INSTITUTO TECNOLOGICO SALESIANO ELOY VALENZUELA

GUÍA DE APRENDIZAJE CODIGO: MP-GUIA-001

Proceso Pedagógico VERSION: 1 Pág.: 1/5
MATERIAL DISPONIBLE EN: https://sites.google.com/view/artesalesiano/3-undecimo
CUIDEMOS EL PLANETA. POR FAVOR NO IMPRIMA ESTE MATERIAL
TITULO DE LA GUIA: Vanguardias Artísticas (artistic avant-gardes) - Movimientos artísticos (arts movements).
ASIGNATURA: Artes (Arts) PROFESOR: Jesús Alberto Amado García GRADO: Undécimo (Eleventh)
UNIDAD TEMÁTICA: Arte Contemporáneo (Modern art)
DESEMPEÑOS (ACADEMIC PERFORMANCES)
CONOCER HACER SER CONVIVIR
(KNOW) (DO) (BE) (LIVE TOGHETER)
Identifica las características Realiza consultas e Es respetuoso y comprometido Muestra interés por la cultura
propias del arte desde la improvisaciones con las actividades propuestas y las manifestaciones artísticas
conceptualización. basadas en el arte. por el área. sociales.
OBJETIVO DE LA GUÍA (GUIDE OBJECTIVE): Reconocer que el arte moderno no se tiene que ver como algo que sea
familiar o real. El arte puede ser completamente abstracto y se puede inventar.
INDICADOR (INDICATOR): Identifica y analiza los cambios en la representación de la realidad según cada tendencia a
través de la recreación de pinturas para fundamentar su proceso artístico.
INDICADOR DE AUTONOMÍA (AUTONOMY INDICATOR): Actuación fundamentada en principios.
ESTRATEGIA DE APRENDIZAJE (LEARNING STRATEGY): Consulta y análisis de la información.
CONTENIDO (CONTENT): Vanguardias artísticas: Arte Pop. Simbolismo. Abstracción. Cubismo. Expresionismo.
Performance. Sintetismo. Dadaísmo. Surrealismo.
ACTIVIDADES DE APRENDIZAJE (LEARNING ACTIVITIES)

La vanguardia actual generalmente se refiere a grupos de intelectuales,

escritores y artistas, incluidos arquitectos, que expresan ideas y experimentan
con enfoques artísticos que desafían los valores culturales actuales. Las ideas
vanguardistas, especialmente si abarcan temas sociales , a menudo son
asimiladas gradualmente por las sociedades a las que se enfrentan. Los radicales
de ayer se convierten en la corriente principal, creando el ambiente para que
surja una nueva generación de radicales.

1. ACTIVACIÓN DE SABERES PREVIOS (PREVIOUS KNOWLEDGE)

Escribe que herramientas necesitas para estudiar esta temática.
__________________________________________________________________
__________________________________________________________________ Ilustración 1. Roy Lichtenstein, Drowning
Girl, 1963, en exhibición en el Museo de
Arte Moderno de Nueva York. Arte pop.
2. META DE APRENDIZAJE (LEARNING GOAL)
De acuerdo al propósito de la guía ¿qué esperas aprender?
__________________________________________________________________
__________________________________________________________________

3. INFORMACIÓN (INFORMATION)
Tomado de https://en.wikipedia.org/wiki/Avant-garde
El concepto de vanguardia se refiere principalmente a artistas, escritores,
compositores y pensadores cuyo trabajo se opone a los valores culturales
dominantes y a menudo tiene una ventaja social o política mordaz. Muchos
escritores, críticos y teóricos hicieron afirmaciones sobre la cultura de
vanguardia durante los años formativos del modernismo, aunque la declaración
Ilustración 2. El queso Cheddar lienzo de
definitiva inicial sobre la vanguardia fue el ensayo Avant-Garde and Kitsch del Andy Warhol 's latas de sopa Campbell,
crítico de arte de Nueva York Clement Greenberg , publicado 1962. Arte pop.
en 1939. Greenberg argumenta que la cultura de vanguardia históricamente se
ha opuesto o "alta" cultura "dominante", y que también ha rechazado el
sintetizada artificialmente la cultura de masas eso ha sido producido por la
industrialización. Cada uno de estos medios es un producto directo
del capitalismo —todos ahora son industrias importantes— y, como tales, están
impulsados por los mismos motivos fijos en las ganancias de otros sectores de la
manufactura, no por los ideales del verdadero arte. Para Greenberg, estas
formas eran, por lo tanto, kitsch : cultura falsa, falsa o mecánica, que a menudo Ilustración 3. Crying girl, Roy Lichtenstein,
1963. Arte pop.
pretendía ser más de lo que eran utilizando dispositivos formales robados de la
cultura de vanguardia. Por ejemplo, durante la década de 1930, la industria
publicitaria se apresuró a tomar formas visuales del surrealismo , pero esto no
significa que las fotografías publicitarias sean realmente surrealistas.

4. PRINCIPIOS Y VALORES DE LAS CORRIENTES ARTISTICAS (PRINCIPLES AND

VALUES ARTS MOVEMENTS)

4.1 Arte pop

El arte pop, también conocido por su nombre en inglés pop art, fue un
movimiento artístico del siglo XX. Se caracterizó por emplear imágenes y objetos
de la cultura popular, tomados de los medios de comunicación de masas
(anuncios publicitarios, revistas, cómics, cine) o de la realidad cotidiana. El arte
Ilustración 4. El collage de Richard
pop surgió como movimiento a finales de la década de 1950 en Inglaterra, y Hamilton ¿Qué es lo que hace que las casas
mientras que en Estados Unidos empezó a despuntar con la década de 1960. Se de hoy sean tan diferentes y tan atractivas?
valía de materiales industriales, carteles, publicidad, artículos de consumo, (1956) es una de las primeras obras
ilustraciones de revistas, muebles en serie, vestidos, latas de conservas, botellas consideradas "pop art".
de gaseosas, etc.
Características del arte pop
La intervención del arte pop consistía en sacar imágenes u objetos populares de
su contexto habitual para así, al aislarlas o combinarlas con otros elementos,
lograr resaltar o iluminar algún aspecto banal o kitsch, o destacar algún sentido
o rasgo cultural concreto. En este sentido, el arte pop podía también
considerarse un síntoma de la sociedad de la época, caracterizada por el
consumismo, el materialismo, el culto a la imagen y a la moda. De allí que la
ironía y la sátira de sus intervenciones artísticas fueran utilizadas como
instrumento de crítica y cuestionamiento de los valores y las ideas arraigadas en
la sociedad de consumo. Pero el arte pop y toda su controversial estética y
postura ante la realidad, además, suponía una reacción frente a los cánones de
las bellas artes tradicionales, del mismo modo en que la música pop constituyó
Ilustración 5. Shot Marilyns. Andy Warhol.
en su momento un gesto de ruptura a los preceptos tradicionales de la música.
1964. Arte pop.
Suele colocarse al arte pop en la frontera entre el final del arte moderno y el
comienzo del arte postmoderno. En este sentido, algunos lo consideran una
manifestación artística crepuscular de la modernidad, mientras que otros lo ven
como una de las más tempranas expresiones de la posmodernidad en el arte.
Obras y representantes del arte pop
Uno de los más famosos representantes del arte pop es el estadounidense Andy
Warhol, autor de la obra Lata de sopa Campbell, una de las más reconocidas. Sin
embargo, entre los representantes de este movimiento, también destacan
artistas como Richard Hamilton, creador del collage ¿Qué es lo que hace de los
hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?; Roy Lichtenstein, autor
de Good Morning, Darling, o Tom Wesselmann, creador de la serie Gran
desnudo americano.
Profundiza: https://www.wikiart.org/es/artists-by-art-movement/arte-pop Ilustración 6. Four Self-Portraits.
Richard Hamilton. 1990. Arte pop.
 4.2 Simbolismo
El sistema de símbolos que permite representar un concepto, una creencia o un
suceso se conoce simbolismo. Este sistema funciona a base de la asociación de
ideas que promueven los símbolos y de las redes de éstos que van surgiendo. El
simbolismo, es una escuela artística que surgió en Francia a finales del siglo XIX y
que se caracteriza por evocar o sugerir los objetos en lugar de nombrarlos de
manera directa. El surgimiento del simbolismo está relacionado a la oposición
al naturalismo a través de una apuesta por la fantasía. Los artistas enrolados en
este nuevo movimiento intentaban recuperar las ideas del romanticismo, que
fueron perdiendo relevancia ante el avance de la revolución industrial. El
simbolismo, por lo tanto, aparece vinculado a lo espiritual. Los simbolistas se
proponían descifrar los misterios del mundo a partir de la búsqueda de
correspondencias entre los objetos sensibles. Charles Baudelaire, Arthur
Rimbaud y Paul Verlaine fueron algunos de los precursores del movimiento, que
se extendió desde la literatura hacia la pintura, la escultura y el teatro. En el
ámbito de la pintura, contó con importantes figuras como:
• Gustave Moreau. Artista francés considerado el precursor del movimiento a
Ilustración 7. La aparición. Gustave
nivel pictórico y sus trabajos están caracterizados por estar protagonizados por Moreau. 1876. Simbolismo.
personajes bíblicos así como por incorporar ambientes decadentes.
• Odilon Redon. En Burdeos fue, por su parte, donde nació este artista que ha
pasado a la Historia por haber llevado a cabo la realización de obras trágicas y
marcadas por lo onírico así como por la fantasía.
• Puvis de Chavannes. Uno de los más significativos miembros enmarcados
dentro de esta corriente artística. En su caso, se diferencia de los anteriores por
el hecho de que sus trabajos son más tranquilos y equilibrados aunque, como no
podía ser de otra manera, marcados claramente por figuras e ideas simbólicas.
• Gustav Klimt fue un pintor simbolista austriaco, y uno de los más conspicuos
representantes del movimiento. Pintó lienzos y murales con un estilo personal
muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía.
Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en
el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus
obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial Ilustración 8. El beso. Gustav Klimt. 1907.
Simbolismo.
claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz.
Dentro del ámbito literario, y más concretamente en el género del teatro,
tomaron relevancia ciertos autores, pero ninguno de ellos llegó a alcanzar la
figura de Auguste Villiers de L´Isle Adam. De origen francés es también este
escritor que destacó por el hecho de que sus obras de dramaturgia estaban
caracterizadas por un carácter extremadamente lírico pero también por ser
violentas y muy profundas. Buena muestra de ello son trabajos tales como “Le
Prétendant”, “Le Nouveau Monde”, “La Révolte” o “Axël”, que para muchos fue
el más perfecto ejemplo de lo que era el simbolismo.
Profundiza: https://www.arteespana.com/simbolismo.htm Ilustración 9. Composición VII. Wassily
https://www.wikiart.org/es/artists-by-art-movement/simbolismo Kandinsky. 1913. Abstracción lírica.

4.3 Abstracción.
Abstraer es separar las propiedades de un objeto a través de una operación
mental, dejar de prestar atención al mundo sensible para centrarse en un
pensamiento. Se conoce como arte abstracto, por otra parte, el estilo que no
intenta reproducir las formas de la naturaleza u otros modelos, sino que se
centra en las características de la estructura, la forma y los colores de la propia
obra. Este estilo se desarrolló como una especie de oposición al realismo y a la
fotografía. La pintura abstracta se basa en los elementos de la naturaleza pero Ilustración 10. En blanco II. Wassily
no se rige por ninguna norma; el artista manifiesta su mundo interior y el arte se Kandinsky. 1923. Abstracción lírica.
convierte en algo absolutamente subjetivo. En este período el arte se caracteriza
por transmitir sentimientos, utilizando la mezcla de colores sin límites y del
mismo modo las formas geométricas, en una palabra, el arte se libera.
La abstracción no es un movimiento único, tampoco obedece a un programa
estético común. Ha ella podemos llegar a través de dos vías, ambas nacen de la
búsqueda de un orden y de una racionalidad exentos de referencias inmediatas
al mundo exterior. La primera se ha elaborado a partir de las experiencias
fauvistas y expresionistas que exaltan la fuerza del color y se denomina
abstracción lírica. La segunda, llamada abstracción geométrica, se apoya en la
estructuración cubista.
4.3.1. Abstracción lírica: Defiende un lenguaje basado en la función expresiva y
simbólica de los colores. A través de una serie de manchas de color pretende Ilustración 11. Ritmo, Alegría de la vida
Obra maestra abstracta Roberto Dalaunay.
plasmar el estado anímico del artista o causar una impresión anímica en el 1930.
espectador.
• Wassily Kandinsky: Llegó a una abstracción impregnada de sentimiento, su
pintura está destinada a despertar la emoción en el espectador. Para él, el arte
debía expresar el espíritu, la realidad interior, la los estados de ánimo, los
sentimientos. Suprime el título en muchas de sus obras. En 1910 ejecutó la
primera acuarela sin tema, conocida como Primera acuarela abstracta. Sobre un
espacio imaginario flotan y se mueven formas abstractas coloreadas en las que
no se encuentran referencias miméticas. La fluidez de las manchas de color y el
gesto nervioso de la línea configuran un espacio de gran dinamismo. Pinta
lienzos llenos de manchas cromáticas y formas simplificadas.
• Robert Delaunay: Ingresó en la abstracción, dedicándose a la investigación del
color y la luz. Estimulado también por el cubismo y el dinamismo futurista
practicó una forma de abstracción con colores vivos, organizados libremente en
torno a una estructura geométrica bastante elemental. También realizó obras Ilustración 12. Broadway Boogie Woogie.
con implicaciones musicales, basándose en la noción de dinamismo visual, Piet Mondrian Obra maestra de arte
abstracto. 1942.
provocado por el color.
4.3.2. Abstracción Geométrica: Basada en las leyes de la geometría y en las
matemáticas, busca la simplificación de las formas hasta su presentación más
elemental y genérica. Los dos pioneros de la abstracción geométrica son:
• Piet Mondrian: Aspiraba a una pintura no sentimental, no subjetiva,
independiente de cualquier carga histórica, cultural o geográfica. Lo consigue
limitando el vocabulario a la línea recta y el ángulo recto, es decir, a la horizontal
y al vertical y a los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul) junto con el
blanco, el gris y el negro, y no los que resultan de sus combinaciones. A este
nuevo lenguaje artístico lo llamó Neoplasticismo.
• Kazimir Malevich: Creó un estilo de formas básicas y de colores puros llamado
Suprematismo. Busca reducir la pintura a elementos geométricos, rectángulo,
cuadrado, círculo y triángulo, hasta llegar al cuadro como único elemento
geométrico. También practica un uso restrictivo del color, hasta llegar al uso Ilustración 13. Cuadrado negro – Obra de
exclusivo del blanco y el negro. pintura abstracta. Kazimir Malevich. 1915.
Profundiza en: https://www.arteespana.com/pinturaabstracta.htm
https://dibujoypintura.net/pintores/10-pintores-abstractos-mas-famosos

4.4 Cubismo.
El cubismo es una escuela y teoría estética de las artes plásticas y el diseño. Se
caracteriza por la utilización de las formas geométricas, como los cubos, los
triángulos y los rectángulos. El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo
entre 1907 y 1914. El término cubismo proviene del vocablo francés cubisme,
que fue propuesto por el crítico Louis Vauxcelles. Este especialista hacía
Ilustración 14. Guernica. Pablo Picasso.
referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de artistas como Pablo 1937. Cubismo.
Picasso, Juan Gris y Georges Braque. El cubismo es considerado la primera
vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a
principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la
perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras
geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada
«perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un
mismo plano.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista
inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que
necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el
discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en
adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados
de textos críticos que los explicaban.
Profundiza en: https://www.wikiart.org/es/artists-by-art-movement/cubismo

4.5 Expresionismo.
Corriente literaria y artística que nació en el territorio alemán a comienzos
del siglo XX, cuyos principios se basan en expresar las emociones en lugar de
intentar plasmar la realidad. Este movimiento supone una reacción
al impresionismo, que pretende representar la impresión que lo real produce en
Ilustración 15. Violín y jarra. Georges
la vista. Puede decirse que el expresionismo es una manera de entender el arte. Braque. 1910. Cubismo.
Pintores, escritores, fotógrafos, coreógrafos, cineastas y músicos, entre otros
artistas, abrazaron el expresionismo y se volcaron a manifestaciones
donde sobresale la visión interior del creador. Para el expresionismo, lo
importante es la expresión subjetiva de lo que se siente y no describir la
realidad de forma objetiva. De hecho, sus obras en ocasiones se constituyen
como una distorsión del plano real. La defensa de la libertad individual, el
interés por temáticas que se consideran tabú y el predominio de la pasión y la
emoción son algunos de los pilares del expresionismo, que abarcó diversos
estilos. Edvard Munch, Paul Klee y Amedeo Modigliani son algunos de los
artistas que suelen mencionarse como referentes del expresionismo ya que sus
trabajos expresan los sentimientos y no se limitan a representar aquello que
reflejan los sentidos. Ilustración 16. Castillo y sol. Paul Klee.
Veamos a continuación algunas de las características del expresionismo: 1928. Expresionismo.
• Subjetividad: por lo general, cuando hablamos de expresionismo pensamos en
una deformación de la realidad con la finalidad de reflejar la subjetividad del ser
humano. Esto se opone a una copia fiel de la realidad o una «impresión» de la
misma, tal y como ocurre en el impresionismo, ya que propone mirar más allá
de la capa externa;
• Contexto histórico: es importante entender que el expresionismo surgió a lo
largo de las denominadas Vanguardias históricas, a principios del siglo XX y antes
de que se desatara la Primera Guerra Mundial. Fue entonces que comenzó a
propagarse un rechazo por la filosofía positivista (la cual confiaba en los avances
y progresos de la ciencia para conducir a la sociedad), y esto se reflejó en una
actitud pesimista y en una pérdida de valores que se aprecia claramente a través
del expresionismo;
• Estilo: aunque las estéticas que se pueden apreciar en las obras de los
diferentes artistas que representan el expresionismo son muy variadas, algo que
permaneció firme desde el comienzo es el predominio de la subjetividad por
sobre otros factores que interesaban a los impresionistas, como ser la cercanía
con la realidad y la armonía de sus formas. La razón de las diferencias entre los Ilustración 17. Ansiedad. Edvard Munch.
artistas reside precisamente en que cada uno buscaba plasmar su propia visión, 1894. Expresionismo.
su manera única de ver las escenas que pintaba sobre el lienzo;
• Ámbito: si bien el expresionismo se dio en varias disciplinas artísticas, su
surgimiento tuvo lugar en la pintura, y fue en ese marco donde más se
desarrolló. Entre los recursos pictóricos destacados de los primeros ejemplos de
expresionismo se encuentran las sensaciones, el dinamismo y el color.
• Arquitectura: así como la pintura, la arquitectura también tuvo su paso por el
expresionismo, y esto ocurrió especialmente en Alemania, Bélgica, Holanda,
Dinamarca, Checoslovaquia y Austria.
Profundizar en: https://www.todocuadros.com.co/estilos-arte/expresionismo/

4.6 Performance.
El término performance no forma parte del diccionario de la Real Academia Ilustración 18. La habitación roja. Henri
Española (RAE). Es un anglicismo que se ha formado a partir del verbo perform, Matisse. 1908. Expresionismo.
que puede traducirse como “actuar o interpretar”. La palabra, de todas formas,
es muy habitual para nombrar a cierta muestra o representación escénica que
suele basarse en la provocación. Entre los muchos temas que se pueden abordar
a través de estas manifestaciones culturales los que mayor protagonismo han
tenido a lo largo de la Historia han sido el amor, el miedo, la soledad, la crueldad
del ser humano, la naturaleza, la evolución del universo… Todos ellos se han
mostrado y planteado a través de acrobacias, pintura, teatro o coreografías,
entre otras alternativas. Una performance, por lo tanto, intenta sorprender al
público ya sea por su temática o por su estética. Este tipo de acciones están Ilustración 19. Exquisite Cacophony. Sonia
vinculadas a la improvisación, el arte conceptual y los happenings o Boyvce. 2015. Performance.
manifestaciones artísticas que contemplan la participación del público). Por
ejemplo: “El performance de la artista plástica maravilló a los visitantes del
museo”, “El pintor prometió realizar una performance en vivo, donde creará
obras con materiales orgánicos”, “La fallida performance del músico le valió
numerosas críticas”.
Una de las características más importantes de una performance es que se
desarrolla en un lugar determinado durante un tiempo concreto. La performance
se lleva a cabo en vivo y existe mientras el artista realiza su propuesta, a
diferencia de una exposición tradicional.
En ocasiones, lo más importante de la performance no es su contenido, sino el Ilustración 20. "Yards" Allan Kaprow. 1960.
lugar donde tiene lugar. Hay artistas que desarrollan performances en la vía Performance. Considerado el padre
del happening, buscó borrar la línea
pública o que improvisan manifestaciones artísticas en lugares inéditos para
divisoria entre el arte y la vida. Llenó con
el arte, como un supermercado o un local de videojuegos. Muchas son las neumáticos el jardín de la Martha Jackson
figuras que se consideran que han podido pasar a ser iconos del mundo del Gallery de Nueva York. Niños y visitantes
performance. No obstante, entre todas ellas destacaría de modo significativo el interactuaban con los redondos objetos.
alemán Joseph Beuys quien mostró sus cualidades artísticas recurriendo al uso «La vida es mucho más interesante que el
arte, la línea entre el arte y la vida debe
de elementos tales como los animales, el papel o la paja, entre otros. mantenerse tan fluida, y tal vez indistinta,
Asimismo tampoco hay que pasar por alto a Hermann Nitsh, un artista austríaco como sea posible», sostenía.
que ha logrado fama mundial por la provocación de sus obras. Y es que en ellas
no duda en incluir diversos rituales ancestrales que están calificados como
salvajes. Hay quienes consideran que los flashmob son performances, aunque
no tienen intención artística. Se trata de grupos que ponen en marcha una
acción organizada en un lugar público, realizando algo inusual (como una guerra
de almohadas o un reparto de abrazos gratis).
Profundizar: https://www.wikiart.org/es/artists-by-art-movement/performance

4.7 Sintetismo.
Alrededor de 1888, Gauguin y un grupo de pintores con los que convive y
comparte ideas y experiencias artísticas en Pont-Aven, deciden llamar Ilustración 21. La visión tras el sermón,
“sintetismo” a eso “nuevo” que están haciendo, que ya nada tiene que ver con también llamado La lucha de Jacob con el
el impresionismo y que tendrá influencias decisivas en movimientos enteros de ángel. Paul Gauguin. 1888. Sintetismo.
la modernidad en general y el expresionismo en particular. Son artistas
postimpresionistas, que pertenecen a lo que se denominará Escuela de Pont-
Aven, y que practican el sintetismo (así como practican al mismo tiempo el
cloisonismo -la manera de aplicar el color por zonas delimitadas con bordes bien
marcados-, la diferencia es que el cloisonismo es una técnica y el sintetismo es
su teoría sobre lo que debe ser el arte).
Sintetismo hace referencia a la síntesis, pero no en el sentido de la
simplificación sino de obtener una cosa combinando varias. Lo que propone el
sintetismo es combinar: el alejamiento de la imitación de la naturaleza (ya no
importa la apariencia exterior de las cosas), con la pureza de la forma, con la
pureza del color, con la pureza de la línea, y con el sentimiento del artista. Al
combinarse estas características, el artista ya no pinta un objeto como lo ve sino
lo que siente, la emoción que le produce, y utiliza el color para enfatizar esa
emoción.
Lo que se busca en definitiva es “una mayor fuerza expresiva”, por eso estas
Ilustración 22. La bella Angèle. Paul
ideas resultan cruciales para el expresionismo. Lo que propone Gauguin es Gauguin. 1889. Sintetismo.
pintar “de memoria”, no pintar la cosa frente a uno sino la idea que ha quedado,
la esencia de la cosa que queda después del filtro de la memoria (que elimina los
detales, lo superfluo). Esas formas purificadas se colorean de acuerdo a las
emociones, al sentimiento, y entonces se llenan de significado.
Profundizar en: https://www.wikiart.org/es/paintings-by-style/sintetismo

4.8 Dadaísmo.
El dadaísmo es un movimiento artístico y literario que surgió durante la Primera
Guerra Mundial como una forma de protesta ante los cánones estéticos
dominantes. El término tiene su origen en el francés dadaïsme. Los historiadores
del arte nombran a Tristan Tzara como el primer impulsor de este movimiento
que se burlaba de las manifestaciones artísticas y que pretendía destruir las Ilustración 23. Annunciation. Émile Bernard
1890. Sintetismo.
convenciones propias del orden establecido. No obstante, el movimiento
cultural como tal se cree, por otros muchos historiadores y artistas, que fue
creado propiamente por el escritor alemán Hugo Ball. El año 1916 y el Cabaret
Voltaire de Suiza se consideran así el momento y el lugar donde se produjo el
nacimiento de aquel, que revolucionaría el mundo del arte en general. El
dadaísmo trascendió la vanguardia artística y supuso una crítica a los valores
vigentes durante la Primera Guerra Mundial y los años posteriores. Esta
pretensión revolucionaria hace que el dadaísmo suela ser conocido como el anti-
arte. Sus integrantes apelaban, por ejemplo, a materiales inusuales para la
confección de las obras artísticas. La libertad absoluta, lo inmediato, la
contradicción y la espontaneidad de dadaísmo buscaban derrocar las leyes de
la lógica, el pensamiento inmóvil, los conceptos abstractos, lo universal y la
eternidad de los principios. Los dadaístas proponían el caos por sobre el orden y
llamaban a romper las fronteras entre el arte y la vida. Muchos fueron los Ilustración 24. La fuente. Marcel Duchamp.
autores que formaron parte del dadaísmo y que dejaron su profunda huella en 1917. Dadaísmo.
el mismo y en el arte en general. Este sería el caso de Marcel Duchamp, artista
francés que es conocido por obras tan singulares como “La fuente” (un urinario),
o del norteamericano Man Ray, que tiene entre sus trabajos más emblemáticos
a “La arquitectura de tus huesos”. El pintor alemán Kurt Schwitters es otro de los
miembros relevantes del dadaísmo, una corriente dentro de la que destacó por
llevar a cabo collages donde el material principal que usaba y que se convertía
en protagonista era el papel usado. No obstante, también podríamos destacar a
Hans Richter o a Richard Hülsenbeck. Aunque los orígenes del nombre del
movimiento no están claros, se cree que Tzara eligió dicha nominación por
Ilustración 25. Glass Tears. Lagrimas. Man
los primeros balbuceos que realiza un niño (“dada”). El movimiento buscaba
Ray. 1932. Dadaismo.
crear una nueva forma de arte partiendo desde cero, tal como empieza un niño
su camino por la vida. Sin embargo, para otros autores, y en base a lo que
comentaron diversas ilustres figuras del citado dadaísmo como sería el caso del
poeta francoalemán Jean Arp, el nombre de este movimiento cultural lo
consiguió Tristan Tzara a partir de un diccionario. Y es que se dice que, buscando
el nombre que definiera aquel, abrió un diccionario y buscó la palabra más
absurda. En este caso, la encontró y la empleó. Nos estamos refiriendo al
vocablo francés dadá que puede traducirse como caballo de madera. La
influencia del dadaísmo hace que, en la actualidad, todavía se debata sobre qué
es el arte y qué creaciones deben ser consideradas como artísticas. La ausencia
de reglas fijas y convenciones que promulgaban los dadaístas aún tienen Ilustración 26. Mustache Hat. Jean Arp.
vigencia para muchos artistas. 1932. Dadaísmo.
Profundizar en: https://concepto.de/dadaismo/
https://www.wikiart.org/es/artists-by-art-movement/dadaismo
https://www.arteespana.com/dadaismo.htm

4.9 Surrealismo.
El surrealismo o superrealismo es un concepto del francés surréalisme Se trata
de un movimiento literario y artístico que busca trascender lo real a partir del
impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional. El dadaísmo (que se opuso a la
razón positivista y se rebeló contra las convenciones literarias burguesas) es el
antecedente inmediato del surrealismo, cuyo primer manifiesto fue firmado por
el poeta y crítico literario francés André Breton en 1924. Los surrealistas
persiguen la verdad mediante escrituras automáticas donde se omiten las
correcciones racionales. Los escritos surrealistas se basan en la utilización de
imágenes para la expresión de emociones. El término surrealismo fue acuñado
por Guillaume Apollinaire en 1917, cuando lo utilizó en el marco del programa
que escribió para el musical “Parade”. Muchos han sido los artistas que se han
convertido en auténticos referentes del surrealismo a lo largo de la historia,
entre ellos el español Salvador Dalí. Uno de los mayores y mejores Ilustración 27. L.H.O.O.Q. Marcel Duchamp.
representantes del surrealismo es este que tiene quizás como obra más 1919. Dadaísmo.
significativa aquella que lleva por título “La persistencia de la memoria”. Man
Ray, Meret Oppenheim o Masson también son artistas fundamentales a la hora
de entender este movimiento artístico que se hizo extensible no sólo a la pintura
sino también a otros campos. De esta manera, hay que subrayar que al cine
llegó de manos de ilustres directores que marcaron un antes y un después en la
historia de aquel. En concreto, merece la pena destacar a insignes personajes
como al español Luis Buñuel que, precisamente junto a Dalí, creó una película
que se ha convertido en una producción de culto. Nos estamos refiriendo a “El
perro andaluz” (1928). En la literatura, por su parte, hay que subrayar a Pierre
Naville o André Breton. Y mientras en las artes plásticas en general también se Ilustración 28. La persistencia de la
apostó de manera contundente por el surrealismo gracias a la influencia que memoria. Salvador Dalí. 1931. Surrealismo.
pintores, escultores, cineastas y literatos estaban ejerciendo en todos los
ámbitos de la vida. En cuanto al aspecto artístico, una de las principales
innovaciones del surrealismo fue la técnica del cadáver exquisito, que consiste
en la creación colectiva de un conjunto de imágenes o textos. Un artista
comienza una obra y se la pasa a otro artista, quien la continúa sin mirar lo que
hizo el creador precedente.
Profundizar: https://www.wikiart.org/es/artists-by-art-movement/surrealismo

5. METODOLOGÍA (METHODOLOGY)
Lea y consulte cada uno de los movimientos estudiados en cada semana de
Ilustración 29. El venado herido. Frida
clase. Realice un resumen corto sobre las ideas que le parecen importantes. Kahlo. 1946. Surrealismo.
Usando esas ideas haga su propuesta de obra de arte teniendo en cuenta las
disciplinas artísticas pintura, escultura, danza, teatro, y música. Elija una de ellas
de manera libre para hacer su propuesta. Puede entregar sus archivos en
formato jpg o png en caso de ser imagen. Puede entregar sus archivos en
formato pdf de ser escrito (teatro o literatura). Puede entregar sus archivos en
formato mp4, wmv, mpg en caso de ser música, danza o interpretación teatral.

6. APRENDIZAJE EN CASA (HOME LEARNING)

Realice su obra de arte en cada movimiento artístico. Tenga en cuenta que
puede usar cualquier disciplina artística: Pintura, escultura, danza, teatro y
música. Entregue una obra por semana teniendo en cuenta el tema. Ilustración 30. La lámpara filosófica. Rene
Guarde su obra así 11-X OBRA – ARTISTA Magritte. 1936. Surrealismo.
Ejemplo: 11-5 Vida Pasada – Rincón Julián.jpg
6.1. Arte pop. Plásticas: Tema: Qué es la cuarentena.
Plásticas: Collage, comic y puntos. Escénicas: música, danza y teatro.
6.2. Simbolismo. Tema: Dios o tu idea de eternidad.
6.3. Abstracción. Tema: Tus creencias.
6.4. Cubismo. Tema: Tú mismo.
6.5. Expresionismo. Tema: Estado emocional actual.
6.6. Performance. Tema: Tu relación familiar.
Puede usar: Consulte qué es un Fluxus y realice uno.
https://www.youtube.com/watch?v=Q5MUOyJPhrA
Consulte que es un Happenings y realice uno. Escriba el libreto que ejecutaría
el público y haga la instalación para que se lleve a cabo.
https://www.actuallynotes.com/el-happening-como-tendencia-artistica/
6.7. Sintetismo. Tema: Tus relaciones interpersonales.
6.8. Dadaísmo. Tema: tu sociedad circundante Ilustración 31. El hijo del hombre. Rene
6.9. Surrealismo. Tema: La vida. Magritte. 1936. Surrealismo.
Use la técnica del cadáver exquisito. En casa construyan la obra entre todos
los miembros de la familia.
6.10 Cree un glosario con mínimo 10 términos del arte contemporáneo. Cada
definición menor a 2 líneas.

ENTREGUE UN (1) EJERCICIO DEL AVANCE DEL PUNTO 6 CADA SEMANA

LUGAR DE RECEPCIÓN: PIZARRON DE TAREAS.
Si su archivo tiene alta calidad puede enviar por correo de plataforma o:
jamado@sdbbmanga.org
EN EL CASO DE RECLAMAR LA GUIA EN EL COLEGIO PUEDE ENTREGAR TODOS
LOS TRABAJOS EN LA SEMANA NUEVE.
Pregunte en clase y aclare todas sus dudas o potencie todas sus ideas. Ilustración 32. Sonata africana. Vladimir
Kush. Surrealismo.
EVALUACIÓN (EVALUATION)
Auto evalúa el trabajo realizado durante la unidad partiendo del propósito de esta guía.
CONOCER: _____ HACER: _____ SER: _____ CONVIVIR: _____
Marca cual es el grado de dificultad para el cumplimiento de los compromisos (10 para mayor dificultad)
1 2 3 4 5 6 7 8 9 10
REFERENCIAS (REFERENCES)
Amado, J. (2020). ARTE SALESIANO. https://sites.google.com/view/artesalesiano/3-undecimo
MEN. (2010). Lineamientos Curriculares Educación Artística. Artes Plásticas. Editorial Magisterio.
Porto, J. Meriro, M. (2020). Definición. https://definicion.de/
Tres minutos de arte. (2020). https://3minutosdearte.com/movimientos-y-estilos/las-vanguardias/
WikiArt. Enciclopedia de artes visuales. (2020). https://www.wikiart.org/es/artists-by-art-movement
CUIDEMOS EL PLANETA. NO IMPRIMA ESTA GUIA