DIPLOMADO DE ARTES

MODULO DE TEATRO

MAESTRA NARAYDÉ CASTILLO

EL TEATRO LA CLASIFICACION PEDAGOGICA.

DE PANTOMIMA
DE SOMBRAS
DE MASCARAS
GUIÑOL
EL ARTE CLOWN
DE TITERES
NARRACION ORAL ESCCENIA

Ana Lucía Durán Sánchez

06 mayo 2022
EMPEZAREMOS DEFINIENDO QUE ES PANTOMIMA

Representación teatral en la que los actores no se expresan con palabras, sino únicamente con
gestos. Así nombran al teatro sin palabras. El origen de la palabra Pantomima, viene de dos
raíces, el prefijo Pan, pantos que quiere decir todo y Mimo que quiere decir imitación.
La pantomima o actuación silenciosa, es un subgénero dramático del mimo (actor que renuncia
al uso del lenguaje oral y todo imita) y el mimodrama es una historia mediante mímica
(imitando todo) apoya la narración con expresiones, gestos o movimientos corporales. Actuación
mayormente individual y como arte callejero.
En la historia del teatro sólo encontramos información respecto a cuán bueno fue cierto mimo o
tal otro y referencias a sus orígenes, las cuales son señaladas, de manera marginal, en los
momentos de decadencia del teatro. En cambio, algo que nos serviría, como una obra
de Sófocles le sirve al teatro, no existe. En el origen del mimo, su naturaleza era corporal. El
principio de este arte se encuentra en las orgías dionisíacas, esencia que posteriormente fue
distorsionada por la moral.
Se sancionó hacer del cuerpo signo de expresión. Las ménades y los sátiros debieron ocultar sus
actos y propósitos. La abstracción, intelectualidad, palabra, reclamó para sí el establecimiento de
lo correcto en materia de realización escénica. Toda manifestación artística construida con
acciones corporales fue marginada y tratada como arte menor y desplazada en el consenso de
las artes.
El teatro de pantomima se desarrolló durante el imperio griego y romano dentro de la
dramaturgia clásica. Formaba parte de los recursos de la representación dramática
con máscaras y el respaldo de un coro y músicos, con monólogos y diálogos. Pasó al teatro
romano como sátira de hazañas militares y relatos épicos.
Durante la Edad Media algunos juglares conservan parte recursos mímicos en leyendas del
folklore tradicional y baladas. En el siglo XIV se populariza el drama Nō en Japón, género teatral
que comparte características con la pantomima moderna. La mímica dramática de
la Italia del siglo XVI y máximo apogeo dentro de la Commedia dell'Arte, los actores usaban
máscaras durante la puesta en escena de sus «lazzi» humorísticos y adornados con acrobacias.
En la época moderna, siglo XX influenciado por la estética del Nō y la Commedia Dell
‘Arte, Jacques Copeau retoma las máscaras como técnica para la enseñanza de las artes
dramáticas. Étienne Decroux, pupilo de Copeau, desarrolla nueva técnica teatral
denominada mímica corporal. Algunos teóricos consideran a Jean-Gaspard Deburau precursor en
Europa de la pantomima moderna, a través de la figura melodramática de Pierrot y la figura
silenciosa de rostro blanco.
La práctica del mimo en Francia se ha incluido en el Inventario del patrimonio cultural inmaterial
desde 2017.
La pantomima británica teatral se basa en la comedia musical diseñada para el entretenimiento
familiar y con una línea dramática y humorística asociadas a la Navidad y el público infantil.
Hacia principio del siglo XVIII, el actor John Rich introdujo una fórmula mímica en los entreactos
de las funciones de opera que se conocerá luego como harlequinade, por ser Arlequín su
protagonista. Este recurso cómico-dramático se popularizo alcanzando la categoría de
espectáculo único compuesto por episodios humorísticos, acompañados de música,
representados por personajes extravagantes y con la característica de que los actores
encarnasen personajes de sexos opuestos, anticipando en cierta medida el transvestismo y
al drag.
Debemos mencionar que el maquillaje (cara blanca), vestuario (blanco y negro, guantes
blancos) son únicos y exclusivos de este género teatral.

TEATRO DE SOMBRAS

El Teatro de sombras, es una actividad artística muy popular, la cual, por su sencillez, permite
ser implementada con facilidad en las aulas de clases. Tal facilidad permite dar muestras o
accesos a un goce estético a niños que inician sus aventuras en la literatura, permitiendo ser
éste tipo de teatro como el inicio de sus relaciones con ella.
El Teatro de sombras, fue inventado en el antiguo oriente, aunque no se especifica cuándo fue
inventada, se puede pensar que tal actividad se fundó cuando el hombre descubrió su sombra, y
a realizar movimientos con ella. Desde allí, la creatividad y la imaginación del hombre permitió
jugar con sus manos expuestas en un foco de luz, y generando sombras e imitaciones de
animales, cosas y hasta de personas mismas.
Éste tipo de juego con las sombras, se conoció como Las sombras chinescas, un juego popular
que consiste en interponer las manos entre una fuente de luz y una pantalla o pared, de manera
que la posición y el movimiento de las manos proyecta sobre la pantalla sombras que
representan distintos seres en movimiento. Las sombras chinescas constituyen uno de los
primeros esfuerzos por materializar el ancestral afán humano de reproducir el movimiento sobre
una pantalla, y en este sentido pueden concebirse como un remoto antecedente del cine.
El Teatro de sombras se construye fácilmente, solo necesitamos tres materiales: un foco (una
lámpara), un soporte de proyección (una tela blanca) y un títere. Con estos tres elementos se
puede llevar a cabo una representación teatral en a manera de sombras.
TEATRO DE MÁSCARAS

Las máscaras se han utilizado desde la antigüedad con propósitos ceremoniales, festivos y
prácticos. El uso de las máscaras se remonta a la más lejana antigüedad. Se les encuentra entre
los egipcios, griegos y romanos.
Las máscaras y el teatro están íntimamente unidos, ya que la tragedia y la comedia están
representadas por dos máscaras de Talía y Melpómene (Talía es la musa de la comedia, presidía
los banquetes animados por la música y el canto, lleva por atributos una corona de hiedra y en
la mano una máscara sonriente. Melpómene es la musa de la tragedia, se le representa como
una matrona majestuosa y calzando el cornuto, en una de sus manos sostiene un cetro y una
corona. Rodeada de fortalezas, armas y laureles y a su arrogancia se une la tristeza de la
soledad).
Este tipo de teatro requiere de los actores una conciencia corporal plena, ya que la
concentración, los impulsos, la gestualidad y el juego, tienen un papel fundamental. En la
actualidad existen diversas escuelas donde aprender esta técnica del teatro de máscaras muy
unido al teatro físico, que posee una pedagogía cuyos temas centrales son el actor creador, el
ensamble, la danza, las máscaras, la pantomima y el clown, entre otros.

TEATRO GUIÑOL

El guiñol es una actividad cultural y educativa dirigida a personas de todas las edades, que tiene
como objetivo trasladar historias de todo tipo utilizando los muñecos como herramienta.
Pertenece al mundo de los títeres y marionetas, pero tiene sus características propias. El teatro
guiñol es una pequeña réplica de un teatro, y sus personajes son títeres o muñecos de guante,
que se mueven desde abajo introduciendo en ellos los dedos.
Su origen es francés, de la ciudad de Lyon. Se cuenta que el creador del guiñol fue un hombre
llamado Laurent Mourguet, de profesión dentista en la ciudad de Lyon. Para entretener a sus
pacientes y hacerles olvidar el dolor, se inventó unas historias que se representaban en su
gabinete, con marionetas de guante que se movían detrás de un mostrador. Esto ocurría hacia el
año 1795, poco después de haber estallado la Revolución francesa. Mourguet llegó a ser muy
querido por sus contemporáneos y fue perpetuado su recuerdo con un busto levantado en una
placita de la vieja ciudad de Lyon.
‘Los títeres son usados para divertir a las personas y entretenerlas con chistes o con
sus voces”
Entre los objetivos del teatro guiñol está el aprendizaje de contenidos; el fortalecimiento del
lenguaje; la comunicación de un mensaje; desarrollar la imaginación y estimular la creatividad;
despertar la sensibilidad; descubrir la importancia del grupo, contribuyendo a la socialización
además de permitir el conocimiento de la realidad a través de medios no convencionales.

CLOWN

El arte del clown es una técnica que nace hace miles de años, durante la Quinta dinastía de la
cultura egipcia (alrededor del año 2500 antes de Cristo), por ese tiempo reinada la corte del
Faraón Dadkeri-Assi, este para su distracción tenia entre su repertorio a un claun enano que
actuaba como bufón. Así como en la cultura egipcia, en otras culturas como la China los bufones
han actuado desde 1818 antes de Cristo.
El arte del clown tiene sus orígenes en el circo con el payaso que todo mundo conoce, el de nariz
roja, llamado Augusto que era ingenuo, torpe y en ocasiones, estúpido y todo le salía mal. Su
contrapunto era el clown de cara blanca, éste representa la autoridad, era elegante, serio y no le
gustaban las bromas.
Desde sus inicios, el artista de clown era multidisciplinar, es decir, no sólo era un payaso,
también realizaba actos de malabarismo, acrobacias, tocaba instrumentos musicales, etc. Se
puede decir que gran parte de los payasos de circo comenzaron siendo artistas de otras
especialidades y al no poder continuar con sus rutinas, terminaban por convertirse en payasos.
Realizar el arte del claun es encontrarse con el niño interior que llevamos dentro cada uno de
nosotros, el claun es un ser inocente, no es capaz de poder reconocer sus errores y estos los usa
como técnica para desenvolverse en el escenario.
¡UNO NO ACTUA UN CLAUN, UNO LO ES!
El Claun es una técnica de teatro donde actualmente se usan narices rojas, vestimentas de
colores fuertes y llamativos, mucho humor negro y espontaneidad. El artista de claun puede
adoptar distintas técnicas o ramas, una de las cuales nace en la Argentina de los años 1980 y
1990, la cual en su época rompía las reglas establecidas para este tipo de arte.
Una de las cualidades del claun es que permite aflorar todo lo que llevamos dentro de nosotros
El clown es una de tantas técnicas que tiene el teatro, es el método de actuar del payaso
trasladado al universo del actor. ... En teatro este sistema consiste en contactarse con el público
rompiendo la cuarta pared, la que separa al actor del espectador.
El clown es el niño que todos llevamos dentro, que no tiene tabúes, que disfruta jugando
y que quiere ser como los demás, como los adultos, aunque nunca pueda conseguirlo.
El clown representa nuestro mejor otro yo, y la posibilidad por tanto de practicar la
esquizofrenia sana. Percibir, sentir, accionar y relacionarse desde un estado payaso,
que consiste en estar contigo mismo, tendiendo un puente hacia los demás a través de la
mirada.
El clown se expresa utilizando todo el cuerpo y sus movimientos para después proyectarlos al
espectador subrayando emociones, intenciones y reacciones; porque lo importante no es
simplemente actuar si no hacer actuar al personaje, conocer sus objetivos para hacerlo pensar,
hacer y existir.

TEATRO DE TÍTERES

Definición
Normalmente el teatro de títeres es una representación dramática con figuras y diálogo o la
música proporcionada por un titiritero. Se trata de una marioneta con una figura tridimensional
humana, animal o abstracta en su forma, se mueve con ayuda humana o es operada por su
titiritero que se oculta de los espectadores.
Cada uno de los muchos tipos de presentación está determinado por el tipo de títere utilizado y
el sistema de control.
Entre los títeres se incluyen las marionetas, que se manipulan con cuerdas, los títeres de mano
(por encima de la cabeza), los títeres de varilla, y los títeres mecánicos. A veces se utiliza un
objeto como un bloque, una pelota o un palo, que representa metafóricamente a un ser vivo, en
lugar de una marioneta. Las marionetas varían en altura desde varios centímetros hasta el doble
del tamaño de un humano.
¿Cómo se desarrolló el Teatro de los Títeres?
A partir del siglo XI, las iglesias y monasterios presentaban espectáculos que
usaban títeres para dramatizar escenas de los Evangelios en los que el personaje principal era
la Virgen María. El nombre Marion o Marioneta permaneció en los idiomas romano y alemán
como un término general para el títere de teatro.
En las lenguas eslavas, el nombre Marion designaba el teatro de marionetas (títeres de cuerda).
Las presentaciones del teatro de marionetas se volvieron cada vez más actuales y seculares y,
en consecuencia, fueron atacadas por la iglesia medieval. Desterrados de las capillas de las
iglesias a la parvis, las representaciones de títeres se escenificaban más tarde en las plazas
públicas y en las ferias. Las representaciones fueron prohibidas por la Inquisición, pero su
contenido anticlerical y anti feudal continuó aumentando.
NARRACIÓN ORAL ESCCENIA.

DEFINICION
La narración oral escénica es un acto de belleza, donde el ser humano, al narrar a viva voz y
con todo su cuerpo, resulta capaz de divertir y enseñar, de emocionar y analizar, de cuestionar
y de afirmar, de debatir y de compromete. La narración oral escénica es un acto de
comunicación, donde el ser humano, al narrar a viva voz y con todo su cuerpo, con el público y
no para el público, inicia un proceso de interacción en el cual emite un mensaje y recibe
respuesta, por lo que no sólo informa, sino que comunica, pues influye y es influido de
inmediato en el instante mismo de narrar, para que el cuento crezca con todos y de todos, entre
todos.
La narración oral escénica es un acto de imaginación, que no refleja, sino que recrea la realidad,
y reinventado la realidad asume el ayer, reafirma el hoy, y predice el mañana, para ser camino
del tiempo, camino del futuro. La narración oral escénica es un acto de sabiduría, que renueva
el conocimiento milenario que vibra en cada cuento.
La narración oral es un arte comunicador por excelencia. La oralidad está en la base de
todo y, por tanto, no puede ser sustituida, porque enseña a imaginar, que es enseñar a
relacionar, y relacionar tiene que ver con la vida, no sólo con el arte y la literatura, sino también
con el desarrollo de la técnica y de la ciencia. El desarrollo de la imaginación está directamente
vinculado con la creatividad, y la creatividad está directamente vinculada con el progreso, con la
calidad de la vida. De ahí la importancia de lograr que cada vez más toda la sociedad se interese
en la oralidad en la familia y en la escuela.
La oralidad es nuestro más eficaz medio para expresarnos y comunicarnos. La
comprensión de la oralidad como comunicación, y su utilización más eficaz y plena, significan
una mejor calidad de vida para los jóvenes y adultos, para los niños y adolescentes, que son el
principio, pero para ellos, además, es el punto de partida de la formación y del desarrollo.
La narración oral escénica es un acto de transparencia, que trasluce como el cristal desde la
propia personalidad del narrador, la personalidad del cuento y de todos los personajes de cada
cuento.

BIBLIOGRAFIA
ECURED
WIKIPEDIA
Artes ANA K SLIDER
tiposdeartes.gob
waece.org
La Narración Oral Escénica como estrategia de la Expresión Oral
scrib.org