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ACID TRIPS &DRIFTWOOD MASKS: REFLEXIONES SOBRE JULIE TAYMOR

Publicado En Noviembre 7, 2019 Por Admin

Tuve alrededor de tres interacciones diferentes con el trabajo de Julie Taymor antes de darme cuenta
exactamente con quién estaba tratando. En algún momento cerca del final de mi último año de la
escuela secundaria, mi mejor amigo me mostró Across the Universe, el espectáculo de viaje de 2007 de
los Beatles. Casi al mismo tiempo, en una clase de filosofía, vimos la producción de Taymor de 1993 de
la interpretación operística de Stravinsky de Edipo Rex (cuál era la lección filosófica, no podría decirles).
Un año más tarde, en una clase de Shakespeare de nivel graduado, vimos Titus Andronicus de Taymor,
esta fue la primera vez que escuché el nombre de Julie Taymor. Pasó un tiempo más antes de que
finalmente me diera cuenta de que todas esas piezas fueron creadas por la misma mujer.

Mirando hacia atrás, es sorprendente que no me diera cuenta de las líneas de paso en lo que había
visto, tanto como tiene sentido que no me hubiera dado cuenta de que todas esas piezas eran obra de
Taymor. La gama de obras de Taymor es notable, abarcando el cine, el teatro y la ópera; pero su estilo
es distintivo. Taymor va a lo grande. Taymor se vuelve psicodélico. Taymor no corta esquinas. No
suscribe "menos es más". Ella lleva las cosas a los extremos , pero nunca sin justificación.

Tal vez la obra más conocida de Taymor –y comprensiblemente– sea El Rey León en Broadway. Taymor
recibió el Premio Tony a la mejor dirección en 1998 por El Rey León, convirtiéndose en la primera mujer
en ganar el premio. También se llevó a casa el Tony al Mejor Diseño de Vestuario, una señal segura de
que los riesgos que tomó en la producción tenían mérito. En entrevistas posteriores sobre el proyecto,
Taymor recuerda sus dudas sobre el uso de máscaras y marionetas extravagantes para una producción
principal de Broadway, especialmente para una producción de Disney: "Había preocupación de que esto
pudiera interrumpir a la audiencia", recordó Taymor. Pero también recuerda lo que el entonces CEO de
Disney, Michael Eisner, le dijo: "Cuanto mayor sea el riesgo, mayor será la recompensa". Veintiún años,
seis continentes y más de ocho mil millones de dólares después, parece que el riesgo valió la pena.
La primera exposición de Taymor al trabajo de máscaras y títeres se produjo después de la escuela
secundaria, cuando estudió durante un tiempo en la escuela de teatro físico L'École internationale de
théâtre en París. Continuó estudiando teatro físico durante su tiempo en el Oberlin College,
graduándose finalmente con una beca de viaje a Indonesia. Los tres meses planeados por Taymor en
Indonesia se convirtieron en cuatro años de 1975 a 1979, en los que fundó Teatr Loh, una compañía de
danza que usó máscaras ampliamente en sus producciones originales que recorrieron toda Indonesia.
Cuando Taymor regresó a Nueva York, trajo consigo lo que había aprendido; dirigió en La MaMa
Experimental Theater Club, el Teatro Público y Theater for A New Audience, incorporando el teatro físico
en toda su obra. Su siguiente gran proyecto en el mundo de las máscaras y los títeres llegó en 1992:
dirigió y diseñó una producción filmada de la versión operística de Igor Stravinsky de Edipo Rex de
Sófocles.

Edipo Rex de Taymor, como la mayor parte de su obra, se centró en la realidad metafórica de la ópera
en lugar de la realidad literal. Edipo fue interpretado por dos intérpretes: el cantante de ópera que
entregó la música de Stravinsky con pasión y profundidad, y un bailarín envuelto en arcilla. El metafórico
Edipo era inmenso, con una máscara de arcilla representacional sobre su cabeza y manos de gran
tamaño, con armadura de placa de arcilla, envuelto en túnicas y superando el escenario como el
gobernante de Tebas. Es enorme, poderoso, pero está agobiado por esta inmensidad y por el destino
que los dioses le han recetado. Vestida de manera similar está la madre/esposa de Edipo, Yocasta, con
otra máscara de arcilla sobre su cabeza y manos de arcilla sobre sus propias manos. En su escena de la
muerte, Jocasta se ahorca a sí misma - mientras Taymor lo escenifica, el coro ceremonialmente envuelve
la tela roja alrededor del cuello de su máscara, y la tela vuela en el aire, trayendo su máscara y su túnica
con ella. Jocasta se pone de pie, el rostro de la intérprete delata el horror de sus últimos momentos,
mientras que encima de ella, su cuerpo cuelga de las vigas. Al ver esto, Edipo lo pierde todo, literal y
figurativamente: sus manos de barro, sus túnicas, su armadura y, finalmente, su máscara, dejando solo
el cuerpo del bailarín con tiras de tela roja sanguina que fluyen de sus ojos enroscados. Derrotado, Edipo
vaga al nivel más bajo del conjunto, en un charco de agua oscura. Sale de la ciudad de Tebas, caminando
por el agua, rodeado por el coro, que lo ve pasar.

Taymor’s practice of staging in metaphors continued in her puppet work for The Lion King. The
production was an adaptation of a cartoon, after all; the world of The Lion King already divorced from
the literal world of the African savannah. But to bring the movie to the stage, Taymor had to abstract it
once more: performers in The Lion King are easily visible operating the animal puppets they use, or
performing as humans underneath their lion masks. The puppets, costumes, and makeup are not
steeped in realism, but instead infuse animal shapes with colors and materials used in traditional African
clothing. Taymor uses the same “double event” masking she used in Oedipus – placing the mask above
the performer’s head so that both their face and the mask can be seen – and adds makeup to emphasize
the performer’s face, rather than hide it. There is no illusion in The Lion King that the puppets are not
just that, rigs operated by individuals or groups of actors meant to convey the imagery of animals.
Instead, the art of puppetry becomes the beauty of the production; even as we can see the strings and
the actors pulling them, we start to see and believe the animals onstage, too.

Taymor does not cut corners. She does not subscribe to “less is more.” She takes things to extremes –
but never without justification.

Taymor uses similar strategies in film to invoke the emotional reality of a piece before the literal reality
of it. She is well known for her use of dream sequences as abstract portrayals of moments of emotional
significance. In her 2002 film Frida, an adaptation of a biography of Frida Kahlo, Taymor incorporates
dream sequences of Kahlo’s paintings into the narrative of the film, showing the circumstances in
Kahlo’s life that led her to create her art. In Titus, her 1999 film adaptation of Shakespeare’s Titus
Andronicus, a mother watches her son die and the screen is filled with flames. Later, the flames return
as a woman who has had her tongue cut out and hands cut off finally finds a way to communicate to her
father who was responsible for attacking her. Tragedy and horror are portrayed through the emotional
reality of those moments, rather than the physical reality.

Mirando hacia atrás en Across the Universe ahora que he experimentado más del trabajo de Taymor,
puedo ver cómo el exceso y la ensoñación en la película es solo parte de la tradición de espectáculo de
Taymor. En la secuencia que diseñó para la canción Being for the Benefit of Mr. Kite, todos sus
elementos característicos están presentes: máscaras gigantes y marionetas con cabezas y manos de gran
tamaño, todas talladas como si estuvieran en madera a la deriva, humanos impuestos a imágenes
psicodélicas, una dedicación a lo fresco, lo funky, lo divertido. Recordando a Edipo Rex y Tito Andrónico,
también, es difícil imaginar que no vi las líneas de paso en su arte hasta más tarde.

El trabajo de Taymor suena con honestidad emocional tanto como con interés visual. Ella invita a la
audiencia a su mundo, y exige que sigan sus reglas. Ya sea adaptando historias clásicas o ideando una
narrativa propia, la visión más grande que la vida de Taymor ha creado experiencias teatrales y
cinematográficas completamente desconocidas antes. Su trabajo me llama, como debería ser a todos
nosotros, a reconsiderar la convención y apoyarme en lo espectacular.

Palabras de Hannah Dains

Ilustración de Lilia Jimenez

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