interés en combinar un estilo realista con temas no realistas. Este enfoque
paradójico es particularmente evidente en “La persistencia de la memoria”, una de las
“fotografías de sueños pintadas a mano” más famosas de Salvador Dalí. Esta pieza une un
paisaje y estilo de pintura realistas con iconografía extraña, que incluye una figura orgánica y
antropomórfica, un árbol estéril y los icónicos relojes derretidos.

Este estira y afloje entre realidad y fantasía también es evidente en las obras de René Magritte
e Yves Tanguy.” El hijo del hombre”, una pintura posterior de Magritte, y “Divisibilidad
indefinida”, una pieza de Yves Tanguy, ilustran este sentimiento y muestran la capacidad de
los artistas para emplear simultáneamente un estilo realista y un enfoque surrealista del tema.
La pintura surrealista se nutrió de diversas técnicas como del automatismo puro que la
literatura surrealista ponía en práctica, sobre todo entre 1923 y 1924, durante el apogeo de
Breton,y este consistía en hacer emerger las imágenes del subconsciente de forma
automática, a través de recursos como los estados de trance, la hipnosis.
Otra de las técnicas empleadas fue,el juego del cadáver exquisito ​y ​consiste en ensamblar
colectivamente un conjunto de imágenes en este caso, donde el resultado es conocido como
un cadáver exquisito.Un cadáver exquisito tiene la facultad de revelar la realidad inconsciente
del grupo que lo ha creado
Pintores como Salvador Dalí, en cambio, emprendieron un llamado “método
crítico-paranoico”, la técnica consiste en que el artista invoca un estado paranoico. La
paranoia es un temor de que el yo esté siendo manipulado, dirigido o controlado por otros. El
resultado es una deconstrucción del concepto psicológico de identidad, de modo que la
subjetividad se convierte en el aspecto principal de la obra de arte.
Otras técnicas empleadas fueron el frottage (del francés frotar) es una técnica artística que
consiste en poner una hoja sobre un objeto con textura. Después, con un lápiz, frotas sobre el
papel para conseguir las texturas de la superficie. Ésta técnica, tan aparentemente sencilla, fue
ideada por Max Ernst sobre 1925. Por este motivo, esta técnica artística se asocia
directamente con el arte surrealista.

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La decalcomanía se asocia a la corriente del surrealismo, de hecho,surrealistas como Max
Ernst, se aventuraron a su puesta en práctica.En negro o a color consiste en verter tinta
(generalmente gouache) en una hoja que se dobla por la mitad para hacer imprimando así los
colores de media parte en la otra mitad. Se debe hacer una cierta presión cuando el papel esté
cerrado con las tintas dentro para que quede lo más integrado posible. Después se despegan
para que sequen por separado
Otros métodos implicaban el azar, la improvisación y el imprevisto.

Escultura Surrealista
Los surrealistas se interesaron por la escultura a partir de 1927, cuando el fundador del
movimiento, André Breton, se unió al Partido Comunista francés. En ese momento se
empezaron a preocupar por la relación entre el surrealismo y lo real, esta inquietud surgió
con el objetivo de adaptar el arte a los postulados del materialismo dialéctico.
Por ello, nació el “objeto surrealista”, creado a partir de la yuxtaposición de diferentes
elementos cotidianos, para desafiar las reglas de la escultura.
La escultura surrealista apostó por formas ambiguas, no del todo abstractas, pero que
tendían a lo simple, cuando no a lo infantil.
Es el caso de las mujeres-pájaro de Miró, o las esculturas polimórficas de Jean Arp,
empleando materiales metálicos y cerámicos, sobre todo.
Durante mucho tiempo la escultura fue entendida como el arte de ocupar el espacio con un
volumen de un determinado material, pero con la llegada del movimiento surrealista se
concede especial importancia al vacío, a los huecos. La escultura tiende igual que la pintura a
la abstracción y al uso de nuevos materiales
La ​deformación ​constituye uno de los recursos del artista en el que descubren nuevas
posibilidades​.
Otro de los recursos utilizados por los surrealistas fue ​la abstracción, ​a través del uso de
formas sin apoyo en la realidad, se produce una renovación del lenguaje escultórico,se
desentiende progresivamente de las apariencias realistas.
Las nuevas esculturas expresaron dolor,sufrimiento, angustia, gritos de protesta, la tortura de
las guerras,las criticas a lo tradicional

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Los artífices del Surrealismo Abstracto
El Surrealismo abstracto es una tendencia pictórica dentro del surrealismo, caracterizada por
aplicar el «automatismo» en su más pura expresión, de manera que se pierde toda
representación figurativa y, en lugar de ello, los artistas inventan universos figurativos
propios.
El surrealismo abstracto se desarrolló como una actividad que escapa al control voluntario,
llevándose a cabo de manera independiente al sí mismo.Para los surrealistas abstractos la
mejor manera en la que podían rescatar el contenido mental que se escondía en su
inconsciente, era con la técnica que consistía en permitir que la mano del artista actuará
libremente, plasmando en papel o en lienzo lo que su mente inconscientemente le dicta.
Bajo la técnica del automatismo surgen visiones premonitorias, seres fantásticos, paisajes
sobrenaturales y elementos de índole religiosa y mágica, que van montando de cierta manera
la obra. Para los surrealistas abstractos, todas las visiones son parte del ser humano, son
aspectos reales que surgen del interior de la persona.
Se considera que la mayor representación del surrealismo abstracto es una combinación de la
austeridad cubista con una actitud lírica por la que se refleja la autenticidad del artista, quien
en si se busca un equilibrio entre un arte que refleje tanto la estructura compositiva como la
improvisación, en una mezcla de forma y espíritu.
El legado más importante de esta corriente es que quienes seguían la corriente del surrealismo
abstracto tenían también que vivir esa vida, por lo tanto no fue solo un episodio histórico sino
también un estado de ánimo.
La pintura abstracta se desarrolló durante la segunda década del siglo XX.Se expande por
toda Europa, encontrando surrealistas abstractos en España (Joan Miró, a partir de 1924),
Francia (André Masson y Max Ernst en parte de su producción).

Masson (1896-1987)
El pintor, grabador y diseñador francés con formación clásica Andre Masson fue una de las
principales figuras del Surrealismo movimiento, que dominó arte Moderno en Europa durante
los años de entreguerras. Fue pionero de El automatismo en el arte. , y explotó el azar y el
accidente como parte de su técnica creativa. Sin embargo, aunque es activo en el movimiento
y amigo cercano de Joan Miró (1893-1983) y Max Ernst (1891-1976) – dos de los principales

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Artistas surrealistas – siguió siendo su propio hombre, tomando prestados motivos e ideas del
cubismo y otras tendencias dentro del Ecole de Paris . De hecho, después de unirse al grupo
surrealista en 1922-3, lo dejó en 1929 para centrarse en la condición humana. Más tarde,
como refugiado de la Francia ocupada, hizo una notable contribución a la Pintura
expresionista abstracta en América. Dibujante talentoso, el trabajo de Masson se caracteriza
por el uso de líneas sinuosas en el estilo de abstracción biomórfica . Como individuo, estaba
emocionalmente marcado por sus experiencias durante la Primera Guerra Mundial, cuando
resultó gravemente herido, y siguió siendo una persona pesimista con una inquieta curiosidad
por el destino del Hombre y la naturaleza del Universo. Dedicó gran parte de su pintura y
grabado a la exploración de estas preocupaciones, centrándose en temas de violencia y dolor,
así como el erotismo, el sacrificio personal y la naturaleza precaria de la vida humana.
Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Parece que
el color, conjugado de modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que más le
importa. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas.
Dibujo automático, Desnudo.
Los fumadores 1921
En 1921 Masson empieza a realizar una serie de obras con temática común. Se trata de la
representación de óleo sobre lienzo de varios hombres agrupados en torno a una mesa,
iconografía tomada de una obra de Derain, Los bebedores (1913-1914), que utilizará con
asiduidad entre 1922 y 1923. Estos grupos de figuras bebiendo, fumando, jugando a las cartas
o a los dados podrían considerarse como memorias de su vida en las trincheras. Sobre la
mesa, la presencia de una granada actúa como símbolo de la vida y de la muerte. Utiliza el
método de óleo sobre lienzo.
La elección del colorido y la construcción del espacio por medio de planos geométricos
recuerdan todavía el cubismo, pero las líneas sinuosas por medio de las cuales se resuelven
las figuras anuncian claramente la escritura automática tan querida por el surrealismo.
En esta obra sobre lienzo podemos observar colores celestes pálidos y naranjas naturales que
caracterizan a los elementos principales de esta obra.
Joan Miró (1893-1983)
Joan Miró (Barcelona, 20 de abril de 1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue
un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos

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representantes del surrealismo. Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y
tintas planas. La obra clave en su evolución es ​El carnaval del arlequín ​(1924), esta obra de
óleo sobre lienzo es considerada como el inicio pleno de la etapa surrealista de Joan Miró
realizada entre los años 1924 y 1925.Un autómata que toca la guitarra junto con un arlequín
con grandes bigotes, son los personajes principales de la composición pictórica, donde se
aprecian también todo un mundo de detalles dominados por la imaginación que se esparcen
por toda la pintura, como un pájaro con alas azules saliendo de un huevo, un par de gatos
jugando con un ovillo de lana, peces volando, un insecto que sale de un dado, una escalera
con una gran oreja, y en la parte superior derecha se ve a través de una ventana una forma
cónica con la que quiso representar la torre Eiffel. Los colores que aparecen en esta obra son
fundamentalmente primarios: azul, amarillo y rojo, además de blanco y negro. Precisamente
son los colores los que nos mueven a través de las diferentes figuras del cuadro.
Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con
pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el
acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino
que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.
Miró en el mes de noviembre de 1936, con el drama que representaba la guerra española, le
hizo sentir la necesidad de volver a pintar la realidad ya que por diferencias más que nada
políticas con Bretón estaba alejando del movimiento, el artista vuelca en ​Naturaleza muerta
con zapato viejo 1937​, una obra de óleo sobre lienzo, en donde consigue una relación entre
el zapato y el resto de los elementos colocados encima la mesa, la botella, una manzana con
un tenedor clavado, y el mendrugo de pan; los colores consiguen la máxima agresividad ya
que son ácidos y violentos; la pintura en este cuadro no es plana como en obras anteriores
sino que perfila y da dimensión a las formas de los objetos. Miro lleva a cabo una división de
las superficies en negros, verdes, amarillos y rojos, que parecen manchas fantasmagóricas.El
incendio de colores destruye y recompone los objetos y lucha rabiosamente o
disimuladamente con los trozos de oscuridad, las formas negras y las sombras proyectadas
contra el cielo alucinado. Una iluminación dura parece venir de delante de la tela, pero su
foco es impreciso o más bien móvil y movedizo como las llamas de un incendio.

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Según el mismo Miró, toda esta representación, la hizo pensando en el cuadro Zapatos del
Labriego de Van Gogh, artista muy admirado por él. Está considerada como una pieza clave
de este momento pictórico de la realidad.
​Mujeres y pájaros en claro de luna 1949
El título de la obra, “Mujeres y pájaros en claro de luna”, indica claramente lo que Miró
representa, la cuestión es el lenguaje formal que utiliza, convirtiendo todos los elementos de
la obra en una serie de símbolos muy personales y que recuerdan al modo de expresión
sencillo e inocente de los niños. Este cuadro es de óleo sobre lienzo, donde el predominio es
del dibujo, con colores bastante cálidos. En cuanto a la luminosidad o foco de luz, podemos
observar que proviene de los colores blancos. La perspectiva es frontal, con un punto de vista
alto, y una composición abierta en un espacio exterior. El género pictórico es el arte
abstracto. La temática representa de manera informal e imaginativa varios personajes
extraídos de la naturaleza. La identificación de los personajes queda abierta a la imaginación
de quien contempla la pintura y son los cuerpos lo que nos dan las pistas de lo que
representan, una mujer, un pájaro y una estrella. Estas figuras se adaptan al marco.
La composición es abierta pues necesita del espectador y de su imaginación para entender lo
que el autor de modo tan personal quiere transmitir.
La obra es SURREALISTA, es decir, no pretende mostrar la realidad que
rodea al pintor. En su busca de liberarse de las ataduras de la temática y la técnica tradicional,
Miró llega a una reducción de líneas y formas; pasa de las figuras a los signos, de trazo
ingenuo e infantil.
Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de
las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París, Noche y
día.
Marx Ernst (1891-1979)
Max Ernst nació en Alemania el 2 de abril de 1891, fue un artista impactante e innovador que
extraía su inconsciente en busca de imágenes de ensueño que se burlaban de las convenciones
sociales. Soldado en la Primera Guerra Mundial, Ernst emergió profundamente traumatizado
y se volvió muy crítico con la cultura occidental. Estos sentimientos de rebeldía alimentaron
directamente su visión del mundo moderno y lo llegó a ver como irracional, idea que se
convirtió en la base de su obra de arte.

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La visión artística de Ernst, junto con su humor y entusiasmo, se manifiesta con fuerza en sus
obras dadá y surrealistas; movimientos de los que fue pionero.
Tres de las obras más importantes de Max Ernst con un breve análisis de cada una:
“Celebes”, 1921
El elefante de las Célebes es una obra de óleo sobre lienzo, en la que el dibujo predomina al
color. Los colores dominantes son los fríos, como los grises, negros y blancos, aunque
podemos apreciar pequeños detalles de colores cálidos en las figuras. En cuanto a la
luminosidad o foco de luz, lo encontramos tanto en las figuras blancas como los matices
finales del cielo. La perspectiva es tanto frontal como lineal, ya que podemos ver cierta
lejanía en cuanto a la altura de la figura principal.
La pintura de Ernst demuestra su deuda con la teoría del sueño freudiana, ya que encontramos
en ella extrañas yuxtaposiciones de objetos dispares. A pesar de esta disparidad, de tener a
una mujer sin cabeza/desnuda y las piezas de maquinaria que toman la forma de un elefante,
la pintura se mantiene como una composición terminada. El trabajo de Ernst provocó
incomodidad en el público de principios del siglo XX, debido a su representación “irrelevante
e irreverente” de la forma humana (el desnudo sin cabeza) que se venera en la creación
artística (ya que las personas deberían de estar hechas a imagen de Dios).
A través de este trabajo, Ernst cuestiona cuál es el mundo “real”, el de la noche y los sueños,
o el del estado de vigilia.
“Gala Elúard”, 1924
Gala fue la musa de los surrealistas y el pintor Max Ernst la retrató a la perfección sólo
mostrando sus ojos. Estuvo casada con el poeta surrealista Paul Éluard y junto a Ernst crearon
un extraño triángulo de amor, viviendo los tres durante un par de años en una relación
amorosa formada por la musa, el poeta y el pintor.
Este retrato pertenece a esa época, los felices años 20, cuando las guerras Mundiales eran
cosa del pasado (y del futuro) y el presente era poéticamente surrealista. El método utilizado
es óleo sobre lienzo.
Los ojos, como sabemos por muchas otras obras, son casi un fetiche para los surrealistas, un
reflejo del interior, y los intensos ojos de Gala son un magnífico reflejo de su intensa
personalidad.

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En la obra (tomada de una fotografía) la frente de Gala se enrolla como un pergamino y nos
deja ver sus pensamientos, o quizás sus sueños, en lo que parece un paisaje de nubes con tres
objetos redondos (monedas, planetas…). Se pueden observar colores más bien cálidos.
Dato curioso: En 1932, Gala conocería al que sería su siguiente marido, Salvador Dalí, y ahí
trascendió la categoría de musa para pasar a ser algo casi divino. Dalí retratará esos ojos en
infinidad de ocasiones más.

Surrealismo Figurativo
Como rama del surrealismo, el surrealismo figurativo aparece y tiene su centro de desarrollo
en Francia, luego de la Primera Guerra Mundial, finalizada en 1918. La primera exposición
de pintura surrealista se realizó en la Galería Pierre de París en 1925, aunque muchos de los
expositores no adherían a la corriente. En 1926 se fundó la Gallería Surrealista, y pronto
aparecieron dos corrientes: el surrealismo figurativo y el surrealismo abstracto
En cuanto a los surrealistas figurativos utilizaron técnicas como la exageración de la
perspectiva, el detallismo, el claroscuro, el color modelado, la deformación del cuerpo
humano, etc.
Su máximo exponente es el pintor catalán Salvador Dalí (1904-1989). Dalí, siguiendo el
camino abierto por el surrealismo, busca "la materialización figurativa del sueño como una
forma de liberación de sus traumas", con expresiones figurativas delirantes de gran intensidad
poética. Dalí no solo utilizó el surrealismo, sino también otras corrientes como el cubismo y
el futurismo. Algunos de las artistas que también se destacaron en esta corriente fueron Rene
Magritte y Yves Tanguy, estos artistas se interesan más por la vía onírica, un surrealismo
figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la
pintura tradicional.
Salvador Dalí ​nacido en el seno de una familia acomodada en 1904, Salvador Dalí destacó
desde muy joven por su forma de pensar y de plasmar la realidad a través de la pintura. Si
bien se inició con el movimiento impresionista, pronto conocería la obra de Picasso y se
pasaría al cubismo. En 1921 comenzó sus estudios en Madrid, donde entablaría una profunda
amistad con Federico García Lorca y Luis Buñuel, pero su verdadero lanzamiento se
produciría al visitar París y unirse a la corriente surrealista de Bretón. Su obra se caracterizó
por explotar al máximo la abstracción y particular simbolismo del artista en claro beneficio

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de su propio mundo subconsciente frente a la realidad que le tocaba vivir y que tanto parecía
aburrirle. Gran parte de su trabajo giraría en torno a la figura de Gala, su esposa y musa
indiscutible, y al método paranoico-crítico que él mismo desarrolló.
Si bien su labor como pintor, escultor, escritor o diseñador fue eufóricamente admirada en
todo el mundo y a lo largo de toda su carrera, fue la extravagante personalidad del artista la
que le hizo destacar todavía más.
Algunas de las obras más importantes de Dalí fueron:
La persistencia de la memoria 1931
También conocido como ‘Los relojes blandos’, es la obra más popular de Salvador Dalí
utilizando la técnica de óleo sobre lienzo. Este óleo sobre tela fue realizado en 1931 en poco
más de cinco horas y esconde algunos de los elementos surrealistas más característicos del
artista. Aunque algunos lo han interpretado como un homenaje a la teoría de la relatividad, la
obra pretende plasmar la inconsistencia del tiempo y cómo este se deforma y retuerce.
La persistencia de la memoria aborda la noción de la temporalidad y de la memoria. Lo hace
a través de un lenguaje que exalta los objetos, cargados de gran simbolismo, como los relojes
que se derriten,las hormigas que caminan sobre un reloj firme que oculta la marca del tiempo,
el autorretrato del pintor y el paisaje.
Los relojes que se derriten representan el tiempo que transcurre de manera diferente. Al
contrario de los relojes comunes, que marcan con precisión el paso de los segundos, estos
relojes de Dalí poseen marcas diferentes, pues sus punteros están derretidos y sugieren una
noción distorsionada de los segundos.
En tanto objeto, los relojes pueden reconocerse sin problema, pero al estar desposeídos de su
forma y uso convencionales provocan extrañeza en el espectador, de la que deriva la
reflexión sobre el propio objeto y su función.
El único reloj que no está deformado es el que está volteado hacia abajo y tiene hormigas
sobre él. A Salvador Dalí no le gustaban mucho las hormigas y solía usarlas como símbolo de
putrefacción en sus obras.
Esto muestra cómo este objeto cotidiano es despreciado por el pintor bajo la mirada
surrealista.Una de las salidas encontradas por la vanguardia fue descontextualizar los objetos,
deformarlos y buscar nuevos modos de representación. Este recurso específico, además de

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constituir un aporte creativo estéticamente hablando, promovió la reflexión sobre las cosas
que pasan desapercibidas cotidianamente.
El reloj es un objeto común que todos han visto o han usado. Generalmente no se le presta
mucha atención, a pesar de ser el responsable de marcar las horas y orientar la agenda de cada
quien. Cuando Dalí desfigura el reloj, hace percibir la importancia de este pequeño objeto en
la vida.
La propia figura del pintor aparece en la escena durmiendo debajo de un reloj derretido. El
lugar del sueño es también el lugar donde la temporalidad asume otras realidades.
El tiempo del cuadro La persistencia de la memoria no es el tiempo real. Es, más bien, el
tiempo del inconsciente. Se sabe que Dalí estuvo influenciado por algunas teorías de Freud,
según quien “El sueño es el camino que conduce al inconsciente”.
La búsqueda de Dalí por el inconsciente está reflejada en el cuadro por su
autorrepresentación. La temporalidad está en otro plano.
En medio de todas las figuraciones y representaciones surreales, el cuadro de Salvador Dalí
nos presenta al fondo un paisaje que corresponde a unos acantilados costeros de Cataluña,
una vista cercana a su casa. Es el camino de lo real, lo que queda o perdura de realidad en
esta escena onírica.
Los colores usados son variados, predominan los tonos fríos (azul, blanco y gris) que
contrastan con los cálidos (amarillo y marrón). Se aprecia que los tonos cálidos nos acercan a
las formas aumentando los detalles, mientras que los tonos fríos acentúan la pérdida de
definición de los contornos.
Composición blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil) 1936
Es una de las pinturas al óleo más dramáticas del famoso pintor surrealista Salvador Dalí. La
pintura presenta en el centro del lienzo, una especie de construcción arquitectónica de un
cuerpo dividido en dos partes. La primera es la parte superior, en la que se encuentra una
cabeza mirando al cielo, sujetada por una base horizontal que tiene forma de un cuchillo
deforme que sostiene a una pierna en la parte superior derecha que se encuentra aplastando a
otro cuerpo, el cual también se encuentra de manera horizontal en la parte inferior del cuadro
compuesto por dos brazos (uno en la parte inferior y el otro en la parte superior izquierda,
sujetando de la esquina a la base de la primera parte de la construcción) y una pierna en la
parte inferior derecha.

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También se pueden percibir otros elementos que son importantes a pesar de que pasen poco
desapercibidos por su tamaño y la posición en la cual el artista decidió colocarlos dentro de
su obra como son el caso de las judías hervidas, también conocidas como habichuelas o
frijoles, las cuales se encuentran en la parte inferior del cuadro; una mesa de noche que sujeta
la construcción del cuerpo deforme y un hombre situado en la parte izquierda inferior, justo
detrás de la mano caída del cuerpo.
Esta es una obra muy poco colorida, la cual está hecha básicamente de dos colores y sus
matices: el azul para el cielo, y el marrón para el suelo y el cuerpo.
Previendo lo que la Guerra Civil significaría para la sociedad española dividida por aquella
época, Salvador Dalí pintó en 1936, unos meses antes del estallido del conflicto, este
fantástico cuadro surrealista actualmente se encuentra en el Philadelphia Museum of Art.
Atroz, monstruoso y premonitorio, es una de las grandes obras del artista catalán.
Rene Magritte
Magritte, nació en Lessines, provincia de Hainaut, en 1898.La vida de Magritte estuvo
marcada por tragedias y entornos complicados, como el suicidio de su madre y la Segunda
Guerra Mundial, ello modeló su pensamiento y su quehacer artístico significativamente.
Realizó sus primeros cursos de pintura en Châtelet.
El belga René Magritte se caracterizó por representar situaciones insólitas, imposibles y
misteriosas, que busca subvertir la manera de mirar.
Las obras de Magritte son en no pocas ocasiones, reconocibles a primera vista, ya que fue
pródigo en la utilización de motivos recurrentes, algunos de ellos son: manzanas verdes,
rostros cubiertos, sombreros de bombín, y la propia persona del artista retratado de mil
formas.
Sus obras con más resonancia fueron:

"El asesino amenazado" 1927

Es una obra sobre lienzo donde podemos observar en una estancia de tonos claros.
El cuerpo de una mujer desnuda con sangre en la boca yace sobre un sofá . El hombre bien
vestido que parece ser su asesino está preparado para irse, con el sombrero y el abrigo
encima de una silla y al lado la cartera , pero le demora la música : escucha el gramófono
con languidez. Entretanto otros dos hombres ( ¿ policías ? ) , curiosamente parecidos , le

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esperan tendiéndole una emboscada en el vestíbulo , armados con una porra y una red .Y
detrás de él unos tres, ya no mellizos sino trillizos , miran desde el balcón , testigo fuera del
marco de los hechos , como reflejos de los espectadores del cuadro que se asoman a él en
dirección contraria.
El surrealismo en versión Belga de Magritte maneja visiones claras de significado oscuro . A
diferencia de los fantásticos paisajes oníricos de surrealistas de España como Salvador Dalí ,
sus ambientes son extrañamente normales , y sus protagonistas son señores burgueses con
corbata y bombín.
Pero Magritte se especializó en la irresolución permanente , en el misterio sin clave , El
asesino amenazado debe tener su origen en las novelas y películas policiacas, que le
fascinaban : pero su estudiada gelidez , la impasibilidad de sus actores , lo coloca en otra
dimensión que no es la de la novela barata de misterio.
Es inquietante que la mirada de los tres hombres del fondo se cruce con la del espectador. El
propio asesino está amenazado; los contempladores son contemplados a la vez .
"Los amantes" 1928
El pintor belga René Magritte, padre de “Los Amantes”, logra llamar la atención del público
por las telas húmedas cubriendo los rostros de los protagonistas y por los colores duros del
lienzo. Hay un predominio del granate, azul y negro, destacando el blanco por encima de
todos para subrayar el efecto mojado de las telas que los cubren.
Esta enigmática obra realizada en 1928, muestra una pareja de hombre y mujer besándose,
pero sin tocarse ni verse. Bajo este acto la comunicación entre la pareja está realmente
obstaculizada por una barrera que no permite sentir, tocar ni ver al otro, además hablar con
dificultad y escuchar poco.
Algunos biógrafos atribuyen estas figuras a la convivencia que llevaban los padres del artista,
la marcada desafección del padre y la depresión de la madre.

Tanguy
Nació en París, (Francia) y era hijo de un capitán de marina retirado. Por casualidad vio un
cuadro de Giorgio de Chirico y quedó tan impresionado que decidió convertirse en pintor
aunque no tenía la más mínima educación formal para dedicarse a ello.

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Tanguy tenía la costumbre de quedar totalmente absorbido por la obra en la que estuviese
trabajando. Esta forma de crear una obra de arte puede obedecer a que su taller era muy
pequeño y sólo podía albergar con comodidad únicamente una obra secándose.
Gracias a su amistad con Jacques Prévert, Tanguy fue admitido alrededor de 1924 en el
círculo de surrealistas de André Breton. Tanguy desarrolló con rapidez su propio estilo
pictórico, celebrando su primera exposición individual en 1927 en París.
Los cuadros de Yves Tanguy representan sueños desligados de toda referencia a la realidad.
Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin
correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su
obra consiguiendo provocar angustia y misterio. Algunas de sus obras fueron: Mamá, papá
está herido, Días de Apatía, Los nuevos juegos.
Mamá, papá está herido (1927)
Esta pintura realizada por Yves Tanguy fue creada en 1927, y se llamó Mamá, Papá está
herido. El medio utilizado fue el óleo sobre lienzo.
Tanguy nos muestra un vasto paisaje abstracto con una paleta de colores limitadamente
grisácea, paleta que solo ocasionalmente muestra destellos y acentos de color contrastantes.
Estos paisajes alienígenas están poblados con varias formas abstractas, a veces angulares y
afiladas que recuerdan a prismas hechos añicos, a veces con un aspecto intrigantemente
orgánico. Todo ello lo reflejan las amebas gigantes, el lejano cactus solitario, las grandes
masas humeantes y lo que parece ser una cerilla gigante vástago de una tarántula. Todas éstas
dotadas de sombra, de proyección lumínica, un rasgo que acentúa aún más el vacío espacial
que somete a estos pseudo personajes.
La magia reside en cómo los extraños personajes, con sus sombras y su perspectiva, actúan
como referencias al mundo real, imbuyendo en nuestra cabeza a la lectura de una obra que se
aleja de la abstracción, a toparse con la sensación de familiaridad lejana, de jugar con nuestra
concepción espacial. De cómo a la postre, Tanguy nos obliga a tratar de comprender lo
intangible y lo incomprensible con su poetización psicológica.
Días de Apatía (1937)
En esta ocasión, Tanguy separa con precisión los diferentes elementos figurativos del fondo
en que se insertan en su obra de óleo sobre lienzo. Como en sus cuadros, hace que sus
peculiares figuras surjan desde el agua o desde una materia blanda.

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En efecto, las líneas del fondo, que se desvanecen como vistas a través del objetivo flou de
una cámara, se convierten en una estructura abstracta y plana, y despiertan asociaciones
todavía vagas relacionadas con un paisaje.
En cualquier caso, la transición de la oscuridad a la claridad constituirá el lugar de una línea
del horizonte. Sobre este fondo abstracto sitúa Tanguy dos figuras principales, una de las
cuales evoca un caballo con jinete y armas, mientras que el ser que se le acerca a la velocidad
de un caracol desde la derecha se parece a una torre a la que se asoma un combatiente. En el
fondo aparece una tercera figura deslizándose por encima sobre un soporte rojo. El escenario
en su conjunto es tan silencioso como peculiar. Imposible saber dónde situar la
representación, si en el pasado más recóndito o en el futuro más lejano.

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 Conclusión

En el presente trabajo elegí investigar El Surrealismo ya que no solo fue un movimiento

literario o artístico, sino un estado de ánimo, un conjunto de experiencias, un medio para el
conocimiento de zonas novedosas que hasta el momento no habían sido exploradas en
profundidad, como por ejemplo, el subconsciente, lo imaginario, el sueño, la locura y los
estados de alucinación. Si a esto se le agrega la realidad que existe en el mundo, tenemos, en
dos palabras, un ‘Movimiento Desenfocado’, que transmite un mensaje no convencional, el
cual no pretende relación alguna con la estética o la moral, sino con la libertad de expresión y
la psiquis.
Elegí este movimiento por ser transgresor, que se opone al pasado artístico que busca una
revolución, una total transformación cultural y modo de interpretar la realidad. Esta
revolución implica una tajante ruptura con lo establecido y postula la creación de un hombre
libre, surrealista.
Luego de finalizar mi investigacion descubri que todos los artistas participaron de la Primera
Guerra y llegue a la conclusión que más allá de ser un movimiento revolucionario que abarcó
no solo la pintura sino que se extendió a diferentes ámbitos, interpretó que fue un movimiento
de “descargo” o “desahogo” de esos traumas vividos en la guerra por esos artistas. Y recalco
nuevamente su importancia por ser transgresor y revolucionario como ya mencione
anteriormente.

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Bibliografía

● Fuente: https://www.caracteristicas.co/surrealismo/#ixzz6cmpXVZlN
● Fuente: https://www.caracteristicas.co/surrealismo/#ixzz6cmouYV
● Fuente: https://www.caracteristicas.co/surrealismo/#ixzz6cmoCu3du
● Fuente: ​https://concepto.de/surrealismo/#ixzz6cmglbiCrial
● https://es.linkfang.org/wiki/Surrealismo_figurativo
● https://tiposdearte.com/surrealismo-abstracto-tendencia-pictorica-dentro-del-surr
ealismo/
● https://www.arteespana.com/surrealismo.htm
● https://www.caracteristicas.co/surrealismo/
● https://revistaatticus.es/2010/03/23/los-amantes-de-rene-magritte-un-amargo-bes
o
● http://surrealismopuntoinc.blogspot.com/p/tecnicas.html

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